“Es hora de que la experiencia de la mitad de la población del mundo esté retratada. El arte en todas sus formas lo que pretende es justo sublimar la experiencia humana y, si la experiencia humana de la mitad de la población (las mujeres) no está incluida, pues no estamos (mostrando todo)”, dijo la cineasta.Márquez Abella dirigió La Liberación, una serie que combina humor negro con una historia de ida y vuelta entre la época de la Edad Media y el presente para hacer una reflexión acerca de las dinámicas patriarcales en un mundo post-#MeToo, un movimiento que surgió en 2017 para denunciar el abuso sexual, primero en el cine.La directora de Al norte del vacío, ganadora del premio Ariel a mejor película en 2023, señaló que esta producción habla de lo que le sucede a las mujeres en un mundo en que han tenido que adaptarse a prácticas masculinas con las que no siempre están conformes y de las que poco a poco han logrado liberarse.“Nosotras gozamos de unas posiciones de poder en esta industria (cinematográfica), que en este caso están poniéndose en pro de todas estas cosas que creo que nos importan y que son preocupaciones, ímpetus y deseos de que el mundo cambie que todas compartimos”, dijo.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíUna trama sobre la polémica del acosoLa serie, dividida en siete episodios, sigue la historia de cuatro mujeres que intentan convencer a una joven actriz de retirar una acusación de acoso sexual contra un prestigioso director de cine, con el que están relacionadas de diversas formas.En medio de este intento, la trama lleva por momentos a la audiencia a la época del medioevo, cuando las mujeres eran acusadas de brujería y quemadas en la hoguera por conocer de herbolaria a ayudarse unas a otras, para explicar una necesidad ancestral de liberarse del yugo de la sociedad masculinizada y sus reglas.La producción llega en un momento clave para la historia de México con la elección de la primera presidenta, Claudia Sheinbaum, y ofrece un espacio para dialogar sobre temas como el acoso, las desigualdades de género y la búsqueda de identidad. Personajes complejosEl elenco de La Liberación está compuesto por Ilse Salas, Cassandra Ciangherotti, Johanna Murillo y Diego Boneta además de las primeras actrices Ofelia Medina y Dolores Heredia.Las actrices señalaron que dar vida a sus personajes fue un reto artístico, pero que a la vez las confrontó con su trayectoria personal y sus respuestas frente a un mundo guiado por hombres.Ciangherotti interpreta a una actriz que utiliza su cuerpo como herramienta de poder en la industria del entretenimiento. Meterse en la piel del personaje implicó enfrentarse a su propia historia, narró.Johanna Murillo encarna a Sol, una mujer que ha adoptado una energía masculina para sobrevivir en un entorno laboral dominado por hombres. Su personaje, según contó, refleja la realidad de muchas mujeres en la industria cinematográfica.“Nos parecía muy pertinente hacerlo en un universo donde nosotras nos movemos mucho que es la industria cinematográfica que es una industria tradicionalmente masculinizada y patriarcal en su estructura”, señaló.La liberación se estrenará el 17 de enero de manera simultánea a nivel global en Prime Video, donde estará disponible completa desde el primer día.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El trabajo, premiado en el último Festival de San Sebastián, fue financiado en España, Reino Unido y Países Bajos. Carmen Chaplin estuvo en Madrid con motivo del lanzamiento de la película y habló sobre un film que traza la conexión entre el origen social y el genio de una leyenda.Lo hace a través de Michael, el segundo de los hijos que el actor tuvo con Oona O'Neil, y padre además de la directora, quien se embarca, así, en un viaje hacia la reconciliación familiar. "Reconciliación en la pantalla"Carmen cuenta para indagar en el origen gitano de Charles Chaplin con sus tías Geraldine, Jane y Victoria, así como con su tío Christopher, que dan testimonio sobre la particular personalidad del hombre que creó a Charlot, revolucionó y modernizó el cine.No están solos. En el documental intervienen personalidades como Emir Kusturica, Johny Depp o el bailaor español Farruquito para ayudar a entender la influencia de la cultura gitana en el arte.El personaje central, sin embargo, es Michael Chaplin. "Mi padre -señala Carmen- comenzó a buscar este origen gitano, pues siempre le ha gustado esta cultura y está muy orgulloso de ello. Descubrí que mi padre hablaba mucho del suyo, que Charlie quiso a Michael, y Michael a Charlie, y pensé que sería interesante juntarlos".La consecuencia es "una película curativa". "Es lo que dice mi padre del documental porque creo que de alguna manera mi padre y mi abuelo se han reconciliado en la pantalla", ahonda la directora.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíUn rebelde que "vino de la nada"Tres apuestas formales sostienen la historia del documental: la música, la fotografía (de Kenneth Uribe) y la intercalación de imágenes íntimas e inéditas de la familia Chaplin, la mayoría procedentes de videos caseros y de álbumes privados.Fue un hombre de fama mundial que "venía de la nada", afirma la realizadora. "Tuvo que creer mucho en sí mismo para tener tanto éxito. Es cierto que cuando empezó estaba todo por inventar en el cine, pero él creó su propio estudio e hizo las cosas como pensaba que debía. Superó muchas veces problemas de financiación. Estados Unidos no quiso que hiciera 'El gran dictador', por ejemplo".Un espíritu indomable y libre guió al genio. "Él se costeó 'El gran dictador', nunca tuvo jefe, trabajaba al ritmo que le marcaba la inspiración. Todo lo que logró no hubiera sido posible si no eres un rebelde", incide Carmen Chaplin.Una rebeldía que forjó el espíritu gitano de Chaplin.La influencia de la familiaEl Chaplin familiar que muestra el documental es un hombre célebre, "una figura enorme" conocido por su obra. En gran medida así lo veía también su nieta Carmen.Hasta que comenzó a construir el documental. "Quería indagar en cómo fue crecer en esa pobreza 'dickensiana' en la que se crió y en la inspiración tan enorme que fue su madre", apunta la directora.Pero también se propuso contar "cómo era crecer siendo hijo de una figura tan enorme". El resultado es también una película sobre la familia. Ni más ni menos que la familia Chaplin.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Ha sido muy exigente, ha requerido muchas horas de trabajo, de investigación, ha sido muy emocionante cuando hemos sentido en algún momento del rodaje que se crean imágenes de una belleza poética que nos recuerdan la belleza poética del libro", afirma la directora en una entrevista.Mora (Medellín, 1981), explica que hay que entender "la diferencia entre los dos lenguajes", el literario y el audiovisual, y que "hay cosas que son inadaptables", pero justamente eso ha sido lo importante para ella, "poder exaltar la belleza poética en las imágenes"."No pretendo nunca, ni creo que ninguno de nosotros pretende que la serie sea mejor que el libro, eso es imposible, sería absurdo, sería estúpido de nuestra parte", dice, y añade que por eso ven la producción de Netflix "más como un complemento a ese libro" y que entre las cosas que la atrajo al proyecto está "la posibilidad de un lenguaje mucho más cinematográfico que televisivo".En ese punto destaca que abordar una obra aclamada como 'Cien años de soledad', de un autor como Gabriel García Márquez, ganador del Premio Nobel de Literatura de 1982 y con una legión de seguidores en todo el mundo, requiere contar las escenas "de una manera tan compleja visualmente".Eso significa "planos muy largos, el paso del tiempo dentro de las escenas, puestas en escena actorales muy coreografiadas y muy corales", lo que, en su opinión, "exalta mucho más la complejidad de la forma narrativa del libro".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíDos miradas a la novelaLaura Mora dirigió los episodios 4, 5 y 6 de la serie, mientras que el argentino Alex García López lo hizo en los capítulos 1, 2, 3, 7 y 8, porque "había una apuesta muy clara de traer dos directores supremamente distintos que vienen de mundos y de producciones muy diferentes y que eso igual pudiera aportar a la complejidad de la serie".Lo mismo sucedió con el elenco porque las directoras de casting, las españolas Eva Leira y Yolanda Serrano, hicieron "una apuesta por tener actores con una carrera enorme y otros muy nuevos, algunos incluso no profesionales, y esa mezcla ha resultado muy bien".En el numeroso elenco de la serie destacan Marco Antonio González (José Arcadio Buendía joven), Diego Vásquez (José Arcadio Buendía adulto), Susana Morales (Úrsula Iguarán joven), Marleyda Soto (Úrsula Iguarán adulta) y Moreno Borja (Melquíades).Igualmente, Claudio Cataño (Aureliano Buendía), Viña Machado (Pilar Ternera), Jairo Camargo (Apolinar Moscote), Cristal Aparicio (Remedios Moscote), Loren Sofía Paz (Amaranta Buendía mayor) y Akima (Rebeca), entre otros."Yo empiezo el capítulo cuatro con los personajes recién cambiando la generación, empiezo con los personajes ya adultos. Los tres primeros capítulos son los personajes jóvenes, le tocan a Alex, y al final del tercero llega la nueva generación en un par de escenas y en el cuarto ya están todos los grandes. Creo que eso nos ayudó a que la transición fuera más orgánica", afirma.Mora, que en 2022 ganó la Concha de Oro del Festival Internacional de Cine de San Sebastián con 'Los reyes del mundo', considera esta superproducción de Netflix como su mayor desafío profesional "en términos de la responsabilidad que implica estar ante una obra como 'Cien años de soledad' y de entrar a trabajar en un modelo de producción muy desconocido" para ella."Hacer 'Los reyes del mundo' también fue un enorme reto desde otro lugar totalmente distinto, era andar con una banda de gitanos por el Bajo Cauca antioqueño (noroeste de Colombia), entonces creo que cada proyecto trae su reto, trae sus implicaciones emocionales, sus implicaciones en términos de pensamiento", dice.A renglón seguido, afirma: "La verdad es que me gusta transitar esos dos mundos que es (algo) tan particular en mi carrera, poder habitar ese lugar muchísimo más independiente, muchísimo más autoral (la película) y poder estar en una serie como esta ('Cien años de soledad') que es un lugar muy privilegiado".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Nacido en Escocia pero criado en Brasil, Dreifuss dice no sentirse como turista en Uruguay, donde, en el marco de su participación en el mercado de cine latinoamericano Ventana Sur, conversa sobre su carrera y el panorama regional de una industria en la que nunca se había imaginado trabajar.Es que, como revela mientras ve caer la tarde en la explanada del Teatro Solís, Montevideo es para él una ciudad "de recuerdos familiares"; no solo fue donde nació su padre sino donde pasó las vacaciones en cada visita a su abuela, quien, junto a su abuelo, se refugió allí tras sobrevivir al holocausto, en años "muy difíciles".Pasión por contar historias"El cine está en mi vida desde siempre", revela quien, décadas antes de sostener la estatuilla dorada que recibió en 2023 como productor de la alemana 'Sin novedad en el frente', recuerda cómo desde los cuatro años iba con su madre a ver películas.No obstante, aclara que la conexión estaba "como espectador", porque entonces hacer cine "no era una profesión" sino un "lujo" y recién fue en Estados Unidos, trabajando en "números y estrategia" para la industria, que descubrió su pasión por contar historias."Me di cuenta que mi pasión por el cine era contar historias y era lo único que quería hacer (...), buscar personajes, temas que me interesaban (...) y luchar por esas historias, para que se puedan contar", dice quien debutó produciendo la chilena 'No' -nominada al Óscar a mejor cinta extranjera en 2012-.La historia de un abuelo paterno que luchó en la Primera Guerra Mundial junto a su primo -uno de los últimos en morir en el conflicto-, para luego sufrir la "triste ironía" de ser enviado al campo de concentración por ser judío en la Segunda Guerra Mundial, lo conectó con el guion del filme que marcaría su carrera."Cuando recibí el guion pensé 'conozco esa historia'", rememora quien a raíz de estos proyectos dice que justicia social, historias reales y guerras se han vuelto "temas recurrentes" de su cine y recalca la importancia de luchar por historias que resuenen en lo personal."Si no fuera porque vi una conexión emocional con la historia, la habría dejado. Luché ocho años por contarla y todo el mundo me dijo que era una idea malísima (...) Entonces, la gente tiene que contar historias que le apasionen", subraya.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíUn momento genialDudoso sobre si muchos lo admiran por haber logrado un filme ganador de siete Bafta y cuatro Óscar, Dreifuss sí expresa seguridad sobre el momento "genial" del cine de su región, donde, sin embargo, la industria no está exenta de problemas."Argentina ahora tiene problemas. Hay estados que tampoco tienen mucho interés en cine y cultura, eso es otro problema. En Brasil tuvimos cuatro años desastrosos (...), pero creo que estamos en un momento que hay directores con renombre internacional, mucha gente nueva, una energía de hacer cine", expresa.Consciente de que cada país tiene "sus particularidades" pero asimismo de que, aunque los subtítulos sigan siendo barrera, cuesta menos llegar a nuevos públicos, el productor reivindica el peso del audiovisual."Necesitamos que sigan apoyando cultura los estados. Claro que siempre hay límites, pero a recordar que las historias también son la identidad de un pueblo", apunta.En gris y en colores"Siempre hago películas de época porque creo que, por lo menos las de las historias que quiero contar, tienen una conexión muy clara con el universo en que vivimos", dice quien remarca que "el cine tiene que contar el dolor humano" y "lo que causa cualquier guerra a la población civil" y a los niños que mueren en ellas, sea en África, Yemen, Gaza o Ucrania.Con un proyecto vinculado a la justicia social en Puerto Rico en proceso pero la idea de querer hacer "un thriller erótico" o algo más "lindo" y no tanto de "tragedia y horror", insiste en ver más allá del gris."El cine no puede ser solo contar historias de dolor y pérdida, porque también en esas historias hay alegría, historias lindas, entusiasmantes, que van a emocionar a la gente y a su vez influenciar a otra a que encuentre colores en un mundo que muchas veces es muy gris", redondea.