Así lo asegura en una entrevista la directora general del Instituto Colombiano de Antropología e Historia (ICANH), Alhena Caicedo, quien valora que el país puede "darse el lujo de hacer una investigación que le permita contar la historia desde su punto de vista"."La historia siempre la han contado otros, gente de afuera: desde España, Europa, Estados Unidos, el norte global. Incluso aquí mismo los historiadores señalan que la historia la construyen y la escriben los ganadores de la historia. Tal vez necesitamos otras perspectivas, otro punto de vista", afirma.Nueva hipótesisUno de los resultados de la expedición científica 'Hacia el corazón del galeón San José' es una nueva hipótesis sobre el hundimiento del barco.Según la investigación, el galeón español no fue hundido por una explosión en el siglo XVIII, al ser atacado en el mar Caribe por corsarios ingleses, sino que pudo ser por otras razones, como una "mala reparación".La versión "oficial" del hundimiento proviene de tres capitanes ingleses que fueron juzgados por una corte marcial de Port Royal (que en la época era la sede del Gobierno británico en Jamaica) quienes aseguraron que el San José explotó repentinamente, esto con el objetivo de librarse de responsabilidades por no poder robar el cargamento del galeón.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Esa ha sido la historia y esa fue la versión que prosperó en el tiempo, que nos llegó a nosotros y básicamente la que se ha pensado que es la verdadera. ¿Qué pasa con esa versión de la historia? resulta que lo que han encontrado los historiadores es que es una versión construida, básicamente a partir de testimonios ingleses", explica Caicedo.Sin embargo, los investigadores colombianos han revisado este año más de 250 expedientes y señalan que hay testimonios que desmienten a los ingleses, como el del marinero Pedro García de Asarta, que dijo haber escuchado el ruido del hundimiento de una nave, pero no oyó ninguna explosión.Este marinero de la época señaló que "el hundimiento se dio por una mala reparación del Galeón San José, derivada de un accidente que se dio en el viaje de Cartagena a Portobelo (Panamá)"."Un poco lo que han hecho los historiadores es revisitar esa idea y contrastar otro tipo de fuentes que habían sido consultadas efectivamente por investigadores, pero a las que no se les había dado el peso que en este caso se les está dando", precisa la directora del ICANH.Postura novedosaEl San José, que pertenecía a la Armada española, fue hundido, según crónicas de la época, con cerca de 11 millones de monedas de ocho escudos en oro y plata que había recogido en la feria de Portobelo.Luego del anuncio del hallazgo del pecio surgieron disputas entre Colombia y España, ya que ese país aduce que por tratarse de "un barco de Estado", con su bandera, le amparan las normas de la Unesco para reclamar su titularidad.El Gobierno del presidente colombiano, Gustavo Petro, decidió tratar el galeón como patrimonio cultural y "objeto de investigación científica", cuyo primer resultado, explica Caicedo, fue establecer que "el pecio que está a 600 metros de profundidad no había tenido ninguna intervención ni nadie lo había saqueado y no había sido parte de un complot para destruirlo ni nada por el estilo, está integral"."Este proyecto de investigación es complejo y por lo tanto tiene una larga duración. Esto no se va a resolver en un año y es un proyecto de investigación que además tiene diferentes fases. Nosotros estamos en la primera fase", afirma la funcionaria.Esta iniciativa, cree Caicedo, permite "abrir una veta nueva de la investigación científica en Colombia, en lo que tiene que ver con patrimonio cultural sumergido"."Estamos abriendo un campo de investigación que había sido súper marginal y muy poco explorado en Colombia, y en general en América, y hablar de patrimonio cultural sumergido tiene que ver con volver los ojos sobre el agua, los mares, los ríos, las lagunas y entender también qué información podemos tener ahí sobre el pasado del territorio", concluye.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Biblioteca Pública del Deporte ha llegado al Centro Felicidad Chapinero, ofreciendo una colección bibliográfica de 3.386 libros, que incluye novelas, literatura infantil y novelas gráficas. Además, dispone de una sección especializada con más de 350 títulos dedicados al deporte, bienestar y cuidado personal.Junto con la biblioteca, se inaugura la cuarta Sala LabCo de la Red Distrital de Bibliotecas Públicas de Bogotá (BibloRed), un espacio diseñado para fomentar la cocreación y la apropiación social del conocimiento mediante la experimentación, el aprendizaje práctico y la colaboración. Estos nuevos espacios se integran a BibloRed, una iniciativa de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte (SCRD) que busca ampliar el acceso a la lectura, escritura y expresión oral en toda la ciudad.Con una infraestructura moderna, la Biblioteca del Deporte cuenta con tres amplias salas temáticas: una dedicada a la literatura infantil, otra a la innovación ciudadana y una sala general. Esto garantiza una oferta variada para todas las edades. Además, ofrece servicios de préstamo de libros, afiliación, consulta en sala, actividades de mediación lectora, préstamo de equipos y acceso a internet, beneficiando a los residentes de Chapinero y áreas cercanas."Este nuevo espacio bibliotecario es parte del plan de transformación de BibloRed, que busca modernizar y expandir las bibliotecas en Bogotá, asegurando que más personas disfruten de sus servicios. La Biblioteca del Deporte promueve una lectura ligada al bienestar físico, el deporte y el cuidado integral, temas esenciales para impulsar un estilo de vida saludable entre los usuarios", comentó Andrea Victorino, Directora de Lectura y Bibliotecas de la SCRD.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La nueva Sala LabCo será un espacio donde se conectarán organizaciones, personas y proyectos con el objetivo de explorar nuevas formas de ciudadanía y gestión colectiva. Este laboratorio cuenta con una variedad de equipos y materiales para facilitar la cocreación, como impresoras 3D de filamento y arcilla, termoformadoras, cámaras, micrófonos, herramientas manuales y eléctricas, además de recursos informativos, conocimientos y metodologías especializadas.Con ello, el Centro Felicidad Chapinero, una moderna infraestructura de 10.600 metros cuadrados, se consolida como un espacio que ofrece actividades culturales, recreativas y deportivas para disfrutar del tiempo libre, al mismo tiempo que fomenta diálogos ciudadanos para transformar las narrativas sobre la ciudad y promover el bienestar en Bogotá.Esta nueva biblioteca está ubicada en la Calle 82 #10-69 (piso 6), con un horario de atención de martes a sábado de 8:00 a. m. a 7:00 p. m., y los domingos de 8:00 a. m. a 5:00 p. m.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Entre el 21 de octubre y el primero de noviembre Cali será la sede de la cumbre más importante sobre la biodiversidad en el mundo: la Conferencia de las Partes (COP16). Durante los doce días la ciudad contará con dos espacios centrales, la “zona azul”, donde se realizarán los encuentros y debates principales y una “zona verde”, en la que se invita a participar a la ciudadanía en actividades, charlas y foros y muestras artísticas encaminadas hacia la conservación de la biodiversidad.Son más de 280 actividades las que integran la agenda de la Zona Verde, ubicada en el Bulevar del Río, en donde habrá cuatro tarimas, un Tertuliadero y una Maloka indígena, entre otros espacios. Además, esta agenda se extiende a otros lugares representativos de la ciudad como la Biblioteca Departamental Jorge Garcés Borrero, el Museo La Tertulia, elInstituto Departamental de Bellas Artes, Yawa, el Centro de Ciencia, Arte y Tecnología, el estadio Pascual Guerrero, entre otros.“La apuesta del país se propone un enfoque de Paz Cultural con la Naturaleza, que busca armonizar las prácticas culturales, sociales y económicas con la conservación y respeto por el medio ambiente, promoviendo una coexistencia pacífica y sostenible”, dijo el ministro de las Culturas, Juan David Correa.La agenda cultural estará dividida en nueve franjas representadas con animales del Pacífico colombiano. Esta es una propuesta creativa del Minculturas y la agencia de diseño caleña Casa Ternario para acercar a la ciudadanía a las actividades, así como invitar a cada asistente de la COP16 a reflexionar sobre el cuidado ambiental y el rol de las culturas y las artes en este proceso.Por un lado, el colibrí rutilante acompañará la franja "Mucho gusto", enfocada en el uso de ingredientes locales y de temporada, prácticas ecológicas y la educación sobre una alimentación responsable. La franja "Alma y cuerpo" estará dedicada a la danza, al teatro, performance y otras artes escénicas bajo el vuelo de la garza blanca.El mono tití cabeciblanco será el representante de la proyección de películas, documentales y obras audiovisuales que exploran temas ambientales, culturales y sociales. Mientras que la ballena jorobada será la insignia de la franja musical con conciertos gratuitos del 20 de octubre al 1° de noviembre en la tarima Farallones, todas las noches a partir de las 7:00 p.m.Cien años de vorágines, acompañada del tigrillo de monte, será una exploración entre las culturas, las artes y los saberes en el contexto de la conservación y protección de la biodiversidad. La jaiba azul del Pacífico llega con Plástica no plástico, que busca enfatizar el uso sostenible de materiales y la reflexión sobre la relación entre el arte, la naturaleza y la sociedad.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Por otro lado, Saber saberes explorará y celebrará temas ancestrales y tradicionales, promoviendo la conservación del patrimonio cultural y natural junto a la tortuga verde.El bichofué, ave símbolo de la identidad caleña, fomentará la creatividad y la innovación a través de talleres culturales y actividades participativas de la franja Creación. Y en la franja Pienso, luego actúo el oso andino será el representante de las charlas académicas y las conversaciones con expertos sobre cultura, arte y medio ambiente.Los asistentes a la COP16 y quienes estén en Cali también podrán hacer los recorridos de dos Rutas Bioculturales: la primera pasará por Ladera, Siloé y puntos de resistencia, y la otra se desarrollará por las cinco comunas del Oriente de Cali. Dentro de los espacios por donde transitarán las rutas estarán el Teatro Grutela de la comuna 16, el barrio Terrón Colorado, el parque principal del barrio Llano Verde, el Barrio Sucre, entre otros. Además, esta agenda participativa se complementará con más de 50 propuestas artísticas del Oriente de Cali que circularán por las tarimas del Bulevar del Río, demostrando la potencia creativa de estos sectores populares. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por COP16Colombia (@cop16colombia)Actividades destacadas en la agenda cultural de la COP16La zona de negociación de la COP16 estará en el Centro de Eventos Valle del Pacífico —denominada la Zona Azul—, donde se llevan a cabo las discusiones sobre el avance de los países en las metas de biodiversidad. Allí, el Minculturas participará con el acto simbólico ‘Del agua y de la Tierra’, que tendrá como protagonistas a los pueblos indígenas, comunidades afro, campesinos, mujeres, jóvenes, artistas y gestores culturales cuidadores de la naturaleza.Además, en este espacio de discusión de alto nivel, el programa presidencial Sonidos para la Construcción de Paz presentará el concierto ‘Pazcífico Sinfónico’ con la participación de niños, niñas y jóvenes de los procesos de formación musical, provenientes del resguardo indígena de Tacueyó (Cauca), quienes intervendrán como coro invitado en esta puesta en escena de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y artistas invitados de gran trayectoria del Pacífico colombiano. Será el 20 de octubre, sobre las 7:00 p.m., y se transmitirá en vivo por RTVC.En la Zona Verde, habrá dos exposiciones permanentes sobre La Vorágine, la novela de José Eustasio Rivera que cumple 100 años de haberse publicado. Una de ellas será ‘100 años de La Vorágine: La selva dual, madre y devoradora a la vez’ del Instituto Colombiano de Antropología e Historia (ICANH), que se podrá visitar del viernes 18 de octubre al domingo 17 de noviembre, de 9:00 a.m. a 5:00 p.m., en la Biblioteca Departamental Jorge Garcés Borrero (domo 2).La otra es de la Biblioteca Nacional de Colombia, denominada ‘El árbol que devoró un mundo: los rumbos del caucho en La vorágine’, abierta a partir del 19 de octubre, desde las 10:00 a.m. en el Museo La Tertulia.Otro destacado de la agenda cultural es el Encuentro Escena Sustentable, en alianza con el British Council de Colombia, que tiene como objetivo promover reflexiones e intercambio de experiencias sobre la sostenibilidad ambiental en el sector de los Espectáculos Públicos de las Artes Escénicas (EPAE). El evento se desarrollará el 26 de octubre de 9:00 a.m. a 12:00 m., en el salón oval del Centro Cultural de Cali. Para asistir debe inscribirse en este enlace.Finalmente, una de las actividades centrales será el concierto ‘Paz con la naturaleza: un canto por la vida’ en el que once artistas representarán la diversidad musical de Colombia y Latinoamérica en el estadio Pascual Guerrero. El sábado 26 de octubre, a partir de las 3:00 p.m. más de 15.000 asistentes entre caleñas, caleños y oriundos de todas partes del mundo disfrutarán de las presentaciones de Rubén Blades con Editus Ensamble de Costa Rica y Boca Livre de Brasil; Rubén Albarrán; Ana Tijoux; Aterciopelados; Herencia deTimbiquí; Del Agua y de la Tierra - (Acto simbólico); Plu con Pla; LosPetitFellas; Nidia Góngora; Cacerolazo Sinfónico y Chucho Merchán. La entrada será gratuita, pero con boletería.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el tercer fin de semana de octubre la agenda cultural está llena de actividades y planes por hacer, con actividades destacadas como el festival África en Bogotá. Le recomendamos conciertos de música de cámara que no pueden dejar pasar, obras de teatro, talleres y exposiciones.Para empezar, los invitamos a participar este sábado en el Día REI, una jornada de 24 horas organizada por Idartes, y su estrategia Red de Espacios Independientes REI, en el marco de Bogotá 24/7, que contará con 23 espacios independientes de ocho localidades de Bogotá (Barrios Unidos, Chapinero, Teusaquillo, La Candelaria, Kennedy, Fontibón, Ciudad Bolívar y Engativá) que presentarán una programación artística diversa con más de 30 actividades. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Idartes (@idartes)Sábado, 19 de octubreExposición “Las infancias y La Violencia bipartidista”Asista al último fin de semana de esta exposición de los hermanos Carolina y Camilo Bácares Jara, en la que se adentra en las repercusiones de la guerra bipartidista en la forma de ser niños y niñas durante uno de los periodos más violentos de la historia de nuestro país, todo esto mediante un trabajo de archivo que recoge noticias de los diarios El Tiempo, Jornada, El Siglo, El Espectador y El Liberal.📍 Galería Santa Fe - Carrera 1A entre calles 12C y 12DEntrada libreCine foro “Kafka letzte reise”Proyección del documental Kafka letzte reise, de Hans-Gerd Koch y Clemens Schmeidbauer, que narra las etapas finales de la vida de Kafka desde Praga hasta el sanatorio de Wienerwald, donde falleció en 1924. Además, de la mano de un historiador de la medicina, se explica el curso de la enfermedad de Kafka y la impotencia de los médicos ante el estado de la medicina de la época. Después de ver el documental, habrá un conversatorio con Laura Acero sobre la vida y obra de este artista.📍 Biblioteca Nacional, Calle 24 No. 5 – 60🕒 3:00 p. m.Entrada libre hasta completar aforoExposición sobre la historia de la TV colombianaCon motivo de la celebración de los 70 años de la primera emisión de televisión en Colombia, la exposición Caja mágica: donde todo puede suceder realiza una exploración por más de cinco décadas de producciones del Archivo Audiovisual de Caracol Televisión (ARCA), resaltando el vínculo afectivo que los archivos audiovisuales pueden lograr.📍 Cinemateca de Bogotá - Carrera 3 # 19-10🕒 11:00 a. m. a 6:00 p. m.Entrada libreConcierto de la Orquesta Filarmónica de Bogotá junto a Rubián ZuluagaLa Orquesta Filarmónica de Bogotá presenta en concierto “Matices de la música sinfónica con Richard Wagner, Julius Conus y Paul Dukas”, bajo la dirección de Rubián Zuluaga y la compañía del violinista Luis Martín Niño.📍 Auditorio León de Greiff🕒 4:00 p. m.Entrada libre hasta completar aforoRetrospectiva Juliana RojasLa obra de Juliana Rojas se extiende a lo largo de 25 años de trabajo en los que su obra se ha convertido en un referente del cine latinoamericano. Su obra es una mezcla entre cine fantástico, dramas domésticos y cine de terror que desembocan en figuras míticas que imaginan radicalmente nuestro presente, resaltando visiones críticas sobre la maternidad, la vida familiar y los entornos laborales.📍 Cinemateca de Bogotá - Carrera 3 # 19-10Entrada con costoDel teatro Lambe Lambe a la ImproIdartes y sus Escenarios móviles llegan este 19 de octubre a la Plazoleta de Lourdes con su franja 'De puertas pa´fuera' y su 'Del teatro Lambe Lambe a la Impro', una presentación con grupos bogotanos como Improbando y la corporación Cría Espiritrompa y su obra: Yo soy mi propia musa.