La actividad, llamada 'Exposistema', arrancará este jueves, 13 de febrero con la develación de una escultura del maestro y fundador de la institución, José Antonio Abreu, así como con el bautizo del cuento 'El Sistema, el sueño de un gran maestro', del autor Ángel Estrada.La exposición, que culminará el domingo con diversos conciertos, entre ellos de la Orquesta Latinocaribeña Simón Bolívar, también incluirá programas académicos, proyectos de la institución y foros sobre el "poder transformador de la música".Fundado el 12 de febrero de 1975, el Sistema de Orquestas y Coros de Venezuela nació con el objetivo de "sistematizar la instrucción y la práctica colectiva e individual de la música" como "instrumento de organización social y desarrollo humanístico", según se explica en su página web.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La institución asegura que su misión es el rescate "pedagógico, ocupacional y ético de la infancia y la juventud, mediante la instrucción y la práctica colectiva de la música, dedicada a la capacitación, prevención y recuperación de los grupos más vulnerables del país, tanto por sus características etarias como por su situación socioeconómica".En diciembre pasado, el director ejecutivo del Sistema, Eduardo Méndez, dijo en una entrevista que la bandera de la organización es mantener y preservar los principios de que la música deje de ser un "elemento de élites" y se convierta en un "elemento socializador, en un elemento transformador de vidas".A su juicio, el Sistema busca no solo formar músicos, sino "formar mejores ciudadanos".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Con clásicos de siempre y éxitos del álbum que dio el nombre a su gira, Shakira conquistó al público brasileño, que en un momento del concierto no dudó en mandar a Piqué "a que le dieran por el culo" en un coreado mensaje de solidaridad con la artista, luego de la 'traición' del exfutbolista del FC Barcelona.¡Buenas noches, Río! Saludó entusiasta Shakira desde una inmensa pasarela después de sorprender a los asistentes al ingresar por la platea entre el público, mientras su entrada triunfal se transmitía por una pantalla que atravesaba todo el escenario y casi de lado a lado al estadio Nilton Santos.Vestida de plateado de pies a cabeza, con unos lentes oscuros y escoltada por su equipo de músicos y bailarines la artista comenzó puntualmente su espectáculo, pero vio frenado el impulso del inicio de su presentación por un problema de sonido que fue solucionado en minutos.Abrió el concierto con La fuerte, siguió con Girls like me y llevó a cariocas y turistas al éxtasis cuando sonó Ahora estoy aquí, el clásico que la hizo famosa en Brasil al inicio de su carrera.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."No me olvido de eso, no me olvido jamás de ustedes", dijo emocionada, no sin antes recalcar que "era un sueño" estar en Río abriendo su gira mundial.El concierto transcurrió bajo una luna llena y a 32 grados, una temperatura que se elevó con éxitos de todos los tiempos que pusieron a cantar y a bailar a cincuentones, 'millenials' y niños. Hacia la mitad de su presentación Shakira habló en un fluido portugués de los desafíos que ha tenido que enfrentar en su carrera."Nosotras las mujeres, después de cada caída nos levantamos más fuertes, más duras y si queremos llorar, lloramos, y si no queremos llorar, facturamos", enfatizó.Fue ahí cuando, a viva voz, los asistentes corearon repetidamente "Pique, vai tomar no cu" (Piqué, ve a que te den por el culo), lo que llevó a la colombiana a poner su mano detrás de la oreja, como diciendo que lo corearan más alto.Desde clásicos como Pies descalzos, La tortura, Hips don't lie y Ojos así; hasta varias de las canciones de su último álbum Las mujeres ya no lloran, que le valió recientemente su cuarto Grammy, hicieron parte del repertorio de la artista.Pop, rock, reguetón, salsa y hasta el funk, el género musical que nació en las favelas de Río, se escucharon en su presentación, que estuvo cargada de energía, nostalgia y muchas coreografías.Ganadora de 15 Grammy Latino y cuatro Premios Grammy, la cantante colombiana ha grabado 12 discos y vendido más de 95 millones de copias en todo el mundo en sus más de tres décadas de carrera.Con el concierto que dará este jueves en el estadio Morumbí, de São Paulo, Shakira terminará sus presentaciones en Brasil y continuará su gira en Perú, Colombia, Chile, Argentina, México, Canadá y Estados Unidos, donde finalizará su recorrido en junio próximo en San Francisco. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Shakira (@shakira)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Cuando Bob Marley apareció en el escenario del estadio deportivo de la ciudad alemana de Colonia, en junio de 1980, el músico jamaiquino ya estaba enfermo. Pero su carisma cautivó a los 8.000 espectadores, especialmente cuando comenzó a cantar Redemption Song, (Canto de la redención). Completamente solo, bajo la luz de un foco, cantó rodeado por el humo de cientos de porros que circulaban entre el público.Marley murió de cáncer casi un año después de ese concierto, el 11 de mayo de 1981, a la temprana edad de 36 años. Este 6 de febrero de 2025 hubiese cumplido 80 años. Sus mensajes políticos y espirituales siguen siendo relevantes hoy en día y seguirán vivos en sus canciones.Bob Marley trajo el reggae y sus mensajes al mundo de forma tan perdurable que la UNESCO declaró esta música Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. La película biográfica One Love (2024) es un homenaje a Marley en la pantalla grande.A la edad de 22 años, Bob Marley descubrió la religión rastafari, que apenas tiene un siglo. Se considera que ese movimiento espiritual nació el día en el que Haile Selassie I fue coronado Emperador de Etiopía, el 2 de noviembre de 1930. Unos años antes, el activista jamaicano Marcus Garvey había profetizado la coronación de un poderoso rey negro que traería la liberación a todos en África.El nombre original de Selassie era Ras Tafari Makkonen. "Ras" significa "príncipe" en idioma amárico, que se habla en Etiopía. Los rastafaris vieron en él la segunda venida de Jesucristo y lo consideraron un Dios vivo en la tierra. Gran parte de la fe rastafari se basa en la Biblia, especialmente en el Antiguo Testamento. Los rastafaris quieren utilizar su fe para superar la división cultural que surgió de la esclavitud de sus antepasados.Los principios rastafari incluyen vivir una vida cercana a la