Bogotá será el epicentro de la música y la energía este jueves 16 de enero, cuando Twenty One Pilots ofrezca su primer concierto como artistas principales en Colombia. Josh Dun y Tyler Joseph, el icónico dúo que ha conquistado al mundo, regresa al país tras sus memorables presentaciones en el Festival Estéreo Picnic. En esta ocasión, llegan como parte de su gira The Clancy World Tour, que los llevará por múltiples escenarios internacionales.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El álbum Trench, el sexto de su discografía, es el hilo conductor de esta gira. Un trabajo conceptual que consolida su evolución artística desde su debut homónimo hace ya 15 años. Con su estilo único y su puesta en escena electrizante, Twenty One Pilots ha demostrado que dos personas pueden llenar un escenario con una energía que parece multiplicarse por mil. Sus conciertos son una experiencia multisensorial, donde la interacción con el público, los poderosos riffs de guitarra y los explosivos beats de batería crean una atmósfera inolvidable.Recomendaciones para disfrutar del showLa productora del evento, Páramo Presenta, ha compartido en sus redes sociales una serie de recomendaciones para garantizar una experiencia segura y fluida para todos los asistentes:Consejos generales:Mantén tus objetos personales bajo cuidado en todo momento.Prepárate para un control de seguridad en la entrada.Se promueve un ambiente de respeto: no se tolerarán actos discriminatorios.Llega con anticipación para evitar contratiempos.Ten en cuenta que no habrá servicio de casilleros.Artículos prohibidos:Equipos de grabación como cámaras profesionales, GoPros, tabletas y drones.Comidas, bebidas y vaporizadores.Camisetas relacionadas con equipos de fútbol.Mochilas o maletas mayores a 16 cm x 11 cm.Banderas, pósters y otros elementos publicitarios.Objetos peligrosos como armas, cadenas, sombrillas o elementos cortopunzantes.Disfraces que oculten el rostro, como máscaras o pasamontañas.Botas con punta reforzada y elementos inflamables como pólvora.Logística del eventoParqueadero: El Coliseo Medplus dispone de un parqueadero con cupos limitados. Las tarifas son de $30.000 para automóviles y $20.000 para motocicletas. Se recomienda llegar temprano para asegurar un espacio.Horarios:Las puertas del recinto abrirán a las 6:00 p.m.El show de la banda telonera, Balu Brigada, comenzará a las 8:00 p.m.Twenty One Pilots tomará el escenario a las 9:00 p.m.Una cita imperdibleCon una propuesta musical que desafía géneros y una entrega escénica que desborda pasión, el show de Twenty One Pilots promete ser una noche inolvidable para sus fans colombianos. Prepara tu energía, revisa los detalles logísticos y disfruta de esta experiencia única que quedará grabada en la memoria de todos los asistentes.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Germaine Tailleferre fue una destacada compositora francesa y la única mujer del influyente grupo de compositores conocido como "Les Six". Su vida y obra reflejan una combinación de innovación, talento y adaptabilidad, características que le permitieron destacarse en un mundo dominado por figuras masculinas de la música clásica.Tailleferre nació en Saint-Maur-des-Fossés, cerca de París, en una familia de clase media. Desde temprana edad mostró un talento prodigioso para la música, pero su padre se oponía a que siguiera una carrera artística. Con el apoyo de su madre, Tailleferre ingresó al Conservatorio de París, donde estudió piano y composición. Allí conoció a figuras que marcarían su carrera, como Darius Milhaud y Arthur Honegger, quienes más tarde formarían parte de "Les Six".Les Six y el estilo musicalEn la década de 1920, Tailleferre se unió a "Les Six", un grupo de jóvenes compositores franceses influenciados por Erik Satie y en contra del romanticismo alemán. Sus miembros, Darius Milhaud, Francis Poulenc, Arthur Honegger, Georges Auric, Louis Durey y Tailleferre buscaban un estilo más directo, fresco y despreocupado, que a menudo combinaba elementos de la música popular con técnicas clásicas. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La compositora destacó por su capacidad de integrar armonías modernas con una elegancia que recordaba a los grandes maestros franceses como Ravel, a quien admiraba profundamente.Su música se caracteriza por una luminosidad y claridad únicas, con influencias del impresionismo y el neoclasicismo. Aunque no alcanzó el mismo reconocimiento que sus compañeros masculinos, Tailleferre fue una compositora prolífica, dejando un legado que abarca géneros como música de cámara, ópera, conciertos, música para cine y piezas para piano.Algunas obras recomendadas"Concierto para piano y orquesta" (1924): Esta obra representa una síntesis de su estilo, con un equilibrio entre virtuosismo pianístico y un enfoque melódico accesible. El concierto es un ejemplo perfecto de su capacidad para combinar la tradición clásica con un lenguaje armónico moderno."La Nouvelle Cythère" (1929): Una suite para piano que muestra su refinamiento y delicadeza. Inspirada en la mitología griega, esta obra evoca paisajes sonoros etéreos y es considerada una de sus creaciones más personales."Concertino para arpa y orquesta" (1927): Una obra que pone de relieve su habilidad para escribir para instrumentos específicos. Aquí, Tailleferre aprovecha la riqueza tímbrica del arpa, creando una atmósfera encantadora y sofisticada.A lo largo de su vida, Tailleferre enfrentó numerosos desafíos personales, incluyendo problemas financieros y matrimonios fallidos. Sin embargo, nunca dejó de componer. Incluso en sus últimos años, cuando la salud comenzó a fallarle, siguió produciendo música con un espíritu indomable.El legado de Germaine Tailleferre ha sido redescubierto y valorado en las últimas décadas, en particular por su contribución a la música del siglo XX y por ser una pionera en un campo donde las mujeres enfrentaban innumerables barreras. Su música sigue siendo interpretada en todo el mundo, y su historia inspira a nuevas generaciones de músicos y compositoras.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La exposición, organizada en colaboración con Omer Pardillo Cid, albacea de Celia Cruz Estate, presentará una colección cuidadosamente seleccionada de fotografías, videos, carteles, pelucas y vestidos que pertenecieron a la icónica cantante, fallecida en 2003 a los 77 años."Es un homenaje a su trayectoria artística y a su incansable compromiso con su público, al que le encantaba hacer bailar hasta el amanecer", indica un comunicado de prensa.Este homenaje no solo celebra la trayectoria artística de la cantante, sino también su inquebrantable compromiso a lo largo de su vida con su público en general y con su gente de Cuba en particular, señala la nota.Igualmente, la coincidencia del centenario de Cruz con el de la ciudad de Hialeah y la Torre de la Libertad subraya la profunda conexión de la artista con la comunidad cubana de Miami.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Nacida en La Habana en 1925, Celia Cruz se convirtió en la voz emblemática de La Sonora Matancera antes de huir del régimen comunista cubano en 1960.El lanzamiento de su carrera como solista, caracterizada por sus actuaciones audaces y emotivas, la catapultó a la fama internacional, actuando en escenarios de todo el mundo, pero manteniendo siempre un fuerte vínculo con sus raíces cubanas.Celia Caridad Cruz y Alfonso, más conocida como Celia Cruz, se convirtió el pasado 8 de agosto en la primera mujer afrolatina en aparecer en una moneda de Estados Unidos.La muestra se extenderá hasta el próximo 15 de febrero en la Galería de Arte del Recinto Hialeah del MDC. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Museum of Art and Design @ MDC (@moadmdc)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Después del estreno de Debí tirar más fotos, el más reciente álbum de Bad Bunny, Puerto Rico y su historia le han dado la vuelta al mundo, la primera colonización de la isla, el origen de su bandera y del himno son algunas de las historias que han protagonizado este álbum.Este disco además de presentar al mundo detalles hasta ahora desconocidos por muchos, como que el sapo concho es la única especie de ranas endémica de la isla y está en peligro de extinción, también mezcla ritmos latinos como el bolero, la salsa y los estándares musicales de ayer y de hoy de Puerto Rico: la plena y el reguetón.A finales del siglo XIX en la ciudad de Ponce, al sur de la isla, donde estaban las azucareras, los trabajadores encontraron en la música una forma de contar las historias que les ocurrían, las injusticias sociales que los rodeaban. A la plena se le conoció también como "el periódico cantado" porque tradicionalmente permitía comentar sobre eventos sociales, o criticar situaciones políticas, muchas veces de forma humorística o sarcástica a través de este ritmo.Con panderos, también llamados pleneras, güiros, cuatros y coros, los trabajadores y habitantes de los barrios marginados de Ponce hicieron de la plena una herramienta, que mezcla de tradiciones africanas, taínas y españolas, para expresar la voz del pueblo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El etnomusicólogo y coautor del libro Puerto Rico y su plena: nuevas fuentes para su estudio (2018), Emanuel Dufrasne González, dijo a un medio local que “la identidad nacional puertorriqueña se enriquece con otro aspecto de cultura que tiene su carácter propio, tiene sus formas de hacerse. Me refiero a que la plena recoge influencias de cosas que ya existían se añade a todo lo que ya existía y en ese sentido enriquece lo que había”.Además, en su libro, escrito junto al historiador boricua Nestor Murray Irizarry, explica que a diferencia de lo que se cree, la plena no surgió en el siglo XX, sino antes, pero fue sobre la década de 1920 que este ritmo se popularizó en toda la isla.Los cantos de la plena, sus bailes e historias coinciden con la necesidad de la gente de informarse y de manifestarse ante el cambio cultural que suponía la invasión de Estados Unidos a la isla cuando el 12 de mayo de 1898 ese país bombardeó San Juan, capital de Puerto Rico.En las décadas siguientes, en el siglo XX, la plena se