"No tenemos los recursos que hay en Hollywood, pero tenemos la pasión", dijo en el Gran Teatro del Palacio de Festivales de la Croisette, en una clase magistral junto al productor independiente Diego Betancor (conocido por títulos como Élite o Respira, ambas en Netflix).Bayona puso como ejemplo principal el rodaje del tsunami para Lo imposible (2012), que se hizo en España a pesar de que no había precedentes en el país con una escena a semejante escala.De hecho, inicialmente fueron a Londres para rodarla, pero el presupuesto que les dieron ascendía a 11 millones de libras y solo contaban con dos. Así que decidieron volver a casa e intentarlo allí, concretamente en los estudios Ciudad de la Luz (en Alicante, en la costa mediterránea española).El rodaje de esa impactante escena tomó en total un año de trabajo, pero se logró sin emplear imágenes generadas por ordenador (CGI). "Tienes que tener gente apasionada si vas a rodar una escena durante un año", razonó Bayona.Betancor coincidió en la importancia de la pasión en el auge del sector audiovisual en los últimos años, pero añadió también otros dos factores clave en su éxito: actitud y experiencia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Respecto al éxito de sus historias, tanto Betancor como Bayona aseguraron que la clave para ellos parte siempre de encontrar una conexión especial con el material."Si es suficientemente fuerte, durará todo el largo proceso de hacer una película", precisó el también realizador de Jurassic World: el reino caído (2018) y El orfanato (2007). "Hay que escapar de las fórmulas porque no es alquimia", opinó, por su parte, Betancor.Bayona también habló de su necesidad de sentir un cierto miedo ante el proyecto, ya que nunca es igual de "satisfactorio" trabajar en algo que uno ya sabe que puede hacer."El miedo es algo muy enraizado en la tradición española, somos muy apasionados, pero el miedo también es algo que está en la tradición", reflexionó.Con experiencia también en televisión, como director de episodios de series como Penny Dreadful o El señor de los anillos: los anillos de poder, el director nominado a los Óscar por La sociedad de la nieve (2023) dijo que se considera más bien un cineasta, pero aseguró que no ve diferencias en la forma de contar historias. "No separo el lenguaje de la televisión y del cine porque para mí solo hay una forma de contar historias", sintetizó.Como país invitado de honor de esta 40 edición del Mipcom, que es el mayor mercado audiovisual del mundo, España ha organizado paneles, charlas y encuentros sobre las claves del 'boom' que la industria del cine y la televisión del país ha vivido en los últimos años, especialmente a raíz del éxito mundial de series como La casa de papel o Élite.También se han presentado en Cannes nuevas producciones españolas como el drama histórico Ena, sobre la reina Victoria Eugenia, de RTVE o avances de series futuras como Weiss & Morales.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La serie será fruto de un acuerdo de Amazon con King y con el cineasta (también especializado en terror) Mike Flanagan, que ya han colaborado juntos en otros proyectos como Gerald's Game (2017) y Doctor Sueño (2019).Aunque las novelas de King se han llevado al cine en numerosas ocasiones y con gran éxito -baste recordar El Resplandor, Misery, It o Los chicos del maíz-, no han sido muchas las series basadas en novelas del reputado escritor, hoy declarado enemigo de Donald Trump.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El caso de Carrie es especial teniendo en cuenta que tanto la novela, de 1974, como la adaptación de tono 'gore' que hizo Brian de Palma en 1976, se convirtieron ambas en clásicos respectivos de la novela y del cine de terror, tanto que el filme de De Palma tuvo una secuela para el cine, un 'remake' para televisión y una nueva versión en 2013, con diferente fortuna.Carrie, escrita cuando King tenía 27 años, contiene todos los elementos del universo del escritor: una adolescente inadaptada hija de una madre fanática religiosa, que posee el don de la telequinesia (traslado de objetos con la mente) y que es víctima del 'bullying' en un instituto de una ciudad estadounidense donde los muchachos viven la explosión hormonal. Todo termina en una monumental tragedia llena de sangre.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El árido paisaje costero no tiene nada que ver con la realidad: bajo un cielo encapotado, un árbol sin hojas crece sobre una caja. Un cuerpo muerto yace en el suelo. Tres relojes de bolsillo derretidos cuelgan como toallas mojadas del árbol, la caja y el cuerpo. Un cuarto reloj está cubierto de hormigas. Con su cuadro "La persistencia de la memoria", de 1931, Salvador Dalí (1904-1989) creó un auténtico paisaje onírico, rico en simbolismo. Es el cuadro más famoso del pintor español y sigue siendo hoy uno de los íconos del surrealismo.En contra del espíritu burguésUna mirada atrás, al París de "los años locos". Tras los horrores de la Primera Guerra Mundial (1914-1918), la gente estaba hambrienta de vida, inquieta y optimista. En 1924, los Juegos Olímpicos electrificaron París. Junto con los atletas, numerosos artistas, escritores, músicos e intelectuales acudieron a la ciudad, convirtiendo a la capital francesa en el centro cultural de Europa.Pero también había quienes no querían aceptar una sociedad que había hecho posible una guerra tan cruenta y barbárica, y exigían un replanteamiento radical. El nuevo contramovimiento político y artístico rechazaba el espíritu burgués.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Una nueva realidadLos surrealistas buscaban -más allá de la lógica y la racionalidad- una nueva realidad superior, la surrealidad: el inconsciente, los sueños, los estados de embriaguez, los deseos reprimidos, las visiones, las ideas fantásticas... Todo ello era necesario, según los surrealistas, para liberar a la sociedad de sus ataduras morales.Uno de los pioneros del surrealismo fue André Breton, escritor y crítico francés. En octubre de 1924 redactó el primer manifiesto surrealista, en el que presentaba el nuevo movimiento artístico: "Creo en la resolución futura de estos estados aparentemente contradictorios del sueño y la realidad en una especie de realidad absoluta, si se la puede llamar así: surrealidad". Muchos artistas se sintieron inspirados por esa nueva visión.De pipas, pupilas y navajasUna famosa obra surrealista es, por ejemplo, "La trahison des images" (La traición de las imágenes) del artista belga René Magritte: su cuadro muestra una pipa, debajo de la cual se lee "Ceci n'est pas une pipe" (Esto no es una pipa). Esto parece desconcertante, pero en realidad es correcto; después de todo, no estamos viendo una pipa, sino la imagen de una pipa.Con la película "Un perro andaluz", el director español Luis Buñuel y su amigo Salvador Dalí llevaron por primera vez a la pantalla de cine una obra surrealista. La trama se nutría de los sueños de ambos: en el prólogo, un hombre afila una navaja de afeitar, luego una nube pasa junto a la luna llena. A continuación, el hombre atraviesa el globo ocular de una mujer con la navaja. Nada en la película debía ser racional, lógico o culturalmente explicable, incluso el título se eligió sin referencia al contenido.La rebelión de los surrealistasEl pintor alemán Max Ernst (1891-1976) fue un surrealista de la primera hora. Dibujaba espectaculares paisajes fantásticos poblados de figuras imaginarias.Perspectivas retorcidas, criaturas misteriosas: los artistas a menudo sacan las cosas de su contexto habitual, las combinan de forma nueva y permiten así una visión alterada del mundo. Algunos cuadros son inquietantes, como el emotivo autorretrato de Frida Kahlo "Henry Ford Hospital", de 1932, que muestra a la mexicana (1907-1954) en una cama voladora tras haber sufrido un aborto espontáneo.El catalán Joan Miró (1893-1983), poeta del color, también debería incluirse en el círculo de los surrealistas. O el bretón Yves Tanguy (1900-1955), cuyos paisajes oníricos aún hoy nos desconciertan. Por no hablar del pintor franco-alemán Jean Arp (1886-1966), o del fotógrafo, artista plástico y director de cine estadounidense Man Ray, alias Michael Rudnitzky (1890-1976), con sus objetos ready-made. Su fotografía de una mujer desnuda con cuerpo de violín "Le Violon d'Ingres", tomada en París en 1924, es mundialmente conocida.Los surrealistas se rebelaron contra las normas y los hábitos rígidos. Pintaron, escribieron y filmaron en contra de la lógica y el pragmatismo, y a favor de la igualdad. Querían utilizar el arte para instigar una revolución social. Pero, sobre todo, revolucionan nuestra percepción, que actualmente se enfrenta a nuevos retos: la inteligencia artificial y el aprendizaje automático permiten un entrelazamiento casi incomprensible de realidad y virtualidad.Quien quiera hoy volver a interrogar a los surrealistas debería peregrinar al lugar donde trabajaron. El Centro Pompidou de París les despliega la alfombra roja con un espectáculo monumental que durará hasta enero de 2025 y luego realizará una gira por Europa. La Hamburger Kunsthalle, la Lenbachhaus de Múnich y muchos otros museos de todo el mundo complementan la serie de exposiciones en el año del aniversario de los surrealistas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Para Prieto, el viaje de este libro al libreto cinematográfico fue una exploración en la que se embarcó en su propia travesía, en la que tuvo que captar desde los silencios fantasmales en el texto del afamado jalisciense hasta lograr poner en imagen algo tan complejo como el realismo mágico.“No buscábamos dar un mensaje, como estoy seguro Rulfo tampoco buscaba eso, fue una exploración, sin embargo, lo que me llevo es que tú ves a un Pedro Páramo que hace unas cosas espantosas, pero lo que quise al hacer esta adaptación era (preguntarme) por qué, quién es este hombre, qué le está moviendo”, afirmó el director en una conferencia de prensa previa a la gran gala de su cinta.Pedro Páramo es una corta pero clásica pieza de la literatura mexicana, donde Rulfo escarba en las más profundas entrañas de Comala, lugar donde las raíces de la mexicanidad revolucionaria conjugan el caudillismo extremo y el abuso del patrón a sus subordinados.Ante la personalidad rígida y sombría de Páramo, Prieto dice que busca todo lo contrario, “en la vida, en lugar de culpar a las autoridades, a la historia, a los españoles, es (cuestionarse) por qué pasó eso (...) por qué también nos perdonamos a nosotros mismos”, reflexionó.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sobre la visión de su largometraje, comentó que es la versión de las generaciones presentes, por lo que es un Pedro Páramo que “tiene el corazón no solo de Rulfo sino de todos nosotros (...) todo eso que fuimos descubriendo con cada uno de nosotros”.Releer a Rulfo para hacer cineEse descubrimiento del que habla Prieto lo vivió todo el elenco, quienes acompañaron al realizador en esta presentación a medios en el FICM, y reconocieron que, como muchos mexicanos, leyeron el texto a una corta edad por lo que tuvieron que releer la novela.“Aquí todos leemos a Rulfo. Todas las que estábamos en el set coincidimos en que no lo habíamos releído. La mayoría lo releemos 20 años después. Estábamos impactados de cómo se dimensiona leerla en una etapa adulta”, dijo la actriz Ilse Salas, quien interpretó a Susana San Juan, la enamorada de Pedro Páramo.Al igual que Salas, el intérprete de Pedro Páramo, Manuel García Rulfo, confesó que esta novela “es demasiado especial” y le sigue sorprendiendo que un” libro tan chiquito,” el autor, con quien comparte apellido, haya captado “todo lo que somos, la sangre, el sudor, los intestinos”.Releer a Rulfo también genera pasión y obsesión, así lo describe la artista Dolores Heredia, quien desarrolla el papel de Eduviges Dyada, tras mencionar que si estuviera en sus manos ella se “quedaría haciendo a Rulfo eternamente” debido a que le parece que ahí “hay un universo fantástico para seguirnos contando a nosotros mismos”.Conocer el Comala de PrietoAdaptar novelas tan conocidas como Pedro Páramo no es siempre del agrado de todos los lectores y puede generar ciertas reticencias o recelo, según apuntó el experimentado actor Roberto Sosa.“Creo que una de las mayores virtudes de la universalidad de una obra es la cantidad de lecturas que podemos ver de esta. Entonces, yo invito a que nos demos el regalo y el corazón de ver esta nueva aproximación, que por supuesto cada uno tendremos nuestro propio Comala, cada uno tendremos nuestro propio desierto, cada uno tendremos nuestro propio Pedro Páramo”.Además de esta presentación oficial en el FICM, la cinta adaptada llegará a la gran audiencia el 6 de noviembre por su llegada a la plataforma de Netflix.