📍 Plaza de Lourdes - Carrera 13, calle 63🕒 6:00 p. m.Entrada libreCine Concierto BIFFEl International Film Festival presenta un cine-concierto de ocho cortometrajes históricos producidos entre 1902 y 1926, que se proyectarán con música original compuesta por integrantes de la Asociación Colombiana de Compositores de Música para Cine - MUCINE e interpretada en vivo por la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá.📍 Teatro del Ensueño - Tv. 70 D # 60-90, Sur🕒 7:00 p. m.Entrada libreFestival África en BogotáLa música y la cultura de Congo llegan a la ciudad gracias al Festival África en Bogotá, organizado por Idartes que traerá un concierto con dos agrupaciones muy especiales: Jupiter & Okwess y Kin Gongolo Kiniata.📍 Teatro Jorge Eliécer Gaitán - Carrera 7 # 22-47🕒 8:00 p. m.Entrada con costo💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Domingo, 20 de octubreExposición fotográfica – Sey Arimaku: el legado de una miradaEsta exposición fotográfica es un viaje al corazón de la Sierra Nevada de Santa Marta, visto a través de la lente de Amado Villafaña, pionero del cine documental indígena Arhuaco. Su cámara fue más que un simple objeto; fue un arma para defender su territorio y un puente para conectar con el mundo.📍 Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella - Calle 11 # 5 - 60🕒 10:00 a. m. a 6:00 p. m.Entrada libreConferencia “Los archivos ocultos de las aves: historias de afectos y representaciones”Durante el Siglo XX, en Colombia, miles de aves fueron capturadas y sacrificadas para dotar los museos de historia natural y colecciones científicas. Nuevas formas de comprender, representar y cuidar la vida surgieron de estos lugares, conectándose con la sociedad a través de afectos, labores y apuestas políticas que transformaron la identidad y la memoria nacional.📍 Casa Museo Quinta de Bolívar - Calle 21 # 4A - 30 este🕒 3:30 p. m.Entrada libre con inscripción previaConcierto Caña Dulce y Caña BravaLa caña de azúcar endulza y embriaga; es esencial en el paisaje cultural veracruzano y acompaña las fiestas y fandangos en donde el son jarocho es protagonista. La agrupación mexicana Caña Dulce y Caña Brava ha logrado llevar este complejo sonoro hasta Europa, Asia, África, Norte y Sudamérica.📍 Biblioteca Luis Ángel Arango - Calle 11 # 4-14🕒 11:00 a. m.Entrada con boleteríaConcierto Harbey Urueña QuintetoEl próximo domingo 20 de octubre, el Harbey Urueña Quinteto, una destacada agrupación dedicada a interpretar composiciones originales con el trombón como protagonista, será la invitada especial para musicalizar la tarde de los mercados campesinos.📍 Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella - Calle 11 # 5 - 60🕒 2:00 p. m.Entrada libre🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los autores, investigadores de la Facultad de Medicina de la Universidad de California Northstate, han analizado los estudios existentes sobre el potencial de la música para ayudar a las personas a recuperarse tras una intervención quirúrgica.En total, han revisado 3.736 trabajos científicos y se han centrado especialmente en los 35 que incluían datos preciosos sobre el impacto de la música en la reducción de la sensación de dolor y la ansiedad, así como mediciones de la frecuencia cardíaca y el consumo de opiáceos como calmantes tras una cirugía.Su conclusión es clara: la reducción de los niveles de cortisol que se produce al escuchar música, ya sea a través de auriculares o de un altavoz, facilita la recuperación de los pacientes especialmente en cuatro ámbitos.Menos sensación de dolorLos pacientes que escucharon música experimentaron una reducción estadísticamente significativa del dolor al día siguiente de la intervención quirúrgica, en base a dos baremos de medición científicos: la Escala de Calificación Numérica (alrededor de un 19 % de reducción) y la Escala Visual Analógica (alrededor de un 7 % de reducción).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En todos los estudios analizados, los niveles de ansiedad que declararon los pacientes se redujeron de media un 3 %, en función de las escalas de medición de este trastorno.Los enfermos que escucharon música consumieron menos de la mitad de morfina que los que no escucharon música el día después de la intervención: una media de 0,758 miligramos frente a los 1,654 de los que no escucharon música.Y en cuarto lugar, quienes escucharon música experimentaron una reducción de la frecuencia cardíaca (alrededor de 4,5 latidos por minuto menos) en comparación con los pacientes que no lo hicieron.Este último dato, señalan los autores en un comunicado, es “clave” porque mantener la frecuencia cardíaca de un paciente dentro de un rango saludable, ya que permite que el oxigeno y los nutrientes circulen mejor por todo el cuerpo y, en particular, por las zonas operadas.Una terapia barata, sencilla y eficaz“Aunque no podemos sostener específicamente que los pacientes sientan menos dolor, los estudios coinciden en que los pacientes perciben que sienten menos dolor, y eso es igual de importante”, enfatiza uno de los autores, Shehzaib Raees, investigador de Medicina de la Universidad de California Northstate.“Cuando los pacientes se despiertan tras una intervención quirúrgica a veces se sienten muy asustados y no saben dónde están. La música puede ayudar a facilitar la transición de la fase de despertar a la vuelta a la normalidad, así como ayudar a reducir el estrés en esa transición”, señala otro de los autores, Eldo Frezza, profesor de cirugía en la misma universidad.“A diferencia de otras terapias, como la meditación o el pilates, que requieren una concentración o movimiento considerables, escuchar música es una experiencia más pasiva y puede ser incorporada por los pacientes sin gran coste o dificultad inmediatamente después de la operación”, agrega.Los estudios revisados no controlaron el tiempo durante el cual escucharon música los pacientes ni qué tipo de música, pero el equipo de California planea llevar a cabo un programa piloto para evaluar el uso de la música en el entorno quirúrgico y en la unidad de cuidados intensivos.“Creemos que la música puede ayudar a la gente de diferentes maneras después de una cirugía, se ha probado que reconforma y hace sentir al paciente como si estuviera en un lugar familiar, y estos dos factores son fundamentales en la recuperación”, concluye Raees.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Estas conclusiones han sido alcanzadas después de diversas pruebas genéticas y científicas realizadas con los datos obtenidos de los huesos de la catedral de Sevilla del descubridor de América y de su hijo Hernando, en una investigación iniciada hace 22 años por el forense y catedrático de Medicina Legal de la Universidad de Granada, José Antonio Lorente.La investigación ha rechazado el resto de teorías sobre la procedencia de Colón, desde la clásica de su nacimiento en Génova que sostienen la mayoría de los historiadores, y la Real Academia de la Historia de España, a las que le atribuían su origen en Portugal, Galicia, Castilla, Cataluña e incluso Navarra.Las pruebas de ADN practicadas durante años por el equipo liderado por Lorente en numerosos lugares y sobre posibles ascendientes de Colón han descartado todas las teorías existentes salvo una, que es la que ha salido victoriosa de todas ellas: era judío y su origen está en el Mediterráneo occidental.El trabajo científico ha avalado, por tanto, la investigación defendida por Francesc Albardaner, expresidente del Centre d'Estudios Colombins de Barcelona, que sostenía que el almirante era judío y que la teoría genovesa era falsa porque en esa ciudad italiana no había ni comunidad judía ni sinagoga.Albardaner mantiene que Colón pertenecía a una familia de tejedores de seda de Valencia y que siempre ocultó su procedencia porque era judío, lo que le hubiera causado problemas con la Inquisición tras la expulsión de los judíos en 1492.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Según el defensor de la teoría valenciana, "Colón era judío, judío de cultura, judío de religión, judío de nación aquí y sobre todo de corazón, porque este hombre rezuma judaísmo en sus escritos".Y recibió la ayuda de otros judíos conversos como el duque de Medinaceli y el escribano y prestamista Luis de Santángel, que se encargaba de las finanzas de Fernando el Católico. Por eso tuvo acceso a la Corte para exponer su proyecto americano, sostiene Alberdaner.Según el forense José Antonio Lorente, "tanto en el cromosoma 'Y' como en el mitocondrial de Hernando (hijo de Colón), hay rasgos compatibles con origen judío".Por ello, sostiene que el ADN indica que Cristóbal Colón tuvo un origen mediterráneo en el Mediterráneo occidental y que "si en Génova no había judíos en el siglo XV, las probabilidades de que sea de ahí son mínimas"."Tampoco había una gran presencia judía en el resto de la Península Itálica, con lo cual lo dejaríamos muy tenue. No existen teorías sólidas ni indicios claros de que Cristóbal Colón pudiera ser francés. ¿Qué nos quedaría?: el arco mediterráneo español, las Islas Baleares y Sicilia", razona el investigador.Así que el forense concluye: "Pero Sicilia también sería extraño, porque si no Cristóbal Colón habría escrito con algunos rasgos italianos o del idioma siciliano, con lo cual lo más probable es que su origen esté en el arco mediterráneo español o en las Islas Baleares, que en aquella época pertenecían a la Corona de Aragón".Entre otras pruebas esgrimidas por la investigación se encuentra el uso del idioma castellano por parte de Colón en todas las cartas que se conservan y en las que nunca se aprecia ni una sola influencia o palabra italiana. Incluso escribía en castellano en las cartas que remitió a un banco de Génova, lo cual no tiene mucho sentido si hubiera sido italiano.En la presentación del documental, una especie de 'thriller' histórico, investigadores forenses de la Universidad de Granada, liderados por el catedrático José Antonio Lorente, confirmaron que los huesos de Cristóbal Colón enterrados en la Catedral de Sevilla son del descubridor de América.Y ha sido la clave para la resolución del misterio del origen del navegante, al menos, según la teoría que avala el documental.El ADN de Cristóbal Colón es parcial, pero fue confirmado por el de su hijo Hernando Colón, mientras que las pruebas practicadas a los restos de Diego Colón, hasta ahora considerado el hermano del almirante, han confirmado que no era tal, sino un familiar de quinto o sexto grado.¿Por qué Colón dijo que era su hermano? Otro misterio más de la leyenda del almirante de la Mar Océana.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Hay más de 41 aves en este audio, más de tres anfibios, hay ranas, hay hasta un jaguar, tenemos capturada una ballena también en el Pacífico, que tienen un sonido increíble, capturamos también sonidos de la naturaleza, el viento, el mar y la lluvia para enriquecer mucho más el ambiente", explicó a Blu radio el productor musical Miguel de Narváez, encargado de integrar meticulosamente los sonidos.Junto a un equipo de biólogos, este músico viajó durante diez días por las regiones Caribe, Pacífico, de los Llanos Orientales y algunos páramos para registrar con micrófonos "muy sofisticados" la antología de sonidos."Lo que hicimos fue primero grabar todo, lo que más pudiéramos, y después sí determinar cuáles (pájaros) estaban en las tonalidades que necesitábamos, porque el himno está en la tonalidad original del himno nacional y no todos los pájaros nos servían", explicó de Narváez.La composición sonó en algunas emisiones radiales este miércoles, en vísperas de la COP16 sobre biodiversidad que se celebrará en Cali entre el 21 de octubre y el 1 de noviembre.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El gobierno de Colombia también lanzó recientemente una canción para la cumbre que corea el lema de "paz con la naturaleza" al ritmo de marimba, tambores y otros sonidos del Pacífico colombiano.Según el Fondo Mundial para la Naturaleza (WWF), Colombia "tiene la mayor diversidad de aves en el mundo: en total son 1.935 especies de aves identificadas hasta ahora". Le sigue Perú, que ha registrado 1.879 especies, según un informe oficial de este año.Las poblaciones de animales salvajes han perdido en promedio el 73 por ciento de sus individuos en 50 años, de acuerdo a WWF.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El ministro de las Culturas, las Artes y los Saberes, Juan David Correa, anunció a través de sus redes sociales cambios en el Ministerio, con la bienvenida a Saia Vergara Jaime y Yannai Kadamani, quienes fueron designadas como viceministras de Patrimonios, las memorias y gobernanza cultural y de las Artes y la Economía Cultural, respectivamente.Saia Vergara Jaime, ahora viceministra, es una artista cartagenera, gestora cultural e historiadora, hija del ambientalista Rafael Vergara. En su experiencia en el sector público se destaca su rol como directora del Instituto de Patrimonio y Cultura de Cartagena (IPCC), durante dos años de la administración de William Dau.Además, Vergara, quien recibe el cargo del viceministro encargado Luis Alberto Sanabria, en 2022 coordinó el Programa Nacional Escuelas Taller y del Grupo Fortalecimiento del Capital Humano del Minculturas.Entre sus funciones estará desarrollar, implementar y evaluar los mecanismos para la identificación, registro, fomento, preservación, intervención y salvaguardia de la diversidad étnica y el patrimonio cultural del país.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El otro cambio en la cartera de las Culturas viene desde el Viceministerio de las Artes y la Economía Cultural, al que llega Yannai Kadamani, artista y gestora cultural, que recientemente trabajó con las Autoridades Tradicionales Indígenas de Colombia y en la Cámara de Danza Comunidad.Con estudios en artes escénicas y una maestría en danza, ha trabajado como gestora cultural, coordinadora de proyectos artísticos y docente de danza. Desde septiembre de 2023, Kadamani estaba vinculada al Ministerio como asesora; previamente trabajó como contratista de investigación con las Autoridades tradicionales indígenas de Colombia, como gestora cultural en la Cámara de Danza Comunidad y en 2019, como coordinadora del Cabildo Kamentista Biya Sibundoy.Kadamani es el reemplazo de Jorge Zorro, quien se desempeñaba en el cargo, siendo reconocido recientemente por ser el ministro de Cultura encargado, durante casi seis meses, tras la destitución de Patricia Ariza del cargo a finales de febrero de 2023 y la llegada de Juan David Correa en agosto del mismo año.Zorro, músico y director de orquesta, se ha destacado como músico formador en el país; por ejemplo, fue el fundador y director de la Escuela Superior de Música del Instituto de Cultura y Bellas Artes de Boyacá (ICBA) y director de la Licenciatura en Música de la Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia (Uptc). Zorro también fue profesor de la Universidad Nacional, miembro del Consejo Nacional de la Música y decano y fundador de la Facultad de Música de la Universidad Antonio Nariño,Sin embargo, su trayectoria política en el Gobierno Petro, se ha visto marcada por sus desencuentros con Ariza mientras estuvo al frente del Ministerio, su cercanía con la primera dama Verónica Alcocer, y la reciente investigación de la Procuraduría por un viaje realizado a Caracas, Venezuela, el 31 de agosto de 2023 en el que firmó un acuerdo sin tener la autorización de la ministra.“Para la Procuraduría Delegada de Instrucción Tercera para la Vigilancia Administrativa, se observa una clara extralimitación de funciones, pues si no existe el acto administrativo, menos podría señalar su objetivo o duración, como lo establece la norma”, se lee en el comunicado de la entidad.Con su vocación musical de más de cuarenta años, la gestión de Zorro estuvo encaminada en impulsar las sinfónicas juveniles, a través de programas como Sonidos para la paz, que “busca la transformación de territorios y comunidades a través de las artes, fortaleciendo las prácticas culturales en los 32 departamentos del país con formación artística y cultura de paz”.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Entre 2014 y 2016, la Red de Bibliotecas del Banco de la República adquirió el archivo de Brian Moser, que incluye 2.454 copias digitales de fotografías tomadas entre 1961 y 1996. En octubre de 2024, la Biblioteca Virtual de la red presenta la primera entrega de esta colección, con aproximadamente 1.400 imágenes que documentan prácticas socioculturales como ceremonias religiosas, la vida cotidiana, la interacción con el medio ambiente, y retratos de diversas comunidades indígenas. Además, la colección incluye paisajes naturales de regiones como el Pacífico, el Caribe, la Orinoquía y la Amazonia.La obra de Moser ha sido fundamental para el desarrollo de la antropología visual en Colombia, debido a la extensión temporal y temática de su trabajo, que ofrece una profunda mirada a las formas de vida de los pueblos indígenas con los que interactuó durante sus numerosas expediciones por el país.Motivado por su interés en comprender distintas culturas, Moser viajó no solo por Colombia, sino también por países como China, Irán, Irak y Mongolia, a lo largo de más de cincuenta años. Este recorrido produjo un vasto archivo de registros sonoros, material documental y fotografías.La colección cuenta con cerca de 1.400 imágenes que documentan las costumbres y formas de vida de diversas comunidades indígenas, afrodescendientes y campesinas de Colombia. La publicación de esta colección se realizará en dos fases: la primera, que se lanza el 17 de octubre, presenta una serie de imágenes de las comunidades embera, cuiva, tukano, inga, wayuu, ijku-arhuaca, kogui y guna. La segunda fase, programada para 2025, incluirá fotografías de comunidades negras y campesinas.