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El tribunal correccional de París juzga desde el lunes al cineasta de 59 años, quien niega las acusaciones.La fiscalía pidió cinco años de prisión, dos de ellos de obligado cumplimiento, contra Ruggia por agredir sexualmente a la actriz cuando era menor y abrió la puerta a que los cumpla en su domicilio con pulsera electrónica.La vista de este martes fue tensa.Cuando el acusado aseguraba ante el tribunal que intentaba protegerla durante sus inicios en el cine, la actriz de 35 años se levantó, golpeó una mesa frente a ella y le gritó: "¡Cierra la boca!". A continuación, abandonó la sala.Poco antes, Haenel, alejada actualmente del cine y vestida de negro, tomó brevemente la palabra: "Todo el mundo me pide que me lamente de la suerte de Ruggia. ¿Pero a quién le importaba la niña? (...) Nadie ayudó a esa niña".En 2019, Haenel acusó al director de someterla a un "acoso sexual constante" desde los 12 años, incluyendo "besos forzados en el cuello" y tocamientos, a principios de la década de los 2000.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEl director, vestido con una chaqueta verde, aseguró que intentó ayudarla, especialmente en su vida "en el centro de secundaria", donde podían burlarse de ella. "Le recomendé que utilizara un pseudónimo", aseguró antes de ser interrumpido por el grito.Ruggia dirigió a la actriz en la película "Los diablos", estrenada en 2002, que trata sobre una relación incestuosa entre un chico y su hermana autista. La cinta contiene escenas sexuales entre niños y primeros planos del cuerpo desnudo de Haenel.Tras ausentarse una media hora, la actriz volvió al juicio con semblante serio.Haenel, ganadora de dos César --el máximo galardón francés en el cine--, fue la primera actriz destacada en acusar a la industria del cine en Francia de complacencia con los depredadores sexuales.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En los cines en diciembre, "El Señor de los Anillos: La guerra de los Rohirrim" es una precuela que ocurre casi dos siglos antes de los eventos narrados en las oscarizadas películas de Peter Jackson, que son adaptaciones de los libros de Tolkien.Pero a diferencia de las primeras producciones de "El señor de los anillos", o de las decepcionantes películas de "El Hobbit" que le siguieron, esta vez no hay anillos mágicos o poderosos caballeros de negro."Si ves la trilogía original, estás hablando de hobbits, elfos y enanos y monstruos", dijo el director Kenji Kamiyama en una reciente rueda de prensa.En cambio, la nueva película está "enraizada en el drama y la emoción humana (...) la codicia y el poder", explicó el artista japonés que trabajó en versiones animadas de "La guerra de las galaxias" y "Blade Runner".En 2021 el estudio de Hollywood Warner Bros. anunció que la próxima película de "El señor de los anillos" sería un anime, un estilo visual y un género típicamente japonés que se volvió muy popular en Occidente en los últimos años.Los cineastas recorrieron las vastas historias inventadas que Tolkien escribió como notas a pie de página para sus amadas novelas.Pronto dieron con una breve descripción de una guerra civil entre un rey y un caballero rebelde. "No se trataba de 'tenemos la historia, ¿con qué tipo de animación la vamos a narrar?'", dijo Philippa Boyens, quien también participó en los guiones de las trilogías de "El señor de los anillos" y "El Hobbit".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí"En realidad fue al revés. Había algo sobre esta historia en particular (...) que parecía intrínsecamente adecuado para esa gran tradición del cine japonés que es el anime".Esa tradición se traduce en temas como el honor, la lealtad, el orgullo, y una temible protagonista femenina, al estilo de la famosa "Princesa Mononoke" del Studio Ghibli."Mandamás""La guerra de los Rohirrim" está ambientada en Rohan, el reino de guerreros jinetes de aspecto vikingo que destacaron en la película de Jackson de 2002 "El señor de los anillos: Las dos torres".El filme vuelve a visitar lugares clave de aquella producción como el épico campo de batalla Helm's Deep, y está narrada por Miranda Otto, quien interpretó una heroica guerrera rohan en la trilogía de Jackson.La trama comienza con el ambicioso señor Freca conspirando para casar a su hijo con Hera, la hija del rey de Rohan. Cuando el orgulloso monarca rechaza despectivamente la oferta, Freca se amotina contra el trono, pero es abatido mortalmente.Desterrado, el hijo promueve una masiva rebelión que desatará una catastrófica guerra en el reino. Aunque es parte central del conflicto, Tolkien ni siquiera se molestó en darle un nombre a la princesa en sus extensas notas al pie de página.Pero Boyens estaba fascinada por la idea de expandir este misterioso personaje, quien es testigo y amarra los varios héroes, villanos y batallas de la nueva película. "No queríamos que fuera una princesa guerrera, superheroína, mandamás", dijo Boyens. "Queríamos que pareciera real. Es muy curiosa, se equivoca".Jackson sirvió como productor ejecutivo para este nuevo proyecto, pero "se apartó" del trabajo diario, animando a Kamiyama a ponerle su sello de anime a la película, de acuerdo con Boyens. "Hay elementos de las películas actuadas que se cuelan en el mundo", agregó. Pero "se colaron muy bien en los bordes"."En cuanto a la historia, obviamente queríamos mantenernos fieles al universo de Tolkien", dijo Kamiyama. "Pero al mismo tiempo, permanecer fieles a lo que hacemos mejor, que es hacer anime".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Un escenario que evoca el pueblo fundado por José Arcadio Buendía, con vegetación tropical, paredes de cañabrava, techos de palma y flores amarillas albergó en Bogotá la alfombra roja por la que desfilaron los protagonistas, directores y productores de la serie cuya primera parte se estrenará mundialmente este 11 de diciembre."Es una experiencia diferente y hay que tratar de apreciarla por lo que es, no comparando el libro constantemente; para mí son proyectos hermanitos que se complementan", dijo Rodrigo García Barcha, que junto con su hermano Gonzalo es uno de los productores ejecutivos de esta adaptación para Netflix.En su opinión, pasar de leer 'Cien años de soledad' a verla en la pantalla "es una experiencia personal para cada quien"."Yo tengo una historia evidentemente muy antigua y muy íntima con el libro, entonces yo no lo estoy viendo y tratando de comparar; yo olvido el libro y trato de apreciar la serie como la serie. Por supuesto hay todos los lazos del mundo, pero no, para disfrutarla me liberé de decir esto sí, esto no; esto se parece, esto no se parece", afirma.La serie, que está compuesta de dos temporadas de ocho capítulos cada una, dirigidos de manera alternada por la colombiana Laura Mora y el argentino Alex García López, traslada a la televisión, de la manera más fiel y cuidadosa posible, la magia con la que García Márquez, nobel de Literatura de 1982, lleva al lector al universo de Macondo."El reto más grande inicialmente fue el de la decisión (de llevarla a la pantalla) porque durante mucho tiempo siempre se supo que Gabo estaba bastante renuente, pero también su resistencia era que se hiciera una película de dos o tres horas donde no cabía la novela entera, que por las necesidades de los presupuestos se hiciera con actores de Hollywood, en inglés", explica su hijo.Sin embargo, eso cambió y con Netflix "se hizo realidad la posibilidad de hacerlo en español, en Colombia, en las horas que fueran necesarias, con todos los recursos; fue cuando empezamos a considerarlo mi hermano, mi madre y yo, y creo que se ha hecho bajo las mejores condiciones, entonces estamos muy optimistas de que guste mucho", agrega.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa magia de los personajesEl elenco es mayoritariamente colombiano, aunque también hay actores de otros países, como el español Moreno Borja, que interpreta al entrañable personaje de Melquiades, o el peruano Salvador del Solar, quien encarna al Teniente Moncada, amigo y al mismo tiempo enemigo del coronel Aureliano Buendía.Fue algo "mágico", afirma Borja sobre su papel y añade que tanto él como el director Álex García y el resto del equipo tenían claro que con Melquiades "había que crear, nunca mejor dicho, ese realismo mágico de mayo que tanto representa la obra"."Melquiades fue cogiendo forma y siempre mostrando esa parte humana y amable pero sin perder nunca en la interpretación esa otra parte como es el misticismo, lo carismático y lo casi sobrenatural (...) y creo que eso lo hemos conseguido", subraya.Borja, nacido en Málaga (España), agrega: "Melquiades y yo tenemos algo en común, y es que los dos somos gitanos, y había muchas partes de Melquiades que como gitano yo entendía".En el elenco destacan igualmente actores como Marco Antonio González (José Arcadio Buendía joven), Diego Vásquez (José Arcadio Buendía adulto), Susana Morales (Úrsula Iguarán joven), Marleyda Soto (Úrsula Iguarán adulta) y Claudio Cataño (Aureliano Buendía)."Estamos hablando de uno de los personajes femeninos más importantes de la literatura latinoamericana y de repente saber que yo le voy a dar cuerpo, voz, espíritu, pensamiento a un personaje que va a saltar de las páginas a la vida real, pues evidentemente es un regalo muy grande", afirma por su parte Soto, quien se siente "afortunada" de haber podido encarnar a la matrona Úrsula Iguarán.La misma percepción tiene la modelo Akima, que da vida a la fogosa Rebeca en la adaptación de la novela y quien a su paso por la alfombra roja siente que el universo "conspiró" a su favor para que fuera la escogida para este personaje y lo define como "un suceso muy mágico".'Cien años de soledad', que fue publicada por primera vez en 1967 en Buenos Aires por la Editorial Sudamericana con una tirada inicial de 8.000 ejemplares, está considerada una obra maestra de la literatura universal que ha vendido más de 50 millones de unidades y ha sido traducida a más de 40 idiomas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este es el listado completo de las candidaturas de la 82 edición de los premios que concede la prensa extranjera de Hollywood :Categorías de TelevisiónMEJOR SERIE DRAMÁTICA DE TELEVISIÓN:'The Day of the Jackal'.'The Diplomat'.'Mr. and Mrs. Smith'.'Shogun'.'Slow Horses'.'Squid Game'.MEJOR SERIE DE TELEVISIÓN, MUSICAL O COMEDIA:'Abbott Elementary'.'The Bear'.'The Gentlemen'.'Hacks'.'Nobody Wants This'.'Only Murders in the Building'.MEJOR MINISERIE:'Baby Reindeer'.'Disclaimer'.'Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story'.'The Penguin '.'Ripley'.'True Detective: Night Country'.MEJOR ACTRIZ EN UNA SERIE DRAMÁTICA:Kathy Bates, 'Matlock'.Emma D’Arcy, 'House of the Dragon'.Maya Erskine, 'Mr. and Mrs. Smith'.Keira Knightley, 'Black Doves'.Keri Russell, 'The Diplomat'.Anna Sawai, 'Shōgun'.MEJOR ACTOR EN UNA SERIE DRAMÁTICADonald Glover, por 'Mr. and Mrs. Smith'.Jake Gyllenhaal, por 'Presumed Innocent'.Gary Oldman, por 'Slow Horses'.Eddie Redmayne, por The Day of the Jackal'.Hiroyuki Sanada, por 'Shōgun'.Billy Bob Thornton, por 'Landman'.MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA EN UNA SERIE DE COMEDIA O MUSICAL:Kristen Bell, por 'Nobody Wants This'.Quinta Brunson, por 'Abbott Elementary'.Ayo Edebiri, por 'The Bear'.Selena Gomez, por 'Only Murders in the Building'.Kathryn Hahn, por 'Agatha All Along'.Jean Smart, 'Hacks'.MEJOR ACTOR PROTAGONISTA EN UNA SERIE DE COMEDIA O MUSICAL:Adam Brody, por 'Nobody Wants This'.Ted Danson, por 'A Man on the Inside'.Steve Martin, por 'Only Murders in the Building'.Jason Segel, por 'Shrinking'.Martin Short, por 'Only Murders in the Building'.Jeremy Allen White, por 'The Bear'.MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA EN UNA MINISERIE:Cate Blanchett, 'Disclaimer'.Jodie Foster, 'True Detective: Night Country'.Cristin Milioti, 'The Penguin'.Sofía Vergara, 'Griselda'.Naomi Watts, 'Feud: Capote vs. the Swans'.Kate Winslet, 'The Regime'.