consolidó como un ritmo boricua, que pese a fusionarse con el merengue, la salsa, el mambo y otros géneros tropicales de populares en los años sesenta y setenta, mantuvo su esencia y perdura hasta la actualidad, siendo referente de la cultura de la isla.El auge del reguetón desde finales de los noventa hizo de la isla de la bomba y la plena (ambos ritmos de Puerto Rico aunque con orígenes, instrumentos y propósitos diferentes) la isla del reguetón ante el mundo. Y aunque eso no es negativo, sí es un panorama que pone en riesgo el olvido de ritmos tradicionales, de ahí la importancia cultural que tiene incluir este ritmo en un álbum de consumo tan masivo como Debí tirar más fotos y su canción homónima, ejemplo de la mezcla de la plena con ritmos urbanos.Además de ser el ritmo oficial de las protestas en la isla, los puertorriqueños también han cuidado y resguardado la plena a través de fiestas y celebraciones. Antes del reguetón, en 1979, crearon el Festival Nacional de la Plena, uno de los eventos culturales más importantes de Puerto Rico, especialmente para Ponce, que este año se celebrará desde finales de febrero.Las voces y leyendas de la plenaDesde su origen, los principales exponentes de la plena han sido natales de Puerto Rico y han compuesto letras que impulsan el arraigo cultural del ritmo. Uno de los nombres más sonados al hablar de la plena es el de Manuel Jiménez, conocido como “el canario” y quien sería de los primeros en llevar esta música de las calles a los estudios de grabación. Una de sus canciones más sonadas es Santa María, donde relata la historia de un barco que naufragó en Ponce.En la década del cuarenta Mon Rivera fue conocido por modernizar la plena. Introdujo arreglos más elaborados y grandes bandas en la interpretación de este género. Su canción Askarakatiskis es un ejemplo clásico de cómo mezcló la plena con otros géneros tropicales.Años más tarde Rafael Cortijo y su Combo revolucionaron la plena al combinarla con otros géneros, como la salsa y el jazz. Junto a su cantante principal, Ismael Rivera, llevaron la plena a un público internacional, especialmente en los años 50 y 60. Canciones como El bombón de Elena y Juan José son clásicos que reflejan la esencia de la plena.Otro grupo que propagó el ritmo, esta vez por Estados Unidos, fue Los Pleneros de la 21, un grupo fundado en Nueva York en 1983, pero con fuertes raíces puertorriqueñas que desde entonces se dedican a preservar y promover la plena y la bomba, mezclándola con otras influencias contemporáneas.Si quiere escuchar lo más reciente de la plena también puede acercarse a la música de la banda boricua Plena libre, quienes se han encargado de llevar el ritmo por el mundo desde los años noventa.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El popular grupo anunció en su perfil de Facebook que ha aceptado una invitación "de la campaña del presidente electo Trump para participar en las actividades inaugurales, incluyendo al menos un evento" junto al nuevo mandatario republicano."Sabemos que esto no hará felices a algunos de ustedes, sin embargo creemos que la música debe ser interpretada sin tener en cuenta la política", advierten los creadores de Macho Man o In The Navy."Nuestra canción Y.M.C.A. es un himno global que esperamos ayude a unir al país después de una campaña tumultuosa y dividida donde nuestro candidato preferido perdió", precisan en el mensaje en referencia a la debacle electoral sufrida por la candidata demócrata Kamala Harris.Por lo tanto, "creemos que es ahora el momento de unir al país con música y, por eso, VILLAGE PEOPLE estará actuando en varios eventos como parte de la inauguración 2025 de Donald J. ¡Trump!", indican en su mensaje.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEl presidente electo de Estados Unidos, que tomará posesión del cargo el próximo 20 de enero, ha usado de forma frecuente el tema "Y.M.C.A." en su campaña electoral acompañado de un baile que se convirtió en viral.De hecho, la coreografía de Trump llegó a ser copiada por numerosos deportistas y personajes populares en Estados Unidos, que la han imitado en los últimos meses en todo tipo de eventos y en el terreno de juego.El grupo musical no siempre ha estado de acuerdo con el uso que Trump ha hecho de este popular tema que llegó a utilizar en su anterior campaña electoral.Alguno de los componentes de Village People llegó a pedir reiteradamente al candidato a la reelección que dejara de usar esa canción en sus actos políticos y Victor Willis, uno de los miembros del grupo pop, no sólo criticó la utilización de 'Y.M.C.A.', sino que también se mostró molesto en el pasado con sus coreografías.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Es un reconocimiento justo, pero que engrandece, es una retroalimentación muy bonita", señaló el mandatario desde el Parque Cultural de Valparaíso (PCdV), ubicado en la excárcel.Boric, que ha expresado en varias ocasiones su admiración por la artista, recomendó su último trabajo –'Autopoiética'– y destacó su alcance y trayectoria: "Estás aquí, en el arte, en el corazón de todos, en las calles de Valparaíso, en la pobreza de sus poblaciones,en la lucha de su gente cotidiana, estás en las anónimas, estás en la memoria".Laferte, oriunda de Viña del Mar, segunda ciudad de la región de Valparaíso, agradeció el reconocimiento y destacó la "emoción" de volver a su lugar de origen: "Vuelvo a mi tierra y me siento de nuevo en casa"."Aquí me crié, en las calles de Valparaíso, cantando, pintando, creando canciones, escribiendo, entonces siento muy bonito de regresar aquí a mi tierra natal", añadió.Durante el acto, enmarcado en el Festival Internacional Valpo a Mil, organizado por la Fundación Teatro a Mil, también se inauguró la exposición 'Te amo, Mon Laferte Visual', exhibida por primera vez en 2023, en el marco del Festival Teatro a Mil en Santiago, donde fue visitada por más de 60.000 personas.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa muestra, realizada bajo la curatoría de Beatriz Bustos Oyanedel, es la primera exposición que cantante realizó en Chile y exhibe su faceta de artista visual a través de pinturas, dibujos, poemas, videos, bordados y figuras tridimensionales.Además, incluye objetos personales, como el vestido rojo que Mon Laferte lució en su presentación en el Festival de Viña del Mar de 2017 y el traje negro bordado por artesanas mexicanas que usó en los premios Grammy 2021, cuando recibió la estatuilla a Mejor Álbum de Cantautor.En octubre, Mon Laferte inauguró en el Centro Cultural Matucana 100, ubicado en la capital, otra exposición con el nombre de su último disco que podrá visitarse hasta el 19 de enero y que, según explicó entonces ella misma, invita a "visualizar con ironía los estereotipos y formas de vida que imponen discursos de culpa y violencia”.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el marco de los 45 años de relaciones diplomáticas entre Colombia y China, la Orquesta Sinfónica Nacional deslumbró en los escenarios de Shanghai, Suzhou, Yangzhou y Hangzhou, llevando su maestría y excelencia musical a públicos que la ovacionaron entre banderas colombianas alzadas con orgullo y emotivos momentos de conexión cultural.La gira comenzó el 24 de diciembre de 2024 en el histórico Shanghai Concert Hall, uno de los teatros más antiguos y prestigiosos de la ciudad, conocido por su impresionante acústica y arquitectura neoclásica. Durante este primer concierto, la Sinfónica presentó un repertorio que incluyó obras como el "Danzón N° 2" de Arturo Márquez, la "Sinfonía del Nuevo Mundo" de Antonín Dvořák y la tradicional obra china "Jasmine Flower" de Wenping Li, cautivando al público local e internacional."Para nosotros es muy conmovedor. Desde niños hemos estudiado estos instrumentos para tocar corazones y almas. Ver cómo logramos acompañar a los colombianos en territorios tan lejanos y conmover al público chino con nuestra música fue algo único", comentó Manuel López, violinista de la orquesta. 💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEl cierre de la gira tuvo lugar en el The Channel Grand Theatre de Hangzhou, donde la orquesta reafirmó su excelencia artística con un concierto inolvidable que marcó no solo el final de esta histórica travesía, sino también el cierre de la temporada 2024 y el emocionante inicio del 2025. Este recorrido reafirmó el lugar de la Orquesta como una de las mejores de América Latina, ovacionada tanto por el público internacional como por la crítica especializada."La Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia se ha consolidado como un ensamble de excelencia. Desde el primer concierto en Shanghái, quedó claro que esta orquesta ha alcanzado un nivel de primer mundo. Este éxito es el reflejo del arduo trabajo y la dedicación de cada uno de los músicos", afirmó Yeruham Scharovsky, director artístico y titular de la Orquesta. Tras este exitoso recorrido, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia regresó al país para inaugurar su temporada 2025 con una vibrante interpretación de El Barbero de Sevilla, en el marco del Festival Internacional de Música de Cartagena. Este evento marcó el regreso de la ópera a uno de los festivales más prestigiosos del país, dando inicio a un nuevo capítulo en la historia de la Orquesta el pasado sábado 11 de enero de 2025.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En un mundo cada vez más ruidoso y fragmentado, la música clásica emerge como un refugio atemporal, ofreciendo mucho más que deleite estético. Estudios recientes demuestran que escuchar composiciones de gigantes como Bach, Beethoven y Mozart no solo eleva el espíritu, sino que también transforma el cerebro, actuando como un antidepresivo natural. La ciencia está comenzando a desentrañar cómo estas obras maestras del sonido afectan nuestras emociones, cognición y bienestar general.El cerebro bajo el influjo de la música clásicaEl impacto de la música en el cerebro humano ha fascinado a neurocientíficos durante décadas, pero los hallazgos recientes han sido especialmente reveladores. Un estudio realizado por investigadores chinos en 2022 exploró la influencia de composiciones clásicas sobre pacientes con depresión resistente al tratamiento. El estudio descubrió que escuchar piezas de Bach, Beethoven y Mozart sincronizaba las oscilaciones neuronales entre el córtex auditivo y el circuito de recompensa del cerebro. Esta sincronía no solo mejoraba el estado de ánimo de los pacientes, sino que también potenciaba la liberación de dopamina, el neurotransmisor asociado al placer y la motivación.El "Efecto Mozart", un fenómeno popularizado en los años noventa, también encuentra respaldo en estos nuevos estudios. Aunque en sus inicios fue objeto de controversia, hoy sabemos que ciertas composiciones clásicas pueden mejorar funciones cognitivas como la memoria y la resolución de problemas, gracias a la activación simultánea de redes neuronales en ambos hemisferios cerebrales.