El calendario chino, con su intrincada danza de ciclos y animales sagrados, nos conduce en 2025 al año de la Serpiente. Este animal, el sexto del zodíaco chino, está envuelto en un simbolismo complejo que se extiende más allá de su asociación con la astucia o la astucia simplista que suele asignársele. En el contexto de las tradiciones chinas y más allá, la serpiente emerge como una figura profundamente ambigua: un puente entre los mundos terrenales y espirituales, un emblema de renovación, y un recordatorio del poder latente en lo desconocido.La Serpiente en el zodíaco chinoEl ciclo de doce años del calendario chino está basado en el sistema de ramas terrestres y troncos celestiales, que combinan elementos (madera, fuego, tierra, metal, agua) con los animales simbólicos. El año de la Serpiente, como corresponde en 2025 al elemento madera, se configura como un periodo de introspección, crecimiento y adaptabilidad. Las personas nacidas bajo este signo son consideradas pensadores profundos, que poseen una habilidad innata para percibir lo que subyace bajo la superficie de las cosas. La madera, además, enfatiza el desarrollo, las raíces y la conexión con la naturaleza.En la tradición china, la serpiente simboliza sabiduría y misterio. Lejos de la visión judeocristiana de la serpiente como tentadora, aquí se la respeta como una presencia intuitiva, capaz de iluminar los secretos del cosmos. Su energía se asocia con la elegancia y la discreción; su movimiento sinuoso, casi hipnótico, es una metáfora de la capacidad de adaptarse a los cambios inevitables de la vida.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Simbología de la serpiente: Un viaje a través de culturasLa serpiente como figura mitológicaEn muchas culturas, la serpiente ocupa un lugar prominente como símbolo de transformación. En la India, la figura del nāga, una deidad serpentina, se asocia tanto con la fertilidad como con la protección y la sabiduría. Los nāgas habitan en ríos y lagos, y su capacidad para deslizarse entre los mundos los convierte en mediadores entre lo humano y lo divino. De manera similar, en la mitología mesoamericana, la Serpiente Emplumada, conocida como Quetzalcóatl, encarna el conocimiento, el aliento vital y la renovación cíclica.En la tradición griega, encontramos a Asclepio, el dios de la medicina, cuya vara está entrelazada con una serpiente. Este ícono, que pervive en el caduceo usado por profesionales de la salud, subraya la relación entre la serpiente y la sanación. Aquí, la muda de piel del reptil simboliza el poder de la regeneración y el renacimiento.La serpiente en la Biblia y la narrativa cristianaSi bien el relato bíblico de la serpiente en el Jardín del Edén ha influido en su asociación negativa en Occidente, la tradición también incluye perspectivas matizadas. En el Éxodo, el bastón de Moisés, transformado en serpiente, es un instrumento de poder divino. Este contraste revela la dualidad inherente al símbolo: destructiva y redentora, peligrosa y protectora.La serpiente en el arte y el cineEl arte occidental ha jugado con la ambigüedad de la serpiente a lo largo de los siglos. En la obra de Gustav Klimt, "La medicina" (1901), una serpiente entrelazada con el cuerpo humano simboliza tanto el conocimiento como la mortalidad. Klimt captura la tensión entre lo sensual y lo espiritual que caracteriza a este reptil.En el cine, la serpiente se convierte en un personaje metafórico y literal. Pensemos en "El abrazo de la serpiente" (2015), dirigida por Ciro Guerra. Esta película colombiana narra el encuentro entre un chamán amazónico y dos exploradores occidentales, utilizando a la serpiente como metáfora de la sabiduría ancestral y la alienación cultural. La serpiente, en este caso, no está presente físicamente, pero impregna la narrativa con su simbología.En un registro distinto, "Kill Bill Vol. 2" (2004) de Quentin Tarantino presenta la "Mamba Negra" como una figura literal y simbólica de letalidad y astucia. El veneno de la mamba, una de las serpientes más mortíferas del mundo, refleja la naturaleza implacable de los personajes y sus motivaciones.Conexión moderna y espiritualEn la actualidad, la serpiente también es un emblema en la espiritualidad contemporánea. El concepto hindú de la energía Kundalini describe una fuerza serpentina enroscada en la base de la columna vertebral, que asciende a través de los chakras para alcanzar la iluminación. Este proceso alude al potencial dormido dentro de cada ser humano y la transformación que ocurre cuando se libera.En 2025, como año de la Serpiente, este simbolismo invita a una reflexión sobre los ciclos de cambio, el poder de la adaptación y la sabiduría que emerge al enfrentar lo desconocido. La serpiente, como guía y maestra, nos desafía a mirar más allá de las apariencias y a abrazar la ambigüedad como fuente de revelación.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La organización con sede en Nueva York, que este año celebra su aniversario número 60, señala que debido al auge de los viajes y el turismo espacial es imperativo proteger el legado del hombre en la Luna iniciado en 1969 con el Apolo XI de la NASA."A medida que comienza una nueva era de exploración espacial, se requiere la colaboración internacional para proteger los restos físicos de los primeros alunizajes y preservar estos símbolos perdurables de los logros humanos colectivos", señala WMF.Entre los 25 monumentos incluidos en la lista de 2025 por enfrentar importantes desafíos, como el cambio climático, el turismo, los conflictos y los desastres naturales, y que necesitan protección están las ruinas del pueblo español de Belchite (Aragón), arrasado en la Guerra Civil (1936-1939) y abandonado durante décadas, y el tejido urbano histórico de Gaza (Palestina), objeto de una "destrucción sin precedentes" a causa de la guerra de Israel contra Hamás."La inclusión del tejido urbano histórico de Gaza en el World Monuments Watch de 2025 llama la atención sobre la terrible situación que enfrenta este patrimonio y la rica historia y cultura de Gaza", dice la organización.WMF condena "los ataques a sitios culturales en tiempos de conflicto y enfatiza la necesidad crítica de preparar esfuerzos de recuperación posteriores al alto el fuego que se centren en restaurar un sentido de continuidad para una comunidad que ha sufrido una pérdida inmensa".En cuanto a Belchite, dice que las estructuras que quedan en el casco antiguo del pueblo "necesitan una conservación urgente". "El lugar fue protegido con una valla y se abrió a visitas guiadas en 2013, pero muchas estructuras de gran importancia histórica y arquitectónica se enfrentan a un colapso inminente. Al ritmo actual de deterioro, se estima que en 20 años habrán desaparecido los monumentos y el carácter más notables de la ciudad", subraya WMF.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En América Latina WMF pide atención para el Qhapaq Ñan, una red de caminos prehispánica que discurre por partes de lo que hoy son Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador y Perú y converge en Cuzco ( Perú).Más de 616 kilómetros y 308 sitios arqueológicos de la red han sido inscritos en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO como Itinerario Cultural de Importancia Transnacional, pero la red enfrenta, "junto con las presiones del desarrollo, los desafíos ambientales y los patrones climáticos cambiantes", "una degradación acelerada".World Monuments Watch aboga por "un enfoque holístico, inclusivo y centrado en la comunidad para gestionar y preservar el Qhapaq Ñan".También forma parte de la lista los campos del Waru Waru, un sistema agrícola ancestral en Perú, una sala de cine modernista en Angola, La Capilla de la Sorbona de París, los faros de Maine (EE.UU.), las figuras de Terracota de Alcobaca (Portugal), un monasterio budista en Mongolia y los sitios judíos del Atlas en Marruecos, entre otros.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El espacio, que es "anexo a una sala de banquetes", emergió de las excavaciones en curso en la llamada Ínsula 10 del área Regio IX de Pompeya y revela muestras de la opulencia de quién poseía el lugar hace dos milenios, informó este viernes el Parque Arqueológico del yacimiento.Según su director, Gabriel Zuchtriegel, se trata de "un ejemplo de cómo la 'domus romana' sirvió de escenario para el espectáculo artístico y cultural que el propietario montaba para ganar votos y congraciarse con la buena voluntad de los invitados".Destacan además las pinturas de los muros, "con temas de la guerra de Troya" o representaciones de atletas, unos elementos que buscaban exponer un ambiente "de cultura, erudición y ocio". También hay una sala con las paredes recubiertas de negro, "que debía transportar a los invitados a un gran palacio griego", otro elemento de opulencia.Hasta ahora, este es "uno de los lugares de mayor dimensión y más articulados entre los espacios termales privados jamás conocidos en Pompeya", resalta el Parque Arqueológico en una nota.El complejo perteneció "a algún personaje importante de la sociedad local" que integró la élite de la ciudad y que, dada su posición, disponía de "un espacio para acoger a numerosas personas, a las que poder ofrecer ricos banquetes y la oportunidad de bañarse y relajarse"."Se trata de una casa propia con espacios enormes para celebrar banquetes. Estos tenían la función de crear consenso, de promover una campaña electoral, de cerrar negocios", señala Zuchtriegel.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.A estos eventos solían asistir también "personas más humildes" a las que el poderoso mostraba su riqueza y les ofrecía "hacer un buen tratamiento en las aguas termales de la casa", en el que "sería probablemente el complejo termal más grande en una vivienda de Pompeya", añade el director."Era habitual que primero se realizase el baño y después el banquete, todo en el complejo de la misma casa, donde hay espacio para una treintena de personas", detalla el director, que asegura que el espacio termal disponía de todas las estructuras necesarias.Los baños estaban compuestos por el 'calidarium', 'tepidarium' y 'frigidarium' (sala caliente, templada y fría), y la casa también incorporaba una cámara frigorífica con un gran patio porticado en cuyo centro se situaba un gran estanque."Todo funcionaba en torno a la puesta en escena de un 'espectáculo', en cuyo centro estaba el propio propietario", concluye Zuchtriegel.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Para comprender por qué La Escombrera es tan importante en el esclarecimiento de casos de desaparición forzada y por qué las muestras artísticas que honran a las víctimas no deben ser censuradas hay que remitirnos a finales de los años noventa.Al occidente de la capital antioqueña está ubicada la Comuna 13 y al noroccidente del ahora famoso mirador de la comuna está ubicada la La Escombrera, que por años fue el tiradero de escombros, concreto y basura de construcción de la ciudad. Volquetas iban y venían con frecuencia a este lugar mientras la comuna atravesaba una ola de violencia solo comparable con la que sufrió entre finales de los años ochenta e inicios de los noventa a causa del narcotráfico.La Comuna 13 fue desde 1998 un territorio en disputa entre grupos paramilitares, autodefensas y facciones urbanas de guerrillas, en el centro estaban los habitantes de los barrios, quienes fueron víctimas de amenazas, extorsiones, reclutamiento, desapariciones forzadas, torturas y asesinatos, entre muchos otros crímenes de guerra.En medio del fuego cruzado estaban los civiles, muchos jóvenes acusados de pertenecer a un bando u otro, acusaciones que como consecuencia tenían sus desapariciones. Las víctimas aún vivas eran llevadas a La Escombrera para ser torturados, en algunos casos, o sus cuerpos ya sin vida eran arrojados en este lugar para que sus restos se perdieran entre montañas de escombros.Así lo confesaron exparamilitares, “quienes decidieron revelar los sitios usados para arrojar los cuerpos de sus víctimas como reparación y verdad en sus procesos penales de la Ley de Justicia y Paz”, según documentó la Unidad de Víctimas en un reportaje publicado en 2015. Este texto además cuenta que las personas que fueron sacadas de locales, casas y calles fueron llevados a este lugar y a la arenera para ser asesinados “por orden de jefes paramilitares como alias de ‘King Kong’ y el ‘Negro Elkin’”.El recrudecimiento de la violencia en la comuna fue tal que según los registros de la Unidad de Búsqueda de personas dadas por desaparecidas hay alrededor de 502 personas desaparecidas durante la década del 2000, una cifra que llega a 5.912 víctimas en toda la ciudad.En el 2002, “las Milicias Bolivarianas de las FARC, el ELN y los Comandos Armados del Pueblo prohibieron el ingreso de personas ajenas al barrio, incluyendo a las instituciones gubernamentales o no gubernamentales”, según registra el libro La huella invisible de la guerra. Desplazamiento Forzado en la Comuna 13, con el objetivo de bloquear la presencia paramilitar.Esta acción en los meses siguientes tuvo como resultado constantes enfrentamientos entre los grupos guerrilleros y los paramilitares del Bloque Cacique Nutibara (BCN) y el Bloque Metro.En ese contexto llegó el punto álgido de la violencia en la Comuna 13 que tuvo lugar el 16 de octubre de 2022 cuando inició la intervención armada de la comuna a manos de más de 1.500 efectivos de la fuerza pública acompañados de uniformados encapuchados y armados. Hasta ahora, ha sido la irrupción en espacio urbano más grande en la historia del conflicto y se extendió hasta diciembre de ese año.La Operación Orión, como se nombró esa intervención armada que pretendía mermar las acciones de la guerrilla en la zona, dejó como resultado desplazamientos forzados, 1 muerto, 38 heridos y 8 desaparecidos entre la población civil, de acuerdo con el Centro Nacional de Memoria Histórica.Después del 16 y 17 de octubre, la presencia armada continuó con al menos 150 allanamientos y señalamientos a la población de pertenecer a algún grupo armado, hechos en los que además se cometieron ejecuciones extrajudiciales y desapariciones forzadas, de acuerdo con informe de la Comisión de la Verdad entregado en 2022.Entre señalamientos, torturas y asesinatos los conductores de los escombros que iban hacia La Escombrera “fueron obligados, bajo amenaza de muerte, para que también cargaran con los cuerpos y así asegurarse que quedaran sepultados cada vez más profundo”, reza el documento de la Unidad de Víctimas. Fue así como La Escombrera se convirtió en una “fosa común a cielo abierto”.Las buscadoras y los primeros hallazgos en La EscombreraDesde el inicio de las desapariciones las madres de las víctimas han señalado a La Escombrera como el paradero de los cuerpos de sus familiares y en una lucha incansable han recurrido al Estado y organizaciones de Derechos Humanos para buscar a sus seres queridos.En 2015, por ejemplo, se llevó a cabo una ceremonia ritual el 27 de julio a la que asistieron familiares de desaparecidos entre 1998 y 2004 para abrir el camino a las excavaciones e investigaciones en la zona aledaña a ese vertedero, tras las declaraciones de ‘Móvil 8’, un exparamilitar.En medio de voluntades políticas inexistentes, tuvieron que pasar 22 años para que las excavaciones en La Escombrera se realizarán con efectividad y el 18 de diciembre de 2024 se anunciaran los primeros hallazgos de restos humanos como desde hace años las familiares habían señalado.