'Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España' se podrá ver entre junio y septiembre de este año y contará con unas 70 obras, la mayoría procedentes de España y México, según explicó este jueves el Prado en un comunicado.La exposición estará comisariada por dos expertos mexicanos: Jaime Cuadriello, profesor de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, y Paula Mues, profesora de la Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía del Instituto Nacional de Antropología e Historia de México.La imagen de la Virgen de Guadalupe se difundió masivamente entre 1650 y 1790 y se convirtió en un símbolo religioso clave en España, Italia, Filipinas y América Latina, señala el museo en una nota.Su imagen milagrosa, con su belleza y técnica, sirvió como "prueba del favor divino hacia los habitantes de la Nueva España" y durante años fue una de las imágenes más reproducida y copiada por artistas novohispanos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."La exposición explora su circulación en España, el impulso del culto en la Edad Moderna -añade la pinacoteca-, las relaciones entre la Virgen de Guadalupe de Extremadura y la mexicana, y el papel de los artistas en su difusión".'Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España' sigue la senda iniciada por el museo en 2021 con 'Tornaviaje', una exposición que ponía el foco en el arte realizado en América Latina.La muestra forma parte de la programación del museo para 2025, anunciada hoy y que contará con exposiciones de El Greco, Veronés y Rafael Mengs.El Prado batió el año pasado su récord histórico de visitantes, con 3,45 millones de personas, un 6,6% más que en 2023.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El público podrá disfrutar de las adaptaciones de tres obras icónicas: Crimen y castigo de Fiódor Dostoyevski, La gaviota de Antón Chéjov y El inspector de Nikolái Gógol. Todas las versiones han sido adaptadas por el director Ricardo Camacho y prometen una experiencia teatral inolvidable.La temporada se llevará a cabo de jueves a sábado en la sede centro del Teatro Libre (Calle 12B N.º 2-44, Bogotá), con funciones los jueves y viernes a las 8:00 p. m., y los sábados en doble jornada a las 5:00 p. m. y 8:00 p. m. "Crimen y castigo": un viaje al abismo de la moralEsta obra, una de las más emblemáticas de Dostoyevski, narra la historia de Raskolnikov, un joven estudiante que asesina a una usurera con la intención de justificar el crimen como un acto necesario. La adaptación pone el foco en tres personajes clave: el atormentado Raskolnikov, la noble Sonia, y el perspicaz inspector que sigue sus pasos. Una exploración profunda de los dilemas éticos, religiosos y sociales que desafían los límites de la conciencia humana.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí. "La gaviota": el drama del amor y el arteEn esta obra de Chéjov, los sueños, las frustraciones y los enredos amorosos de los protagonistas se entrelazan en un contexto marcado por la decadencia y los cambios de la Rusia prerrevolucionaria. Los conflictos entre Irina Arkádina, actriz consagrada; Nina, una joven con aspiraciones artísticas; Konstantin, dramaturgo en ciernes; y Trigorin, un escritor de renombre, forman el núcleo de una historia donde el amor y el arte se entrecruzan con la ironía y la sutileza típicas de Chéjov. "El inspector": una sátira atemporalEscrita por Gógol en 1836, esta comedia satírica relata el revuelo en una pequeña ciudad ante la llegada de un supuesto inspector del gobierno. Los funcionarios, presos del miedo, se apresuran a sobornar y adular al visitante, mientras exponen sus propias corrupciones y mezquindades. Aunque inicialmente polémica, la obra se ha consolidado como un clásico universal por su aguda crítica a las estructuras de poder.La temporada contará con el talento de los actores de la Compañía del Teatro Libre, que darán vida a estos personajes complejos y universales. Para más información sobre boletería y horarios, visite la página oficial del Teatro Libre.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Galaktiónova fue designada directora del Museo de Bellas Artes Pushkin”, indicó el Museo de Bellas Artes Pushkinen en un comunicado publicado el día de hoy. La nueva directora, graduada de la Academia de Pintura Glazunov de Moscú y de la Academia de Arte Teatral de Rusia, encabezó entre 2009 y 2021 los estudios cinematográficos Galáktica y organizó un gran número de exposiciones de gran envergadura en el museo ROSIZO. Su designación, también anunciada en Telegram por la ministra de Cultura de Rusia, Olga Liubímova, pone fin a la breve estancia del Lijachova, quien asumió el cargo hace apenas dos años, tras la dimisión de su antecesora, Marina Loshak, que condenó la guerra en Ucrania. Aunque oficialmente no se explica la remoción de Lijachova, varios medios la vinculan a su crítica al cierre temporal del museo de la historia del GULAG en noviembre pasado, con la excusa de que infringía las medidas antiicendios, y su activo rechazo a la entrega del célebre ícono de la Trinidad, de Andréi Rubliov, a la Iglesia Ortodoxa rusa. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El museo de la historia del GULAG, que recibió en 2021 un premio del Consejo de Europa, entre otros motivos por mantener viva la memoria de las represiones estalinistas, era una de las últimas instituciones independientes vinculadas con la sociedad civil que aún operan en este país.A su vez, el destino de la Trinidad de Rubliov, atesorada por la Galería Tretiakov y reclamada por la Iglesia, fue objeto de acaloradas polémicas en al ámbito cultural, hasta que las autoridades religiosas hicieron valer su influencia en el Kremlin y ganaron la batalla por su custodia. En aquella ocasión Lijachova alertó que el ícono, un importante símbolo del patrimonio cultural ruso, “podría perderse o caerse en pedazos” si no recibía el tratamiento y la conservación museológicas adecuadas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La que fuera esposa del famoso actor y director fallecido en 1989, será recordada, entre otras muchas cosas, por interpretaciones en cintas como 'Las crónicas de Spiderwick' (2008), 'Daniel el travieso' (1993) o 'Enchanted April' (1991)Su actuación en 'Stalin' (1992) le reportó un Globo de Oro a mejor actriz de reparto y en 'Enchanted April' también recibió una nominación.Plowright, que también obtuvo un papel protagonista en 'Love You To Death', junto con River Phoenix, destacó en los escenarios teatrales del West End londinense y el neoyorquino Broadway antes de alcanzar un éxito más internacional.Según reveló hoy su familia en un comunicado, la actriz "falleció en paz el 16 de enero rodeada de sus familiares en Denville Hall (residencia para artistas) a la gloriosa edad de 95 años".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Su brillante carrera será recordada por muchos, y su maravilloso ser siempre será celebrado por sus hijos, Richard, Tamsin y Julie-Kate, sus familias y los muchos amigos de Joan", apuntó la nota.La boda de Plowright con 'lord' Olivier en 1961 fue la sensación del año y su matrimonio duró hasta el fallecimiento del actor en 1989 con 82 años.Anteriormente, estuvo casada con Roger Leonard Gage (desde 1953 a 1960).🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Su obra visual, al igual que sus películas, se caracteriza por una exploración profunda de lo surrealista y lo onírico, creando universos que desafían las percepciones convencionales.Pintura y DibujoAntes de incursionar en el cine, Lynch se formó como pintor en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania. Su pasión por la pintura nunca disminuyó; a lo largo de su vida, continuó creando obras que reflejan su visión única del mundo. Sus pinturas suelen presentar paisajes urbanos desolados, figuras distorsionadas y una paleta de colores oscuros, evocando sensaciones de inquietud y misterio. Estas obras han sido exhibidas en galerías de renombre internacional, consolidando su reputación en el mundo del arte contemporáneo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.EsculturaLa escultura fue otra de las disciplinas en las que Lynch dejó su impronta. Sus esculturas, al igual que sus pinturas, exploran temas de transformación y dualidad. Utilizando materiales diversos, creó piezas que invitan al espectador a cuestionar la realidad y a sumergirse en su particular universo creativo.Fotografía y MúsicaAdemás de la pintura y la escultura, Lynch incursionó en la fotografía, capturando imágenes que reflejan su fascinación por lo extraño y lo desconocido. Publicó varios libros de fotografía que muestran su habilidad para encontrar belleza en lo mundano y lo perturbador. En el ámbito musical, lanzó álbumes que combinan elementos de rock, blues y música electrónica, demostrando su versatilidad y constante búsqueda de nuevas formas de expresión.Legado ArtísticoLa obra plástica de David Lynch complementa y enriquece su legado cinematográfico. A través de sus pinturas, esculturas y fotografías, ofreció una visión coherente de su mundo interior, permitiendo a sus seguidores apreciar las múltiples facetas de su creatividad. Su influencia perdura en artistas contemporáneos que encuentran en su trabajo una fuente de inspiración para explorar los límites de la percepción y la realidad.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Las cintas de Audiard y Corbet compiten por el premio Darryl F. Zanuck a mejor productor de películas de cine junto a 'Anora' de Sean Baker; 'Conclave' de Edward Berger; 'Wicked' de Jon M. Chu; 'Dune: Part Two' de Denis Villeneuve; 'A Complete Unknown' de James Mangold, la comedia 'A Real Pain' de Jesse Eisenberg; 'The Substance' de Coralie Fargeat; y 'September 5', de Tim Felbaum.El premio al productor destacado de películas animadas lo disputarán la cinta muda 'Flow'; el éxito de Pixar 'Inside Out 2'; la segunda parte de la historia de la guerrera polinesia 'Moana 2', la comedia británica 'Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl' y la emotiva 'The Wild Robot'.En el ámbito televisivo, el premio Norman Felton al productor destacado en serie de drama lo competirán las series 'Bad Sisters', 'The Diplomat', 'Fallout', 'Shogun' y 'Slow Horses'.Mientras que el premio Danny Thomas a serie de comedia tiene como contendientes a 'Abbott Elementary'; 'The Bear'; 'Curb Your Enthusiasm'; 'Hacks' y 'Only Murders in the Building'.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El éxito de Netflix 'Baby Reindeer'; 'FEUD: Capote Vs. The Swans'; 'The Penguin'; 'Ripley'; y 'True Detective: Night Country', buscarán alzarse con el premio al productor destacado en una miniserie o de antología, David L. Wolper.La lista de los nominados se publicó este jueves después de que los organizadores cambiasen la fecha hasta en dos ocasiones debido a los devastadores incendios forestales de Los Ángeles, que se mantienen activos y que han cobrado la vida de al menos 25 personas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Un artista integral, que exploró la música, la fotografía y la pintura, y que encontró en el cine y la televisión los medios para dar a conocer al mundo un estilo estético, perturbador y atrapante. David Lynch es considerado uno de los cineastas más influyentes de la historia, nominado tres veces al premio Óscar a Mejor director y merecedor de este premio honorífico en el año 2000.Las obras de Lynch se caracterizan por ser impactantes visualmente y porque en sus películas el sonido es un personaje más, trascendental para llevar la tensión y el misterio a su punto más alto en sus historias.El trabajo del estadounidense desafió la lógica convencional del tiempo y el espacio en sus historias e hizo de lo ambiguo y lo simbólico parte de su sello artístico. Lynch inspiró a cineastas como Quentin Tarantino, Darren Aronofsky, Denis Villeneuve y Yorgos Lanthimos.A continuación le contamos sobre algunas de las películas más representativas de Lynch:💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.‘Cabeza borradora’ (‘Eraserhead’) - 1977Esta película de terror y fantasía es la ópera prima de David Lynch, y una de sus obras más icónicas. Es una obra influyente en la historia del cine, experimental y profundamente surrealista que se ha convertido en un clásico de culto.La historia que narra gira en torno a Henry Spencer (interpretado por Jack Nance), un hombre tímido y reservado que vive en un entorno urbano industrial y opresivo. Henry se entera de que su novia, Mary X, ha dado a luz a un bebé que es impresionantemente deforme y que podría no ser completamente humano.Lo más representativo de la película llega con las imágenes oníricas y perturbadoras que exploran la psique de Henry, sus miedos, sus deseos reprimidos y su aislamiento existencial tras quedarse al cuidado de la criatura.El impacto de la cinta, por ejemplo, se evidencia en la anécdota del también cineasta Stanley Kubrick, quien le mostró a su elenco de El resplandor para inspirarlos.‘El hombre elefante’ (‘The Elephant Man’) - 1980Con un elenco encabezado por John Hurt y Anthony Hopkins, Lynch se inspiró en la historia real de Joseph Merrick, un joven inglés que vivió con terribles malformaciones que lo llevaron a ser conocido como ‘el hombre elefante’.La conmovedora historia cuenta cómo Merrick es explotado como una atracción de feria a causa de sus deformidades y posteriormente rescatado de las deplorables condiciones en las que vivía por el doctor Frederick Treves, un cirujano que lo lleva al Hospital de Londres.A medida que Treves cuida de Merrick, descubre que detrás de su apariencia grotesca se esconde un hombre profundamente sensible, inteligente y con un alma noble. La película muestra los esfuerzos de Merrick por encontrar dignidad y aceptación en una sociedad que lo juzga por su apariencia.Pese a no ganar ninguna estatuilla, esta historia fue nominada a ocho premios Óscar y consolidó a Lynch en la industria cinematográfica.