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los fanáticos de la exitosa saga llevada a la pantalla Juego de Tronos de HBO dijeron presente de todas partes del mundo para participar de una subasta en línea donde compraron diversos artículos en la que la joya fue una réplica del trono de hierro, que después de seis minutos de luchar por él, se vendió por 1,49 millones de dólares.En el evento del 10 al 12 de octubre, de la casa Heritage Auctions participaron 4.500 personas que ofertaron por disfraces, armaduras, armas, joyas y otros accesorios, con un balance al final de 21.115.718 millones de dólares, según un comunicado de prensa.Indica además que el famoso trono es una réplica hecha de plástico y moldeada a partir del original usado en la pantalla durante toda la serie, con pintura metálica y adornos con joyas "para asemejarse a las empuñaduras de espadas que alguna vez fueron reales"."Según escribió su creador George R. R. Martin: El Trono de Hierro es el trono del conquistador, hecho con las espadas de los enemigos derrotados, un símbolo de conquista", agrega.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El traje más valioso fue el conjunto característico del personaje de Jon Snow para la Guardia de la Noche, que se vendió por 337.500 dólares tras una de las innumerables y prolongadas guerras de ofertas de la subasta.Destaca que esta subasta ocupa el segundo lugar en la lista de subastas de temas de entretenimiento de todos los tiempos, después del evento de Debbie Reynolds, que recaudó de 22,8 millones de dólares realizado en 2011 por el vicepresidente ejecutivo de Heritage Auctions, Joe Maddalena. ."Desde el momento en que anunciamos la subasta de Juego de tronos en septiembre, quedó claro que esto iba a tener eco en todos. Se trata de tesoros extraordinarios realizados por diseñadores de vestuario y de utilería, ganadores de premios Emmy, que trabajaron incansablemente para adaptar las maravillosas novelas de Martin”, destacó Maddalena en el comunicado.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Somos un país violento donde suceden cosas específicas y eso impregna nuestra narrativa, pero pienso que lo importante es mantener una sinceridad en decir qué es lo que queremos contar y cómo hacerlo", manifiesta Beltrán (Bogotá, 1984) en una entrevista en Bogotá.Su película, que se estrena en los cines colombianos el próximo 24 de octubre, transcurre en la capital colombiana en 1996, año en el que la población cree que llegará el diablo durante un eclipse lunar.Mila, la protagonista de 13 años, empieza a ver la transformación de su cuerpo y a equipararla con la profecía que se aproxima."Dejar la infancia y pasar a la adolescencia tiene algo monstruoso en la cabeza de un niño o una niña, como ver crecer el deseo sexual o al cuerpo transformándose", explica Beltrán, quien recuerda cómo ella misma esperó la llegada del diablo en 1996, cuando era una adolescente en Bogotá.Lo que le sucede a Mila, agrega, tiene que ver con "lo oscuro, lo misterioso, la noche", pues la mirada de los demás sobre ella se vuelve cada vez más "asfixiante" al convertirse en un "objeto sexual" del sistema patriarcal en el que vive y al que no quiere pertenecer.Con archivos reales de la televisión de la época, Mi bestia recrea la historia verdadera de aquella esperada profecía pero con un componente fantástico para representar la transformación del cuerpo de la mujer como algo "monstruoso".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Actriz no profesionalLa protagonista de la película, Stella Martínez, no es una actriz profesional y fue Beltrán quien le ofreció trabajar con ella, ya que se ajustaba al personaje principal que la directora había diseñado y escrito en el guion."Stella aporta un gran misterio que sólo ella tiene y que es inexplicable, yo en ningún momento le enseñé cómo hacerlo, es algo que lleva ella y que entendió muy bien cuando preparamos el papel con distintas mujeres", explica la cineasta.Como Martínez no vivió la década de los 90, Beltrán y su equipo trabajaron en "grupos de palabras" para que la adolescente pudiera comprender esa época, el personaje y a lo que este se enfrentaba y la historia que cuenta la película, por lo que "acabó comprendiendo que Mila es una heroína y no una víctima".Colombia en las pantallasEn Mi bestia, Beltrán busca representar la sociedad colombiana a través de mujeres de distintas etnias y orígenes: "Desde la mujer afrodescendiente hasta la mujer religiosa, la niña, la mujer moderna que trabaja, la occidental. La película trata de mostrar Colombia en los 90 o su imaginario colectivo a través de muchos perfiles de mujeres"."En los 90 las imágenes se quedaban en la casa, la televisión se quedaba en casa, no era un objeto que llevamos en el bolsillo como los de hoy en día, lo que permite al personaje errar, tener un contacto con lo salvaje, con esas zonas de la ciudad por las que ella pasa", apunta la cineasta.Beltrán considera que en la película hay elementos "no muy positivos" sobre Bogotá, que la retratan como una ciudad "peligrosa, caótica y hostil", pero apunta que es porque "hay que trabajar por la representación de la realidad" para "poder transformarla y aprender de ella".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
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La convocatoria del Premio Arte Joven se lleva a cabo de manera ininterrumpida desde 2008, organizada por la Consejería Cultural y Científica de la embajada y por la empresa de salud Colsanitas.En esta edición participaron 924 artistas de todas las regiones de Colombia, de entre los cuales fueron escogidos los 25 de la exposición abierta hoy en la galería Nueveochenta y que está compuesta por pinturas, instalaciones, fotografías, obras performáticas y videos."Esta es la decimoséptima edición de este premio que pone en valor el talento joven y además lo hace con una perspectiva muy diversa", dijo el embajador de España en Colombia, Joaquín de Arístegui.De los 25 artistas seleccionados serán escogidos diez finalistas que participarán en la fase final del concurso, y los dos ganadores serán anunciados el próximo 30 de octubre.El primer puesto recibirá un premio en metálico de 30 millones de pesos y una residencia artística en Madrid otorgada por la Fundación Carolina, y el segundo lugar obtendrá 15 millones de pesos (unos 3.530 dólares o 3.258 euros).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."El talento es increíble. Los 25 artistas seleccionados son una muestra representativa de la inmensa calidad de los trabajos postulados en esta edición del premio, que nos permite tejer un panorama diverso, incluyente en poéticas, formatos, oficios y geografías artísticas", manifestó el curador de la exposición, Elías Doria, investigador del Museo Nacional de Colombia.El embajador de España destacó que los 25 trabajos "son de una procedencia geográfica, de un origen social y también de un origen académico y personal muy diferente, con lo cual no solamente hay una proyección de la excelencia del talento joven colombiano en materia de artes plásticas sino también una visión muy completa desde muy diversas latitudes y con diferentes perspectivas"."Muchos de los artistas, que en los últimos 17 años fueron seleccionados por este Premio de Arte Joven, hoy en día ya son artistas consagrados con muchísimo prestigio en este país y en el hemisferio", agregó el embajador.El director del premio, Ángel Unfried, señaló por su parte que esta iniciativa "se ha vuelto una plataforma de visibilización y de impulso a la trayectoria de artistas emergentes colombianos menores de 35 años"."El Premio Arte Joven consolida carreras y el aporte económico ayuda también a crear obras por parte de los artistas", expresó.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Al Pacino ha protagonizado películas míticas como El Padrino o Serpico, ha tenido cuatro hijos, ha superado dos ruinas y ha sobrevivido al covid, a las drogas y a la delincuencia. Y lo único que espera cuando muera es reencontrarse con su madre en el cielo y decirle: "Eh, mamá, ¿has visto cómo me fue?".Así lo cuenta el actor, de 84 años, en sus memorias, Sonny Boy, que se publicaron en español este miércoles, una semana después de la versión en inglés, y en las que demuestra que su madre, Rose, ha sido la mujer de su vida.Cuando preparaba su discurso por si ganaba el Óscar -cosa que hizo- por su interpretación en Perfume de mujer (1992), Pacino se miró al espejo y se preguntaba a quién debería dedicárselo."Pienso en ese momento en el baño y me doy cuenta de que todavía estoy aquí gracias a mi madre. Por supuesto, es a ella a quien tengo que agradecerle. Ella fue quien me alejó de un camino que me llevaba a la delincuencia y la violencia, a la heroína que finalmente mató a Petey, Cliffy y Bruce -sus mejores amigos de infancia-. Perdí a los tres de esa manera. No estaba exactamente bajo estricta vigilancia, pero mi madre prestó atención a dónde estaba. Creo que ella me salvó la vida".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Es una de las muchas reflexiones del actor que hace un repaso cronológico a su vida, desde su infancia en South Bronx junto a Petey, Cliffy y Bruce, al abandono de su padre, los problemas de salud de su madre y su carrera en el teatro primero y en el cine después, marcada por sus adicciones.Una larga carrera llena de altibajos, en la que se encontró con mucha gente que le ayudó de distintas maneras, como Martin Sheen, con quien hasta compartió apartamento; Francis Ford Coppola, que se empeñó en hacerle protagonista de El Padrino pese a ser un desconocido en Hollywood, o Diane Keaton, su pareja durante años y la que le impulsó a regresar al cine tras su retirada en 1985.Cuatro años después de esa retirada, tiempo durante el cual se centró en el teatro, Pacino se encontró arruinado. "Miré la caja y estaba vacía", señala el protagonista de Tarde de perros (1975), que reconoce que fue gracias a Keaton que pudo recuperarse de aquella crisis cuando le forzó a volver al cine."Me dijo: '¿Qué vas a hacer, deprimirte todo el día? ¿Vas a volver al Village y a vivir en una habitación y hacer tus pequeñas obras de arte? ¿Eso es lo que crees que vas a hacer? Venga, Al, ya no vives en los años sesenta. ¿Quién te crees que eres? No hay vuelta atrás. has sido rico demasiado tiempo".De Keaton es de entre sus parejas de la que más habla en el libro, así como de su primera novia seria, Jill Clayburgh, con quien mantuvo una relación de cinco años en el inicio de su carrera.Apenas una mención a las madres de sus hijos: Jan Tarrant, con quien tuvo a Julie; Beverly D'Angelo, de los mellizos Olivia y Anton, y Noor Alfatllah, que le hizo padre por cuarta vez en junio de 2023.Por los mellizos abandonó su adorada Nueva York para instalarse en Los Ángeles, algo que no lamenta, porque le encanta ser padre, según asegura en sus memorias, en las que cuenta numerosas anécdotas con los pequeños.Como cuando Olivia, a los siete años, le dijo que el padre de un compañero de clase era actor y necesitaba dinero. "Le di setenta y cinco mil dólares (...) No lo hacía porque quisiera demostrar que era generoso, simplemente pensaba que tenía mucho que dar".Pero poco después, en 2011, descubrió que su contable le había metido en una especie de estafa piramidal y estaba de nuevo en la ruina.Reconoce que no tenía ningún control sobre su dinero y pagaba 400.000 dólares al año por una casa "en la que ni vivía". Pero asegura que nunca se desesperó y empezó a aceptar trabajos solo por dinero.Lo peor no fue la ruina si no el declive físico. "Con casi ochenta años descubrí que hay que cuidarse", recuerda el actor, a quien los excesos empezaron a pasarle factura."Todos los abusos en el cuerpo, las sustancias que te introduces en tu juventud, vuelven para fastidiarte". Y también llegó el covid."En realidad, me morí una vez", explica Pacino, que se contagió del covid-19 al principio de la pandemia y empeoró tanto que asegura que experimentó la muerte. "Yo retorné y puedo decir que no había nada allí".