“En el marco de las medidas cautelares de protección de lugares de inhumación que adelanta la Sección para Casos de Ausencia de Reconocimiento de la JEP, en plena coordinación con la Unidad de Búsqueda de Personas dadas por Desaparecidas, fueron halladas las primeras estructuras óseas que podrían corresponder a personas desaparecidas en el contexto del conflicto armado en La Escombrera de la Comuna 13 de Medellín”, anunció la UBPD.Ahora dichos restos están en proceso de ser identificados, al mismo tiempo que el 10 de enero de este año la misma entidad informó del hallazgo de restos que corresponden a dos cuerpos.De estos hallazgos, anunciados hace más de dos décadas por las mujeres buscadoras surgió “Las cuchas tienen razón”, la frase emblemática que hace referencia al clamor por justicia y verdad de las madres, familiares e hijas de los desaparecidos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Pese al hundimiento de la Ley de Financiamiento en el Congreso de la República, en diciembre del año anterior, el ministro de las Culturas, Juan David Correa, anunció que el sector cultura contará con un presupuesto de $1.09 billones.Si bien estos recursos representan una reducción del 18% frente al 2024 ($1.32 billones), el presupuesto de este año es el segundo más alto en la historia del sector en términos reales. De las cuatro entidades que componen al sector, el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes es la única que presenta una disminución del 21% en su presupuesto, mientras que las tres entidades adscritas tendrán aumentos. El Archivo General de la Nación, 19%, el Instituto Colombiano de Antropología e Historia, 17%, y el Instituto Caro y Cuervo, 8%.“Vamos a poder defender nuestros programas. En un momento de complejidades, el Gobierno nacional eligió la cultura como uno de los motores de cambio social para este país. El único interés es dejar un sector cultural fortalecido”, dijo el ministro de las Culturas.Uno de los proyectos es la renovación del Programa Artes para la Construcción de Paz, que llevará no solo música a las instituciones educativas, sino también artes plásticas, danza, poesía y comunicación.Mantendrá la meta de beneficiarios a 300.000 niños, niñas yadolescentes en más de 680 municipios del país, y se abrirán 1.153 plazas de docentes de aula en áreas de danza, música y literatura, en alianza con Mineducación.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además, se garantizará el apoyo a proyectos como el Salón Nacional de Artistas y el Festival Internacional de Artes Vivas – FIAV. Asimismo, este presupuesto permitirá la entrega de nuevos espacios culturales como teatros, casas de la cultura y bibliotecas en diversas regiones del país. Una de las obras destacadas es el Teatro César Conto de Chocó.Sumada a la entrega del Edificio Mantenimiento del Hospital San Juan de Dios, en 2024, el ministerio continuará con 12 edificios adicionales, entre los que se destacan el Instituto Materno Infantil y los primeros auxilios del Edificio Central.Con respecto a las convocatorias, se mantienen los recursos para el desarrollo del Programa Nacional de Estímulos y se atenderán los compromisos con los grupos étnicos y acciones judiciales de reparación en el país. También, continuará el fortalecimiento de espacios de atención al público, como el Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella, el Museo Nacional de Colombia, la Biblioteca Nacional de Colombia y más de 2.300 bibliotecas públicas, rurales, itinerantes y comunitarias en el país.Por otro lado, el Minculturas se prepara para presentar el fortalecimiento de la Ley General de Cultura en el Congreso de la República, un paso crucial para consolidar el sector cultural y garantizar su sostenibilidad a largo plazo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La encuesta, realizada por la Asociación de Directores de Museo de Arte (AAMD), PEN America y Conexión de Artistas en Riesgo (ARC) en verano de 2024, y publicada este martes, constata que los líderes de los museos perciben la censura como "un problema cada vez peor" y temen que continúe así.Cerca del 65 % de los participantes indicaron haber recibido "presión para no incluir una exposición u obra de arte" durante sus carreras, y un 45 % admitió que las presiones se debieron a que el arte "era considerado potencialmente ofensivo o polémico", indica el informe.Los directores trataron "las consecuencias culturales de la guerra Israel-Hamás en Gaza", y aunque se expresaron con optimismo sobre las oportunidades para mostrar obras de artistas palestinos e israelíes, un gran número "relataron cómo esto es un nuevo tema espinoso en el sector del arte", señala el texto.En ese sentido, algunos directores sostuvieron que hay tensiones y esfuerzos para "censurar arte y artistas relacionados con el conflicto israelí-palestino" desde hace muchos años, en algunos casos por parte de donantes del museo, pero también del propio personal y los visitantes.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Actualmente, todos luchamos para hallar el enfoque correcto con artistas que expresan apoyo a Israel o Palestina en sus obras. Esas muestras casi con total seguridad se convierten en puntas de lanza de voces extremistas de un lado u otro", dijo un director, no identificado.Los puntos más polémicos en el mundo de los museos de arte están en obras referentes "al conflicto Israel-Palestina o arte que critica el cristianismo, particularmente en cuanto a esfuerzos motivados religiosamente para censurar la desnudez o la sexualidad", declara uno de los extractos del documento.Preguntados por varios temas polémicos para exposiciones y la probabilidad de que su museo reciba quejas del público, el primer lugar lo ocupó el arte "crítico con el cristianismo", al que aludieron el 30 % de los encuestados, "con el expresidente Trump" (28 %), y con el presidente Biden (21%).Además, el 90 % de los directores participantes revelaron que sus museos no tienen políticas específicas para responder a amenazas de censura formales o informales, por lo que las organizaciones recomendaron establecer procedimientos al respecto, con condiciones para "alterar" exposiciones.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La extracción de plomo durante la época romana expuso a la población a altos niveles de exposición a ese metal y en el caso de la infancia podría haber provocado descensos cognitivos generalizados de entre 2,5 y 3 puntos del cociente intelectual en todo el Imperio Romano.Un nuevo estudio liderado por el Desert Research Institute (EE. UU.) y que publica PNAS se basó en registros de núcleos de hielo del Ártico y modelos de aerosoles atmosféricos para estimar las concentraciones y el posible impacto sanitario del plomo en el aire europeo durante el apogeo del Imperio Romano, la llamada Pax Romana.Contexto histórico y evidenciasLos registros históricos y arqueológicos indican que las poblaciones europeas de la época romana presentaban altos niveles de exposición al plomo, entre otras cosas por la contaminación atmosférica asociada a la extracción y fundición a gran escala de minerales de plata y plomo. La exposición al plomo es responsable de una serie de efectos sobre la salud humana e incluso niveles relativamente bajos afectan al desarrollo cognitivo de los niños.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEl equipo examinó tres registros de núcleos de hielo para determinar los niveles de contaminación por plomo en el Ártico entre los años 500 a.C. y 600 d.C, un periodo que abarca desde el auge de la República Romana hasta la caída del Imperio Romano, centrándose en los aproximadamente 200 años de apogeo de este último.Los isótopos de plomo permitieron al equipo identificar las operaciones de minería y fundición en toda Europa como la fuente probable de contaminación durante este periodo.La modelización informática avanzada del movimiento atmosférico produjo además mapas de los niveles de contaminación atmosférica por plomo en toda Europa.Resultados de la investigaciónSegún la investigación, durante los casi 200 años de apogeo del Imperio Romano se liberaron a la atmósfera más de 500 kilotoneladas de plomo.El análisis indica que las emisiones europeas de plomo aumentaron bruscamente en torno al 15 a.C., tras el auge del Imperio Romano, se mantuvieron elevadas hasta el declive de la Pax Romana, que comenzó en torno al 165 d.C., y no se superaron hasta principios del segundo milenio de nuestra era.Impacto en el desarrollo cognitivoBasándose en estudios epidemiológicos modernos, los autores estimaron que la contaminación atmosférica por plomo durante la Pax Romana habría provocado un aumento medio de los niveles de plomo en sangre durante la infancia de unos 2,4 microgramos por decilitro.Esa exposición al plomo en la infancia habría causado, según los autores, descensos cognitivos generalizados de entre 2,5 y 3 puntos de cociente intelectual en todo el Imperio Romano."Se sabe que el plomo tiene una amplia gama de efectos sobre la salud humana, pero decidimos centrarnos en el deterioro cognitivo porque es algo a lo que podemos ponerle una cifra", dijo Nathan Chellman, coautor del estudio.Una reducción del cociente intelectual de 2 a 3 puntos "no parece gran cosa, pero si se aplica a toda la población europea, es un gran problema", agregó Chellman, en un comunicado del Desert Research Institute.Efectos en la saludEn los adultos, los niveles elevados de exposición al plomo están relacionados con la infertilidad, la anemia, la pérdida de memoria, las enfermedades cardiovasculares, el cáncer y la reducción de la respuesta inmunitaria, entre otros efectos.En los niños, incluso niveles bajos de exposición se han relacionado con un cociente intelectual reducido, problemas de concentración y menor éxito académico."Este es el primer estudio que toma un registro de contaminación de un núcleo de hielo y lo invierte para obtener concentraciones atmosféricas de contaminación y luego evaluar los impactos humanos", destacó en el comunicado el autor principal del estudio Joe McConnell.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Hay Festival llegará a Medellín, a bibliotecas, museos, plazas y distintos escenarios de la ciudad con su versión Forum para conversar sobre problemáticas actuales, soluciones posibles y retos en temas ambientales, sociales, políticos y culturales. La cita será del 27 al 29 de enero y contará con la participación de figuras nacionales e internacionales como Gioconda Belli, Juan Gabriel Vásquez, Mariano Sigman y Jennifer Ackerman. “Reuniremos en diferentes espacios de la ciudad, como bibliotecas públicas, el MAMM o Parque Explora, a varias de las mejores mentes de nuestra generación, a nivel local e internacional, para conversar sobre el mundo y al mismo tiempo promover la pluralidad, la diversidad y el pensamiento crítico. Y celebraremos, para encontrar esperanza a través de la literatura e ideas”, escribió Cristina Fuentes La Roche, directora internacional del Hay Festival.En esta ocasión todos los eventos serán de entrada gratuita. A continuación compartimos la programación por días del evento:💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLunes, 27 de eneroBocafloja en conversación con Juan MosqueraEl poeta, comunicador social y artista de spoken word y Hip Hop mexicano, Aldo Villegas, conocido artísticamente como Bocafloja, estará conversando sobre su trabajo y su uso del Hip Hop como herramienta de concientización social en Latinoamérica.📍 Parque Biblioteca de San Javier🕒 4:00 p. m.Rafael Navarro en conversación con Juan Pablo Pineda ArteagaRafael Navarro (España) sociólogo, agricultor y activista ecologista, es el autor de Planeta invernadero, novela sobre una ingeniera agrónoma que decide darle un vuelco a su vida📍 Biblioteca La Floresta🕒 4:30 p. m.Melba Escobar en conversación con Manuela GómezEscobar conversará sobre Las huérfanas, su último libro que retrata a su madre, Myriam de Nogales, “una mujer inalcanzable en sus destrezas y talentos, apasionada, cáustica, herida e hiriente, brillante”.📍 Biblioteca Pública Piloto🕒 6:00 p. m.Botero en movimiento: ballet inspirado en la obra de Fernando BoteroBOTERO es una obra en la que el espectador ve cómo la pintura y la escultura del “Boterismo” son llevados al arte efímero de la danza frente a sus sentidos.📍 Teatro Metropolitano de Medellín🕒 7:30 p. m.Martes, 28 de eneroVirginia Mendoza y Rafael Navarro de Castro en conversación con Rosana ArizmendiDos personalidades que escriben y reflexionan sobre nuestra relación con la naturaleza conversan con Rosana Arizmendi. Virginia Mendoza (España), periodista y antropóloga y Rafael Navarro de Castro (España) sociólogo, agricultor y activista ecologista.📍 MAMM (Teatro)🕒 3:45 p. m.Jennifer Ackerman en conversación con Jorjany BoteroEl nuevo libro de Jennifer Ackerman es una mezcla de tratado de historia natural, estudio de comportamiento e indagación en la simbología de estas extraordinarias criaturas. En conversación con Jorjany Botero.📍 MAMM (Teatro)🕒 5:45 p. m.Gioconda Belli y Melba Escobar en conversación con María José Castaño📍 MAMM (Plazoleta)🕒 7:45 p. m.Bocafloja en conversación con Juan Mosquera, seguido de conciertoEl mexicano Bocafloja conversará sobre su trayectoria musical y intercesión en la literatura con Juan Mosquera, seguido de concierto.📍 MAMM (Plazoleta)🕒 8:30 p. m.Miércoles, 29 de eneroJon Lee Anderson en conversación con Luz María SierraJon Lee Anderson (Estados Unidos) es uno de los periodistas de guerra más conocidos del mundo. Como parte del equipo de la revista New Yorker, realiza reportajes alrededor del mundo, cubriendo zonas de guerra, golpes de estado, desastres naturales y realizando perfiles de líderes globales📍 MAMM (Teatro)🕒 3:45 p. m.Greg Clark en conversación con Gerard MartinGreg Clark es una autoridad en el tema de desarrollo urbano y globalización. Es el autor de múltiples libros y más de 100 informes sobre ciudades, inversión, innovación y liderazgo.📍 MAMM (Teatro)🕒 5:45 p. m. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Sistema de Bibliotecas - Alcaldía de Medellín (@bibliotecasmed)Mariano Sigman en conversación con Claudia AponteSu nuevo libro, Artificial: la nueva inteligencia y el contorno de lo humano, coescrito con Santiago Bilinkis, explora el impacto de la inteligencia artificial en nuestras vidas: aborda potenciales beneficios, desafíos y analiza cómo esta tecnología puede transformar nuestra realidad.