‘Terciopelo azul’ (‘Blue Velvet’) - 1986Esta es una de las obras más emblemáticas y polémicas de David Lynch. Con una mezcla de misterio, surrealismo, erotismo y violencia, Terciopelo azul es un thriller psicológico que desentraña el lado oculto de la aparente normalidad.La película se desarrolla en el pequeño pueblo ficticio de Lumberton, que parece tranquilo y perfecto en la superficie. Sin embargo, la historia revela que bajo esa fachada idílica se esconden secretos oscuros y perturbadores.La trama comienza cuando Jeffrey Beaumont (interpretado por Kyle MacLachlan), un joven universitario, regresa a su ciudad natal después de que su padre sufre un colapso. Mientras pasea cerca de un terreno baldío, Jeffrey encuentra una oreja humana cortada en el suelo. Intrigado, lleva la oreja a la policía, pero decide investigar por su cuenta.‘Sueños, misterios y secretos’ (‘Mulholland Drive’) - 2001En 2001 se estrenó una de las mejores y más enigmáticas películas de Lynch, aclamada por su mezcla de misterio, surrealismo y exploración psicológica. Esta es la historia de Betty Elms (interpretada por Naomi Watts), una joven actriz llena de optimismo que llega a Los Ángeles con la esperanza de triunfar en Hollywood.Al llegar al apartamento de su tía, encuentra a una mujer amnésica (interpretada por Laura Harring) escondida allí. La mujer adopta el nombre de Rita, inspirado en un póster de Gilda, mientras intenta recordar quién es y qué le sucedió.‘Imperio’ (‘Inland Empire’) - 2006El último largometraje dirigido por Lynch es considerado como el más desafiante y complejo de su trayectoria, tanto en su narrativa como en su estilo visual, y representa una culminación de muchas de las obsesiones artísticas de Lynch. Fue filmada íntegramente en formato digital y es conocida por su estructura no lineal, sus imágenes oníricas y su atmósfera profundamente inquietante.Entre laberintos y saltos en el tiempo, la película sigue a Nikki Grace (interpretada por Laura Dern), una actriz que consigue el papel principal en una película titulada On High in Blue Tomorrows, dirigida por Kingsley Stewart (Jeremy Irons). Sin embargo, pronto descubre que el proyecto está maldito, ya que es un remake de una película polaca nunca terminada debido a los asesinatos de sus protagonistas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La obra de David Lynch se define por su habilidad para penetrar en los recovecos de la mente humana, explorando lo banal y lo grotesco con igual devoción. Desde el inicio de su carrera, quedó claro que su visión no se alineaba con ninguna norma establecida. "Eraserhead" (1977), su primer largometraje, no fue solo una carta de presentación, sino una declaración de principios: la realidad es maleable, y el cine es el medio ideal para desentrañarla. En su relato de pesadilla industrial, Lynch reveló una preocupación recurrente: la tensión entre el orden superficial y el caos latente que lo subyace.Lynch nunca abandonó esa obsesión. En "Blue Velvet" (1986), expuso el señuelo engañoso de los suburbios estadounidenses, donde un oído amputado yacía entre la hierba, invitando a una espiral de violencia y deseo. Este contraste entre la fachada pública y los secretos oscuros se convertiría en una de las marcas registradas de su estilo. La sutileza con la que Lynch mezcla la nostalgia por una América idealizada con una crítica feroz a sus cimientos hipócritas es uno de los aspectos que lo elevan al panteón de los grandes cineastas.Cine como Lenguaje OníricoEl cine de Lynch, sin embargo, no se limita a lo narrativo. Más que contar historias, crea estados de ánimo, atmósferas que parecen provenir de un sueño colectivo. Su obra maestra "Mulholland Drive" (2001) es el epítome de este enfoque: una película que seduce con una narrativa aparente solo para desmoronarla y revelar un abismo de identidades fracturadas y deseos insatisfechos. En "Inland Empire" (2006), su último largometraje en celuloide, llevó este principio a su lógica extrema, desdibujando completamente los límites entre el sujeto y su entorno, entre el sueño y la vigilia.Para Lynch, la experiencia cinematográfica no era meramente visual. Su colaboración con Angelo Badalamenti, cuyo trabajo musical dio forma a la ominosa belleza de "Twin Peaks", fue fundamental. La banda sonora de "Twin Peaks" no solo acompaña las imágenes; las transforma, sumergiendo al espectador en un espacio donde cada nota sugiere un misterio no resuelto.Más allá del cineAunque Lynch será recordado principalmente por sus películas, su creatividad era demasiado vasta para confinarse a una sola disciplina. Como pintor, exploró un estilo visceral y primitivo, donde las figuras humanas a menudo aparecían deformadas, como si fueran reflejos de un subconsciente atormentado. Sus esculturas y fotografías compartían esta fascinación por la decadencia y lo grotesco, revelando un artista profundamente comprometido con la materialidad del mundo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En sus últimos años, Lynch se dedicó también a la música, lanzando varios álbumes que combinaban sintetizadores etéreos con letras inquietantes. "Crazy Clown Time" (2011) es un ejemplo de su habilidad para trasladar su sensibilidad cinematográfica a un formato completamente diferente, mientras que "The Big Dream" (2013) reimagina el blues a través de un prisma surrealista.Su pasión por la meditación trascendental, que practicó desde los años setenta, también formó parte integral de su filosofía artística. Para Lynch, el arte era una forma de penetrar en las profundidades del ser, un vehículo para explorar lo desconocido. En su fundación, trabajó incansablemente para promover esta práctica, convencido de que el silencio interior era la clave para desbloquear la creatividad.Hablar de David Lynch es hablar de una paradoja. Era un cineasta profundamente estadounidense y, al mismo tiempo, universal en su alcance. Sus personajes, desde Laura Palmer hasta Henry Spencer, son emblemas de una humanidad fragmentada, atrapada entre lo cotidiano y lo extraordinario. Si el cine es un espejo que nos devuelve nuestras verdades más crudas, entonces Lynch fue el maestro que diseñó los espejos más perturbadores y bellos.En un mundo cada vez más obsesionado con respuestas claras y narrativas lineales, la obra de Lynch nos recuerda el poder de lo ambiguo, de lo irresoluto. Su muerte marca una pérdida irreparable, pero su obra persiste como una invitación para que los artistas del futuro desafíen sus propios horizontes creativos.Lynch solía decir que sus películas no estaban destinadas a ser comprendidas, sino sentidas. Hoy, mientras reflexionamos sobre su vida y obra, nos queda precisamente eso: la sensación de haber sido testigos de algo único.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Nacido el 20 de enero de 1946, en Missoula (Montana, Estados Unidos), su infancia transcurrió en distintas ciudades debido a los constantes traslados de su padre, biólogo forestal. Cursó estudios de arte en el Corcoran School of Art de Washington, en el Boston Museum School y en el Pennsylvania Academy of Fine Arts.Después de realizar el cortometraje animado 'Six men getting sick' ('Seis hombres enfermos', 1967), con marcadas influencias del cómic y la ilustración, recibió una beca para cineastas independientes del American Film Institute que le permitió rodar 'The Alphabet' (1969) y 'The Grandmother' (1970) en 16 milímetros.En 1972, Lynch rodó su primer largometraje, 'Eraserhead' ('Cabeza borradora'), que fue estrenado en 1977 y por el que recibió grandes elogios de la crítica por su originalidad.'The Elephant Man' ('El hombre elefante', 1980), fue la película que le dio la fama, tuvo un gran éxito comercial y fue nominada a ocho Óscar -entre ellos a mejor dirección y guion-, aunque no ganó ninguno.Tras dirigir 'Dune' (1984), en 1986 estrenó 'Blue Velvet' ('Terciopelo azul'), protagonizada por Isabella Rossellini, con la que inició una relación sentimental que duró cinco años. Un trabajo por el que recibió su segunda nominación al Óscar como director. Con su siguiente filme, 'Wild at Heart' ('Corazón salvaje', 1990), obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes.Su trayectoria en televisión comenzó con la serie 'The cowboy and frenchman' (1989), a la que continuó su gran éxito 'Twin Peaks' (1989-1991), considerada como el producto más vanguardista y rupturista en la historia de la pequeña pantalla.Continuó en la televisión con 'On the air' (1992) y 'Hotel Room' (1993). Dos años después participó en la producción de 'Lumière y compañía' con motivo de la conmemoración del centenario de la primera proyección cinematográfica. Junto con directores de los cinco continentes realizó un plano secuencia de 52 segundos de duración en las mismas condiciones que los hermanos Lumière: sin sonido sincronizado, sin iluminación artificial y un máximo de tres tomas.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Con 'Lost Highway' ('Carretera perdida', 1997), Lynch exhibió un nuevo catálogo de imágenes turbadoras y siniestras que consolidarían su estilo personal. Dos años después, con 'The Straight Story' ('Una historia verdadera', 1999), abandonó un cine esteticista y obsesivo optando por una realización más sencilla y conmovedora.A comienzos del nuevo siglo, recupera la etapa inquietante del mejor 'Twin Peaks' con 'Mulholland Drive' (2001), por la que recibió su tercera y última nominación al Óscar a la mejor dirección, que tampoco ganó.Como director de largometrajes, su último trabajo fue 'Inland Empire' (2006). Desde entonces realizó múltiples cortometrajes vanguardistas y experimentales, además de vídeos musicales. En 2017 retomó la historia de 'Twin Peaks' veinticinco años después, para continuarla con una temporada más, esta vez con total libertad creativa, algo que no había tenido en el proyecto original.Debutó en el terreno musical en 2010, con dos canciones de su creación, 'Good Day Today' y 'I Know', que publicó un sello independiente del Reino Unido y tras el que le siguieron más trabajos musicales.En 2024 anunció el lanzamiento del álbum 'Cellophane Memories', junto a Chrystabell, en la que fue la tercera colaboración con la cantante. Apasionado de la pintura, expuso sus lienzos de gran formato con objetos inusuales en varias galerías estadounidenses y europeas.Presentó una colección de diseños en el Salone del Mobile de Milán (1997) y participó con una exposición fotográfica en el Certamen de Toulouse (2001). También trabajó en el mundo publicitario con firmas como Calvin Klein y dirigió numerosos videoclips para artistas como Michael Jackson, Donovan o Moby. Y colaboró durante los años ochenta en el periódico 'Los Angeles Reader' con la tira cómica denominada 'El perro más furioso del mundo', durante casi una década.Durante su trayectoria recibió multitud de premios, entre los que se encuentran un Óscar Honorífico en 2019. Y fue reconocido en festivales como Cannes, Venecia o Sitges (España).En 2024 hizo público que padecía un enfisema pulmonar y aunque declaró que no se retiraría "nunca" del cine, reconoció que no podía salir de casa, por lo que consideró poco probable que pudiera volver a dirigir. Además de su relación con Isabella Rossellini, Lynch se casó en cuatro ocasiones y tuvo cuatro hijos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En un panorama cinematográfico saturado de thrillers predecibles y repeticiones del género de terror, Asesino Serial emerge como un soplo de aire fresco. Dirigida por JT Mollner, esta obra se atreve a subvertir las convenciones del género con una propuesta estética y narrativa que seduce, confunde y desafía. Estrenada el 9 de enero de 2025 tras su debut en el Fantastic Fest 2023, la película promete quedar en la memoria de los espectadores por su audaz experimentación.Un relato en fragmentosNarrada en seis capítulos desordenados, la estructura de Asesino Serial es un rompecabezas que exige atención y esfuerzo intelectual. Cada pieza de la trama desvela un nuevo matiz de los personajes, llevando al público a reconstruir la historia desde perspectivas cambiantes. La trama gira en torno a La Dama (Willa Fitzgerald) y El Demonio (Kyle Gallner), cuyas identidades y motivaciones se desarrollan a través de encuentros que oscilan entre la seducción y el terror.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Mollner se asegura de que nada en la película sea lo que parece. "El público tiene que preguntarse: ¿Quién es esta mujer? ¿Qué la hace interesante?", declara el director. Esta ambigüedad convierte a La Dama en un personaje mucho más complejo que las víctimas arquetípicas del cine de terror.La fusión de lo visual y lo emocionalRodada en 35 mm, la fotografía de Giovanni Ribisi transforma cada escena en un cuadro vibrante. Colores intensos como el azul eléctrico y el rojo brillante no solo aportan un dramatismo visual, sino que también refuerzan el simbolismo emocional. Esta atención al detalle estético recuerda el legado de maestros como David Lynch y Brian De Palma, cuya influencia se siente en cada encuadre.La banda sonora, compuesta por Z Berg y el propio Mollner, es otro pilar fundamental de la experiencia sensorial de la película. Con melodías inquietantes y pasajes de un romanticismo oscuro, la música amplifica el estado de alienación y suspenso que impregna toda la narrativa.Las actuaciones como ancla emocionalFitzgerald, conocida por su trabajo en The Fall of the House of Usher, aporta una intensidad emocional que transita entre el miedo visceral y la determinación. Por su parte, Gallner, quien ha destacado en Sonríe y su secuela, encarna a un antagonista cuya complejidad supera al villano promedio del cine de terror. Juntos, crean una dinámica que mantiene al espectador al borde del asiento.El elenco de apoyo, con veteranos como Barbara Hershey y Ed Begley Jr., también aporta una capa adicional de riqueza al filme. Sus personajes, una pareja de hippies con tintes excéntricos, sirven como un contrapunto que oscila entre lo cómico y lo inquietante, ampliando la paleta tonal de la película.El terror como lenguaje de subversiónMás que una película de terror, Asesino Serial es una exploración de las obsesiones y los miedos humanos. Mollner, con su enfoque metódico y su compromiso con la originalidad, invita a los espectadores a cuestionar las narrativas tradicionales del género. La película no solo redefine cómo se cuenta una historia de asesinos seriales, sino que también desarma las expectativas del público, forzándolo a enfrentar sus propios prejuicios sobre el género.En un año que apenas comienza, Asesino Serial se posiciona como una de las obras más audaces y memorables del cine contemporáneo. Su combinación de narrativa, estética y actuaciones excepcionales asegura que esta película no sea solo un evento de temporada, sino un referente en la evolución del terror.