¿Quién fue Brian Moser?El geólogo inglés Brian Moser (1935-2023) es reconocido como uno de los académicos más influyentes en el desarrollo y consolidación de la antropología visual en Colombia. Nacido el 30 de enero de 1935 en Londres, en el seno de una familia multicultural, Moser cultivó desde joven una profunda apreciación por las diversas costumbres y prácticas culturales con las que los seres humanos organizan y otorgan significado a su existencia en el mundo.Los aportes de Brian Moser a la antropología en Colombia son fruto de más de cincuenta años de expediciones a diversas regiones del país. Con el compromiso de interactuar respetuosamente con los pueblos indígenas, el fotógrafo inglés recopiló registros sonoros, documentales y fotográficos durante su trabajo de campo. Su objetivo fue ofrecer un testimonio valioso sobre las prácticas socioculturales de distintos grupos étnicos y las amenazas externas que ponían en riesgo su supervivencia. Hoy en día, esta documentación no solo preserva la memoria colectiva de los pueblos indígenas latinoamericanos, sino que también brinda a investigadores de diversas disciplinas una valiosa herramienta para estudiar su realidad, en constante transformación.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"No tenemos los recursos que hay en Hollywood, pero tenemos la pasión", dijo en el Gran Teatro del Palacio de Festivales de la Croisette, en una clase magistral junto al productor independiente Diego Betancor (conocido por títulos como Élite o Respira, ambas en Netflix).Bayona puso como ejemplo principal el rodaje del tsunami para Lo imposible (2012), que se hizo en España a pesar de que no había precedentes en el país con una escena a semejante escala.De hecho, inicialmente fueron a Londres para rodarla, pero el presupuesto que les dieron ascendía a 11 millones de libras y solo contaban con dos. Así que decidieron volver a casa e intentarlo allí, concretamente en los estudios Ciudad de la Luz (en Alicante, en la costa mediterránea española).El rodaje de esa impactante escena tomó en total un año de trabajo, pero se logró sin emplear imágenes generadas por ordenador (CGI). "Tienes que tener gente apasionada si vas a rodar una escena durante un año", razonó Bayona.Betancor coincidió en la importancia de la pasión en el auge del sector audiovisual en los últimos años, pero añadió también otros dos factores clave en su éxito: actitud y experiencia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Respecto al éxito de sus historias, tanto Betancor como Bayona aseguraron que la clave para ellos parte siempre de encontrar una conexión especial con el material."Si es suficientemente fuerte, durará todo el largo proceso de hacer una película", precisó el también realizador de Jurassic World: el reino caído (2018) y El orfanato (2007). "Hay que escapar de las fórmulas porque no es alquimia", opinó, por su parte, Betancor.Bayona también habló de su necesidad de sentir un cierto miedo ante el proyecto, ya que nunca es igual de "satisfactorio" trabajar en algo que uno ya sabe que puede hacer."El miedo es algo muy enraizado en la tradición española, somos muy apasionados, pero el miedo también es algo que está en la tradición", reflexionó.Con experiencia también en televisión, como director de episodios de series como Penny Dreadful o El señor de los anillos: los anillos de poder, el director nominado a los Óscar por La sociedad de la nieve (2023) dijo que se considera más bien un cineasta, pero aseguró que no ve diferencias en la forma de contar historias. "No separo el lenguaje de la televisión y del cine porque para mí solo hay una forma de contar historias", sintetizó.Como país invitado de honor de esta 40 edición del Mipcom, que es el mayor mercado audiovisual del mundo, España ha organizado paneles, charlas y encuentros sobre las claves del 'boom' que la industria del cine y la televisión del país ha vivido en los últimos años, especialmente a raíz del éxito mundial de series como La casa de papel o Élite.También se han presentado en Cannes nuevas producciones españolas como el drama histórico Ena, sobre la reina Victoria Eugenia, de RTVE o avances de series futuras como Weiss & Morales.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
. A través de una mezcla de ironía, sutileza psicológica y crítica social, Machado de Assis abordó temas universales como la fragilidad humana, las ilusiones del poder y la transitoriedad de la vida. Su obra, caracterizada por un realismo muy particular, desafía los límites del canon literario de su tiempo y se erige como un pilar del pensamiento latinoamericano.La obra y su contextoMachado de Assis es conocido por su capacidad para desmantelar las convenciones literarias de su época. Mientras que el realismo europeo se centraba en el retrato social detallado y la vida cotidiana de las clases bajas y medias, Machado prefirió indagar en la psicología de sus personajes, a menudo pertenecientes a la clase alta de la sociedad brasileña de fines del siglo XIX. Obras como "Memorias Póstumas de Brás Cubas" (1881) y "Dom Casmurro" (1899) son algunos de los mejores ejemplos de su estilo, donde las narraciones se construyen en torno a la introspección, la ironía y el cuestionamiento de la realidad."Memorias Póstumas de Brás Cubas" destaca por su narrador peculiar, un hombre muerto que cuenta su vida desde el más allá. La historia está cargada de una mordaz crítica social, pero también de un existencialismo sombrío. A través de este recurso narrativo, Machado juega con la idea de que la vida carece de sentido trascendental, pero sin caer en el pesimismo absoluto.En "Dom Casmurro", la exploración de la subjetividad humana y la posibilidad del engaño resuenan a través del narrador, Bentinho, quien sospecha que su esposa Capitu le ha sido infiel. Lo notable es que la novela no da una respuesta definitiva, permitiendo que el lector decida si la traición ocurrió o si es producto de la paranoia del narrador. Este juego de ambigüedades y la crítica al egoísmo y la autocomplacencia son constantes en su obra.Principales característicasUna de las características más fascinantes de Machado es su estilo irónico, que permea tanto su prosa como la construcción de sus personajes. A diferencia de otros escritores de su época, no se preocupa tanto por crear héroes o villanos claros, sino más bien por mostrar la naturaleza contradictoria de sus personajes. Son profundamente humanos: egocéntricos, inseguros, a menudo ridículos, pero siempre reconocibles en su humanidad.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Otro rasgo distintivo de su obra es el uso de narradores poco confiables. A través de ellos, Machado subraya la relatividad de la verdad, lo que plantea una pregunta esencial: ¿podemos confiar en nuestra percepción de los hechos? Este cuestionamiento sobre la objetividad, común en el modernismo, se adelanta a su tiempo.Además, su obra muestra un rechazo a las estructuras lineales tradicionales de la narrativa. En "Memorias Póstumas de Brás Cubas", el relato avanza de manera fragmentada, jugando con saltos temporales y desviaciones anecdóticas que invitan al lector a reflexionar sobre la misma narración. Importancia en la literaturaMachado de Assis no solo es un pionero del realismo psicológico en la literatura de habla portuguesa, sino que también anticipa muchos de los debates del siglo XX sobre la subjetividad, la verdad y el poder de la narrativa. Su importancia radica en haber trascendido las fronteras de su contexto brasileño, influenciado por las tensiones políticas y sociales de la época, para abordar temas universales con una precisión que aún hoy resulta reveladora.Lejos de encasillarse en lo regional, su obra resuena a nivel global por su capacidad de interrogar la condición humana. Los dilemas morales, el autoengaño y la lucha entre las apariencias y la realidad siguen siendo inquietantes y profundamente actuales. Como escritor negro en un Brasil marcado por la esclavitud y la desigualdad racial, Machado también desafía las expectativas de su tiempo, logrando una complejidad literaria y social que lo coloca como un innovador en el campo del pensamiento crítico y literario.Al leer a Machado de Assis, uno no solo se enfrenta a las historias de la élite brasileña del siglo XIX, sino también a los dilemas universales de la naturaleza humana, siempre presentados con una mezcla de aguda ironía y compasión.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Según informa este martes la prensa polaca, Sapkowski aseguró en el foro "Juegos de la Libertad" en la ciudad de Lódz, que tiene listo "desde agosto" un nuevo libro con las aventuras de su personaje, pero que por razones de márketing y debido al embargo comercial de la editorial, no podía confirmar más detalles.La fecha de publicación del primero de diciembre fue avanzada recientemente por la revista polaca Nowa Fantastyka, la decana del género fantástico en Polonia, en cuyas páginas vieron la luz por primera vez las historias de Geralt de Rivia en 1986.Han pasado ya 11 años desde la publicación del hasta ahora último capítulo de las aventuras del brujo, La Estación de las Tormentas (SuperNOVA, 2013), y desde entonces se han sucedido las adaptaciones del universo creado por Sapkowski al cine, la televisión y los videojuegos, con tres títulos comercializados hasta el momento y varios más anunciados.El éxito que ha alcanzado el "wiedzmin" ("brujo", en polaco) ha trascendido la industria del entretenimiento y se convirtió en un fenómeno social hace unos años.El presidente del Gobierno polaco, Donald Tusk, entregó como regalo al presidente de Estados Unidos, Barack Obama, un videojuego de The Witcher (nombre en inglés del personaje") durante su visita oficial a Varsovia en 2011.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además, una serie producida por Netflix y protagonizada por el actor Henry Cavill contribuyó a popularizar aún más el personaje y estrenará pronto una cuarta temporadaA lo largo de ocho libros, Sapkowski conjuga elementos de la historia medieval polaca con figuras del folclore tradicional centroeuropeo para alumbrar un universo en el que aún sobreviven criaturas como los duendes, los seres elementales y los basiliscos, que se ven relegados a un hábitat cada vez más reducido por la expansión y el progreso de la raza humana.Geralt de Rivia, que fue entregado a un brujo como pago por una deuda cuando era un niño, vaga por un mundo que está dejando atrás la era de la magia y se gana la vida con el empleo de sus dos espadas (una de hierro para luchar contra los humanos y otra de plata, para matar a algunas criaturas) y es testigo de cómo la crueldad humana supera con creces al instinto asesino de los monstruos.Con más de 15 millones de ejemplares vendidos y una popularidad que no ha decaído en más de una década, el anuncio de más aventuras del brujo polaco ha despertado una expectación inusitada aunque, de momento, lo único que se sabe es que Geralt de Rivia volverá en forma de novela porque, como le confesó Sapkowski a una emisora polaca, "las historias cortas resultan demasiado difíciles de escribir".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
De lo pagano a la devoción, entre el don y la disciplina, de lo clásico a la revolución musical, el virtuosismo de Franz Liszt lo sitúa como uno de los pianistas más destacados de la música clásica, junto a otros nombre como Robert Schumann, Felix Mendelssohn o Johannes Brahms.Liszt, nacido el 22 de octubre de 1811 en Raiding, por esa época Imperio austríaco, desde niño demostró su interés por la música y su talento. Su padre, Adam Liszt, era un talentoso músico, tocaba violonchelo y piano, en la orquesta de la corte del Príncipe de Hungría. Entre ensayos y clases, se convirtió en el primer maestro de su hijo, cuando este tenía apenas seis años. Con ocho años, tuvo sus primeras presentaciones en su pueblo natal; su padre lo llevó a presentarse en distintas cortes y escenarios, hasta que el pequeño Liszt fue tomando relevancia local. En 1820, un medio local escribió sobre una de sus presentaciones: “La extraordinaria destreza de este joven artista, así como su rapidez y facilidad para leer las piezas más complicadas de un vistazo mientras se las iban colocando, causó una verdadera admiración”. Con apenas diez años, él y sus padres se mudaron a Viena, capital músical que había visto el surgimiento de grandes músicos como Mozart, Beethoven y estaría por ver a otros como Strauss. Allí, aprendió técnica para piano con Carl Czerny, alumno de Beethoven y composición con Antonio Salieri, director de música de la corte vienesa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En Viena conoció a Beethoven y recibió su bendición y, según registra el diario El Clarín, con solo once años cautivó a un público con variaciones de su autoría sobre un vals de Diabelli, lo que lo llevaría a mudarse a París.Con casi doce años de permanencia en la capital francesa, Liszt se convirtió en un músico prodigio, en políglota también al dominar el alemán, el francés, el italiano y en menor medida el inglés. Conoció a Strauss y al “poeta del piano” Chopin, pero no fue sino hasta 1831 que un músico se convirtió en verdadera inspiración para su carrera. Ese año escuchó por primera vez a otro prodigio, pero no del piano, sino del violín, Niccolo Paganini, apodado “el violinista del diablo”, en ese instante, Liszt quiso ser para el piano lo que Paganini para el violín. Liszt fue maestro de piano, director de orquesta y promotor y benefactor de otros compositores y artistas, pero antes de llegar a esa etapa de su vida, y después del concierto de Paganini, compuso, estuvo de gira, se entregó a la fama y se dedicó a extender los límites de las presentaciones de piano hasta llevarlos a los recitales como los conocemos hoy en día. Hasta Liszt, se acostumbraba que las presentaciones de piano incluyeran las partituras y que el piano estuviera dispuesto de frente al público, pero él, decidió presentar sus obras de memoria y sentarse frente al piano, de tal forma que los espectadores pudieran ver todos sus movimientos, la disposición de su cuerpo y el frenesí que transmitía su postura en algunos momentos de su interpretación.Fue aclamado por el público, vivió de gira por unos años e incluso fue adquiriendo una fama de mujeriego y rompecorazones en las ciudades que visitaba. En 1840, Robert Schumann escribió sobre una presentación de Liszt: “Semejante capacidad para subyugar no puede comprobarse en otro artista, exceptuando a Paganini (...) Hay que escucharle y también verle: Liszt no podría de ningún modo tocar desde detrás de los bastidores, porque de esta forma se perdería gran parte de su poesía”.La pasión y energía desbocada que ponía Liszt en las teclas del piano se trasladó a sus seguidores, que asistían a sus recitales vibrantes e innovadores, eran sus fans, si se quiere decir, y desencadenaron la “lisztomanía” como denominaron al fenómeno musical que despertó el pianista, un término usado por el escritor y poeta Heinrich Heine para describir sus presentaciones en París. Sin embargo, la vida de estrella no perduró en el tiempo, pues para finales de la década de 1840 decidió terminar con las giras y multitudes para enfocarse en la academia y en sus composiciones. Fue director de música de la corte en Weimar, Alemania por alrededor de trece años, tiempo en el que compuso sus doce poemas sinfónicos. Además, en ese periodo fue amigo y defensor de la música de Richard Wagner, quien más tarde tomaría por segunda esposa a Cosima Liszt, hija del pianista, más tarde conocida como Cosima Wagner.Para 1861 Liszt dio por terminada su estadía en Alemania, para mudarse a Roma, donde dedicó sus composiciones y su arte a la religión, una vocación que retomó, pues aunque sintió un llamado religioso en su niñez, primó la música y la influencia de su padre hacia ella. En roma completó los oratorios Die Legende von der heiligen Elisabeth (1857-62) y Christus (1855-66), así como una serie de obras menores.Aunque no llegó a ser sacerdote, sí recibió las órdenes religiosas en un monasterio romano y fue nombrado abad. Entre sus obras más destacadas se encuentran su Sonata en Si Menor, de un único movimiento; el Concierto para Piano No. 1 en Mi bemol mayor, S.124 y las cuatro piezas para piano Mephisto Waltzes, inspiradas en Fausto de Goethe. Su devoción la retrató al escribir sobre su obra: "No compuse mi obra como quien se pone una vestidura eclesiástica... más bien brotó de la fe verdaderamente ferviente de mi corazón, tal como la he sentido desde mi infancia".El aporte de Liszt al desarrollo de la música clásica está impreso no solo en los recitales de piano actuales, sino en la música de artistas como Claude Debussy, Sergei Rachmaninoff, Camille Saint-Saëns y, por supuesto, Wagner, que se inspiraron en su estilo y composiciones. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La serie será fruto de un acuerdo de Amazon con King y con el cineasta (también especializado en terror) Mike Flanagan, que ya han colaborado juntos en otros proyectos como Gerald's Game (2017) y Doctor Sueño (2019).Aunque las novelas de King se han llevado al cine en numerosas ocasiones y con gran éxito -baste recordar El Resplandor, Misery, It o Los chicos del maíz-, no han sido muchas las series basadas en novelas del reputado escritor, hoy declarado enemigo de Donald Trump.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El caso de Carrie es especial teniendo en cuenta que tanto la novela, de 1974, como la adaptación de tono 'gore' que hizo Brian de Palma en 1976, se convirtieron ambas en clásicos respectivos de la novela y del cine de terror, tanto que el filme de De Palma tuvo una secuela para el cine, un 'remake' para televisión y una nueva versión en 2013, con diferente fortuna.Carrie, escrita cuando King tenía 27 años, contiene todos los elementos del universo del escritor: una adolescente inadaptada hija de una madre fanática religiosa, que posee el don de la telequinesia (traslado de objetos con la mente) y que es víctima del 'bullying' en un instituto de una ciudad estadounidense donde los muchachos viven la explosión hormonal. Todo termina en una monumental tragedia llena de sangre.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