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa música clásica como terapiaLa aplicación terapéutica de la música clásica va más allá de sus efectos en el bienestar emocional. La musicoterapia, una disciplina que combina el arte sonoro con principios clínicos, utiliza piezas clásicas para tratar desde trastornos de ansiedad hasta enfermedades neurodegenerativas como el Alzheimer. La música de Mozart, por ejemplo, es frecuentemente empleada para reducir el nivel de cortisol, la hormona del estrés, promoviendo un estado de calma y relajación profunda.Un estudio realizado por la Universidad de Stanford reveló que las estructuras rítmicas de la música clásica pueden sincronizarse con los patrones de ondas cerebrales, facilitando estados meditativos. Esto no solo beneficia la salud mental, sino que también mejora la capacidad de atención y la creatividad.Lea aquí: ¿Cuáles son las sonatas más famosas de Beethoven?¿Por qué Bach, Beethoven y Mozart?Aunque cada compositor clásico tiene un estilo único, las obras de Bach, Beethoven y Mozart se destacan por su complejidad y equilibrio estructural. Bach, con su contrapunto impecable, estimula el razonamiento lógico y la concentración. Beethoven, en cambio, canaliza emociones profundas y ofrece catarsis emocional, mientras que las composiciones de Mozart, con su claridad y simetría, inducen un estado de orden y serenidad.Las sinfonías de Beethoven, especialmente la Novena, son un ejemplo de cómo la música puede generar un sentido de unidad y esperanza. Por otro lado, las invenciones de Bach actúan como un "ejercicio mental" para el cerebro, ayudando a reforzar conexiones neuronales. Mozart, con su "Pequeña Serenata Nocturna" o el "Concierto para piano n.º 21", evoca una sensación de placer estético que trasciende lo meramente emocional.Recomendaciones para un viaje sonoroSi deseas integrar la música clásica en tu vida diaria, aquí tienes algunas recomendaciones:Para relajarte: Escucha el "Canon en Re" de Pachelbel o el "Adagio for Strings" de Barber.Para concentrarte: Opta por las fugas de Bach o los cuartetos de cuerda de Haydn.Para elevar el ánimo: Disfruta de la "Sinfonía n.º 40" de Mozart o la "Oda a la Alegría" de Beethoven.La música clásica es mucho más que una experiencia auditiva; es una herramienta poderosa para transformar nuestra salud y bienestar. En una era dominada por el ruido, volver a estas composiciones es redescubrir una forma de equilibrio y belleza que resuena en lo más profundo de nuestra humanidad.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El 11 de enero, su tema DtMF se convirtió en la canción más escuchada de la lista global de Spotify. De hecho, más de la mitad del top 10 de las canciones de la lista global de Spotify Daily Top Songs pertenecen a su nuevo álbum", celebró en un comunicado Spotify.'DeBÍ TiRAR MáS FOToS' ha logrado un éxito mundial inmediato fusionando reguetón con salsa y plena.Asimismo, Spotify indicó que Bad Bunny también ocupa el primer puesto en las listas 'Daily and Weekly Top Artist', y el álbum es el número 1 en la lista 'Weekly Top Albums' de Spotify.El artista urbano anunció este lunes una histórica serie de 21 conciertos en el Coliseo de Puerto Rico, que comenzará en julio bajo el título 'No me quiero ir de aquí'.Bad Bunny marca así un récord de conciertos consecutivos en la principal sala de espectáculos de Puerto Rico, superando las 14 funciones del dúo de reguetón Wisin y Yandel.Producidos por Noah Assad Presents / Move Concerts, los conciertos arrancan el 11 de julio y se llevarán a cabo todos los fines de semana, de viernes a domingo.En línea con el emotivo homenaje a su isla que supone el disco, las primeras nueve funciones serán exclusivamente para residentes de Puerto Rico.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíCompuesto por 17 canciones, el sexto álbum de estudio de Bad Bunny cuenta con las colaboraciones de Rainao en el tema 'PERFuMITO NUEVO'; Chuwi en 'WELTiTA'; Dei V y Omar Courtz en 'VeLDÁ', y Pleneros de la Cresta en 'CAFé CON RON'.Otras de las canciones del disco son 'NUEVAYoL', 'VOY A LLeVARTE PA PR, 'BAILE INoLVIDABLE', 'EL CLúB', 'PIToRRO DE COCO' y 'LO QUE LE PASÓ A HAWAii'.Los temas hablan de problemas que sufre Puerto Rico como la migración a Estados Unidos y la gentrificación, y ponen en valor ritmos musicales típicos de la isla como la salsa y la plena.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Entre las muestras, destaca la inmersiva exhibición multimedia Johann Strauss-New Dimensions, inaugurada ya en noviembre pasado en el Museo Johann Strauss de Viena, situado en el centro de la capital austriaca."La historia de Strauss siempre será interesante de escuchar, no solo en el aniversario", que será el 25 de octubre, aseguró en declaraciones el director del museo, Peter Hösek.La muestra, que según el director busca ser una experiencia "informativa, inmersiva e interactiva" a través de siete salas, hace un recorrido por la historia vital del compositor del legendario vals 'El Danubio Azul'.Una inmersión tridimensionalLa exhibición culmina en una sala inmersiva con paredes de 5,50 metros de altura con un espectáculo audiovisual en el que se recrean en 3D los momentos más importantes de la vida de Strauss, incluyendo un concierto dirigido por el propio compositor en Boston (EEUU) en 1872 ante unos 50.000 espectadores.Para su recorrido, al visitante se le ofrecen auriculares especiales, con una audioguía en ocho idiomas (entre ellos, español), y una tecnología de sonido 3D basado en la ubicación del usuario.Por lo tanto, según donde esté la persona en cada momento el audio y la música se reproducen sin necesidad de pulsar ningún botón, creando una experiencia tridimensional.Según Hösek, es la primera vez que se utilizan estos cascos en una exposición a gran escala. "No sé de ningún otro compositor que tenga un museo inmersivo como éste", aseguró el director.Componer un vals propioEl visitante también puede intentar sentirse como el propio Strauss gracias a una máquina de composiciones que permite crear un vals personalizado, descargado y grabado a través de un código QR."Aunque no sepas nada de música, puedes juntar varias melodías y crear tu propia composición", explicó el director del museo, pues el vals tiene siempre la misma estructura. Además, el museo utilizó Inteligencia Artificial (IA) para animar algunas de las imágenes de la exposición.Desde que fue inaugurado, el museo acogió solo el primer mes más de 7.000 visitantes y se ha convertido ya en una de las principales atracciones de la capital austríaca. "Siempre que vengo veo las reacciones de la gente y cuando les preguntó si les ha gustado, me dicen: 'ha sido fantástico'. Además, mucha gente me dice que no sabía todo esto sobre la vida de Johann Strauss", relató Hösek.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíStrauss fue en su época lo que hoy sería una "estrella del pop y rock", pues "la música en cada época es distinta, pero el estatus es el mismo", explicó.Más de un siglo y medio después, la música del 'rey del Vals' sigue fascinando a la gente. "Donde sea que vayas en el mundo, la audiencia se vuelve loca con Johann Strauss por su música alegre y ligera, es algo que nadie puede replicar", concluye Hösek, que ya tiene planes de trasladar la muestra inmersiva a otros países.Viena festeja a su 'rey del Vals'Mientras, toda Viena, cuna natal de Johann Strauss hijo, está inmersa en las celebraciones del jubileo del célebre compositor, con al menos un estreno dedicada al 'rey del Vals' cada semana de 2025, de diez géneros diferentes en diversos espacios, interiores y al aire libre, repartidos en todos los 23 distritos de la capital.Grandes orquestas y artistas contemporáneos actúan en estos espectáculos, algunos de los cuales tienen insólitos escenarios como el Cementerio Cuentral, la Fiesta de la Isla del Danubio o el propio cielo.El programa se completa con varias exposiciones dedicadas a la vida y obra el autor de la opereta 'El Murciélago', como un 'escape room' en el MuseumsQuartier de Viena y otras muestras en la antigua residencia del músico o en el Museo del Teatro en el Palacio Lobkowitz.Esas exhibiciones se suman a la permanente sobre la dinastía musical de los Strauss que ofrece la "House of Strauss". Situada en el Palacio Zögernitz, alberga la única sala de conciertos original que aún se conserva en el mundo, en la que actuaron las cuatro leyendas de la familia de compositores y directores de orquesta: Johann Strauss padre y sus tres hijos, Eduard, Josef y Johann.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España' se podrá ver entre junio y septiembre de este año y contará con unas 70 obras, la mayoría procedentes de España y México, según explicó este jueves el Prado en un comunicado.La exposición estará comisariada por dos expertos mexicanos: Jaime Cuadriello, profesor de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, y Paula Mues, profesora de la Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía del Instituto Nacional de Antropología e Historia de México.La imagen de la Virgen de Guadalupe se difundió masivamente entre 1650 y 1790 y se convirtió en un símbolo religioso clave en España, Italia, Filipinas y América Latina, señala el museo en una nota.Su imagen milagrosa, con su belleza y técnica, sirvió como "prueba del favor divino hacia los habitantes de la Nueva España" y durante años fue una de las imágenes más reproducida y copiada por artistas novohispanos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."La exposición explora su circulación en España, el impulso del culto en la Edad Moderna -añade la pinacoteca-, las relaciones entre la Virgen de Guadalupe de Extremadura y la mexicana, y el papel de los artistas en su difusión".'Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España' sigue la senda iniciada por el museo en 2021 con 'Tornaviaje', una exposición que ponía el foco en el arte realizado en América Latina.La muestra forma parte de la programación del museo para 2025, anunciada hoy y que contará con exposiciones de El Greco, Veronés y Rafael Mengs.El Prado batió el año pasado su récord histórico de visitantes, con 3,45 millones de personas, un 6,6% más que en 2023.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El público podrá disfrutar de las adaptaciones de tres obras icónicas: Crimen y castigo de Fiódor Dostoyevski, La gaviota de Antón Chéjov y El inspector de Nikolái Gógol. Todas las versiones han sido adaptadas por el director Ricardo Camacho y prometen una experiencia teatral inolvidable.La temporada se llevará a cabo de jueves a sábado en la sede centro del Teatro Libre (Calle 12B N.º 2-44, Bogotá), con funciones los jueves y viernes a las 8:00 p. m., y los sábados en doble jornada a las 5:00 p. m. y 8:00 p. m. "Crimen y castigo": un viaje al abismo de la moralEsta obra, una de las más emblemáticas de Dostoyevski, narra la historia de Raskolnikov, un joven estudiante que asesina a una usurera con la intención de justificar el crimen como un acto necesario. La adaptación pone el foco en tres personajes clave: el atormentado Raskolnikov, la noble Sonia, y el perspicaz inspector que sigue sus pasos. Una exploración profunda de los dilemas éticos, religiosos y sociales que desafían los límites de la conciencia humana.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí. "La gaviota": el drama del amor y el arteEn esta obra de Chéjov, los sueños, las frustraciones y los enredos amorosos de los protagonistas se entrelazan en un contexto marcado por la decadencia y los cambios de la Rusia prerrevolucionaria. Los conflictos entre Irina Arkádina, actriz consagrada; Nina, una joven con aspiraciones artísticas; Konstantin, dramaturgo en ciernes; y Trigorin, un escritor de renombre, forman el núcleo de una historia donde el amor y el arte se entrecruzan con la ironía y la sutileza típicas de Chéjov. "El inspector": una sátira atemporalEscrita por Gógol en 1836, esta comedia satírica relata el revuelo en una pequeña ciudad ante la llegada de un supuesto inspector del gobierno. Los funcionarios, presos del miedo, se apresuran a sobornar y adular al visitante, mientras exponen sus propias corrupciones y mezquindades. Aunque inicialmente polémica, la obra se ha consolidado como un clásico universal por su aguda crítica a las estructuras de poder.La temporada contará con el talento de los actores de la Compañía del Teatro Libre, que darán vida a estos personajes complejos y universales. Para más información sobre boletería y horarios, visite la página oficial del Teatro Libre.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Galaktiónova fue designada directora del Museo de Bellas Artes Pushkin”, indicó el Museo de Bellas Artes Pushkinen en un comunicado publicado el día de hoy. La nueva directora, graduada de la Academia de Pintura Glazunov de Moscú y de la Academia de Arte Teatral de Rusia, encabezó entre 2009 y 2021 los estudios cinematográficos Galáktica y organizó un gran número de exposiciones de gran envergadura en el museo ROSIZO. Su designación, también anunciada en Telegram por la ministra de Cultura de Rusia, Olga Liubímova, pone fin a la breve estancia del Lijachova, quien asumió el cargo hace apenas dos años, tras la dimisión de su antecesora, Marina Loshak, que condenó la guerra en Ucrania. Aunque oficialmente no se explica la remoción de Lijachova, varios medios la vinculan a su crítica al cierre temporal del museo de la historia del GULAG en noviembre pasado, con la excusa de que infringía las medidas antiicendios, y su activo rechazo a la entrega del célebre ícono de la Trinidad, de Andréi Rubliov, a la Iglesia Ortodoxa rusa. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El museo de la historia del GULAG, que recibió en 2021 un premio del Consejo de Europa, entre otros motivos por mantener viva la memoria de las represiones estalinistas, era una de las últimas instituciones independientes vinculadas con la sociedad civil que aún operan en este país.A su vez, el destino de la Trinidad de Rubliov, atesorada por la Galería Tretiakov y reclamada por la Iglesia, fue objeto de acaloradas polémicas en al ámbito cultural, hasta que las autoridades religiosas hicieron valer su influencia en el Kremlin y ganaron la batalla por su custodia. En aquella ocasión Lijachova alertó que el ícono, un importante símbolo del patrimonio cultural ruso, “podría perderse o caerse en pedazos” si no recibía el tratamiento y la conservación museológicas adecuadas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La que fuera esposa del famoso actor y director fallecido en 1989, será recordada, entre otras muchas cosas, por interpretaciones en cintas como 'Las crónicas de Spiderwick' (2008), 'Daniel el travieso' (1993) o 'Enchanted April' (1991)Su actuación en 'Stalin' (1992) le reportó un Globo de Oro a mejor actriz de reparto y en 'Enchanted April' también recibió una nominación.Plowright, que también obtuvo un papel protagonista en 'Love You To Death', junto con River Phoenix, destacó en los escenarios teatrales del West End londinense y el neoyorquino Broadway antes de alcanzar un éxito más internacional.Según reveló hoy su familia en un comunicado, la actriz "falleció en paz el 16 de enero rodeada de sus familiares en Denville Hall (residencia para artistas) a la gloriosa edad de 95 años".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Su brillante carrera será recordada por muchos, y su maravilloso ser siempre será celebrado por sus hijos, Richard, Tamsin y Julie-Kate, sus familias y los muchos amigos de Joan", apuntó la nota.La boda de Plowright con 'lord' Olivier en 1961 fue la sensación del año y su matrimonio duró hasta el fallecimiento del actor en 1989 con 82 años.Anteriormente, estuvo casada con Roger Leonard Gage (desde 1953 a 1960).🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El calendario chino, con su intrincada danza de ciclos y animales sagrados, nos conduce en 2025 al año de la Serpiente. Este animal, el sexto del zodíaco chino, está envuelto en un simbolismo complejo que se extiende más allá de su asociación con la astucia o la astucia simplista que suele asignársele. En el contexto de las tradiciones chinas y más allá, la serpiente emerge como una figura profundamente ambigua: un puente entre los mundos terrenales y espirituales, un emblema de renovación, y un recordatorio del poder latente en lo desconocido.La Serpiente en el zodíaco chinoEl ciclo de doce años del calendario chino está basado en el sistema de ramas terrestres y troncos celestiales, que combinan elementos (madera, fuego, tierra, metal, agua) con los animales simbólicos. El año de la Serpiente, como corresponde en 2025 al elemento madera, se configura como un periodo de introspección, crecimiento y adaptabilidad. Las personas nacidas bajo este signo son consideradas pensadores profundos, que poseen una habilidad innata para percibir lo que subyace bajo la superficie de las cosas. La madera, además, enfatiza el desarrollo, las raíces y la conexión con la naturaleza.En la tradición china, la serpiente simboliza sabiduría y misterio. Lejos de la visión judeocristiana de la serpiente como tentadora, aquí se la respeta como una presencia intuitiva, capaz de iluminar los secretos del cosmos. Su energía se asocia con la elegancia y la discreción; su movimiento sinuoso, casi hipnótico, es una metáfora de la capacidad de adaptarse a los cambios inevitables de la vida.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Simbología de la serpiente: Un viaje a través de culturasLa serpiente como figura mitológicaEn muchas culturas, la serpiente ocupa un lugar prominente como símbolo de transformación. En la India, la figura del nāga, una deidad serpentina, se asocia tanto con la fertilidad como con la protección y la sabiduría. Los nāgas habitan en ríos y lagos, y su capacidad para deslizarse entre los mundos los convierte en mediadores entre lo humano y lo divino. De manera similar, en la mitología mesoamericana, la Serpiente Emplumada, conocida como Quetzalcóatl, encarna el conocimiento, el aliento vital y la renovación cíclica.En la tradición griega, encontramos a Asclepio, el dios de la medicina, cuya vara está entrelazada con una serpiente. Este ícono, que pervive en el caduceo usado por profesionales de la salud, subraya la relación entre la serpiente y la sanación. Aquí, la muda de piel del reptil simboliza el poder de la regeneración y el renacimiento.La serpiente en la Biblia y la narrativa cristianaSi bien el relato bíblico de la serpiente en el Jardín del Edén ha influido en su asociación negativa en Occidente, la tradición también incluye perspectivas matizadas. En el Éxodo, el bastón de Moisés, transformado en serpiente, es un instrumento de poder divino. Este contraste revela la dualidad inherente al símbolo: destructiva y redentora, peligrosa y protectora.La serpiente en el arte y el cineEl arte occidental ha jugado con la ambigüedad de la serpiente a lo largo de los siglos. En la obra de Gustav Klimt, "La medicina" (1901), una serpiente entrelazada con el cuerpo humano simboliza tanto el conocimiento como la mortalidad. Klimt captura la tensión entre lo sensual y lo espiritual que caracteriza a este reptil.En el cine, la serpiente se convierte en un personaje metafórico y literal. Pensemos en "El abrazo de la serpiente" (2015), dirigida por Ciro Guerra. Esta película colombiana narra el encuentro entre un chamán amazónico y dos exploradores occidentales, utilizando a la serpiente como metáfora de la sabiduría ancestral y la alienación cultural. La serpiente, en este caso, no está presente físicamente, pero impregna la narrativa con su simbología.En un registro distinto, "Kill Bill Vol. 2" (2004) de Quentin Tarantino presenta la "Mamba Negra" como una figura literal y simbólica de letalidad y astucia. El veneno de la mamba, una de las serpientes más mortíferas del mundo, refleja la naturaleza implacable de los personajes y sus motivaciones.Conexión moderna y espiritualEn la actualidad, la serpiente también es un emblema en la espiritualidad contemporánea. El concepto hindú de la energía Kundalini describe una fuerza serpentina enroscada en la base de la columna vertebral, que asciende a través de los chakras para alcanzar la iluminación. Este proceso alude al potencial dormido dentro de cada ser humano y la transformación que ocurre cuando se libera.En 2025, como año de la Serpiente, este simbolismo invita a una reflexión sobre los ciclos de cambio, el poder de la adaptación y la sabiduría que emerge al enfrentar lo desconocido. La serpiente, como guía y maestra, nos desafía a mirar más allá de las apariencias y a abrazar la ambigüedad como fuente de revelación.