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El calendario chino, con su intrincada danza de ciclos y animales sagrados, nos conduce en 2025 al año de la Serpiente. Este animal, el sexto del zodíaco chino, está envuelto en un simbolismo complejo que se extiende más allá de su asociación con la astucia o la astucia simplista que suele asignársele. En el contexto de las tradiciones chinas y más allá, la serpiente emerge como una figura profundamente ambigua: un puente entre los mundos terrenales y espirituales, un emblema de renovación, y un recordatorio del poder latente en lo desconocido.La Serpiente en el zodíaco chinoEl ciclo de doce años del calendario chino está basado en el sistema de ramas terrestres y troncos celestiales, que combinan elementos (madera, fuego, tierra, metal, agua) con los animales simbólicos. El año de la Serpiente, como corresponde en 2025 al elemento madera, se configura como un periodo de introspección, crecimiento y adaptabilidad. Las personas nacidas bajo este signo son consideradas pensadores profundos, que poseen una habilidad innata para percibir lo que subyace bajo la superficie de las cosas. La madera, además, enfatiza el desarrollo, las raíces y la conexión con la naturaleza.En la tradición china, la serpiente simboliza sabiduría y misterio. Lejos de la visión judeocristiana de la serpiente como tentadora, aquí se la respeta como una presencia intuitiva, capaz de iluminar los secretos del cosmos. Su energía se asocia con la elegancia y la discreción; su movimiento sinuoso, casi hipnótico, es una metáfora de la capacidad de adaptarse a los cambios inevitables de la vida.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Simbología de la serpiente: Un viaje a través de culturasLa serpiente como figura mitológicaEn muchas culturas, la serpiente ocupa un lugar prominente como símbolo de transformación. En la India, la figura del nāga, una deidad serpentina, se asocia tanto con la fertilidad como con la protección y la sabiduría. Los nāgas habitan en ríos y lagos, y su capacidad para deslizarse entre los mundos los convierte en mediadores entre lo humano y lo divino. De manera similar, en la mitología mesoamericana, la Serpiente Emplumada, conocida como Quetzalcóatl, encarna el conocimiento, el aliento vital y la renovación cíclica.En la tradición griega, encontramos a Asclepio, el dios de la medicina, cuya vara está entrelazada con una serpiente. Este ícono, que pervive en el caduceo usado por profesionales de la salud, subraya la relación entre la serpiente y la sanación. Aquí, la muda de piel del reptil simboliza el poder de la regeneración y el renacimiento.La serpiente en la Biblia y la narrativa cristianaSi bien el relato bíblico de la serpiente en el Jardín del Edén ha influido en su asociación negativa en Occidente, la tradición también incluye perspectivas matizadas. En el Éxodo, el bastón de Moisés, transformado en serpiente, es un instrumento de poder divino. Este contraste revela la dualidad inherente al símbolo: destructiva y redentora, peligrosa y protectora.La serpiente en el arte y el cineEl arte occidental ha jugado con la ambigüedad de la serpiente a lo largo de los siglos. En la obra de Gustav Klimt, "La medicina" (1901), una serpiente entrelazada con el cuerpo humano simboliza tanto el conocimiento como la mortalidad. Klimt captura la tensión entre lo sensual y lo espiritual que caracteriza a este reptil.En el cine, la serpiente se convierte en un personaje metafórico y literal. Pensemos en "El abrazo de la serpiente" (2015), dirigida por Ciro Guerra. Esta película colombiana narra el encuentro entre un chamán amazónico y dos exploradores occidentales, utilizando a la serpiente como metáfora de la sabiduría ancestral y la alienación cultural. La serpiente, en este caso, no está presente físicamente, pero impregna la narrativa con su simbología.En un registro distinto, "Kill Bill Vol. 2" (2004) de Quentin Tarantino presenta la "Mamba Negra" como una figura literal y simbólica de letalidad y astucia. El veneno de la mamba, una de las serpientes más mortíferas del mundo, refleja la naturaleza implacable de los personajes y sus motivaciones.Conexión moderna y espiritualEn la actualidad, la serpiente también es un emblema en la espiritualidad contemporánea. El concepto hindú de la energía Kundalini describe una fuerza serpentina enroscada en la base de la columna vertebral, que asciende a través de los chakras para alcanzar la iluminación. Este proceso alude al potencial dormido dentro de cada ser humano y la transformación que ocurre cuando se libera.En 2025, como año de la Serpiente, este simbolismo invita a una reflexión sobre los ciclos de cambio, el poder de la adaptación y la sabiduría que emerge al enfrentar lo desconocido. La serpiente, como guía y maestra, nos desafía a mirar más allá de las apariencias y a abrazar la ambigüedad como fuente de revelación.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Art Spiegelman, el autor del premiado cómic Maus, está trabajando en una nueva novela gráfica sobre el conflicto palestino-israelí y el genocidio en Gaza junto al escritor Joe Sacco quien lleva investigando este tema delde 1993. En noviembre de 2024 Spiegeman estuvo en la presentación del documental Art Spiegelman: Disaster is My Muse! sobre su vida y obra, realizado por Molly Bernstein y Philip Dolin, en este evento comentó acerca de este nuevo proyecto. “Terminaré esto o moriré en el intento. Nunca he tenido una lucha mayor dentro de mi cabeza”, anunció, añadió también que “mi superego dice: 'Tienes que hacerlo si quieres vivir contigo mismo', pero mi yo interior se cuestiona: '¿Quién quiere el dolor de ser cancelado por todo el planeta?'”.El artista ganó el Premio Pulitzer por Maus en el año 1992 y se ha convertido en un referente del periodismo investigativo llevado a la novela gráfica. Su obra estrella cuenta la historia de su padre judío polaco Vladek Spiegelman, quien sobrevivió al campo de concentración de Auschwitz-Birkenau.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Maus es la historia del Holocausto llevada al cómic con personjes animales, los judíos son ratones y los nazis son gatos. El cómic está contado en dos tiempos, el pasado y el presente con su protagonista envejecido y cargado de los traumas que deja la guerra. Por otro lado el artista Joe Sacco es conocido por sus trabajos de novela gráfica basados en la guerra en Bosnia en 1990 y sobre su investigación acerca de la situación en Gaza, desde enero de 2024 publica sus reportajes gráficos en The Comics Journal y su libro La guerra en Gaza fue publicado por la editorial Reservoir Books.El documental sobre la vida de Art Spiegelman se estrenará este 2025 a nivel mundial. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La organización con sede en Nueva York, que este año celebra su aniversario número 60, señala que debido al auge de los viajes y el turismo espacial es imperativo proteger el legado del hombre en la Luna iniciado en 1969 con el Apolo XI de la NASA."A medida que comienza una nueva era de exploración espacial, se requiere la colaboración internacional para proteger los restos físicos de los primeros alunizajes y preservar estos símbolos perdurables de los logros humanos colectivos", señala WMF.Entre los 25 monumentos incluidos en la lista de 2025 por enfrentar importantes desafíos, como el cambio climático, el turismo, los conflictos y los desastres naturales, y que necesitan protección están las ruinas del pueblo español de Belchite (Aragón), arrasado en la Guerra Civil (1936-1939) y abandonado durante décadas, y el tejido urbano histórico de Gaza (Palestina), objeto de una "destrucción sin precedentes" a causa de la guerra de Israel contra Hamás."La inclusión del tejido urbano histórico de Gaza en el World Monuments Watch de 2025 llama la atención sobre la terrible situación que enfrenta este patrimonio y la rica historia y cultura de Gaza", dice la organización.WMF condena "los ataques a sitios culturales en tiempos de conflicto y enfatiza la necesidad crítica de preparar esfuerzos de recuperación posteriores al alto el fuego que se centren en restaurar un sentido de continuidad para una comunidad que ha sufrido una pérdida inmensa".En cuanto a Belchite, dice que las estructuras que quedan en el casco antiguo del pueblo "necesitan una conservación urgente". "El lugar fue protegido con una valla y se abrió a visitas guiadas en 2013, pero muchas estructuras de gran importancia histórica y arquitectónica se enfrentan a un colapso inminente. Al ritmo actual de deterioro, se estima que en 20 años habrán desaparecido los monumentos y el carácter más notables de la ciudad", subraya WMF.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En América Latina WMF pide atención para el Qhapaq Ñan, una red de caminos prehispánica que discurre por partes de lo que hoy son Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador y Perú y converge en Cuzco ( Perú).Más de 616 kilómetros y 308 sitios arqueológicos de la red han sido inscritos en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO como Itinerario Cultural de Importancia Transnacional, pero la red enfrenta, "junto con las presiones del desarrollo, los desafíos ambientales y los patrones climáticos cambiantes", "una degradación acelerada".World Monuments Watch aboga por "un enfoque holístico, inclusivo y centrado en la comunidad para gestionar y preservar el Qhapaq Ñan".También forma parte de la lista los campos del Waru Waru, un sistema agrícola ancestral en Perú, una sala de cine modernista en Angola, La Capilla de la Sorbona de París, los faros de Maine (EE.UU.), las figuras de Terracota de Alcobaca (Portugal), un monasterio budista en Mongolia y los sitios judíos del Atlas en Marruecos, entre otros.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El espacio, que es "anexo a una sala de banquetes", emergió de las excavaciones en curso en la llamada Ínsula 10 del área Regio IX de Pompeya y revela muestras de la opulencia de quién poseía el lugar hace dos milenios, informó este viernes el Parque Arqueológico del yacimiento.Según su director, Gabriel Zuchtriegel, se trata de "un ejemplo de cómo la 'domus romana' sirvió de escenario para el espectáculo artístico y cultural que el propietario montaba para ganar votos y congraciarse con la buena voluntad de los invitados".Destacan además las pinturas de los muros, "con temas de la guerra de Troya" o representaciones de atletas, unos elementos que buscaban exponer un ambiente "de cultura, erudición y ocio". También hay una sala con las paredes recubiertas de negro, "que debía transportar a los invitados a un gran palacio griego", otro elemento de opulencia.Hasta ahora, este es "uno de los lugares de mayor dimensión y más articulados entre los espacios termales privados jamás conocidos en Pompeya", resalta el Parque Arqueológico en una nota.El complejo perteneció "a algún personaje importante de la sociedad local" que integró la élite de la ciudad y que, dada su posición, disponía de "un espacio para acoger a numerosas personas, a las que poder ofrecer ricos banquetes y la oportunidad de bañarse y relajarse"."Se trata de una casa propia con espacios enormes para celebrar banquetes. Estos tenían la función de crear consenso, de promover una campaña electoral, de cerrar negocios", señala Zuchtriegel.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.A estos eventos solían asistir también "personas más humildes" a las que el poderoso mostraba su riqueza y les ofrecía "hacer un buen tratamiento en las aguas termales de la casa", en el que "sería probablemente el complejo termal más grande en una vivienda de Pompeya", añade el director."Era habitual que primero se realizase el baño y después el banquete, todo en el complejo de la misma casa, donde hay espacio para una treintena de personas", detalla el director, que asegura que el espacio termal disponía de todas las estructuras necesarias.Los baños estaban compuestos por el 'calidarium', 'tepidarium' y 'frigidarium' (sala caliente, templada y fría), y la casa también incorporaba una cámara frigorífica con un gran patio porticado en cuyo centro se situaba un gran estanque."Todo funcionaba en torno a la puesta en escena de un 'espectáculo', en cuyo centro estaba el propio propietario", concluye Zuchtriegel.