naturaleza, en paz, con amor, unión, justicia e igualdad, y se oponen a cualquier forma de subyugación política, cultural y religiosa de los pueblos. El color de la piel no importa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Bob Marley hizo al reggae mundialmente famosoCon Bob Marley, considerado la primera superestrella de un país en desarrollo, el reggae, la música de los rastafaris, también se hizo conocida en todo el mundo. Esta música se originó en Jamaica en la década de 1960, en una época en la que reinaba el malestar social y los gánsteres vagaban por las calles.Los DJ que pinchaban música en la calle con sus sistemas móviles de sonido desarrollaron esta música a partir de muchos géneros precursores, como el mento, el ska, el soul y el jazz. Bob Marley jugó un papel clave en este desarrollo.El ritmo relajado pero enérgico fue perfecto para difundir mensajes positivos de paz y amor. Pero no todo tuvo "vibraciones positivas”. El reggae también se caracterizó por letras abiertamente homofóbicas. Mientras tanto, sin embargo, cada vez más fanáticos y protagonistas se están poniendo del lado de la escena queer, también gracias a los artistas de reggae que celebran abiertamente su lado queer."Get Up, Stand Up": un himno de los derechos humanosLas letras de Bob Marley utilizan en gran medida una retórica religiosa, pero también son realistas y hablan de los problemas de una minoría discriminada, de los guetos, de la esclavitud y de la injusticia. Y la fe rastafari corre como un hilo conductor a través de las canciones de Marley.Get Up, Stand Up fue creado después de que Bob Marley estuvo en Haití, y quedó evidentemente impactado por la pobreza de la gente en ese país bajo la dictadura de Duvalier (1957 - 1986). El texto es un llamado a que la gente luche por sus derechos, y a no rendirse. Get Up, Stand Up (Levántate, ponte de pie) es el himno no oficial de Amnistía Internacional ."Éxodus" trata sobre la creencia rastafari de un retorno, también espiritual, a África. El texto dice: "¿Están satisfechos con la vida que llevan? Sabemos a dónde vamos, sabemos de dónde venimos, salimos de Babilonia, vamos a la tierra del Padre. En este éxodo se mueve el pueblo de Jah (Dios)”.En Zimbabwe, Bob Marley llama a los africanos a liberar ese país, que se llamaba Rhodesia bajo el dominio colonial británico. Marley interpretó la canción en vivo en las celebraciones de la independencia de Zimbabue. Se convirtió en el himno no oficial del país.Frecuente malentendido: "No Woman, No Cry”Lo que muchos en principio escuchan en esa frase que es título de la canción es: "Sin mujer no hay llanto”. Pero Bob Marley quería decir algo reconfortante, porque para los habitantes de Trenchtown, No Woman, No Cry significa: "¡No, mujer, no llores!".Trenchtown es el gueto de la capital jamaiquina, Kingston, donde creció Bob Marley. La canción refleja la actitud ante la vida en ese lugar, caracterizada por la pobreza y el apoyo en los fuertes lazos familiares. La canción fue creada cuando Marley estaba sentado en el patio trasero y escuchó a una mujer del vecindario llorando, esa fue su inspiración.La herencia de Marley: "Redemption Song”La obra Redemption Song es el legado de Marley. Hay varias grabaciones de esta, pero en realidad se suponía que habría solo una versión, aquella en la que Marley utiliza únicamente su voz y su guitarra, ya que la omisión de otros instrumentos aumenta la intensidad de la canción.Marley cita al rastafari Marcus Garvey, quien dijo en un discurso de 1937: "Emancípense de la esclavitud mental, solo nosotros mismos podemos liberar nuestra mente": la esclavitud de los antepasados debe desaparecer de la mente de las personas; solo cuando seamos espiritualmente libres seremos libres de verdad.Estos pensamientos y el hecho de que sabía que su muerte era inminente inspiraron a Bob Marley a escribir Redemption Song, una canción con la que todavía hoy da esperanza a muchas personas en todo el mundo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El director estadounidense Lee Kirk ('The Office') liderará esta película del género coming of age que llevará por nombre 'New Years Rev' y ya se está produciendo en el estado de Oklahoma.La cinta seguirá a tres amigos adolescentes que viajan a Los Ángeles pensando erróneamente que serán la banda de apertura para el show de Green Day durante un evento de año nuevo."Su viaje por carretera es una excursión ruidosa y traviesa por todo el país llena de aventuras, basada en las hazañas de Green Day y sus años de vida en una camioneta de gira", anuncia el lema según la publicación citada.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Los protagonistas serán interpretados por Mason Thames, quien está próximo a estrenar 'How to Train Your Dragon', Kylr Coffman ('Roomies') y Ryan Foust ('The Goldfinch'), y contará con la participación de las actrices de 'The Office' Jenna Fischer, Angela Kinsey.La película tendrá en la producción a los protagonistas de la banda autora de 'American Idiot' o 'Wake Me Up When September Ends', Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tre Cool, así como a Ryan Kroft y Michael Rapino de Live Nation Productions, entre otros.Green Day además será una de las bandas principales que encabezarán el festival de Coachella en abril, junto a Lady Gaga y Post Malone.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La donación de 25.000 dólares de parte de la cantante de 26 años de edad llega después del discurso de Roan en la 67º edición de los Grammy en el que exigió mejores condiciones de trabajo para los artistas, en especial para los emergentes.La cantante denunció tras ganar el premios a mejor artista nueva que se había sentido "traicionada por el sistema" cuando la despidieron de su discográfica durante el estallido de la pandemia, y exigió a las disqueras que se beneficiaban con millones de dólares que le ofrecieran "un salario digno y atención médica" a los artistas con los que trabajaban.Charli xcx y Noah Kahan anunciaron que igualarían la cifra de la intérprete de 'Pink Pony Club' y a través de una historia de Instagram, Roan compartió un link donde los interesados pueden hacer sus donaciones.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Aun así, la cantante estadounidense advirtió a sus seguidores que no tenían por qué donar "un solo centavo", en un intento por darle una oportunidad a la industria para que mostrara su "interés en sus artistas"."Compartir mi experiencia personal en el escenario de los Grammy no tenía la intención de convertirse en una microfinanciación colectiva pero sí un llamado a la acción a los líderes de la industria, para que hagan un cambio y protejan sus inversiones de forma sustentable", escribió Roan.