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El gran compositor Ludwig van Beethoven (1770-1827) atravesó dificultades económicas durante toda su vida. Hoy probablemente habría sido un hombre muy rico: sólo los derechos de autor de su Novena Sinfonía, que, en su estreno, hace 200 años, parecía el acto de locura de un compositor sordo, lo habrían convertido en uno de los músicos más ricos del mundo.Sólo el final, conocido como la "Oda a la Alegría", habría bastado. Incluso sólo la melodía sin letra: al fin y al cabo, esos 50 compases de música han servido como himno de la Unión Europea, una unión de 27 estados con casi 450 millones de habitantes, desde 1972. Eso sí: sin letra de Friedrich Schiller - la música de Beethoven resuena en el Parlamento Europeo como una especie de "canción sin palabras". Pero, ¿por qué los europeos de la posguerra eligieron a Beethoven?¿Por qué Beethoven?Su génesis se remonta a más de medio siglo. A finales de los años 60, el Consejo de Europa se propuso encontrar un símbolo musical para una Europa que crecía unida."Sabemos que ya antes de la Comunidad Europea existía un movimiento paneuropeo en el que la música de Beethoven se interpretaba una y otra vez", explica Malte Boecker, director de la Casa de Beethoven, en Bonn. La obra de Beethoven encabezaba la lista de finalistas. Pero no salió elegida sin discusión: "Ya había alternativas a Beethoven que se consideraron seriamente", dice Malte Boecker.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Rápidamente se acordó que no se podía elegir una composición contemporánea, por lo cual se descartó la idea de un concurso, y se recurrió a los "viejos maestros". El compositor George Frideric Handel, nacido en Halle pero londinense por adopción, y el compositor francés Marc-Antoine Charpentier fueron algunos de los otros candidatos."Un himno sin palabras"Sin embargo, en 1972 se eligió a Beethoven para el himno: "Beethoven se asocia con una personalidad europea. Y con su obra, algo que está por encima de una perspectiva puramente nacional", analiza las razones Malte Boecker.Según Boecker, la Sinfonía nº 9 es "la esencia de la música utópica. Música que formula una visión tras la cual muchos pueden unirse". En 1985, la versión instrumental fue adoptada por los jefes de Estado y de Gobierno de la Comunidad Europea como himno oficial de la UE. No sustituye a los himnos nacionales de los Estados miembros, pero es una expresión de los valores -libertad, paz y solidaridad- que comparten todos los miembros y una expresión del lema europeo "Unidos en la diversidad".Karajan como controvertido coautorPero un himno no nace simplemente omitiendo el texto. El majestuoso cuarto movimiento de la Novena Sinfonía dura unos 25 minutos, demasiado para los actos oficiales. El maestro Herbert von Karajan, afamado director de orquesta, se encargó de los arreglos de la música de Beethoven para las ceremonias de Estado. El director titular de la Orquesta Filarmónica de Berlín era una de las figuras centrales de la música mundial, y era apodado el "director Musical de Europa". Eligió los compases 140 a 187 y los arregló para instrumentos de viento.En algún momento, la mención del nombre de Karajan desapareció de la web oficial de la UE. Quizá la UE quería distanciarse de Karajan, cuyo pasado nazi salía cada vez más a la luz. En cualquier caso, se encargaron más arreglos, incluido uno del compositor francés Christian Guyard.Beethoven como europeoQueda la pregunta: ¿qué habría dicho Ludwig van Beethoven sobre la idea europea, sobre su "Novena" como himno de una Europa unida?"Beethoven creció en una época en la que había comenzado la era burguesa", analiza Malte Boecker. "Fue uno de los padres fundadores del movimiento burgués emancipador. En esta época, habría sido un europeo convencido, ¡sin duda!". Y seguramente, el compositor tampoco les habría dicho que no a sus derechos de autor.No olvides conectarte con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Misa en do mayor de Beethoven vio la luz en 1807 como resultado de un encargo del príncipe Nikolaus Esterhazy II, el cuarto y último de los patronos de Haydn pertenecientes a esta eminente familia, que seguro ya han escuchado en episodios anteriores. El príncipe quería que se cantase una misa todos los años en la onomástica de su esposa. A la celebración de éstas, que tenían lugar en Eisenstadt, ciudad de Austria, debemos las obras más importantes de Haydn en este género, así como varias de Johann Nepomuk Hummel, quien estuvo al servicio de los Esterhazy a partir de 1804.La Misa de Beethoven pertenece, por tanto, al período más prodigioso de la creatividad del compositor. Otras obras compuestas en esta época son el Cuarto concierto para piano y la Quinta y sexta Sinfonías, interpretadas todas ellas, junto con partes de la Misa, en la famosa Akademie o concierto benéfico de Beethoven del 22 de diciembre de 1808.Beethoven no había escrito ninguna Misa anteriormente y resulta interesante el hecho de que no hiciera ningún esfuerzo para igualar la grandeza “sinfónica” de las últimas Misas de Haydn. Por el contrario, reflexionó sobre la composición litúrgica y consiguió un estilo que, al menos en cierto sentido, era más sencillo, humilde y espiritual que el modelo vienés habitual. “Creo que he tratado el texto de un modo en el que raramente ha sido tratado”, escribió Beethoven.Esta Misa impresiona como una obra inusitadamente apacible, al menos en el mundo de la Quinta Sinfonía, la Obertura Coriolano y las vigorosas sonatas y cuartetos de cuerda de la época media. Luego de conocer sinfonías, historias, piezas y personajes en más de diez capítulos, con esta obra termina nuestro recorrido por El tiempo de Beethoven, pero no termina ahí. La celebración de los 250 años de este genio musical se extiende y junto a la Embajada de Alemania, seguiremos indagando por la vida de Beethoven, su huella en la historia y la importancia de su legado que nos negamos a dejar morir.
Para dar un vistazo a la vida y obra de Giovanni Battista Sammartini, nos apoyaremos en las notas de la musicóloga Anna Cattoretti, estudiosa de los grandes maestros italianos.Dice Anna Cattoretti:"En el proceso compositivo de Giovanni Battista Sammartini se refleja plenamente en la importante evolución estilística que se produjo en el curso del siglo XVIII en Europa: del estilo barroco galante hasta los primeros ejemplos del estilo clásico.Su vida transcurrió íntegramente en Milán y si, como parece, no traspasó las fronteras de Lombardía, a cambio fue su música la que viajó y conquistó Europa. Fue organista y maestro de capilla en numerosas iglesias y congregaciones de Milán, maestro de música en algunos conventos de monjas, en prestigiosos colegios de la ciudad, en familias nobles y en el séquito de la archiduquesa Beatriz. Hombre de cultura y de amplios intereses, miembro de la Accademia dei Trasformati, que reunía a intelectuales y hombres de letras, y muy probablemente amigo del poeta Giuseppe Parini, Sammartini fue en definitiva una figura de referencia universal en Milán".Los gobernantes de Austria nunca dejaron de confiarle tareas importantes a Giovanni Battista Sammartini, y no sólo con motivo de celebraciones oficiales. Una iniciativa de gran importancia fue, por ejemplo, la puesta en escena de conciertos públicos, con interpretaciones de sinfonías compuestas y dirigidas en gran parte por Sammartini, que el gobernador Conte Pallavicini promovió durante algunos años en Milán, a partir de 1749, en la "explanada del Castillo Real". Sabemos que estos conciertos, al menos tres veces por semana, eran seguidos con entusiasmo por todos los ciudadanos, hasta el punto de que en una ocasión incitaron al Gobernador (era el 7 de septiembre de 1752) a decirle al Arzobispo "puedes terminar la función [religiosa] a tiempo para que la nobleza y la riqueza del pueblo disfruten del entretenimiento de tan noble sinfonía?".Naturalmente encontramos a Giovanni Battista Sammartini entre los promotores de la Academia Filarmónica, fundada en 1758 a instancias de un grupo de "aficionados" y que entre sus objetivos estaba constituir una orquesta válida y preparada para la interpretación de repertorio sinfónico. 💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEntre los compromisos que involucraron a Sammartini más allá de las fronteras de Milán, cabe recordar al menos su contrato de dos sinfonías al mes para enviarlas a Viena, a la corte del príncipe Esterhazy. Pero crónicas, reportajes de actuaciones aparecidas en los periódicos de la época y testimonios demuestran cómo su música (no él) llegó rápidamente a las capitales de la música: París, Viena, Londres y también Alemania, Suecia, Holanda.Continúa la experta Anna Cattoretti: "La escritura de Giovanni Battista Sammartini parece muy sencilla sobre el papel y su encanto se revela enteramente en la ejecución. Sammartini nos da sorpresas, en elaboraciones temáticas, intercambios de material y roles entre todas las herramientas con el desafío continuo de quienes saben combinar economía sublime y gran efectividad. La forma es muy clara, aunque no esté cerrada en patrones ni organizada en períodos regulares. El discurso es fluido, tornándose amable en los retornos temáticos y al mismo tiempo ingenioso en ocurrencias nunca demasiado descaradamente subrayadas, como en el uso de tomas falsas que inesperadamente abren el discurso hacia nuevos horizontes. Muy delicada o chispeante, pero en cualquier caso llena de tensión y expresividad, la línea melódica que, especialmente en los movimientos centrales (por ejemplo, en el Largo del Quinteto nº 3) alcanza cimas de rara belleza".Podrá escuchar obras maravillosas de Giovanni Battista Sammartini en la nueva edición de El Músico de la semana el lunes 13 de enero a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