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Durante este año hemos escuchado y leído “todo” sobre La vorágine. Por el centenario de su publicación, la novela de José Eustasio Rivera ha sido sometida a todo tipo de análisis: desde geográficos, donde se consideran las variantes del territorio que Rivera recorrió y sus posibles imaginarios; hasta de género y el papel de las diferentes mujeres que aparecen dentro de la historia. Sin embargo, la puesta en escena de Mapa Teatro La vorágine más allá, nos plantea casi que un contra relato del libro.Dividida en tres momentos, esta pieza artística plantea una extraña premisa: los protagonistas no serán los personajes del libro (Arturo Cova y Alicia), sino los que no aparecen o solo fueron insinuados dentro del relato, la comunidad indígena Nükak. Al iniciar el recorrido, el rumbero —aquel que conoce el rumbo y domina el camino— advierte que posiblemente los Nükak habrían visto a Rivera recorrer la selva amazónica y a pesar de eso nunca presentarse ante él. Este pueblo fue contactado oficialmente en 1988, eso quiere decir que para cuando el escritor estaba haciendo su trabajo de censo en la frontera, la comunidad indígena no había tenido ningún tipo de comunicación con otros pueblos.Se ha dicho que La vorágine relata en parte el genocidio ocurrido en contra de miles de indígenas a causa del fervor que provocó el caucho a finales del siglo XIX y comienzos del XX, pero a pesar de la fama que tuvo el libro (fue considerado durante muchos años la novela nacional, antes de la publicación de Cien años de soledad) la representación indígena ha sido su mayor deuda. Esa fue una de las razones por las que la obra de Mapa teatro se centra en las palabras y los sonidos de una comunidad que aparece en el libro apenas como el chasquido de dientes de un fantasma.Según la tradición oral de los Nükak, junto con la evidencia etnográfica y lingüística, se considera que son una rama de los Kakua que emigró hacia el norte. Uno de los principales motivos de este desplazamiento hacia su territorio actual fue escapar de los comerciantes de caucho, quienes esclavizaban a los pueblos indígenas de la región a principios del siglo XX. Sin embargo, su profundo conocimiento sobre la fauna y la flora del lugar sugiere una ocupación mucho más antigua. El idioma Nukak es inteligible con el de los Kakua o Bara, del Vaupés colombiano, y ambos son clasificados como parte de la familia lingüística Makú-Puinave. Entonces, al inicio de la pieza, atravesados por los sonidos de una lengua desconocida, vemos el nacimiento del libro de Rivera. Una mujer recita fragmentos de La vorágine y un hombre acostado boca arriba se hace pasar por Cova, pero en esta pieza solo los indígenas son quienes dicen ser.Todo está velado: simbólica y literalmente. La sala Fanny Mikey en el Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella, se transforma en un espacio del sueño, un espejismo onírico, una simulación de un recuerdo remoto y perdido. Nadie sabe qué dicen las voces que hablan, pero habita una certeza: con esos sonidos y esas palabras los árboles caminan y las flores brotan.En un segundo momento, o en otro sueño del mismo sueño, un hombre está parado encima de un caimán. Llueve. El reflejo del hombre en el agua parece más una visión mística que la representación de una novela que ha recibido la categoría de Literatura de la tierra. El caimán y el hombre son uno solo porque ninguno se mueve, pero son distintos porque uno está sobre el otro. Cuando el hombre habla, las voces de los indígenas son apenas susurros y sin embargo, aunque sus manos están frente a su rostro, el reflejo sigue inmóvil, como un dios antiguo que espera, espera.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Qué dicen los que hablan con los animales y las piedras? Después de un tiempo dentro de La vorágine más allá, los significados se revelan no con palabras sino con sensaciones. Se sabe que hablan del río porque las letras y el sonido de las vocales parecen correr como el Guaviare, se sabe que hablan de la sangre porque la vibración del pecho arde. Al final, en medio de una sala atravesada por una luna gigante que proyecta su luz en todas las paredes, un satélite extravagante en medio del espacio, aparecen los hombres y las mujeres que Rivera no vio, no sabemos si por decisión o por desconocimiento. Sobre columpios de caucho se mecen en silencio, mientras se conjura al “verdadero Nükak”, el que sabe caminar entre la selva y levantar a los árboles que están hincados rezando.Mapa teatro ofrece una instalación o un performance o una exposición, nada claro ni completamente lo uno o lo otro y allí radica su éxito. En crear en el centro de Bogotá un sueño donde más de 30 personas sueñan al tiempo y sueñan lo mismo. Un pensamiento mágico que supera la lectura de una novela que apenas tiene cien años. *Fechas: 9 al 20 de octubre de 2024*Tres presentaciones diarias6:00 p.m. | 7:00 p.m. y 8:00 p.m.*Domingos y festivos: funciones a las 3:00 p.m. | 4:00 p.m. y 5:00p.m.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
. A través de una mezcla de ironía, sutileza psicológica y crítica social, Machado de Assis abordó temas universales como la fragilidad humana, las ilusiones del poder y la transitoriedad de la vida. Su obra, caracterizada por un realismo muy particular, desafía los límites del canon literario de su tiempo y se erige como un pilar del pensamiento latinoamericano.La obra y su contextoMachado de Assis es conocido por su capacidad para desmantelar las convenciones literarias de su época. Mientras que el realismo europeo se centraba en el retrato social detallado y la vida cotidiana de las clases bajas y medias, Machado prefirió indagar en la psicología de sus personajes, a menudo pertenecientes a la clase alta de la sociedad brasileña de fines del siglo XIX. Obras como "Memorias Póstumas de Brás Cubas" (1881) y "Dom Casmurro" (1899) son algunos de los mejores ejemplos de su estilo, donde las narraciones se construyen en torno a la introspección, la ironía y el cuestionamiento de la realidad."Memorias Póstumas de Brás Cubas" destaca por su narrador peculiar, un hombre muerto que cuenta su vida desde el más allá. La historia está cargada de una mordaz crítica social, pero también de un existencialismo sombrío. A través de este recurso narrativo, Machado juega con la idea de que la vida carece de sentido trascendental, pero sin caer en el pesimismo absoluto.En "Dom Casmurro", la exploración de la subjetividad humana y la posibilidad del engaño resuenan a través del narrador, Bentinho, quien sospecha que su esposa Capitu le ha sido infiel. Lo notable es que la novela no da una respuesta definitiva, permitiendo que el lector decida si la traición ocurrió o si es producto de la paranoia del narrador. Este juego de ambigüedades y la crítica al egoísmo y la autocomplacencia son constantes en su obra.Principales característicasUna de las características más fascinantes de Machado es su estilo irónico, que permea tanto su prosa como la construcción de sus personajes. A diferencia de otros escritores de su época, no se preocupa tanto por crear héroes o villanos claros, sino más bien por mostrar la naturaleza contradictoria de sus personajes. Son profundamente humanos: egocéntricos, inseguros, a menudo ridículos, pero siempre reconocibles en su humanidad.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Otro rasgo distintivo de su obra es el uso de narradores poco confiables. A través de ellos, Machado subraya la relatividad de la verdad, lo que plantea una pregunta esencial: ¿podemos confiar en nuestra percepción de los hechos? Este cuestionamiento sobre la objetividad, común en el modernismo, se adelanta a su tiempo.Además, su obra muestra un rechazo a las estructuras lineales tradicionales de la narrativa. En "Memorias Póstumas de Brás Cubas", el relato avanza de manera fragmentada, jugando con saltos temporales y desviaciones anecdóticas que invitan al lector a reflexionar sobre la misma narración. Importancia en la literaturaMachado de Assis no solo es un pionero del realismo psicológico en la literatura de habla portuguesa, sino que también anticipa muchos de los debates del siglo XX sobre la subjetividad, la verdad y el poder de la narrativa. Su importancia radica en haber trascendido las fronteras de su contexto brasileño, influenciado por las tensiones políticas y sociales de la época, para abordar temas universales con una precisión que aún hoy resulta reveladora.Lejos de encasillarse en lo regional, su obra resuena a nivel global por su capacidad de interrogar la condición humana. Los dilemas morales, el autoengaño y la lucha entre las apariencias y la realidad siguen siendo inquietantes y profundamente actuales. Como escritor negro en un Brasil marcado por la esclavitud y la desigualdad racial, Machado también desafía las expectativas de su tiempo, logrando una complejidad literaria y social que lo coloca como un innovador en el campo del pensamiento crítico y literario.Al leer a Machado de Assis, uno no solo se enfrenta a las historias de la élite brasileña del siglo XIX, sino también a los dilemas universales de la naturaleza humana, siempre presentados con una mezcla de aguda ironía y compasión.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Según informa este martes la prensa polaca, Sapkowski aseguró en el foro "Juegos de la Libertad" en la ciudad de Lódz, que tiene listo "desde agosto" un nuevo libro con las aventuras de su personaje, pero que por razones de márketing y debido al embargo comercial de la editorial, no podía confirmar más detalles.La fecha de publicación del primero de diciembre fue avanzada recientemente por la revista polaca Nowa Fantastyka, la decana del género fantástico en Polonia, en cuyas páginas vieron la luz por primera vez las historias de Geralt de Rivia en 1986.Han pasado ya 11 años desde la publicación del hasta ahora último capítulo de las aventuras del brujo, La Estación de las Tormentas (SuperNOVA, 2013), y desde entonces se han sucedido las adaptaciones del universo creado por Sapkowski al cine, la televisión y los videojuegos, con tres títulos comercializados hasta el momento y varios más anunciados.El éxito que ha alcanzado el "wiedzmin" ("brujo", en polaco) ha trascendido la industria del entretenimiento y se convirtió en un fenómeno social hace unos años.El presidente del Gobierno polaco, Donald Tusk, entregó como regalo al presidente de Estados Unidos, Barack Obama, un videojuego de The Witcher (nombre en inglés del personaje") durante su visita oficial a Varsovia en 2011.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además, una serie producida por Netflix y protagonizada por el actor Henry Cavill contribuyó a popularizar aún más el personaje y estrenará pronto una cuarta temporadaA lo largo de ocho libros, Sapkowski conjuga elementos de la historia medieval polaca con figuras del folclore tradicional centroeuropeo para alumbrar un universo en el que aún sobreviven criaturas como los duendes, los seres elementales y los basiliscos, que se ven relegados a un hábitat cada vez más reducido por la expansión y el progreso de la raza humana.Geralt de Rivia, que fue entregado a un brujo como pago por una deuda cuando era un niño, vaga por un mundo que está dejando atrás la era de la magia y se gana la vida con el empleo de sus dos espadas (una de hierro para luchar contra los humanos y otra de plata, para matar a algunas criaturas) y es testigo de cómo la crueldad humana supera con creces al instinto asesino de los monstruos.Con más de 15 millones de ejemplares vendidos y una popularidad que no ha decaído en más de una década, el anuncio de más aventuras del brujo polaco ha despertado una expectación inusitada aunque, de momento, lo único que se sabe es que Geralt de Rivia volverá en forma de novela porque, como le confesó Sapkowski a una emisora polaca, "las historias cortas resultan demasiado difíciles de escribir".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