De acuerdo con TMZ, que cita fuentes policiales en Argentina, las pruebas de toxicología revelaron además que había "cristal" en su sangre, la versión argentina de la metanfetamina.Según sus fuentes, la Policía encontró una botella de alcohol en la habitación del artista, así como medicamentos recetados contra la ansiedad.La noticia de la muerte de Payne, de 31 años, el pasado 17 de octubre, causó gran conmoción en su Reino Unido natal y produjo una cascada de reacciones de pesar en las redes sociales, donde se convirtió inmediatamente en un tema del momento (trending topic).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Fotos de la habitación del hotel en Palermo desde donde cayó el artista, y que publicó TMZ, muestran la pantalla del televisor destrozada, un polvo blanco sobre una mesa y diverso instrumental relacionado aparentemente con las drogas.Los resultados de la prueba parecen respaldar lo que la Policía ya ha dicho, de que las drogas pueden haber sido un factor en el posible suicidio de Liam, destaca además el sitio web.Geoff Payne, padre del artista, viajó a Argentina al día siguiente de su muerte para la repatriación de su cadáver al Reino Unido, un proceso que podría tardar entre diez y quince días.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La vida y obra de Arthur Rimbaud desafían las categorías convencionales: fue un visionario precoz, un enfant terrible de la poesía que, antes de cumplir los veinte años, ya había desmantelado las formas poéticas tradicionales, y, sin embargo, abandonó la escritura a una edad en la que muchos apenas empiezan a dominarla. Rimbaud es un enigma, un alquimista del lenguaje que transformó el caos interior en versos luminosos y sombríos a la vez. Nacido en Charleville en 1854, la vida de Rimbaud estuvo marcada por un deseo constante de huir, de trascender los límites impuestos por la sociedad, el cuerpo y la razón. Era un joven prodigio de una inteligencia desbordante, y su desdén por la educación formal y las normas burguesas lo llevó a buscar la libertad en lo extremo. A los dieciséis años, ya había escrito algunos de los poemas más innovadores de la época, desafiando las convenciones métricas y temáticas con un ímpetu devastador. Fue en esta etapa cuando conoció a Paul Verlaine, con quien mantuvo una relación tan tempestuosa como fértil para la creación literaria.Rimbaud consideraba la poesía como una vía hacia la revelación, una forma de acceder a verdades ocultas, y para ello el poeta debía convertirse en un "vidente". En su célebre carta del 13 de mayo de 1871, escribe: "El poeta se hace vidente mediante un largo, inmenso y razonado desarreglo de todos los sentidos". Este acto de desarreglo era, para Rimbaud, la clave para romper con la percepción habitual del mundo, abrir la mente a lo inefable y acceder a una visión ampliada, no contaminada por la lógica común. A través de este proceso de autodestrucción y autotrascendencia, esperaba captar lo sublime. No es de extrañar, entonces, que en su obra se perciba una constante tensión entre lo divino y lo terrenal, lo sagrado y lo profano. Obras como Una temporada en el infierno (1873) e Iluminaciones (1886) revelan esa búsqueda febril. Una temporada en el infierno es, en gran medida, una confesión desgarradora y un ajuste de cuentas consigo mismo. Escrito tras su ruptura con Verlaine, el texto es un collage de desesperación, arrepentimiento, pero también de desafiante arrogancia. Rimbaud se lanza de cabeza a los abismos de su alma y emerge con imágenes fragmentadas y contradictorias que revelan su dolorosa consciencia del fracaso personal y poético: "Yo solo tengo una verdad, y es que no valgo nada".Pero si Una temporada en el infierno es el canto de un alma que se retuerce en sus contradicciones, Iluminaciones es el momento en que el poeta logra trascender lo humano y lo cotidiano para acceder a una suerte de visión cósmica. En esta colección, Rimbaud juega con el lenguaje como si de un material plástico se tratara, modelando paisajes, sensaciones y seres que parecen surgir de una dimensión diferente. Los poemas en prosa de Iluminaciones desafían cualquier intento de clasificación, combinando imágenes oníricas, violentas, urbanas y místicas que evocan la vida moderna con una intensidad que preludia las vanguardias del siglo XX. Algunos críticos han visto en estos textos una prefiguración del surrealismo, del simbolismo y de la poesía moderna en su conjunto. Yves Bonnefoy, uno de los más grandes poetas y ensayistas del siglo XX, lo expresó de esta manera: "Rimbaud destruyó las bases de la poesía anterior y nos abrió un espacio de libertad que no ha dejado de expandirse".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí. Rimbaud siempre buscaba lo absoluto, lo inalcanzable. Esa búsqueda lo llevó a abrazar la contradicción y a moverse en los márgenes de la lucidez y la locura. Era un poeta que quería verlo todo, sentirlo todo, y esta urgencia se tradujo en un lenguaje capaz de contener esa visión totalizadora. Fue un radical, un revolucionario en el sentido más profundo de la palabra, que entendió la poesía como un arte de la provocación y del descubrimiento. Sin embargo, en el punto culminante de su carrera, a los diecinueve años, Rimbaud dio la espalda a la poesía. El joven que había dinamitado los fundamentos de la lírica occidental decidió, misteriosamente, callar. Dejó atrás Europa, la literatura y su identidad como poeta para aventurarse en una vida de viajes erráticos, negocios fracasados y finalmente un exilio en África. Murió a los treinta y siete años. La razón de este abandono sigue siendo un misterio, pero algunos han sugerido que su sed por lo absoluto ya no podía satisfacerse con la palabra. El legado de Rimbaud, aunque breve, es incalculable. Su obra, en palabras de Octavio Paz, "abre las puertas de la modernidad". Su impacto no radica solo en lo que escribió, sino en cómo lo escribió: con la valentía de quien no teme al caos ni a la aniquilación, porque solo desde esos extremos es posible encontrar lo esencial. Rimbaud no es un poeta para ser comprendido en un sentido convencional; es una fuerza que debe experimentarse, una voz que resuena en lo más profundo de nuestra conciencia, desafiando y revelando nuevas formas de ver y sentir el mundo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Bajo el lema “Diversos lentes para leer”, la edición número 18 del Festival de libros para niños, niñas y jóvenes ofrecerá más de cincuenta actividades dirigidas a todos los públicos en librerías, colegios públicos y proyectos comunitarios de escritura y oralidad en Bogotá.El tema de este año, “diversos lentes para leer”, se inspira en la curiosidad por explorar lo desconocido, invitando a niños, niñas y jóvenes a indagar y observar el mundo desde nuevas miradas, como por ejemplo las que ofrecen los libros. La lectura permite cambiar la perspectiva, ponerse en el lugar de otro, sumergirse en otros mundos, habitar distintos cuerpos y vivir en diferentes tiempos.Esta edición del festival se llevará a cabo en librerías, colegios públicos y proyectos comunitarios de lectura, escritura y oralidad de Bogotá, e incluirá la participación de 10 promotores de lectura. La programación del Festival está diseñada para potenciar la curiosidad e imaginación, entrelazando la lectura, la conversación y el juego en espacios donde niños, niñas y jóvenes podrán conectarse con libros y lecturas que les permitirán explorar diversas formas de entender el mundo que los rodea. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además, por primera vez el Festival llegará a colegios públicos de Bogotá gracias a la alianza con editoriales y la Secretaría de Educación del Distrito con el objetivo de fomentar el interés de los estudiantes por el oficio de escribir, ilustrar y editar libros, así como promover la lectura de las obras de los invitados.Las actividades contarán con la participación de autores, ilustradores y editores de libros para niños y jóvenes como Amalia Low, Alekos, Carlos Riaño, Carlos Díaz Consuegra, Dipacho, David Avendaño, Emilia Miranda, Enrique Lara, Francisco Montaña, Fernando Escobar Borrero, Gabriela Otálora, Juan Camilo Mayorga, Juliana Muñoz Toro, Javier Ricardo Salcedo Casallas, Javier Bulla, John Fitzgerald Torres, Hernando Muñoz, María Paula Toro, Luis Suescún, Luisa Noguera, JR Moreno, Iván Navarrete, Sebastián Luengas y Zully Pardo. Los días 26 y 27 de octubre, más de cien miembros de las comunidades lectoras de los proyectos: Ligosteca (Suba), Biblioteca Rural Itinerante Integrando Huellas (Ciudad Bolívar), Libros Buenos a la Vereda (Usme) y la biblioteca comunitaria Casas de las Luciérnagas (Bosa), visitarán cuatro librerías de Bogotá.Adicionalmente, durante todo el mes, las librerías de todo el país ofrecerán exhibiciones de libros para niños, niñas y jóvenes bajo la temática “Diversos Lentes para Leer”, destacando cómo los libros pueden ofrecer nuevas perspectivas sobre el mundo.La programación en las librerías incluirá actividades como talleres de escritura, lecturas en voz alta, conversaciones con autores infantiles y juveniles, resolución de misterios y juegos visuales para niños, niñas y jóvenes. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Cámara Colombiana del Libro (@camlibro)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Después de 84 ediciones en las que han sonado sólo piezas de compositores masculinos, el Concierto de Año Nuevo de la Filarmónica de Viena incluirá el próximo 1 de enero por primera vez la obra de una mujer, la austríaca Constanze Geiger (1835-1890).La pieza incluida será un vals, "Ferdinandus-Walzer", y será la novena pieza incluida en el mediático concierto dominado por la música alegre de la familia Strauss."Estamos especialmente contentos de interpretar por primera vez una obra de Constanze Geiger, contemporánea de Johann Strauss: el Ferdinandus-Walzer", indicó este jueves el presidente de la Filarmónica de Viena, Daniel Froschauer.El maestro italiano Riccardo Muti será el encargado de llevar la batuta en esta edición -la séptima que dirige-, y de inaugurar con la Filarmónica de Viena el año que conmemora el bicentenario del nacimiento de Johann Strauss hijo.Muti, de 83 años, celebrará medio siglo de colaboración con la Filarmónica y dirigirá el histórico momento en el que, por primera vez, una compositora contemporánea de Strauss suene en el repertorio del concierto de música clásica más seguido del mundo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Marcha nupcial de Constanze GeigerGeiger fue una violinista y compositora vienesa del siglo XIX cuyas obras han comenzado a redescubrirse en los últimos años.A los 18 años, compuso 'Elisabethen-Vermählungsmarsch' (Marcha nupcial de Elisabeth), que se interpretó por primera vez el 21 de abril de 1854, dos días antes de la boda del emperador Francisco José con Isabel de Baviera, la futura emperatriz austrohúngara Sisi.La inclusión de la compositora rompe una barrera en un concierto con -hasta ahora- nula presencia femenina, tanto en el podio como en el repertorio. El programa del concierto, seguido por millones de personas en todo el mundo, también estará dedicado al 30 aniversario de la adhesión de Austria a la Unión Europea con la interpretación del 'Transactionen-Walzer' de Josef Strauss.¿Quién fue Constanza Geiger?Constanza Geiger (1835–1890) fue una pianista, actriz, compositora y cantante austríaca, conocida por su talento y versatilidad en la música y el teatro durante el siglo XIX. Proveniente de una familia con antecedentes artísticos, Constanza mostró desde muy joven habilidades sobresalientes en la música, lo que la llevó a destacarse en varios escenarios europeos.Geiger se formó en piano y composición, además de incursionar en el canto y la actuación, lo que la convirtió en una figura multifacética dentro del panorama artístico de la época. Fue una de las artistas más populares en Viena, centro cultural de gran relevancia en el siglo XIX, donde participó en producciones teatrales y conciertos que la consolidaron como una figura célebre en la escena musical.Aunque no fue una compositora prolífica, su carrera en la interpretación fue notable, y sus habilidades en el piano y su capacidad vocal la llevaron a ser muy valorada en los círculos artísticos vieneses.La última barrera de género está en el podioEl concierto que se celebra en la Sala Dorada de la Musikverein, retransmitido por televisión y radio en directo a un centenar de países, nunca ha sido dirigido por una mujer. De hecho, apenas el 15 % de todos los músicos de la orquesta son mujeres, que pudieron incorporarse a la Filarmónica en 1997.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Blandiana, Premio Princesa de Asturias de las Letras 2024, hizo estas reflexiones durante un encuentro con alumnos de secundaria y bachillerato que participaron en el programa educativo Toma la palabra, organizado con motivo de la entrega de estos galardones.Blandiana (Timisoara, 1942), que convirtió su vocación literaria en resistencia moral frente a la férrea censura del dictador Nicolae Ceaucescu, explicó que "siempre se ha sentido libre para escribir", pero el problema residía "cuando quería publicar" lo que había firmado.En este sentido, señaló que fue censurada en tres ocasiones y que también hubo una época en la que se impidió que sus obras accedieran a librerías y bibliotecas.Autora de más de una treintena de libros de poesía, novelas y ensayos traducidos a más de 25 idiomas, Blandiana -seudónimo de Otilia Valeria Coman- comentó que la poesía ha sido empleada por ella y también por sus colegas como un "mecanismo" para escapar de la censura, porque "nacía de palabras que decían solamente la verdad".La escritora, reconocida con el Princesa de las Letras por ser "una creadora radicalmente singular" con una obra "indómita", se mostró optimista con el futuro que tiene la poesía, porque "puede salvar el mundo"."Prueba de ello es que en las cárceles comunistas en Rumanía se han escrito muchos poemas, incluso en condiciones en las que no había lápiz ni papel", insistió.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Impacto de las redes socialesLa escritora se mostró muy emocionada al conocer los trabajos audiovisuales que realizaron 25 centros educativos de Asturias (norte) sobre algunos de sus poemas, entre ellos Animal Planet, En las colinas y Sobre patines.Blandiana reflexionó con ellos acerca del impacto de las redes sociales, unas herramientas que "parecen que van en contra de la soledad, cuando, en realidad, la potencian".Además, la autora abordó el impacto que tendrá el desarrollo de la tecnología y, tras mostrarse convencida de que a corto plazo "los robots van a ser más inteligentes que las personas", dijo que la única forma de resistir es potenciando aquellos espacios que están vetados para ellos como "la naturaleza, los sentimientos y las emociones".En el actual contexto de conflictos bélicos y ante los retos que enfrenta la sociedad, Blandiana también se preguntó ante los estudiantes "quién sabe si el deber de su generación es salvar el mundo". "Para eso tenéis que leer, para enteraros de lo que ha existido hasta vosotros", les aconsejó.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El árido paisaje costero no tiene nada que ver con la realidad: bajo un cielo encapotado, un árbol sin hojas crece sobre una caja. Un cuerpo muerto yace en el suelo. Tres relojes de bolsillo derretidos cuelgan como toallas mojadas del árbol, la caja y el cuerpo. Un cuarto reloj está cubierto de hormigas. Con su cuadro "La persistencia de la memoria", de 1931, Salvador Dalí (1904-1989) creó un auténtico paisaje onírico, rico en simbolismo. Es el cuadro más famoso del pintor español y sigue siendo hoy uno de los íconos del surrealismo.En contra del espíritu burguésUna mirada atrás, al París de "los años locos". Tras los horrores de la Primera Guerra Mundial (1914-1918), la gente estaba hambrienta de vida, inquieta y optimista. En 1924, los Juegos Olímpicos electrificaron París. Junto con los atletas, numerosos artistas, escritores, músicos e intelectuales acudieron a la ciudad, convirtiendo a la capital francesa en el centro cultural de Europa.Pero también había quienes no querían aceptar una sociedad que había hecho posible una guerra tan cruenta y barbárica, y exigían un replanteamiento radical. El nuevo contramovimiento político y artístico rechazaba el espíritu burgués.