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Para comprender por qué La Escombrera es tan importante en el esclarecimiento de casos de desaparición forzada y por qué las muestras artísticas que honran a las víctimas no deben ser censuradas hay que remitirnos a finales de los años noventa.Al occidente de la capital antioqueña está ubicada la Comuna 13 y al noroccidente del ahora famoso mirador de la comuna está ubicada la La Escombrera, que por años fue el tiradero de escombros, concreto y basura de construcción de la ciudad. Volquetas iban y venían con frecuencia a este lugar mientras la comuna atravesaba una ola de violencia solo comparable con la que sufrió entre finales de los años ochenta e inicios de los noventa a causa del narcotráfico.La Comuna 13 fue desde 1998 un territorio en disputa entre grupos paramilitares, autodefensas y facciones urbanas de guerrillas, en el centro estaban los habitantes de los barrios, quienes fueron víctimas de amenazas, extorsiones, reclutamiento, desapariciones forzadas, torturas y asesinatos, entre muchos otros crímenes de guerra.En medio del fuego cruzado estaban los civiles, muchos jóvenes acusados de pertenecer a un bando u otro, acusaciones que como consecuencia tenían sus desapariciones. Las víctimas aún vivas eran llevadas a La Escombrera para ser torturados, en algunos casos, o sus cuerpos ya sin vida eran arrojados en este lugar para que sus restos se perdieran entre montañas de escombros.Así lo confesaron exparamilitares, “quienes decidieron revelar los sitios usados para arrojar los cuerpos de sus víctimas como reparación y verdad en sus procesos penales de la Ley de Justicia y Paz”, según documentó la Unidad de Víctimas en un reportaje publicado en 2015. Este texto además cuenta que las personas que fueron sacadas de locales, casas y calles fueron llevados a este lugar y a la arenera para ser asesinados “por orden de jefes paramilitares como alias de ‘King Kong’ y el ‘Negro Elkin’”.El recrudecimiento de la violencia en la comuna fue tal que según los registros de la Unidad de Búsqueda de personas dadas por desaparecidas hay alrededor de 502 personas desaparecidas durante la década del 2000, una cifra que llega a 5.912 víctimas en toda la ciudad.En el 2002, “las Milicias Bolivarianas de las FARC, el ELN y los Comandos Armados del Pueblo prohibieron el ingreso de personas ajenas al barrio, incluyendo a las instituciones gubernamentales o no gubernamentales”, según registra el libro La huella invisible de la guerra. Desplazamiento Forzado en la Comuna 13, con el objetivo de bloquear la presencia paramilitar.Esta acción en los meses siguientes tuvo como resultado constantes enfrentamientos entre los grupos guerrilleros y los paramilitares del Bloque Cacique Nutibara (BCN) y el Bloque Metro.En ese contexto llegó el punto álgido de la violencia en la Comuna 13 que tuvo lugar el 16 de octubre de 2022 cuando inició la intervención armada de la comuna a manos de más de 1.500 efectivos de la fuerza pública acompañados de uniformados encapuchados y armados. Hasta ahora, ha sido la irrupción en espacio urbano más grande en la historia del conflicto y se extendió hasta diciembre de ese año.La Operación Orión, como se nombró esa intervención armada que pretendía mermar las acciones de la guerrilla en la zona, dejó como resultado desplazamientos forzados, 1 muerto, 38 heridos y 8 desaparecidos entre la población civil, de acuerdo con el Centro Nacional de Memoria Histórica.Después del 16 y 17 de octubre, la presencia armada continuó con al menos 150 allanamientos y señalamientos a la población de pertenecer a algún grupo armado, hechos en los que además se cometieron ejecuciones extrajudiciales y desapariciones forzadas, de acuerdo con informe de la Comisión de la Verdad entregado en 2022.Entre señalamientos, torturas y asesinatos los conductores de los escombros que iban hacia La Escombrera “fueron obligados, bajo amenaza de muerte, para que también cargaran con los cuerpos y así asegurarse que quedaran sepultados cada vez más profundo”, reza el documento de la Unidad de Víctimas. Fue así como La Escombrera se convirtió en una “fosa común a cielo abierto”.Las buscadoras y los primeros hallazgos en La EscombreraDesde el inicio de las desapariciones las madres de las víctimas han señalado a La Escombrera como el paradero de los cuerpos de sus familiares y en una lucha incansable han recurrido al Estado y organizaciones de Derechos Humanos para buscar a sus seres queridos.En 2015, por ejemplo, se llevó a cabo una ceremonia ritual el 27 de julio a la que asistieron familiares de desaparecidos entre 1998 y 2004 para abrir el camino a las excavaciones e investigaciones en la zona aledaña a ese vertedero, tras las declaraciones de ‘Móvil 8’, un exparamilitar.En medio de voluntades políticas inexistentes, tuvieron que pasar 22 años para que las excavaciones en La Escombrera se realizarán con efectividad y el 18 de diciembre de 2024 se anunciaran los primeros hallazgos de restos humanos como desde hace años las familiares habían señalado.“En el marco de las medidas cautelares de protección de lugares de inhumación que adelanta la Sección para Casos de Ausencia de Reconocimiento de la JEP, en plena coordinación con la Unidad de Búsqueda de Personas dadas por Desaparecidas, fueron halladas las primeras estructuras óseas que podrían corresponder a personas desaparecidas en el contexto del conflicto armado en La Escombrera de la Comuna 13 de Medellín”, anunció la UBPD.Ahora dichos restos están en proceso de ser identificados, al mismo tiempo que el 10 de enero de este año la misma entidad informó del hallazgo de restos que corresponden a dos cuerpos.De estos hallazgos, anunciados hace más de dos décadas por las mujeres buscadoras surgió “Las cuchas tienen razón”, la frase emblemática que hace referencia al clamor por justicia y verdad de las madres, familiares e hijas de los desaparecidos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En septiembre de 2023 Diana Díaz Soto asumió la dirección de Audiovisuales, Cine y Medios Interactivos (DACMI) con la misión de promover la riqueza cultural del país a través de los medios audiovisuales y las nuevas tecnologías. Su gestión se ha visto mediada por su experiencia previa, también vinculada al sector, desde la docencia, el trabajo en medios y antes de asumir este rol, como representante de los directores ante el Consejo Nacional de las Artes y la Cultura en Cinematografía.En esta conversación, Soto hace un repaso por sus meses de gestión, que incluyen entre otros, la puesta en marcha de una propuesta para el fortalecimiento de la Ley General de Cultura que se espera transite la próxima legislatura en el Congreso y programas de fortalecimiento de la producción sonora y audiovisual del país. ¿Cómo se está pensado la Dirección de Audiovisuales, Cine y Medios Interactivos (DACMI) de cara al recorte presupuestal que tendrá el MinCulturas en el 2025?Son varios aspectos, por un lado no tenemos una cifra definitiva con respecto al presupuesto que tenemos asignado y eso es importante tenerlo claro. Un asunto es el presupuesto indicativo que el Gobierno pasó al Congreso, donde una parte no fue aprobada por el hundimiento de la Ley de Financiamiento; sin embargo, ya salió el decreto del Presidente con respecto al presupuesto y ahí hay una cifra que es como con la que nosotros planeamos y que está por la mitad de lo que tuvimos este año.¿De cuánto fue el presupuesto en 2024 y cuál sería el prospecto para la dirección en 2025?En 2024 como DACMI tuvimos 26 mil millones de pesos y en 2025 ese presupuesto indicativo está por cerca de la mitad. Sabíamos que el 2024 iba a ser un año excepcional y que en 2025 íbamos a seguir como una dinámica muy similar a lo que se venía trabajando desde antes, pero con esta circunstancia de la Ley de Financiamiento no tenemos en este momento una cifra confirmada.Sin embargo, lo que sabemos es que eso nos va a implicar unos esfuerzos mayores por hacer procesos de gestión importantes con otras entidades del orden nacional, del orden regional, con cooperación internacional con empresa privada, tanto como acompañar a los agentes del ecosistema en la consolidación de los procesos que se han venido trabajando durante el año y desde atrás también de una manera más fehaciente.Estas propuestas e iniciativas también tienen que lograr supervivir esté o no esté el Gobierno Nacional, podemos acompañarles en un proceso de de fortalecimiento de sus propias iniciativas y modelos de gestión, es parte de lo que estamos teniendo en consideración.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí¿Cuál es el balance que hace de su gestión al frente del DACMI desde su llegada en septiembre de 2023?Ha sido una experiencia absolutamente fascinante, es un ecosistema que conozco bastante bien, conozco el mundo de la radio, de la televisión pública, conozco lo que significa la política pública cinematográfica, todo el ecosistema de los de los medios digitales o nuevos medios y lo conozco desde la barrera de la creación, de los medios públicos. Esto es interesante porque tengo una interlocución cercana con los agentes y un equipo de trabajo que viene haciendo una gestión desde hace muchos años muy comprometida, por ejemplo, con las radios comunitarias, con las televisiones públicas, con los creadores de contenido, con los productores de cine, con las salas de cine, iniciativas de circulación y exhibición.¿Cuáles han sido las principales banderas de su gestión?Las apuestas en el DACMI, en general, tienen que ver con distintas dimensiones: con las radios comunitarias nos parece importante fortalecerlas en sus principios más básicos alrededor de lo que significa gestionar y que una comunidad tenga una radio propia; eso implica acompañar las radios en el fortalecimiento de sus de sus programaciones y de sus procesos de participación de la comunidad, tanto como la identificación de distintos modelos de gestión para que sean sostenibles.También hemos venido trabajando en procesos de cocreación con algunos canales públicos alrededor de 'Resolvámoslo', una serie que se diseñó finalizando el 2023, cocreada con niñas y niños y con adolescentes. Tuvimos todo el proceso de acompañamiento con los canales regionales para producir los capítulos de esta serie que busca que los mismos niños y niños le aporten ideas de solución a las necesidades problemas o inquietudes que tienen otros niños.Nos parece importante seguir en un diálogo con los canales públicos para fortalecer las franjas infantiles tanto como los aspectos que hacen los canales públicos sean canales públicos. Es decir, que estén focalizados en la ciudadanía, que tengan un ejercicio de independencia y autonomía de los gobiernos de turno que tengan espacios plurales con muchísima creación independiente, producción independiente, es parte de lo que buscamos con estos canales regionales.¿Cómo trabajar con los canales regionales para llegar a nuevos públicos, para que los contenidos lleguen a grupos que pueden consumir menos televisión o que están más atraídos por la redes sociales?Creo que ese es otra de las otro de los trabajos que se han venido haciendo con algunos canales regionales y que sea se ha puesto sobre la mesa a consideración porque finalmente el canal no es necesariamente lo que sale el radio difundido, sino que hay que pensar en este ecosistema amplio y en la pregunta de cuál es el lugar de lo público en esa gran diversidad de plataformas digitales, cómo desde los contenidos públicos se entrega una oferta que le haga contrapeso a tanto contenido basura que se encuentra en lo digital.También hablamos de un contenido que honre la diversidad cultural, las distintas formas de vivir, las distintas comunidades, cómo se muestra esa diversidad en tantas plataformas digitales. Los medios públicos tienen un valor gigantesco en proteger la democracia, la libertad de expresión y en proteger la dignidad humana desde la diversidad que a veces no pasa en lo digital, lo digital está lleno de prejuicios y homogeniza.¿En el marco de procesos de paz y construcción de memoria, cómo el DACMI ha fomentado el cine comunitario?Ese es otro de nuestros procesos de formación y lo hemos desarrollado en distintos lugares como La Chorrera, en el Amazonas en Argelia, Cauca, en Suárez, Cauca, en Sumapaz y es convocar a la comunidad, independientemente si tienen vocación cinematográfica o no, alrededor del cine, para que sea el cine el dispositivo que les permita contar una historia que tienen en común, una historia que puede ser por el conflicto armado, por la superación de un problema ambiental, por su por su mito fundacional; eso es parte de lo que hacemos con el cine comunitario.Tenemos historias muy potentes, una de ella es la creación que se hizo con las madres de familia de los 'falsos positivos' de Soacha y el documental 'Las locas decían la verdad', una semana después de lo que pasó con las botas y Miguel Polo Polo que fue fue devastador, pero la respuesta es un documental que muestra el dolor de estas madres, de su pérdida y de esa violencia que han recibido por parte de los de los agentes del Estado. El cine comunitario es una forma de que se reivindique esa voz, de que se le dé la potencia y otra forma más de expresarse.¿Cómo el cine y la producción audiovisual aportan simbólica y culturalmente a la construcción de paz?Cuando se creó la Ley de Cine en 2003 salió una columna en la revista Soho que decía "por qué la necesidad tener cine local" y que eso era como pensar que tenemos que tener una carrera nuclear, hay países que pueden vivir sin eso, pero yo creo que es mejor un país que tiene el cine dentro de su catálogo de expresión. Más de veinte años después nos damos cuenta que muchas de las historias que hemos creado a través del cine, lo que hacen es que van dejando una memoria de lo que no necesariamente hace parte de la historia oficial y muchas versiones de lo que ha sido ser o vivir en Colombia, o de lo que podría ser o significa ser colombiano y esa es la potencia que tiene el cine.Necesitamos hacer que el cine cada vez sea más valioso para los espectadores en salas de cine. El cine nos sirve de memoria, de un recuerdo inefable de lo que nos explica o de lo que nos cuestiona y ese es el lugar que tiene en la en la consolidación de una cultura de paz.