De lo pagano a la devoción, entre el don y la disciplina, de lo clásico a la revolución musical, el virtuosismo de Franz Liszt lo sitúa como uno de los pianistas más destacados de la música clásica, junto a otros nombre como Robert Schumann, Felix Mendelssohn o Johannes Brahms.Liszt, nacido el 22 de octubre de 1811 en Raiding, por esa época Imperio austríaco, desde niño demostró su interés por la música y su talento. Su padre, Adam Liszt, era un talentoso músico, tocaba violonchelo y piano, en la orquesta de la corte del Príncipe de Hungría. Entre ensayos y clases, se convirtió en el primer maestro de su hijo, cuando este tenía apenas seis años. Con ocho años, tuvo sus primeras presentaciones en su pueblo natal; su padre lo llevó a presentarse en distintas cortes y escenarios, hasta que el pequeño Liszt fue tomando relevancia local. En 1820, un medio local escribió sobre una de sus presentaciones: “La extraordinaria destreza de este joven artista, así como su rapidez y facilidad para leer las piezas más complicadas de un vistazo mientras se las iban colocando, causó una verdadera admiración”. Con apenas diez años, él y sus padres se mudaron a Viena, capital músical que había visto el surgimiento de grandes músicos como Mozart, Beethoven y estaría por ver a otros como Strauss. Allí, aprendió técnica para piano con Carl Czerny, alumno de Beethoven y composición con Antonio Salieri, director de música de la corte vienesa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En Viena conoció a Beethoven y recibió su bendición y, según registra el diario El Clarín, con solo once años cautivó a un público con variaciones de su autoría sobre un vals de Diabelli, lo que lo llevaría a mudarse a París.Con casi doce años de permanencia en la capital francesa, Liszt se convirtió en un músico prodigio, en políglota también al dominar el alemán, el francés, el italiano y en menor medida el inglés. Conoció a Strauss y al “poeta del piano” Chopin, pero no fue sino hasta 1831 que un músico se convirtió en verdadera inspiración para su carrera. Ese año escuchó por primera vez a otro prodigio, pero no del piano, sino del violín, Niccolo Paganini, apodado “el violinista del diablo”, en ese instante, Liszt quiso ser para el piano lo que Paganini para el violín. Liszt fue maestro de piano, director de orquesta y promotor y benefactor de otros compositores y artistas, pero antes de llegar a esa etapa de su vida, y después del concierto de Paganini, compuso, estuvo de gira, se entregó a la fama y se dedicó a extender los límites de las presentaciones de piano hasta llevarlos a los recitales como los conocemos hoy en día. Hasta Liszt, se acostumbraba que las presentaciones de piano incluyeran las partituras y que el piano estuviera dispuesto de frente al público, pero él, decidió presentar sus obras de memoria y sentarse frente al piano, de tal forma que los espectadores pudieran ver todos sus movimientos, la disposición de su cuerpo y el frenesí que transmitía su postura en algunos momentos de su interpretación.Fue aclamado por el público, vivió de gira por unos años e incluso fue adquiriendo una fama de mujeriego y rompecorazones en las ciudades que visitaba. En 1840, Robert Schumann escribió sobre una presentación de Liszt: “Semejante capacidad para subyugar no puede comprobarse en otro artista, exceptuando a Paganini (...) Hay que escucharle y también verle: Liszt no podría de ningún modo tocar desde detrás de los bastidores, porque de esta forma se perdería gran parte de su poesía”.La pasión y energía desbocada que ponía Liszt en las teclas del piano se trasladó a sus seguidores, que asistían a sus recitales vibrantes e innovadores, eran sus fans, si se quiere decir, y desencadenaron la “lisztomanía” como denominaron al fenómeno musical que despertó el pianista, un término usado por el escritor y poeta Heinrich Heine para describir sus presentaciones en París. Sin embargo, la vida de estrella no perduró en el tiempo, pues para finales de la década de 1840 decidió terminar con las giras y multitudes para enfocarse en la academia y en sus composiciones. Fue director de música de la corte en Weimar, Alemania por alrededor de trece años, tiempo en el que compuso sus doce poemas sinfónicos. Además, en ese periodo fue amigo y defensor de la música de Richard Wagner, quien más tarde tomaría por segunda esposa a Cosima Liszt, hija del pianista, más tarde conocida como Cosima Wagner.Para 1861 Liszt dio por terminada su estadía en Alemania, para mudarse a Roma, donde dedicó sus composiciones y su arte a la religión, una vocación que retomó, pues aunque sintió un llamado religioso en su niñez, primó la música y la influencia de su padre hacia ella. En roma completó los oratorios Die Legende von der heiligen Elisabeth (1857-62) y Christus (1855-66), así como una serie de obras menores.Aunque no llegó a ser sacerdote, sí recibió las órdenes religiosas en un monasterio romano y fue nombrado abad. Entre sus obras más destacadas se encuentran su Sonata en Si Menor, de un único movimiento; el Concierto para Piano No. 1 en Mi bemol mayor, S.124 y las cuatro piezas para piano Mephisto Waltzes, inspiradas en Fausto de Goethe. Su devoción la retrató al escribir sobre su obra: "No compuse mi obra como quien se pone una vestidura eclesiástica... más bien brotó de la fe verdaderamente ferviente de mi corazón, tal como la he sentido desde mi infancia".El aporte de Liszt al desarrollo de la música clásica está impreso no solo en los recitales de piano actuales, sino en la música de artistas como Claude Debussy, Sergei Rachmaninoff, Camille Saint-Saëns y, por supuesto, Wagner, que se inspiraron en su estilo y composiciones. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Así lo asegura en una entrevista la directora general del Instituto Colombiano de Antropología e Historia (ICANH), Alhena Caicedo, quien valora que el país puede "darse el lujo de hacer una investigación que le permita contar la historia desde su punto de vista"."La historia siempre la han contado otros, gente de afuera: desde España, Europa, Estados Unidos, el norte global. Incluso aquí mismo los historiadores señalan que la historia la construyen y la escriben los ganadores de la historia. Tal vez necesitamos otras perspectivas, otro punto de vista", afirma.Nueva hipótesisUno de los resultados de la expedición científica 'Hacia el corazón del galeón San José' es una nueva hipótesis sobre el hundimiento del barco.Según la investigación, el galeón español no fue hundido por una explosión en el siglo XVIII, al ser atacado en el mar Caribe por corsarios ingleses, sino que pudo ser por otras razones, como una "mala reparación".La versión "oficial" del hundimiento proviene de tres capitanes ingleses que fueron juzgados por una corte marcial de Port Royal (que en la época era la sede del Gobierno británico en Jamaica) quienes aseguraron que el San José explotó repentinamente, esto con el objetivo de librarse de responsabilidades por no poder robar el cargamento del galeón.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Esa ha sido la historia y esa fue la versión que prosperó en el tiempo, que nos llegó a nosotros y básicamente la que se ha pensado que es la verdadera. ¿Qué pasa con esa versión de la historia? resulta que lo que han encontrado los historiadores es que es una versión construida, básicamente a partir de testimonios ingleses", explica Caicedo.Sin embargo, los investigadores colombianos han revisado este año más de 250 expedientes y señalan que hay testimonios que desmienten a los ingleses, como el del marinero Pedro García de Asarta, que dijo haber escuchado el ruido del hundimiento de una nave, pero no oyó ninguna explosión.Este marinero de la época señaló que "el hundimiento se dio por una mala reparación del Galeón San José, derivada de un accidente que se dio en el viaje de Cartagena a Portobelo (Panamá)"."Un poco lo que han hecho los historiadores es revisitar esa idea y contrastar otro tipo de fuentes que habían sido consultadas efectivamente por investigadores, pero a las que no se les había dado el peso que en este caso se les está dando", precisa la directora del ICANH.Postura novedosaEl San José, que pertenecía a la Armada española, fue hundido, según crónicas de la época, con cerca de 11 millones de monedas de ocho escudos en oro y plata que había recogido en la feria de Portobelo.Luego del anuncio del hallazgo del pecio surgieron disputas entre Colombia y España, ya que ese país aduce que por tratarse de "un barco de Estado", con su bandera, le amparan las normas de la Unesco para reclamar su titularidad.El Gobierno del presidente colombiano, Gustavo Petro, decidió tratar el galeón como patrimonio cultural y "objeto de investigación científica", cuyo primer resultado, explica Caicedo, fue establecer que "el pecio que está a 600 metros de profundidad no había tenido ninguna intervención ni nadie lo había saqueado y no había sido parte de un complot para destruirlo ni nada por el estilo, está integral"."Este proyecto de investigación es complejo y por lo tanto tiene una larga duración. Esto no se va a resolver en un año y es un proyecto de investigación que además tiene diferentes fases. Nosotros estamos en la primera fase", afirma la funcionaria.Esta iniciativa, cree Caicedo, permite "abrir una veta nueva de la investigación científica en Colombia, en lo que tiene que ver con patrimonio cultural sumergido"."Estamos abriendo un campo de investigación que había sido súper marginal y muy poco explorado en Colombia, y en general en América, y hablar de patrimonio cultural sumergido tiene que ver con volver los ojos sobre el agua, los mares, los ríos, las lagunas y entender también qué información podemos tener ahí sobre el pasado del territorio", concluye.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
De acuerdo con TMZ, que cita fuentes policiales en Argentina, las pruebas de toxicología revelaron además que había "cristal" en su sangre, la versión argentina de la metanfetamina.Según sus fuentes, la Policía encontró una botella de alcohol en la habitación del artista, así como medicamentos recetados contra la ansiedad.La noticia de la muerte de Payne, de 31 años, el pasado 17 de octubre, causó gran conmoción en su Reino Unido natal y produjo una cascada de reacciones de pesar en las redes sociales, donde se convirtió inmediatamente en un tema del momento (trending topic).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Fotos de la habitación del hotel en Palermo desde donde cayó el artista, y que publicó TMZ, muestran la pantalla del televisor destrozada, un polvo blanco sobre una mesa y diverso instrumental relacionado aparentemente con las drogas.Los resultados de la prueba parecen respaldar lo que la Policía ya ha dicho, de que las drogas pueden haber sido un factor en el posible suicidio de Liam, destaca además el sitio web.Geoff Payne, padre del artista, viajó a Argentina al día siguiente de su muerte para la repatriación de su cadáver al Reino Unido, un proceso que podría tardar entre diez y quince días.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Con el debut estelar del músico colombiano Juanes en la gran pantalla, la película cuenta con un elenco de lujo con el mexicano Alejandro Speitzer, el cubano Alberto Guerra y la colombiana Laura Osma, dirigidos por el también colombiano Andrés Baiz, que ya ha estado al frente de producciones como Narcos o Griselda.Es una película que "se siente colombiana", explicó Baiz en la premier de la película, que se podrá ver en las grandes pantallas del país a partir de este jueves 10 de octubre, antes de llegar a Prime Video.La cultura indígena wayúu, las expresiones, la gastronomía e incluso las peleas de gallos, muy comunes en las zonas rurales de Colombia, son algunos de los ingredientes que hacen de la película una muestra del país andino.Además, los desérticos paisajes propios del departamento de La Guajira, en el extremo norte del país, marcan el ritmo frenético de la película y condicionan los acontecimientos, con sus trochas desamparadas y el calor sofocante que acompaña a los protagonistas como un personaje más. Se trata de "un viaje sobre la pérdida de la inocencia, visceral y arriesgada", definió Baiz.Los hermanos Estrada La historia gira alrededor de los tres hermanos Estrada: Moisés (Juanes), el mayor; Ulises (Alberto Guerra), el mediano y Juan (Alejandro Speitzer), el más joven.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Los tres son unos pimpineros a la vieja usanza que se dedican al contrabando de gasolina entre Venezuela y Colombia en 2012 y viven en el desértico departamento colombiano de La Guajira hasta que rencillas con otros contrabandistas acaban en un dramático final.Y aunque ellos son el eje central, Diana, la novia del hermano pequeño que es interpretada por Laura Osma, acaba tomando las riendas protagónicas.Además del contrabando de gasolina, también se abordan otras problemáticas como el tráfico de personas con el objetivo de "poner una luz sobre la problemática que está pasando en la frontera", abordando "los límites éticos y morales", en palabras del director.Baiz, que ya ha dirigido producciones contando realidades latinoamericanas marcadas por la violencia o el narcotráfico, defiende que "hay que entender los contextos, uno no puede enjuiciar a alguien por lo que hace", por eso la película, cuya idea le llegó después de ver una "caravana de la muerte" hace diez años, habla "de seres humanos, poniendo a un lado a lo que se dedican".En este contexto, Speitzer celebró en un encuentro con medios de comunicación tras la premier que "el cine latinoamericano está dando pasos agigantados, hay muchísimo talento", mientras que Juanes admitió que fue un proyecto que lo puso "en un lugar extremadamente incómodo" pero en el que aprendió "muchísimo", por lo que no descarta seguir actuando.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