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíMEJOR ACTOR PROTAGONISTA EN UNA MINISERIE:Colin Farrell, 'The Penguin'.Richard Gadd, 'Baby Reindeer'.Kevin Kline, 'Disclaimer'.Cooper Koch, 'Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story'.Ewan McGregor, 'A Gentleman in Moscow'.Andrew Scott, 'Ripley'.MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN UNA SERIE:Liza Colón-Zayas, por 'The Bear'.Hannah Einbinder, por 'Hacks'.Dakota Fanning, por 'Ripley'.Jessica Gunning, por 'Baby Reindeer'.Allison Janney, por 'The Diplomat'.Kali Reis, por 'True Detective: Night Country'.MEJOR ACTOR DE REPARTO EN UNA SERIE:Tadanobu Asano, por 'Shōgun'.Javier Bardem, por 'Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story'.Harrison Ford, por 'Shrinking'.Jack Lowden, por 'Slow Horses'.Diego Luna, por 'La máquina'.Ebon Moss-Bachrach, 'The Bear'.MEJOR INTERPRETACIÓN DE UN MONÓLOGO:Adam Sandler, por 'Love You'.Ali Wong, por 'Single Lady'.Jamie Foxx, por 'What Had Happened Was'.Nikki Glaser, por 'Someday You'll Die'.Ramy Youssef, por 'More Feelings'.Seth Meyers. por 'Dad Man Walking'.Categorías de CineMEJOR PELÍCULA DE DRAMA:'The Brutalist'.'A Complete Unknown'.'Conclave'.'Dune. Part two'.'Nickel Boys'.'September 5'.MEJOR MUSICAL O COMEDIA:'Anora'.'Challengers'.'Emilia Pérez'.'A real pain'.'The substance'.'Wicked'.MEJOR DIRECCIÓN:Jacques Audiard, por 'Emilia Pérez'.Sean Baker, por 'Anora'.Edward Berger, por 'Conclave'.Brady Corbet, por 'The Brutalist'.Coralie Fargeat, por 'The Substance'.Payal Kapadia, por 'All We Imagine as Light'.MEJOR ACTRIZ DE DRAMA:Pamela Anderson, por 'The Last Showgirl'.Angelina Jolie, por 'Maria'.Nicole Kidman, por 'Babygirl'.Tilda Swinton, por 'The Room Next Door'.Fernanda Torres, por 'I’m Still Here'.Kate Winslet, por 'Lee'.MEJOR ACTOR DE DRAMA:Adrien Brody, por 'The Brutalist'.Timothée Chalamet, por 'A Complete Unknown'.Daniel Craig, por 'Queer'.Colman Domingo, por 'Sing Sing'.Ralph Fiennes, por 'Conclave'.Sebastian Stan, por 'The Apprentice'.MEJOR ACTRIZ DE MUSICAL O COMEDIA:Amy Adams, por 'Nightbitch'.Cynthia Erivo, por 'Wicked'.Karla Sofía Gascón, por 'Emilia Pérez'.Mikey Madison, por 'Anora'.Demi Moore, por 'The Substance'.Zendaya, 'Challengers'.MEJOR ACTOR DE MUSICAL O COMEDIA:Jesse Eisenberg, por 'A Real Pain'.Hugh Grant, por 'Heretic'.Gabriel LaBelle, por 'Saturday Night'.Jesse Plemons, por 'Kinds of Kindness'.Glen Powell, por 'Hit Man'.Sebastian Stan, por 'A Different Man'.MEJOR ACTRIZ DE REPARTO:Selena Gomez, por 'Emilia Pérez'.Ariana Grande, por 'Wicked'.Felicity Jones, por 'The Brutalist'.Margaret Qualley, por 'The Substance'.Isabella Rossellini, por 'Conclave'.MEJOR ACTOR DE REPARTO:Yura Borisov, por 'Anora'.Kieran Culkin, por 'A Real Pain'.Edward Norton, por 'A Complete Unknown'.Guy Pearce, por 'The Brutalist'.Jeremy Strong, por 'The Apprentice'.Denzel Washington, por 'Gladiator II'.Zoe Saldaña, por 'Emilia Pérez'.MEJOR GUIÓN:'Emilia Pérez', de Jacques Audiard.'Anora', de Sean Baker.'The Brutalist', de Brady Corbet y Mona Fastvold.'A Real Pain', de Jesse Eisenberg.'The Substance', de Coralie Fargeat.'Conclave', de Peter Straughan.MEJOR PELÍCULA ANIMADA:'Flow'.'Intensamente 2'.'Memoir of a snail'.'Moana 2'.'Wallace & Gromit: Vengeance Most Flowl'.'The Wild Robot'.MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA:'All we imagine as ligth' (EEUU, Francia e India).'Emilia Pérez' (Francia).'The girl with the Needle' (Polonia, Suiza, Dinamarca).'I’m Still Here' (Brasil).'The Seed of the Sacred Fig' (EEUU y Alemania).'Vermiglio' (Italia).MEJOR BANDA SONORA ORIINAL:Volker Bertelmann, por 'Conclave'.Daniel Blumberg, por 'The brutalist'.Kris Bowers, por 'The Wild Robot'.Clément Ducol y Camille, por 'Emilia Pérez'.Trent Reznor y Atticus Ross, por 'Challengers'.Hans Zimmer, por 'Dune: Part Two'.MEJOR CANCIÓN ORIGINAL:'Beautiful That Way', de Miley Cyrus, Lykke Li, y Andrew Wyatt, de la película 'The Last Showgirl'.'Compress/Repress' de Trent Reznor, Atticus Ross y Luca Guadagnino, de 'Challengers'.'El Mal' de Clément Ducol, Camille y Jacques Audiard, de 'Emilia Pérez'.'Forbidden Road', de Robbie Williams, Freddy Wexler & Sacha Skarbek, de 'Better Man'.'Kiss the Sky', de Jordan K. Johnson, Stefan Johnson, Maren Morris, Michael Pollack y Ali Tamposi, de 'The Wild Robot'.'Mi Camino', de Clément Ducol y Camille, de 'Emilia Pérez'.MEJOR LOGRO EN TAQUILLA:'Alien: Romulus'.'Beetlejuice Beetlejuice'.'Deadpool & Wolverine'.'Gladiator 2'.'Intensamente 2'.'Twisters'.'Wicked'.'The Wild Robot'.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Los conflictos se están profundizando tanto en Corea del Sur como en todo el mundo. Cuando ves a los humanos dividiéndose y siendo hostiles entre sí, puedes sentir la similitud entre la realidad y el 'Juego del Calamar'", dijo el director de la serie, Hwang Dong-hyuk, en una rueda de prensa previa a la premier.La serie, que se estrenará a nivel mundial en Netflix el 26 de diciembre, es una de las más esperadas del año tras convertirse con su primera temporada, en 2021, en una de las más exitosas de la plataforma y un éxito global.La presentación de hoy se llevó a cabo en el emblemático y futurista Dongdaemun Design Plaza (DDP), en Seúl, con la participación de su director, Hwang, así como los 12 miembros del elenco, incluido Lee Jung-jae, quien protagoniza la serie y da vida al anterior ganador del juego, Seong Gi-hun."Se habla mucho sobre votaciones estos días. Esto se trató brevemente en la primera temporada y será importante en la segunda. Creo que habrá muchos aspectos interesantes relacionados con la realidad", añadió el director.Aunque no quiso dar muchos más detalles, el director también habló de la introducción de nuevos juegos y participantes más jóvenes que en la anterior edición."Antes pensaba que había que tener cierta edad para experimentar el fracaso social e incurrir en deudas. Después, con la moda de las criptomonedas, más jóvenes empezaron a confiar en la idea de hacer fortuna", explicó Hwang.Los intérpretes y los creadores de la serie asistirán este mismo lunes al preestreno de la serie previsto en Seúl, y mientras continúa la incertidumbre política en Corea del Sur tras la ley marcial decretada fugazmente el pasado martes por el presidente Yoon Suk-yeol, quien afronta un clamor social para que deje su cargo.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí"Me deprime estrenar la serie en un momento tan difícil", confesó el director, quien también relató que, al igual que otros surcoreanos, pasó la noche del pasado martes al miércoles en vela siguiendo los acontecimientos tras la ley marcial."Es indignante como ciudadano que todo el país sea incapaz de dormir, forzado a salir a las calles y obligado a pasar el final del año con preocupación y temor", dijo Hwang en alusión a las protestas multitudinarias desencadenadas por el estado de excepción y que han continuado en el país mientras Yoon sigue en el poder."Un objetivo claro"Mientras que en la temporada anterior, el protagonista, Gi-hun, aparentaba estar perdido en su vida, en la actual, su objetivo está claro y es descubrir quién está detrás de los juegos y destruir los mismos y a esta persona, aunque el camino no será fácil."Parece que las emociones y la perspectiva de Seong Gi-hun sobre la situación han cambiado por completo y se ha convertido en un personaje con una objetivo claro", dijo hoy su actor, Lee Jung-jae, durante la presentación.En el último tráiler publicado por Netflix se ve a Gi-hun pidiendo volver al juego y a centenares de concursantes participando en los macabros juegos infantiles además de luchando unos contra otros para lograr el ansiado premio económico.Tras más de tres años de que la primera entrega se convirtiera en un éxito mundial, la segunda temporada llegará a la plataforma este diciembre y se espera el estreno de la tercera y última para el próximo año.'El juego del calamar' es una serie distópica en la que los protagonistas son cientos de concursantes con problemas de dinero que aceptan una extraña invitación para competir en juegos infantiles. Dentro les esperan un tentador premio y desafíos letales.Esta producción ocupa el primer puesto histórico entre las series de Netflix, independientemente del idioma, tanto en visionados (265,2 millones, medidos por el total de visionados dividido por el tiempo de emisión) como en tiempo total de visionado (2.205 millones de horas) en las 13 primeras semanas tras el estreno y superando a la española 'La casa de papel'.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La actriz colombiana competirá por el galardón junto a personalidades de la talla de Jodie Foster, nominada por ‘True Detective: Night Country’, Kate Winslet ('The Regime'), Cristin Milioti ('The Penguin'), Naomi Watts ('Feud: Capote vs. The Swans' y Cate Blanchet 'Disclaimer'.Con esta candidatura Vergara suma cuatro nominaciones a estos premios a lo largo de su carrera quien anteriormente había sido considerada por su trabajo en la serie de comedia ‘Modern Family’.En ‘Griselda’ la colombiana da vida a la ‘narcomadrina’ Griselda Blanco que enseñó a Pablo Escobar el ‘negocio’ y a ejercer la violencia sin miramientos, encargada de llevar cocaína a Miami en las décadas de 1970 y 1980.La serie se sumó a las producciones audiovisuales de Netflix sobre narcotraficantes en Latinoamérica y mostró el ascenso de la que se convertiría en “la reina de la coca” en un mundo criminal en el que imperaba el machismo.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíPara interpretar dicho papel, la actriz tuvo que atravesar por una transformación física que incluyó dientes postizos, así como nariz y cejas falsas.Por su parte, Colón-Zayas competirá el premio a mejor actriz de reparto contra Allison Janney ('The Diplomat'), Dakota Fanning ('Ripley'); Hannah Einbinder (Hacks'), Jessica Gunning ('Baby Reindeer') y Kali Reis ('True Detective: Night Country').Se trata de la primera nominación que recibe Colón-Zayas en los considerados como la antesala de Oscar y cuyos ganadores se darán a conocer el próximo 5 de enero en la 72º gala anual que se celebrará en Los Ángeles.La actriz y dramaturga puertorriqueña-americana ganó el pasado septiembre el Emmy a mejor actriz de reparto por su mismo papel en ‘The Bear’, convirtiéndose en la primera actriz latina en lograr un galardón en dicha categoría.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La década de 1920 fue un periodo fructífero para el arte y la literatura, movimientos como el dadaísmo y el futurismo tuvieron su apogeo, mientras que otros como el surrealismo y el realismo mágico sentaron las bases que marcaron el arte en los años venideros. Incluso, estos dos últimos constantemente son motivo de estudio, siguen vigentes y habitan nuevos formatos.Adentrarse en lo mágico y en lo inexplicable es la principal característica que comparten, sin embargo desde el origen hasta el destino de los fantástico en estas obras distancia ambas categorías.Por un lado, el surrealismo, inspirado en el psicoanálisis de Sigmund Freud, se entrega a lo onírico y explora el subconsciente, los sueños y las asociaciones libres para crear obras que desafían la realidad convencional. El realismo mágico, por su parte, toma lo fantástico y lo combina con lo ordinario de manera natural, sin que los elementos mágicos representen sorpresa alguna para los personajes que los vivencian.El realismo mágico, nombrado así por el crítico alemán Franz Roh en 1925, ofrece fantasía y eventos sobrenaturales que hacen parte de la cotidianidad y qué además están enmarcados en el folclor y la riqueza cultural de un pueblo o comunidad particular; el contexto en el surrealismo no está delimitado por ninguna frontera o referencia geográfica, por el contrario combina elementos dispares en contextos inesperados, creando imágenes o situaciones ilógicas, pero profundamente sugestivas.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíSi bien la percepción del tiempo y el espacio puede ser difusa en ambos casos, el realismo mágico fusiona el mundo real con lo enigmático y misterioso sin que ambos mundos estén separados, coexisten todo el tiempo.Los exponentes surrealistas en cambio incluyen símbolos y paisajes extraños que evocan la atmósfera de los sueños, las imágenes oníricas son el centro de esta categoría enfocada en el mundo de la mente, de los sueños, deseos reprimidos y emociones inconscientes.Principales exponentes del realismo mágicoPopularizado en Latinoamérica durante el siglo XX, el realismo mágico tiene a autores de la región como sus principales exponentes, pese a que el término fue acuñado en Alemania. Cien años de soledad (1967), de Gabriel García Márquez, es considerada la cumbre del realismo mágico, retratando la historia de Macondo y la familia Buendía con una mezcla de lo mágico y lo cotidiano. En México, tenemos la narración de una historia de fantasmas en un pueblo desolado donde los vivos y los muertos conviven, en Pedro Páramo (1955) de Juan Rulfo.Otro relato referente del realismo mágico en Latinoamérica es La casa de los espíritus (1982) de la chilena Isabel Allende, donde explora la historia de una familia a través de generaciones con elementos sobrenaturales. Alejo Carpentier, quien prefería el término "lo real maravilloso", influenciado por el surrealismo integró elementos mágicos en su narrativa histórica en El reino de este mundo (1949).Y no podemos dejar fuera de esta lista a Elena Garro, que aunque se desmarcó de esta categoría, incluye en su obra características asociadas a este estilo literario. Su producción literaria incluye novelas, cuentos y obras de teatro que abordan temas sociales, políticos y culturales desde perspectivas innovadoras.Principales exponentes del surrealismoEn la literatura, el surrealismo busca liberar la creatividad de las restricciones de la lógica y la razón, explorando el subconsciente, los sueños y las asociaciones libres de ideas. Bajo la influencia de André Breton, el surrealismo literario tuvo exponentes destacados que transformaron la escritura en una experiencia única y experimental.En 1924 Breton publicó el Manifiesto del surrealismo que definió los principios del movimiento. Entre sus obras destacadas está Nadja (1928), una novela autobiográfica que mezcla prosa y poesía, explorando lo onírico y lo irracional. En Latinoamérica encontramos artistas como el poeta y pintor peruano César Moro, quien combina en sus letras lo erótico, lo mítico y lo fantástico.La obra el mexicano Octavio Paz también está fuertemente influenciada por el surrealismo. Paz incorporó su espíritu en su poesía, explorando el tiempo, el deseo y lo inconsciente en el poemario Libertad bajo palabra (1949) y en El arco y la lira (1956).🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Miradas es un colectivo de fotógrafos colombianos conformado por excombatientes, artistas y gestores culturales, que realiza talleres de fotografía documental para promover la construcción de la memoria histórica del proceso de paz en Colombia y retratar la vida en las comunidades de las regiones más afectadas por el conflicto armado.Desde que en 2016 alrededor de 13.000 insurgentes de las FARC firmaran la paz con el Estado colombiano, más de 400 han sido asesinados, "Miradas nos ha permitido denunciar y contar esa realidad que están viviendo los firmantes, pero a la par también contamos esa lucha en el territorio", dice Sugey Taborda, fotógrafa del Colectivo.Las fotografías retratan el dolor, pero a la vez muestran que "acá hay vida [...], y día a día los territorios apuestan por construir un país en paz", asegura Taborda.Gina Parra, gestora cultural de 'Miradas', explica que eligieron el nombre 'La Paz es el Camino' para la muestra porque "es el camino que escogió Colombia después de mucho insistir" y cree que "es uno de los países más perseverantes y que más ha insistido para encontrar la paz y continúa insistiendo después de este acuerdo final con las FARC".