¿Podemos llevar el cine comunitario a escenarios más amplios, a que públicos fuera la comunidad se interesen por estas narraciones?Hay que considerar cada oferta desde tu propia proporción, películas como las del cine comunitario interesan en una escala comunitaria, entonces tienen un valor en ese sentido y su pretensión en primera instancia es ser relevante para la comunidad en el marco de la cual se creó; ya el hecho de que exista una película significa que algo queda en la memoria, que pueda ser vista y circulada, que se mantenga vigente en una comunidad. Si esa película llega a otra comunidad que tiene circunstancias de vida similares también suma un montón, si una historia pasa entre comunidades eso significa comenzar a tejer redes de sentido, esas dinámicas hacen valioso el cine comunitario y no necesitan tener una vocación de ir a una sala comercial, no las llevemos a un asunto de frustración, salvo que sea un escenario controlado como un festival en particular, que se promueva de esa manera.Cuál es la relación del DACMI con las plataformas de streaming internacionales que han permeado el consumo de cine y televisión de los colombianos, y que además vienen aumentando su coproducción de contenidos con ColombiaPor un lado Colombia tiene una Ley 1556 que fomenta la producción extranjera en Colombia, ha sido lo que ha permitido que se haga 'Cien años de soledad', sin duda, porque los incentivos tributarios llevan a que pues sea muy atractivo, pero además hay unos criterios u objetivos de esa ley: que se fomenta el turismo, el talento humano colombiano y el audiovisual.Parte de lo que hacemos desde el Comité de Promoción Fílmica es ver que sean proyectos que cumplan con esas premisas, tenemos una relación muy clara por cuenta de la 1556.Ahora bien, en el proyecto de fortalecimiento de la Ley General de Cultura que se ha venido trabajando durante este año en mesas regionales por todo el país y en este momento está en procesos de concertación con comunidades étnicas, que esperamos que el Gobierno pueda radicar arrancando de la siguiente legislatura, hay unas medidas como orientar unos puntos del impuesto de las ventas que pagan las plataformas a los fondos de creación, eso es parte de lo que buscamos que suceda.¿Cómo seguir fortaleciendo la relación entre las plataformas internacionales con las productoras audiovisuales colombianas?Como contenido, la puesta en valor de contenidos colombianos en las plataformas es un proceso netamente privado, algo en lo que desde lo público no podríamos incidir; sin embargo, yo sí creo que es importante que las plataformas ojalá dieran más claridades con respecto a las métricas para que los contenidos se pongan en valor. Ojalá tuviéramos las métricas de cómo se comportan esos esos contenidos porque nos ayudaría a todos, les ayudaría a las casas productoras, en lo público nos ayudaría a todos a entender mejor su ecosistema en ese sentido. Creo que ese secretismo de plataformas en realidad es innecesario, nos sumaría más tener unas unas cifras más transparentes.Un trabajo no menor es la recolección de material que robustezca el patrimonio audiovisual colombiano, ¿cuál es el objetivo en esta materia?Nosotros somos gestores del sistema de información del patrimonio audiovisual colombiano que tiene más de 20 años de creación. Yo creo los activistas del patrimonio hacen un apostolado gigantesco porque de los eslabones de la cadena de valor que menos se atienden en términos generales. Yo creo que en materia de patrimonio se ha hecho mucho, se están fortaleciendo sobre todo archivos locales y territoriales a través de las becas de formación y becas de fortalecimiento que hacemos con el Programa Nacional de Estímulos.De ahí salen procesos muy interesantes, de recuperación de archivos, de creación con material de archivo, se forman redes entre los responsables de los de los archivos y la gente que está dedicada al patrimonio audiovisual colombiano. Hemos hecho este año, pues a partir de la recuperación de un material interesantísimo que data de un siglo, unos cine conciertos en distintos lugares del país que nos muestran la realidad de lo que ha significado la explotación minera, la explotación del oro, el esclavismo, un montón de circunstancias que han hecho parte del drama social en Colombia y que todavía siguen dándose otras formas más modernas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Películas‘Uno’, de Julio CésarProtagonizada por Marcela Mar y Juan Pablo Urrego, esta película cuenta la historia de Esmeralda quien se adentra en una peligrosa búsqueda en La Alameda, una comunidad minera colombiana, donde desenterrará secretos oscuros.‘Del otro lado del jardín’, de Daniel PosadaBasada en la novela homónima de Carlos Franz, este filme relata la odisea de un poeta acusado de asesinar a su madre a quien asistió para acabar con su vida. Tras esto deberá defenderse no solo en la corte, sino ante los medios y la sociedad colombiana. La película está protagonizada por Julián Román y Vicky Hernández. La pueden ver en MAX.‘Yo vi tres luces negras’, de Santiago Lozano“José de los Santos vive en un pueblo del litoral pacifico Colombiano. Desde pequeño aprendió las artes de los rituales mortuorios heredadas de sus ancestros. Tiene un compromiso con las ánimas del purgatorio quienes lo protegen y lo atormentan. De carácter fuerte y orgulloso, carga con el peso de no haber podido rezar y sepultar a su hijo Pium Pium, quien fue desaparecido hace un tiempo. Un día el espíritu de su hijo lo visita y le anuncia que el día de su muerte está cerca, señalándole que debe ir selva adentro para encontrar el lugar donde debe morir”, así se describe esta película que fue galardonada en el Festival de cine de Gijón en España.‘Estimados señores’, de Patricia CastañedaAmbientada en 1954, la película sigue a Esmeralda Arboleda, una líder ferozmente inteligente, que enciende una revolución en una sociedad arraigada en tradiciones patriarcales, que culmina en un encarnizado y decisivo debate. Un grupo de mujeres se embarca en una lucha histórica para llevar el derecho de voto femenino a la Asamblea Nacional Constituyente.‘Mi bestia’, de Camila Beltrán“Bogotá, 1996. La población está en pánico, el diablo llegará durante un eclipse lunar que se aproxima. Mila, de 13 años, siente que la mirada de los demás sobre ella se hace cada vez más asfixiante. Se pregunta si la metamorfosis de su cuerpo tiene algo que ver con la profecía. Llega el temido día, la luna roja ilumina el cielo”, así se describe esta película coproducida entre Colombia y Francia.Series‘La primera vez 2’Este año se estrenó la segunda parte de una de las series colombianas que más tuvo éxito en el país y en la plataforma Netflix. La primera vez sigue la historia de Eva en un colegio de varones, en esta segunda temporada se le da continuidad al amorío entre ella y Camilo Granados así como se tocan temas como el embarazo, el amor y la familia. Puede verla completa en Netflix.‘Secuestro al vuelo 601’En 1973, dos asaltantes armados y encapuchados secuestran un avión de pasajeros, y ponen en jaque al Gobierno colombiano al demandar la liberación de 50 presos políticos y un rescate cuantioso. Con un reparto en el que están Enrique Carrizo, Mónica Lopera y Christian Tappan, esta serie relata una de las historias aéreas más conocidas en el país. Se encuentra disponible en Netflix.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí‘Primate 2’“En quiebra, con su vida guardada en cajas y un sofá en la casa de sus amigos, Andrés y Joao, como único refugio, William se enfrenta a su nueva realidad: el otrora famoso actor busca estabilidad emocional y económica para lidiar con sus hijos adolescentes, el viaje personal de su exmujer y la angustia de sentir que sus días de gloria nunca volverán”, así relata Prime video la segunda temporada de Primate, la serie protagonizada por Christian Tappan.‘Cien años de soledad’Netflix adaptó la obra cúspide de Gabriel García Márquez que fue estrenada este diciembre con solo su primera parte. Esta serie transportó la novela del Nobel a la pantalla chica con un elenco en su mayoría colombiano y con los directores latinoamericanos Laura Mora y Alex García quienes llevaron la historia de los Buendía a la plataforma, esta serie es el top 3 en toda América Latina.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Hace 23 años nos reímos y disfrutamos por primera vez cada momento en el que Enrique Carriazo le decía a Robinson Díaz “¡Saúl, hermano!” durante la comedia La pena máxima, una historia en la que la pasión por el fútbol fue llevada al límite.También hace 23 años, el 29 de julio de 2001, la Selección Colombia de fútbol llegó a la cúspide del deporte en el continente, cuando por primer y única vez se consagró como campeona de la Copa América al vencer a México en el estadio El Campín de Bogotá con un gol de cabeza de Iván Ramiro Cordoba. Ese título de 2001 representaba lo más relevante que había vivido el fútbol colombiano hasta entonces, lo que puso a flor de piel la pasión de un país que no había conocido victorias.Pero La pena máxima se estrenó un mes antes, en junio de ese año, con toda la expectativa puesta en ese campeonato. “Nada despierta más la pasión en nuestro país que su selección. Además se trata de una comedia total sobre todos los comportamientos que puede generar una pasión como esta”, le dijo el guionista y productor de esta película, Dago García, al diario El Tiempo, antes del estreno.Junto al frenesí al que puede llevar el fútbol, que ha generado risas y recordación entre los colombianos por más de veinte años, lo que convirtió esta película en un clásico es su capacidad de contar la vida de Mariano Concha (Enrique Carriazo). Este es un personaje de clase media de inicios de los años dos mil, que junto a su obsesión por el fútbol también conviven sus sueños, su búsqueda de una casa y las riñas familiares y su amor por su hermano Sául (Robinson Díaz) y su esposa Luz Dary (Sandra Reyes).💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíGarcía y Luis Felipe Salamanca escribieron esta historia dirigida por Jorge Echeverri inspirados en el cuento “Un día de fútbol”, escrito por el periodista Jorge Luis Varela.Fernando Árevalo interpreta a Pedro, el tío de Saúl y Mariano, un seguidor de la selección de Argentina con quien Mariano apuesta su casa si la albiceleste pierde el partido en Bogotá frente a Colombia, pero el mismo día del encuentro Pedro muere.Además, Mariano había apostado con su jefe los ahorros que tenía para invertir en una casa. Sin importar las circunstancias la cábala de este particular personaje era que la Selección Colombia no perdía ningún partido en Bogotá solo si él asistía al estadio. Así los hermanos Concha se embarcan en una serie interminable de malabares para acompañar la velación de su tío recién fallecido y cumplir la cita deportiva, con más que una clasificación al mundial en juego.Como dato adicional, esta historia de pasión por el deporte también fue llevada al cine mexicano, en una coproducción entre ambos países, con la dirección de Rodrigo Triana. Con el mismo nombre, esta versión estra protagonizada por el actor y presentador mexicano Adrián Uribe y los colombianos Julieth Restrepo y Carlos Manuel Vesga.El regreso de ‘La pena máxima’Después de que vimos un radio en un ataúd, gritos, llantos y apuestas en la primera entrega de esta historia, este 25 de diciembre estrenó La pena máxima 2, que al igual que hace 23 años, coincide con un hito del deporte en el país, el año en que llegamos a la final de la Copa América frente a Argentina.También bajo el sello Dago García, con la dirección de Mauricio Cruz Fortunato, de nuevo está en juego la clasificación de la Selección Colombia al próximo mundial de fútbol. La pasión futbolera regresa cuando Abelardo y su hermano Raúl, encarnados por Santiago Alarcón y Biassini Segura, están listos para ir a ver jugar a la selección, cuando la FIFA aplaza el partido para el mismo día del matrimonio de su hija, Laura, quien se casa con el jugador estrella del equipo Colombiano.Para pagar la luna de miel de Laura, Abelardo apostó a que su yerno podía hacer tres goles en ese partido. Así, Abelardo y su hermano harán todo lo posible para que los planes iniciales se mantengan. Dos eventos importantes y divertidas situaciones se mezclarán en la vida de estos dos protagonistas, y solo hasta que suene el pitazo final se sabrá cuál será el resultado de esta encrucijada.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Traemos cinco películas colombianas recomendadas para esta temporada decembrina. Nuestra tradición navideña evoca la música, el baile, la familia, la armonía y en algunas ocasiones la tristeza, sentimientos y momentos que el cine nacional ha sabido retratar.🐖 ‘Nochebuena’ (2008)En esta historia la familia De La Concha se prepara para celebrar la noche del 24 de diciembre en medio de una crisis familiar llena de secretos, misterios y envidias y otra crisis sanitaria que ronda su casa. Esta suma de problemas hará que, literalmente, salga lo peor de cada miembro de la familia, aunque intenten ocultarlo.Una comedia negra de 2008, dirigida por la cineasta Camila Loboguerrero, está protagonizada por Matías Maldonado, Conny Camelo y Edgardo Román.🚗 ‘El carro’ (2003)No podía faltar en esta lista un clásico colombiano navideño. El carro cuenta las aventuras de una familia bogotana de clase media en los años noventa y cómo llegaron a tener su primer carro, un Chevrolet Bel Air rojo que sería tan querido como un integrante más de la familia.La película, ambientada en Navidad, cuenta con la dirección de Luis Alberto Orjuela y la participación de reconocidos talentos colombianos como César Badillo, Luly Bossa, Diego Cadavid y Bernardo García.🎉 ‘Al son que me toquen bailo’ (2019)Disfrute de lo mejor de la música tropical y decembrina con la historia de vida de Daniel García, un hombre apasionado por la rumba que se enamora al son del ‘chucu chucu’. Desde su infancia, hasta su vida adulta, con familia e hijos, vemos la vida en la ciudad desde los ojos de su protagonista, sus historias y sus amores que a lo largo de los años están acompañados por la música de Rodolfo Aicardi, Pastor López, Los Hispanos y todos los grandes de diciembre.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíJuan Carlos Mazo, reconocido por dirigir recientes producciones como la telenovela Rigo o la película El bolero de Rubén, está al frente de esta historia escrita por Dago García y protagonizada por Variel Sánchez y Laura Rodríguez.