📍 Parque Explora (Auditorio principal)🕒 6:30 p. m.Juan Gómez-Jurado en conversación con Andrés BurgosEl periodista y escritor Juan Gómez-Jurado (España) es uno de los mayores exponentes del thriller en español, autor de fenómenos de superventas que han sido traducidos a cuarenta idiomas.📍 MAMM (Plazoleta)🕒 7:15 p. m.Juan Gabriel Vásquez en conversación con Ana Cristina Restrepo📍 MAMM (Plazoleta)🕒 8:30 p. m.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El video de una bailarina de ballet sobre un buque en la Antártida se ha hecho viral en redes sociales, parece hecho con inteligencia artificial, sin embargo, es la artista Victoria Dauberville grabada por el fotógrafo francés Mathieu Forget. Forget ha realizado varios proyectos fotográficos como sesiones en los Juegos Olímpicos de París y ahora hizo una excursión a la Antártida en la que retrató su inmensidad, pero allí también logró capturar la delicadeza del ballet combinada con la rudeza y majestuosidad del hielo. Victoria Dauberville, la bailarina que aparece en el video, es una artista francesa que se hizo viral en la Semana de la Moda de París por modelar en zapatillas de ballet. Dauberville trabaja ahora con marcas como Louboutin y Cartier. La bailarina también hizo una aparición en los Juegos Olímpicos de París, se presentó junto a un bailarín de break dance en esa categoría de las olimpiadas, ese momento también fue viral en redes sociales. 💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEl video en la Antártida tiene más de cinco millones de reproducciones en Instagram, los comentarios clamaban que era hecho con inteligencia artificial y a las pocas horas la bailarina publicó un video del detrás de escenas que alcanzó los veinte millones de reproducciones en esta red social. La foto hecha por Forget será publicada esta semana y es una prueba de combinar la belleza del ballet y la fotografía. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"La institución creada por el periodista y Nobel de Literatura Gabriel García Márquez en 1995 sigue apostando, con el reconocimiento más importante de Iberoamérica, por un periodismo de calidad, riguroso y que contribuye a una ciudadanía libre y mejor informada", detalló la Fundación Gabo en un comunicado.El premio coincide además con el trigésimo aniversario de la Fundación y por eso este año busca reflexionar sobre "qué tipo de periodismo necesita nuestra democracia para mantenerse, fortalecerse y subsistir"."El Premio Gabo 2025 busca historias que no solo expongan la vileza y los abusos, sino que también exalten la resiliencia, la belleza y la humanidad que emergen incluso en las peores circunstancias", agregó la información.Igualmente "el galardón propone destacar narrativas inspiradoras: historias que, desde un periodismo de excelencia, iluminan y dan esperanza, porque en el oficio de narrar los hechos hay espacio para la denuncia, pero también para el encuentro, la salvación y el amor".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEl galardón será otorgado en el Festival Gabo, que se realizará del 25 al 27 de julio en Bogotá, en las cinco categorías, que en la edición de 2024 recibieron 2.170 postulaciones de trabajos periodísticos de Iberoamérica.Los ganadores de cada categoría recibirán 35 millones de pesos colombianos (unos 8.167 dólares), un diploma de acreditación y un ejemplar de la escultura ‘Gabriel’, creada por el artista colombiano Antonio Caro. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Fundación Gabo (@fundaciongabo)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España' se podrá ver entre junio y septiembre de este año y contará con unas 70 obras, la mayoría procedentes de España y México, según explicó este jueves el Prado en un comunicado.La exposición estará comisariada por dos expertos mexicanos: Jaime Cuadriello, profesor de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, y Paula Mues, profesora de la Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía del Instituto Nacional de Antropología e Historia de México.La imagen de la Virgen de Guadalupe se difundió masivamente entre 1650 y 1790 y se convirtió en un símbolo religioso clave en España, Italia, Filipinas y América Latina, señala el museo en una nota.Su imagen milagrosa, con su belleza y técnica, sirvió como "prueba del favor divino hacia los habitantes de la Nueva España" y durante años fue una de las imágenes más reproducida y copiada por artistas novohispanos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."La exposición explora su circulación en España, el impulso del culto en la Edad Moderna -añade la pinacoteca-, las relaciones entre la Virgen de Guadalupe de Extremadura y la mexicana, y el papel de los artistas en su difusión".'Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España' sigue la senda iniciada por el museo en 2021 con 'Tornaviaje', una exposición que ponía el foco en el arte realizado en América Latina.La muestra forma parte de la programación del museo para 2025, anunciada hoy y que contará con exposiciones de El Greco, Veronés y Rafael Mengs.El Prado batió el año pasado su récord histórico de visitantes, con 3,45 millones de personas, un 6,6% más que en 2023.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El público podrá disfrutar de las adaptaciones de tres obras icónicas: Crimen y castigo de Fiódor Dostoyevski, La gaviota de Antón Chéjov y El inspector de Nikolái Gógol. Todas las versiones han sido adaptadas por el director Ricardo Camacho y prometen una experiencia teatral inolvidable.La temporada se llevará a cabo de jueves a sábado en la sede centro del Teatro Libre (Calle 12B N.º 2-44, Bogotá), con funciones los jueves y viernes a las 8:00 p. m., y los sábados en doble jornada a las 5:00 p. m. y 8:00 p. m. "Crimen y castigo": un viaje al abismo de la moralEsta obra, una de las más emblemáticas de Dostoyevski, narra la historia de Raskolnikov, un joven estudiante que asesina a una usurera con la intención de justificar el crimen como un acto necesario. La adaptación pone el foco en tres personajes clave: el atormentado Raskolnikov, la noble Sonia, y el perspicaz inspector que sigue sus pasos. Una exploración profunda de los dilemas éticos, religiosos y sociales que desafían los límites de la conciencia humana.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí. "La gaviota": el drama del amor y el arteEn esta obra de Chéjov, los sueños, las frustraciones y los enredos amorosos de los protagonistas se entrelazan en un contexto marcado por la decadencia y los cambios de la Rusia prerrevolucionaria. Los conflictos entre Irina Arkádina, actriz consagrada; Nina, una joven con aspiraciones artísticas; Konstantin, dramaturgo en ciernes; y Trigorin, un escritor de renombre, forman el núcleo de una historia donde el amor y el arte se entrecruzan con la ironía y la sutileza típicas de Chéjov. "El inspector": una sátira atemporalEscrita por Gógol en 1836, esta comedia satírica relata el revuelo en una pequeña ciudad ante la llegada de un supuesto inspector del gobierno. Los funcionarios, presos del miedo, se apresuran a sobornar y adular al visitante, mientras exponen sus propias corrupciones y mezquindades. Aunque inicialmente polémica, la obra se ha consolidado como un clásico universal por su aguda crítica a las estructuras de poder.La temporada contará con el talento de los actores de la Compañía del Teatro Libre, que darán vida a estos personajes complejos y universales. Para más información sobre boletería y horarios, visite la página oficial del Teatro Libre.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Galaktiónova fue designada directora del Museo de Bellas Artes Pushkin”, indicó el Museo de Bellas Artes Pushkinen en un comunicado publicado el día de hoy. La nueva directora, graduada de la Academia de Pintura Glazunov de Moscú y de la Academia de Arte Teatral de Rusia, encabezó entre 2009 y 2021 los estudios cinematográficos Galáktica y organizó un gran número de exposiciones de gran envergadura en el museo ROSIZO. Su designación, también anunciada en Telegram por la ministra de Cultura de Rusia, Olga Liubímova, pone fin a la breve estancia del Lijachova, quien asumió el cargo hace apenas dos años, tras la dimisión de su antecesora, Marina Loshak, que condenó la guerra en Ucrania. Aunque oficialmente no se explica la remoción de Lijachova, varios medios la vinculan a su crítica al cierre temporal del museo de la historia del GULAG en noviembre pasado, con la excusa de que infringía las medidas antiicendios, y su activo rechazo a la entrega del célebre ícono de la Trinidad, de Andréi Rubliov, a la Iglesia Ortodoxa rusa. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El museo de la historia del GULAG, que recibió en 2021 un premio del Consejo de Europa, entre otros motivos por mantener viva la memoria de las represiones estalinistas, era una de las últimas instituciones independientes vinculadas con la sociedad civil que aún operan en este país.A su vez, el destino de la Trinidad de Rubliov, atesorada por la Galería Tretiakov y reclamada por la Iglesia, fue objeto de acaloradas polémicas en al ámbito cultural, hasta que las autoridades religiosas hicieron valer su influencia en el Kremlin y ganaron la batalla por su custodia. En aquella ocasión Lijachova alertó que el ícono, un importante símbolo del patrimonio cultural ruso, “podría perderse o caerse en pedazos” si no recibía el tratamiento y la conservación museológicas adecuadas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La que fuera esposa del famoso actor y director fallecido en 1989, será recordada, entre otras muchas cosas, por interpretaciones en cintas como 'Las crónicas de Spiderwick' (2008), 'Daniel el travieso' (1993) o 'Enchanted April' (1991)Su actuación en 'Stalin' (1992) le reportó un Globo de Oro a mejor actriz de reparto y en 'Enchanted April' también recibió una nominación.Plowright, que también obtuvo un papel protagonista en 'Love You To Death', junto con River Phoenix, destacó en los escenarios teatrales del West End londinense y el neoyorquino Broadway antes de alcanzar un éxito más internacional.Según reveló hoy su familia en un comunicado, la actriz "falleció en paz el 16 de enero rodeada de sus familiares en Denville Hall (residencia para artistas) a la gloriosa edad de 95 años".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Su brillante carrera será recordada por muchos, y su maravilloso ser siempre será celebrado por sus hijos, Richard, Tamsin y Julie-Kate, sus familias y los muchos amigos de Joan", apuntó la nota.La boda de Plowright con 'lord' Olivier en 1961 fue la sensación del año y su matrimonio duró hasta el fallecimiento del actor en 1989 con 82 años.Anteriormente, estuvo casada con Roger Leonard Gage (desde 1953 a 1960).🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Art Spiegelman, el autor del premiado cómic Maus, está trabajando en una nueva novela gráfica sobre el conflicto palestino-israelí y el genocidio en Gaza junto al escritor Joe Sacco quien lleva investigando este tema delde 1993. En noviembre de 2024 Spiegeman estuvo en la presentación del documental Art Spiegelman: Disaster is My Muse! sobre su vida y obra, realizado por Molly Bernstein y Philip Dolin, en este evento comentó acerca de este nuevo proyecto. “Terminaré esto o moriré en el intento. Nunca he tenido una lucha mayor dentro de mi cabeza”, anunció, añadió también que “mi superego dice: 'Tienes que hacerlo si quieres vivir contigo mismo', pero mi yo interior se cuestiona: '¿Quién quiere el dolor de ser cancelado por todo el planeta?'”.El artista ganó el Premio Pulitzer por Maus en el año 1992 y se ha convertido en un referente del periodismo investigativo llevado a la novela gráfica. Su obra estrella cuenta la historia de su padre judío polaco Vladek Spiegelman, quien sobrevivió al campo de concentración de Auschwitz-Birkenau.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Maus es la historia del Holocausto llevada al cómic con personjes animales, los judíos son ratones y los nazis son gatos. El cómic está contado en dos tiempos, el pasado y el presente con su protagonista envejecido y cargado de los traumas que deja la guerra. Por otro lado el artista Joe Sacco es conocido por sus trabajos de novela gráfica basados en la guerra en Bosnia en 1990 y sobre su investigación acerca de la situación en Gaza, desde enero de 2024 publica sus reportajes gráficos en The Comics Journal y su libro La guerra en Gaza fue publicado por la editorial Reservoir Books.El documental sobre la vida de Art Spiegelman se estrenará este 2025 a nivel mundial. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Su obra visual, al igual que sus películas, se caracteriza por una exploración profunda de lo surrealista y lo onírico, creando universos que desafían las percepciones convencionales.Pintura y DibujoAntes de incursionar en el cine, Lynch se formó como pintor en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania. Su pasión por la pintura nunca disminuyó; a lo largo de su vida, continuó creando obras que reflejan su visión única del mundo. Sus pinturas suelen presentar paisajes urbanos desolados, figuras distorsionadas y una paleta de colores oscuros, evocando sensaciones de inquietud y misterio. Estas obras han sido exhibidas en galerías de renombre internacional, consolidando su reputación en el mundo del arte contemporáneo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.EsculturaLa escultura fue otra de las disciplinas en las que Lynch dejó su impronta. Sus esculturas, al igual que sus pinturas, exploran temas de transformación y dualidad. Utilizando materiales diversos, creó piezas que invitan al espectador a cuestionar la realidad y a sumergirse en su particular universo creativo.Fotografía y MúsicaAdemás de la pintura y la escultura, Lynch incursionó en la fotografía, capturando imágenes que reflejan su fascinación por lo extraño y lo desconocido. Publicó varios libros de fotografía que muestran su habilidad para encontrar belleza en lo mundano y lo perturbador. En el ámbito musical, lanzó álbumes que combinan elementos de rock, blues y música electrónica, demostrando su versatilidad y constante búsqueda de nuevas formas de expresión.Legado ArtísticoLa obra plástica de David Lynch complementa y enriquece su legado cinematográfico. A través de sus pinturas, esculturas y fotografías, ofreció una visión coherente de su mundo interior, permitiendo a sus seguidores apreciar las múltiples facetas de su creatividad. Su influencia perdura en artistas contemporáneos que encuentran en su trabajo una fuente de inspiración para explorar los límites de la percepción y la realidad.