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí Contar la paz desde la fotografía"Las personas que estuvimos en las FARC cuando cogimos las armas, no fue porque amáramos la guerra o nos gustara la guerra sino porque en ese momento creímos que esa era la alternativa que teníamos", recuerda Carmenza Castillo, fotógrafa y firmante del Acuerdo de paz, "pero realmente en las FARC hubo hombres y mujeres llenos de vida y que amábamos la lucha".Para el fotógrafo Marcos Guevara, es más sencillo retratar la guerra porque "termina siendo un espectáculo visual". En cambio "la paz es difícil contarla y narrarla a partir de lo visual"."Retratos de una mujer en la cocina o con su hijo hay miles y millones", afirma Guevara, "pero si conocemos la historia detrás de estas personas y lo que están haciendo para no apostarle a la guerra es donde esos retratos cobran una fuerza narrativa dentro de lo que podemos contar para la paz y lo que puede seguir contribuyendo esto para el país".La exposición fue mostrada en Colombia y actualmente está en una gira por Europa. En Bruselas (Bélgica) se inauguró una colección similar llamada 'Semillas de Paz', con 70 imágenes de fotógrafos colombianos. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Colectivo Miradas (@colectivomiradas)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los jóvenes tocan en la orquesta del barrio de Las Brisas, una de las zonas más empobrecidas y violentas del sur de Valencia (región central de Venezuela), integrada en el Sistema Nacional de Orquestas del país."El hilo conductor siempre fue el deseo de los chicos de convertirse en músicos", cuenta la directora, Marianela Maldonado, pero durante los 10 años de rodaje "la realidad fue cambiando y tuvimos que adaptarnos, y lo que comenzó como ese deseo de mostrar lo que hace un sueño la vida de los pobres, termina como una historia de supervivencia" .El documental muestra la realidad de Venezuela desde la mirada de Wuilly, que tenía 16 años cuando empezó el rodaje; Dissandra, que tenía 9 años, y Edixon, de 13."Es un registro de las vidas de seres humanos (...) que deja en evidencia lo difícil que es vivir en Venezuela" y "siguiendo la cotidianidad, lo personal, hablamos de política porque lo personal es político", continúa Maldonado, ganadora de un Oscar por el guión del cortometraje "Pedro y el lobo".La directora recuerda que cuando comenzó las grabaciones se enfrentó a los problemas de un barrio "sumamente peligroso", con "enfrentamientos de bandas todos los fines de semana y para filmar allí tuvimos que hablar con la gente que controla los barrios".Y a lo largo de una década, "llegó un momento en que no teníamos ni gasolina para transportar el equipo y pedir permisos era difícil".Además, grabar en las protestas en las calles "fue arriesgar la vida [...] en este proyecto todo ha sido una hazaña y muchas veces pensamos que no podíamos terminar esta película, pero tomamos fuerzas y seguimos".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLos desafíos de una generación de jóvenes venezolanosPara Maldonado, el destino de cada uno de los protagonistas muestra los desafíos de una generación de jóvenes: irse del país; enfrentarse "al gobierno dictatorial"; o quedarse, "bajar la cabeza y tratar de adaptarte al entorno".Explica que el documental, que se estrena esta semana en España, tuvo una gran acogida internacional porque retrata "una juventud que tiene un sueño y lucha por eso en medio de grandes adversidades" y asegura que muchas personas "se han visto reflejadas en esa historia, donde tienes la ilusión por ser alguien, por desarrollarte y por salir adelante".La situación de Venezuela es muy compleja, pero Maldonado piensa que 'Los niños de Las Brisas' "explica el país de una manera vivencial, desde lo cotidiano" y que la evolución de las historias "permite ver cómo sienten las personas estos procesos autocráticos [...] y cómo sobreviven a esto a través de diferentes mecanismos".El Sistema Nacional de Orquestas de VenezuelaEl Sistema Nacional de Orquestas de Venezuela, fundado en 1975 por el músico venezolano José Antonio Abreu, es un programa social y cultural para promover el desarrollo humanístico a través de la instrucción y práctica de la música en orquestas sinfónicas y coros.Maldonado conocía el movimiento y pensó en escribir un guión de ficción, pero en las Brisas se conmovió con "las historias de los chicos y me enamoré de lo que estaba pasando allí"."Siempre digo que la crisis venezolana me transformó en documentalista", reflexiona la cineasta, porque "todo lo que está ocurriendo en el país es mucho más impactante y dramático que cualquier historia que te puedas imaginar".El largometraje quiere que los espectadores se pregunten si "es suficiente la música" y que puedan responder "bajo su propio criterio" para "incitar el diálogo, la reflexión y este viaje interior que nos cuesta tanto a los venezolanos".Aunque la música es "una herramienta increíble y maravillosa", sin un "sistema democrático que garantice el trabajo, la igualdad y la prosperidad no hay ningún arte, ninguna profesión que te permita salir adelante", opina la directora venezolana.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
A menos de 500 metros del Odeón romano de Herodes Ático, en la base de la Acrópolis, se encontró el lunes "una estatua de hombre desnudo sin cabeza, tipo Hermes Ludovisi, que data de la época imperial entre los siglos I y V", según un comunicado.Este vestigio fue hallado en una zanja excavada para instalar la red de gas del barrio.El martes los arqueólogos intentaban identificar otros objetos encontrados en el lugar, indicó un responsable de la oficina de prensa del ministerio."Por ahora los nuevos objetos aún no fueron identificados", precisó. Según la televisión pública Ert pertenecerían a la misma época que la estatua de Hermes.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa estatua, "en bastante buen estado, se encontraba dentro de una estructura construida con ladrillos rectangulares" que forma parte "de las villas construidas por los ricos burgueses de la época", según las primeras informaciones de los arqueólogos, citadas en el comunicado ministerial."Es importante continuar las excavaciones, recoger todos los hallazgos, asegurarse de que no se pierda ninguna evidencia (...) para precisar la época de estos objetos", afirmó Elena Kountouri, jefa del servicio arqueológico de Atenas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Del 18 al 22 de diciembre, con expresiones artísticas y culturales de diversos lugares del país como el Cauca, Cesar, Chocó, Córdoba, el Magdalena Medio, San Andrés islas y el Urabá Antioqueño, el Centro Nacional de las Artes celebrará su primer Diciembre biocultural. Durante cinco días, las familias podrán disfrutar de una programación con conciertos de bullerengue, mapalé, chandé y calypso, entre otros ritmos, además de danza, títeres, juegos tradicionales y una feria de gastronomía y emprendimientos característicos de las regiones invitadas.Entre las agrupaciones musicales que visitarán Bogotá en diciembre, estará La Llorona, ganadora del Festival Totó La Momposina -dedicado a la música afrocaribeña-; Creole, referente de la música raizal del archipiélago de San Andrés; La Mayor y La Menor de Boyacá, Son Tuchín de Córdoba y Palmeras de Urabá, La Universidad del Bullerengue de Antioquia. También estarán Semblanzas del Río Guapi del Cauca y Changó de la región de Telembi (Nariño), cuya presencia es posible gracias a la articulación con el proyecto Territorios de Oportunidad de USAID.La Danza de los Diablos Rojos, una tradición del Palenque de San José de Uré (Córdoba) que ha sido transmitida de generación en generación, hará parte de la programación, al igual que la obra de danza Anatomía de un árbol de noche de Cámara de danza comunidad & Colectivo Danza Región (Urabá) y la obra de títeres La peor señora del mundo de la compañía La Libélula Dorada.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíDiciembre biocultural trae por primera vez a la capital del país Ríos de Vida, una iniciativa del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes, después de tomar forma en comunidades de cinco departamentos estratégicos: las cuencas de los ríos Magdalena, Cauca, Sinú, Ranchería y San Juan. Estas regiones, marcadas por el impacto del conflicto armado, la pobreza y la fragilidad institucional, hacen parte del Programa de Desarrollo con Enfoque Territorial (PDET).El proyecto invitó a las comunidades a participar en laboratorios de creación colectiva, espacios donde se gestaron narrativas artísticas y se reconoció el agua como un recurso vital y símbolo de unión. Como resultado de este proceso, los habitantes transformaron sus vivencias y perspectivas en contenidos visuales y artísticos que narran sus historias.Una muestra de este trabajo se presentará en la Sala Fanny Mikey, con música en vivo, proyecciones de mapping creadas por las comunidades y la participación especial de quienes lideraron estos procesos. Este evento promete ser un homenaje al poder transformador del arte y al agua como fuente de vida y esperanza.Diciembre biocultural es una celebración que se enmarca dentro de las políticas públicas del Plan Nacional de Desarrollo 2022-2026, que promueven la cultura como herramienta para la paz, el desarrollo sostenible y la protección ambiental. Con el respaldo de la Agencia de Estados Unidos para el Desarrollo Internacional (USAID), este evento reafirma el compromiso de integrar la riqueza cultural del país con iniciativas de inclusión social y crecimiento económico.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"La idea era hacer una película de actores", dice el colombiano Gonzalo Perdomo sobre La fianza, su ópera prima, un drama "con puntos de mucho humor" protagonizado por sus compatriotas Juana Acosta y Julián Román junto al español Israel Elejalde, que se estrena este viernes en España y a comienzos de 2025 en Latinoamérica.Director y protagonistas presentaron este martes en Madrid la película, que lejos de ser "el típico thriller axfisiante, agobiante, deja respirar al espectador", hasta el punto de que "se lo puede pasar muy bien", según Perdomo."Y para mi ahí radicaba una de las principales dificultades, encontrar el tono porque mi personaje, que no lo pasa bien, es una mujer que está atravesando un momento muy complejo, bastante dramático, y encontrar los puntos de humor no era fácil, así que ese fue uno de los grandes retos que tuve a la hora de interpretar a Ana", dice Juana Acosta, quien colabora además con su productora Calité Filmes, que comparte con su hermana Valentina.La fianza transcurre en una casa adinerada en España, único escenario de la película, y en un plazo de menos de 24 horas, un reto complicado en cuanto al ritmo de la historia que tanto actores como director creen superado de lejos.Eso, y que solo fueran tres personajes fue para Acosta lo más atractivo a la hora de leer el guión: "Me gustan las películas de actores y en este caso tuve la suerte de contar con dos actorazos que son Julián Román, colombiano, con el que hago un mano a mano, e Israel Elejalde, otro grandísimo actor español, dos compañeros con los que disfruté muchísimo cada parte del proceso", señala la actriz.Un director y tres actores "sin ego"El rodaje de La fianza fue en familia, sin "ego" alguno. Lo dice Acosta al referirse a Perdomo - "y es muy difícil de encontrar un director así" - y en lo que coinciden Román y Elejalde sobre todo el equipo."Para mi ha sido un regalo maravilloso, encontrarme con un 'capo' como Isra ha sido llevadero, he sido muy feliz al poder hablar con un actor y poder proponer decir sin el miedo, que a veces pasa con colegas, que no se les puede hablar o no se les puede sugerir", señala el Julián Román, que interpreta a un sicario pero cuyos toques de humanidad acaban por atrapar al espectador.Ese personaje es uno de los clichés que se presentan a lo largo de la trama, lo que Elejalde define mas concretamente como "arquetipos", porque "detrás de lo que nosotros pensamos que es un sicario también hay una persona que tiene familia, que puede ser sensible en algunas cosas, tener dudas, echar de menos a su país".Y la realidad de ciertos estereotipos de los dos países, España y Colombia, es lo que La fianza plasma y que su director cree que no es tanto una bofetada a la sociedad española si no "a este tipo de personas que pierden muy rápido su identidad, porque creo que así estemos fuera de nuestros países no se nos puede olvidar de donde venimos y quienes somos".De hecho el filme, según Perdomo, surge de la realidad de la inmigración en España "para visualizar lo que es hoy en día la sociedad española, que ha conocido un largo proceso de inmigración y en la cual nosotros ya hacemos parte, creamos, hacemos películas, hacemos comidas, tenemos negocios".El teatro como base y los proyectos de futuroLas tablas de los escenarios en los que se formaron Elejande y Román quedan patentes en una película en la que muchas mujeres se van a sentir identificadas con el personaje de Ana, interpretado por Acosta.Los tres actores y Perdomo han creado una pequeña familia que mira al futuro, en el caso de Acosta inmediato, ya que volverá a trabajar en el nuevo proyecto del director, mientras espera el estreno, a finales de febrero, de Medusa la serie que rodó para Netflix en Colombia.A mitad de año estrenará también Matices, rodada para Sky Showtime, "y tengo varios proyectos para el año que viene, segundas temporadas de la series que rodé este año y repetiré el año entrante con Alex de la Iglesia".