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Una nueva realidadLos surrealistas buscaban -más allá de la lógica y la racionalidad- una nueva realidad superior, la surrealidad: el inconsciente, los sueños, los estados de embriaguez, los deseos reprimidos, las visiones, las ideas fantásticas... Todo ello era necesario, según los surrealistas, para liberar a la sociedad de sus ataduras morales.Uno de los pioneros del surrealismo fue André Breton, escritor y crítico francés. En octubre de 1924 redactó el primer manifiesto surrealista, en el que presentaba el nuevo movimiento artístico: "Creo en la resolución futura de estos estados aparentemente contradictorios del sueño y la realidad en una especie de realidad absoluta, si se la puede llamar así: surrealidad". Muchos artistas se sintieron inspirados por esa nueva visión.De pipas, pupilas y navajasUna famosa obra surrealista es, por ejemplo, "La trahison des images" (La traición de las imágenes) del artista belga René Magritte: su cuadro muestra una pipa, debajo de la cual se lee "Ceci n'est pas une pipe" (Esto no es una pipa). Esto parece desconcertante, pero en realidad es correcto; después de todo, no estamos viendo una pipa, sino la imagen de una pipa.Con la película "Un perro andaluz", el director español Luis Buñuel y su amigo Salvador Dalí llevaron por primera vez a la pantalla de cine una obra surrealista. La trama se nutría de los sueños de ambos: en el prólogo, un hombre afila una navaja de afeitar, luego una nube pasa junto a la luna llena. A continuación, el hombre atraviesa el globo ocular de una mujer con la navaja. Nada en la película debía ser racional, lógico o culturalmente explicable, incluso el título se eligió sin referencia al contenido.La rebelión de los surrealistasEl pintor alemán Max Ernst (1891-1976) fue un surrealista de la primera hora. Dibujaba espectaculares paisajes fantásticos poblados de figuras imaginarias.Perspectivas retorcidas, criaturas misteriosas: los artistas a menudo sacan las cosas de su contexto habitual, las combinan de forma nueva y permiten así una visión alterada del mundo. Algunos cuadros son inquietantes, como el emotivo autorretrato de Frida Kahlo "Henry Ford Hospital", de 1932, que muestra a la mexicana (1907-1954) en una cama voladora tras haber sufrido un aborto espontáneo.El catalán Joan Miró (1893-1983), poeta del color, también debería incluirse en el círculo de los surrealistas. O el bretón Yves Tanguy (1900-1955), cuyos paisajes oníricos aún hoy nos desconciertan. Por no hablar del pintor franco-alemán Jean Arp (1886-1966), o del fotógrafo, artista plástico y director de cine estadounidense Man Ray, alias Michael Rudnitzky (1890-1976), con sus objetos ready-made. Su fotografía de una mujer desnuda con cuerpo de violín "Le Violon d'Ingres", tomada en París en 1924, es mundialmente conocida.Los surrealistas se rebelaron contra las normas y los hábitos rígidos. Pintaron, escribieron y filmaron en contra de la lógica y el pragmatismo, y a favor de la igualdad. Querían utilizar el arte para instigar una revolución social. Pero, sobre todo, revolucionan nuestra percepción, que actualmente se enfrenta a nuevos retos: la inteligencia artificial y el aprendizaje automático permiten un entrelazamiento casi incomprensible de realidad y virtualidad.Quien quiera hoy volver a interrogar a los surrealistas debería peregrinar al lugar donde trabajaron. El Centro Pompidou de París les despliega la alfombra roja con un espectáculo monumental que durará hasta enero de 2025 y luego realizará una gira por Europa. La Hamburger Kunsthalle, la Lenbachhaus de Múnich y muchos otros museos de todo el mundo complementan la serie de exposiciones en el año del aniversario de los surrealistas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Para Prieto, el viaje de este libro al libreto cinematográfico fue una exploración en la que se embarcó en su propia travesía, en la que tuvo que captar desde los silencios fantasmales en el texto del afamado jalisciense hasta lograr poner en imagen algo tan complejo como el realismo mágico.“No buscábamos dar un mensaje, como estoy seguro Rulfo tampoco buscaba eso, fue una exploración, sin embargo, lo que me llevo es que tú ves a un Pedro Páramo que hace unas cosas espantosas, pero lo que quise al hacer esta adaptación era (preguntarme) por qué, quién es este hombre, qué le está moviendo”, afirmó el director en una conferencia de prensa previa a la gran gala de su cinta.Pedro Páramo es una corta pero clásica pieza de la literatura mexicana, donde Rulfo escarba en las más profundas entrañas de Comala, lugar donde las raíces de la mexicanidad revolucionaria conjugan el caudillismo extremo y el abuso del patrón a sus subordinados.Ante la personalidad rígida y sombría de Páramo, Prieto dice que busca todo lo contrario, “en la vida, en lugar de culpar a las autoridades, a la historia, a los españoles, es (cuestionarse) por qué pasó eso (...) por qué también nos perdonamos a nosotros mismos”, reflexionó.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sobre la visión de su largometraje, comentó que es la versión de las generaciones presentes, por lo que es un Pedro Páramo que “tiene el corazón no solo de Rulfo sino de todos nosotros (...) todo eso que fuimos descubriendo con cada uno de nosotros”.Releer a Rulfo para hacer cineEse descubrimiento del que habla Prieto lo vivió todo el elenco, quienes acompañaron al realizador en esta presentación a medios en el FICM, y reconocieron que, como muchos mexicanos, leyeron el texto a una corta edad por lo que tuvieron que releer la novela.“Aquí todos leemos a Rulfo. Todas las que estábamos en el set coincidimos en que no lo habíamos releído. La mayoría lo releemos 20 años después. Estábamos impactados de cómo se dimensiona leerla en una etapa adulta”, dijo la actriz Ilse Salas, quien interpretó a Susana San Juan, la enamorada de Pedro Páramo.Al igual que Salas, el intérprete de Pedro Páramo, Manuel García Rulfo, confesó que esta novela “es demasiado especial” y le sigue sorprendiendo que un” libro tan chiquito,” el autor, con quien comparte apellido, haya captado “todo lo que somos, la sangre, el sudor, los intestinos”.Releer a Rulfo también genera pasión y obsesión, así lo describe la artista Dolores Heredia, quien desarrolla el papel de Eduviges Dyada, tras mencionar que si estuviera en sus manos ella se “quedaría haciendo a Rulfo eternamente” debido a que le parece que ahí “hay un universo fantástico para seguirnos contando a nosotros mismos”.Conocer el Comala de PrietoAdaptar novelas tan conocidas como Pedro Páramo no es siempre del agrado de todos los lectores y puede generar ciertas reticencias o recelo, según apuntó el experimentado actor Roberto Sosa.“Creo que una de las mayores virtudes de la universalidad de una obra es la cantidad de lecturas que podemos ver de esta. Entonces, yo invito a que nos demos el regalo y el corazón de ver esta nueva aproximación, que por supuesto cada uno tendremos nuestro propio Comala, cada uno tendremos nuestro propio desierto, cada uno tendremos nuestro propio Pedro Páramo”.Además de esta presentación oficial en el FICM, la cinta adaptada llegará a la gran audiencia el 6 de noviembre por su llegada a la plataforma de Netflix.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Uno de los primeros contactos de Charles Ives con la música los obtuvo al asistir a los festivales locales, en los que por las calles de su ciudad la banda de su padre (director de la banda del Ejército de los Estados Unidos) y otras bandas tocaban simultáneamente.Las lecciones musicales que recibió de su padre también tuvieron una gran importancia. George Ives tenía una visión muy abierta respecto de la teoría musical, y animaba a su hijo a experimentar en armonizaciones bitonales y politonales.Charles llegó a ser organista de iglesia a los 14 años y escribió varios himnos y canciones para los servicios eclesiales, entre ellos sus Variaciones sobre "América".Charles Ives escribía notas muy detalladas sobre sus obras. Sobre el propósito y el contexto de Central Park en la oscuridad fue escrito en 1906, cuando Ives vivía frente al parque. Compuesta para una orquesta de cámara de vientos simples, dos pianos, percusión y cuerdas, es un equivalente "urbano" de las muchas escenas rurales y de pueblos pequeños que Ives conoció. Sobre esta obra Charles Ives anotó:“Esta pieza pretende ser una imagen sonora de los sonidos de la naturaleza y de los acontecimientos que los hombres oían hace unos treinta años (antes de que el motor de combustión y la radio monopolizaran la tierra y el aire), cuando estaban sentados en un banco de Central Park en una calurosa noche de verano”.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Según el pianista holandés René Eckhardt (nacido en 1980) “la gente que oyó tocar a Ives elogia su gran talento de improvisación. Representaba al piano sus fantasías más locas; hacía su comentario al respecto o cantaba con entusiasmo. Si daba rienda suelta a sus asociaciones sucedía algo extraordinario. Entonces surgían melodías, himnos y ragtimes”.Sobre su Sonata N° 1 para violín y piano Charles Ives anotó: “El primer movimiento puede, en cierto modo, sugerir algo que la naturaleza y la naturaleza humana se cantarían mutuamente, a veces. El segundo movimiento, un estado de ánimo en el que ‘The Old Oaken Bucket’ y ‘Tramp, Tramp, Tramp, the Boys are Marching’ llegaban sobre las colinas, tratando de revivir la tristeza de los viejos días de la Guerra Civil. Y el tercer movimiento, los himnos y las acciones en el campamento de agricultores incitándolos a "trabajar porque llega la noche".Esta sonata es en parte una impresión general, una especie de reflexión y recuerdo de las reuniones al aire libre de los pueblos en las que los hombres se levantaban y decían lo que pensaban, sin importar las consecuencias -de las celebraciones navideñas y los campamentos de los años 80 y 90, sugiriendo algunas de las canciones, melodías e himnos, junto con algunos de los sonidos de la naturaleza que se unen desde las montañas en algunos de los antiguos pueblos agrícolas de Connecticut.Quizás ninguna obra resuma mejor la visión de Charles Ives (de quien conmemoramos los 150 años de su nacimiento) que su Cuarta Sinfonía. Una composición más ambiciosa, tanto en la partitura como en sus múltiples capas.Eric Salzman compositor, erudito, autor, empresario, crítico musical y productor discográfico estadounidense, escribió sobre la Sinfonía N° 4 de Charles Ives: “La sinfonía generalmente está fechada entre 1909 y 1916, pero el material, las ideas e incluso el plan se remontan a años anteriores. La obra completa no se interpretó hasta 1965 (tras la transcripción del casi indescifrable final), aunque los dos primeros movimientos se tocaron ya en 1927 y la Fuga en 1933”.El Preludio, basado en el himno de Lowell Mason Watchman, Tell Us of the Night, plantea una pregunta a la que los movimientos siguientes proporcionan, o al menos proponen, respuestas. Incluso en su breve duración hay referencias a una obra anterior (la Primera Sonata para piano) y a varias canciones e himnos antiguos.Ives se refirió al segundo movimiento como "no un scherzo... sino una comedia", que fue inspirado por la historia de Hawthorne El Ferrocarril Celestial y está relacionado con el movimiento Hawthorne de la sonata Concord de Ives. En su desenfrenada multifonía se citan más de una docena de conocidas melodías estadounidenses.El Trío para violín, violonchelo y piano de Ives es también una obra abiertamente estadounidense, inspirada en recuerdos de la vida universitaria en la Universidad de Yale, donde se graduó en 1898. Las conexiones con Yale son evidentes en un boceto que Ives preparó para la portada, que dice: Trio Yalensia & Americana.Se encuentran detalles más específicos en una nota del programa que Ives envió en abril de 1948 a John Wolavar, el pianista de la primera actuación pública del Trío el 24 de mayo de 1948 en Berea, Ohio. Ives recordó una actuación privada en Nueva York aproximadamente treinta años antes. El comentario del compositor es el siguiente: “El Trío fue, de manera general, un reflejo o impresión de la época universitaria en el Campus, hace ahora 50 años”.Charles Ives fue un compositor que, antes de que surgieran las cuestiones de la identidad musical estadounidense, logró escribir música original y ajeno a los modelos europeos y lleno con el espíritu de su Nueva Inglaterra natal.La música de Ives "representa" cosas, pero de una manera más humanamente caótica que el método convencional de Grofé, como lo demuestran las tres piezas de su Set Orquestal N° 2. Una obra en tres movimientos que llevan los títulos, que recuerda la experiencia de Ives del 7 de mayo de 1915, día en que se conoció la noticia del hundimiento del RMS Lusitania, antes de la entrada de los Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial.Podrá escuchar obras maravillosas de Charles Ives en la nueva edición de El Músico de la semana el lunes 21 de octubre a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Caparrós (Buenos Aires, 1957) es autor de novelas como La Historia y de los relatos de viajes recopilados en Crónicas de fin de siglo, galardonadas con el Premio de Periodismo Rey de España. En la actualidad está a punto de publicar sus memorias, Antes que nada, el próximo 24 de octubre, donde habla por primera vez de esta enfermedad.En una entrevista en el periódico español La Vanguardia el pasado día 19, Caparrós explicó que hasta ahora no había querido hablar de la dolencia que padece porque no quería que los amigos le vieran "como un moribundo"."Los científicos ni siquiera entienden cómo funciona ese proceso biológico. Lo que sí saben es que la esperanza de vida es de tres a cinco años, que en algún momento tienes problemas para respirar o incluso para hablar. Y en algún momento te mueres. Lo que no está mal, porque así te toleran ciertas cosas, como que te comas todo el chocolate que te apetezca", relató.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Marta Nebot, en una columna en el periódico español Público explicó posteriormente que este fin de semana Caparrós y ella decidieron "salir del armario" y contar públicamente que pertenecen "al selecto club de los ELAdos y sus parejas de hecho"."Solo tengo palabras de admiración sobre cómo está transitando el vía crucis de esta enfermedad maldita", aseguró Nebot, que considera que las memorias de Caparrós "son imprescindibles como lo que son: historia del periodismo".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Murió la provincia", escribió Vives en un mensaje publicado en su cuenta de X, acompañado de una fotografía en blanco y negro de Egidio Cuadrado interpretando el acordeón.Posteriormente, Vives dijo a la emisora Blu Radio que el fallecimiento de su inseparable compañero, ocurrida esta madrugada en una clínica de Bogotá, a la edad de 71 años, marca el fin de una era porque "La Provincia nació con él".Al recordar el origen de la banda, a mediados de los años 90, Vives explicó que "La Provincia era la mezcla de músicos jóvenes del rock bogotano con los músicos de provincia (...) era la mezcla de algo muy campesino con algo muy urbano"."Con la muerte de mi compadre Egidio, no me cabe la menor duda de que ese momento de la historia se fue", añadió.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Vives, que internacionalizó la música vallenata con el primer álbum de la banda, titulado Clásicos de La Provincia (1994), dijo que "vendrán otras cosas" al referirse al futuro de su conjunto musical."Yo creo que ese nombre cambia (...) creo que con la muerte de mi compadre Egidio, definitivamente mi banda deja de llamarse así", agregó el cantautor.Egidio Cuadrado, nacido en 1953 en la localidad de Villanueva, en el caribeño departamento de La Guajira, estaba ingresado desde hace días en la Clínica Colombia de Bogotá tras sufrir una recaída de una neumonía por la que ya había estado ingresado a comienzos de año."Fueron años difíciles para él desde la pandemia", recordó Vives sobre el estado de salud de su acordeonista.Dupla exitosa en el mundoCuadrado fue coronado rey vallenato en el Festival de la Leyenda Vallenata de 1985, lo que le abrió las puertas al éxito, que cimentó años después cuando Carlos Vives lo llamó para que lo acompañara en La Provincia."La Fundación Festival de la Leyenda Vallenata lamenta el fallecimiento del Rey Vallenato 1985, Egidio Rafael Cuadrado Hinojosa, y presenta sus condolencias a su esposa Fanny Maldonado, sus hijos José Luis y Katerine, familiares, paisanos, y a su compadre Carlos Vives", publicó en su cuenta de X la organización de ese festival, el más importante de esa música.En 1993 Vives protagonizó la telenovela Escalona, inspirada en la vida del compositor Rafael Escalona, en la que Cuadrado lo acompañó con el acordeón, y al año siguiente lanzaron 'Clásicos de La Provincia', una recopilación de canciones vallenatas que convirtió a esa música del norte de Colombia en un fenómeno de ventas dentro y fuera del país.En ese álbum incluyeron canciones clásicas como La gota fría, El cantor de Fonseca, Alicia adorada, Amor sensible y Matilde Lina, entre otras que catapultaron a La Provincia a la fama.Luego vino otra docena de álbumes, como La tierra del olvido, Tengo fe, Clásicos de La Provincia II y Corazón profundo, entre otros, y la pareja de Vives y Cuadrado, acompañado siempre por el sombrero vueltiao y la mochila arhuaca que llevaba terciada, se paseó por los escenarios del mundo. Junto con Carlos Vives, Cuadrado ganó varios premios Grammy y Grammy Latinos.Egidio Cuadrado será despedido este mismo lunes con un homenaje en un cementerio del norte de Bogotá.