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La nueva canción de Enrique Bunbury, Para llegar hasta aquí, es una puerta de entrada al nuevo álbum. Deja aclaradas, tras su escucha, una serie importante de premisas, antes de entrar en materia.Sirve de puente entre algunos discos en los que ya hice un acercamiento a las raíces de nuestra música popular, -como en Pequeño (1999), Flamingos (2002) El viaje a ninguna parte (2004) y Licenciado Cantinas (2011)- y este nuevo disco, que profundiza todavía más en la tradición hispana y latinoamericana.La canción comienza revisitando el mar Mediterráneo y acaba viajando hasta Latinoamérica, de la guitarra portuguesa al acordeón, mirando desde el pasado para entender nuestro presente. Un viaje de ida y vuelta, retroalimentándose.El nuevo álbum Cuentas Pendientes fue grabado en el Desierto de los Leones (México), un parque natural a las afueras de la ciudad de México, donde Daniel Bitrán ha creado un pequeño oasis para la inspiración y la creación musical.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Participaron en la grabación, el maestro chileno Sebastián Aracena tocando todas las guitarras e instrumentos de cuerda, los mexicanos Luri Molina en el contrabajo y Johnny Molina en las percusiones. Y con la participación de los miembros de los Santos Inocentes: Jorge “Rebe” Rebenaque en el piano, acordeón y teclados y Ramón Gacías en la batería.El disco es un parteaguas que se aleja radicalmente del anterior álbum Greta Garbo (2023) y aún más de los discos anteriores, más contemporáneos y con ciertos matices electrónicos, como Curso de Levitación Intensivo (2020), Posible (2020), Expectativas (2017) y Palosanto (2013). Donde en estos discos se miraba hacia el presente y las posibilidades tecnológicas, en Cuantas Pendientes, se echa la vista atrás, al folklore y los ritmos tradicionales en nuestra lengua común. Con la guitarra española, el piano, el contrabajo y las percusiones como protagonistas absolutos del sonido y la producción.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El encargado de presentar a Lamar fue el actor Samuel L. Jackson, quien lo hizo vestido de 'Uncle Sam' una figura muy patriótica que anima a los estadounidenses a votar y siempre va vestido con un traje recubierto por la bandera de Estados Unidos.El rojo azul y blanco fue también el color del vestuario de sus bailarines, entre los que estaba la mismísima Serena Williams vestida de azul, en el estadio Caesars Superdome de Nueva Orleans, en Luisiana, que durante el espectáculo adquirió un toque urbano, con coches y farolas.'Not Like Us'El estadio vibró con su popular tema 'Not Like Us', donde el rapero californiano repite acusaciones que circulan en las redes sociales -y que no han sido demostradas- de que Drake es un pederasta y tiene una hija secreta a la que se niega a reconocer.Como guiño a esa canción, Lamar llevó colgado del cuello una 'a' repleta de diamantes que hace referencia a una parte de su canción en la que dice a "A minor" (un juego de palabras entre la nota La menor y un menor, en inglés).Drake, que es conocido por aplastar a sus rivales con sus canciones y que fue una de las primeras celebridades en apoyar a Lamar, dio a conocer su respuesta a 'Not Like Us' con otra canción, 'The Heart Part 6', en la que niega ser un pederasta.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En el espectáculo de Super Bowl, Lamar no cantó 'Meet the Grahams', en la que castiga sin piedad a la familia de Drake, incluidos sus padres y su hijo de seis años, Adonis, y acusa a Drake de ser adicto al juego y emplear a personas condenadas por delitos sexuales. Pero sí que cantó, 'Euphoria', tema en el que describe a Drake como un "maestro manipulador y mentiroso".El rapero demostró este domingo su talento para intercalar fusiones de jazz, funk y soul en su música en la que sus letras cuentan historias sobre la identidad racial, la lucha social, la pobreza y la violencia con temas como: 'Squabble up', 'Be humble', 'DNA', 'Peekaboo' y 'All the stars'.Lamar estuvo acompañado en el escenario por la invitada especial SZA -los dos realizarán una gira por 19 ciudades de Norteamérica que comenzará en abril- y de Dj Mustard.Lamar, ha comenzado con fuerza 2025, ya que hace tan solo siete días, el cantante de 37 años acaparó cinco premios Grammy.Esta no es la primera vez que Lamar aparece en el escenario del espectáculo de medio tiempo. Actuó en el Super Bowl 2022 durante un espectáculo en el que también participaron artistas como Snoop Dogg, Mary J. Blige, Eminem y 50 Cent.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Alban Berg tenía más interés por la literatura que por la música de niño, y comenzó a componer lieder y dúos desde los quince años, con la educación musical tradicional y autodidacta que tuvo.En 1904, Charly, hermano de Alban, llevó algunos de estos lieder a Schönberg, quien gratamente sorprendido, se ofreció para darle clases, que comenzaron desde octubre de aquel año (gratuitas hasta 1906 debido a su precaria situación económica).En 1906 Alban adquirió una herencia que le permitió vivir más holgadamente y dedicarse intensamente a sus estudios. En ese mismo año conocio a Helene Nahowski, cantante e hija de una familia acomodada y su futura esposa. En un recital en Viena el 7 de noviembre de 1907 le ofreció a Helene los estrenos de 3 lieder y una fuga con cuarteto de cuerdas y piano. En todas estas primeras obras, Berg reveló la influencia del romanticismo y el postromanticismo alemán (Schumann, Wagner, Brahms, Hugo Wolf, su maestro Schoenberg) y también del impresionismo francés (Debussy).Alban Berg escribió las Cuatro piezas para clarinete y piano Op. 5 en 1913 cuando era independiente pero como compositor aún no reconocido. Estas piezas datan de la misma época que las obras en miniatura de Arnold Schoenberg y Anton Webern, cuyo carácter experimental se revela sobre todo por su desafiante brevedad.Cuando en febrero de 1935 el violinista Louis Krasner le pidió un concierto para violín a Alban Berg, éste al principio no estaba seguro de la forma que debía adoptar la obra. La muerte de Manon Gropius, de dieciocho años, hija del breve matrimonio entre la viuda de Mahler, Alma Mahler-Werfel, y el arquitecto Walter Gropius, el 22 de abril, le afectó tan profundamente que decidió crear un monumento en memoria de la niña: el dedico este Concierto "a la memoria de un ángel". Su diseño abarca varias capas musicales. Berg basó su procedimiento compositivo en la técnica de las doce notas de Schoenberg, pero la utilizó de manera poco ortodoxa e incluso la combinó con música puramente tonal.El 14 de mayo de 1914 Alban Berg asistió a una representación teatral de Woyzeck el drama inconcluso del entonces recién descubierto escritor alemán Georg Büchner y decidió componer música con él. Sin embargo, este proyecto se vio interrumpido por la Primera Guerra Mundial.