🚲 ‘Carta al niño Dios’ (2014)Esta es una versión bien colombiana del clásico navideño de Hollywood, El regalo prometido. Le recomendamos una comedia familiar en la que un padre busca la manera de llevarle a Rubencito, su hijo, la bicicleta de Navidad que tanto desea, una misión muy difícil en el contexto económico y social en el que se encuentran.Antonio Sanint, el mismo de la mejor entrega de El Paseo, es decir, la primera, Diana Ángel, Fabio Rubiano y Óscar Murillo son los protagonistas de esta película dirigida por Juan Camilo Pinzón.🌹 'La vendedora de rosas' (1998)La última película de estos recomendados no podía ser otra, la más famosa e infaltable del director Víctor Gaviria. Un retrato crudo de una Navidad desgarradora y cruel vivida por Mónica y los jóvenes de Medellín que están a su alrededor.Estrenada hace 26 años, esta película hizo parte de la Selección Oficial de la edición número 51 del Festival de Cine de Cannes.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Entre los planes para este fin de año está una nueva edición de Cinemateca al Parque, un evento que convoca a los bogotanos a reunirse en familia para ver cine al aire libre. Este año, la actividad se realizará en el marco de las actividades de Navidad organizadas por el Instituto Distrital de las Artes, Idartes. Durante el miércoles 18 de diciembre, desde las 11:00 de la mañana los asistentes podrán disfrutar de proyecciones gratuitas al aire libre de producciones nacionales e internacionales, con una programación que incluye talleres y toda una serie de experiencias artísticas para los más pequeños. Organizada por la Cinemateca Distrital, la programación iniciará en la Pantalla Capital con la proyección del cortometraje La semilla, memoria y alimento para la vida, dirigido por el Pueblo Totoroez, este documental estará acompañado por un taller práctico liderado por Nodo Sur por medio del cual los participantes podrán aprender sobre los elementos esenciales del cultivo y cuidado de una siembra.La programación también tendrá una serie de largometrajes con contenido diverso para todos los públicos: El origen de los guardianes, de Peter Ramsey, que narra la historia de un grupo de superhéroes inmortales con extraordinarios poderes; el clásico Beetlejuice, de Tim Burton; La suprema, de Felipe Holguín, película colombiana que tuvo su estreno nacional en la más reciente edición del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias - FICCI, en el que se llevó el Premio del Público. 💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíTambién estará Gremlins, de Joe Dante, película icónica de los años ochenta que fusiona el horror con la comedia de manera única; y para finalizar las jornada se exhibirá La sustancia, dirigida por Coralie Fargeat y protagonizada por Demi Moore, un film para mayores de 15 años que desafía la percepción de la juventud eterna y pone al cuerpo en el centro del debate.En paralelo, se llevará a cabo la Ruta Audiovisual que traerá una agenda de los procesos de creación audiovisual a través de talleres como: Construcción de títeres para audiovisual, Modelando sueños navideños, Crea tu propio FlipBook, Luz y creatividad: Taller de portavelas navideños.Estos son los horarios de la Cinemateca al Parque:11:00 a. m. - La semilla, memoria y alimento para la vida (cine familiar)11:45 a. m. - El origen de los guardianes (franja infantil)1:30 p. m. - Beetlejuice (franja clásicos)3:00 p. m. - La suprema (cine colombiano)4:30 p. m. - Gremlins (cine familiar)6:30 p. m - La sustancia (para mayores de 15 años)Recuerde que la cita es el miércoles, 18 de diciembre, en el Parque Nacional (carrera 7 #37-04). Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Cinemateca de Bogotá (@cinematecabta)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Ha sido muy exigente, ha requerido muchas horas de trabajo, de investigación, ha sido muy emocionante cuando hemos sentido en algún momento del rodaje que se crean imágenes de una belleza poética que nos recuerdan la belleza poética del libro", afirma la directora en una entrevista.Mora (Medellín, 1981), explica que hay que entender "la diferencia entre los dos lenguajes", el literario y el audiovisual, y que "hay cosas que son inadaptables", pero justamente eso ha sido lo importante para ella, "poder exaltar la belleza poética en las imágenes"."No pretendo nunca, ni creo que ninguno de nosotros pretende que la serie sea mejor que el libro, eso es imposible, sería absurdo, sería estúpido de nuestra parte", dice, y añade que por eso ven la producción de Netflix "más como un complemento a ese libro" y que entre las cosas que la atrajo al proyecto está "la posibilidad de un lenguaje mucho más cinematográfico que televisivo".En ese punto destaca que abordar una obra aclamada como 'Cien años de soledad', de un autor como Gabriel García Márquez, ganador del Premio Nobel de Literatura de 1982 y con una legión de seguidores en todo el mundo, requiere contar las escenas "de una manera tan compleja visualmente".Eso significa "planos muy largos, el paso del tiempo dentro de las escenas, puestas en escena actorales muy coreografiadas y muy corales", lo que, en su opinión, "exalta mucho más la complejidad de la forma narrativa del libro".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíDos miradas a la novelaLaura Mora dirigió los episodios 4, 5 y 6 de la serie, mientras que el argentino Alex García López lo hizo en los capítulos 1, 2, 3, 7 y 8, porque "había una apuesta muy clara de traer dos directores supremamente distintos que vienen de mundos y de producciones muy diferentes y que eso igual pudiera aportar a la complejidad de la serie".Lo mismo sucedió con el elenco porque las directoras de casting, las españolas Eva Leira y Yolanda Serrano, hicieron "una apuesta por tener actores con una carrera enorme y otros muy nuevos, algunos incluso no profesionales, y esa mezcla ha resultado muy bien".En el numeroso elenco de la serie destacan Marco Antonio González (José Arcadio Buendía joven), Diego Vásquez (José Arcadio Buendía adulto), Susana Morales (Úrsula Iguarán joven), Marleyda Soto (Úrsula Iguarán adulta) y Moreno Borja (Melquíades).Igualmente, Claudio Cataño (Aureliano Buendía), Viña Machado (Pilar Ternera), Jairo Camargo (Apolinar Moscote), Cristal Aparicio (Remedios Moscote), Loren Sofía Paz (Amaranta Buendía mayor) y Akima (Rebeca), entre otros."Yo empiezo el capítulo cuatro con los personajes recién cambiando la generación, empiezo con los personajes ya adultos. Los tres primeros capítulos son los personajes jóvenes, le tocan a Alex, y al final del tercero llega la nueva generación en un par de escenas y en el cuarto ya están todos los grandes. Creo que eso nos ayudó a que la transición fuera más orgánica", afirma.Mora, que en 2022 ganó la Concha de Oro del Festival Internacional de Cine de San Sebastián con 'Los reyes del mundo', considera esta superproducción de Netflix como su mayor desafío profesional "en términos de la responsabilidad que implica estar ante una obra como 'Cien años de soledad' y de entrar a trabajar en un modelo de producción muy desconocido" para ella."Hacer 'Los reyes del mundo' también fue un enorme reto desde otro lugar totalmente distinto, era andar con una banda de gitanos por el Bajo Cauca antioqueño (noroeste de Colombia), entonces creo que cada proyecto trae su reto, trae sus implicaciones emocionales, sus implicaciones en términos de pensamiento", dice.A renglón seguido, afirma: "La verdad es que me gusta transitar esos dos mundos que es (algo) tan particular en mi carrera, poder habitar ese lugar muchísimo más independiente, muchísimo más autoral (la película) y poder estar en una serie como esta ('Cien años de soledad') que es un lugar muy privilegiado".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La producción televisiva ha tenido una media de un millón de espectadores en cada entrega, entrando inmediatamente en el 'Top 3' de sus producciones más vistas en el último lustro, informó este jueves la plataforma que emite cada semana los episodios, Sky.'M. Il Figlio del Secolo' (M. El hijo del siglo), estrenada en la pasada Mostra de Venecia, es la adaptación de la novela homónima de Antonio Scurati, primera parte de una imponente tetralogía sobre Mussolini que le valió el prestigioso 'Premio Strega' en 2019.La serie ha sido dirigida por el británico Joe Wright, autor de otras adaptaciones de clásicos literarios como 'Orgullo y prejuicio' (2005) o 'Anna Karenina', y tiene como protagonista al actor italiano Luca Marinelli.Wright y Marinelli meten al espectador en el mundo apocalíptico que alumbró en 1919 la fundación de los Fascios de Combate por parte de Mussolini, nutrido por la rabia tras la I Guerra Mundial, y narran la violencia que sus camisas negras perpetraron contra los socialistas hasta llegar al poder en 1922 e instaurar su dictadura.El estreno ha suscitado debate, tanto por su inusual estética -Mussolini habla al espectador mientras sus secuaces apalean rivales con música punk de fondo- como por su oportunidad, pues este año se cumplirá el 80 aniversario de la ejecución del tirano el 28 de abril de 1945.El tema ha sido tratado incluso por los exponentes del principal partido italiano, el de la primera ministra Giorgia Meloni, los ultraderechistas Hermanos de Italia, formación que se considera heredera del posfascista Movimiento Social Italiano (MSI).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El presidente del Senado, Ignazio La Russa, hijo de un dirigente fascista, criticó hoy la serie asegurando que "se trata de una ficción que no enseña nada, no deja nada, ridiculiza y basta"."La he visto. Digamos que, comparando, he cambiado mi opinión sobre el libro de Scurati. Al menos él tuvo el buen gusto de poner en la portada que era una novela", desairó La Russa.También se ha preguntado sobre la cuestión a la propia Meloni, que en el pasado tuvo un desencuentro con el escritor, quien la acusó de vetar un discurso suyo en la televisión pública. "Creo que no veo una serie ni leo libro que no sea el Plan de Recuperación desde hace más de dos años", confesó la mandataria, alegando motivos laborales.Por otro lado, algunos historiadores han apuntado a supuestos errores en la trama, como Giordano Bruno Guerri, que resumió su veredicto en un artículo en 'Il fatto quotidiano' titulado 'Demasiadas falsedades, meteduras de pata y prejuicios".El propio protagonista, en cada evento de promoción, ha reconocido la dificultad de interpretar el papel del 'Duce' dada su condición de "antifascista", lo que le ha valido las críticas de sectores derechistas y de la prensa más conservadora."He leído las críticas y aunque, naturalmente, las lamento, no me parece haber dicho nada raro ni dramático. Simplemente he hablado de una emoción mía", se ha defendido el actor.La Asociación Nacional de Partisanos Italianos ha salido en su defensa con una campaña en redes sociales: "Gracias Luca por su honestidad intelectual y artística y por tu reconocido antifascismo. Repetirlo no cansa si puede ayudar a los desmemoriados", aplaudió la organización en un comunicado.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'José María Velasco: Una vista de México' será también la primera exposición monográfica en territorio británico dedicada a Velasco, uno de los pintores mexicanos más celebres del siglo XIX, y coincide con el 200 aniversario del establecimiento de relaciones diplomáticas entre el Reino Unido y México.La muestra, que permanecerá en el museo londinense hasta el 17 de agosto de 2025, establecerá vínculos entre la obra de Velasco y otras pinturas de la National Gallery, en particular 'La ejecución de Maximiliano' (1867-68) de Édouard Manet, que representa la ejecución del gobernante austriaco en México.La obra de Velasco (1840-1912) es conocida por retratar con brillantez los paisajes de México y los alrededores de la capital del país, así como por la representación del cambio social y la industrialización en sus cuadros; por eso esta muestra también abordará "preocupaciones más amplias" sobre la relación entre seres humanos y el medioambiente.De acuerdo con un comunicado de la National Gallery, aunque Velasco expuso sus cuadros en Europa y Estados Unidos en vida, no hay ninguna pintura del mexicano en colecciones públicas del Reino Unido y su última muestra a gran escala fuera de México se celebró en 1976 entre San Antonio y Austin, en Texas (Estados Unidos).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En esta ocasión, la exposición, comisariada por el artista Dexter Dalwood y el comisario asociado de pintura española de la National Gallery Daniel Sobrino, está organizada conjuntamente entre la National Gallery de Londres y el Instituto de Artes de Mineápolis (MIA), en Minesota (Estados Unidos) y viajará por ambas ciudades hasta enero de 2026.Según Dalwood y Sobrino, está exposición "ampliará y mejorará" la comprensión de la pintura de paisajes del siglo XIX a través de las obras de Velasco, que absorbieron "la tradición y la historia de la pintura paisajística europea, llevando al mismo tiempo la representación y la comprensión del paisaje mexicano a un nuevo nivel de inteligencia pictórica".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Capturar esa esencia de Quino en esa voz que nunca nadie oyó -o que oyó una vez y no le gustó- es el desafío más grande”, confiesa Campanella en una entrevista, donde afirma ser "plenamente consciente de que las voces pueden ser lo que hagan o destruyan el proyecto".El director está convencido de que tras meses de pruebas, de un proceso exhaustivo y de escuchar "800 voces” ha encontrado, según sus palabras, “las voces correctas” y además "son excelentes".Pero el director no desvela quién es la actriz y resto de actores que hacen hablar a los protagonistas de la serie: “Todavía no lo quiero decir, obviamente es una causa perdida porque el proyecto va a salir en 2026 y no sé cómo podremos mantener el secreto hasta ese momento"."No me gustaría que se escuchen las voces antes de verlas con el personaje (...) También me parece injusto que los actores y las actrices no puedan decirlo”, explica.