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Las cintas de Audiard y Corbet compiten por el premio Darryl F. Zanuck a mejor productor de películas de cine junto a 'Anora' de Sean Baker; 'Conclave' de Edward Berger; 'Wicked' de Jon M. Chu; 'Dune: Part Two' de Denis Villeneuve; 'A Complete Unknown' de James Mangold, la comedia 'A Real Pain' de Jesse Eisenberg; 'The Substance' de Coralie Fargeat; y 'September 5', de Tim Felbaum.El premio al productor destacado de películas animadas lo disputarán la cinta muda 'Flow'; el éxito de Pixar 'Inside Out 2'; la segunda parte de la historia de la guerrera polinesia 'Moana 2', la comedia británica 'Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl' y la emotiva 'The Wild Robot'.En el ámbito televisivo, el premio Norman Felton al productor destacado en serie de drama lo competirán las series 'Bad Sisters', 'The Diplomat', 'Fallout', 'Shogun' y 'Slow Horses'.Mientras que el premio Danny Thomas a serie de comedia tiene como contendientes a 'Abbott Elementary'; 'The Bear'; 'Curb Your Enthusiasm'; 'Hacks' y 'Only Murders in the Building'.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El éxito de Netflix 'Baby Reindeer'; 'FEUD: Capote Vs. The Swans'; 'The Penguin'; 'Ripley'; y 'True Detective: Night Country', buscarán alzarse con el premio al productor destacado en una miniserie o de antología, David L. Wolper.La lista de los nominados se publicó este jueves después de que los organizadores cambiasen la fecha hasta en dos ocasiones debido a los devastadores incendios forestales de Los Ángeles, que se mantienen activos y que han cobrado la vida de al menos 25 personas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Un artista integral, que exploró la música, la fotografía y la pintura, y que encontró en el cine y la televisión los medios para dar a conocer al mundo un estilo estético, perturbador y atrapante. David Lynch es considerado uno de los cineastas más influyentes de la historia, nominado tres veces al premio Óscar a Mejor director y merecedor de este premio honorífico en el año 2000.Las obras de Lynch se caracterizan por ser impactantes visualmente y porque en sus películas el sonido es un personaje más, trascendental para llevar la tensión y el misterio a su punto más alto en sus historias.El trabajo del estadounidense desafió la lógica convencional del tiempo y el espacio en sus historias e hizo de lo ambiguo y lo simbólico parte de su sello artístico. Lynch inspiró a cineastas como Quentin Tarantino, Darren Aronofsky, Denis Villeneuve y Yorgos Lanthimos.A continuación le contamos sobre algunas de las películas más representativas de Lynch:💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.‘Cabeza borradora’ (‘Eraserhead’) - 1977Esta película de terror y fantasía es la ópera prima de David Lynch, y una de sus obras más icónicas. Es una obra influyente en la historia del cine, experimental y profundamente surrealista que se ha convertido en un clásico de culto.La historia que narra gira en torno a Henry Spencer (interpretado por Jack Nance), un hombre tímido y reservado que vive en un entorno urbano industrial y opresivo. Henry se entera de que su novia, Mary X, ha dado a luz a un bebé que es impresionantemente deforme y que podría no ser completamente humano.Lo más representativo de la película llega con las imágenes oníricas y perturbadoras que exploran la psique de Henry, sus miedos, sus deseos reprimidos y su aislamiento existencial tras quedarse al cuidado de la criatura.El impacto de la cinta, por ejemplo, se evidencia en la anécdota del también cineasta Stanley Kubrick, quien le mostró a su elenco de El resplandor para inspirarlos.‘El hombre elefante’ (‘The Elephant Man’) - 1980Con un elenco encabezado por John Hurt y Anthony Hopkins, Lynch se inspiró en la historia real de Joseph Merrick, un joven inglés que vivió con terribles malformaciones que lo llevaron a ser conocido como ‘el hombre elefante’.La conmovedora historia cuenta cómo Merrick es explotado como una atracción de feria a causa de sus deformidades y posteriormente rescatado de las deplorables condiciones en las que vivía por el doctor Frederick Treves, un cirujano que lo lleva al Hospital de Londres.A medida que Treves cuida de Merrick, descubre que detrás de su apariencia grotesca se esconde un hombre profundamente sensible, inteligente y con un alma noble. La película muestra los esfuerzos de Merrick por encontrar dignidad y aceptación en una sociedad que lo juzga por su apariencia.Pese a no ganar ninguna estatuilla, esta historia fue nominada a ocho premios Óscar y consolidó a Lynch en la industria cinematográfica.‘Terciopelo azul’ (‘Blue Velvet’) - 1986Esta es una de las obras más emblemáticas y polémicas de David Lynch. Con una mezcla de misterio, surrealismo, erotismo y violencia, Terciopelo azul es un thriller psicológico que desentraña el lado oculto de la aparente normalidad.La película se desarrolla en el pequeño pueblo ficticio de Lumberton, que parece tranquilo y perfecto en la superficie. Sin embargo, la historia revela que bajo esa fachada idílica se esconden secretos oscuros y perturbadores.La trama comienza cuando Jeffrey Beaumont (interpretado por Kyle MacLachlan), un joven universitario, regresa a su ciudad natal después de que su padre sufre un colapso. Mientras pasea cerca de un terreno baldío, Jeffrey encuentra una oreja humana cortada en el suelo. Intrigado, lleva la oreja a la policía, pero decide investigar por su cuenta.‘Sueños, misterios y secretos’ (‘Mulholland Drive’) - 2001En 2001 se estrenó una de las mejores y más enigmáticas películas de Lynch, aclamada por su mezcla de misterio, surrealismo y exploración psicológica. Esta es la historia de Betty Elms (interpretada por Naomi Watts), una joven actriz llena de optimismo que llega a Los Ángeles con la esperanza de triunfar en Hollywood.Al llegar al apartamento de su tía, encuentra a una mujer amnésica (interpretada por Laura Harring) escondida allí. La mujer adopta el nombre de Rita, inspirado en un póster de Gilda, mientras intenta recordar quién es y qué le sucedió.‘Imperio’ (‘Inland Empire’) - 2006El último largometraje dirigido por Lynch es considerado como el más desafiante y complejo de su trayectoria, tanto en su narrativa como en su estilo visual, y representa una culminación de muchas de las obsesiones artísticas de Lynch. Fue filmada íntegramente en formato digital y es conocida por su estructura no lineal, sus imágenes oníricas y su atmósfera profundamente inquietante.Entre laberintos y saltos en el tiempo, la película sigue a Nikki Grace (interpretada por Laura Dern), una actriz que consigue el papel principal en una película titulada On High in Blue Tomorrows, dirigida por Kingsley Stewart (Jeremy Irons). Sin embargo, pronto descubre que el proyecto está maldito, ya que es un remake de una película polaca nunca terminada debido a los asesinatos de sus protagonistas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La obra de David Lynch se define por su habilidad para penetrar en los recovecos de la mente humana, explorando lo banal y lo grotesco con igual devoción. Desde el inicio de su carrera, quedó claro que su visión no se alineaba con ninguna norma establecida. "Eraserhead" (1977), su primer largometraje, no fue solo una carta de presentación, sino una declaración de principios: la realidad es maleable, y el cine es el medio ideal para desentrañarla. En su relato de pesadilla industrial, Lynch reveló una preocupación recurrente: la tensión entre el orden superficial y el caos latente que lo subyace.Lynch nunca abandonó esa obsesión. En "Blue Velvet" (1986), expuso el señuelo engañoso de los suburbios estadounidenses, donde un oído amputado yacía entre la hierba, invitando a una espiral de violencia y deseo. Este contraste entre la fachada pública y los secretos oscuros se convertiría en una de las marcas registradas de su estilo. La sutileza con la que Lynch mezcla la nostalgia por una América idealizada con una crítica feroz a sus cimientos hipócritas es uno de los aspectos que lo elevan al panteón de los grandes cineastas.Cine como Lenguaje OníricoEl cine de Lynch, sin embargo, no se limita a lo narrativo. Más que contar historias, crea estados de ánimo, atmósferas que parecen provenir de un sueño colectivo. Su obra maestra "Mulholland Drive" (2001) es el epítome de este enfoque: una película que seduce con una narrativa aparente solo para desmoronarla y revelar un abismo de identidades fracturadas y deseos insatisfechos. En "Inland Empire" (2006), su último largometraje en celuloide, llevó este principio a su lógica extrema, desdibujando completamente los límites entre el sujeto y su entorno, entre el sueño y la vigilia.Para Lynch, la experiencia cinematográfica no era meramente visual. Su colaboración con Angelo Badalamenti, cuyo trabajo musical dio forma a la ominosa belleza de "Twin Peaks", fue fundamental. La banda sonora de "Twin Peaks" no solo acompaña las imágenes; las transforma, sumergiendo al espectador en un espacio donde cada nota sugiere un misterio no resuelto.Más allá del cineAunque Lynch será recordado principalmente por sus películas, su creatividad era demasiado vasta para confinarse a una sola disciplina. Como pintor, exploró un estilo visceral y primitivo, donde las figuras humanas a menudo aparecían deformadas, como si fueran reflejos de un subconsciente atormentado. Sus esculturas y fotografías compartían esta fascinación por la decadencia y lo grotesco, revelando un artista profundamente comprometido con la materialidad del mundo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En sus últimos años, Lynch se dedicó también a la música, lanzando varios álbumes que combinaban sintetizadores etéreos con letras inquietantes. "Crazy Clown Time" (2011) es un ejemplo de su habilidad para trasladar su sensibilidad cinematográfica a un formato completamente diferente, mientras que "The Big Dream" (2013) reimagina el blues a través de un prisma surrealista.Su pasión por la meditación trascendental, que practicó desde los años setenta, también formó parte integral de su filosofía artística. Para Lynch, el arte era una forma de penetrar en las profundidades del ser, un vehículo para explorar lo desconocido. En su fundación, trabajó incansablemente para promover esta práctica, convencido de que el silencio interior era la clave para desbloquear la creatividad.Hablar de David Lynch es hablar de una paradoja. Era un cineasta profundamente estadounidense y, al mismo tiempo, universal en su alcance. Sus personajes, desde Laura Palmer hasta Henry Spencer, son emblemas de una humanidad fragmentada, atrapada entre lo cotidiano y lo extraordinario. Si el cine es un espejo que nos devuelve nuestras verdades más crudas, entonces Lynch fue el maestro que diseñó los espejos más perturbadores y bellos.En un mundo cada vez más obsesionado con respuestas claras y narrativas lineales, la obra de Lynch nos recuerda el poder de lo ambiguo, de lo irresoluto. Su muerte marca una pérdida irreparable, pero su obra persiste como una invitación para que los artistas del futuro desafíen sus propios horizontes creativos.Lynch solía decir que sus películas no estaban destinadas a ser comprendidas, sino sentidas. Hoy, mientras reflexionamos sobre su vida y obra, nos queda precisamente eso: la sensación de haber sido testigos de algo único.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Nacido el 20 de enero de 1946, en Missoula (Montana, Estados Unidos), su infancia transcurrió en distintas ciudades debido a los constantes traslados de su padre, biólogo forestal. Cursó estudios de arte en el Corcoran School of Art de Washington, en el Boston Museum School y en el Pennsylvania Academy of Fine Arts.Después de realizar el cortometraje animado 'Six men getting sick' ('Seis hombres enfermos', 1967), con marcadas influencias del cómic y la ilustración, recibió una beca para cineastas independientes del American Film Institute que le permitió rodar 'The Alphabet' (1969) y 'The Grandmother' (1970) en 16 milímetros.En 1972, Lynch rodó su primer largometraje, 'Eraserhead' ('Cabeza borradora'), que fue estrenado en 1977 y por el que recibió grandes elogios de la crítica por su originalidad.'The Elephant Man' ('El hombre elefante', 1980), fue la película que le dio la fama, tuvo un gran éxito comercial y fue nominada a ocho Óscar -entre ellos a mejor dirección y guion-, aunque no ganó ninguno.Tras dirigir 'Dune' (1984), en 1986 estrenó 'Blue Velvet' ('Terciopelo azul'), protagonizada por Isabella Rossellini, con la que inició una relación sentimental que duró cinco años. Un trabajo por el que recibió su segunda nominación al Óscar como director. Con su siguiente filme, 'Wild at Heart' ('Corazón salvaje', 1990), obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes.Su trayectoria en televisión comenzó con la serie 'The cowboy and frenchman' (1989), a la que continuó su gran éxito 'Twin Peaks' (1989-1991), considerada como el producto más vanguardista y rupturista en la historia de la pequeña pantalla.Continuó en la televisión con 'On the air' (1992) y 'Hotel Room' (1993). Dos años después participó en la producción de 'Lumière y compañía' con motivo de la conmemoración del centenario de la primera proyección cinematográfica. Junto con directores de los cinco continentes realizó un plano secuencia de 52 segundos de duración en las mismas condiciones que los hermanos Lumière: sin sonido sincronizado, sin iluminación artificial y un máximo de tres tomas.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Con 'Lost Highway' ('Carretera perdida', 1997), Lynch exhibió un nuevo catálogo de imágenes turbadoras y siniestras que consolidarían su estilo personal. Dos años después, con 'The Straight Story' ('Una historia verdadera', 1999), abandonó un cine esteticista y obsesivo optando por una realización más sencilla y conmovedora.A comienzos del nuevo siglo, recupera la etapa inquietante del mejor 'Twin Peaks' con 'Mulholland Drive' (2001), por la que recibió su tercera y última nominación al Óscar a la mejor dirección, que tampoco ganó.Como director de largometrajes, su último trabajo fue 'Inland Empire' (2006). Desde entonces realizó múltiples cortometrajes vanguardistas y experimentales, además de vídeos musicales. En 2017 retomó la historia de 'Twin Peaks' veinticinco años después, para continuarla con una temporada más, esta vez con total libertad creativa, algo que no había tenido en el proyecto original.Debutó en el terreno musical en 2010, con dos canciones de su creación, 'Good Day Today' y 'I Know', que publicó un sello independiente del Reino Unido y tras el que le siguieron más trabajos musicales.En 2024 anunció el lanzamiento del álbum 'Cellophane Memories', junto a Chrystabell, en la que fue la tercera colaboración con la cantante. Apasionado de la pintura, expuso sus lienzos de gran formato con objetos inusuales en varias galerías estadounidenses y europeas.Presentó una colección de diseños en el Salone del Mobile de Milán (1997) y participó con una exposición fotográfica en el Certamen de Toulouse (2001). También trabajó en el mundo publicitario con firmas como Calvin Klein y dirigió numerosos videoclips para artistas como Michael Jackson, Donovan o Moby. Y colaboró durante los años ochenta en el periódico 'Los Angeles Reader' con la tira cómica denominada 'El perro más furioso del mundo', durante casi una década.Durante su trayectoria recibió multitud de premios, entre los que se encuentran un Óscar Honorífico en 2019. Y fue reconocido en festivales como Cannes, Venecia o Sitges (España).En 2024 hizo público que padecía un enfisema pulmonar y aunque declaró que no se retiraría "nunca" del cine, reconoció que no podía salir de casa, por lo que consideró poco probable que pudiera volver a dirigir. Además de su relación con Isabella Rossellini, Lynch se casó en cuatro ocasiones y tuvo cuatro hijos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Bogotá será el epicentro de la música y la energía este jueves 16 de enero, cuando Twenty One Pilots ofrezca su primer concierto como artistas principales en Colombia. Josh Dun y Tyler Joseph, el icónico dúo que ha conquistado al mundo, regresa al país tras sus memorables presentaciones en el Festival Estéreo Picnic. En esta ocasión, llegan como parte de su gira The Clancy World Tour, que los llevará por múltiples escenarios internacionales.