"El arte siempre ha sido como una isla en momentos de crisis", afirma Saioa Hernández, consciente del valor de la cultura en las agitadas aguas del mundo y de la historia."Es un rol que me ha dado mucho en mi carrera y que siempre ha supuesto algún hito especial. Y este será otro más", augura la artista durante una pausa de su apretada agenda de ensayos.La fiesta de Floria ToscaEl Teatro Costanzi vivirá este martes una noche de celebración conmemorando el 125 aniversario del estreno de la ópera más romana de Puccini y una de las piezas más adoradas por el público: la 'Tosca', inaugurada el 14 de enero del lejano 1900.La cita, que contará con la presencia del presidente de la República, Sergio Mattarella, sigue al centenario de la muerte del compositor.La idea no es solo celebrar el estreno de esta obra maestra, sino también recordarlo: se replicarán la escenografía y el vestuario utilizados entonces, con un atento trabajo de reconstrucción gracias a los bocetos conservados en los archivos.'Tosca' es el nombre de una mujer capaz de ofrecer hasta su propio cuerpo al poder más despiadado con tal de salvar a su amado Mario Caravadossi, encerrado en las mazmorras del Castel Sant'Angelo, victima de una Roma ensombrecida por la represión y violencia.Una tragedia que Saioa Hernández conoce sobradamente tras haberla interpretado en los teatros más importantes del mundo, aunque admite que cantarla siempre impone, máxime en esta cita "especial".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíUn reto conocido"Siempre es un desafío porque es una partitura muy complicada. Al final todos la conocemos, el público la conoce al dedillo y quiere ver esa 'Tosca'. También es un reto vocalmente porque, aunque la hayas cantado mucho, siempre hay algo que añadir porque como artista vas madurando", confiesa.La obra ha sido interpretada por toda diva que se precie, desde María Callas a Montserrat Caballé o Renata Tebaldi, pero Hernández prefiere ignorar el "peso de la comparación" porque, aunque aprenda de sus precursoras, ella tiene su propio estilo."En este momento de mi carrera tengo muy clara mi identidad. Me gusta mucho escuchar cantantes del pasado y del presente, estamos continuamente escuchándolas, pero no por eso comparando. Simplemente me enriquezco con lo que tengo alrededor para crecer", alega la soprano, la primera española en abrir, en 2019, la temporada de la prestigiosa Scala de Milán.En definitiva, no hay vértigo que valga porque los artistas "tienen el deber" de "beber" de sus antecesores... pero también el público tiene que evolucionar, subraya."El arte, como todo, se renueva, crece, y el público que ha que ha escuchado cantantes de otra época tiene que crecer también con la ópera, no podemos quedarnos en lo pasado", zanja, parafraseando el certero consejo de un amigo: "El teatro no es un museo".La belleza sobre la crueldadLa obra de Puccini brinda también una reflexión social: por un lado dibuja una Roma despótica, con ecos de guerras e invasiones, pero entre sus tinieblas deslumbra el amor. Y 125 años después, el mundo sigue envuelto en crisis, por lo que Hernández cree que la cultura puede ser un bálsamo para las almas contemporáneas."El arte siempre ha sido como una isla en medio de guerras, del dolor o de momentos de crisis. Creo que para todos lo es. Hay mucha gente que habla de cómo la música les salvó, de cómo el arte o la lectura ha marcado sus vidas", sostiene.Así, piensa en los artistas como "un mundo aparte", artífices de belleza capaces e aliviar los desvelos del público. Ella misma lo comprobó recientemente en Barcelona cuando, al terminar una función, recibió el agradecimiento de algunos valencianos aún conmocionados por las inundaciones."Me siento súper afortunada de poder dar ese poco de paz dentro de algo tan terrible", reconoce. Por eso las arias de la 'Tosca', como 'Vissi d'arte', 'E lucevan le stelle' o su preferida, la romanza inicial 'Recondita armonia', serán retransmitidas en directo por la radio pública italiana y proyectadas en hospitales e centros de Caritas.No obstante, Hernández avisa de que, para que la cultura siga enriqueciendo, debe ser protegida. "Por desgracia en este momento está más dejada de lado que nunca por quienes deberían cuidarla", reclama. ¿Cómo? No solo invirtiendo en ella, sino fomentándola desde las escuelas y entre el público más joven, mostrando, por ejemplo, la magia que se esconde entre las bambalinas de la ópera, receta.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La ópera romántica Fausto de Louis Spohr se estrenó en 1816. Otras óperas tienen la música de Hector Berlioz ‘La condenación de Fausto’; Charles Gounod ‘Fausto’, más conocido en Alemania por su nombre posterior ‘Margarethe’; Arrigo Boito escribió ‘Mefistófele’ y Ferruccio Busoni ‘Doctor Fausto’. Además de Schumann el material se utilizó en otros géneros musicales. Richard Wagner ‘Obertura de Fausto’, Franz Liszt ‘Sinfonía de Fausto’ en tres imágenes de personajes, Gustav Mahler (en su Octava Sinfonía) o Lili Boulanger (Cantata Fausto y Hélène).La mayoría de los escenarios de Goethe se concentran en la primera parte de la tragedia, que tiene una trama más clara y, en la tragedia de Gretchen, que tiene un tema especialmente adecuado para la ópera. La segunda parte, sin embargo, recibió poca atención durante mucho tiempo; es mucho más difícil de entender y el poeta anciano lo vio más como una obra metafísica. Robert Schumann fue el primero en poner música a partes de esta segunda parte.Robert Schumann admiraba profundamente la obra maestra de Goethe y durante mucho tiempo no se atrevió a ponerle música, pues… “A menudo temí la acusación: '¿Por qué música para una poesía tan perfecta?'; por otro lado, desde que conocí esta escena, sentí que la música podía darle mayor efecto”, escribió sobre la segunda parte de Fausto, a Franz BrendelEscenas del Fausto de Goethe no es una ópera, pero tampoco encaja en la concepción convencional del oratorio. Además, la selección de los fragmentos que llevó a cabo Schumann para su adaptación refleja su profundamente personal forma de entender el drama. La música se caracteriza por un estilo declamatorio melódico que ya había empleado en El paraíso y la peri. No hay arias concebidas a la manera tradicional para los personajes de Fausto y Gretchen.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La obertura que abre Escenas del Fausto de Goethe es larga y presenta un carácter tenso y tempestuoso en todo momento, con pasajes líricos fugaces. La música de Schumann, además de crear una introducción dramática y electrizante, también plasma estas historias pasando de lo relativamente mundano a lo filosófico y lo místico. Sugiere la lucha entre el bien y el mal en el corazón de la obra de Goethe, así como la tumultuosa búsqueda de Fausto de la iluminación y la paz.La primera de las tres secciones describe el pacto con el diablo y la historia de la seducción de Gretchen que concluye con la escena de la iglesia.La segunda sección aborda la muerte y redención de Fausto. Muestra la lucha filosófica de Fausto por encontrar un sentido ante las cuatro mujeres grises: Necesidad, Culpa, Preocupación y Pena, y finaliza con la muerte de Fausto.La tercera y última parte de esta obra es la transfiguración de Fausto. Las escenas finales, que llevan a la obra a su plácida pero inquietante conclusión, contienen algunas de las composiciones corales más brillantes de Schumann, especialmente los majestuosos pasajes iniciales del chorus mysticus.La interpretación que escuchamos estuvo a cargo de: Bryn Terfel, Karita Mattila, Jan-Hendrik Rootering, Barbara Bonney, Endrik Wottrich, Iris Vermillion, Brigitte Poschner-Klebel, Susan Graham, Hans-Peter Blochwitz, Harry Peeters, el Coro de Cámara ‘Eric Ericson’ el Coro de la Radio Sueca, el Coro de Niños Tölzer y la Orquesta Filarmónica de Berlín bajo la dirección de Claudio Abbado.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 12 de enero a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La joven cantante, de 26 años, fue elegida por un panel de más de 180 artistas y expertos entre los que se encuentran Elton John, Dua Lipa o Sam Smith, gracias a su "colorido estilo de synth-pop con influencias de los años 80", explicó la emisora."Nadie merece este galardón más que Chappell Roan. Fue la artista más interesante de los últimos 12 meses y ahora se convertirá en la artista de los próximos 12 meses", dijo Jack Sounders, presentador del programa 'New Music' de la emisora británica.Chapell Roan, nombre artístico de Kayleigh Amstutz (Willard, Missouri, 1998), firmó su primer contrato discográfico en 2017, con 19 años, basado en el single 'Die young', que había subido previamente a Youtube.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíPero el tema que la catapultó fue 'Pink Pony Club', en 2023, mismo año que publicó su primer álbum, 'The Rise And Fall Of A Midwest Princess', un éxito que tardó en cuajar, pero que se convirtió en un 'hit' en el Festival de Coachella de California en el pasado abril, donde la artista se volvió viral al pronunciar la frase "soy la artista favorita de tu artista favorito".La lista de los cinco 'Sonidos de 2025' para la BBC la completan el quinteto de jazz británico Ezra Collective, el dj escocés Barry Can't Swim, el cantante inglés Myles Smith y la banda de Leeds English Teacher.Entre los anteriores ganadores de este prestigioso galardón se encuentran Adele, Ellie Goulding o el rapero 50 Cent.