HE OÍDO LA NOTICIA de que la carretera hacia el pueblo de mi padre, Liborina, será asfaltada el próximo año:fue para mí como si se me borraran de golpetodas las letras y todas las palabras que mi padre me dictaa través del polvo blanco que levantan los autosal pasar,como si nunca más mi padre me volviera a escribirsus cartas del pasado, en las páginas que sólo yo entiendo, en las que dan altas voces de alegría y secreto las clavellinas y los pastos del verano, sobre los que duermo y muero muchos días antes de morir…AUTOBIOGRAFÍAEste es un tiempo muy especial, que no encuentro cómo describir:tiempo en el que nadie devuelve lo que le prestan,tiempo en el que todos toman souvenirs de las casas que visitan,como si se tratara de museos y recintos de personas famosas e importantes.Tiempo en el que cada cual trabaja para su orgullo, aun en los días de fiesta o en las noches, guardándose alguna lámina, un anillo, o libros, alguna cosa, con tal de no perder el tiempo, de salir con algo nuevo y agregado a la calle, con tal de no salir como entraron. Tiempo de los aprovechados, tiempo raro que tuerce las buenas intenciones.¿O están tan pobres de cosas ajenas, tan decepcionados y cansados de lo propio, que necesitan un secreto que no sea suyo?Cuando presto algo me despido de mis cosas que presto, porque sé que quien las recibe olvida enseguida a quién pertenecen.Llevan cosas de otros y las encierran en casa como herencias antiguas. Reciben favores y no los devuelven. Reciben del cielo por los patios porosos, por las ventanas de aire y luz, reciben tantas cosas,pero ellos apenas devuelven los saludos y las buenas noches al despedirse en las fiestas.¿Dónde están todos los libros y revistas que presté?Navajas, semillas, pipas de agua, separadores, fósforos y cigarrillos de colección, y alguna foto en la que estoy abrazado al ladrón...¿Dónde está todo lo que di en estos años y nadie me devolvió ni cambió por otra cosa más hermosa?💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.ESTA ES LA SUPERFICIE.Aquí digo sí y no con facilidad, aquí tengo techo y refugio.Pero bajo este poema hay otro que no logro escribir, bajo mi voz corriente hay otra voz sin miedo, iluminada,bajo mi susurro hay un pariente desaparecidoque canta.Los caballos que pastan bajo la lluvia son la imagen de otros caballos que besan una pradera verdadera.Bajo este poema hay otro que no escucho, que nunca escucharé.EL ANTIGUO RESTAURANTE Ahora sólo se escucha el roce de las hierbas, los silbatos de los autos que pasan de largo.Pero a la medianoche se oyen los ruidos de los vasos, susurros de novios separados hace tiempo, preguntas de los que apenas se conocen, con un interés que hace temblar el aire.Los perros callejeros de hace años dan vueltas y olfatean las piedras.El maitre de aire se frota las manos y alisa su cabello, mientras la joven cocinera se ha abierto una herida resucitada en la palma de la mano.El pianista sale a la calle unos minutos, y mira el cielo que esta noche también le inspirará una bella canción de deseos muertos.POÉTICA Como un horno en este antiguo depósito de cafépero aquí vivo y duermo y bajo a comer siguiendo el oscuro cajón de la escaleray mi tío es mi padre y su sirvienta de 15 años amablees mi madrey mucho fumo y visito el chorro de agua del baño y los naranjosy aguzada la constelación de Orión en el cielo como un autoNo pierdo una palabra hasta de los niños que discuteny lo que blasfeman los muchachos al montarsacos de café a las jaulas¿Qué significa el bello polvo blanco que cubre la carretera a la piscina?También lo he preguntadoHe recogido nombres de árboles y frutas pero aún no he bajado hasta ellosTodo lo que duramente hago es escuchary cargo atmósferas y vocescomo si pasearaAños enteros para ver unas cuantas cosascomo sonel ceñudo aire cargado de rápidas presenciasy de brazosDesde el balcón mi tío me ha propuesto:el árbol verde de hojas rojas saltonashazlo verY así lo haré🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La película, estrenada en el Forum de la Berlinale, compite en la sección Horizontes Latinos del certamen donostiarra, donde en 2022 participó en su WIP Latam, una plataforma de apoyo a la postproducción de filmes latinoamericanos.Uribe (Medellín, 1988) escribió su historia a partir de una escena de la que fue testigo en un autobús de su ciudad, cuando una mujer subió al trasporte público y pidió al conductor que le avisara cuando llegaran a la parada en la que debía bajarse, a lo que él respondió invitándola a sentarse en el asiento situado a su lado.Tomó ese pequeño episodio como "un regalo de la vida cotidiana". "Empecé a ver una atracción entre ellos. Me pregunté si se volverían a ver y si sería para una noche de pasión o algo más. Esa sola situación contenía todo el universo de la película", remarca la cineasta en una entrevista con EFE."Lo que me interesaba era explorar el deseo femenino, que es uno de los temas que más invisibilizado está en la sociedad, del que no se habla y que en la historia del cine básicamente ha sido narrado por hombres", explica Uribe, que escribió el guion tras una exhaustiva investigación para conocer las experiencias de muchas otras mujeres y tras la observación de personas muy cercanas de su familia."Mujeres -dice- que son madres y se olvidan de sí mismas y no solamente del placer sexual. También del placer de los pequeños gestos de la vida cotidiana que muchas veces las mujeres anulamos porque tenemos que hacernos cargo de otro, porque tenemos que atender al otro", añade.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Esta realizadora está trabajando también en una tesis doctoral sobre los personajes femeninos en el cine latinoamericano dirigido por mujeres entre 2010 y 2022."Esos personajes son mujeres complejas que están en una búsqueda de su identidad. En esas películas encontré, aunque el tema central no sea el deseo ni la sexualidad propiamente, que había una pregunta de la mujer por su sexualidad y por el erotismo de una u otra forma. Eso me reafirma en que definitivamente es un tema que nos atraviesa a todas. Y son personajes que contradicen o desafían esas miradas hegemónicas sobre lo que se supone que es una mujer", afirma.Cree que su película, estrenada en junio en Colombia, ha mostrado "cosas distintas" porque más de una persona le ha asegurado que "se nota que fue hecha por una mujer"."Me pregunto mucho en qué nota, porque para mí no hay otra forma de hacerla, porque es mi forma de estar en el mundo. Algo que me han dicho en varios contextos es que hay una sensibilidad distinta en la manera de mirar el personaje, en la manera de filmarlo, en los detalles que tiene la película. A mí me pasa lo mismo con los filmes que analicé en mi tesis", destaca.Yennifer Uribe ha acudido al festival acompañada por Alba Liliana Agudelo, la actriz que da vida a Sandra, la protagonista del filme, una intérprete que procede del teatro y que con esta película se estrena en la gran pantalla."Fue un reto grande, un regalo. Jamás imaginé pertenecer al universo del cine", afirma la actriz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La chilena se presenta por vez primera al festival con su primer largometraje de ficción, El lugar de la otra, la historia real de la escritora María Carolina Geel, que en 1955 mató a tiros a su amante.El argentino Lerman vuelve a participar, esta vez con El hombre que amaba los platos voladores, un filme sobre la creación audiovisual de presencia alienígena más recordada de la televisión de su país.También en la Sección Oficial, donde hay 22 películas, compite la cinta de terror El llanto, una coproducción de España, Argentina y Francia dirigida por el español Pedro Martín-Calero.Todas ellas serán examinadas por un jurado internacional presidido por Jaione Camborda y en cuyas deliberaciones participará la escritora y periodista argentina Leila Guerriero.En el apartado específicamente dedicado a producciones latinoamericanas inéditas en España, este año hay 24 películas seleccionadas para competir por el Premio Horizontes.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El director chileno José Luis Torres Leiva inaugurará Horizontes Latinos con Cuando las nubes esconden las sombras, que entremezcla realidad y ficción para acompañar a la actriz María Alché al extremo sur del mundo.La argentina Celina Murga acude con El aroma del pasto recién cortado, Premio al mejor guion en el Festival de Tribeca, que narra de manera paralela dos romances en la universidad.La venezolana Mariana Rondón participará con el estreno mundial de Zafari, que sitúa en un mundo distópico, donde la llegada de un hipopótamo al zoológico desata el conflicto.La argentina Lola Arias se presenta con Reas, Premio del Público al Mejor Documental de Cinélatino-Toulouse, con el que reinventa el género musical en una obra en la que un grupo de mujeres baila y canta en prisión.La panameña Ana Endara proyectará, tras su estreno en Toronto, Querido Trópico, sobre las soledades de una mujer con demencia y su cuidadora.Del porteño Federico Luis, se proyectará su ópera prima, Simón de la montañá, sobre un joven ayudante de mudanzas con la que ganó el Grand Prix de la Semana de la Crítica de Cannes.Nahuel Pérez Biscayart y Úrsula Corberó protagonizan El jockey, centrada en un jinete cuya carrera se desmorona a medida que sus adicciones se apoderan de él.Con Cidade; Campo, dos historias de migración entre la ciudad y el campo, viaja la brasileña Juliana Rojas a San Sebastián tras conseguir el Premio a la mejor dirección en la sección Encounters de la Berlinale.Las mexicanas Astrid Rondero y Fernanda Valadez presentan Sujo, una historia de supervivencia del hijo de un sicario, Gran Premio del Jurado en la sección World Cinema Dramatic Competition de Sundance.El peruano Salvador del Solar, que concursó con Magallanes en Horizontes Latinos en 2015, regresa con su segundo trabajo, Ramón y Ramón, sobre el encuentro de dos hombres en su país durante la pandemia.La colombiana Yennifer Uribe Alzate se estrena en el largometraje con La piel en primavera, acerca del proceso de liberación de una mujer que trabaja como guarda de seguridad en un centro comercial.Dormir de olhos abertos (producción de Brasil, Argentina, Taiwán y Alemania) es un proyecto de historias cruzadas de la alemana Nele Wohlatz, con el que este año ganó el Premio Fipresci en la sección Encounters de la Berlinale.Estas películas se suman a otras dos que cuentan con producción española, Los domingos mueren más personas, del argentino Iair Said y Quizás es cierto lo que dicen de nosotras, de los chilenos Sofía Paloma Gómez y Camilo Becerra.Fuera de concurso, este año además se celebra el ciclo En la otra isla, una selección de 19 cortometrajes y mediometrajes cubanos restaurados, realizados entre las décadas de 1960 y 1980.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Academia Colombiana de Cine anunció este miércoles la selección de este filme, que ha sido reconocido con varios galardones como el Premio del Público en el 63 Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (Ficci), Coral a Post Producción en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana (Cuba) y Best Feature Film by Radio Exterior de España en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva.La historia está basada en lo que sucedió en San Basilio de Palenque en 1977 cuando Kid Pambelé ganó el título mundial de boxeo por primera vez para Colombia.En ese entonces, San Basilio no tenía electricidad ni televisores, pero cuando Pambelé salió campeón, el gobierno llegó al pueblo al día siguiente con un televisor y la gente quedó indignada porque no había electricidad para encenderlo.Basada en esta historia, con partes documentales pero también de ficción, la película habla de una adolescente que sueña con ser boxeadora y cuando se entera que su tío peleará por el título mundial y el evento será transmitido en vivo por televisión, ella y la comunidad hacen hasta lo imposible para ver la pelea, mientras luchan contra el olvido.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."La suprema es el reflejo de la cantidad de pueblos que viven en situaciones de precariedad pero que no se quedan en la tragedia, sino que viven su realidad desde la esperanza y la resiliencia. Estos pueblos no solo están en Colombia, sino en toda Latinoamérica y en gran parte del mundo", explicó el director, Felipe Holguín, citado en un comunicado de la Academia Colombiana de CineLa 39° edición de los Premios Goya se celebrará el 8 de febrero de 2025, mientras que la 97° edición de los Premios Óscar se llevará a cabo el 2 de marzo del mismo año.