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El álbum Trench, el sexto de su discografía, es el hilo conductor de esta gira. Un trabajo conceptual que consolida su evolución artística desde su debut homónimo hace ya 15 años. Con su estilo único y su puesta en escena electrizante, Twenty One Pilots ha demostrado que dos personas pueden llenar un escenario con una energía que parece multiplicarse por mil. Sus conciertos son una experiencia multisensorial, donde la interacción con el público, los poderosos riffs de guitarra y los explosivos beats de batería crean una atmósfera inolvidable.Recomendaciones para disfrutar del showLa productora del evento, Páramo Presenta, ha compartido en sus redes sociales una serie de recomendaciones para garantizar una experiencia segura y fluida para todos los asistentes:Consejos generales:Mantén tus objetos personales bajo cuidado en todo momento.Prepárate para un control de seguridad en la entrada.Se promueve un ambiente de respeto: no se tolerarán actos discriminatorios.Llega con anticipación para evitar contratiempos.Ten en cuenta que no habrá servicio de casilleros.Artículos prohibidos:Equipos de grabación como cámaras profesionales, GoPros, tabletas y drones.Comidas, bebidas y vaporizadores.Camisetas relacionadas con equipos de fútbol.Mochilas o maletas mayores a 16 cm x 11 cm.Banderas, pósters y otros elementos publicitarios.Objetos peligrosos como armas, cadenas, sombrillas o elementos cortopunzantes.Disfraces que oculten el rostro, como máscaras o pasamontañas.Botas con punta reforzada y elementos inflamables como pólvora.Logística del eventoParqueadero: El Coliseo Medplus dispone de un parqueadero con cupos limitados. Las tarifas son de $30.000 para automóviles y $20.000 para motocicletas. Se recomienda llegar temprano para asegurar un espacio.Horarios:Las puertas del recinto abrirán a las 6:00 p.m.El show de la banda telonera, Balu Brigada, comenzará a las 8:00 p.m.Twenty One Pilots tomará el escenario a las 9:00 p.m.Una cita imperdibleCon una propuesta musical que desafía géneros y una entrega escénica que desborda pasión, el show de Twenty One Pilots promete ser una noche inolvidable para sus fans colombianos. Prepara tu energía, revisa los detalles logísticos y disfruta de esta experiencia única que quedará grabada en la memoria de todos los asistentes.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En un panorama cinematográfico saturado de thrillers predecibles y repeticiones del género de terror, Asesino Serial emerge como un soplo de aire fresco. Dirigida por JT Mollner, esta obra se atreve a subvertir las convenciones del género con una propuesta estética y narrativa que seduce, confunde y desafía. Estrenada el 9 de enero de 2025 tras su debut en el Fantastic Fest 2023, la película promete quedar en la memoria de los espectadores por su audaz experimentación.Un relato en fragmentosNarrada en seis capítulos desordenados, la estructura de Asesino Serial es un rompecabezas que exige atención y esfuerzo intelectual. Cada pieza de la trama desvela un nuevo matiz de los personajes, llevando al público a reconstruir la historia desde perspectivas cambiantes. La trama gira en torno a La Dama (Willa Fitzgerald) y El Demonio (Kyle Gallner), cuyas identidades y motivaciones se desarrollan a través de encuentros que oscilan entre la seducción y el terror.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Mollner se asegura de que nada en la película sea lo que parece. "El público tiene que preguntarse: ¿Quién es esta mujer? ¿Qué la hace interesante?", declara el director. Esta ambigüedad convierte a La Dama en un personaje mucho más complejo que las víctimas arquetípicas del cine de terror.La fusión de lo visual y lo emocionalRodada en 35 mm, la fotografía de Giovanni Ribisi transforma cada escena en un cuadro vibrante. Colores intensos como el azul eléctrico y el rojo brillante no solo aportan un dramatismo visual, sino que también refuerzan el simbolismo emocional. Esta atención al detalle estético recuerda el legado de maestros como David Lynch y Brian De Palma, cuya influencia se siente en cada encuadre.La banda sonora, compuesta por Z Berg y el propio Mollner, es otro pilar fundamental de la experiencia sensorial de la película. Con melodías inquietantes y pasajes de un romanticismo oscuro, la música amplifica el estado de alienación y suspenso que impregna toda la narrativa.Las actuaciones como ancla emocionalFitzgerald, conocida por su trabajo en The Fall of the House of Usher, aporta una intensidad emocional que transita entre el miedo visceral y la determinación. Por su parte, Gallner, quien ha destacado en Sonríe y su secuela, encarna a un antagonista cuya complejidad supera al villano promedio del cine de terror. Juntos, crean una dinámica que mantiene al espectador al borde del asiento.El elenco de apoyo, con veteranos como Barbara Hershey y Ed Begley Jr., también aporta una capa adicional de riqueza al filme. Sus personajes, una pareja de hippies con tintes excéntricos, sirven como un contrapunto que oscila entre lo cómico y lo inquietante, ampliando la paleta tonal de la película.El terror como lenguaje de subversiónMás que una película de terror, Asesino Serial es una exploración de las obsesiones y los miedos humanos. Mollner, con su enfoque metódico y su compromiso con la originalidad, invita a los espectadores a cuestionar las narrativas tradicionales del género. La película no solo redefine cómo se cuenta una historia de asesinos seriales, sino que también desarma las expectativas del público, forzándolo a enfrentar sus propios prejuicios sobre el género.En un año que apenas comienza, Asesino Serial se posiciona como una de las obras más audaces y memorables del cine contemporáneo. Su combinación de narrativa, estética y actuaciones excepcionales asegura que esta película no sea solo un evento de temporada, sino un referente en la evolución del terror.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Germaine Tailleferre fue una destacada compositora francesa y la única mujer del influyente grupo de compositores conocido como "Les Six". Su vida y obra reflejan una combinación de innovación, talento y adaptabilidad, características que le permitieron destacarse en un mundo dominado por figuras masculinas de la música clásica.Tailleferre nació en Saint-Maur-des-Fossés, cerca de París, en una familia de clase media. Desde temprana edad mostró un talento prodigioso para la música, pero su padre se oponía a que siguiera una carrera artística. Con el apoyo de su madre, Tailleferre ingresó al Conservatorio de París, donde estudió piano y composición. Allí conoció a figuras que marcarían su carrera, como Darius Milhaud y Arthur Honegger, quienes más tarde formarían parte de "Les Six".Les Six y el estilo musicalEn la década de 1920, Tailleferre se unió a "Les Six", un grupo de jóvenes compositores franceses influenciados por Erik Satie y en contra del romanticismo alemán. Sus miembros, Darius Milhaud, Francis Poulenc, Arthur Honegger, Georges Auric, Louis Durey y Tailleferre buscaban un estilo más directo, fresco y despreocupado, que a menudo combinaba elementos de la música popular con técnicas clásicas. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La compositora destacó por su capacidad de integrar armonías modernas con una elegancia que recordaba a los grandes maestros franceses como Ravel, a quien admiraba profundamente.Su música se caracteriza por una luminosidad y claridad únicas, con influencias del impresionismo y el neoclasicismo. Aunque no alcanzó el mismo reconocimiento que sus compañeros masculinos, Tailleferre fue una compositora prolífica, dejando un legado que abarca géneros como música de cámara, ópera, conciertos, música para cine y piezas para piano.Algunas obras recomendadas"Concierto para piano y orquesta" (1924): Esta obra representa una síntesis de su estilo, con un equilibrio entre virtuosismo pianístico y un enfoque melódico accesible. El concierto es un ejemplo perfecto de su capacidad para combinar la tradición clásica con un lenguaje armónico moderno."La Nouvelle Cythère" (1929): Una suite para piano que muestra su refinamiento y delicadeza. Inspirada en la mitología griega, esta obra evoca paisajes sonoros etéreos y es considerada una de sus creaciones más personales."Concertino para arpa y orquesta" (1927): Una obra que pone de relieve su habilidad para escribir para instrumentos específicos. Aquí, Tailleferre aprovecha la riqueza tímbrica del arpa, creando una atmósfera encantadora y sofisticada.A lo largo de su vida, Tailleferre enfrentó numerosos desafíos personales, incluyendo problemas financieros y matrimonios fallidos. Sin embargo, nunca dejó de componer. Incluso en sus últimos años, cuando la salud comenzó a fallarle, siguió produciendo música con un espíritu indomable.El legado de Germaine Tailleferre ha sido redescubierto y valorado en las últimas décadas, en particular por su contribución a la música del siglo XX y por ser una pionera en un campo donde las mujeres enfrentaban innumerables barreras. Su música sigue siendo interpretada en todo el mundo, y su historia inspira a nuevas generaciones de músicos y compositoras.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La producción televisiva ha tenido una media de un millón de espectadores en cada entrega, entrando inmediatamente en el 'Top 3' de sus producciones más vistas en el último lustro, informó este jueves la plataforma que emite cada semana los episodios, Sky.'M. Il Figlio del Secolo' (M. El hijo del siglo), estrenada en la pasada Mostra de Venecia, es la adaptación de la novela homónima de Antonio Scurati, primera parte de una imponente tetralogía sobre Mussolini que le valió el prestigioso 'Premio Strega' en 2019.La serie ha sido dirigida por el británico Joe Wright, autor de otras adaptaciones de clásicos literarios como 'Orgullo y prejuicio' (2005) o 'Anna Karenina', y tiene como protagonista al actor italiano Luca Marinelli.Wright y Marinelli meten al espectador en el mundo apocalíptico que alumbró en 1919 la fundación de los Fascios de Combate por parte de Mussolini, nutrido por la rabia tras la I Guerra Mundial, y narran la violencia que sus camisas negras perpetraron contra los socialistas hasta llegar al poder en 1922 e instaurar su dictadura.El estreno ha suscitado debate, tanto por su inusual estética -Mussolini habla al espectador mientras sus secuaces apalean rivales con música punk de fondo- como por su oportunidad, pues este año se cumplirá el 80 aniversario de la ejecución del tirano el 28 de abril de 1945.El tema ha sido tratado incluso por los exponentes del principal partido italiano, el de la primera ministra Giorgia Meloni, los ultraderechistas Hermanos de Italia, formación que se considera heredera del posfascista Movimiento Social Italiano (MSI).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El presidente del Senado, Ignazio La Russa, hijo de un dirigente fascista, criticó hoy la serie asegurando que "se trata de una ficción que no enseña nada, no deja nada, ridiculiza y basta"."La he visto. Digamos que, comparando, he cambiado mi opinión sobre el libro de Scurati. Al menos él tuvo el buen gusto de poner en la portada que era una novela", desairó La Russa.También se ha preguntado sobre la cuestión a la propia Meloni, que en el pasado tuvo un desencuentro con el escritor, quien la acusó de vetar un discurso suyo en la televisión pública. "Creo que no veo una serie ni leo libro que no sea el Plan de Recuperación desde hace más de dos años", confesó la mandataria, alegando motivos laborales.Por otro lado, algunos historiadores han apuntado a supuestos errores en la trama, como Giordano Bruno Guerri, que resumió su veredicto en un artículo en 'Il fatto quotidiano' titulado 'Demasiadas falsedades, meteduras de pata y prejuicios".El propio protagonista, en cada evento de promoción, ha reconocido la dificultad de interpretar el papel del 'Duce' dada su condición de "antifascista", lo que le ha valido las críticas de sectores derechistas y de la prensa más conservadora."He leído las críticas y aunque, naturalmente, las lamento, no me parece haber dicho nada raro ni dramático. Simplemente he hablado de una emoción mía", se ha defendido el actor.La Asociación Nacional de Partisanos Italianos ha salido en su defensa con una campaña en redes sociales: "Gracias Luca por su honestidad intelectual y artística y por tu reconocido antifascismo. Repetirlo no cansa si puede ayudar a los desmemoriados", aplaudió la organización en un comunicado.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'José María Velasco: Una vista de México' será también la primera exposición monográfica en territorio británico dedicada a Velasco, uno de los pintores mexicanos más celebres del siglo XIX, y coincide con el 200 aniversario del establecimiento de relaciones diplomáticas entre el Reino Unido y México.La muestra, que permanecerá en el museo londinense hasta el 17 de agosto de 2025, establecerá vínculos entre la obra de Velasco y otras pinturas de la National Gallery, en particular 'La ejecución de Maximiliano' (1867-68) de Édouard Manet, que representa la ejecución del gobernante austriaco en México.La obra de Velasco (1840-1912) es conocida por retratar con brillantez los paisajes de México y los alrededores de la capital del país, así como por la representación del cambio social y la industrialización en sus cuadros; por eso esta muestra también abordará "preocupaciones más amplias" sobre la relación entre seres humanos y el medioambiente.De acuerdo con un comunicado de la National Gallery, aunque Velasco expuso sus cuadros en Europa y Estados Unidos en vida, no hay ninguna pintura del mexicano en colecciones públicas del Reino Unido y su última muestra a gran escala fuera de México se celebró en 1976 entre San Antonio y Austin, en Texas (Estados Unidos).