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde el fin de semana se venía especulando sobre el estado de salud del músico y acordeonero Egidio Cuadrado tras su hospitalización en la Clínica Universitaria Colombia, incluso la misma institución tuvo que desmentir los rumores de su fallecimiento. Pero en la madrugada de este 21 de octubre la clínica fue la encargada de confirmar la muerte del músico de 71 años a causa de una pulmonía."Con profundo dolor, la Clínica Universitaria Colombia, se permite informar a la opinión pública que ha fallecido en nuestra institución el artista vallenato Egidio Cuadrado", se lee en el comunicado de la clínica, en el que añaden “Nos unimos al dolor que embarga a los colombianos por la pérdida de este gran músico que dedicó su vida a la difusión y conservación del vallenato, llevando la música de la región Caribe a escenario nacionales e internacionales”.Y es que la trayectoria de Cuadrado, pese a estar estrechamente relacionada al cantante Carlos Vives desde hace treinta años, inició mucho antes, si quiere, podríamos remontarnos a su infancia, cuando desde los seis años ya daba luces de su don con el vallenato y el acordeón.Nacido el 26 de febrero de 1953 en Villanueva, La Guajira, Cuadrado fue hijo de Agustín Cuadrado y Cristina Hinojosa, su madre, quien se encargaría de regalarse su primer acordeón siendo muy niño. En su natal Villanueva, cuna de acordeoneros y dinastías vallenatas, Egidio se formó empíricamente en su instrumento. Con el acordeón interpretó rancheras y por supuesto, vallenatos.Con veinte años, en 1973, Egidio se dio a conocer en el medio al ganar como mejor acordeonero en el Festival de la Leyenda Vallenata en la categoría de “rey aficionado”. Desde entonces participó en parrandas y festivales. Una de las más famosas, tuvo lugar un 18 de septiembre, durante las fiestas del patrón de Villanueva, Santo Tomás, cuando un famoso Rafael Escalona mandó llamar al joven acordeonero para animar la parranda.Incluso, la relación de Egidio con Escalona, trascendió lo musical, pues la hermana del músico, la nombrada Dina Luz, fue pareja de Escalona. Desde entonces, Cuadrado volvió a participar en el Festival Vallenato, ahora en la categoría profesional, en 1983 y 1984, quedando en ambas ocasiones en segundo lugar.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Finalmente en 1985, tras interpretar en su acordeón canciones de Escalona como El mejoral y La vieja Sara, y otras canciones, se llevó el título de rey vallenato, coronado por un jurado que incluía a leyendas vivas del acordeón como Alejandro Durán, Lorenzo Morales, Emiliano Zuleta Baquero y Adolfo Pacheco.La música de Escalona lo acompañaría por muchos años más, pues en 1990 fue convocado por el director Sergio Cabrera y el guionista Bernardo Romero Pereiro para hacer parte del elenco de la telenovela Escalona, protagonizada por Carlos Vives.Allí se afianzó la cercanía de Vives con el vallenato, pero también nació su relación con Egidio, juntos le dieron un nuevo aire a los clásicos de Escalona, en la televisión y en las emisoras del país. Tras el éxito de esta producción, juntos iniciaron un camino de fusión de géneros, teniendo el vallenato como base y alimentándolo de gaitas e incluso elementos del rock y el pop, lo que Vives daría a conocer como “el rock de mi pueblo”, más adelante.El 17 de agosto de 1993 publicaron el álbum Clásicos de la provincia, un homenaje y una revolución al vallenato tradicional que sería la esencia de La provincia, la agrupación que hasta hoy en día se mantiene como la banda de Vives.Durante su carrera conjunta, grabaron más de 11 discos juntos y viajaron de gira alrededor del mundo, Egidio, acompañado siempre del sombrero vueltiao, estuvo presente en la revolución del vallenato, la antesala al vallenato nueva ola, e incluso, en La Provincia, fue precursor de lo que conoceríamos como tropipop, una mezcla de ritmos pop que se alimentó principalmente del vallenato. En 2021, como reconocimiento a su trayectoria fue galardonado con uno de los premios del Consejo Directivo de la Academia del Grammy Latino. "Agradecer principalmente a Dios por darme vida, a mis padres José Agustín y Cristina por inculcarme valores y a nunca darme por vencido, a mi esposa Fanny por creer en mí, por su amor y su apoyo incondicional, a mis hijos José Luis y Katherine por su amor, por permitirme ser su padre y amigo, a mis nietos por enseñarme el valor del amor desinteresado y a reencontrarme con mi niño interior, a mis hermanas y hermanos por su afecto total y constancia, a mi compadrito Carlos Vives por su amistad verdadera, por su confianza y lealtad", escribió en sus redes sociales tras recibir el premio. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde el 21 de octubre Cali será la sede de la cumbre más importante sobre la biodiversidad del planeta, la Conferencia de las Partes (COP16) y a propósito de este encuentro, la Casa Museo Quinta de Bolívar, en Bogotá, realizará el Primer festival de aves de la Quinta: aves para la historia.Este encuentro, que tendrá lugar el 19 y 20 de octubre, busca resaltar la importancia de la biodiversidad del país y la conservación natural entre sus asistentes. Además, pondrá sobre la mesa las relaciones entre los colombianos y la naturaleza durante los siglos XIX y XX para comprender sus interacciones vitales, identitarias y económicas.El festival de aves contará con una variada agenda para todo público con actividades que incluyen avistamientos de aves, conferencias, talleres, recorridos y una feria de emprendimientos sostenibles que invitan a descubrir la riqueza natural de Colombia y a promover su cuidado.La Casa Museo Quinta de Bolívar, ubicada en el centro de Bogotá, reúne relatos históricos, culturales y naturales de la ciudad; pues está rodeada de un entorno natural que cuenta con una gran diversidad de especies que la han convertido en un lugar de encuentro y acción colectiva en el que se promueve el reconocimiento y la conservación de los ecosistemas y de los seres vivos que habitan el Jardín Bolivariano.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El festival de aves se realiza en alianza con la Secretaría Distrital de Ambiente, el Jardín Botánico de Bogotá, la Asociación Bogotana de Ornitología (ABO) y el Museo de Ciencias de la Universidad El Bosque.Esta es la agenda del festival para este fin de semana. Recuerde que las actividades son gratuitas, pero con inscripción previa en este enlace.Sábado, 19 de octubre🕒 6:00 a. m. - Jornada de avistamiento de aves📍 Las salidas de esta jornada serán por el Humedal Córdoba, Guadalupe- Aguanoso, Humedal Santa María del Lago y Camino Vicachá; puntos claves de la biodiversidad bogotana que le permitirán al público descubrir, censar y conocer acerca de la preservación de la avifauna que habita y visita estos lugares.🕒 7:00 a. m. - Taller de Fotografía con Diego Emerson Torres, fotógrafo y especialista en aves.🕒 9:00 a. m. a 5:00 p. m. - Feria de emprendimientos sostenibles🕒 10:00 a. m. - Taller de ilustración de aves en acuarela con Semillero Universidad El Bosque.🕒 11:00 a. m. - Recorrido exposición temporal “Oh Naturaleza ¿Inmarcesible?”, por Lina Rodríguez, investigadora de la Casa Museo Quinta de Bolívar.🕒 2:00 p. m. - Conferencia ¿Por qué Colombia depende de las aves?, por Oswaldo Cortés, biólogo y educador ambiental🕒 3:30 p. m. - Conferencia “La belleza que trazó un triste destino” a cargo de Jaime Peralta Agudelo, doctor en historia, docente e investigador, Universidad de Antioquia.Esta conferencia trata de uno de los episodios más dolorosos de la naturaleza colombiana: el ciclo extractivo de las aves silvestres que se dio entre 1870 y 1930, cuando cientos de miles de ejemplares vivos fueron cazados, y fueron enviados a Europa y Estados Unidos como una valiosa materia prima en la moda y decoración del momento.Domingo, 20 de octubre🕒 6:00 a. m. - Jornada de avistamiento de aves🕒 9:00 a. m. a 5:00 p. m. - Feria de emprendimientos sostenibles🕒 10:00 a. m. - Expedición “Los bichos de la Quinta” por semillero Universidad El Bosque🕒 10:00 a. m. - Taller práctico de construcción de nidos para aves por Khalilah Ochoa líder del proyecto de ciencia ciudadana: “1900 Nidos”🕒 2:00 p. m. - Conferencia “Protege los insectos, protege las aves” por Víctor Rodríguez Saavedra, Biólogo y Coordinador de Colecciones Biológicas en Universidad El Bosque🕒 3:30 p. m. - Conferencia “Los archivos ocultos de las aves: historias de afectos y representaciones” por Jacobo Zuluaga, historiador ambiental de la Universidad Nacional de Colombia.Durante el Siglo XX, en Colombia, miles de aves fueron capturadas y sacrificadas para dotar los museos de historia natural y colecciones científicas. Nuevas formas de comprender, representar y cuidar la vida surgieron de estos lugares, conectándose con la sociedad a través de afectos, labores y apuestas políticas que transformaron la identidad y la memoria nacional. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Casa Museo Quinta de Bolívar (@quintadebolivar)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Durante once días, Bogotá fue el escenario de 292 funciones de teatro, danza y circo que hicieron parte de la primera edición del Festival Internacional de las Artes Vivas, FIAV. Tras el espectáculo de clausura 'Muñecas Gigantes y Mobile Homme', de la compañía francesa Transe Express, en la Plaza de Bolívar, el balance del festival es una alta participación de los bogotanos, pues hubo cincuenta mil espectadores en las salas y cerca de un millón en las funciones al aire libre.“Hay un balance positivo; todas nuestras expectativas se cumplieron. Se diluyeron los escepticismos que había alrededor del evento. Muy emocionados con el trabajo de todo el equipo”, señaló Fabio Rubiano, director general del FIAV.Durante el festival, que se llevó a cabo entre el 4 y el 14 de octubre, se realizaron 248 funciones en salas de teatro y 44 en plazas y calles, para lograr esta cantidad de espectáculos participaron 458 artistas distritales; 210 internacionales y 175 del Pacífico, un total de noventa compañías artísticas y 292 funciones.Octavio Arbeláez, director artístico del festival, recalcó que “la primera edición ha colmado las expectativas de todo el ecosistema de las artes escénicas de Colombia y el continente. Ha sido una edición épica en la que se concitaron los esfuerzos de teatristas, circenses, bailarines, músicos y en general de todas las artes visuales para lograr este festival, que tuvo un gran impacto y una presencia emocionante, emotiva y, desde luego, con un sello de perennidad en la memoria de los bogotanos, colombianos y de todos los que nos visitaron”.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Para comprender quiénes fueron los asistentes al FIAV, el Observatorio de Culturas de Bogotá realizó una encuesta según la cual el 17 % de los quienes respondieron eran turistas, mientras que el 83 % afirmó residir en la capital. Además, los grupos y artistas que se exhibieron durante el FIAV Bogotá fueron la principal razón para que los espectadores asistieran a los eventos programados, como lo aseveró el 30 % de los encuestados. A su vez, el 24 % se animó a participar debido a su gusto por este tipo de festivales.“Durante estos 10 días, Bogotá ha vuelto a vivir una fiesta y una celebración en torno al teatro y a las artes vivas. Como lo hemos dicho varias de las personas que hemos contribuido para que este festival vuelva a enaltecer a Bogotá, en una alianza entre la Presidencia de la República, el Ministerio de la Cultura, la Alcaldía de Bogotá, la Secretaría de Cultura y Turismo de la ciudad, la Cámara de Comercio y aliados privados que han querido que el teatro regrese a la ciudad”, afirmó Juan David Correa, Ministro de las Culturas, las Artes y los Saberes.También, agregó que “esta es una idea de regresar a aquellos momentos en donde, alrededor del teatro, de la vida, cada Semana Santa, nos reuníamos los bogotanos y los colombianos cada dos años para celebrar, gracias a la encomiable tarea de Fanny Mikey”.Además de las funciones teatrales, este festival ofreció el Mercado FIAV, un espacio de intercambio cultural y artístico en el que participaron 32 delegados nacionales de ocho ciudades, 52 programadores de 16 países, y 69 agrupaciones colombianas de 15 ciudades y municipios de Colombia.Entre los anuncios que acompañaron el cierre del FIAV, están los nombres de las regiones invitadas que estarán en la próxima edición de este festival, que se realizará cada dos años. Esta versión contó con un invitado internacional, el Estado de Río de Janeiro y uno nacional, que fue el Pacífico colombiano.Para la Semana Santa de 2026, en la segunda edición del FIAV, entre la última semana de marzo y la primera de abril, la Comunidad de Madrid será la región internacional invitada de honor y el Caribe será la región nacional invitada de honor. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por FIAV Bogotá (@fiavbogota)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Una escuela perforada por disparos, una cancha marcada por la muerte de los líderes comunitarios, una casa que no volverá a ver a su guardia indígena y una calle donde los habitantes resistieron para evitar que un grupo armado se llevara a sus jóvenes. Estas son solo algunas de las escenas capturadas por Fernanda Pineda, fotógrafa y documentalista, durante su visita a las comunidades afrodescendientes de Chachajo y Mojaudó, y al poblado indígena de Puesto Indio, en Alto Baudó (Chocó). Invitada por Médicos Sin Fronteras (MSF), Pineda registró la vida de estas comunidades que viven bajo el confinamiento impuesto por el conflicto armado y la ausencia del Estado en esta región del Pacífico colombiano.De ese trabajo surgió "Riografías del Baudó: ¿Cómo se cura un territorio herido?", una exposición fotográfica que retrata la profunda crisis humanitaria en Alto Baudó, una subregión duramente afectada por la violencia y la falta de presencia institucional. MSF, que ha trabajado en la zona durante tres años, acompañó el proyecto. Tras su exhibición en ARTBO, la muestra se podrá ver en el Centro Cultural Gabriel García Márquez de Bogotá (Cl. 11 #5-60) del 15 al 21 de octubre, con entrada libre y disponible de 8:00 a.m. a 6:00 p.m.La exposición está compuesta por 25 fotografías que narran las historias de mujeres curanderas, yerbateras y parteras, quienes no solo identificaron los lugares heridos por el conflicto, sino que también los sanaron simbólicamente a través de suturas y remedios tradicionales. Nancy Guerrero Castillo, directora de MSF para Sudamérica, enfatiza que "este proyecto refleja un esfuerzo conjunto entre la comunidad, nuestra organización y la fotógrafa Fernanda Pineda para visibilizar una crisis humanitaria que ha recibido poca atención".Un proceso de sanación colectivaEl proyecto inició con un taller de fotografía impartido por Pineda al equipo de involucramiento intercultural de Médicos sin Fronteras (MSF), compuesto en su mayoría por mujeres indígenas y afrodescendientes. Este equipo actúa como un puente entre las culturas locales y la asistencia sanitaria brindada por Médicos sin Fronteras. Durante los encuentros, se acordó que las fotografías no solo mostrarían las heridas del conflicto, sino también las prácticas tradicionales que las comunidades emplean para sanar.Pineda, acompañada por las integrantes del equipo de MSF Yazury Dumaza, Angélica Rojo, Malory Mogollón y Leslie Valencia, recorrió el río Baudó para llegar a las comunidades de Chachajo, Mojaudó y Puesto Indio. En estos lugares, donde las mujeres tienen un rol crucial por su conocimiento ancestral de las plantas, se realizó un ejercicio de reconocimiento y sanación de los territorios afectados por la guerra.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Siete mujeres de estas comunidades señalaron los lugares más marcados por la violencia y, utilizando suturas, remedios y flores, los sanaron simbólicamente. El resultado es una obra colaborativa que combina material simbólico —fotografías de territorios heridos curados por las sabedoras— con testimonios literales de líderes y sobrevivientes, que hablan sobre cómo el miedo y la vulnerabilidad persisten ante la falta de respuestas efectivas de las instituciones.La fotógrafa Pineda reflexiona: "Queremos sensibilizar a la sociedad colombiana para que vea estos territorios no solo a través de la dureza y el sufrimiento, sino también desde su riqueza cultural y el vasto conocimiento de estas mujeres, que desean ser reconocidas por algo más que el dolor y la injusticia".Las cicatrices del conflictoLas comunidades afrodescendientes e indígenas de Alto Baudó han sufrido las graves consecuencias del conflicto armado y la falta de presencia estatal. El acceso a servicios básicos como salud, educación y agua potable es limitado, y la inseguridad alimentaria es constante debido a la presencia de actores armados y explosivos en las zonas de cultivo. Estas condiciones afectan gravemente tanto la salud física como la mental de sus habitantes.Según la Defensoría del Pueblo, en 2023, Chocó fue el departamento con más casos de confinamiento forzado, con 124 eventos que afectaron a más de 40,000 personas. Además, fue el segundo departamento en desplazamientos masivos, con 19 de los 154 ocurridos en todo el país. Alto Baudó fue el segundo municipio más afectado de la región, con más de 5,700 víctimas registradas.El aislamiento de estas comunidades, cuya principal vía de comunicación es el río Baudó, hace que los costos de transporte sean inalcanzables para muchas familias, dejándolas desconectadas de servicios básicos, incluidas las atenciones médicas más esenciales.Es crucial que el Estado colombiano, con el apoyo de organizaciones nacionales e internacionales, trabaje para cerrar estas brechas y garantizar el acceso a salud y servicios básicos para todas las comunidades. La vulnerabilidad constante de las comunidades afrodescendientes e indígenas del Chocó no puede ser normalizada.