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Esto es un llamado de atención al Gobierno colombiano, pero sobre todo al Estado colombiano, independientemente del Gobierno de turno (...), a tomar responsabilidad por sus ciudadanos y ciudadanas y cumplir sus obligaciones", explica la realizadora Mónica Taboada Tapia.Alma del desierto es en realidad un documental que aborda la historia de resistencia, esperanza y justicia de la señora Georgina Epiayu y ha sido estrenado como evento especial en las Jornadas de los Autores, un certamen autónomo y paralelo al Festival de Venecia.Esta mujer trans ve su identidad desfigurada en la maquinaria burocracia colombiana, buscando un carné de identidad femenino desaparecido desde hace décadas, hasta que decide ponerse en marcha para encontrar a sus hermanos en los áridos parajes de La Guajira.Su odisea le llevará a encontrarse con sus dos parientes que no hablan en español y sobreviven a malas penas al margen de la burocracia colombiana, en un territorio herido.Taboada Tapia recuerda que en 2019 acompañaron a la señora Epiayu a recoger su documento de identidad creyendo que llevaría solo algunos meses y no fue hasta 2021 que lo consiguió con su nombre de mujer, y eso que llevaba reclamándolo desde hacía 45 años.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Una persona que demoró 45 años en obtener su identidad, en ser reconocida, es un llamado de atención súper fuerte a un Estado en cualquier lugar del mundo", lamentó la cineasta y antropóloga.El caso de Georgina, miembro de una comunidad indígena ancestral, demuestra, a su parecer, que "cualquier ser humano tiene derecho a reconocerse a sí mismo y a ser validado por cómo se reconoce" sin "tantos debates irracionales" a su alrededor."Cada quien debería centrarse en su propia vida, las personas tienen derecho a decidir sobre sus propias existencias. Esa persona no le hace ningún daño a nadie, al contrario, el daño que hubo sobre su propia identidad y su vida en casi medio siglo no es reparable", lamentó.Ahora, a sus 70 años y con su DNI, su vida "es tranquila" en La Guajira porque su comunidad, el pueblo 'wayú', "la protege"."Afortunadamente es una persona que gracias a su entereza y su fortaleza pudo sobrevivir en el tiempo y por eso está contando su historia, porque muchas personas no sobreviven", sostuvo.En un primer momento Taboada Tapia quería hacer otra película con un tono "súper poético" al saber que su familia materna habitó hace tres generaciones en este territorio colombiano pero decidió cambiar sus planes al encontrarse en 2016 con el caso de esta anciana."La realidad me fue poniendo trabas a esa idea que yo tenía como directora y yo me moldeé a la realidad de unas realidades súper crudas (...) que merecían reconocimiento", subrayó.La realizadora valoró la presencia de su película en Venecia, que ve como "un final feliz", pero sobre todo apreció el hecho de que "un montón de comunidades indígenas de Colombia en este momento se están empoderando"."Todo va por muy buen camino para que personas que históricamente han sido desfavorecidas tengan cierto reconocimiento (...) después de un montón de injusticias históricas a lo largo del tiempo en muchos lugares del mundo con muchas personas que están fuera del sistema porque no hablan el idioma dominante o porque pertenecen a otras culturas", celebró.Por el momento, esta "Alma del desierto" ha alcanzado Venecia para dirigir al mundo su prodigioso ejemplo de esperanza.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este evento contará con nueve salas que ofrecerán funciones por toda la ciudad que incluyen la Cinemateca de Bogotá, la Alianza Francesa o el Centro Cultural Gabriel García Márquez y estará organizado en distintos programas que incluirán charlas, seminarios y tallares impartidos por profesionales como la directora salvadoreña Tatiana Huezo o el productor alemán Heino Deckert.Organizada por la Corporación Colombiana de Documentalistas (ALADOS) la muestra otorgará tres premios a realizadores de documentales: el Premio Cultura Bogotá, a la mejor película nacional y a la mejor iberoamericana; el Quijote Federación Cineclubes y el Corte final.Algunos de los programas que incluirá el festival serán 'Espejos: crisis de antropoceno y cortometrajes por la vida y el territorio', ' Vestigios que arden', 'De la promesa a la fábula' o 'Bajo estas aguas hubo un pueblo', y esta edición se centrará en el documental francés con el programa 'Francia, crisol de realidades'.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Uno de los espacios destacados del evento, según manifiesta la organización en un comunicado, es el 'Encuentro pensar lo real', para dialogar, reflexionar y debatir sobre este género del cine y "los abismos de la realidad humana, explorando las consecuencias destructivas de nuestras acciones, como los impactos ambientales, guerras y conflictos".Como novedad en esta edición parte de las proyecciones tendrán lugar en la plazoleta del Centro Nacional de las Artes Delia Zapata con una serie de documentales sobre figuras populares de la cultura colombiana y películas sobre la identidad y el territorio colombiano.Además, a lo largo de estas cinco jornadas de cine, habrá funciones en colaboración con comunidades afrodescendientes, indígenas o víctimas del conflicto armado para incluir a toda la población y todos los rincones de Colombia.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Durante 25 años, Juliana Rojas ha construido una trayectoria cinematográfica que la ha consolidado como una figura clave del cine latinoamericano. Su obra fusiona elementos del cine fantástico, el drama doméstico y el terror, creando personajes míticos que ofrecen una reinterpretación audaz de nuestro presente. A través de su mirada crítica, aborda temas como la maternidad, la vida familiar y el entorno laboral, en un cine que desafía la lógica para dejar aflorar impulsos subterráneos representados por fluidos, latidos y pasiones.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Esta retrospectiva abarca desde sus primeros cortometrajes como estudiante en la Universidad de São Paulo hasta su más reciente película, estrenada en 2024. En su cine, la mujer ocupa el centro de las narrativas, y se exploran nuevas formas de experimentar la fantasía, invitando al espectador a sumergirse en un universo donde el cine se transforma. Con especializaciones en edición, guion y sonido, Rojas ha trabajado tanto en solitario como en colaboración con Marco Dutra, y sus obras han sido seleccionadas en festivales internacionales de renombre. La retrospectiva presenta un recorrido por su carrera a través de largometrajes y cortometrajes, proyectados en la Cinemateca de Bogotá y en las salas locales de El Tunal y Fontanar del Río.La muestra, organizada con el apoyo de la Embajada de Brasil en Bogotá y el Instituto Guimaraes Rosa, está curada por Luis Felipe Raguá y Valentina Giraldo Sánchez, y se compone de cinco programas. El primero incluye su película más reciente, Cidade; Campo (2024), mientras que el segundo presenta Los buenos modales (As Boas Maneiras, 2017). El tercer programa reúne Para yo dormir tranquilo (2011) y Sinfonía de la necrópolis (2014), el cuarto incluye Nacimos hoy, cuando el cielo estaba cargado de hierro y veneno (2013) y Trabajar cansa (2011), y el quinto es una selección de cortometrajes titulada Un pálpito bajo la tierra, con títulos como Vestida (2008), Un ramo (2007), Las sombras (2009), El paso del cometa (2017) y La doble (2012).La retrospectiva se inaugurará oficialmente el 18 de octubre a las 8 p.m. en la Sala Capital de la Cinemateca de Bogotá, con la proyección de Cidade; Campo (2024), que fue parte de la sección Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián 2024 y recibió el premio a Mejor Dirección en la sección Encounters del Festival Internacional de Cine de Berlín este mismo año. Esta función será de entrada libre y contará con la presencia de la directora. Además, Juliana Rojas participará en sesiones de preguntas y respuestas en algunas proyecciones tanto en la Cinemateca de Bogotá como en las salas de El Tunal y Fontanar del Río.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El legendario actor ganador del Óscar interpretará a un financiero italiano que ayuda económicamente a los hermanos Maserati.La película Maserati está producida por el italiano Andrea Iervolino a través de su nueva empresa de cine y televisión llamada The Andrea Iervolino Company, según el medio especializado."Tener a Anthony Hopkins a bordo es un sueño hecho realidad", dijo Iervolino en un comunicado. "Su capacidad incomparable para encarnar personajes complejos sin duda elevará nuestra historia, y estamos ansiosos por ver cómo aporta profundidad a su papel".Variety recuerda que Maserati fue fundada en 1914 en un garaje de la ciudad de Bolonia, en el centro de Italia, por tres hermanos: Alfieri, Ettore y Ernesto.El tridente que es el emblema de la empresa es una réplica del que se encuentra en la Fuente de Neptuno de Bolonia. Desde el principio, la empresa, que ahora es conocida por sus coches de lujo exóticos, estuvo ligada al mundo de las carreras de coches.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El primer coche de carreras de Gran Premio de Maserati, llamado “Type 26”, es el vehículo que conducía Alfieri Maserati en la carrera de la Copa Messina de 1927 cuando sufrió un grave accidente.Alfieri murió unos años después, el 3 de marzo de 1932, a la edad de 44 años por complicaciones relacionadas con ese accidente.Hopkins, el inolvidable Hannibal Lecter, de El Silencio de los inocentes (The Silence of the Lambs), ha destacado recientemente en su papel como el emperador Vespasiano en los últimos años de su reinado de una década en la serie de gladiadores de Roland Emmerich Those About to Die (Los que van a morir). 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Sus padres también estaban comprometidos políticamente y esto le marcó el camino, afirma en una entrevista Binoche, que este viernes recibe el premio honorífico del trigésimo Festival de Cine Francés de Málaga (sur de España)."El compromiso viene más de lo que hacemos que de lo que decimos. Siempre he buscado una buena elección de las películas en las que he trabajado, porque el cine interactúa con la sociedad y la modela. Por eso sigo fascinada por ser actriz", señala.Le emocionó entregar el premio de honor de Cannes a Meryl Streep porque, "gracias a su trabajo, ha conseguido cambiar el canon de belleza en el cine, de una mujer un poco infantil y seductora, como Marilyn Monroe, con sus curvas y su encanto, a otro modelo de mujer en el que hay una trayectoria"."Esto ha hecho que los demás, sobre todo las mujeres, piensen que hay otros modelos que también se pueden adoptar, no solo el modelo clásico de los años 50. Tener referencias diferentes de mujer y verlas evolucionar es un regalo, por eso es importante reconocer su trayectoria", añade.¿Y Juliette Binoche ha sentido que le ofrecen menos papeles por ser una actriz madura? "No", responde con rotundidad.A su juicio, el trabajo de actriz supone convertirse en un espejo y transmitir su alma para que el espectador pueda reconocerse, y tiene una dimensión terapéutica. "Puede servir para sanar o para ayudarnos a soportar la vida".Sobre su relación con los directores, desvela que, cuando trabaja con un buen cineasta, no le pide nada. "Simplemente confío. Son los directores jóvenes los que quieren controlar más, porque tienen miedo"."Con los directores hago un trato: les pido que me dejen actuar libremente en las tres primeras tomas y les digo que, a partir de la cuarta, haré lo que quieran. Normalmente están contentos", asegura con una sonrisa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Ganar el Oscar con 'El paciente inglés' cambió sin duda su vida, admite la actriz, que, al preguntarle si cambiaría algo de lo que ha hecho a lo largo de su carrera, subraya que vive "en el presente, no en la lamentación"."Todos sentimos melancolía y sentimos un vacío, una diferencia entre lo que vivimos dentro y el mundo exterior -reflexiona-. Ese vacío me lo planteo en el presente, desde la acción, qué puedo hacer para paliar ese vacío, y pienso en cómo hacer para cambiar las cosas"."Algunas veces quizá debería haber sido menos impaciente o haber hecho otra cosa, pero no lo vivo como una culpabilidad, sino con el deseo de reparar y de pedir perdón a la otra persona y a mí misma", agrega.Recibir un premio como éste del Festival de Cine Francés de Málaga supone hacer tangible su trabajo, puesto que "un ebanista hace una mesa y ve el resultado, pero para un actor es todo abstracto, le da vida a una emoción, y los premios son una manera de darle forma, pero no hay que caer en la autocomplacencia".Respecto al futuro, tampoco pretende marcarse un camino. "El futuro es el presente. Cuando pedimos algo al universo, al final toma forma. Debemos tener cuidado con lo que pensamos y lo que deseamos, porque puede ocurrir. Y está lloviendo, que es un regalo de los dioses, porque lo necesitamos", proclama mientras señala la calle mojada por la lluvia en Málaga.