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En esta ocasión, la exposición, comisariada por el artista Dexter Dalwood y el comisario asociado de pintura española de la National Gallery Daniel Sobrino, está organizada conjuntamente entre la National Gallery de Londres y el Instituto de Artes de Mineápolis (MIA), en Minesota (Estados Unidos) y viajará por ambas ciudades hasta enero de 2026.Según Dalwood y Sobrino, está exposición "ampliará y mejorará" la comprensión de la pintura de paisajes del siglo XIX a través de las obras de Velasco, que absorbieron "la tradición y la historia de la pintura paisajística europea, llevando al mismo tiempo la representación y la comprensión del paisaje mexicano a un nuevo nivel de inteligencia pictórica".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Capturar esa esencia de Quino en esa voz que nunca nadie oyó -o que oyó una vez y no le gustó- es el desafío más grande”, confiesa Campanella en una entrevista, donde afirma ser "plenamente consciente de que las voces pueden ser lo que hagan o destruyan el proyecto".El director está convencido de que tras meses de pruebas, de un proceso exhaustivo y de escuchar "800 voces” ha encontrado, según sus palabras, “las voces correctas” y además "son excelentes".Pero el director no desvela quién es la actriz y resto de actores que hacen hablar a los protagonistas de la serie: “Todavía no lo quiero decir, obviamente es una causa perdida porque el proyecto va a salir en 2026 y no sé cómo podremos mantener el secreto hasta ese momento"."No me gustaría que se escuchen las voces antes de verlas con el personaje (...) También me parece injusto que los actores y las actrices no puedan decirlo”, explica.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Lo que sí confirma el oscarizado director por El secreto de sus ojos y artífice de películas como Metegol o El hijo de la novia, además de participar en la dirección de la serie estadounidense Ley y Orden, entre otras, es que su “Mafalda es argentina, por lo menos en el idioma español”, al vaticinar que la serie se emitirá en distintos idiomas.Mafalda será moderna y hablará del presenteY sobre la Mafalda que se encontrarán los espectadores en la pantalla, argumentó: “Va a ser una Mafalda actual, moderna (...), hay muchas cosas que son icónicas de Mafalda, muy de esa época, como el citröen, el auto del papá, y ciertas costumbres, como jugar en la plaza (...) Algunas de esas cosas vamos a mantenerlas, pero no es una pieza de época, no transcurre en los setenta”.“Estamos introduciendo algunas cositas un poco más modernas, de las que estamos convencidos Quino hablaría si hubiera seguido con la tira (cómica). Va a transcurrir en el presente”, avanzó.Campanella deja también claro que “ese presente no hay que cambiarlo mucho porque ella (Mafalda) ya cuestionaba los problemas de Medio Oriente, de China, el feminismo, el rol de la mujer, el rol de los genios”.Con ironía dice a continuación: “Como verás, son todos temas que ya no figuran para nada a diario”, para afirmar después: “Mafalda es como si la leyeras hoy”.Según Campanella, “Todos los problemas que le preocupaban a ella (Mafalda) en los 60 y los 70 siguen existiendo, así que serán los mismos”.Mafalda se puede convertir en una de las grandes producciones del cine de animación latinoamericano y así es como Netflix concibe el proyecto, que se estrenará en 2026.El cineasta argentino reconoce que “la animación es muy difícil y que el estilo de Quino trasladado a la animación tiene sus desafíos”. Por todo ello, Campanela sabe que es un gran reto dar vida a Mafalda más de 60 años después de su nacimiento.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El domingo 12 de enero la autopista norte de Medellín fue el punto de encuentro de artistas y víctimas del conflicto armado, en específico de las madres que por años vieron en La escombrera una esperanza para dar con el paradero de sus familiares víctimas de la desaparición forzada en la ciudad.En medio de una olla comunitaria y una jornada artística se plasmó en un mural en el puente del Mico la frase “Las cuchas tenían la razón”, haciendo referencia a la persistente búsqueda de estas mujeres que dio como resultado el hallazgo de los primeros restos humanos en el La escombrera. Así lo dio a conocer en diciembre de 2024 la Unidad de Búsqueda de Personas dadas por Desaparecidos (UBPD) y la Jurisdicción Especial para la Paz (JEP).Tras menos de 24 horas de este acto artístico y simbólico, el mural fue borrado por orden de la Alcaldía, lo que se interpreta como una señal de revictimización y minimización del dolor, trabajo y empeño de las víctimas por encontrar la verdad.La pintura gris no solo tapó esta frase sino también el rostro de Margarita Restrepo, vocera del colectivo de Mujeres Caminando por la Verdad, que acompañaba esta muestra, y de quien también estuvo acompañando a los artistas que hicieron el mural.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEn respuesta a los reclamos de ciudadanos, artistas y víctimas que a través de redes sociales pedían no borrar la memoria, el alcalde de Medellín, Federico Gutiérrez, justificó su decisión desde la red social X argumentando que “hay respeto por las expresiones artísticas y las apoyamos, y al mismo tiempo tenemos claro que el espacio público de la ciudad es de todos y hay que mantenerlo limpio y bonito”. Mensaje que acompañó diciendo que contrario al grafiti como expresión artística “otra cosa muy diferente es el desorden y quienes simplemente quieren generar caos y poner fea y sucia la ciudad”.Por su parte Restrepo, madre de Carol Vanesa Restrepo, desaparecida en el año 2002 en la Comuna 13, dijo en Señal Colombia sobre la acción de tapar el grafiti que “allí no estaba Margarita, allí estaba era esa mujer en representación de todas las mujeres por la lucha, la resistencia, el dolor, la tristeza, el sol, el calor, hambres, incertidumbres, todo. Nos han callado nuestras voces, nos han acallado la vida y todo por un conflicto que nosotros no buscamos”.Sin embargo, el borrado del grafiti “Las cuchas tenían la razón”, que ha suscitado debates en redes en los que incluso siguen discutiendo el presidente Petro y el alcalde Gutiérrez, no fue el único por estos días. La semana anterior también fue tapado con pintura gris en la Avenida Paralela de Medellín un mural hecho en 2020 con la frase “Nos están matando”.“Hoy nos enfrentamos una vez más a la censura que quiere silenciar nuestro mural ‘Nos Están Matando’, pero nuestra respuesta no será con la misma violencia que intenta imponer la derecha rancia de este país. Nosotros respondemos con nuestra arma más poderosa: el arte”, escribió el colectivo artístico Fuerza y graffiti. Sobre este mural censurado este colectivo plasmó un nuevo mensaje: “El arte no se calla”. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Fuerza & Graffiti (@fuerzaygraffiti)Eliminar la memoria de forma sistemáticaEn los dos casos recientes de Medellín, tapar selectivamente murales y grafitis que hacen alusión al conflicto armado, que honran la memoria de las víctimas o piden justicia ante la violencia del Estado denotan un patrón de censura que en cambio de aportar a la reparación de las víctimas y a la construcción de memoria, se enmarcan como un acto revictimizante.Este acto político de censura recuerda que por parte de gobiernos anteriores, locales y nacionales, este tipo de acciones se han realizado de forma sistemática. En octubre de 2019, por ejemplo, militares cubrieron con pintura blanca el ahora famoso mural “Quién dio la orden”, incluso antes de que fuera terminado. En la calle 80 con carrera 30 de Bogotá se leía esta pregunta junto al número 6.402 (haciendo referencia a la cantidad de ejecuciones extrajudiciales registradas entre 2002 y 2008).En esa ocasión, la imagen generó molestia entre las fuerzas armadas porque también señalaba a cinco altos mandos militares: Juan Carlos Barrera, Adolfo León Hernández, Mario Montoya Uribe, Nicacio de Jesús Martínez y Marcos Evangelista Pinto. Al contrario de silenciar el mensaje, la imagen fue ampliamente replicada en panfletos, redes sociales y distintos muros posteriormente.En mayo de 2021 otro mural que tuvo resonancia fue pintado en el deprimido de la Avenida San Juan en Medellín durante el paro nacional. Allí se leía “Estado asesino”, frase que duró menos de una semana tras ser borrada por miembros del Ejército.Entre diversos casos y paredes grises y blancas, otro espacio de memoria que desde 2020 ha sido vandalizado o censurado es el lugar donde fue asesinado Dilan Cruz el 25 de noviembre de 2019 durante las protestas de ese año. Allí las materas pintadas en su nombre y los grafitis en su memoria meses tras meses se han censurado.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el corazón de muchas culturas y creencias alrededor del mundo, el número 13 ha sido temido y venerado a partes iguales. Especialmente el mundo occidental, influenciado por diversas narrativas y tradiciones, ha desarrollado una particular aversión a este número, manifestada en el diseño de edificios sin una decimotercera planta y aviones sin la fila 13. Esta fobia, conocida científicamente como triscaidecafobia (miedo al número 13), encontró su apogeo en la temida combinación con el viernes para formar el "viernes 13" (parascevedecatriafobia), un día envuelto en supersticiones y folklore.El temor al número 13 no es un fenómeno moderno, sino que tiene raíces en varias tradiciones antiguas y mitos. Aunque los historiadores dicen que es difícil determinar con exactitud cómo surgió el tabú, muchos apuntan a que, en la cultura occidental, el número 12 es considerado completo y armónico: 12 meses, 12 horas en el reloj, 12 apóstoles y, matemáticamente, el 12 es uno de los dos "números sublimes". El 13, por su parte, se ha percibido como una anomalía inquietante.Otras explicaciones apuntan a la cultura nórdica, donde una cena en el Valhalla se vio perturbada trágicamente con la llegada no invitada del decimotercer dios, Loki, el embaucador, que provocó la muerte de Balder, el dios de la alegría, lo que oscureció el mundo y convirtió el día en uno de infortunio.¿Por qué el viernes 13?El viernes 13 no siempre ha sido una fecha temida. Según algunos historiadores, fue la combinación del número 13 con el viernes lo que llevó a esta creencia. En el cristianismo, el viernes arrastra su propia reputación sombría. Según la tradición cristiana, fue un viernes cuando Eva tentó a Adán, cuando Caín mató a Abel y, por supuesto, cuando Jesús fue crucificado. A este evento, se suma que la Última Cena contó con 13 comensales, siendo Judas Iscariote el traidor y decimotercer invitado.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa reputación siniestra del viernes 13 cobró más fuerza a lo largo de los siglos. En el siglo XIV, Geoffrey Chaucer mencionaba en Los cuentos de Canterbury que un viernes fue el día en que cayó la desgracia. Más tarde, el viernes 13 de octubre de 1307, los Caballeros Templarios, una influyente orden militar, fueron arrestados y sometidos a brutales torturas por órdenes del rey Felipe IV de Francia, un hecho que contribuyó a la caída de la orden y añadió un peso histórico significativo a la mala fama de esta fecha.El miedo a este día no es solo un fenómeno antiguo. En tiempos más recientes, el compositor austriaco Arnold Schoenberg, famoso por su sistema de 12 tonos, temía tanto al número 13 (el compositor tenía triscaidecafobia), que evitaba utilizarlo en sus composiciones. Irónicamente, murió un viernes 13, a los 76 años, cuyos dígitos suman 13.En 1907, el financiero Thomas William Lawson publicó una novela titulada Viernes 13, sobre un corredor de bolsa que provoca el pánico en Wall Street en esa fecha. Esto ayudó a cimentar la asociación del día con la mala suerte en la cultura popular.Pero fue en 1980 cuando el viernes 13 alcanzó su estatus de icono del terror. La película Viernes 13 dio inicio a una de las franquicias de cine de terror más exitosas de la historia, asociando permanentemente la fecha con asesinatos y horror.¿Y el martes 13? El miedo por el día 13 no es exclusivo de Estados Unidos o Europa. En algunos países de habla hispana, el temor se traslada al martes 13, debido a la asociación del martes con Marte, el dios romano de la guerra, según National Geographic. En estos lugares, el refrán "En martes 13, ni te cases ni te embarques" refleja la creencia de que esta combinación trae mala suerte.Impacto del número 13 en la vida cotidianaLa superstición del 13 ha dejado su huella en la sociedad moderna. Además de que muchos edificios "carecen" de piso 13, o que varias aerolíneas omiten la fila 13 en sus aviones, hay personas con paranoia suficiente para evitar hacer negocios o viajar en esta fecha. Según Donald Dossey, historiador del folclore, se estima que se pierden entre 800 y 900 millones de dólares en negocios cada viernes 13, debido a que la gente evita volar o realizar transacciones comerciales.Curiosamente, desde un punto de vista matemático y estadístico, el día 13 tiende a caer en viernes más frecuentemente que cualquier otro día de la semana, según un ciclo de 400 años del calendario gregoriano. Esta peculiaridad calendárica solo sirve para alimentar las supersticiones que rodean al viernes 13.¿Realidad o ficción?A pesar de toda la paranoia, no hay evidencia estadística de que el viernes 13 sea más propenso a la mala suerte que cualquier otra fecha. Según expertos, no se ha registrado un aumento de accidentes o incidentes trágicos en esa fecha. Como señaló el Dr. Simon Bronner, de la Universidad Estatal de Pensilvania, a Smithsonian Magazine en 2017, el viernes 13 es simplemente un hito conveniente al que atribuir la mala suerte.Sin embargo, ya sea por verdadera creencia o por un guiño cultural, el viernes 13 sigue siendo una fecha que muchos marcan en sus calendarios, ya sea para evitarla o para celebrarla con una maratón de películas de terror.*Editado por Felipe Espinosa Wang con información de National Geographic, Time, History.com y Smithsonian Magazine.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Conocida mundialmente por el cómic y la película "Persépolis", la artista francoiraní Marjane Satrapi llegó a Francia en 1994 y consiguió la nacionalidad en 2006.En julio recibió la Legión de Honor en el rango de caballero, la condecoración honorífica más alta en Francia, pero la artista y directora de cine decidió "rechazar" el galardón invocando su "apego" a su "patria de nacimiento", según una carta dirigida a la ministra de Cultura, Rachida Dati, publicada en Instagram ."No puedo ignorar lo que percibo como una actitud hipócrita de Francia hacia Irán", explicó la creadora, que insistió en que no es un gesto de "desdén".