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Así lo señaló este viernes el Gobierno colombiano en un comunicado en el que destacó que la expedición científica 'Hacia el corazón del galeón San José' ha revisado este año más de 250 expedientes, tras lo cual surgió la hipótesis de que el hundimiento del barco "podría deberse a causas distintas a una explosión masiva".La versión "oficial", según la información, proviene de tres capitanes ingleses que fueron juzgados por una corte marcial de Port Royal (que en la época era la sede del Gobierno británico en Jamaica) quienes aseguraron que el San José explotó repentinamente, esto con el objetivo de librarse de responsabilidades por no poder robar el cargamento del galeón.Sin embargo, la investigación colombiana señala que hay versiones que desmienten a los ingleses, como la del marinero Pedro García de Asarta que afirmó que escuchó el sonido del hundimiento de una nave, pero no oyó ninguna explosión.Este marinero de la época señaló que "el hundimiento se dio por una mala reparación del Galeón San José, derivada de un accidente que se dio en el viaje de Cartagena a Portobelo (Panamá)".Esta hipótesis, en opinión del Gobierno, busca ayudar a "comprender, desde una perspectiva arqueológica, la manera en la que las evidencias pertenecientes al naufragio se encuentran distribuidas en el lecho marino, lo cual es de especial importancia para identificar los diversos componentes de la nave y el cargamento que llevaba"."Hasta la fecha, el equipo investigador ha identificado más de 3.000 evidencias materiales y ha prospectado más de 400.000 metros cuadrados, equivalentes a 40 canchas de fútbol profesional. Estos trabajos de estudio se han realizado a más de 600 metros de profundidad", agregó la información.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El proceso del galeónEl San José, que pertenecía a la Armada española, fue hundido, según crónicas de la época, con cerca de 11 millones de monedas de ocho escudos en oro y plata que había recogido en la feria de Portobelo.Luego del anuncio del hallazgo del pecio surgieron disputas entre Colombia y España, ya que ese país aduce que por tratarse de "un barco de Estado", con su bandera, le amparan las normas de la Unesco para reclamar su titularidad.El Gobierno colombiano, que declaró el San José "bien de interés cultural sumergido", no descarta la colaboración con España para tratar el pecio como patrimonio compartido.Este año, también declaró 'Área Arqueológica Protegida de la Nación' la zona donde está el galeón, hallado en 2015 a una profundidad de más de 600 metros, para dar inicio a la investigación.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Tras 68 años de batalla contra las armas nucleares, la Academia Sueca concedió hoy el Nobel de la Paz a Nihon Hidankyo (contracción en japonés de 'Organización de Víctimas de Bombas Atómicas de Japón'), fundada 11 años después de los bombardeos atómicos de Hiroshima y Nagasaki los días 6 y 9 de agosto de 1945.En ese momento, el sentimiento antinuclear ganaba fuerza en Japón, después de que la tripulación de un barco atunero nipón fuera expuesto a la radiación durante una prueba de bomba de hidrógeno estadounidense en el atolón Bikini en el Océano Pacífico.El nacimiento de la organización acabó con el silencio en el que habían vivido hasta entonces los supervivientes a las bombas -'hibakusha' en japonés-, para quienes la muerte no fue una consecuencia pero sí lo fueron los problemas de salud, la pobreza y la discriminación que derivaron del desastre.Cerca quedó Nihon Hidankyo de obtener el galardón en el año 2005, cuando se cumplían 60 años desde que Estados Unidos arrojara las bombas sobre Japón y la organización figuraba en las quinielas de favoritos para hacerse con el reconocimiento.El Organismo Internacional de Energía Atómica (OIEA) y su director, el egipcio Mohamed El Baradei, fueron los premiados ese año en que el presidente del Comité Nobel reconoció la labor de Nihon Hidankyo al pronunciar: "Durante muchos años, la organización ha estado trabajando por la abolición nuclear".Con 'hibakusha' entre los miembros de su comité, Nihon Hidankyo clama al mundo la necesidad de abolir las armas nucleares y trabaja por extender los testimonios de las víctimas aún con vida de la tragedia, para quienes pide además apoyo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Toshiyuki Mimaki, que tenía 3 años cuando se desató el desastre, es uno de los integrantes del comité de la organización y recuerda cómo una mujer acudió a su casa en Inmuro (a unos 30 kilómetros de Hiroshima) rogando una lata de comida tras el desastre y su madre le dijo que probablemente esa señora a la que acababa de ver moriría pronto.Ese recuerdo está marcado en la memoria de Mimaki, que a sus 82 años está terminando de escribir su propio libro, que ya tiene título: 'Mi vida y el bombardeo de Hiroshima'.Nihon Hidankyo y el Tratado sobre la Prohibición de las Armas Nucleares El papel de Nihon Hidankyo en el Tratado sobre la Prohibición de las Armas Nucleares (TNP) fue clave. Logró recoger tres millones de firmas de apoyo antes de la conferencia de negociación y presentó ante la Organización de las Naciones Unidas (ONU) otros 13,7 millones para que todos los países del mundo se adhirieran a él.El TNP entró en vigor en enero de 2021 y Nihon Hidankyo envió a supervivientes de las bombas atómicas a la primera Conferencia de las Partes celebrada en Austria en junio del año pasado, donde expresaron su deseo de abolir las armas nucleares.Ahora, la organización trabaja por que la avanzada edad y el cada vez menor número de 'hibakusha' no impida seguir dando voz a sus historias y trata de extenderlas también en línea, más allá de los eventos presenciales, reducidos tras la pandemia de coronavirus.Es la primera vez en 50 años que Japón recibe el Premio Nobel de la Paz desde 1974, cuando recibió el galardón Eisaku Sato, que fue primer ministro de Japón entre 1964 y 1972, por representar la voluntad de paz del pueblo japonés, introducir los tres principios no nucleares de "no poseer, producir o permitir armas nucleares" en el país y firmar el TNP en 1970.Los bombardeos nucleares de Hiroshima y Nagasaki dejaron más de 210.000 muertos por el efecto directo de la explosión, así como por las consecuencias de la radiación que años después seguía afectando a la población.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La violencia criminal y el narcotráfico que golpean a México desde hace décadas no solo causa estragos en las víctimas directas. Investigadores internacionales han señalado que la masacre y desaparición de los estudiantes de Ayotzinapa generó un trauma colectivo. ¿Qué le pasa a la psique de un país sometido a estos niveles de presión?Según el Índice de Paz México 2023, publicado por el Instituto para la Economía y la Paz, los homicidios anuales asociados a la delincuencia organizada pasaron de de 8.000 en 2015 a 23.500 en 2022. Un alza de casi en 300 %. Si bien consigna que las tasas de secuestro, trata de personas y delitos graves han disminuido en los últimos años, la de delincuencia organizada aumentó un 64,2 % en ocho años. De acuerdo con Insight Crime, el año pasado se registraron 23,3 homicidios por cada cien mil habitantes."El gran número de víctimas deja cada vez más trauma a nivel personal, pero también de la sociedad", dice Markus Gottsbacher, del Centro de Investigaciones para el Desarrollo (IDRC), en Canadá."A la sociedad mexicana se le ha causado un trauma psicosocial. Son impactos y daños que pasan desde una vivencia personal a una colectiva y social. Se van reproduciendo y teniendo un efecto no solamente en un tiempo determinado, sino transgeneracionalmente", indica Clemencia Correa, directora de la organización de acompañamiento psicosocial Aluna, en México."No son traumas individuales ni tampoco un conjunto de traumas. Es un trauma que se extiende totalmente en diferentes dimensiones de la sociedad y hace que el tejido social se vaya rompiendo poco a poco", añade Correa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Violencia como parte de la identidad y las rutinas"El caso de los desparecidos de Ayotzinapa es una herida abierta, un duelo inconcluso que va a continuar mientras no se sepa la verdad. Se ha visto que los impactos del trauma perduran por mucho tiempo, son a largo plazo", señala el psicólogo Alfredo Guerrero, profesor de la Universidad Nacional Autónoma de México, UNAM."En la psique colectiva hay un retraimiento, hay miedo, en casos extremos hay hasta terror", observa el especialista. Por su parte, Gottsbacher observa que "es difícil hablar de la psique de todo un país, sobre todo en uno tan heterogéneo. Hay muchas personas que viven en sus burbujas de una seguridad privilegiada, mientras otras enfrentan más directamente las violencias".La psiquiatra Dení Álvarez reconoce "un cambio en la identidad, o sea, en la forma en que los propios mexicanos califican o definen su identidad como país. Empezamos a integrar en el imaginario social la violencia como parte de nuestro cotidiano".La inseguridad hace que las personas cambien sus hábitos, salgan menos o dejen de frecuentar ciertos lugares. "La violencia toca los espacios de convivencia social. Uno de los primeros efectos es el deterioro de la vida comunitaria", dice la especialista del seminario de estudios sobre la globalidad de la UNAM.El peligro de la normalización"Todos los días se reportan hechos de violencia, desaparecidos, asesinatos, y también hay colusión de actores del Estado con el crimen organizado. Estamos viendo una banalización y normalización de la violencia", subraya Gottsbacher. Esto se manifiesta en falta de empatía social con las víctimas y también hay cierta amnesia colectiva, una negación del problema."Son cifras tan grandes que se da una despersonalización. Al principio, estos crímenes horribles causaron mucho escándalo, pero ya no. Se cuelan la desconfianza, la rabia, la deslegitimización y estigmatización de las víctimas, lo que tiene impacto en la cohesión social", agrega el experto de IDRC.La normalización, si bien es necesaria para que las comunidades no queden paralizadas en el miedo o el aislamiento, tiene connotaciones peligrosas, advierte Álvarez: "No se activan mecanismos para resolver de manera organizada el problema de violencia y facilita que se replique en otros espacios sociales. Niños expuestos a ciertas atrocidades eventualmente pueden considerar normal o aceptable la comisión de ciertos actos de violencia"."El proceso de naturalización es como un mecanismo de defensa, ante décadas de violencia que implicaron traumas, temor, desesperanza, apatía y desconfianza", acota Guerrero. En su opinión, el pueblo mexicano tiene una alta capacidad de resiliencia y estima que la mejoría en algunos índices de criminalidad informados por el Gobierno estaría generando una disminución del miedo y un aumento de la confianza a nivel de la sociedad. Es un tema que actualmente investiga.No obstante, reconoce con respecto al caso Ayotzinapa que, "si no hay verdad, no se encuentra a los desparecidos y se mantiene la sensación de impunidad, es difícil sanar la herida abierta de la sociedad".Ruptura del tejido socialVivir en un continuo de violencia impide que la sociedad procese sus duelos. "El trauma psicosocial lleva a unos impactos muy profundos, incertidumbre y a una dinámica de las relaciones, que también están afectadas", señala Correa, la directora de la organización de acompañamiento psicosocial Aluna."Con los fenómenos de violencia se da una pérdida de la confianza moral, que es sobre todo la pérdida de la confianza en los desconocidos, las personas que no son miembros de nuestro círculo más cercano", afirma la psiquiatra Dení Álvarez.La coeditora del libro "Salud mental y violencia colectiva. Una herida abierta en la sociedad" indica que los grupos tienden a aislarse y disminuye la convivencia con aquellos que no se consideran familiares o conocidos, y mientras menos se convive en sociedad hay menor capacidad de organización comunitaria y esto, a su vez, dificulta impulsar el desarrollo local. Las redes de apoyo también son necesarias para que las víctimas puedan superar los eventos traumáticos.*Victoria Dannemann🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Conocida principalmente por La vegetariana, por el que se llevo el International Booker Prize en 2017 -diez años después de su publicación en Corea- Han Kang es un claro ejemplo de la mezcla de estilos que ha impulsado la internacionalización de la cultura coreana en todas sus manifestaciones.La escritora, que es la primera surcoreana en conseguir el Nobel, es la heredera de una literatura llena de huellas del dolor producido por las desgarres sufridos a lo largo del siglo XX y a la vez deudora de una tradición milenaria.Una tradición representada por nombres como los de Ko Un -que escribió poemas de protesta contra la dominación japonesa (1910-1945), la guerra de Corea o la dictadura militar entre 1961 y 1993-, Kim Chi-Ha -con una obra muy comprometida políticamente- o Hwang Sok-Yong, para quien el realismo era una obligación.Pero tras esa generación que sentó las bases de la literatura contemporánea coreana, surgieron otros escritores cono Kim Cho-yeop, centrada en las historias fantásticas, Cho Nam-joo, cuya Kim Ji-young, nacida en 1982 abrió en 2016 el debate sobre las desigualdades de género o Han, que deslumbró con La vegetariana con un moderno e inquietante estilo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El K-Pop, el inicio del boom cultural surcoreanoUn estilo literario que casa a la perfección con la imagen que se tiene mundialmente de Corea del Sur como un país que va por delante del resto en muchos ámbitos, incluida la cultura.La primera señal de que la importancia de la cultura surcoreana excedía sus fronteras llegó con el fenómeno del k-pop -abreviatura de música pop coreana-, un producto muy estudiado a medio camino entre la música y la estética, que es justamente su característica más reconocible.Canciones sencillas y pegadizas con una fuerte apuesta visual mediante espectaculares coreografías que han generado estrellas como el grupo BTS, Blackpink o Twice, algunos de los nombres de un movimiento que surgió a principios de los noventa por la fusión de la música popular coreana con las influencias de la industria estadounidense, que conquistó rápidamente a la Generación z.Aunque el aparentemente perfecto mundo del k-pop también tiene un lado oscuro, con el suicidio de artistas como Moonbin (del grupo Astro), Jonghyun (Shynee) o Goo Hara (Kara) por la altísima presión que sufren.El cine surcoreano, no solo 'Parásitos'Un fenómeno diferente es el del cine, donde el éxito de Parásitos, que se llevó cuatro Óscar en 2020 tras haber comenzado su carrera internacional con la Palma de Oro de Cannes, refrendó una cinematografía muy conocida en ambientes cinéfilos pero menos por el gran público.La llamada 'nueva ola de cine coreano' se inició en la década de los 90 tras la llegada de la democracia a Corea del Sur y empezó a alcanzar notoriedad a partir del 2000 con la complicidad del gobierno y de los festivales internacionales para dar a conocer el talento artístico.Park Chan-wook (Old Boy o Decision to Leave), Kim Ki-duk (Hierro 3 o Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera), Kim Ji-woon (Cobweb, Lee Chang-dong (Burning) o Hong Sang-soo (Night and Day) son algunos de los realizadores cuya presencia en los festivales internacionales -y habitualmente en los palmarés- ha sido habitual desde hace dos décadas.Diversos estilísticamente, estos autores tienen algunos elementos en común. Todos están muy conectados con lo que pasa en su país, así como con su historia, y son muy críticos, además de retratar con sus películas a la sociedad coreana.Además suelen apostar por guiones arriesgados y por mezclar géneros, como hace Parásitos, que empieza como un drama social y deriva en auténtico terror sin renunciar a un humor de lo más irreverente.'Squid Game', la revolución llega a la teleAlgo similar a lo que ocurre con El juego del calamar, que es capaz de darle una siniestra vuelta de tuerca al universo de los juegos infantiles.Una serie que en 2021 se convirtió en un éxito tan gigantesco como inesperado en Netflix, teniendo en cuenta que está rodado íntegramente en coreano y sin estrellas internacionales.El fenómeno fue tal que hasta las zapatillas que usan los protagonistas dispararon sus ventas en más de un 7.000 %.No era la primera serie de éxito salida de Corea, antes habían llegado Kingdom (2019), My name (2021) o Sweet Home (2020), pero ninguna llegó a las cotas de El juego del calamar, que sigue siendo la ficción televisiva más vista de la historia de Netflix (incluidas las de habla inglesa).Muchos ejemplos de una cultura de la que no hay que olvidar que su primer fenómeno planetario fue el Gangnam Style.