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Del 11 al 22 de diciembre, la Cinemateca de Bogotá será el escenario de una muestra especial que combina cine y encuentros dedicados a explorar temas de resistencia y comunidad.Organizada por la Cinemateca y el Instituto Distrital de las Artes (Idartes), la quinta edición del ciclo Que Haiga Paz continúa el legado establecido en colaboración con la Comisión de la Verdad. Este evento busca ser un espacio para la reflexión y el diálogo a través del cine, abordando la memoria del conflicto, la búsqueda de la verdad y el camino hacia la reconciliación. Su enfoque resalta historias de resistencia, dignidad y la fuerza de las comunidades."Para la Cinemateca de Bogotá, del Idartes, es un honor y un compromiso dar continuidad al trabajo conjunto con la Comisión de la Verdad mediante el ciclo Que Haiga Paz. Esta iniciativa nos permite seguir construyendo memoria y reflexionando sobre el conflicto desde las artes audiovisuales", destacó María Claudia Parías, directora del Idartes.La edición de este año presenta 16 obras nacionales que abordan diversas perspectivas sobre el conflicto armado, la construcción de paz y la vida después de la guerra. Además, el ciclo trasciende fronteras, incluyendo una muestra internacional que explora el cine del Oriente Próximo, destacando historias de resistencia cotidiana y el derecho de los pueblos a existir.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa muestra nacional se compone de seis programas:Programa 1Pijoteros: Diversas perspectivas de un territorio (Dir. Mariagracia García Camargo, 2024) Hato Corozal. 19 min.Mesa de tareas (Dir. Andrea Rey, 2022) Colombia. 100 min.Programa 2Estirpe (Dir. Ana María Ferro, Daniela Ruiz Coconubo, 2023) Yacopí, Bogotá. 16 min.Avalancha (Dir. Daniel Cortés Ramírez, 2023) Medellín. 25 min.El sonido de los grillos (Dir. Juan David Cárdenas, Bibiana Rojas, Julián David Gutiérrez, 2020) Bogotá. 40 min.Programa 3El camino real (Dir. Sergio Reyes Miranda, 2023) Soacha. 14 min.Purgatorio (Dir. Sergio Romero Ocampo, Juan Blanquicet, 2023) Huila - Cundinamarca. 21 min.Mi cuerpo, mi territorio (Dir. David Garcés, Chiara Charavali, 2024) Caucasia, Nechí, El Bagre. 56 min.Programa 4El asesinato de Dilan Cruz (The Killing of Dilan Cruz) (Dir. Plano Negativo/Forensic Architecture, 2023) Colombia, Reino Unido. 25 min.Manuales de cuidado (Care manuals) (Dir. Plano Negativo, 2023) Colombia, Reino Unido. 25 min.Programa 5Tarro vacío (Dir. Vitilio Iyokina Gittoma, 2024) La Chorrera, Amazonas. 24 min.Hippomane Mancinella (Dir. Ricardo Muñoz Izquierdo, 2022) Pereira. 11 min.Vecinos (Dir. Salym Fayad, Marcela Ascencio, 2023) Colombia, República Centroafricana. 25 min.Programa 6Jhonson (Dir. Daniel Triviño, 2023) Fusagasugá. 11 min.Rap Planadas: Una escena que se autoconstruye (Dir. Holman Sebastián García Chantré, 2024) Planadas. 20 min.Lez-Ama. Vivir Filmando (Dir. Mónica Moya, 2022) Colombia. 52 min.La muestra internacional lleva como título Junto a huertos de sombras arrancadas y está compuesta por un programa de cortometrajes, de Jocelyne Saab, y de largometrajes como estos:Ejército Rojo/Frente para la liberación de Palestina: Declaración de Guerra Mundial (Dir. Adachi Masao, Wakamatsu Koji, 1971) Japón. 71 min.Recogedores (Foragers) (Dir. Jumana Manna, 2022) Palestina. 65 min.Los primeros 54 años: manual breve para una ocupación militar (Dir. Avi Mograbi, 2021) Israel. 110 min.Homeland: Iraq año cero (Dir. Abbas Fahdel, 2015) Irak - Francia. 334 min.Los engañados (Dir. Tewfik Saleh, 1973) Siria. 107 min.No Other Land (Dir. Basel Adra, Hamdan Ballal, Yuval Abraham, Rachel Szor, 2024) Palestina. 95 min.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El volumen explotado de oro en Colombia representa aproximadamente el 1,5 por ciento de la producción mundial, de acuerdo con la Agencia Nacional de Minería. La extracción de este metal sin embargo, trae consigo impactos medioambientales y sociales perjudiciales como contaminación y desplazamientos y claro, aquí podríamos describirlos a detalle, pero un panorama de esta problemática también lo puede ver en la nueva película colombiana Uno.Junto a la travesía de Esmeralda, la protagonista de esta historia encarnada por Marcela Mar, Uno le presenta a los espectadores, desde el thriller y el misterio, distintas caras de una de las realidades de la minería de oro. Resistencia, desplazamientos, contaminación, corrupción, enfermedad, son algunos de los contextos con los que se encuentra esta mujer que, tras una pérdida, solo es movida por el dolor y la búsqueda de respuestas.Guatapé y distintas locaciones de Antioquia, uno de los departamentos con mayor minería de oro en el país, configuran La Alameda, la población ficticia en la que Esmeralda descubre el contexto minero. Relaciones hostiles entre multinacionales mineras, barequeros, ciudadanos y grupos al margen de la ley giran en torno al oro. Para la productora de este thriller, cargado de drama y también acción, Laura Franco, la tensión que vive La Alameda puede ser la historia de cualquier población en Latinoamérica que está atravesada por la minería. Pese a retratar un contexto real, esta es una historia de ficción, que entretiene y mantiene a los espectadores a la expectativa, acompañando a Esmeralda en su búsqueda. Sin embargo, a las persecuciones y las intrigas las acompaña ese trasfondo de la minería, el que hace la historia cercana e indirectamente invita a la reflexión. 💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí"Uno es de esas películas que se tienen que contar más, películas con mucho contenido, que te invitan a pensar, a reflexionar, que te hablan de un tema importante y a la vez que te entretienen", explica Juan Pablo Urrego.Tras ver la película en su estreno, Marcela Mar reflexiona sobre la producción: “Esta película nos plantea una situación donde se pone en peligro la vida de los habitantes de esta población donde se manejan las cosas con mucha irresponsabilidad, a través de la corrupción. Es una película que te pone a pensar al respecto”. El rol de Mar es particular, pues la vemos de principio a fin hilando la historia, solo un personaje adicional tiene rostro y la acompaña, Joaquín, interpretado por Urrego. Esmeralda interactúa con más personas, sí, pero el dolor que la habita es tan grande que la enceguece y a la vez, el público sigue la historia con ese mismo velo. Urrego, por su parte, da vida a Joaquín, un joven habitante de La Alameda que vive con su padre, movido por la rabia contra quienes han usurpado los recursos de la comunidad y contra quienes hostigan a sus amigos, quienes practican la minería artesanal. “En mi vida he tenido la oportunidad de conocer Joaquines, gente que trabaja en el campo, que está luchando por algunos derechos y nos los pueden conseguir. He tenido esas experiencias en mi vida, cercanas, otras lejanas, algunas las he visto”, cuenta. Agrega que en estas experiencias basó su trabajo para darle una personalidad a Joaquín, “un personaje que tiene rabia encima por lo que ha vivido, muertes, desapariciones, desplazamientos”.Uno es el debut en largometrajes de ficción de Julio César, quien durante alrededor de veinte años ha trabajado en la industria en trabajos para televisión, dirigiendo videos musicales, comerciales y algunos shows de comedia para Netflix. Sin embargo, cuenta que hasta este momento y con esta historia se sintió plenamente seguro para dirigir su ópera prima. Producida por Clover Studios, del cineasta Simón Brand y Laura Franco Franco, a esta película le da un toque particular el trabajo realizado por Matt Waters, reconocido diseñador de sonido de Juego de tronos. Y así, con esta suma de ingredientes de sonido, actuación y temática sobresalientes Uno se estrena en cine este 21 de noviembre. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Clover Studios (@cloverstudios__)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“El termino realismo mágico no me gusta, es una etiqueta colonialista y racista sobre realidades fantasiosas que no existen, y mi película muestra la realidad de los habitantes de los territorios” donde fue rodada, ha afirmado este lunes en una rueda de prensa tras el pase de la cinta en el certamen.Yo vi tres luces negras, segundo largometraje del director colombiano después de Siembra, que fue estrenada en el festival de Locarno en 2015 y obtuvo el premio de la crítica, es “una historia de fantasmas en la selva” protagonizada por un curandero interpretado por Jesús María Mina, que intenta defender la naturaleza y la tierra amenazada por la deforestación.El largometraje, que fue estrenado en la sección panorama del 74 festival de Berlín y obtuvo el Grand Prix Coup De Coeur en el 36 Festival de Toulouse, narra el viaje de José de los Santos, un trabajador de una funeraria al corazón de la selva amazónica, donde se rencuentra con el espíritu de su hijo.Lozano ha explicado el importante papel que desempeñan en las comunidades las personas que curan las enfermedades de la población con rituales y plantas recogidas en la selva, prestan servicios funerarios y tienen una percepción del tiempo y de la realidad distinta a la de las poblaciones urbanas.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEl cineasta ha asegurado buscar la reivindicación de las tradiciones vivas y la cotidianidad de las comunidades como una forma de resistencia en los territorios, que están amenazados por una industria que “está cometiendo un verdadero ecocidio”José de los Santos habita la selva y la selva lo habita a él, que defiende la naturaleza en la que vive, convencido de que la mayor parte de los conflictos humanos y de las guerras comienzan por disputas por la propiedad de la tierra.El filme, que tiene un río como hilo conductor en el viaje de José, transita entre lo místico y lo atávico de una historia que puede interpretarse como una llamada de atención sobre el futuro de la humanidad.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El filme ha recibido este galardón por su "estilo" reflejado a lo largo de toda la producción con escenas que "se quedan para historia del cine", ha dicho la actriz y modelo japonesa Ai Hashimoto al entregarles el premio en la ceremonia de clausura del festival.El director se ha mostrado muy emocionado y agradecido con todos los presentes por comprender la pasión que todos los compañeros comparten."Es hermoso poder mostrar nuestra película en este país y ver la forma tan amorosa con la que la han recibido", ha dicho a EFE su productora Mónica Juanita Hernández.La película, basada en la guerra civil de Colombia de 1902 (Guerra de los Mil Días), es un 'western' histórico sobre el perdón y la reconciliación, que muestra la memoria política y bélica de la nación desde el punto de vista de campesinos convertidos en soldados y que son reclutados contra su voluntad.'Adiós al amigo', que tuvo su estreno mundial en el festival Internacional de Cine de Varsovia en octubre, ha tenido su estreno en Asia en este festival.Su director triunfó a nivel internacional con su ópera prima 'Pariente' (2016), que se estrenó en Venecia y Toronto, y con una serie de cortometrajes premiados alrededor del mundo.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíTeki Cometh, la película japonesa dirigida por Daihachi Yoshida y estrenada el pasado 31 de octubre en el mismo festival se ha alzado con tres de los galardones de la competición, entre ellos el Gran Premio del certamen.Asimismo, Yoshida ha recibido el Premio a Mejor Director. "No estoy seguro si soy buen director, pero gracias a vosotros (el elenco y resto de personal), ha salido buena película", ha dicho al recibir el galardón.Y el japonés Kyōzō Nagatsuka, protagonista de la película, ha recibido el Premio a Mejor Actor del Certamen.Nagatsuka se pone en la piel de un profesor jubilado que reside en una casa construida por su abuelo. Allí pasa los días en tranquilidad mientras cocina y ve a antiguos alumnos hasta que recibe un misterioso mensaje en su ordenador que insinúa un peligro inminente.Es "una película maravillosa" narrada con inteligencia, humor y sentido", ha dicho el actor Tony Leung al hacer entrega del principal galardón del festival. Una cinta, además, capaz de transmitir "la emoción cineasta", ha añadido.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Cinemateca de Bogotá fue el escenario en el que se dio a conocer la selección oficial de los más de 150 cortometrajes que harán parte de las competencias oficiales, panoramas y algunos otros títulos destacados de la edición número 22 de Bogoshorts, el festival de Cortos de Bogotá.Esta edición, que se celebrará del 3 al 10 de diciembre, contará con cerca de 400 cortos en 17 secciones que se presentarán en más de quince escenarios de la ciudad. Las sedes principales del festival serán CityU, la Cinemateca de Bogotá y sus sedes en El Tunal y Fontanar del Río, la Alianza Francesa (sede Centro), el Centro Ático de la Pontificia Universidad Javeriana, el Teatro al aire libre La Media Torta, entre otros escenarios físicos y la plataforma virtual Retina Latina.Entre las novedades, veintiún cortometrajes colombianos tendrán su estreno mundial como parte de las competencias y panoramas nacionales. Este es el caso de títulos como Un día de mayo, de Camilo Escobar; Habitografía (Tres), de Mónica Bravo y Miguel Bohórquez, y Las ánimas, de Fabián Hernández, ganador de la Santa Lucía a Mejor Largometraje Colombiano en 2023 por su ópera prima, Un varón.También se podrán ver por primera vez en Colombia obras nacionales con un destacado recorrido internacional: ¡Salsa!, dirigido por Antonina Kerguelén Román; el documental No se ve desde acá, dirigido por Enrique Pedraza-Botero; el film-ensayo Convertirse en piedra, de Jerónimo Atehortúa y Alicia todo el tiempo, de Vladimir Durán, estrenado en el BAFICI.Además, volverán a competir por la Santa Lucía a Mejor Videoclip realizadores como Salomón Simhon, Cristian Pinzón, Tilo Gómez y George Gallardo.