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíPor las mujeres y jóvenes iraníes, y por los "rehenes franceses"En un video publicado unas horas después en la red social, la artista menciona una "muestra de solidaridad con los iraníes, especialmente con las mujeres y la juventud iraní, pero también con (sus) compatriotas franceses retenidos como rehenes en Irán"."Desde hace un tiempo realmente me cuesta entender la política de Francia hacia Irán", añade Satrapi.Contactada por la AFP, Marjane Satrapi explicó que la entrega de su Legión de Honor debía tener lugar en enero. "Cuando tienes un pueblo que lucha por la democracia (...) hay que apoyarlo", lanzó.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde octubre de 2024 el Instituto Distrital de Recreación y Deporte entregó el predio del estadio Nemesio Camacho El Campín a la concesión con Sencia, la empresa privada que se encargará de construir el APP Complejo Cultural y Deportivo El Campín (CDEC), en el que habrá un centro comercial, un hotel, una clínica, un auditorio y, por supuesto, se realizará la totalidad de la renovación del estadio. El Concesionario Sencia, que son quienes se encargarán de la operación, mantenimiento y administración del proyecto invertirá 2.4 billones de pesos en la creación de un espacio deportivo y cultural para toda la ciudad. Edgar Miguel Cardona, director del proyecto por parte de Sencia habló con la HJCK y comentó lo siguiente: “Esta APP es de iniciativa privada, es decir, nosotros que trabajamos en el mundo del entretenimiento nos dimos cuenta que aquí había una oportunidad de mejora para la ciudad y que era un modelo financiero importante entonces la idea salió de nosotros hacia el Estado. Este proyecto lleva siete años de trabajo que han sido invertidos en que el Estado nos diera la posibilidad de hoy ser ya los adjudicatarios del proyecto que vamos a realizar”. El proyecto inició en el 2017 con una propuesta a la alcaldía de Enrique Peñalosa para renovar el estadio y en estos siete años ha evolucionado a un complejo deportivo y cultural. Por parte del IDRD, Daniel García, su director comentó en un comunicado de prensa que “estamos muy satisfechos de poder dar este paso tan importante para nuestra ciudad. Este proceso constructivo permitirá que los bogotanos y bogotanas cuenten con un complejo de alto nivel para el desarrollo de actividades deportivas, culturales y recreativas, que se constituirá en patrimonio de la capital, sin que el Distrito tenga que invertir un solo peso en su desarrollo. Con esto seguimos avanzando en pro de los objetivos del IDRD dentro del Plan Distrital de Desarrollo, Bogotá Camina Segura”. A partir de estas declaraciones no se han realizado más intervenciones por parte del Instituto. ¿Cómo se hará la remodelación del estadio?La demolición se hará por localidades, primero se demolerá oriental e inmediatamente se construirá esa misma localidad, seguirán sur y norte y finalmente occidental junto al techo retráctil que tendrá el estadio al que podrán asistir cincuenta mil personas en cada evento. Se estima que la obra comience en diciembre del 2025 y continúe por tres años, allí surge la pregunta de cómo va a afectar esta construcción a los partidos de fútbol y a los conciertos que se hagan en el estadio. “Va a afectar, claro, porque si tú tenías capacidad para 30.000 personas y ahora vas a sacar capacidad para 20.000, vas a vender 10.000 boletas menos, pero es inevitable hacer un estadio nuevo en la misma huella sin tumbar graderías, entonces claramente vamos a tener esa afectación durante tres años y medio. Ahora bien, hay que hacerlo para poder llegar a un estadio de 50.000 personas y para cumplir las normas técnicas que hoy no cumplimos”, comenta Cardona. Si hablamos de las otras instalaciones que tendrá la zona el orden de construcción será el siguiente: al mismo tiempo de la remodelación del estadio se construirán parqueaderos que tendrán capacidad de tres mil vehículos, luego se levantará la obra para el centro comercial, la clínica y el hotel, y finalmente se construirá el auditorio que es más complejo por la acústica y la infraestructura del lugar. 💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíFechas y fases del proyecto El proyecto está dividido en tres fases: preoperativa, operativa y reversión. La fase de preconstrucción tendrá una duración aproximada de doce meses (de diciembre de 2024 a diciembre del 2025), en este momento del proceso Sencia realizará operación y mantenimiento de la infraestructura existente, mientras se tramitan las licencias, permisos y/o autorizaciones respectivas.La fase de construcción es de aproximadamente 3.5 años. La remodelación del estadio se realizará por etapas con la demolición y construcción de cada tribuna. Se estima que la primera tribuna estaría lista para recibir visitantes en octubre del 2026. En paralelo a la construcción del estadio serán construidas las restantes unidades funcionales del proyecto.La etapa operativa tendrá una duración aproximada de 24,6 años; en esas dos décadas al concesionario le corresponderá la operación integral y mantenimiento de la infraestructura objeto de la construcción. Y finalmente, la etapa de reversión que corresponderá a los últimos seis meses del plazo del contrato.Cardona también habló de los plazos de entrega de las construcciones: “oriental será la primera localidad que se entregará en el 2026, luego en el 2027 saldrá sur y norte, igual que el parqueadero, el centro comercial sale a principios del 2028 y así sucesivamente, el último de los elementos que tendríamos en inauguración sería el auditorio filarmónico que sería en el 2029”. El auditorio, la nueva casa de la Orquesta Filarmónica de BogotáComo se mencionó anteriormente, el auditorio será la última construcción en ser entregada por su complejidad, ya que debe ser estudiada y realizada con la mayor tecnología posible. Este auditorio tendrá una capacidad de tres mil personas con dos salas de conciertos, la sala mayor con capacidad de 2.300 y la sala menor con capacidad de 700. Tendrá, además, salas de ensayos y bodegas de instrumentos, así como áreas de exposiciones de arte. Este auditorio pasará a ser la casa propia de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, pero también funcionará como espacio para festivales de teatro y todo tipo de expresión artística. El Instituto Distrital de Recreación y Deporte cedió el predio a la empresa privada Sencia que se encargará de todo el funcionamiento explicado anteriormente, pese a que el plan de trabajo promete una mejoría en términos de infraestructura, espacio y dinamización de la zona, las ganancias económicas que traerán estos proyectos de alta envergadura serán destinadas al sector privado. Durante las más de dos décadas en las que serán los operadores integrales, el concesionario Sencia recibirá ganancias millonarias si se cumplen con los plazos prometidos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Con la previsión de más de 450 millones de visitantes en las próximas seis semanas, el Kumbh Mela, el festival hindú que comienza en el norte de la India, se prepara para ser la mayor concentración humana en un mismo lugar del mundo. El colosal encuentro, que peregrina entre cuatro ciudades sagradas de la India en un ciclo de doce años, despliega su majestuosidad este 2025, del 13 de enero al 26 de febrero, en la sagrada Prayagraj. Este enclave, donde confluyen los ríos sagrados Ganges y Yamuna, junto al mítico Sarasvati, se transforma en todo un epicentro espiritual.¿Qué significa "Kumbh Mela"?"Kumbh Mela" es una expresión en sánscrito que se traduce literalmente como "Feria de la Jarra" o "Festival de la Jarra", y se refiere a una peregrinación masiva hindú con profundas raíces mitológicas, religiosas y culturales. Además de en Prayagraj, la peregrinación también tiene lugar en otros tres sitios sagrados bañados por los ríos Haridwar (norte), Ujjain (centro) y Nashik (oeste).El "Kumbh" no se trata de un evento organizado con invitaciones formales, sino de una llamada ancestral a la que responden por devoción los fieles hindúes indistintamente de su clase, casta, u origen.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíSegún la mitología, este baño especialmente en el momento astrológicamente más propicio, purifica a los peregrinos de sus pecados, los libera del ciclo de reencarnaciones (samsara) y los acerca a la liberación espiritual (moksha). Pero además de este proceso de purificación en el agua, el Kumbh Mela observa numerosos rituales de oración junto al río y sermones religiosos.¿Por qué tiene lugar cada 12 años?Para determinar la fecha exacta del Kumbh Mela se tienen en cuenta las posiciones astrológicas del Sol, la Luna y Júpiter, que se cree que señalan un período auspicioso para la limpieza espiritual y la autoiluminación.La edición de este año durará 45 días, entre el 13 de enero y el 26 de febrero, pero la concentración de asistentes no se reparte de forma homogénea entre ese periodo. El festival cuenta con seis fechas especialmente señaladas para el baño sagrado que suelen atraer a la mayor cantidad de devotos: 13, 14 y el 29 de enero, y el 3, 12 y 26 de febrero. En estos días, el festival puede reunir hasta a 50 millones de personas en un mismo momento, una cifra que supera las poblaciones de países como Argentina o España, entre otros. Esto es 30 veces la población de la ciudad de Prayagraj, habitada por 1,5 millones de personas el resto del año.¿Cuál es el origen del festival?Las primeras referencias del Kumbh Mela datan del siglo IV a. C., según el Ministerio de Cultura de la India, que indica que estas reuniones poco tenían que ver con la masificación del festival en la actualidad. De hecho, no fue hasta después de la independencia de la India que adquirió una mayor importancia, con afluencias cada vez más grandes y un simbolismo que lo llevó a ser inscrito en 2017 en la lista de Patrimonio Cultural Inmaterial de la Unesco.Según la creencia hindú, en las cuatro ciudades que albergan el festival cayó una gota de néctar de la inmortalidad de una vasija disputada por dioses y demonios, una batalla mitológica de la que nació la festividad Kumbh Mela.La mayor proporción de visitantes son los ya mencionados peregrinos hindúes, aunque esto no evita que también sea un destino turístico para otras personas que desean ver con sus ojos semejante concentración de personas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En un comunicado de prensa, el director ejecutivo de la compañía, Bob Iger, destacó que se sentían "orgullosos de brindar asistencia a esta comunidad resiliente y vibrante en este momento de necesidad"."Walt Disney llegó a Los Ángeles con poco más que su imaginación ilimitada, y fue aquí donde decidió establecer su hogar, perseguir sus sueños y crear historias extraordinarias que significan mucho para muchas personas en todo el mundo", ahondó el director.La empresa de entretenimiento se comprometió a apoyar a "organizaciones vitales" que ofrecen servicios en el terreno como la Cruz Roja Americana, la Fundación del Departamento de Bomberos de Los Ángeles y el Banco Regional de Alimentos de Los Ángeles, entre otros.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíAl igual que la casa de Mickey Mouse, Paramount donó un millón de dólares a organizaciones locales, entre ellas la Fundación del Departamento de Bomberos de Los Ángeles, la Fundación de Bomberos de California, la Cruz Roja, Direct Relief, World Central Kitchen y Best Friends Animal Society.La tragedia continúa azotando Los Ángeles, donde el número de víctimas mortales a causa de los incendios que arrasan la ciudad ha escalado a once, según confirmó este viernes el Departamento Forense del condado.Los principales incendios, el de Eaton y Palisades, han destruido más de 12.000 estructuras y los bomberos siguen trabajando incansablemente en las labores de contención.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Toscani fue hospitalizado en cuidados intensivos en el hospital de Cecina el pasado viernes y ya no estaba consciente. Su esposa declaró que era "un camino sin retorno". Sufría amiloidosis, una rara enfermedad que él mismo había contado en una entrevista publicada en el diario "Corriere della Sera" el pasado agosto.Revolucionó con su arte la publicidad sobre todo con las campañas publicitarias rompedoras para Benetton que hablaban de racismo, religión y otros temas sociales y que provocaron grandes polémicas.Era hijo de un famoso fotoperiodista del Corriere Della Sera, nació en Milán en 1942 y estudió fotografía y gráfica en la Universidad de las Artes de Zurich de 1961 a 1965.Conocido internacionalmente como la fuerza creativa detrás de los periódicos y marcas más famosos. del mundo, creador de imágenes corporativas y campañas publicitarias a lo largo de los años para Esprit, Chanel, Robe di Kappa, Fiorucci, Prenatal, Jesus, Inter, Snai, Toyota, Ministerio de Trabajo, Salud, Artemide, Woolworth y otros.Como fotógrafo de moda colaboró en publicaciones como Elle, Vogue, GQ, Harper's Bazaar, Esquire, Stern, Liberation, entre otras muchas.De 1982 a 2000 creó la estrategia de comunicación para la marca de moda United Colors of Benetton, transformándola en una de las firmas más conocidas del mundo con sus campañas provocadoras con imágenes que dieron la vuelta al mundo como un cura y una monja besándose, una mujer negra que daba al pecho a un niño blanco, o un enfermo terminal de sida.En 1990 creó y dirigió el diario sobre el arte Colors y en 1993 concibió y dirigió Fabrica, un centro de investigación para la creatividad en la comunicación moderna.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíDe 1999 a 2000 fue director creativo de la revista mensual Talk Miramax en Nueva York dirigida por Tina Brown.Toscani fue uno de los fundadores de la Academia de Arquitectura Mendrisio, enseñó comunicación visual en varias universidades y ha escrito varios libros sobre comunicación.Desde 2007 Oliviero Toscani inició Razza Umana, un proyecto de fotografía y vídeo sobre diferentes morfologías y condiciones humanas, para representar todas las expresiones, características físicas, sociales y culturales de la humanidad.Desde hace casi treinta años participaba en el proyecto: Nuevo Paisaje Italiano, un proyecto contra la degradación de Italia. La obra de Toscani ha sido expuesta en la Bienal de Venecia, en Sao Paulo, Brasil, en la Trienal de Milán y en museos de arte moderno y contemporáneo de todo el mundo.Ha ganado numerosos premios, como cuatro Leones de Oro, el Gran Premio de la UNESCO, dos veces el Gran Premio de Affichage y numerosos premios de Art Directors Clubs de todo el mundo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Centro Felicidad Chapinero se consolida como un espacio de bienestar, deporte y recreación para la comunidad. Con la apertura oficial de sus piscinas y el gimnasio recreativo, servicios gratuitos y accesibles, se continúa fomentando la actividad física y el disfrute cultural en todas las edades.Este escenario de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte cuenta con 25 espacios diseñados para actividades artísticas y deportivas, incluyendo un teatro urbano, tres piscinas, un gimnasio, una biblioteca, salones especializados, aulas para formación, una arena polivalente y más. Santiago Trujillo, secretario de Cultura, Recreación y Deporte, afirmó que "a pesar de algunos intentos de desinformación sobre la operación de los espacios y servicios del Centro Felicidad Chapinero, en estos dos meses y medio de funcionamiento hemos logrado poner en marcha al cien por ciento 15 espacios, entre ellos el teatro urbano, las aulas, la biblioteca, el LabCo, el polideportivo y el gimnasio. Los otros 10 espacios han sido utilizados parcialmente". Trujillo continuó diciendo "asimismo, este mes se publicarán los pliegos para licitar la administración, operación y mantenimiento de las piscinas y el gimnasio. También están abiertas invitaciones públicas para arrendar el restaurante, el local comercial y el parqueadero y, para el caso de los puntos de café, se vincularán a nuestra estrategia Sabor Bogotá para emprendimientos culturales".