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Así lo comunicó Lorente durante la presentación del largometraje documental Colón ADN. Su verdadero origen, de Story Producciones, que el día 12 de octubre, día que se conmemorá la llegada de Colón a tierras americanas, emitirá RTVE; una especie de 'thriller' histórico, que resolverá algunas incógnitas tras más de veinte años de investigaciones.Según dijo Lorente, en los estudios de 2003, 2004 y 2005 se habló de una "compatibilidad posible" de que esos huesos fuesen de Colón, si bien era una probabilidad baja, porque no había suficiente cantidad de ADN."Hoy se ha podido comprobar con unas tecnologías nuevas, por lo que queda definitivamente afianzada esa teoría previa parcial de que los restos de Sevilla son de Cristóbal Colón", señaló.En el acto que se celebró en la Real Academia Nacional de Medicina, al tratarse para su presidente, Eduardo Díaz-Rubio, de "un día histórico" para la ciencia, Lorente explicó que el dato es "exacto", por lo que la fiabilidad desde el punto de vista del dato genético es "prácticamente absoluta" y ha sido replicado por diferentes laboratorios.Además, avanzó que la investigación será publicada por una revista científica internacional, que es lo que hacen los investigadores cuando tienen un resultado que quieren compartir.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Los huesos de República Dominicana también pueden ser de ColónAl acto también asistió uno de los descendiente del navegante, el duque de Veragua, el vígesimo Cristobal Colón, quien no obstante advirtió de que el esqueleto que hay en Sevilla es incompleto, y que a ello también se aferran en República Dominicana para decir que también cuentan con huesos del descubridor."¿Pudiera ser que parte de los huesos estén en Dominicana y parte en Sevilla?", se preguntó el doctor Lorente, quien se contestó que de acuerdo a los huesos que hay sí, porque "ni están todos en Sevilla, ni están todos en Dominicana".No obstante, también subrayó que los restos que hay en el país caribeño "no han sido objeto de estudio" porque, aunque cuando comenzaron la investigación fueron allí, sus autoridades les dijeron que no había ninguna duda de que eran de ColónRespecto a la cuestión de la nacionalidad de Colón, Lorente no dio una respuesta. Se espera que el enigma se resuelva en el documental que se emite el sábado 12, algo que permitirá "arrojar luz sobre la historia y también a reescribirla", según señaló la presidenta interina de RTVE, Concepción Cascajosa.La investigación encabezada por Lorente trata de arrojar luz sobre el origen del navegante, en torno al cual circulan varias teorías, si bien la más extendida e internacionalmente aceptada es que era de Génova (Italia).Este trabajo, según explicó en su día el catedrático de Medicina Forense y director del proyecto, incluye el análisis de ADN de los restos óseos de los que se disponen de Cristóbal Colón, su hijo Hernando y su hermano Diego.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este año se celebrará en Corferias la edición número quince del Salón del Ocio y la Fantasía, SOFA, un evento de cinco días dedicados al arte, la cultura popular, series, videojuegos, anime y cine, entre otros. Desde este jueves 10 y hasta el lunes 14 de octubre los asistentes a este evento podrán disfrutar de muestras, torneos, exhibiciones, charlas, juegos y actividades, alrededor de la cultura del tiempo libre, las aficiones y las industrias creativas.El SOFA, en esta edición dedicada al año del dragón, reúne en un solo lugar las aficiones y espacios artísticos que hacen parte de la cultura del tiempo libre. “El SOFA es un punto en donde esos universos se cruzan y es posible pasar de un mundo de cultura, libertad, identidad y entretenimiento al otro con tan solo dar unos pasos”, se lee en el sitio web del evento.Durante los cinco días llegarán a Corferias invitados nacionales e internacionales que se destacan en la creación de contenido, cosplayers como Eriza Cosplay y Chris Gonzales; la ilustradora Sara Beth Varon o el cantante y streamer Tricker. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Desde este jueves la boletería para asistir al SOFA tendrá su fase final de venta, virtual o en las taquillas de Corferias. Para el jueves y viernes la entrada para mayores de 7 años y menores de 70 tendrá un costo de $25.000, mientras que durante el fin de semana será de $31.000. También podrá acceder a una boleta especial llamada SOFA Pass con la que podrá entrar los cinco días por $118.000. Los horarios varían de acuerdo con el día del evento. El jueves 10 de octubre se abren las puertas del SOFA desde las 12:00 p. m. hasta las 8:00 p. m.; el viernes, sábado y domingo, el horario se extenderá de 10:00 a. m. hasta las 9:00 p. m. y por último, el lunes 14 será de 10:00 a. m. a 8:00 p. m.Este es el mapa del SOFAEventos recomendados durante el SOFA 2024Freestyle Slalom/Inline: Demostración de las modalidades Battle, Classic y Speed en slalom, donde además se compartirá la fascinante historia de este deporte y cómo inició en Colombia.📍 Z-Sports - Pabellón 6-2🕒 Viernes - 10:00 a. m.Reto Ninja Warrior: Rete sus habilidades físicas en un Circuito Ninja Warrior, donde podrá practicar Parkour y acrobacias.📍 Z-Sports - Pabellón 6-2🕒 Todos los díasTaller de Coreano: Aprenda a escribir su nombre en coreano y entre en el maravilloso mundo del hangul. En este taller aprenderá el alfabeto y algunas frases que le ayudarán a presentarse correctamente.📍 Asiatika - Pabellón 4🕒 Todos los días - 11:00 a. m.Pasarela Ecléctica: Jóvenes diseñadores, comunidades de estilos alternativos y cosplay grupales se unen para presentar desfiles llenos de color, creatividad y talento.📍 Pasarela Ecléctica - Pabellón 23🕒 Todos los díasLa historia del anime: Esta presentación explora la historia del anime a través de sus openings y endings, esos temas musicales que han marcado nuestras vidas.📍 Stage Cultura Gamer - Pabellón 17🕒 Jueves - 4:00 p. m.¿Qué Es El Hanafuda?: Charla sobre el juego tradicional de los 48 naipes de Japón, su historia, su evolución desde el pasado hasta el presente y su futuro.📍 Asiatika - Pabellón 4🕒 Sábado - 5:00 p. m.100 años de cómic colombiano: exhibición sobre la historia y evolución de la historieta nacional. Conmemora el centenario de Mojicón, el primer personaje de cómic colombiano y el talento de los creadores de cómic colombiano que existen hoy en día.📍 Comunidades - Pabellón 3-2🕒 Todos los díasTarot del cine colombiano: La exhibición del Tarot del Cine Colombiano demuestra cómo el tarot y el cine pueden combinarse para reflexionar y explorar diferentes perspectivas. En esta muestra, cada arcano mayor del tarot está representado por un personaje del cine colombiano de los últimos 20 años.📍 Salón AV - Pabellón 22🕒 Domingo - 1:30 p. m.El kimono: Demostración donde aprenderá cómo se debe usar la ropa tradicional japonesa. Descubra los detalles y el significado detrás de prendas icónicas como el kimono y el yukata, y aprenda cómo vestir correctamente siguiendo las tradiciones japonesas.📍 Asiatika - Pabellón 4🕒 Domingo - 5:00 p. m. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Corferias (@corferias)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La obra estará a cargo del Consorcio Seminario La Candelaria, que fue seleccionado para desarrollar los estudios y diseño final del proyecto, informó a la prensa el prior provincial de la Orden de los Agustinos Recoletos, José David Niño.Esta orden es la propietaria del claustro, situado en el centro histórico de Bogotá, que fue cedido en comodato por un periodo de 20 años renovables a la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (Aecid), que se encargará de restaurarlo para que funcione como Centro Cultural.El embajador de España en Colombia, Joaquín de Arístegui, señaló que la firma del acuerdo entre los Agustinos Recoletos y el Consorcio Seminario La Candelaria tiene "mucho significado para España" porque era un compromiso pendiente por las buenas relaciones entre los dos países."Tener un Centro Cultural de España en Colombia era efectivamente un compromiso de larga data (...) es uno de los asuntos pendientes que teníamos, una de las grandes prioridades, y hoy ya uno de los grandes avances en nuestra agenda bilateral cultural", manifestó.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El embajador subrayó que el futuro Centro Cultural "será un espacio moderno y de vanguardia, que reflejará la actual Colombia y la actual España, permitiendo articular un diálogo con la sociedad civil, con las instituciones públicas y con el sector cultural de los dos países".Patrimonio histórico y culturalEl convento de La Candelaria ocupa una superficie de 7.000 metros cuadrados distribuidos en dos claustros comunicados entre sí, el de San Nicolás de Tolentino, que es el principal, y otro menor, llamado de las balconadas, más la iglesia de Nuestra Señora de La Candelaria."La iglesia permanecerá bajo control de los Agustinos Recoletos", dijo el embajador, quien agregó que "lo que es la administración y gestión del espacio no religioso estará lógicamente bajo el gobierno y la autoridad de la Agencia Española de Cooperación a través de la Consejería Cultural y Científica de la Embajada de España".Por su parte, el prior provincial de los Agustinos Recoletos señaló que le produce "una gran satisfacción el poder dar otro paso significativo hacia la meta de poder restaurar este emblemático claustro", un proyecto que, según dijo, "fortalecerá la cultura de los colombianos afianzando aún más los lazos que nos unen con España".Los Agustinos recoletos comenzaron la construcción del claustro en 1635 pero en 1653, aún sin terminar, la obra fue clausurada porque no tenía el permiso de la Cédula Real española, que obtuvieron 20 años más tarde, explicó el padre Juan Francisco Tinjacá."Regresamos aquí en 1670 y en 1686 se abrió el templo públicamente; esto estaba levantado en bruto, no como hoy está", dijo el monje mientras señala los arcos de piedra de la construcción.Según el sacerdote, "en 1706 vino el arzobispo e inauguró el templo que es el que le da el nombre al barrio más antiguo de Bogotá" y poco a poco fue terminado el convento que después fue transformado en el Colegio San Nicolás, "que funcionó 80 años, hasta el año 2005" y que en aproximadamente tres años será el Centro Cultural de España.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Jean-Paul Sartre, uno de los intelectuales más influyentes del siglo XX, nació el 21 de junio de 1905 en París, en el seno de una familia de clase media acomodada. Desde temprana edad, Sartre mostró un interés profundo por la literatura y la filosofía, influenciado por la vasta biblioteca de su abuelo Charles Schweitzer, un profesor de alemán. Este entorno le permitió desarrollar una pasión por los libros, que más tarde se vería reflejada en su obra literaria y filosófica.Sartre estudió en la École Normale Supérieure, una prestigiosa institución en la que compartió su tiempo con otros grandes pensadores de la época. Allí conoció a Simone de Beauvoir, quien se convertiría en su compañera de vida y en una influencia clave en su pensamiento, aunque mantuvieron una relación abierta poco convencional para la época. Sartre y Beauvoir no solo compartieron un vínculo romántico, sino que también desarrollaron un diálogo filosófico constante. Aunque nunca se casaron ni vivieron juntos, mantuvieron una colaboración intelectual profunda y mutuamente estimulante a lo largo de sus vidas. Beauvoir, con su agudo pensamiento feminista y existencialista, influyó en Sartre y viceversa, creando una de las alianzas filosóficas más fructíferas del siglo.Uno de los episodios fundamentales en la vida de Sartre fue su servicio militar en 1939 durante la Segunda Guerra Mundial, cuando fue capturado por los alemanes y pasó casi un año como prisionero de guerra. Durante su cautiverio, Sartre continuó escribiendo y reflexionando, y fue en esta época cuando desarrolló muchas de las ideas que darían forma a su pensamiento existencialista. Una vez liberado, se involucró activamente en la resistencia francesa contra el nazismo y, tras la guerra, se dedicó a criticar duramente las injusticias políticas y sociales de su tiempo.Inspirado por filósofos como Edmund Husserl y Martin Heidegger, Sartre desarrolló su propia corriente filosófica, el existencialismo, que planteaba que el ser humano está condenado a ser libre. En su obra seminal El ser y la nada (1943), Sartre explora la noción de que la existencia precede a la esencia, es decir, que los seres humanos no están definidos por una naturaleza predeterminada, sino que deben crear su propio significado a través de sus elecciones y acciones. Esta idea revolucionaria resonó fuertemente en una Europa devastada por la guerra, que buscaba reconstruir no solo ciudades, sino también valores humanos.Otro de los aspectos cruciales de su pensamiento fue el concepto de la "mala fe", que describe cómo las personas se engañan a sí mismas para evitar enfrentar la angustia de la libertad absoluta. Sartre argumentaba que las personas a menudo adoptan roles sociales o normas predefinidas para evitar la responsabilidad de sus propias decisiones, negando así su libertad fundamental. Esta idea fue ilustrada en su famosa obra de teatro A puerta cerrada (1944), donde tres personajes se enfrentan al infierno de la condena mutua en un espacio cerrado, sin escapatoria física o emocional.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.A pesar de su éxito literario y filosófico, Sartre fue un hombre de acción, comprometido con las luchas políticas de su tiempo. Fue un crítico vocal del colonialismo, apoyando movimientos de independencia en países como Argelia y Vietnam. Sus opiniones políticas lo llevaron a unirse al Partido Comunista durante un tiempo, aunque más tarde lo abandonaría por diferencias ideológicas. Sartre mantuvo una postura política cercana al marxismo, pero siempre defendiendo la autonomía del individuo.Algunas de sus obras más destacadas incluyen la novela La náusea (1938), donde el protagonista, Antoine Roquentin, experimenta una repulsión existencial hacia la banalidad de la vida cotidiana, reflejando las ideas filosóficas que Sartre desarrollaría más tarde en su obra filosófica. También es conocido por sus escritos en El existencialismo es un humanismo (1946), donde defendió su filosofía de las críticas, argumentando que la libertad humana, lejos de ser nihilista, implicaba una responsabilidad ética hacia los demás.La relación entre Sartre y Simone de Beauvoir fue igualmente fundamental para su producción intelectual. Ambos compartieron una visión del amor y de la vida que rompía con las convenciones sociales de la época. Su relación, a menudo descrita como una "relación necesaria", les permitió explorar sus identidades como individuos sin las limitaciones de la monogamia tradicional. Sartre alentaba a Beauvoir a explorar su propio pensamiento, y ella, con obras como El segundo sexo (1949), se convirtió en una de las voces más importantes del feminismo del siglo XX. Ambos compartían la idea de que la libertad es el valor supremo, y que los seres humanos están constantemente obligados a confrontar las limitaciones de sus elecciones.Jean-Paul Sartre recibió el Premio Nobel de Literatura en 1964, pero lo rechazó, argumentando que no deseaba ser "institucionalizado" ni reconocido por una autoridad que él consideraba burguesa y conservadora. Este gesto fue coherente con su vida de compromiso radical y rechazo a las jerarquías establecidas.Sartre murió el 15 de abril de 1980 en París, dejando un legado que continúa siendo estudiado y debatido. Su pensamiento sigue influyendo en diversas disciplinas, desde la filosofía hasta la literatura, la psicología y las ciencias sociales. Su vida fue una constante interrogación sobre la libertad, la responsabilidad y la autenticidad, y su obra un espejo de las tensiones de su tiempo, tanto políticas como existenciales.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El próximo 5 de mayo se llevará a cabo la nueva edición de la MET Gala, el evento de moda más importante de Nueva York y que es organizado por el Costume Institute para recoger fondos para el Museo Metropolitano de Arte.La MET Gala recibe a las celebridades y caras famosas de la moda en una noche que celebra el lujo y la importancia de la moda en la historia. Se rumora que cada puesto en la fiesta está entre los 75.000 dólares.¿Cuál es el tema de la MET Gala 2025?El tema central de la nueva edición será “Superfine: Tailoring Black Style”, el dandinismo negro, esta es la segunda exposición del MET que se realiza en torno a la moda masculina desde el 2003.“El espectáculo se inspira en el libro de Monica Miller «Slaves to Fashion: Black Dandyism and the Styling of Black Diasporic Identity», publicado en el 2009, en el que establece el dandismo negro como una construcción estética y política”, escribió el Museo del MET en su cuenta de Instagram.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Esta gala explorará la visión del dandi negro desde el siglo XVIII hasta la actualidad. Por esta razón los anfitriones serán: Pharrell Williams, Colman Domingo, ASAP Rocky, Lewis Hamilton y, como siempre, Anna Wintour, la jefa de redacción de la revista Vogue.La gala pasada estuvo dedicada a las “Bellas durmientes”, esas piezas de alta costura que se guardan en las casas de diseño y en los museos junto al homenaje del relato “El jardín del tiempo”, del escritor J.G. Ballard.Se espera que para la nueva edición de la MET Gala, los asistentes decidan atreverse a salir de su zona de confort utilizando atuendos que hagan alusión al tema y que le den un vuelco a la moda masculina tradicional, también que decidan colaborar con diseñadores afro como lo hizo el piloto de Fórmula 1, Lewis Hamilton, el año pasado.El evento se realizará el primer lunes de mayo como es costumbre y será transmitido por la página web y el canal de Youtube de la revista Vogue.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.