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En 1921 termina su ópera Wozzeck, pero debido a que los teatros de ópera rechazaban estrenarla, el director Hermann Scherchen sugirió que escribiese una especie de suite sinfónica para llamar la atención del público y los empresarios. Estrenó entonces en 1924 en Fráncfort sus Tres escenas de Wozzeck para soprano y orquesta, que tuvo un gran éxito, y permitió el estreno de la ópera completa el 14 de diciembre de ese mismo año en la Ópera Estatal de Berlín.Durante los años 1923 a 1925, Alban Berg escribió el Concierto de cámara para piano y violín con 12 instrumentos de viento; en ese momento ya no usaba números de opus. Esta fue la primera obra que compuso después de Wozzeck. Fue escrito con motivo del quincuagésimo cumpleaños de su amigo y exmaestro Arnold Schoenberg.El Concierto de Cámara es uno de los ejemplos más característicos de la contradicción, fundamental en la música de Berg, entre elaboración formal y expresividad musical. La publicación de Constantin Floros de sus fascinantes hallazgos sobre el Concierto de Cámara, a partir de un análisis exhaustivo de la obra, y tras estudiar 15 carpetas de bocetos y borradores, ha podido demostrar que el concierto es música de programa de la más alta calidad artística.La Suite Lírica es una obra en seis movimientos escrita para cuarteto de cuerda por el compositor austríaco Alban Berg entre los años 1925 y 1926, utilizando métodos derivados de la técnica dodecafónica desarrollada por su maestro Arnold Schönberg. Aunque al ser publicada fue dedicada a Alexander von Zemlinsky (quien es citado en la Suite), se ha descubierto que la obra posee una "dedicatoria secreta", a su amante Hanna Fuchs-Robettin.Podrá escuchar obras maravillosas de Alban Berg en la nueva edición de El Músico de la semana el lunes 10 de febrero a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Una potente trayectoria en la industria musical bastante desconocida en España, pero no tanto en EE.UU. "Creo que es un caso de esos muy español de no ser profeta en tu tierra", opina en una entrevista su sobrina, Belén Carreño.La periodista publica con la editorial Debate 'Ayer tuve un sueño. Manolo Díaz: Sesenta años de música pop en español'.La carrera de la española Rosalía ha pillado a Díaz ya con más de 80 años de vida, después de ser protagonista de la creación, hundimiento y transformación del millonario sector de la grabación y promoción de grupos y cantantes, tanto en España como en América Latina.Y lo hizo desde la base de Miami, donde se jubiló, ya entrados los setenta, como director de la Fundación Cultural Latin Grammy.Antes fue alto ejecutivo en Sony Music, Polygram o Universal, durante unas décadas en las que el productor, compositor e intérprete quiso dar a los artistas el tiempo y los recursos suficientes para desarrollarse o mutar, si era necesario.Esto es algo muy complicado en la actualidad, pero que la cantante española más popular del mundo, Rosalía, ha logrado imponer con su talento y capacidad de comunicación.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.De 'Black is black', su primer éxito, a Julio IglesiasDíaz comenzó la carrera musical como guitarrista de Los Sónor, pero pronto se da cuenta de que le gusta más estar entre bambalinas.El primer éxito como productor lo consigue con Los Bravos, los intérpretes de 'Black is black', a pesar del errático comportamiento del cantante Mike Kogel (Mike Kennedy)."Me dicen que es cleptómano, coprófago, hipocondríaco y hedonista, pero ni por esas cambio de opinión", asegura Díaz sobre la creación de Los Bravos, con los que se quiso "plantar cara" a Los Brincos y recrear en España el duelo entre The Rolling Stones y The Beatles.Los recuerdos de Díaz, ganador de un Grammy en 2022 por toda su trayectoria, son apoyados en el libro con numerosas fuentes y las voces de sus contemporáneos, entre ellas la de su amigo Julio Iglesias.Sigue hablando con él prácticamente a diario por teléfono y reconoce: "Manolo Díaz fue imprescindible para lanzar mi carrera europea. Sin él, conquistar esos mercados hubiera sido imposible".Iglesias protagoniza una jugosa anécdota entre las numerosas que salpican las 255 páginas del ensayo: ambos amigos cenaban con Bianca Jagger en un pequeño restaurante brasileño de París cuando apareció de malos modos su marido, Mick Jagger, lo que dejó lívido al cantante el resto de la noche.Miguel Bosé, agradecido"Sabía que Manolo era una figura muy importante en el sector, pero cuando hago el libro me doy cuenta de lo queridísimo que es en una industria especialmente llena de egos y de puñaladas. Hablas con gente en diferentes puestos, países, compañías discográficas, y solo pueden decir que Manolo era generosísimo, que ha intentado siempre hacer 'fair play' sin ser un tonto", detalla Carreño.Un cariño que también manifiesta por él Miguel Bosé, a pesar de que lo "invitaran" a irse de CBS a principios de los 80 cuando quiso cambiar de estilo de cantante para niñas a émulo español de David Bowie en 'Bandido'. "Fue el único, el único en la discográfica que salió en mi defensa", relata el cantante español.Una de las claves del éxito profesional de Manolo Díaz y su empatía con los artistas es que él mismo tocó en grupos y tuvo una efímera carrera como cantautor, aunque algunos tachan sus discos de "decepcionantes"."Me recuerda un poco a lo que se cuenta de Zara (marca española de ropa), que obliga a los directivos a empezar yendo a la tienda. En este caso fue natural, pero creo que a Manolo le facilita muchísimo saber desde producir un vinilo hasta estar subido a una escenario y a una furgoneta", reflexiona Carreño sobre su tío.