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíCómo acceder a la piscinaLas piscinas del Centro Felicidad Chapinero se han habilitado paulatinamente con una capacidad diaria para 150 personas y un aforo mensual estimado de 2.700 usuarios. Para garantizar una experiencia segura y agradable, es necesario cumplir con los siguientes requisitos:Registro previo: Inscribirse en la franja correspondiente. Durante el mes de enero, las franjas se habilitarán para niños, adultos y adultos mayores con límite de aforo. Cada semana se actualizará la información en el portal web y redes sociales de la SCRD @CulturaenBta.Indumentaria adecuada: Uso obligatorio de vestido de baño de lycra, gorro de natación, toalla personal y sandalias antideslizantes.Higiene personal: Ducha previa antes de ingresar a la piscina.Acceso controlado: Presentar documento de identidad o la confirmación de inscripción al personal encargado.Normas de seguridad: Respetar las indicaciones de los salvavidas y personal encargado. No se permite el ingreso de alimentos ni bebidas en la zona de la piscina.Cómo acceder al gimnasioEl gimnasio está habilitado exclusivamente para mayores de 18 años y requiere:Certificado de afiliación activo a una EPS y examen médico general vigente que confirme aptitud para realizar actividad física moderada.Registro previo mediante código QR que se encuentra en la entrada del gimnasio, con al menos 48 horas de anticipación.Turnos de 1 hora y 45 minutos, con un aforo máximo de 25 personas bajo supervisión de un instructor. Uso obligatorio de toalla personal e hidratación propia.Uso de casilleros para guardar las pertenencias. Es necesario presentar un documento diferente a la cédula para acceder a ellos.Recuerde que los horarios del Centro Felicidad Chapinero son martes a viernes de 10:00 a.m. a 7:00 p.m., y los fines de semana de 10:00 a.m. a 5:00 p.m.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Ministerio británico de Cultura, Medios y Deporte (DCMS, en inglés) lanzó una consulta pública, que permanecerá abierta hasta el próximo 4 de abril, donde invitó a los fanes, plataformas de venta de entradas y el sector de eventos en vivo a expresar su opinión y buscar soluciones a los problemas actuales en el mercado de la reventa."Vamos a lanzar una consulta, no sobre si tomar o no acciones, sino cómo. Poniendo límites a los precios de las reventas, con mayores derechos para los aficionados y haciendo todo el sistema mucho más justo", dijo la ministra, Lisa Nandy, en un vídeo publicado en redes sociales."Nuestro mensaje a los revendedores de entradas es que el tiempo se ha acabado", añadió Nandy, que consideró que, durante demasiados años, muchas personas han sido "estafadas" en el Reino Unido cuando han intentado conseguir entradas para ver a sus cantantes o bandas favoritos.Simultáneamente, el DCMS publicó otra convocatoria para recabar pruebas sobre las prácticas abusivas a la hora de fijar los precios en el sector de los eventos en directo y comprobar si el marco legal actual "brinda suficiente protección a los consumidores".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEl problema de la reventa en esos eventos y la fórmula de los "precios dinámicos" - ajustar la cantidad de dinero de la entrada dependiendo de la demanda- que usan algunas empresas provocó el pasado verano un gran revuelo en el Reino Unido durante la venta de los tíquets para la reunión de Oasis en 2025.La banda formada por los hermanos Liam y Noel Gallagher criticó duramente la medida y anunció un sistema escalonado y por invitación en la última remesa de fechas de sus conciertos, con el objetivo de priorizar a aquellas personas perjudicadas por el sistema de precios dinámicos que no consiguieron su entrada.La Autoridad británica de Competencia y Mercados (CMA) lanzó en septiembre una investigación contra Ticketmaster en relación a la venta de entradas de Oasis y su uso del "precio dinámico" para averiguar si infringió la ley de protección al consumidor.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El sitio arqueológico, otrora joya de la corona del antiguo imperio asirio, fue arrasado por combatientes del Estado Islámico (EI) luego de que tomaran grandes sectores de Irak y la vecina Siria en 2014.Las preciosas obras preislámicas destruidas por los yihadistas yacen en pedazos, pero los arqueólogos no temen la colosal tarea de rearmarlas. "Cada vez que encontramos una pieza y la ponemos en su sitio original, es como un nuevo descubrimiento", comenta Abdel Ghani Ghadi, un especialista de 47 años que trabaja en el lugar.Más de 500 piezas han sido halladas hechas añicos en la zona, a unos 30 km de Mosul, la ciudad del norte de Irak donde el EI estableció la capital de su autoproclamado "califato".Una excavación minuciosa a cargo de los arqueólogos iraquíes ha permitido recuperar más de 35.000 fragmentos.Los científicos han tenido cuidado en rearmar los bajorrelieves, esculturas y losas decoradas que retratan criaturas míticas, las cuales adornaron el palacio del rey asirio Ashurnasirpal II hace casi 3.000 años. Poco a poco se juntan las piezas del rompecabezas cubiertas por una lona verde.La imagen de Ashurnasirpal II comienza a aparecer en un bajorrelieve junto a una figura con alas y barba, cabello crespo y una flor en la muñeca, a medida que la restauración devuelve los ricos detalles al grabado en piedra.Otra pieza muestra a prisioneros esposados de territorios que se rebelaron contra el poderoso ejército asirio. Tendidos de costado hay unos lamassus (retratos de deidades asirias con cabeza humana, cuerpo de toro o león y alas de ave), cerca de unas tabletas con textos en escritura cuneiforme.Operación compleja"Esas esculturas son el tesoro de Mesopotamia", expresa Ghadi. "Nimrud es patrimonio de toda la humanidad, una historia que data de 3.000 años". Fundada en el siglo XIII a. C., Nimrud alcanzó su apogeo en el siglo IX a. C. y fue la segunda capital del imperio asirio.Videos de propaganda de EI mostraron en 2015 a los yihadistas destruyendo los monumentos con excavadoras, golpeándolos con picos o dinamitándolos. Uno de esos monumentos era el templo de Nabu, el dios mesopotámico de la sabiduría y la escritura, de 2.800 años de antigüedad.Los combatientes de EI destruyeron también el Museo de Mosul y la ciudad antigua de Palmira, en Siria. El grupo yihadista fue derrotado en 2017 en Irak y el proyecto de restauración de Nimrud comenzó al año siguiente. Fue interrumpido por la pandemia del covid-19 y se reanudó en 2023.Mohamed Kasim, del Instituto de Investigación Académica de Irak, dijo que "hasta ahora ha sido un proceso de recolección, clasificación e identificación".Un 70% de las labores ha sido concluido en el sitio del palacio asirio, y queda un año de trabajo de campo antes de comenzar a todo ritmo con la restauración, indica Kasim, quien advierte que se trata de una "operación compleja".Su organización ha trabajado estrechamente con arqueólogos iraquíes, apoyando su esfuerzo por "rescatar" a Nimrud y preservar su riqueza cultural.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíTestamento de una era doradaKasim cuenta que el delicado proceso de restauración requiere un conocimiento que no existía en Irak y "apoyo internacional", dada la magnitud de la "barbárica" destrucción en Nimrud.Se trata de "uno de los sitios más importantes de la antigua civilización de Mesopotamia", según Kasim, y es un testamento de la era dorada del "arte y la arquitectura de la civilización asiria".El sitio fue excavado inicialmente por arqueólogos en el siglo XIX y obtuvo reconocimiento internacional por las inmensas figuras de lamassus que fueron exhibidas en el Museo Británico de Londres y el Louvre de París. Las ruinas atrajeron a figuras como la escritora británica Agatha Christie, que visitó el sitio con su esposo, un arqueólogo.En una visita reciente a Nimrud, el ministro iraquí de Cultura, Ahmed Fakak al Badrani, exaltó el "difícil" trabajo realizado por los arqueólogos, al recoger piezas para compararlas con dibujos y fotos de las piezas que intentan reconstruir.La enorme destrucción ha hecho imposible, al menos por ahora, determinar qué antigüedades fueron robadas por EI, según el ministro. Badrani dijo que se necesitarán 10 años de trabajo duro para poder ver nuevamente en su integridad las maravillas del palacio del rey Ashurnasirpal II.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Bianchi (Porto Alegre,1984) ha sido premiada por su obra, especialmente en el ámbito del arte de performance, y se consolida como "exponente principal de la escena experimental sudamericana", indicó la Bienal de Venecia al comunicar los nombres de las galardonadas.La artista brasileña, quien se graduó en la Escuela de Arte Dramática de la Universidad de San Paulo, se trasladó en 2020 a Ámsterdam, donde reside actualmente, para continuar sus estudios de teatro.Su obra es reconocida por su enfoque radical, y ya recibió otros premios como el de "Mejor debut internacional" en la temporada 2023/24 por parte del Sindicato Francés de la Crítica.Los galardones se entregarán durante la celebración del 19ª edición del Festival Internacional de Danza Contemporánea de la Bienal de Venecia, que tendrá lugar del 17 de julio al 2 de agosto de 2025.Wayne McGregor, director artístico de la Bienal, propuso el premio para Bianchi, de 40 años y de quien destacó que “permanece a la vanguardia de la 'performance' más radical”.Junto a la brasileña, también fue premiada Twyla Tharp, que recibirá el León de Oro en reconocimiento a sus seis décadas de trabajo en la danza y sus constantes innovaciones.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíTharp, que a sus 83 años sigue en activo, fundó su propia compañía de danza en 1965 que se caracteriza por su "creatividad, ironía y precisión técnica" en la que combina diferentes formas de movimiento y "expande los límites de la danza clásica y moderna"."No hay forma de espectáculo a la que Tharp no se haya dedicado, dejando su sello de autor", señala la Bienal de Danza en el comunicado de los galardones.Además, la estadounidense es reconocida por haber creado piezas para otras importantes compañías como el Ballet de la Ópera de París o el Royal Ballet y ha extendido su impacto al cine, el musical, la televisión, el pop y el rock, obteniendo numerosos premios, incluidos un Tony Award y dos Emmys.Tharp inaugurará la Bienal de Danza el jueves 17 de julio de 2025 en el Teatro Malibran presentando un díptico en estreno europeo que celebra los 60 años de su compañía (Diamond Jubilee Tour) y que iniciará una larga gira por Estados Unidos este enero.Por su parte, Carolina Bianchi presentará en la Bienal de Danza de 2025 el estreno de su nueva obra ‘The Brotherhood’, centrada en la masculinidad y la mirada masculina, que forma parte de una trilogía.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este 2025 promete ser un año inolvidable para los amantes de la astronomía, pues tendrán lugar varias alineaciones planetarias. La mayor de ellas se producirá el 28 de febrero, cuando puedan observarse siete planetas del Sistema Solar a la vez. Antes, no obstante, también se producirán varios acontecimientos atronómicos que harán historia.¿Qué son las alineaciones planetarias?El fenómeno llamado "alineación plantearia" no es estrictamente un fenómeno astronómico, sino más bien un efecto visual ya que, como indican desde National Geographic, los planetas no están realmente alineados y solo se observan como tal si se mira desde la Tierra.La explicación de este efecto radica en que los los planetas del sistema solar orbitan alrededor del Sol, manteniéndose en la trayectoria marcada por la fuerza gravitotoria del mismo. Esta línea imaginaria se conoce como "eclíptica" y explica porqué parece que los planetas se aproximan entre sí en el cielo, cuando realmente no están alineados."Esta es la razón por la que a veces observamos que los planetas parecen acercarse unos a otros en el cielo, ya que los vemos a lo largo de una línea mientras dan vueltas alrededor de la pista de carreras cósmica", explican desde la Administración Nacional Aeronáutica y Espacial de Estados Unidos (NASA).💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí"Algunos de los planetas tienen órbitas ligeramente inclinadas por encima o por debajo de esta línea, pero todos están más o menos al mismo nivel, como los surcos de un disco, gracias a la forma en que se forman las estrellas como nuestro Sol", agregan desde el portal LiveScience.Las alineaciones planetarias son más comunes cuando están implicados hasta seis planetas, tal y como sucederá este enero y en agosto. Lo inusual es cuando sucede una alineación con siete planetas vistos a la vez desde la Tierra. Esto ocurrirá el 28 de febrero de 2025 y no volverá a tener lugar hasta el año 2492."Los planetas siempre aparecen a lo largo de una línea en el cielo, por lo que la 'alineación' no es especial. Lo que es menos común es ver cuatro o cinco planetas brillantes a la vez, lo que no ocurre todos los años. ¿Se trata de un 'desfile de planetas'? No es un término técnico en astronomía, así que llámalo como quieras", señala la NASA en su portal web.Las alineaciones para este 2025En enero de este año, se producirá la primera de las tres alineaciones previstas para 2025. En la noche del 21 de enero, se observará en el suroeste del cielo a Venus y Saturno, a Júpiter en lo alto y a Marte en el este. Para ver a Urano y Neptuno será necesario un telescopio.El 28 de febrero se añadirá un séptimo planeta, con Mercurio. Mientras, el 11 de agosto se podrán observar hasta seis planetas: Mercurio, Venus, Júpiter, Urano, Neptuno y Saturno.Que alguien pueda ver las alineaciones, a qué hora salen y se ponen los planetas, y en qué orden, depende del lugar del mundo en el que uno se encuentre. Existen aplicaciones móviles que muestran las posiciones de los planetas o que cuentan con tecnología capaz de indicar en tiempo real las ubicaciones de los objetos celestes. Lo indispensable serán unos prismáticos o un telescopio y, por supuesto, un cielo despejado.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