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El artista, conocido por títulos como "Da ya think I'm sexy?" (¿Crees que soy sexy?), tiene programados cuatro conciertos en el famoso Caesars Palace de la ciudad estadounidense de Las Vegas, entre el 21 y el 31 de marzo.Sin darse tregua, a finales de junio, actuará en el festival de Glastonbury, en el suroeste de Inglaterra, donde ya fue cabeza de cartel en 2002."No tengo ningún deseo de retirarme", escribió en Instagram a finales de 2024. "Amo lo que hago y hago lo que amo. Estoy en forma, tengo una cabellera poblada y puedo correr 100 metros en 18 segundos", añadió el cantante, uno de los artistas que más discos ha vendido en el mundo (250 millones).Pese a que no tiene intención de abandonar su carrera musical, en noviembre anunció su decisión de suspender "las grandes giras mundiales" a finales de 2025, tras sus conciertos en Europa y Norteamérica.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí"Rod seguirá cantando hasta el día en que caiga. Ama lo que hace y su público todavía lo adora", explica Richard Houghton, que escribió un libro sobre Faces, una de las bandas a las que perteneció.Su fama mundial llegó con aquella canción, "Da ya think I'm sexy?", que salió al mercado en 1978, de su noveno álbum "Blondes have more fun".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Cada 8 de enero se conmemora el Día Mundial de Elvis Presley, en honor a la fecha de su natalicio. Conocido como "El rey del rock and roll", fue una de las figuras más influyentes y carismáticas en la historia de la música popular. Su talento, estilo único y presencia escénica revolucionaron la música y la cultura, convirtiéndolo en un ícono global. Su historia, llena de arte y controversias ha sido retratada en distintos formatos:Presley en libros“Último tren a Memphis: Elvis, la construcción del mito” y “Amores que matan: Elvis, la destrucción del hombre”La biografía de Presley escrita por Peter Guralnick es considerada una de las obras más completas, detalladas y respetadas sobre la vida del Rey del Rock.Publicada en 2008, está dividida en dos volúmenes, el primero se centra en los años formativos de Elvis y su ascenso a la fama, cubriendo su vida desde su nacimiento en 1935 hasta el año 1958, cuando se alistó en el ejército. El segundo volumen aborda los años más oscuros y complejos de Elvis, desde 1960, tras su regreso del servicio militar, hasta su trágica muerte en 1977.“Elvis and Me”En 1985 Priscilla Presley, dio a conocer su versión de su historia junto al cantante. En este libro narra cómo conoció a Elvis en 1959, cuando ella tenía apenas 14 años y él estaba cumpliendo su servicio militar en Alemania. A pesar de la diferencia de edad (Elvis tenía 24 años), comenzaron una relación que eventualmente llevó a Priscilla a mudarse a Graceland, la famosa mansión del cantante, cuando tenía 17 años.En este testimonio, Priscilla también reflexiona sobre cómo Elvis continuó siendo una figura importante en su vida incluso después de la separación.“Elvis: What Happened?”Este libro fue publicado en 1977, poco antes de la muerte de Elvis Presley y tras su lanzamiento causó un gran revuelo al revelar aspectos personales y problemáticos de su vida privada. Escrito por Steve Dunleavy, un periodista, y basado en los testimonios de tres exguardaespaldas de Elvis (Red West, Sonny West y Dave Hebler), el libro expone detalles sobre los problemas de salud, adicciones y comportamiento del “rey del rock”.Elvis y el cineAdemás de su legendaria carrera musical, Elvis Presley tuvo una destacada trayectoria cinematográfica, participando en 31 películas entre 1956 y 1969. Entre musicales, comedias, dramas y romances algunas de las películas más recordadas del artista son King Creole (1958), Jailhouse Rock (1957), Viva Las Vegas (1964) y Blue Hawaii (1961).Sin embargo, en la actualidad no son tan populares las películas que estelarizó como las nuevas producciones que se han dedicado a contar su vida, la de Priscilla y aquellos personajes que rodearon su carrera profesional y su vida privada. Estas son algunas películas sobre Presley:“Elvis” (2022)La película narra la historia de Elvis Presley desde su infancia en Tupelo, Misisipi, hasta su muerte en 1977, pero lo hace a través de la perspectiva del Coronel Tom Parker, su controvertido mánager. La relación entre ambos es central en la trama, mostrando cómo Parker ayudó a lanzar a Elvis al estrellato, pero también cómo su control absoluto sobre la carrera de Elvis tuvo consecuencias devastadoras.“Priscilla” (2023)Basada en el libro de Priscilla, esta historia narra la vida de la joven Presley desde que conoció a Elvis en 1959, cuando ella tenía 14 años, hasta su separación en 1973. Más que un retrato del ícono de la música, Priscilla, dirigida por Sofia Coppola, pone el foco en los desafíos de ser la esposa de una de las figuras más famosas del mundo, mostrando las tensiones, sacrificios y emociones que marcaron su relación.“Elvis & Nixon” (2016)El famoso encuentro entre Elvis Presley y el entonces presidente de Estados Unidos, Richard Nixon simboliza una unión inesperada entre la cultura pop y la política que quedó registrado en la fotografía más solicitada del Archivo Nacional de ese país. Esta película captura el espíritu de este evento con humor y respeto, convirtiéndolo en una obra entretenida y memorable.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
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David Bowie no solo fue un ícono musical, sino un artista multidimensional que transformó la cultura pop a través de su incesante creatividad y su capacidad de reinventarse. Con una carrera que abarcó más de cinco décadas, Bowie dejó un legado imborrable en la música, el cine y el arte. Aquí exploramos cinco de sus canciones más icónicas y dos películas donde dejó su huella en la pantalla grande.Cinco canciones imprescindibles de David Bowie"Space Oddity" (1969): Esta obra maestra marcó el inicio del éxito global de Bowie. Inspirada por la fascinación del hombre con el espacio y el lanzamiento del Apolo 11, la canción narra la historia del Mayor Tom, un astronauta ficticio que se pierde en el espacio. Es una pieza melancólica que captura tanto el espíritu de la época como la profundidad lírica de Bowie."Life on Mars?" (1971): Parte del álbum Hunky Dory, esta canción es una mezcla de surrealismo lírico y una emotiva melodía al piano. Se ha descrito como "la balada pop más grande jamás escrita". Con referencias culturales y una orquestación cinematográfica, es un reflejo de su habilidad para fusionar lo mundano con lo cósmico."Heroes" (1977): Esta canción, del álbum del mismo nombre, es un himno atemporal que celebra la resiliencia y el amor en medio de la adversidad. Escrita durante la etapa berlinesa de Bowie, es conocida por su épica interpretación vocal y su icónico riff de guitarra. Sigue siendo una de las más queridas de su repertorio."Ashes to Ashes" (1980): Con esta canción, Bowie retomó la historia del Mayor Tom, ahora como una figura metafórica para explorar temas de decadencia y redención. El sonido new wave y el video musical innovador marcaron una nueva era de experimentación visual y sonora en su carrera.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí"Blackstar" (2016): Lanzada como parte de su último álbum, Blackstar, esta canción es un testamento de su genio hasta el final. Con elementos de jazz y una atmósfera inquietante, Bowie aborda temas de mortalidad y trascendencia, dejando un mensaje enigmático justo antes de su muerte.Dos películas memorables"The Man Who Fell to Earth" (1976): En esta película de culto dirigida por Nicolas Roeg, Bowie interpreta a un extraterrestre que llega a la Tierra en busca de agua para su planeta moribundo. Su actuación es hipnótica, capturando perfectamente la vulnerabilidad y el aislamiento de su personaje, Newton."Labyrinth" (1986): En esta fantasía dirigida por Jim Henson, Bowie encarna al carismático y misterioso Rey de los Goblins. Con su icónico vestuario y canciones originales como "Magic Dance", Bowie dejó una marca indeleble en el cine de los 80 y en la memoria de varias generaciones.David Bowie fue mucho más que un músico o actor: fue un visionario que rompió barreras y desdibujó los límites entre géneros, disciplinas y estilos. Su legado sigue vivo en cada nota, cada imagen y cada historia que nos dejó. Si aún no te has sumergido en el universo Bowie, estas canciones y películas son un punto de partida perfecto.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El video, dirigido y escrito también por Arí Maniel Cruz, está protagonizado por el veterano cineasta y actor puertorriqueño Jacobo Morales, quien reflexiona sobre su vida y su isla natal.Acompañado de su fiel compañero, Concho (una rana), Morales recuerda con nostalgia un Puerto Rico pasado que en parte ya ha desaparecido."Fui a muchos países, a casi todas partes del mundo, pero ninguna como Puerto Rico, o como lo que era antes. Aquí había algo especial, no sé qué, pero una magia increíble. Y todavía la hay. Quisiera haber tirado más fotos para enseñarte", dice Morales.Durante el cortometraje, Morales se cruza con estadounidenses que residen o visitan la isla y acude a una panadería que se ha modernizado y en la que le hablan en inglés y no aceptan efectivo, entre otras situaciones.