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa programación de este año estuvo liderada por Andrés Suárez, con la coordinación de Santiago Parra, junto al comité seleccionador, quienes se encargaron de elegir lo mejor de los más de 4,500 cortos recibidos por convocatoria y a través de curadurías y búsquedas específicas.El comité encargado de seleccionar lo mejor del corto colombiano y del mundo estuvo conformado por: Sara Bautista Espinel, Maritza Blanco, Ana Caro, Sergio Mejía, Alejandra Rocas, Juan Manuel Escobar, Felipe Elgueta (Chile), Juan Diego Barrera, Sebastián Torres, Ana Nieto, Carlos Hernández, Jacques Toulemonde, Juliana Hernández, Lina Sampedro y Regina Campos (Perú), Miguel Morales y Jaime E. Manrique."Veintidós años después Bogoshorts no solamente es uno de los festivales de cine de corta duración más importantes de Colombia, sino que es uno de los festivales más importantes del mundo para el cine de corta duración, para el cortometraje”, dijo el secretario de Cultura, recreación y deporte de Bogotá, Santiago Trujillo, durante el anuncio de las obras seleccionadas.Además, agregó que “esto solamente se logra cuando se tiene pasión, y esa pasión deviene en rigor y ese rigor permite la creatividad, y esa creatividad se constituye en un evento que convoca múltiples conversaciones".🎥Les presentamos el spot oficial del #22BOGOSHORTSEsta edición se realizará del 3 al 10 de diciembre en más de 15 escenarios de #Bogotá, con la proyección de cerca de 400 cortos en 17 secciones.📣Gracias a 16A13 producciones por el montaje y conceptualización de este spot pic.twitter.com/AeXsSzyCbD— Festival de Cortos de Bogotá - BOGOSHORTS (@bogoshorts) October 26, 2024 A continuación, compartimos la selección de cortos en competición en las principales categorías:Competencia Nacional FicciónUn día de mayo - Camilo Escobar (COLOMBIA)Lucía quema el puente - Marcia Roldán (COLOMBIA)Before The Winter - Juan Zuloaga Eslait (CHINA, COLOMBIA, ESTADOS UNIDOS)Zombi - Frank Benítez (COLOMBIA)Alicia todo el tiempo - Vladimir Durán (ARGENTINA, COLOMBIA)Goteras - Vicente González (COLOMBIA)El mundo es afuera - Pablo Roldán (COLOMBIA)¡Salsa! - Antonina Kerguelén (COLOMBIA)Herminda - Ernesto Lozano Redondo (COLOMBIA)A las 9 es la cita - Carlos Ospina (COLOMBIA)Las ánimas - Fabián Hernández (COLOMBIA)Malicia - Edward Gómez (COLOMBIA)Competencia Nacional DocumentalEstamos en el mapa - Santiago Rodríguez (COLOMBIA)Invisible - Daniel Gómez Restrepo, Valentina Montoya Robledo (COLOMBIA)La despedida del río - Mateo Salas (COLOMBIA, REINO UNIDO)Nido de cocodrilo - Jazmín Rojas Forero (COLOMBIA, ALEMANIA)No se ve desde acá - Enrique Pedraza-Botero (COLOMBIA)Competencia Nacional AnimaciónHabitografía (Tres) - Mónica Bravo, Miguel Bohórquez Nates (COLOMBIA)Quebranto - Issabella Rozo (COLOMBIA)Ocaso - Andrés Pérez (COLOMBIA)Wishes: Windows & Nests - Ana María Méndez Salgado (AUSTRALIA, COLOMBIA)Iris de cristal - Diego Gaviria (COLOMBIA)Remember Us - Pablo León (COLOMBIA, USA)Competencia Internacional FicciónThe Man who Could Not Remain Silent - Nebojša Slijepčević (BULGARIA, CROACIA, FRANCIA, SERBIA)La noche dentro (The Night Inside) - Antonio Cuesta (ESPAÑA)Træer Malet i Tjære (Trees Painted in Tar) - Casper Rudolf (DINAMARCA)La asistente - Pierre Llanos (PERÚ)Mannequin Zéro - Louis-Barthélemy Rousseau (FRANCIA)Punter - Jason Adam Maselle (SURÁFRICA, ESTADOS UNIDOS)Volver a recorrer las mismas calles - Beatriz Arias González (CHILE)Des rêves en bateaux papiers (Dreams like paper boats) - Samuel Suffren (HAITÍ)El reinado de Antoine - José Luis Jiménez (REPÚBLICA DOMINICANA, CUBA)Majonezë - Giulia Grandinetti (ITALIA)Qu'importe la distance (The distance between us) - Léo Fontaine (FRANCIA)Tasmim (Decision) - Negar Ebnali (IRÁN)Walud - Daood Alabdulaa, Louise Zenker - (ALEMANIA, SIRIA)Three - Amie Song (USA)Cura sana - Lucía G. Romero (ESPAÑA)Competencia Internacional DocumentalWho Loves the Sun - Arshia Shakiba (CANADÁ)A rosa floresce nas pedras - Sebastián Molina Ruiz (MÉXICO, PORTUGAL)Desaparición en Tres Actos | Primer Acto - Victor Arroyo (CANADÁ)Songs of Love and Hate - Saurav Ghimire (BÉLGICA, NEPAL)Negra sombra - María Salafranca (CUBA)Kora - Cláudia Varejão (PORTUGAL)Cómo ser Pehuén Pedre - Federico Luis (ARGENTINA)What we ask of a statue is that it doesn't move - Daphné Hérétakis (FRANCIA)Getty abortions - Franzis Kabisch (ALEMANIA, PORTUGAL)Radiance - Shuhei Hatano (JAPÓN)Competencia Internacional AnimaciónThe Wild-Tempered Clavier - Anna Samo (ALEMANIA)Homemaker - Ciara Kerr (REINO UNIDO)Amanhã não dão chuva (It shouldn’t rain tomorrow) - Maria Trigo Teixeira (ALEMANIA, PORTUGAL)Father's Letters - Alexey Evstigneev (FRANCIA, RUSIA)Quase Me Lembro (Almost Forgotten) - Dimitri Mihajlovic, Miguel Lima (PORTUGAL)Compost - Augusto Sinay, Matías Sinay (ARGENTINA)El cambio de rueda - Begoña Arostegui (ESPAÑA)On Hold - Delia Hess (SUIZA)Beautiful Men - Nicolas Keppens (BÉLGICA, FRANCIA, PAÍSES BAJOS)A Menina com os Olhos Ocupados (The Girl With The Occupied Eyes) - André Carrilho (PORTUGAL)Tuu Tuu Til - Veronica Solomon (ALEMANIA)Flower Show - Elli Vuorinen (FINLANDIA)Next? - Christel Guibert (BÉLGICA, FRANCIA)Joko - Izabela Plucinska (ALEMANIA, POLONIA, REP. CHECA)Wander to Wonder - Nina Gantz (BÉLGICA, FRANCIA, PAÍSES BAJOS)Free the Chickens - Vizár Matúš (REP. CHECA, ESLOVAQUIA)Gigi - Cynthia Calvi (FRANCIA)Competencia Conexión - España Avetimología - Xosé ZapataLos dientes largos - Lucía Zamora (ECAM)Moro - Pablo Barce (Madrid en Corto)Lo que pasó entre medias - Dacio de las Heras (Escuela TAI)La isla errante - Pablo Borges Diaz-Llanos (Canarias en Corto)Flors de plastic - Adán Aliaga - (CURTS Valencia)Utländsk - Alba Lozano (KIMUAK País Vasco)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'Emilia Pérez' recibió la nominación a mejor película, una categoría en la que competirá junto al musical de animación 'Wicked', 'The Substance', 'Challengers', 'A Real Pain' y 'Anora'. También obtuvo el reconocimiento a mejor película de habla no inglesa.Gracias a la película que sigue la vida de una narcotraficante en fuga la española Karla Sofía Gascón recibió su primera nominación al Globo de Oro a mejor actriz y sus compañeras de reparto, Zoe Saldaña y Selena Gómez competirán por el galardón a mejor actriz de reparto, una categoría por la que también lucharán la italiana Isabella Rossellini ('Conclave') y Felicity Jones ('The Brutalist').El director de la cinta, el francés Jacques Audiard, también se encuentra entre los nominados a mejor director de película junto a 'Conclave' (Edward Berger), 'The Brutalist' (Brady Corbet), 'The Substance' (Coralie Fargeat), 'Anora' (Sean Baker) y 'All We Imagine as Light' (Payal Kapadia).Las tres películas líderes en nominaciones comparten terna además en la categoría a mejor guion y a mejor banda sonora original.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí'Mi Camino' y 'El Mal', dos de las canciones que aparecen en la película protagonizada por Gascón, también figuran entre las nominaciones a mejor canción original.Por su parte, 'Conclave' y 'The Brutalist' lucharán por el Globo de Oro a mejor película de drama junto a 'A Complete Unknown', 'Dune: Part 2', 'Nickel Boys', y 'September 5', informó la organización de los premios de cine y televisión.Los protagonistas de sendas películas, Ralph Finnes ('Conclave') y Adrien Broody ('The Brutalist') también se encuentran entre los nominados a mejor actor principal en un proyecto de drama junto a Colman Domingo, Daniel Craig, Sebastian Stan y Timothée Chalamet.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En la mente de los lectores de Cien años de soledad existen muchos Macondos, pero uno que alimentó la infancia, imaginación y relatos de Gabriel García Márquez es Aracataca, en la zona bananera del departamento del Magdalena, en Colombia, lugar de nacimiento del Premio Nobel de Literatura.Por eso la Fundación Gabo y la Alcaldía de Aracataca, con el apoyo del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes de Colombia y Proimagenes, han organizado la presentación el 11 de dicembre de la adaptación de la novela, que ese mismo día se estrena de manera global en 190 países y llegará a más de 260 millones de suscriptores de esta plataforma.En la proyección, que tendrá lugar en el Parque Simón Bolívar y está convocada a las 5:30 de la tarde, estarán presentes representantes de las instituciones convocantes.La proyección del primer episodio, por primera vez en el Caribe colombiano, se realizará como parte de una serie de actividades que desarrolla la Fundación Gabo con el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes de Colombia, quienes han aunado esfuerzos para conmemorar a Gabriel García Márquez en el décimo aniversario de su fallecimiento y para avanzar en el diseño del centenario de su natalicio en 2027.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEn concreto, los días 11 y 12 de diciembre se llevará a cabo, también en Aracataca, el taller Narrar el Caribe desde la mirada de Gabo. La actividad estará dirigida por la periodista cultural María José Marroquín y contará con la presencia de la experta invitada, María Jesús Espinosa de los Monteros, miembro del Consejo Rector de la Fundación Gabo y directora general de Prisa Audio. En el taller participarán 10 periodistas culturales del Caribe colombiano, seleccionados a partir de las 40 postulaciones recibidas en la plataforma de la Fundación Gabo.Esta proyección es la culminación de una serie de presentaciones en las que la Fundación Gabo ha apoyado conceptualmente y participado, junto con embajadas de Colombia y la Unesco, en diferentes lugares del mundo, como Washington, París, Londres, Madrid, Barcelona, Ciudad de México, Bogotá, Bruselas, Tokio y Bangkok.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Centro Felicidad Chapinero, inaugurado en octubre de 2024, fue el escenario del anuncio de uno de los proyectos culturales de la Alcaldía de Bogotá para el 2025: la realización de la primera Bienal Internacional de Arte y Ciudad BOG25.A través de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte, SCRD, propone fomentar y fortalecer el ecosistema de las artes plásticas y visuales, la arquitectura y el diseño en Bogotá y amplificar otra rama de la cultura y el arte en la ciudad.Con la ciudad como escenario, esta bienal tendrá lugar del 20 de septiembre al 7 de noviembre de 2025, abriendo el espacio de la ciudad al arte, con un ejes temáticos que girarán entorno a la arquitectura de Bogotá, las migraciones, la felicidad, el goce y el ocio, los rituales y la naturaleza, entre otros. Santiago Trujillo, secretario de Cultura, aseguró que la bienal estará en las calles, barrios e incluso en el Transmilenio, permitiendo que artistas emergentes y artistas consolidados de la ciudad dialoguen con artistas de otras partes del mundo.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí“Hicimos una inversión presupuestal de más de 7 mil millones de pesos por ahora y esperamos que aumente porque estamos convencidos de que es muy importante una ciudad como Bogotá que haya un escenario de reflexión y gozo alrededor de las artes plásticas, de las artes del diseño e instalativas”, dijo y puntualizó que el hecho de que una ciudad logré tener una bienal de arte, representa su mayoría de edad cultural.Una mayoría de edad que la ciudad ha venido transitando a través de otras propuestas culturales enfocadas en las artes plásticas durantes las últimas dos décadas como como ArtBo y el Distrito de Arte de San Felipe, entre otras iniciativas públicas y privadas que anualmente se realizan en galerías y espacios convencionales y no convencionales de la ciudad.En el anuncio de la bienal, que estuvo acompañada también por el alcalde Carlos Fernando Galán, se dio a conocer el equipo que lidera esta propuesta cultural, que tendrá dos codirectores y un comité curatorial. Los gestores culturales Diego Garzón y Juan Ricardo Rincón, fundadores de La Feria del Millón, plataforma dedicada al arte emergente que se realiza en distintos espacios de Bogotá desde hace 12 años, son los codirectores de la bienal.“Las bienales internacionales normalmente giran alrededor de un curador, pero por ser la primera bienal de esta envergadura propusimos armar un comité plural, que permite agrupar muchas miradas”, explicó Garzón sobre la conformación del equipo que conforma el comité curatorial.María Wills, historiadora del arte y curadora especializada en arte contemporáneo; Jaime Cerón, investigador, crítico de arte, curador independiente y gestor cultural; y Elkin Rubiano, doctor en Teoría del Arte y Arquitectura, hacen parte desde ya de este comité. Wills aseguró que “la gente está buscando cada vez más una espiritualidad y el arte en muchos casos está dispuesta a brindar experiencias que van a ser muy oportunas dentro de estos ensayos sobre la felicidad”, sobre los ejes que tendrá la bienal.La bienal ofrecerá espacios de intercambio creativo, pero también de diálogo y reflexión crítica. Al descentralizar sus actividades, que incluyen programación educativa y talleres, la BOG25 promoverá la inclusión social y el acceso al arte para todos los públicos, incluidos niños, jóvenes y adultos de sus barrios y localidades.Durante el evento, el Secretario también destacó que, en línea con el objetivo de internacionalización de Bogotá, y del espíritu de intercambio cultural que inspira a la BOG25, se hará en los próximos días un importante anuncio como resultado de su reciente visita a Ciudad de México, donde se reunió con Ana Francis Mor, secretaria de Cultura de esa capital, para firmar un Memorando de Entendimiento entre las dos ciudades.Desde el Centro Felicidad Chapinero, donde se rindió homenaje a los artistas Beatriz González y Alfredo Jaar, la Secretaría también anunció a los ganadores de las primeras tres convocatorias de la bienal: intervenciones artísticas barriales, curadurías artísticas independientes y arte popular, entre las que se entregarán incentivos por 309 millones de pesos.