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Río de Janeiro abrirá la ronda de conciertos que Shakira ofrecerá en Brasil, Perú, Colombia, Chile y Argentina, antes de seguir con la segunda fase de la gira, en Norteamérica, con presentaciones en México, Estados Unidos y Canadá.En Río, la colombiana es esperada con ansia, luego de causar furor en la clausura del Mundial de fútbol de 2014, en el icónico estadio Maracaná.La artista vino a Brasil cuatro años después en su gira mundial 'El Dorado', pero solo ofreció conciertos en São Paulo y Porto Alegre, dejando con las ganas al público carioca.Conocida internacionalmente por éxitos como 'Hips don't lie', 'Waka Waka', 'Pies Descalzos' y 'Chantaje', Shakira guarda en su corazón un espacio reservado para el país suramericano, uno de los primeros que le abrió las puertas en sus inicios musicales."Escogí Brasil para comenzar mi gira porque el público brasileño es muy importante para mí. Brasil le abrió las puertas a mi música desde que yo tenía 18 años", aseguró en una entrevista con el programa de televisión 'Domingão de Hulk'.Ganadora de 15 Grammy Latino y tres Premios Grammy, la cantante colombiana ha grabado 12 discos y vendido más de 95 millones de copias en todo el mundo en sus más de tres décadas de carrera.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Empoderamiento y resilienciaInspirada en su disco "Las mujeres ya no lloran", con el que acaba de ganar el Grammy a mejor álbum pop latino, Shakira quiere llevar a su público un mensaje de empoderamiento y resiliencia en esta gira.El álbum, a través de 16 canciones de variados géneros musicales, narra el proceso de desilusión, desamor y fortalecimiento de la artista, luego de la "traición" del exfutbolista del FC Barcelona Gerard Piqué, que la llevó a terminar su relación con el padre de sus hijos, después de 10 años juntos.Pero en los conciertos la colombiana también ha prometido clásicos de siempre como 'Pies descalzos' y 'Estoy aquí'.En Brasil, esta última quizá la entone en Río o São Paulo en compañía del DJ brasileño Papatinho, con quien lanzó recientemente una versión en funk, género musical nacido en las favelas de Río, como abrebocas a sus presentaciones en Brasil.También podría aparecer por sorpresa Anitta, quien participó el año pasado en la grabación del sencillo 'Soltera', junto con Winnie Harlow, Danna y Lele Pons, pues la cantante brasileña está estos días con sus famosos 'Ensayos de carnaval' en Río.Por todo lo altoSegún los organizadores, la gira tendrá "varias sorpresas", pues aspira a ser "una experiencia inolvidable", tanto visual como musicalmente.La propia Shakira ha dicho que será el mayor y el mejor espectáculo de su carrera, que contará con "una producción gigante" y que, además de su música, tendrá una buena dosis de danza, "de principio a fin", incluyendo "coreografías complejas".Los conciertos en Brasil culminarán el jueves en São Paulo, y luego la cantante de Barranquilla partirá rumbo a Lima, donde se presentará el próximo 16 de marzo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Festival Internacional de Cine de Berlín, la Berlinale, que se lleva a cabo desde el 13 hasta el 23 de febrero, se inaugura el jueves 13 con la primicia mundial de The Light, de Tom Tykwer. El director alemán de Corre, Lola, corre (1998) y de la serie Babylon Berlin vuelve a la gran pantalla con un drama protagonizado por Lars Eidinger y Nicolette Krebitz, que retrata a una familia alemana de clase media, cuya rutina se trastoca cuando un ama de llaves siria entra en sus vidas.Durante la apertura del festival, Tilda Swinton recibirá el Oso de Oro honorífico en reconocimiento a su carrera. La actriz escocesa participó varias veces de la Berlinale acompañando la presentación de sus películas (26 de ellas se proyectaron en el festival) y como presidenta del jurado, en 2009.Edward Berger pronunciará un discurso en su honor. El director nominado al Óscar por Cónclave y Sin novedad en el frente se encuentra trabajando actualmente en una producción de Netflix protagonizada por Swinton, titulada The Ballad of a Small Player.En la gala inaugural también se presentará al jurado internacional del concurso, presidido por el director estadounidense Todd Haynes (Carol, Mi historia sin mí).Sus colegas del jurado son la estrella china Fan Bingbing, la cineasta y actriz alemana Maria Schrader, el director marroquí Nabil Ayouch, la diseñadora de vestuario Bina Daigeler, el cineasta argentino Rodrigo Moreno, y la crítica y presentadora de podcasts estadounidense Amy Nicholson.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Los siete miembros del jurado seleccionarán a los ganadores del Oso de Oro y el Oso de Plata de este año, premios que serán entregados el 22 de febrero.Aspectos destacados de la competenciaSi bien todo el programa público presenta cerca de 250 películas proyectadas en diferentes secciones, la competencia principal comprende 19 películas, con 26 países representados a través de esas obras.Entre los antiguos ganadores de la Berlinale que regresan a la competición se encuentra el cineasta rumano Radu Jude, que presentará Kontinental '25. Había ganado el Oso de Oro en 2021 con Sexo desafortunado o porno loco (Bad Luck Banging or Loony Porn). El director coreano Hong Sang-soo, que ha coleccionado varios Osos de Plata en los últimos años, regresa con What Does Nature Say To You?.Dos películas chinas debutan mundialmente en la competición: Girls on Wire, dirigida por Vivian Qu, y Living the Land, dirigida por Huo Meng.Yunan, de Ameer Fakher Eldin, una coproducción entre Alemania, Canadá, Italia, Palestina, Qatar, Jordania y Arabia Saudita, está protagonizada por el comediante libanés Georges Khabbaz y la legendaria actriz alemana Hanna Schygulla, mejor conocida por su trabajo con Rainer Werner Fassbinder.Sólo hay un documental en la competición principal, Timestamp, de Kateryna Gornostai. Proporciona información sobre la vida escolar de Ucrania después de la invasión a gran escala del país por parte de Rusia.Las estrellas esperadas en el festivalLas películas en competencia que traerán celebridades a Berlín incluyen Blue Moon, de Richard Linklater, protagonizada por Ethan Hawke, Margaret Qualley y Andrew Scott. El cineasta estadounidense ganó el Oso de Plata al mejor director tanto por Before Sunrise (1995) como por Boyhood (2014).If I Had Legs I'd Kick You, de Mary Bronstein, protagonizada por Rose Byrne y A$AP Rocky. The Ice Tower (La Tour de Glace), dirigida por Lucile Hadzihalilovic, cuenta con la estrella francesa Marion Cotillard. Como actriz principal de Dreams, de Michel Franco, también se espera en Berlín a Jessica Chastain.Berlinale Special