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Lo que sí confirma el oscarizado director por El secreto de sus ojos y artífice de películas como Metegol o El hijo de la novia, además de participar en la dirección de la serie estadounidense Ley y Orden, entre otras, es que su “Mafalda es argentina, por lo menos en el idioma español”, al vaticinar que la serie se emitirá en distintos idiomas.Mafalda será moderna y hablará del presenteY sobre la Mafalda que se encontrarán los espectadores en la pantalla, argumentó: “Va a ser una Mafalda actual, moderna (...), hay muchas cosas que son icónicas de Mafalda, muy de esa época, como el citröen, el auto del papá, y ciertas costumbres, como jugar en la plaza (...) Algunas de esas cosas vamos a mantenerlas, pero no es una pieza de época, no transcurre en los setenta”.“Estamos introduciendo algunas cositas un poco más modernas, de las que estamos convencidos Quino hablaría si hubiera seguido con la tira (cómica). Va a transcurrir en el presente”, avanzó.Campanella deja también claro que “ese presente no hay que cambiarlo mucho porque ella (Mafalda) ya cuestionaba los problemas de Medio Oriente, de China, el feminismo, el rol de la mujer, el rol de los genios”.Con ironía dice a continuación: “Como verás, son todos temas que ya no figuran para nada a diario”, para afirmar después: “Mafalda es como si la leyeras hoy”.Según Campanella, “Todos los problemas que le preocupaban a ella (Mafalda) en los 60 y los 70 siguen existiendo, así que serán los mismos”.Mafalda se puede convertir en una de las grandes producciones del cine de animación latinoamericano y así es como Netflix concibe el proyecto, que se estrenará en 2026.El cineasta argentino reconoce que “la animación es muy difícil y que el estilo de Quino trasladado a la animación tiene sus desafíos”. Por todo ello, Campanela sabe que es un gran reto dar vida a Mafalda más de 60 años después de su nacimiento.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Y podría tratarse solo de la punta del iceberg ya que las aseguradoras temen que las pérdidas de patrimonio cultural sean una de las más graves de la historia de Estados Unidos.El galerista Ron Rivlin, que tiene una galería de arte en Los Ángeles, ha señalado al New York Times que su casa de Pacific Palisades ha quedado reducida a ceniza. En su interior había cerca de 200 obras de arte, aproximadamente 30 piezas de Andy Warhol y docenas de otros artistas contemporáneos como Keith Haring, Damien Hirst, John Baldessari y Kenny Scharf.Pérdidas millonariasEntre las obras perdidas se encuentran un grabado de Warhol de la reina Isabel II, varias piezas de las icónicas latas de sopa Campbell y otras piezas similares de Superman, Mickey Mouse y Howdy Doody. El galerista asegura que, en su caso las perdidas ascienden a varios millones de dólares.Varias aseguradoras consultadas por Artnews, señalan que todavía es pronto para hacer cálculos, pero que las cifras serán sustanciales.El especialista en seguros de bellas artes y director general de Risk Strategies, Simon de Burgh Codrington, afirmó que "posiblemente sea una de las pérdidas de arte más impactantes jamás vividas en Estados Unidos".La Villa Getty, que atesora numerosas obras, se encuentra ubicada en la zona afectada por los incendios pero cuenta con un sistema de riego en su perímetro ideado para frenar incendios y que se puso en marcha el pasado 8 de enero cuando el fuego alcanzó el jardín, por lo que el edificio no se ha visto afectado.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíVarios artistas y sus estudios han visto desaparecer sus casas y estudios por los incendios y han tenido que cancelar o postponer sus exposiciones. Entre los afectados se encuentran Diana Thater, T. Kelly Mason, Camilla Taylor, Kelly Akashi, Paul McCarthy y Ross Smonini, señala Artnews.El New York Times también estima que cerca de 100.000 partituras del compositor Arnold Schoenberg han quedado destruidas. Sus herederos atesoraban y gestionaban el legado a través de una editorial ubicada en Palisades.El archivo personal y la biblioteca del editor literario y crítico de arte Gary Indiana, que contaba con numerosas piezas únicas, también ha sido destruida en el incendio, como explica en un testimonio en primera persona el escritor Colm Tóibín, que ha contado su experiencia en el medio London Review of Books.Tóibín vive en Highland Park, cerca de Pasadena, un área limítrofe con Altadena, donde se iba a ubicar el legado de Gary Indiana -fallecido en octubre en Nueva York- que precisamente llegó a Altadena un día antes de que comenzara el incendio."Fue el día equivocado. Si ellos (las ediciones firmadas, los libros de arte raros, los libros extraños, los libros que Gary atesoraba) hubieran llegado un día después, no habría habido una dirección donde entregarlos, por lo que se habrían salvado", lamenta Tóibín.Arquitectura en peligroLos incendios también amenazan con hacer desaparecer una gran parte del legado arquitectónico de Los Ángeles. Entre las casas que han desaparecido se encuentran la de estilo ranchero del cómico y actor Will Rogers o la casa Keeler House del arquitecto Ray Kappe, ambas en Palisades.En Altadena, las llamas se han cobrado otras dos joyas artquitectónicas: Zane Gray Estate y la Casa Andrew McNally.En Palisades se encuentra algunas obras referentes de la historia de la arquitectura como la Casa Eames, que fue vivienda y estudio de los diseñadores Charles y Ray Eames, y todo un símbolo del experimentación de mediados de siglo, y que todavía sigue en pie.Y más allá de su valor arquitectónico, algunas espectaculares mansiones de famosos también han desaparecido. Entre ellas, las de Jamie Lee Curtis, Mel Gibson, Jeff Bridges, Anthony Hopkins, Paris Hilton, Billy Crystal, Adam Brody y Leighton Meester o Rosie O'Donnell.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Con inmenso desconsuelo despedimos a nuestra querida compañera Alejandra Darín, presidenta de la Asociación Argentina de Actores y Actrices. Con una trayectoria como actriz de más de medio siglo en teatro, cine y TV, se destacó también por su incansable defensa de los derechos de nuestro colectivo artístico y su profunda sensibilidad social", manifestó la asociación.Alejandra Darín estaba afiliada a la Asociación desde 1973 y la presidía desde 2011. Sus compañeros agradecieron "su lucha, su compromiso inquebrantable y su entereza frente a cada adversidad" en el comunicado.Destacaron, además, que "fue un ejemplo de entrega, compañerismo, y amor" para la profesión actoral y los trabajadores de la cultura y que, "en los momentos más complejos, supo defender con enorme valentía los valores" del gremio."Su legado nos inspira y nos fortalece para seguir construyendo un futuro de derechos, paz y dignidad, con memoria. Su lucha y su ética serán nuestra bandera en la tarea gremial", indicaron, para también afirmar: "Continuaremos tu tarea, honrando tus valores, tu dignidad y tu compromiso".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa actriz trabajó en más de 50 producciones de ficción para televisión, entre ellas, 'Dulce Ana', 'Una voz en el teléfono', 'La extraña dama', 'Rincón de luz', 'De carne somos', 'Alguien que me quiera', 'Son amores', 'Nosotros y los miedos', 'Poliladron', 'Nueve lunas', 'Alta comedia', 'Las 24 horas', 'Sin condena', 'Media falta', 'La leona', 'Verdad consecuencia' y 'Por ese palpitar'.Su trabajo cinematográfico incluye las películas 'Samy y yo', 'Un minuto de silencio', 'Ni Dios, ni patrón, ni marido', 'Oblivion' o 'Historias breves VI'.Su extensa labor teatral incluye títulos como 'Un informe sobre la banalidad del amor', 'Tierra del Fuego', 'Un hombre equivocado', 'Copenhague', 'El libro de Ruth', 'Código de familia', 'A la izquierda del roble', 'Scalabrini Ortiz', 'Las de Barranco', 'Crimen y castigo', 'El evangelio de Evita', 'Moscú' y 'Esquirlas'.Alejandra Darín nació el 19 de junio de 1962 y tenía dos hijos, Antonia y Fausto.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El museo londinense permanecerá abierto durante 24 horas en el último fin de semana de la exposición, con franjas horarias adicionales desde las 21:00 GMT del viernes 17 de enero hasta las 10:00 GMT del sábado 18.Se trata de la segunda vez en la historia que la National Gallery abre en horario nocturno, trece años después de la primera por motivo de la exposición 'Leonardo Da Vinci: Pintor en la Corte de Milán'.La exhibición "Van Gogh: poetas y amantes" es la primera exposición que la National Gallery dedica a Vincent van Gogh y la única a nivel mundial que se centra en las "transformaciones imaginativas" del artista, con más de 60 obras y préstamos de museos y colecciones privadas.La muestra de pago, inaugurada el pasado 14 de septiembre, ha recibido más de 280.000 visitantes hasta la fecha y las entradas para esta sesión nocturna ya están agotadas.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí"Nuestros visitantes tendrán la oportunidad única y especial de contemplar los cuadros de Van Gogh durante la noche y las primeras horas de la mañana, siguiendo los pasos de artistas como Freud, Bacon y Hockney, que vinieron aquí en esos momentos para inspirarse en la colección de la galería", explicó el director de la National Gallery, Gabriele Finaldi, en un comunicado.Asimismo, la iniciativa se enmarca dentro del programa de eventos por el 200 aniversario del museo, que a lo largo de este 2025 también incluirá las exposiciones de pago 'Siena: el auge de la pintura' y la primera muestra en el Reino Unido dedicada al artista mexicano José María Velasco, a partir del próximo mes de marzo.Igualmente, el 10 de mayo, la National Gallery reabrirá su Sainsbury Wing, tras completar la renovación más amplia de la institución en los últimos años.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
A la película papal de Edward Berger le siguió muy de cerca la película musical de Jacques Audiard, que entre sus 11 nominaciones cuenta con las de la española Karla Sofía Gascón en la categoría de Mejor Actriz Protagonista o la de la intérprete estadounidense de origen dominicano Zoe Saldaña como Mejor Actriz de Reparto.Emilia Pérez competirá también en la categoría de Mejor Película de habla no inglesa con la cinta brasileña Ainda Estou Aqui (Aún estoy aquí), de Walter Salles, que regresa con este filme a la dirección de largometrajes tras diez años.Las películas más nominadas se completan con The Brutalist, que competirá por 9 BAFTA; Anora, con 7, y el filme sobre Bob Dylan A Complete Unknown (Un completo desconocido), que optará a 6 máscaras doradas.Nominados a los BAFTA 2025 por categoríaMejor película:'Anora', de Sean Baker.'The Brutalist', de Brady Corbet.'A Complete Unknown' ('Un completo desconocido'), de James Mangold.'Conclave' ('Cónclave'), de Edward Berger.'Emilia Pérez', de Jacques Audiard.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíMejor película en lengua no inglesa:'All We Imagine as Light' ('Lo que imaginamos como luz'), de Payal Kapadia.'Emilia Pérez', de Jacques Audiard.'Ainda Estou Aqui' ('Aún estoy aquí'), de Walter Salles.'Kneecap', de Rich Peppiatt.'The Seed of the Sacred Fig' ('La semilla de la higuera sagrada'), de Mohammad Rasoulof.Mejor documental:'Black Box Diaries', de Shiori Itó.'Daughters', de Angela Patton y Natalie Rae.'No Other Land', de Yuval Abraham, Basel Adra y Hamdan Ballal.'Super/Man: The Christopher Reeve Story', de Ian Bonhôte y Peter Ettedgui.'Will & Harper', de Josh Greenbaum.Mejor película de animaición:'Flow', de Gints Zilbalodis.'Inside Out 2' ('Del revés'), de Kelsey Mann.'Wallace and Gromit: Vengeance Most Fowl' ('Wallace & Gromit: La venganza se sirve con plumas'), de Merlin Crossingham y Nick Park.'The Wild Robot' ('Robot salvaje'), de Chris Sanders.Mejor dirección:Sean Baker, por 'Anora'.Brady Corbet, por 'The Brutalist'.Edward Berger, por 'Conclave' ('Cónclave').Denis Villeneuve, por 'Dune: Part Two' ('Dune: Parte dos').Jacques Audiars, por 'Emilia Pérez'.Coralie Fargeat, por 'The Substance' ('La sustancia').Mejor guión original:Sean Baker, por 'Anora'.Brady Corbet y Mona Fastvold, por 'The Brutalist'.Rich Peppiatt, Naoise Ó Cairealláin, Liam Óg Ó Hannaidh, JJ Ó Dochartaigh, por 'Kneecap'.Jesse Eisenberg, por 'A Real Pain'.Coralie Fargeat, por 'The Substance' ('La sustancia').Mejor guión adaptado:James Mangold and Jay Cocks, por 'A Complete Unknown' ('Un completo desconocido').Peter Straughan, por 'Conclave' ('Cónclave').Jacques Audiard, por 'Emilia Pérez'.RaMell Ross & Joslyn Barnes, por 'Nickel Boys'.Clint Bentley, Greg Kwedar, Clarence ‘Divine Eye’ Maclin y John ‘Divine G’ Whitfield, por 'Sing Sing' ('Las vidas de Sing Sing').Mejor actriz protagónica:Cynthia Erivo, por 'Wicked'.Demi Moore, por 'The Substance' ('La sustancia').Karla Sofía Gascón, por 'Emilia Pérez'.Marianne Jean-Baptiste, por 'Hard Truths' ('Mi única familia').Mikey Madison, por 'Anora'.Saoirse Ronan, por 'The Outrun'.Mejor actor protagónico:Adrien Brody, por 'The Brutalist'.Timothée Chalamet, por 'A Complete Unknown' ('Un completo desconocido').Ralph Fiennes, por 'Conclave' ('Cónclave').Colman Domingo, por 'Sing Sing' ('Las vidas de Sing Sing').Hugh Grant, por 'Heretic' ('Hereje').Sebastian Stan, por 'The Apprentice' ('El aprendiz').Mejor actriz de reparto:Selena Gomez, por 'Emilia Pérez'.Ariana Grande, por 'Wicked'.Felicity Jones, por 'The Brutalist'.Jamie Lee Curtis, por 'The Last Showgirl'.Isabella Rossellini, por 'Conclave' ('Cónclave').Zoe Saldaña, por 'Emilia Pérez'.Mejor actor de reparto:Yura Borisov, por 'Anora'.Kieran Culkin, por 'A Real Pain'.Clarence Maclin, por 'Sing Sing' ('Las vidas de Sing Sing').Edward Norton, por 'A Complete Unknown' ('Un completo desconocido').Guy Pearce, por 'The Brutalist'.Jeremy Strong, por 'The Apprentice' ('La historia de Trump').Mejor