“Queremos que Bogotá poco a poco se posiciona con un evento como la bienal; la idea es que así como hay gente que viaja desde otros países para eventos como el Estéreo Picnic o Rock al Parque la bienal en el corto y mediano plazo convoque a personas de otros países a ver arte”, espera Garzón.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La 'chica Almodóvar’ argentina, intérprete de papeles inolvidables en filmes como 'Todo sobre mi madre','Un lugar en el mundo' o 'Martín (Hache)', recibe en su vivienda de Buenos Aires para desgranar, paso a paso, cómo ha golpeado la ofensiva de Milei a las artes.“El Gobierno está censurando, lo sé, lo veo, lo siento [...]. No se puede hablar sobre la dictadura, ni de género, ni de cambio climático, y no se puede ver ninguna película en la que aparezca Lali Espósito. Es increíble y estamos tragando”, afirma.Cecilia Roth menciona el caso de la cantante y actriz Lali Espósito, quien posteó un mensaje contra el presidente libertario y, desde entonces, es blanco de los ataques del Gobierno y de un “ejército de trolls" en las redes sociales.“Lo que da miedo es la naturalización de todo esto, que un señor que está en el Gobierno maltrate salvajemente a todo aquel que tenga una idea que no coincida con su pensamiento prehistórico”, remarca, al destacar: “es la guerra contra el progresismo”.Milei “tiene características psicopáticas absolutas, no tiene la menor empatía. Me da igual su historia personal, que lo hayan tratado mal de niño, eso no justifica nada, y menos que sea presidente y que ejerza desde ese lugar de niño roto, está gobernando un país de la manera más cruel. Estamos retrocediendo en Argentina exponencialmente”, añade.Desmontando la culturaLa actriz explica cómo, desde que Milei asumió el poder -el 10 de diciembre de 2023-, se han recortado fondos y desmontado la estructura de apoyo a las artes.Según un análisis de Chequeado, un medio de comunicación argentino sin fines de lucro especializado en la verificación de datos, y cifras del Ministerio de Economía, en los primeros nueve meses de 2024 los principales programas culturales incluidos en el presupuesto se redujeron un 54%.Frente a esta situación, Roth habla del Instituto Nacional del Cine y las Artes (INCAA): “Además de apoyar con subsidios, era autárquico, no dependía de la limosna del Estado. No es que dejaron de dar dinero al INCAA, lo desmantelaron”.El INCAA se encargaba de impulsar el cine en el mundo, de llevarlo a los festivales. Roth avisa de que Argentina “no va a estar en ningún festival” y de que puede haber una fuga de talento.También ha ocurrido en la Escuela de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC) y en el Centro Cultural Kirchner, rebautizado como Palacio Libertad, lugares donde “están echando al personal lentamente: a las tres de la mañana de un viernes te puede llegar un despido por mail. Es de una crueldad brutal”, cuenta.“Creen que todos son ‘K’ [kirchneristas], comunistas y socialistas”, prosigue la musa de Pedro Almodóvar y Adolfo Aristaráin, quien insiste en que “todo está teñido de un lamentable olorcito ultraderechista, ultralibertario, ultra anarcocapitalista, todo ultra”.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí“Miedo a que te puteen”¿Hay miedo?, pregunta a Cecilia Roth. Se queda pensando y responde: “No es el miedo que se tenía en la dictadura, ahora no necesitan secuestrarte y desaparecerte; te escrachan y te cancelan, te vuelven loco. Es miedo a la permanente angustia de que tienes que bancarte (soportar) todo esto, que te puteen, que te insulten [...]. Hay miedo a no trabajar, a que te echen y no te contraten”.A su juicio, el país “se va a quedar enflaquecido a niveles impensables. Milei fue recortando, recortando, sacando esa motosierra infernal. Y nosotros y nosotras, en shock, mirando pasar a Milei delante de nuestros ojos y con una oposición profundamente tocada”.“El Gobierno anterior tuvo errores históricos y la gente se cansó. Esa es la verdad y hay una vengancita lógica. Yo lo entiendo, no juzgo a nadie que haya votado a Milei. Sí a los señores que están ganando mucho dinero, pero al pueblo no. Yo juzgo a los Gobiernos anteriores y les pregunto: ¿qué pasó? Ustedes son los culpables”.Y prosigue: “Los dirigentes de la oposición -la izquierda, el peronismo y el kirchnerismo- están enmudecidos, pero la gente no. Hay una enorme resistencia, una lucha tranquila, un movimiento que se está armando en silencio”.“Yo deseo, con todas mis fuerzas, que todo esto sea un mal recuerdo", concluye.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Cuando me lo ofrecieron dije 'sí' de inmediato. Pero cuando colgué el teléfono, me dije 'un momento, ¿en qué me he metido? ¿Voy a destrozar el más amado de los libros de nuestro continente?'", recordó el cineasta.Netflix presentó a invitados en Bruselas el primer capítulo de la esperada serie, que estará dividida en dos partes de ocho capítulos cada una y cuyas primeras ocho entregas estarán disponibles el 11 de diciembre.Por eso, "vi que tenía que seguir mi instinto. Uno siempre tiene el libro, pero para bien o para mal esta siempre será mi interpretación, mi visión de él", indicó García López luego de presentar la ambiciosa serie.El primer capítulo de la serie arranca con el casamiento de José Arcadio Buendía y Úrsula Iguarán, cubre la fundación de la mítica Macondo, y termina con el nacimiento del segundo hijo de la pareja, Aureliano, quien posteriormente se convertiría en el legendario Coronel Aureliano Buendía."El libro no es apenas extremadamente colombiano sino que es muy caribeño. Me di cuenta que tenía que capturar esa cultura", señaló.El libro del colombiano Gabriel García Márquez, publicado en 1967, es una de las obras cumbres de la literatura en idioma español, y su versión cinematográfica era vista como un desafío monumental.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíNetflix adquirió los derechos de la novela en 2019, y fue en plena pandemia que la plataforma contactó a García López para el desafío de llevar la épica de Macondo a la pantalla.Una vez capturado el tono general de la serie, dijo García López, estaba el desafío de presentar imágenes surrealistas en la pantalla, como el recurrente fantasma de Prudencio Aguilar, o la subida al cielo de Remedios, la Bella.Cine pragmático"Siempre me gustó el cine pragmático, en que uno vé y siente, pero claramente los efectos especiales ayudan. Queríamos tener algo como una voz de las películas de los '60s o los '70s, pero los efectos nos han ayudado un poquito", dijo García López.En el caso del fantasma de Aguilar, prefirió mostrarlo simplemente "con cara de tristeza y melancolía, porque extraña a sus amigos y a la vida", apuntó.El cineasta destacó los personajes femeninos de la historia. "Todas las mujeres son fuertes en el sentido en que todas tienen un protagonismo increíblemente potente. Creo ha sido una de las genialidades García Márquez".Sin embargo, comentó que numerosos personajes terminan teniendo destinos trágicos. "Un día le preguntaron a García Márquez porqué muchos de sus personajes terminan en tragedia, y él respondió 'porque no saben cómo amar'", recordó.La producción no ha escatimado esfuerzos para la serie sobre Cien años de Soledad, y aunque Netflix guarda bajo siete llaves datos sobre los valores involucrados la iniciativa es la más ambiciosa de la plataforma para América Latina."El libro es como una locomotora, es imparable, y por momentos es hasta chistoso. A veces es una tragedia griega y por momentos es una tragedia bíblica, con muchos absurdos", relató el cineasta.Todo el vestuario y todos los objetos que aparecen en la serie han sido producidos y fabricados por artesanos colombianos, informó la plataforma.Fuentes de Netflix indicaron la segunda parte de ocho estará disponibles solamente el próximo año. La plataforma de streaming tenía unos 300.000 usuarios en el año 2000, pero se estima que ahora ese total sea de unos 137 millones.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Museo Santa Clara presenta la exposición temporal La promesa de la artista Juliana Ríos Martínez, quien a través de su obra nos invita a explorar la realidad social y cultural de La Guajira, desde sus tradiciones, belleza y resistencia. La muestra estará abierta al público desde el 5 de diciembre hasta marzo de 2025.La promesa evoca la atmósfera vibrante y devocional de la procesión de la Virgen de los Remedios en Riohacha, La Guajira, conectando las manifestaciones devocionales de la exiglesia conventual, hoy Museo Santa Clara con las memorias vivas de esta región. Desde el periodo colonial, las figuras marianas han sido elementos de cohesión social, uniendo comunidades a través de la fe y la devoción. En dos de las tres series, Juliana Ríos Martínez recrea el recorrido de la procesión, invitando al espectador a caminar junto a los fieles, desde las calles de Riohacha hasta el espacio del Museo, donde estas imágenes dialogan con el legado histórico del antiguo templo y su simbolismo religioso.A través de su pintura, la artista busca conectar con la empatía de los vecinos de su taller en Villanueva, y por extensión, con todo el público, transmitiendo la esperanza que emana del arte en territorios históricamente olvidados por el Estado.Juliana Ríos Martínez es una artista visual nacida en Armenia, Quindío. Su trabajo se caracteriza por una profunda reflexión sobre el contexto social, cultural y político de La Guajira, el territorio ancestral de su familia materna. Influenciada por sus estudios sobre Francisco de Goya y la obra literaria de Gabriel García Márquez, Ríos pinta para dar visibilidad a las realidades y luchas cotidianas de La Guajira, utilizando un estilo que fusiona el realismo con la magia de lo cotidiano.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa exposición La promesa está organizada en cuatro ejes temáticos. El primero de ellos, titulado La procesión de la Virgen de los Remedios, presenta dos series de pinturas que recrean la atmósfera de la histórica procesión religiosa de Riohacha, vinculada a la festividad de la Virgen de los Remedios, emblema de la ciudad. Estas obras dialogan con la tradición colonial del Museo Santa Clara, donde la procesión del Corpus Christi destacaba por su relevancia simbólica, resaltando así el papel de las imágenes marianas como elementos de cohesión social y devoción colectiva.El segundo eje, La ofrenda, está dedicado a las plantas y frutos que crecen en Villanueva, con obras que representan ofrendas a la Madre Tierra como una forma de gratitud por la vida y la sanación. En el tercer núcleo, titulado La empatía, Ríos explora el poder del arte para conectar a las personas, dándole voz y color a las realidades de las niñas y mujeres del pueblo, a través de la animación.Finalmente, el cuarto eje, Pintura “mural” residencia en el Museo, consiste en una serie de pinturas murales que la artista creará durante su exposición en el Museo Santa Clara. A través de retratos ambiguos a partir de la figura de la Niña María y de la Virgen como madre, Ríos Martínez nos invitará a reflexionar sobre la problemática de los embarazos de niñas adolescentes en este departamento, que es un ejemplo de lo que ocurre en otras zonas de la provincia en Colombia. La exposición ofrece una oportunidad única para conocer la cultura devocional y la riqueza espiritual de La Guajira a través de la pintura. Las obras de Juliana Ríos no solo nos acercan a la belleza de sus tradiciones, sino que también nos invitan conocer las realidades sociales que enfrenta esta región. A través de sus lienzos, la artista crea un puente de empatía que nos conecta con las luchas, los sueños y la esperanza de los pueblos de la Guajira.La muestra estará abierta al público hasta marzo de 2025, con horarios de visita de martes a domingo, de 9:00 a. m. a 4:30 p. m. y es una oportunidad imperdible para aquellos interesados en explorar la rica intersección entre el arte, la historia y la cultura a través de una mirada contemporánea. Actividades de la agenda educativa y cultural, como talleres, recorridos guiados y charlas participativas acompañarán esta muestra en la que el público podrá interactuar.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Gracias al proyecto 'Nel segno del genio. Velázquez en los documentos del Archivio di Stato di Roma', hasta el próximo 9 de febrero podrán verse estas piezas en la Galería de las Colecciones Reales, el Museo del Prado y la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, que muestran información del segundo viaje del pintor a Roma, entre 1649 y 1651.Los documentos demuestran su papel como intermediario cultural entre España e Italia durante el Siglo de Oro, periodo que se desarrolló entre los siglos XVI y XVII, en el que España vivió un auge del pensamiento, las artes y las letras.Velázquez fue enviado a Italia por el rey Felipe IV para comprar cuadros y esculturas con las que decorar el Alcázar de Madrid (residencia de los reyes).En concreto, los textos describen varios encargos realizados por Velázquez para fabricar copias de esculturas clásicas italianas, a menudo con instrucciones precisas sobre la técnica a emplear así como sobre la materia prima.Por ejemplo, el manuscrito exhibido en la Academia de San Fernando está firmado por él y el escultor Orazio Albrizio para realizar en yeso tres esculturas ubicadas entonces en el Cortile del Belvedere (en el Vaticano) 'Nilo', 'Apolo' y 'Antinoo'.A su lado, en la muestra se exhiben varios vaciados de obras como 'Ariadna dormida' o 'Hermes Loghios' que fueron encargados personalmente por Velázquez, o a través de un apoderado o procurador, con contratos similares al expuesto.