es otra sección del festival que promete estrellas y galas sobre la alfombra roja. Bong Joon Ho, el premiado cineasta de Parasite, estará en Berlín para la primicia de su nueva comedia negra de ciencia ficción Mickey 17, protagonizada por Robert Pattinson.También se espera que Timothée Chalamet asista al festival para celebrar el estreno de A Complete Unknown (Un completo desconocido), en la que interpreta a Bob Dylan.El festival dará la bienvenida a la estrella de Euphoria, Jacob Elordi, quien protagoniza la serie de televisión The Narrow Road to the Deep North, del director australiano Justin Kurzel, basada en la novela El camino estrecho al norte profundo, de Richard Flanagan, ganadora del Premio Man Booker en 2014.Y Benedict Cumberbatch también estará en Berlín para el estreno europeo de The Thing With Feathers, una adaptación de la novela Grief Is The Thing With Feathers, de Max Porter.La Berlinale, un festival todavía políticoMás allá de la centelleante alfombra roja con sus estrellas mundiales del séptimo arte, el festival también pone el foco en diversos sucesos históricos.Dado que el festival de cine se celebra 80 años después de la liberación de Auschwitz, la programación especial incluye la proyección de la monumental Shoah (1985), de Claude Lanzmann, así como un nuevo documental que revisita esa innovadora obra que revolucionó la representación del Holocausto en el cine, titulado All I Had was Nothingness (Sólo tenía la nada), de Guillaume Ribot.My Undesirable Friends: Part I - Last Air in Moscow (Mis amigos indeseables: Parte I - Último aire en Moscú) es un documental sobre intelectuales que se ven obligados a exiliarse bajo el actual régimen ruso. Das Deutsche Volk (El pueblo alemán) revisita los tiroteos racistas en Hanau en 2020. Y A Letter to David (Una carta a David) es una carta cinematográfica al rehén de Hamás David Cunio, que todavía está detenido en Gaza."Alegres" desafíos para la nueva directora del festival, Tricia TuttleEn comparación con Cannes y Venecia, Berlín siempre ha sido considerado el festival de cine más político de Europa.El año pasado, las críticas a las políticas de Israel durante la ceremonia de entrega de premios (en particular por parte de los directores israelí y palestino del documental No Other Land) llevaron a acusaciones de antisemitismo por parte de algunos políticos alemanes.Dado que el festival se financia en gran medida con fondos públicos, la nueva directora del festival, Tricia Tuttle se enfrenta ahora al reto de satisfacer las exigencias de los legisladores alemanes y, al mismo tiempo, permitir que los artistas se expresen libremente.Pero más allá de los debates políticos, una de las misiones de Tuttle es revitalizar el festival berlinés a través de un programa moderno y estimulante.Un ejemplo de los cambios que ha encabezado con este objetivo en mente es la introducción de una nueva barra lateral competitiva llamada Perspectivas. Exhibirá exclusivamente óperas primas, proporcionando "una plataforma más destacada para los cineastas emergentes", dijo. Una de las obras en competencia ganará el premio a la mejor ópera prima, que viene dotado con un premio en efectivo de 50.000 euros (52.000 dólares).Con suerte, a lo largo del camino, los entusiastas del cine descubrirán nuevas voces que querrán seguir en los años venideros. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Berlinale (@berlinale)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El 18 de abril de 2004 cuarenta paramilitares arremetieron contra la comunidad de Bahía Portete, en medio del desierto de La Guajira alta, mujeres lideresas fueron víctimas, casas incendiadas, torturas y un cementerio profanado obligaron a más de 600 indígenas wayuú a huir del lugar.La masacre de Bahía Portete, como se conoció a ese doloroso episodio del conflicto armado, convirtió el lugar en ruinas, azotadas por la violencia, los fuertes vientos y el inevitable paso del tiempo.Miembros de la familia Fince del clan Epinayú, que habitaba ese lugar, de diferentes generaciones, se acercan a las ruinas de Bahía Portete ubicadas en el desierto de La Guajira, su territorio, para conversar con los muros que han sido testigos de un tiempo perdido, consecuencia del desplazamiento forzado.Ese acercamiento a la memoria y el regreso a la tierra de estas personas está narrado en la exposición ¿Cuántas lluvias cayeron?, una videoinstalación de cuatro pantallas y un objeto sonoro que adentra a los visitantes en el territorio y que precede a la película Carropasajero sobre esta historia que se estrenará el próximo 20 de febrero.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Los directores César Alejandro Jaimes y Juan Pablo Polanco son los artífices de esta instalación en la que el silencio físico de los muros “se transforma en una invitación a la imaginación, en la forma de oralidad del territorio, y en una grieta que expresa el tiempo ausente de la comunidad en su tierra”.“Tanto el espectador como los miembros de la familia comparten el ejercicio de imaginar una respuesta del territorio, atribuyéndole una vida propia”, explica la Cinemateca de Bogotá en su invitación a la exposición que profundiza en las ruinas y el espacio abandonado como un lugar con una historia propia que se construye con las huellas de quienes lo habitaron.“Nuestra relación con parte de la familia Fince Epinayú ha sido un diálogo constante entre lo visible y lo invisible, un puente tendido entre la realidad y la memoria. Durante casi diez años de amistad, hemos construido juntos un lenguaje audiovisual que expresa cómo los difuntos no son ausencias, sino presencias que respiran, que hablan, que guían”, señala César Alejandro Jaimes, director de la exposición y la película.Y es que junto a la película, este performance ha sido construido en conjunto con la familia Fince Epinayú a lo largo de seis años en los que se ha desarrollado una amistad entre ellos y el equipo de realización de la película.“Esos muros, esas ruinas, fueron testigos del antes y después de Bahía Portete. En ellos está guardado lo que pasó en ese territorio mientras sus habitantes permanecieron en el exilio. Las paredes se erigen como soportes donde se fijan las voces y los sonidos que han sido llevados hasta ahí, arrastradas por el viento. Ese eco permanece guardado en los muros de Portete hasta que alguien se acerque a oírlo”, señala Juan Pablo Polanco, director de la exposición y la película.