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Bob Dylan es considerado uno de los artistas y compositores más importantes del mundo, en el 2016 le otorgaron el Premio Nobel de literatura por su capacidad de componer canciones como poesía y hasta el momento se corona con trece premios Grammy.El director de cine James Mangold, conocido por trabajos como Logan, decidió adentrarse en la vida de Dylan desde que migró a Nueva York hasta que ascendió a la fama como uno de los artistas más importantes del siglo XX.La película será protagonizada por el actor Timothée Chalamet, quien fue nominado al Óscar por su papel en Call me by your name y es conocido por encarnar a Paul Atreides en la saga de Dune. Chalamet se montará en los zapatos del cantante en su juventud, su camino por el folk y la llegada al éxito.Además esta cinta autobiográfica mostrará la frustración del artista por explorar otros géneros musicales y los retos que enfrentó para llegar a la cima. En la película también se destacan las actuaciones de Elle Fanning como Sylvie Russo y Monica Barbaro como Joan Baez.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El nombre de A complete unknown proviene de la canción de Bob Dylan Like a rolling stone en la que menciona lo siguiente: “ser un completo desconocido, como una piedra que rueda”.La voz de Chalamet suena a lo largo de la película mientras la vida de Dylan avanza hacia la cima, lo que nos revela el tráiler es una serie de acontecimientos fundamentales para la vida del cantante como su primer viaje de Minnesota a la ciudad de Nueva York buscando fortuna.Vea el tráiler aquí: “Nueva York, principios de los años 60. En un contexto de vibrante escena musical y tumultuosa agitación cultural, un enigmático joven de 19 años de Minnesota llega al West Village con su guitarra y su talento revolucionario, destinado a cambiar el curso de la música estadounidense. Mientras entabla sus relaciones más íntimas durante su ascenso a la fama, se inquieta con el movimiento folk y, negándose a ser definido, toma una decisión controvertida que repercute culturalmente en todo el mundo”, se lee en la presentación de la película.A complete unknown llegará a las salas de cines de todo el mundo el 25 de diciembre de este año.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Duele. Esto significa que estoy viva" es la frase inicial de 'Cuando florece el ajenjo', una obra representada durante el festival anual León de Oro en el teatro Les Kurbas. La obra, basada en el baile y el canto, deja mucho que interpretar a los espectadores reunidos a unos dos kilómetros del lugar del ataque con misiles que mató a ocho personas hace apenas un mes.Sin embargo, el torbellino de movimiento, creado por diez actores en el pequeño escenario, capta el carrusel de emociones que sienten muchos ucranianos, divididos entre las amargas noticias diarias y el deseo de seguir adelante con sus vidas.En un momento dado, una actriz interrumpe su apasionado baile para explicar que lo está interpretando sobre las cenizas de su casa destruida. Dedica el baile a todos los que han muerto o han perdido sus extremidades, al tiempo que hace una demostración de rebeldía. "Baila con obstinación, sin dudas ni remordimientos. Porque ésta es la danza de la muerte del enemigo y la danza de tu vida", se dice a sí misma.Dos realidadesPuede que a muchos en el extranjero les resulte difícil entender cómo se combinan las dos realidades en Ucrania, explica Natalia Terletska, actriz entre el público. Una es aquella en la que las ciudades son bombardeadas cada día y la gente muere en sus casas y en la línea del frente. En la otra, la vida parece casi normal, con la gente acudiendo a teatros y museos.Terletska observa cómo la celebración de la vida contrasta con la muerte traída por Rusia, mostrando que el país invadido se niega a dejar que el enemigo imponga su voluntad. Sin embargo, la fragilidad de la situación es evidente. "Solo gracias a nuestro ejército podemos estar aquí ahora", subraya Andrí Vodichev, otro actor, después de la obra, pidiendo donativos para ayudar a equipar a la unidad de un amigo que lucha en el frente.Tiempo insuficienteLa sensación de que la guerra lo ha acelerado todo se refleja en 'Kindergarten' (guardería), una exposición dentro del Festival de Escultura.Talladas en madera con una motosierra, las esculturas representan a niños jugando con juguetes, montando un caballo de madera frente al retrato de un general o balanceándose en el aire. "La madera me ayuda a expresar lo que me preocupa y me duele mucho más rápido que el metal o la piedra", explica su creador, Volodímir Semkiv, que se pasó a este material tras el inicio de la invasión.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Las figuras tienen un aspecto tosco, intencionadamente carente de pulido, lo que hace que algunas parezcan amenazadoras. Según Pavlo Gudímov, el comisario, la exposición da a entender cómo los adultos se comportan a menudo como niños. Primero crean el caos esparciendo sus "juguetes" por todas partes y luego escapan de las consecuencias de sus actos, sugiere.Explicar la guerraCómo explicar al público extranjero que Ucrania lucha por su supervivencia contra el imperialismo ruso ha sido uno de los temas clave del 'Foro del Libro', que reunió, en persona y en línea, a autores como Salman Rushdie, Djamila Ribeiro y Lydia Cacho.En América Latina, muchos siguen viendo la invasión a través del prisma de la Guerra Fría, como una batalla entre dos grandes potencias geopolíticas, subrayó Cacho, reconocida periodista de investigación, en la presentación de su libro infantil 'El día que invadieron mi planeta'.Por eso es importante dar voz a sus víctimas, en particular a los niños, argumenta, con su relato en el que describe un ataque del ladrón de Brutus Robaplanetas, obsesionado con el poder, al planeta Ukrai. "Los niños ucranianos con los que he hablado sienten que Rusia les ha robado todo su mundo. De eso trata el libro", afirma.Estas historias más sencillas pueden calar más fácilmente en los corazones de los lectores extranjeros que los necesarios, aunque a veces abrumadores, relatos detallados de los crímenes de guerra rusos, cree Cacho.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La muestra de De Amaral, que se podrá visitar hasta el próximo 16 de marzo, ha sido el proyecto elegido por la Fundación Cartier para el arte contemporáneo para despedirse de su emblemático edificio de cristal en el barrio de Montparnasse, creado por el arquitecto francés Jean Nouvel en los años noventa, antes de mudarse en 2025 al céntrico distrito del Palacio Real.A través de 80 obras, la gran mayoría de las cuales nunca habían abandonado las fronteras de Colombia, la retrospectiva sobre De Amaral no solo pone de relieve a una artista muy poco conocida en Francia, sino que también reivindica el lugar del arte textil en los grandes museos.Es una disciplina que históricamente fue ignorada o considerada como menor, relegada al plano de la artesanía, y que tras un impulso en los años sesenta y setenta se vio opacada por el gusto posmodernista de privilegiar un arte más minimalista, que esconde la mano de su autor, al contrario de lo que ocurre con el arte textil.Pero en la última década "ha cambiado muchísimo el punto de vista de las instituciones culturales" sobre estas prácticas, afirmó la comisaria de la muestra, Marie Perennès, en una presentación a la prensa."También es un arte hecho principalmente por mujeres, porque fue una práctica doméstica primero", añadió esta experta, quien además de concebir el proyecto junto a la arquitecta francolibanesa Lina Ghotmeh para darle una auténtica dimensión espacial a la exposición, durante los últimos años viajó a Bogotá en persona para preparar el proyecto con la propia De Amaral.La artista, de 92 años, no pudo viajar a París para inaugurarla, pero sí estuvieron presentes este jueves en la Fundación Cartier sus hijos Diego y Valentina.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre crines de caballo y pan de oroEn las manos de De Amaral, los tejidos de lino, lana, crines de caballo o incluso el plástico y el pan de oro, adquieren características escultóricas impregnadas de motivos y colores andinos, de influencias del arte precolombino y de la naturaleza colombiana.Nacida en Bogotá en 1932 de padres antioqueños, Olga de Amaral (cuyo nombre completo es Olga Ceballos de Amaral) estudió arquitectura en Cundinamarca antes de formarse en Estados Unidos en la academia Cranbrook, muy próxima a las enseñanzas de la Bauhaus alemana.En esa etapa, en el taller de la diseñadora finlandesa-estadounidense Marianne Strengell, descubre el arte textil o 'Fiber art'.En él se especializa a partir de los años sesenta y setenta junto artistas como Sheila Hicks o Magdalena Abakanowicz, con materiales y técnicas que beben tanto de los principios modernistas como de la tradición popular.Los tejidos procedentes de las culturas precolombinas son de hecho una gran inspiración para el 'Fiber art', pero la gran diferencia en De Amaral, según resaltó Perennès, es que esa influencia formaba ya parte de su propia identidad y geografía.Así se puede ver en esta retrospectiva en obras como 'Estelas', que hace referencia a las grandes piedras funerarias descubiertas en los yacimientos arqueológicos precolombinos, o en 'Nudos', que rinde tributo a una especie de libros de contabilidad que los incas elaboraban con tejidos.Por su parte, las tiras ocres de 'Lianas' remiten directamente al mundo natural de la vegetación, mientras que los hilos flotantes de la serie 'Brumas' evocan también el paisaje colombiano.Ese último conjunto de obras fue precisamente la semilla de esta retrospectiva, ya que la Fundación Cartier las exhibió por primera vez en 2018 dentro de la muestra "Geometrías del Sur, de México a Tierra del Fuego".'Brumas' "fue un éxito total", detalló Perennès, hasta tal punto que la Fundación de la emblemática marca de joyería francesa decidió adquirir esas obras para sumarlas a su colección de arte contemporáneo y así germinó la idea de, algún día, elaborar una exposición que permitiera al publico parisino sumergirse en el universo textil de De Amaral.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"La obra reflexiona sobre esa pasta espesa que se genera entre el éxito y el fracaso", afirmó Banderas este jueves en la presentación del musical, que se estrenará la próxima semana en el Teatro Soho de su ciudad natal, Málaga (sur).Se trata de una historia "que tiene muchas facetas" y que "representa a América" por la "sensación de que siempre hay que triunfar, por encima de lo que sea, algo que a asocia con el mundo norteamericano".Una treintena de actores y una orquesta de veintiséis músicos interpretan en directo las piezas y estan en el escenario durante dos horas y cuarenta minutos, aunque Banderas quiere reducir algo la duración durante la última semana de ensayos, porque "la obra necesita adquirir agilidad".Respecto al texto original que se estrenó por primera vez en Broadway en 1959, en este montaje han sido "fieles a la música sobre todo".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Siempre hay que hacer una adaptación de personajes y de lugares, para entender situaciones muy norteamericanas, pero no hemos sido infieles al objetivo fundamental de la obra", explicó el actor y director, que cree que han conseguido "mantener la verdad del espectáculo".Con 'Gypsy', Banderas siente que el Teatro Soho, sala de su propiedad, continúa su "apuesta por la excelencia, pero eso no garantiza el éxito, y debe ser así, porque si fuera fácil lo haría mucha más gente".El actor español calificó como "un placer" poder "meterle mano a este monstruo, una obra muy complicada, con unos cambios muy rápidos", y añadió que "lo que ocurre detrás del escenario merecería ser rodado para ver la complejidad, y que requiere una disciplina increíble".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En su acción de protesta, llevada a cabo poco antes del mediodía, los activistas pegaron la fotografía de una madre en Gaza con su hijo sobre el cristal protector de la obra que Picasso completó en 1901, antes de verter pintura roja por el suelo de la sala 43 del museo.El grupo, que también pintó el eslogan "conferencia genocida" a la entrada del congreso laborista en septiembre en Liverpool, reclamó en un comunicado que el Gobierno británico decrete un embargo a la venta de armas a Israel y que detenga la concesión de nuevas licencias de petróleo y gas.Los activistas fueron identificados por Youth Demand como Jai Halai, de 23 años y que trabaja para la Sanidad pública en Londres, y Monday-Malachi Rosenfeld, estudiante de 21 años.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Según un portavoz policial citado por el diario 'The Times', ambos fueron detenidos y permanecen bajo custodia policial, mientras que la sala del museo ha sido cerrada para permitir las investigaciones.Por su lado, un portavoz del museo citado por el mismo medio confirmó que ningún cuadro ha sufrido daños en la acción de protesta. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