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíDe la misma manera, la Galería de las Colecciones Reales acoge el contrato para realizar copias en bronce de tres esculturas de colecciones italianas que decoraron la Sala Octogonal del antiguo Alcázar de Madrid.Por último, el Museo del Prado muestra el contrato entre Velázqucz y Matteo Bonuccelli para la realización de doce leones de bronce que sirvieron de soporte a seis tableros de pórfido destinados a adornar el Salón de los Espejos del Alcázar de Madrid.De ello queda constancia en el retrato de Carlos II de Juan Carreño de Miranda que es parte de la colección del museo, así como en varias mesas de piedras duras que están expuestas en la Galería Central, pues con el tiempo varios de estos leones se utilizaron para sustentar sus tableros.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"En cuanto vimos 'Das Licht' supimos inmediatamente que queríamos que abriera la 75ª Berlinale. Tom Tykwer encuentra belleza y alegría en nuestro mundo, a menudo fracturado y desafiante. Capta mágicamente en la pantalla la esencia de nuestra vida moderna. Es un gran placer dar la bienvenida de nuevo a Tom a la Berlinale con 'Das Licht'", afirmó la directora del festival, Tricia Tuttle.Por su parte, Tykwer, quien ya abrió el festival en dos ocasiones anteriores, en 2002, con "Heaven" ("En el cielo"), su primera producción internacional; y en 2009, con el thriller político "The International" ("Agente internacional"), dijo estar "encantado" de inaugurar la Berlinale con su más reciente filme."La Berlinale es el festival de mi vida. La ciudad es mi destino. Esta película es mi anhelo, añadió el director y guionista."Das Licht", narra la historia de la familia Engels, que se compone de Tim (Lars Eidinger), Milena (Nicolette Krebitz), sus gemelos en común, Frieda (Elke Biesendorfer) y Jon (Julius Gause), y el hijo de Milena, Dio (Elyas Eldridge).💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíForman una familia que vive más uno al lado del otro que junta y nada los mantiene unidos hasta que entra en sus vidas el ama de llaves Farrah (Tala Al-Deen).La misteriosa mujer procedente de Siria somete el mundo de los Engels a una prueba inesperada y desentierra sentimientos que habían permanecido ocultos durante mucho tiempo. En el proceso, persigue un plan propio que cambiará radicalmente la vida de la familia.En su película, Tykwer muestra la vida cotidiana de una familia alemana de clase media en un mundo que gira a una gran velocidad y se ha vuelto inestable, agrega el comunicado.Entre las obras más destacadas del cineasta figuran "Lola rennt" ("Corre, Lola, corre"), de 1998; "Perfume: The Story of a Murderer" ("El Perfume: Historias de un asesino") de 2006; "Cloud Atlas", de 2012; y más recientemente la serie de televisión "Babylon Berlin".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Yo soy una persona amable y empática, básicamente lo contrario a ese personaje que creé para mí... Y soy bastante humilde, pero humilde hasta el punto de autolacerarme", constata el intérprete y compositor británico en su visita a Madrid ante el retrato terrible al que llega en algunos momentos del filme.En esa película sobre su vida, dirigida por Michael Gracey ('The Greatest Showman'), a la que pone voz y que se estrenará a principios de 2025, Williams aparece literalmente retratado como un chimpancé en base a cómo se veía todo el tiempo: un comediante incapaz de tomarse en serio en ningún momento pero que a la vez soñaba de manera desesperada con ser alguien."Ese chimpancé impulsivo solía conducir el coche, pero ahora va en el asiento trasero, porque es otra persona la que está conduciendo. Aún hoy tengo que protegerme contra el autosabotaje todo el tiempo, pero con mejores resultados que antes", cuenta el autor de 'Angels', que pone en primer plano el proceso absoluto de decadencia y dependencia del alcohol y las drogas en el que cayó con solo 21 años.Como él mismo lo define, "'Better Man' encapsula perfectamente una crisis existencial" que nace en buena medida de querer impresionar a los demás, especialmente a su padre, "un increíble y carismático" artista de quien heredó su pasión por Frank Sinatra."Crecí alrededor del cabaret y del espectáculo y, subconscientemente, entendí lo que se necesitaba para ser artista. Pero eso también es complicado cuando eres tan joven y te vuelves famoso, porque te pierdes de muchas maneras diferentes", analiza sobre qué le llevó a perderse en evasiones rápidas.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí¿Quién es Robbie Williams?Así llega a preguntarse: "¿Quién es Robbie Williams fuera del escenario?". Un nombre que, por cierto, ni siquiera escogió él, sino el exrepresentante de su banda, Take That, Nigel Martin-Smith, según se cuenta en el metraje. "Durante muchos, muchos años, odié el nombre de Robbie. Hoy no me importa. Soy Robbie: encantado de conocerte", asegura."Lamentablemente (lo que digan los demás) sigue siendo muy importante y eso no me gusta, como no me gusta lo mucho que estoy involucrado en el éxito de este personaje llamado Robbie Williams. No me hace sentir cómodo saber lo dependiente que es, como si el mundo entero fuera mi guardián, pero al menos ahora lo reconozco", afirma como parte de ese proceso de autoconocimiento que emprendió cuando hace años al fin entró en rehabilitación.No fue él quien decidió que la película se llamara como uno de los temas de su repertorio, 'Better Man', una canción que cuando la publicó como parte de su disco 'Sing When You'Re Winning' (2000) pensó que era "un poco aburrida"."Pero ahora la entiendo porque funciona en muchos niveles diferentes. Me di cuenta de esto el otro día cuando vi el cartel con el mono y debajo aparece un hombre mejor", reflexiona, a lo que solo cabe preguntarle si ahora, en un momento vital completamente diferente, se siente así: "Soy mejor de lo que era, pero siempre hay trabajo por hacer", remacha.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Según The Hollywood Reporter, Magnolia Hill Productions adquirió los derechos de las memorias, que serán publicadas por Grand Central Publishing en primavera de 2026, que son el resultado de quince años de conversaciones grabadas entre Minnelli y su amigo y socio creativo Michael Feinstein.El libro también cuenta con la colaboración de los periodistas Josh Getlin y Heidi Evans."Estoy muy emocionada de trabajar con Sam Haskell, de Magnolia Hill Productions, y Warner Bros. Television para dar vida a mi historia de esta forma tan especial", dijo Minnelli en un comunicado recogido por medios nacionales.La artista de 'Cabaret' trabajó con Haskell en el pasado, el ahora presidente de Magnolia Hill Productions fue su agente y productor.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí"Sam ha sido un amigo muy querido y una parte inestimable de mi vida profesional, y no podría pensar en un colaborador más adecuado para este proyecto increíblemente personal. Estoy impaciente por compartir mi historia con el mundo. No confiaría esta historia a nadie más que a Sam", ahondó la actriz.Las memorias seguirán los altibajos de la trayectoria de Minnelli y revelarán "las experiencias crudas y triunfantes que han consolidado su estatus como una de las intérpretes más convincentes de la historia del espectáculo", de acuerdo con un comunicado emitido por la editorial en agosto.También recorrerán su perspectiva única de Hollywood como hija de Judy Garland y el director Vincente Minnelli, así como su lucha contra las adicciones.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La película, coproducida con Chile, México, Ecuador, Francia e Italia, fue escrita y dirigida por el chileno Vinko Tomičić a partir de sus recuerdos de infancia de un vecino suyo "que trabajaba como lustracalzados" en su natal Coquimbo, comentó el cineasta."A mí me interesan mucho los personajes que están dispuestos a hacer alguna locura por intentar mejorar la condición adversa en la que se encuentran", señaló.Estrenada este año en Tribeca, la cinta se desarrolla en La Paz y cuenta la historia de Martín, un huérfano que trabaja como 'lustra', como se llama a los limpiabotas en Bolivia, y que un día decide robar el perro de su mejor cliente, un sastre solitario al que empieza a ver como su padre.Según el cineasta, la película narra la lucha de Martín "por intentar ser reconocido", aunque paradójicamente esconde su identidad detrás del pasamontañas que llevan los 'lustras' para evitar ser estigmatizados."Hay una contradicción muy fuerte entre su deseo y su vestir. Quiere ser reconocido por una sociedad, en el colegio, busca una aceptación cuando, a la vez, él mismo se esconde detrás de una máscara", apuntó.De padre chileno y madre boliviana, Tomičić confesó que inicialmente pensó en rodar el filme en Coquimbo, pero cambió de parecer tras visitar La Paz en 2015 para dar un taller de cine a los jóvenes del Hormigón Armado, un proyecto social que trabaja con los 'lustras'.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí"Hice talleres de cine para los chicos y luego de convivir con ellos y de conocerlos, me di cuenta de que mi guión, esta ficción que yo estaba escribiendo, era una historia más de las tantas que tenían estos chicos, que incluso eran mucho más fuertes", explicó.Así inició un proceso que tomó ocho años "desde la gestación de la idea hasta el día del estreno", incluidos de por medio "muchos golpes que no nos permitieron filmar en su momento", como el suspenso por la pandemia de la covid-19.Con todo, Tomičić consideró que ese alargue "trajo cosas positivas, como llevar la película a un punto de maduración muy fuerte".Orgullo 'lustra'El proceso para elegir a los protagonistas también fue largo, hasta que en una de las últimas etapas apareció Franklin Aro Huasco, un 'lustra' que "sorprendió" a Tomičić y al equipo de producción "con su interpretación, con el poder de su mirada y con su sensibilidad"."Uno pasa mucho tiempo escribiendo un personaje, construyendo un universo a través de la palabra, del guión. Entonces cuando de pronto ocurre el momento en que uno ve ese rostro que creó en su mente y lo ve frente a uno, ahí es cuando uno hace el 'match' (la conexión) y con Franklin fue así", comentó el cineasta.Aro dijo que trabajó como limpiabotas desde sus 10 años, filmó la película cuando tenía 16, terminó el colegio en 2022 y actualmente, a sus 20 años, se declara "muy feliz de representar a Bolivia" y que le digan que es un "orgullo" para el país.El joven destacó la experiencia ganada, el haber perdido miedo a expresarse, además de sentirse "orgulloso de ser lustracalzados".Aro ganó una mención honorífica como actor revelación en el festival de Guadalajara y fue reconocido como mejor actor en el de Santiago y en la competencia internacional de Antalya, Turquía, donde Tomičić fue elegido mejor director.Tomičić señaló que "es un honor" representar a Bolivia en los premios Goya y que "sería maravilloso" quedar entre las cinco finalistas a Mejor Película Iberoamericana.También destacó que fue una sorpresa estar nominados a Mejor Película Latinoamericana en los premios Forqué, considerados una antesala de los Goya, ya que el filme recién se estrenará en España en marzo próximo.Aunque, aseguró, el "mayor premio" es la "conexión" lograda con el público "alrededor del mundo".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Del tiempo que pasa” es la más reciente exposición del arquitecto y artista Luis Fernando Peláez que retoma la experiencia creada anteriormente en el Museo de Antioquia, en la exposición “El Río” en el año 2010. Esta obra presenta las piezas como una instalación envolvente que invita al espectador a recorrerla y sumergirse en las distintas atmósferas.La canoa a la deriva con una maleta flotando en su interior, el novillo en el agua, la casa flotando sugieren un paisaje intenso que confronta nuestra historia: la lluvia o la fuerza de la naturaleza, por ejemplo, o la errancia y el desarraigo. Estas obras se entrelazan en dos salas impregnadas de silencio, una oscura y otra clara, invitando a explorar lo que yace oculto en nuestra memoria colectiva.En palabras de Lucía González Duque, quien entonces era la directora del Museo de Antioquia, Peláez es “uno de los más destacados artistas en el panorama artístico nacional desde la década de 1980, cuando tuvo un gran reconocimiento en el país al recibir el primer premio del Salón Nacional de Artistas, distinción que compartió con Doris Salcedo. Ambos escultores son hoy destacados representantes de las artes plásticas colombianas tanto dentro como fuera del país”.Además de la exposición, esta obra de Peláez se complementa con la publicación homónima de Ediciones Arte Dos Gráfico de Bogotá. El libro contiene veintidós textos en caligrafía de Peláez sobre el acto creativo.La creación artística de Luis Fernando Peláez está profundamente atravesada por una carga poética. En sus objetos, ensamblajes e instalaciones, cada componente es un gesto lleno de poesía; todo parece insinuarse, contenerse y reflejarse en el conjunto.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíSus obras están llenas de relaciones, correspondencias, conexiones y simetrías: el arte se convierte en un medio para revelar los secretos más íntimos de las cosas, capturar sentimientos, suspender emociones y evocar diferentes estados emocionales.“Luis Fernando Peláez nos muestra en este libro que esas cosas, esas atmósferas, esos sueños que sus manos saben construir con cristales y maderas y resinas, mundos poderosamente quietos y elocuentemente mudos, también los sabe construir con palabras. Su nostalgia es contagiosa, nos impone su existencia, y sabe nombrar lo que perdimos; nos entrega esos momentos y nos conmueve al revelarnos que nosotros también los vivimos: esos seres que están ahí tal vez son los mismos que alguna vez amamos, esos inviernos están instalados hace siglos en nuestra memoria, esas despedidas nunca nos abandonaron”, comenta William Ospina.Podrá visitar esta exposición de lunes a viernes, en horario de 10:00 a. m. a 6:00 p.m. y los sábados entre las 10:00 a. m. y las 2:00 p.m. Tenga en cuenta que las visitas este año estarán disponibles hasta el 24 de diciembre y en 2025 desde el 15 de enero. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Galería Sextante (@galeriasextante)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