¿Cuántas lluvias cayeron? está abierta al público de martes a viernes de 2:00 p.m. a 6:00 p.m. y los sábados, domingos y festivos entre 11:00 a.m. y 6:00 p.m.La exposición contará con visitas comentadas los días 15 (3:00 p.m.) y 20 de febrero (4:00 p.m.) y el 1 de marzo (3:00 p.m.) con inscripción previa y acompañadas por los directores de la película y de la exposición y de Josefa Fince Epinayú, protagonista del largometraje. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Cinemateca de Bogotá (@cinematecabta)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La literatura precolombina es un pilar fundamental en la construcción de la identidad cultural latinoamericana. Sus mitos, narraciones y formas poéticas han trascendido el tiempo y continúan influyendo en la literatura contemporánea, tanto en el contenido como en las estructuras narrativas y estilísticas.Las civilizaciones precolombinas, como los mayas, aztecas e incas, dejaron un vasto acervo de relatos que han sido transmitidos a través de la tradición oral. Obras como el Popol Vuh, el Rabinal Achí y los Comentarios Reales de los Incas han servido de base para la reinterpretación de mitos en la literatura actual. Escritores como Miguel Ángel Asturias en Hombres de maíz y José María Arguedas en Los ríos profundos han utilizado estos relatos ancestrales para construir sus propias narrativas, integrando elementos míticos y cosmogónicos en sus obras.Los valores, creencias y cosmovisiones de las culturas indígenas han permeado las obras de autores contemporáneos. La conexión con la naturaleza, la dualidad entre el bien y el mal y la espiritualidad son elementos recurrentes en novelas y poesías actuales. Autores como Elena Garro en Los recuerdos del porvenir y Juan Rulfo en Pedro Páramo han bebido de estas tradiciones para tejer relatos en los que el tiempo cíclico y la relación entre los vivos y los muertos son fundamentales.El uso de metáforas, imágenes poéticas y la musicalidad en la prosa son características heredadas de la literatura precolombina. La poesía náhuatl, por ejemplo, con sus metáforas sobre la fugacidad de la vida, ha inspirado a poetas como Octavio Paz y Ernesto Cardenal. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En la narrativa, la experimentación con estructuras no lineales y la multiplicidad de voces recuerdan las narraciones indígenas que combinaban realidad y mito sin una separación rígida.La literatura precolombina sigue viva en la producción literaria latinoamericana. Su influencia no solo se manifiesta en la recuperación de mitos y leyendas, sino también en la experimentación estilística y en la visión del mundo que transmiten los autores contemporáneos. En este sentido, la literatura de América Latina no es solo una continuación de la tradición occidental, sino un espacio en el que las raíces indígenas siguen nutriendo y transformando las letras del continente.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Margaret Mee fue una pionera en la ilustración botánica, una exploradora apasionada y una de las primeras voces en advertir sobre la deforestación del Amazonas. A través de sus dibujos y sus acuarelas documentó especies en peligro de extinción dejando un legado inigualable en la conservación de la biodiversidad que sigue vigente.Mee nació en Whitehill, Chesham, Inglaterra, en 1909 y desde muy joven estuvo influenciada por el arte, en parte, gracias a que su tía Ellen Mary Churchman era ilustradora de libros infantiles. Así llegó a estudiar en la Escuela de Arte St. Martin’s y en la Camberwell School of Art en Londres.Sin embargo, su pasión por la botánica surgiría años después. Antes, enseñó por un corto periódo en Liverpool y estuvo muy activa en causas políticas “relacionadas con la lucha por los derechos de los desfavorecidos, el apoyo a la Guerra Civil española y la lucha contra el fascismo”, según documenta el portal Botanical art and artists de la artista británica Katherine Tyrrell.A los 27 años se casó con Reginald Bruce Bartlett, con quien compartía sus causas sindicales, pero en 1943 se divorciaron. Luego de formarse en Escuela de Arte St. Martin’s y trabajar como dibujante en una fábrica de aviones, Mee tuvo un segundo esposo, Greville Mee, a quien conoció en St. Martin’s con quien decidió mudarse a Brasil en 1952 para ser profesora de arte, allí fue donde la botánica la cautivó.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En 1956, a los 47 años, Margaret Mee emprendió su primera expedición a la selva amazónica, iniciando una serie de 15 viajes a lo largo de las siguientes tres décadas. Viajó en canoas por ríos remotos, convivió con comunidades indígenas y enfrentó condiciones extremas para documentar especies vegetales, muchas de ellas desconocidas para la ciencia en ese momento.Su enfoque era meticuloso: realizaba bocetos en campo y posteriormente los transformaba en detalladas acuarelas en su estudio. Su trabajo no solo capturaba la belleza de las plantas, sino también sus características científicas, lo que lo convirtió en un valioso recurso para botánicos y conservacionistas.Una de las historias más apasionantes en la vida de Mee fue su incansable búsqueda para retratar la flor de luna (Selenicereus wittii), también conocida como flor de la luna amazónica. Esta rara y fascinante flor florece solo una noche al año en el Amazonas y hasta la labor de Mee no había sido dibujada en su hábitat natural, pero para lograrlo, le valieron al menos quince intentos, según documenta la BBC. La floración efímera de esta planta la ha convertido en un símbolo de belleza y misterio en la botánica.Margaret Mee y el activismo por la conservación de la AmazoníaA medida que sus expediciones avanzaban, Mee se convirtió en una ferviente activista ambiental. Fue una de las primeras en denunciar la deforestación del Amazonas y sus impactos en la biodiversidad. Participó en conferencias, escribió artículos y colaboró con científicos para promover la protección de la selva tropical.En 1976, fue condecorada con la Orden del Imperio Británico por su contribución al arte y la botánica, y en 1979 recibió la Orden de la Cruz del Sur en Brasil. Sin embargo, su lucha por la conservación no cesó hasta su muerte en 1988 en un accidente automovilístico en Inglaterra.A lo largo de sus años en la Amazonía, Mee produjo más de 400 ilustraciones botánicas y varios libros que combinan arte y ciencia. Entre sus publicaciones más destacadas se encuentran:"In Search of Flowers of the Amazon Forests" (1988): Un compendio de sus diarios e ilustraciones, donde narra sus expediciones y hallazgos."Margaret Mee's Amazon: The Diaries of an Artist Explorer" (2004): Una recopilación de sus diarios de viaje con reflexiones sobre la conservación del Amazonas."Flowers of the Amazon Forest: The Botanical Art of Margaret Mee" (2006): Una obra que destaca la delicadeza y precisión de sus ilustraciones.Su vida como activista y el impacto de su obra han sido exhibidos en museos y galerías de todo el mundo, y su nombre se ha convertido en sinónimo de la unión entre arte, ciencia y conservación.Otra forma de acercarse a la vida de Mee es el documental "Margaret Mee and the Moonflower" de 2012, dirigido por Malu De Martino, que explora su trayectoria y su lucha por la Amazonía.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