No te afanes, alma mía, por una vida inmortal, pero agota el ámbito de lo posible.Píndaro Una piedra no es una piedra.Una montaña no es una montaña. ¿Qué es un escenario? En una única función se presentó en Bogotá el monólogo Sísifo, de los brasileros Gregorio Duvivier y Vinicius Calderonil. En el marco del Festival internacional de artes vivas (Fiav) el Teatro Astor Plaza, en Bogotá, recibió esta pieza que lleva cinco años en diferentes teatros de Brasil y Portugal. La idea de esta obra nació cuando Jair Bolsonaro se posesionó como presidente de Brasil, cuenta el actor, comediante y poeta Gregorio Duvivier. “Necesitábamos hablar de eso de alguna forma. Así que me reuní con Vinicius Calderoni y comenzamos a escribir juntos algo que hablara sobre esa fragilidad de la democracia en Brasil”.La mejor forma que encontraron para hacerle frente a la situación que años atrás preocupó a toda la escena cultural brasilera fue llevar a cabo en forma de monólogo el mito de Sísifo. Los dioses condenaron a Sísifo a empujar una roca sin descanso hasta la cima de una montaña, solo para que esta volviera a rodar hacia abajo por su propio peso. Creyeron, con razón, que no existe un castigo más cruel que el esfuerzo inútil y carente de esperanza.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entonces pusieron sobre el escenario una rampa que es una montaña y a un hombre que es una piedra. Durante 60 minutos Duvivier realiza 60 escenas en las que nos engaña, nos conmueve y nos divierte. La premisa “Para llegar a un lugar hay que atravesar otros lugares” se transforma en una bala y en un ramo de rosas. El trabajo del actor es físico y emocional: subir y bajar la rampa sin parar durante una hora con una cantidad de texto abrumadora no deja dudas del esfuerzo. Sin embargo, lo más importante de esta obra es como la poesía, que es al fin y al cabo la materia prima del teatro, se libera por todo el escenario hasta llegar a los últimos asientos del recinto. Tanta risa y tristeza dentro de tan poco tiempo. Todos cargamos la piedra con el protagonista y, al mismo tiempo, nos dejamos caer como él, con él.La rampa/ montaña es el centro de gravedad del hombre que la sube, la baja, la abraza y la atraviesa. No hay separación entre la una y el otro porque el mito de la piedra siempre deslizándose hasta su origen no sería posible sin la inclinación.Esta obra demuestra la destreza de la palabra y la magia del teatro: invocar al amor, desear caer al abismo, detener a la muerte. De todas las formas de lucha, el escenario ofrece un terreno fértil y efímero, dos palabras que irían separadas si no hubiéramos visto lo que vimos esa noche del 8 de octubre, donde Sísifo no fue un hombre sino un grito.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el marco de la primera edición del Festival Internacional de Artes Vivas de Bogotá, donde la región invitada es el Pacífico colombiano, conversamos con Tatiana Pastrana, productora de La mujer sola, un monólogo que cuenta la historia de una mujer ataviada de negro que cuelga la ropa mientras escucha música, que es casi su única compañía.Este monólogo, dirigido por Natalia Fong, fue escrito por Franca Rame y Dario Fo, premio Nobel de Literatura en 1997 y aborda formas de violencias basadas en género, desde la perspectiva de una mujer que se ve obligada a quedarse en casa y encargarse de las labores domésticas, pues la posibilidad de salir a la calle está truncada por su esposo que la deja encerrada en casa.Pastrana, hace parte del equipo de Es Su Casa Teatro, compañía fundada en 2018 por egresados de la licenciatura en Arte Dramático de la Universidad del Valle, y en su mayoría, un grupo conformado por mujeres. Este grupo además de dedicarse al teatro, también trabaja en proyectos cinematográficos, literarios, musicales, de artes plásticas y pintura, con el fin de brindar propuestas a su comunidad que comprendan y representen a Buenaventura.¿Cómo fue el montaje de esta obra que es un monólogo?La mujer sola es una obra de Darío Fo y Franca Rame, es una obra que lleva muchísimo tiempo escrita y que se ha montado en muchos lugares del mundo. Llega a nosotros, al Pacífico colombiano, por la necesidad que tenemos como grupo, como compañía, de empezar a hablar de los temas de género. Buenaventura y el Pacífico colombiano están atravesados por muchos episodios de violencia y el tema de género es un tema fuerte que se tiene que trabajar.El proceso de montaje inicia con encontrar una obra a través de la que podamos explorar el tema de género y en la que podamos encontrar formas diferentes de presentar, cómo es el teatro de Buenaventura. A veces se piensa que el teatro del Pacífico solamente incluye los elementos culturales, la tradición y demás, pero también hay un ejercicio que se aleja un poco de eso y que explora otros géneros y otras formas universales de hacer teatro que contienen la visión de nosotros del Pacífico.Empezamos con la exploración del texto, de cómo podemos adaptarlo a nuestro contexto. Luego empezamos con una exploración de la escenografía y los elementos de utilería. Por ejemplo, utilizamos la ropa como un personaje más, con el que la actriz dialoga.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Cuáles son esos elementos del contexto colombiano y del Pacífico que se adaptan a esta obra?La ropa es fundamental en la obra, se vuelve un personaje más y esos personajes hacen parte de la dinámica de la sociedad del Pacífico colombiano, de Buenaventura, de estos comportamientos que vemos que se han ido arraigando socioculturalmente en la sociedad del Pacífico, mostramos también otras formas de violencia, que hay en el territorio, pero que terminan siendo tan universales que el mensaje termina calando con en todas partes.A pesar de que es un monólogo, hay otros personajes en la obra, como la mujer con quien dialoga el personaje principal o su esposo, cómo están representados y cómo interactúan en la historia. Tanto el esposo, como otros personajes, están representados en la ropa y la señora es el público. Esta es una obra interactiva, aquí el público no es una pared o un fondo negro, un vacío, sino que lo hacemos parte de la obra, cantan, aplauden, se ríen, lloran, se cuestionan sobre lo que está pasando. Así como estos personajes que están en la obra y no aparecen nosotros se los presentamos al público a través de la ropa.A la señora también la tenemos visualmente a través del público, el objetivo es que ellos sientan que son la señora, que son los que están hablando con el personaje principal, con la mujer sola, que le pregunten qué está pasando.¿En qué otros espacios se ha presentado La mujer sola? Llevamos alrededor de año y medio con la obra, hemos estado en Cartago, Cali y principalmente en Buenaventura. Fabio Rubiano pudo ver la obra, ver nuestra propuesta y así logramos estar aquí. Esperamos que en el futuro podamos llegar a más escenarios tan grandes como el Festival Internacional de las Artes Vivas.En la otras ciudades cómo ha sido la recepción del público y su interacción con la obraEl público es diferente en cada ciudad, la recepción ha sido maravillosa en cada lugar donde hemos estado. Sin embargo, la obra llega a temas complejos a través del humor, de lo absurdo, de la farsa, que provocan la risa y en algunos lugares la risa ha sido como la forma en la que ha reaccionado el público.Hemos tenido otras funciones en las que la gente no se ríe para nada de lo que estamos presentando. Uno podría decir que quizás no estén conectados, pero también refleja un poco el nivel de reflexión que tiene el público sobre los temas de género, sobre las violencias y los micromachismos. Es una situación de "me quiero reír, pero me detengo porque no está bien que me ría aunque me provoque risa o me río muy fuerte y luego reflexiono el por qué me reí de lo que me reí".Por ejemplo, en Cartago la gente se rió muchísimo, pero al final tuvimos un espacio de reflexión, porque la obra también lo permite, donde la gente se cuestionaba ese porqué de la risa en algo tan delicado y tan grave.Con esta reflexión sobre la reacción del público frente a los temas de género, cuéntenos por qué decidieron como compañía profundizar en este temaLa compañía Es su casa de teatro está conformada principalmente por mujeres y nosotras siempre hemos tenido la necesidad de hablar sobre temas de género. Hemos tenido otras obras también que hablan sobre el género más hacia el drama o hacia lo cultural también. Consideramos que esta obra por ser universal se mantiene tan vigente en la actualidad que hasta cierto punto, resulta triste la vigencia de temas escritos en los años setenta.La encontramos como el elemento fundamental para poder abordar el tema de género que tanto necesitábamos poner en escena, queríamos hablar de género, esa fue la motivación principal del porqué.¿Cuáles son las temáticas de otras obras interpretadas por Es su casa teatro?Estamos en la búsqueda como un grupo de nuestra identidad, tenemos una obra actualmente en repertorio que se llama Güeepa, es una obra que trata específicamente sobre temas que tienen que ver con la tradición y la cultura del Pacífico colombiano. Está basada en la música y la danza tradicional del Pacífico, mezcla mezcla música en vivo, danza y teatro y cuenta estas historias que viven las personas del Pacífico colombiano.En La mujer sola tratamos de hablar de estos temas de género que nos aquejan y un poco de la violencia que atraviesa el Pacífico, pero en Güeepa decidimos no ahondar en esos temas para que la gente también empiece a identificar que en el Pacífico pasan otras cosas, además de la violencia. La gente también lleva una vida cotidiana a la que la atraviesan nuestras historias, otras tragedias más comunes, cómo nos relacionamos con la muerte, con la vida, cómo celebramos nuestra creencia religiosa nuestras creencias culturales.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La pieza cuenta la historia de Vine, un director de teatro que vive en Santiago de Chile y que se encuentra preparando Sueño de una noche de verano, de Shakespeare. Justo cuando llega el día de estrenarla, los militares chilenos dan el golpe de 1973, por lo que se ve obligado a salir del país y separarse de su mujer, que está embarazada.En el exilio sueña con esta obra que no podrá poner en escena hasta que regrese a su país, algo que hará cuando vuelva la democracia, y en sus sueños se cuelan los personajes de Shakespeare que se entremezclan con los de su propia vida y la situación de Chile.Sobre el escenario, perchas de ropa rodean el centro, donde ocurre toda la trama y en el que un árbol de cartón alcanza el techo. Una máquina de humo, el juego de luces y un músico que toca diversos instrumentos sumergen al espectador en la obra y adaptan el escenario a las distintas atmósferas.El director de la obra, Newton Moreno, explica que los temas que Shakespeare trata en su teatro, como la colonización, los déspotas o la violencia contra las mujeres "están muy próximos a nosotros", por eso surge la idea de juntar al autor inglés con la "crisis de la identidad latinoamericana".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Para nosotros es fundamental traer esta obra a Colombia ya que una de las razones por las que la hicimos es porque creemos que hay necesidad de romper las fronteras de los países de Latinoamérica, porque el dolor del pueblo chileno con la dictadura es el mismo que tenemos todos", agrega.La obra, aunque se desarrolla en portugués con subtítulos en español, está pensada para un público que habla castellano, asegura el director, porque "vivió esta realidad (la que se cuenta en la obra) de otras maneras".Durante la creación de Sueño, la compañía viajó a algunos países del continente donde se llevó a cabo la Operación Cóndor, una coordinación entre las dictaduras latinoamericanas y Estados Unidos para eliminar a los opositores y militantes de izquierda, entre ellos los de Chile, Uruguay, Paraguay, Perú y Argentina, pueblos que Moreno describe como: "Somos lo mismo".Si bien el argumento es cruel y violento, porque "la violencia de la dictadura no acaba con la dictadura, permanece después", incluye elementos cómicos por la presencia de Shakespeare y sus personajes en el guion: "Hay contraste, una parte oscura y lúgubre pero, al mismo tiempo, hay utopía y deseo de libertad".En definitiva, la premisa de Sueño es "la lucha por el teatro y por la libertad e independencia de América Latina", en un contexto artístico dentro de un emergente sistema opresivo que obligó a emigrar a millones y desapareció a miles de personas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.