reparto:'Anora'.'The Apprentice'.'A Complete Unknown' ('Un completo desconocido').'Conclave' ('Cónclave').'Kneecap'.Mejor película británica:'Bird', de Andrea Arnold.'Blitz', de Steve McQueen.'Conclave' ('Cónclave'), de Edward Berger.'Gladiator II', de Ridley Scott.'Hard Truths' ('Mi única familia'), de Mike Leigh.'Kneecap', de Rich Peppiatt.'Lee', de Ellen Kuras.'Love Lies Bleeding', de Rose Glass.'The Outrun', de Nora Fingscheidt.'Wallace and Gromit: Vengeance Most Fowl', de Merlin Crossingham y Nick Park.Mejor debut británico:'Hoard', de Luna Carmoon.'Kneecap', de Rich Peppiatt.'Monkey Man', de Dev Patel.'Santosh', de Sandhya Suri.'Sister Midnight', de Karan Kandhari.Mejor película infantil y familiar:'Flow', de Gints Zilbalodis.'Kensuke’s Kingdom' ('El reino de Kensuke'), de Neil Boyle y Kirk Hendry.'Wallace and Gromit: Vengeance Most Fowl', de Merlin Crossingham y Nick Park.'The Wild Robot' ('Robot salvaje'), de Chris Sanders.Mejor dirección de fotografía:Lol Crawley, por 'The Brutalist'.Stéphane Fontaine, por 'Conclave' ('Cónclave').Greig Fraser, por 'Dune: Part Two' ('Dune: Parte dos').Paul Guilhaume, por 'Emilia Pérez'.Jarin Blaschke, por 'Nosferatu'.Mejor diseño de vestuario:Jacqueline Durran', por 'Blitz'.Arianne Phillips, por 'A Complete Unknown' ('Un completo desconocido').Lisy Christl, por 'Conclave' ('Cónclave').Linda Muir, por 'Nosferatu'.Paul Tazewell, por 'Wicked'.Mejor montaje:Sean Baker, por 'Anora'.Nick Emerson, por 'Conclave' ('Cónclave').Joe Walker, por 'Dune: Part Two' ('Dune: Parte dos').Juliette Welfling, por 'Emilia Pérez'.Julian Ulrichs y Chris Gill, por 'Kneecap'.Mejor maquillaje y peluquería:Love Larson y Eva Von Bahr, por 'Dune: Part Two' ('Dune: Parte dos').Julia Floch Carbonel, Emmanuel Janvier, Jean-Christophe Spadaccini y Romain Marietti, por 'Emilia Pérez'.David White, Traci Loader y Suzanne Stokes-Munton, por 'Nosferatu'.Pierre-Olivier Persin, Stéphanie Guillon, Frédérique Arguello y Marilyne Scarselli, por 'The Substance' ('La sustancia').Frances Hannon, Laura Blount y Sarah Nuth, por 'Wicked'.Mejor banda sonora original:Daniel Blumberg, por 'The Brutalist'.Volker Bertelmann, por 'Conclave' ('Cónclave').Camille y Clément Ducol, por 'Emilia Pérez'.Robin Carolan, por 'Nosferatu'.Kris Bowers, por 'The Wild Robot'.Mejor diseño de producción:Judy Becker y Patricia Cuccia, por 'The Brutalist'.Suzie Davies y Cynthia Sleiter, por 'Conclave' ('Cónclave').Patrice Vermette y Shane Vieau, por 'Dune: Part Two' ('Dune: Parte dos').Craig Lathrop, por 'Nosferatu'.Nathan Crowley y Lee Sandales por 'Wicked'.Mejores efectos especiales:Luke Millar, David Clayton, Keith Herft y Peter Stubbs, por 'Better Man'.Paul Lambert, Stephen James, Gerd Nefzer y Rhys Salcombe, por 'Dune: Part Two' ('Dune: Parte dos').Mark Bakowski, Neil Corbould, Nikki Penny y Pietro Ponti, por 'Gladiator II'.Erik Winquist, Rodney Burke, Paul Story y Stephen Unterfranz, por 'Kingdom of the Planet of the Apes'.Pablo Helman, Paul Corbould, Jonathan Fawkner y Anthony Smith, por 'Wicked'.Mejor sonido:John Casali, Paul Cotterell y James Harrison, por 'Blitz'.Ron Bartlett, Doug Hemphill, Gareth John y Richard King, por 'Dune: Part Two' ('Dune: Parte dos').Stéphane Bucher, Matthew Collinge, Paul Massey y Danny Sheehan, por 'Gladiator II'.Valérie Deloof, Victor Fleurant, Victor Praud, Stéphane Thiébaut y Emmanuelle Villard, por 'The Substance' ('La sustancia').Robin Baynton, Simon Hayes, John Marquis, Andy Nelson y Nancy Nugent Title, por 'Wicked'.Mejor cortometraje británico de animación:'Adiós', de José Prats.'Mog’s Christmas', de Robin Shaw.'Wander to Wonder', de Nina Gantz.Mejor cortometraje británico 'The Flowers Stand Silently, Witnessing', de Theo Panagopoulos'Marion', de Joe Weiland y Finn Constantine.'Milk', de Miranda Stern.'Rock, Paper, Scissors', de Franz Böhm.'Stomach Bug', de Matty Crawford.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El nombre de Margaret Keane renació de la oscuridad tras reconocer sus obras como suyas, los ojos tristes y nostálgicos que adornaban las salas de las familias en Estados Unidos sabían en el fondo qué manos los pintaron y a quien pertenecía su expresión de tristeza.La artista nació el 15 de septiembre de 1927 en Nashville, Tennessee. Desde temprana edad mostró un gran talento para el arte, destacándose especialmente en la pintura y el dibujo. Estudió en la Escuela de Arte Watkins en Nashville y posteriormente en la Escuela de Arte del Instituto de San Francisco.El sello de su obra fueron los personajes con ojos gigantescos que emanaban tristeza y melancolía. En 1955 se casó con el vendedor de arte Walter Keane quien decidió atribuirse a sí mismo las obras de Margaret, el marido vendía y comercializaba las obras de su esposa en todo Estados Unidos y comenzó a tener un reconocimiento absoluto en la escena artística de la época.Walter Keane comentaba en diferentes entrevistas que la inspiración para los cuadros habían sido los huérfanos europeos que había visto mientras prestaba el servicio militar en el marco de la Segunda Guerra Mundial. En realidad, nunca se encontraron registros de que Keane prestara servicio en ningún lugar del mundo.Mientras Keane comercializaba las obras, Margaret pasaba horas pintando en el estudio de su casa, creyendo que su marido estaba apoyando su trabajo artístico ya que según él era una época difícil para el arte hecho por mujeres.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa artista descubrió que su marido estaba mintiendo cuando alguien que visitaba su galería le preguntó si ella también pintaba como lo hacía su esposo. Tras este suceso enfrentó a Keane, pero no logró hacer mucho porque él la convenció de que las mujeres artistas no tenían futuro. Además la convenció de que ya era muy tarde y que no pasaría nada ya que ella firmaba con el apellido Keane.El arte de Margaret se convirtió en un ícono de los años 60 por tener piezas accesibles y retratos de niños que no se habían visto en ningún otro lado. Keane estuvo hasta 1970 con su marido quien se convirtió en un hombre alcohólico y vividor.Al llegar el divorcio Walter Keane aún sostenía que las obras eran suyas así que el juez decidió ponerlos a prueba para saber quién era el verdadero autor, les pidió que hicieran un retrato en simultáneo, Margaret lo terminó en 53 minutos y Walter se negó a hacerlo por una supuesta molestia en el hombro. El juez determinó que la autoría de los cuadros era de Margaret y que el marido debía darle cuatro millones de dólares como indemnización, dinero que nunca pagó por entregarse al alcohol. Walter Keane falleció en el año 2000, arruinado por sus adicciones.Tras su separación con Keane, Margaret pintó más que nunca. Se le atribuyó todo su trabajo y se le concedió el reconocimiento que merece, se mudó a Hawaii junto a su hija y allí tuvo gran inspiración para sus cuadros, un ejemplo de eso es su pintura Eyes Upon You, realizada en 1972.En el año 2014 el director Tim Burton se inspiró en su historia y estrenó Big eyes, un filme que relata la vida de la artista y el dilema con la identidad de su obra. La película es protagonizada por la actriz Amy Addams quien es fiel admiradora de Margaret. Otro tributo a Keane han sido las campañas de moda, por ejemplo Miu miu con Gigi Hadid en el 2023.Margaret Keane inventó una forma de ver el mundo a través de unos ojos inmensos atravesados por la nostalgia, este sello personal la llevó a ser una de las caras más importantes del arte en el siglo XX. La artista falleció el 26 de junio de 2022 a los 94 años.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'Hamilton', escrita por el propio Miranda, fue su última presentación en Broadway. Se trata de una obra que cumple este 2025 diez años desde su debut, y que de inmediato se convirtió en una de las producciones más exitosas de crítica.'All-In: Comedy About Love' es la pieza que le llevará al Teatro Hudson desde el martes, cuando estrena la obra, hasta la última función, el 16 de febrero, junto con los actores Aidy Bryant, Andrew Rannells y Nick Kroll, como parte del elenco rotatorio que actuará por temporada limitada en ese escenario, según indica un comunicado.La pieza fue escrita por Simon Rich, exguionista del programa televisivo 'Saturday Night Live', inspirado en una serie de cuentos publicados por la revista The New Yorker acerca de experiencias de vida en la ciudad de Nueva York.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLos actores interpretan múltiples personajes en las historias que tratan temas como noviazgos, matrimonios, separación y las complicaciones que implica el vivir en esta ciudad.Otros artistas que serán parte del electo del espectáculo, dirigido por Alex Timbers, son Jimmy Fallon, -conductor de The Tonight Show-, John Mulaney, Hank Azaria, Renée Elise Goldsberry y Richard Kind.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El anuncio de las nominaciones a los Óscar se ha reprogramado para el jueves 23 de enero a las 05:30 PT (13:30 GMT)", informó la institución más prestigiosa del cine en un comunicado.Las candidaturas se darán a conocer durante un evento virtual sin cobertura de los medios en persona.El periodo de votación para las nominaciones entre los miembros de la Academia se extiende al viernes 17.Por otro lado, "el almuerzo de los nominados a los Óscar, previsto para el lunes 10 de febrero, no se celebrará este año", indicó la Academia.Este es el segundo cambio de fecha que anuncia la institución de Hollywood con respecto a las nominaciones de sus premios, que estaban previstas para este viernes y que en un primer momento se aplazaron al domingo 19.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíPese a la reprogramación de las nominaciones, la 97º edición de los premios Óscar sigue fija para el próximo 2 de marzo en el teatro Dolby de Los Ángeles.La extensión se debe a que muchos estrenos programados para esta semana se han cancelado o retrasado por la devastadora ola de incendios que azotan la ciudad de las estrellas y que ha dejado al menos 24 muertos y arrasado con más de 15.000 hectáreas desde que se declararon el pasado 7 de enero."Estamos todos devastados por el impacto de los incendios y las profundas pérdidas que han sufrido tantas personas en nuestra comunidad", dijeron el director ejecutivo de la Academia, Bill Kramer, y la presidenta de la Academia, Janet Yang, en una declaración conjunta.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La presidenta de BAFTA, Sara Putt, expresó esta tarde en un comunicado que estaban encantados de entregarle el galardón de honor a Warwick, a quién definió como una "figura talentosa, muy querida y verdaderamente inspiradora que ha cautivado al público durante muchas décadas".Asimismo, destacó la labor inspiradora del británico "dentro y fuera de la pantalla" y su influencia para fomentar una sociedad más inclusiva y solidaria con su asociación Little People UK, dirigida a apoyar a las personas que padecen enanismo y a sus familiares.El intérprete, de 54 años, comenzó su carrera actoral con tan solo 11 años, como Wicket el Ewok en 'Star Wars: El Retorno del Jedi' (1983) y también alcanzó gran fama por su papel como el profesor Filius Flitwick en la saga fantástica de 'Harry Potter'.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí"Gracias, BAFTA, por creer en mi viaje", dijo Davis al conocer un reconocimiento que aceptó "en honor a todas las personas que viven con enanismo o cualquier tipo de diferencia" y con el objetivo de seguir defendiendo nuevas perspectivas, una mejor representación e inspirar a la próxima generación de contadores de historias a "soñar en grande".Warwick recibirá el galardón durante la ceremonia de entrega de los premios de cine bafta 2025 el próximo 16 de febrero, que será presentada por el actor David Tennant.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En abril de 1988 la productora japonesa Studio Ghibli dio a conocer al mundo la historia de Seita y su hermana pequeña Setsuko en La tumba de las luciérnagas, una de las películas animadas más conmovedoras y tristes sobre la Segunda Guerra Mundial. En su estreno, la película no llegó a las salas de cine del país, pero ahora, desde el 23 de enero será proyectada por primera vez en cines colombianos.Antes de la fantasía y los mundos inimaginados de El niño y la garza, El castillo vagabundo y El viaje de Chihiro existió esta película del aclamado Studio Ghibli. Inspirada en la novela semiautobiográfica de Akiyuki Nosaka, esta película relata con crudeza y belleza la lucha por sobrevivir de dos hermanos, Seita y Setsuko, en un Japón devastado por la guerra.Ambientada en el Japón de los años cuarenta, hacia finales de la Segunda Guerra Mundial, esta es la historia de dos hermanos quienes quedan huérfanos durante un ataque aéreo en Kobe, Japón. Refugiados en un búnker y con sus raciones de comida agotadas, ambos intentan sobrevivir en medio de la hostilidad de un mundo en guerra.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíElogiada por la crítica mundial como “una de las películas de animación más sorprendentes y conmovedoras de la historia” (The New York Times), “de las mejores películas de guerra que jamás se han hecho” (Roger Ebert), y como una obra que “te arrancará el corazón” (Rolling Stone), esta película también fue galardonada con el Premio a Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Chicago en 1994 y está posicionada entre las mejores 40 películas de todos los tiempos en IMDB.Dirigido por Isao Takahata, este clásico del cine será estrenado en cines de Latinoamérica el próximo 23 de enero, ofreciendo funciones subtituladas y dobladas al español.En el caso de Colombia, la fecha de estreno será la misma y estará disponible en salas seleccionadas de cinemas Cinépolis y Cinemark. Este último ya tiene abierta la venta de boletería en preventa en las salas de Atlantis, Parque la Colina, Gran Plaza el Ensueño, Floresta y Gran Plaza Soacha.Vea el tráiler aquí:🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