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEn cuanto al listado de canciones, este revela que el álbum incluye colaboraciones con Rainao, Dei V, Chuwi y Pleneros de la Cresta.Entre los temas figuran 'Café con ron', 'Voy a llevarte pa' PR', 'Lo que le pasó a Hawai', 'La mudanza' y otros con pronunciación fonética puertorriqueña de palabras en inglés como 'Nuevayol' (Nueva York).Bad Bunny se ha mostrado en canciones previas muy crítico con la situación de la isla, destacando problemas como la gentrificación y los apagones.Vea el cortometraje aquí: 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Reinhold Glière era de ascendencia belga, hijo de un fabricante de instrumentos de viento en Kiev. Aprendió a tocar el violín cuando era niño y entró en la Escuela de Música de Kiev, donde estudió violín y composición, antes de convertirse en estudiante en 1884 en el Conservatorio de Moscú. Allí fue alumno de Hrimaly, de Taneyev, de Arensky, y de Ippolitov-Ivanov. En 1900 completó sus estudios en el Conservatorio y su composición de graduación fue una ópera-oratorio en un acto Tierra y cielo, basada en Byron.La Sinfonía en mi bemol, Opus 8, se inició en 1899, cuando Reinhold Glière todavía era estudiante en el Conservatorio de Moscú, y se completó al año siguiente. Ilustra con bastante claridad la preferencia del compositor por el clasicismo relativamente occidental de Chaikovsky, más que por el nacionalismo de los Cinco. Sin embargo, el idioma es esencialmente ruso.El primer empleo de Reinhold Glière fue como profesor en la Escuela de Música Gnesin de Moscúy a la vez estudió, de 1905 a 1907 dirección con Oscar Fried en Berlín. A su regreso a Rusia en 1908, ya como director de orquesta interpretó su exitoso poema sinfónico Las sirenas, así como sus dos primeras sinfonías.Desde 1920 hasta su jubilación en 1941, Reinhold Glière enseñó composición en el Conservatorio de Moscú y mostró especial interés por la música de las distintas minorías étnicas de la Unión Soviética, realizando un estudio detallado de la música de Azerbaiyán que fructificó en su ópera Shakh-Senem, escrita en 1924 y representada en ruso en Bakú tres años después y en Azerbaiyano en 1934.Sus investigaciones musicológicas se extendieron a Uzbekistán y otras repúblicas soviéticas, mientras que la música más familiar de Ucrania le proporcionó otra fuente nativa de inspiración.Durante su carrera, Reinhold Glière ocupó varios cargos oficiales. En los primeros años de la Revolución dirigió la sección de música del Departamento de Educación Popular de Moscú y fue presidente del comité organizador de la Unión de compositores soviéticos desde 1938 hasta 1948. Su trabajo fue reconocido oficialmente con varios premios estatales, incluido el título de Artista del Pueblo, otorgado en 1938.Como compositor, Reinhold Glière fue heredero de la tradición romántica rusa, algo que le valió elogios oficiales en 1948 cuando la música de Prokófiev y Shostakovich fue condenada. La música de ballet de Reinhold Glière resultó popular y La Amapola Roja, más tarde conocida como La Flor Roja, para evitar malentendidos, satisfizo las demandas coreográficas políticas y se convirtió en una parte muy conocida del repertorio de ballet a partir de 1926. El ballet posterior El Jinete de Bronce, terminado en 1949, conserva también un lugar en el repertorio del ballet soviético.La Sinfonía N° 3 en si menor Ilia Mourometz, Op. 42, de Reinhold Glière es sinfonía programática que describe la vida del héroe popular Ilya Muromets . Fue escrita entre 1908 y 1911 y dedicada a Aleksandr Glazunov y en 1914 la pieza le valió a Glière su tercer Premio Glinka (ya había recibido dos en 1905 y 1912).Ilya Muromets es descrito como hijo de un campesino y aparece en varios de los primeros poemas rusos; se cree que se le identifica con el dios pagano Pyerun, pero que finalmente fue absorbido por la tradición cristiana. Un grupo de epopeyas rusas, o byliny, se ocupa de los héroes o bogatyri más antiguos, de los cuales Ilya Muromets y Svyatogor se encuentran entre los más importantes.El primero, notable entre otras cosas por ser hijo de un campesino, estuvo débil, sin el uso de sus piernas, durante los primeros 33 años de su vida, pero la fuerza le llegó por un milagro, cuando dos viajeros que pasaban, peregrinos errantes, le dieron un trago de miel. Las hazañas Ilya Muromets al servicio de Vladimir el Hermoso Sol, el primer gobernante cristiano de Kiev, fueron notables en las guerras contra enemigos paganos, muy ayudados, en uno y otro siglo por un caballo que pudiera volar sobre la tierra.La sinfonía comienza con una introducción lenta y evocadora, un sonido de bocina que atraviesa las nieblas de la Rusia medieval; a medida que aumenta la emoción, el héroe cobra vida, montando su maravilloso caballo para encontrar al bogatyr Svyatogor, a quien saluda.Podrá escuchar obras maravillosas de Reinhold Glière en la nueva edición de El Músico de la semana el lunes 7 de enero a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Estrenada en Dresde, en el Königlich Sächsisches Hoftheater, el 2 de enero de 1843, El holandés errante está inspirada en el libro Memorias del señor de Schnabelewopski, de Heinrich Heine.En esta obra Richard Wagner muestra los primeros intentos en estilos operísticos que caracterizarían sus posteriores dramas musicales. En El holandés errante, al igual que en el resto de sus óperas, Wagner usa una serie de leitmotiv (literalmente, "motivo guía") asociados con los personajes y los temas. Los leitmotiv se muestran todos en la obertura, que empieza con un tema muy conocido de océano o tormenta, antes de pasar a los motivos del holandés y de Senta.A continuación, el argumento y acción del primer acto de El holandés errante:Durante una fuerte tormenta, el barco del mercante noruego Daland busca refugio en la bahía de Sandwike, no lejos de su puerto base. Una vez realizadas las tareas necesarias, el capitán envía a la tripulación a los camarotes para que descansen, mientras el timonel recibe instrucciones de vigilar el barco hasta que, con la llegada de un tiempo más favorable, pueda emprender el viaje de regreso a casa. Daland también se va a descansar. 💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíPara protegerse del inminente cansancio, el timonel entona una canción, pero durante el segundo verso el sueño lo abruma; nadie ve, por tanto, un barco extranjero con bandera roja y mástil negro anclado en la bahía.Poco después una figura oscura pone un pie en tierra. Es el holandés, el capitán del barco. Lleva la maldición de Satanás, quien una vez le tomó la palabra: para poder navegar alrededor de un promontorio, había prometido seguir navegando "para siempre".Maldito, deberá navegar por los mares del mundo sin encontrar jamás la liberación de la muerte. Sólo la fidelidad de una mujer podrá liberarlo de este cruel destino; a esta mujer podrá buscar cada siete años, cada vez que el mar lo arroje a la tierra hasta que, al final de este último período que acaba de comenzar, esté eternamente. Hasta ahora se le ha negado encontrar una mujer fiel y sólo un deseo todavía considera suyo: la extinción eterna en el Día del Juicio.Daland aparece inesperadamente en cubierta y encuentra a un timonel dormido y un barco extranjero anclado junto al suyo. Ve al holandés y los capitanes comienzan a conversar. Pronto descubre que el holandés guarda un tesoro en el casco de su barco y este se lo promete al noruego como recompensa por la hospitalidad de su hogar.Cuando Daland, presintiendo la posibilidad de un matrimonio rico, elogia las virtudes de su hija, el holandés, con una repentina resolución, le pide su mano. Daland accede alegremente y cuando la tormenta amaina inesperadamente, los dos barcos levan anclas y navegan con el viento del sur hacia el puerto base del noruego.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 5 de enero a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Empezamos el 2025 y desde ya nos estamos agendando para los eventos musicales que habrá este año. Entre los más sonados para Colombia están System of a down, Marco Antonio Solis y la nueva edición del Festival Estéreo Picnic. Aquí le dejamos la lista de los conciertos que han sido anunciados hasta ahora para lo que será el 2025: Enero16 de enero: Twenty One Pilots, Coliseo MedPlus, Bogotá.23 al 26 de enero: Festival Centro, Bogotá.23 de enero: Patty Smith, Teatro Metropolitano José Gutiérrez Gómez, Medellín.25 de enero: Dj Tiesto, Movistar Arena, Bogotá.Febrero6 de febrero: Cypress Hill y Alcolirycoz, Movistar Arena, Bogotá.7 de febrero: Los Fabulosos Cadillacs, La Macarena, Medellín.9 de febrero: Los Fabulosos Cadillacs, Plaza de Toros Cañaveralejo, Cali.14 de febrero: Robi Draco Rosa, Movistar Arena, Bogotá.14 y 15 de febrero: Tomorrow Land Core, Parque Norte, Medellín.20 y 21 de Febrero: Shakira, Estadio Metropolitano Roberto Meléndez, Barranquilla.21 de Febrero: Andrea Bocelli, Estadio El Campín, Bogotá.23 de febrero: Shakira, Estadio Atanasio Girardot, Medellín.24 de febrero: The Black Dahlia Murder, Ace Of Spades, Bogotá.26 y 27 de febrero: Shakira, Estadio Nemesio Camacho El Campín, Bogotá.Marzo1 de marzo: Residente, Arena Cañaveralejo, Cali.2 de marzo: Sting, Movistar Arena, Bogotá.7 de marzo: Marco Antonio Solis, Movistar Arena, Bogotá.11 de marzo: Dayseeker, Ace Of Spades, Bogotá.12 de marzo: Garbage, Teatro Royal Center, Bogotá.12 de marzo: Joaquín Sabina, Movistar Arena, Bogotá.19 de marzo: Pentagram, Ace of Spades, Bogotá.23 de marzo: The Offspring, Movistar Arena, Bogotá.27, 28, 29 y 30 de marzo: Festival Estéreo Picnic, Parque Simón Bolívar, Bogotá.Abril4 de abril: Fonseca, Movistar Arena, Bogotá.24 de abril: Fonseca, Diamante de Béisbol, Medellín.24 de abril: System of a Down, Estadio El Campín, Bogotá.25 de abril: Fonseca, Arena Cañaveralejo, Cali.26 de abril: Fonseca, Puerta de Oro, Barranquilla.26 de abril: Maluma, Estadio Atanasio Girardot, Medellín.30 de abril: Monsters of Rock, Coliseo MedPlus, Bogotá.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíMayo2 y 3 de mayo: La Solar, Parque Norte, Medellín.2 de mayo: Metallica & Guns N’ Roses Filarmónico, Movistar Arena, Bogotá.3 de Mayo: Maluma, Estadio El Campín, Bogotá.3 de Mayo: Chayanne, Coliseo MedPlus, Bogotá.11 de mayo: Reik, Movistar Arena, Bogotá.15 de mayo: José Madero, Movistar Arena, Bogotá.16 de mayo: Grupo Niche, Centro de Eventos La Macarena, Medellín.23 de mayo: Juliana, Movistar Arena, Bogotá.24 de mayo: Grupo Niche, Movistar Arena, Bogotá.Junio28 de junio: Enrique Bunbury, Movistar Arena, Bogotá.Julio5 de julio: Enrique Bunbury, La Macarena, Medellín.Agosto19 de agosto: Kylie Minogue, Movistar Arena, Bogotá.21 de agosto: Duki, Movistar Arena, Bogotá.Septiembre6 de septiembre: Grupo Niche, Puerta de Oro centro Ferial, Barranquilla.11 de septiembre: Rels B, Movistar Arena, Bogotá.25 de septiembre: Epica, Teatro Universidad de Medellín.Octubre26 de octubre: Linkin Park, Estadio El Campín, Bogotá.Noviembre13 de noviembre: Damiano David, Royal center, Bogotá.Diciembre5 de diciembre: Pierce the Veil, Royal Center Bogotá.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