De las cien películas más taquilleras en Estados Unidos, el 42 % tenían protagonistas femeninas y otro 42 %, masculinos, mientras que el restantes 16 % tenían un protagonista más colectivo, según los datos del documento publicado este martes.En 2023, el porcentaje era bastante menor: el 28 % de las cien películas más taquilleras fueron protagonizadas por mujeres; frente al 33 % en 2022 y el 31 % en 2021.Además, los porcentajes de personajes femeninos en papeles con diálogo aumentaron del 35 % en 2023 al 37 % en 2024.Aunque el porcentaje de protagonistas femeninas subió a un máximo histórico en 2024, después de un 2023 "desoladoramente escaso", Lauzen señala que los porcentajes de mujeres en categorías más estables reflejaron unos resultados menores.Según el estudio, el 72 % de las películas tenían más personajes masculinos que femeninos en papeles con diálogo, mientras que sólo en el 21 % había un mayor número de femeninos y tan solo en el 7 % había un equilibrio de sexos.'La sustancia', ejemplo de protagonismo femenino"Películas como La sustancia se opusieron con fuerza a una cultura que considera a las mujeres desechables”, aseguró la Dra. Lauzen en declaraciones recogidas por Deadline.Su protagonista Demi Moore es una de las actrices consagradas de más de 50 años que interpretaron papeles en estas películas taquilleras, en contraste con la común discriminación por edad a la que se enfrentan actrices que alcanzan una cierta edad.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Estos personajes femeninos son la excepción, no la regla", observó Lauzen, que destacó que la edad es "una característica fundamental". Respecto a los datos desglosados por edad, el porcentaje de personajes femeninos cayó del 35 % en la actrices de treinta años, frente al 16 % en sus cuarenta.Sin embargo, los personajes masculinos aumentaron en un 25 % a medida que pasaban de la treintena y un 31 % en la cuarentena. Con 50 o más años, los personajes masculinos duplicaron a los femeninos.Este estudio elaborado por la profesora Lauzen consiste en un proceso continuo a lo largo de más de dos décadas. Este presenta unas pequeñas fluctuaciones que alteran los datos de un año a otro, dado que los porcentajes se basan en una muestra bastante pequeña de solo cien películas.Sin embargo, las cifras relacionadas con los personajes con diálogos o los personajes femeninos con una mayor participación son más estables, puesto que se calculan con más de 2.000 personajes.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El gran compositor Ludwig van Beethoven (1770-1827) atravesó dificultades económicas durante toda su vida. Hoy probablemente habría sido un hombre muy rico: sólo los derechos de autor de su Novena Sinfonía, que, en su estreno, hace 200 años, parecía el acto de locura de un compositor sordo, lo habrían convertido en uno de los músicos más ricos del mundo.Sólo el final, conocido como la "Oda a la Alegría", habría bastado. Incluso sólo la melodía sin letra: al fin y al cabo, esos 50 compases de música han servido como himno de la Unión Europea, una unión de 27 estados con casi 450 millones de habitantes, desde 1972. Eso sí: sin letra de Friedrich Schiller - la música de Beethoven resuena en el Parlamento Europeo como una especie de "canción sin palabras". Pero, ¿por qué los europeos de la posguerra eligieron a Beethoven?¿Por qué Beethoven?Su génesis se remonta a más de medio siglo. A finales de los años 60, el Consejo de Europa se propuso encontrar un símbolo musical para una Europa que crecía unida."Sabemos que ya antes de la Comunidad Europea existía un movimiento paneuropeo en el que la música de Beethoven se interpretaba una y otra vez", explica Malte Boecker, director de la Casa de Beethoven, en Bonn. La obra de Beethoven encabezaba la lista de finalistas. Pero no salió elegida sin discusión: "Ya había alternativas a Beethoven que se consideraron seriamente", dice Malte Boecker.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Rápidamente se acordó que no se podía elegir una composición contemporánea, por lo cual se descartó la idea de un concurso, y se recurrió a los "viejos maestros". El compositor George Frideric Handel, nacido en Halle pero londinense por adopción, y el compositor francés Marc-Antoine Charpentier fueron algunos de los otros candidatos."Un himno sin palabras"Sin embargo, en 1972 se eligió a Beethoven para el himno: "Beethoven se asocia con una personalidad europea. Y con su obra, algo que está por encima de una perspectiva puramente nacional", analiza las razones Malte Boecker.Según Boecker, la Sinfonía nº 9 es "la esencia de la música utópica. Música que formula una visión tras la cual muchos pueden unirse". En 1985, la versión instrumental fue adoptada por los jefes de Estado y de Gobierno de la Comunidad Europea como himno oficial de la UE. No sustituye a los himnos nacionales de los Estados miembros, pero es una expresión de los valores -libertad, paz y solidaridad- que comparten todos los miembros y una expresión del lema europeo "Unidos en la diversidad".Karajan como controvertido coautorPero un himno no nace simplemente omitiendo el texto. El majestuoso cuarto movimiento de la Novena Sinfonía dura unos 25 minutos, demasiado para los actos oficiales. El maestro Herbert von Karajan, afamado director de orquesta, se encargó de los arreglos de la música de Beethoven para las ceremonias de Estado. El director titular de la Orquesta Filarmónica de Berlín era una de las figuras centrales de la música mundial, y era apodado el "director Musical de Europa". Eligió los compases 140 a 187 y los arregló para instrumentos de viento.En algún momento, la mención del nombre de Karajan desapareció de la web oficial de la UE. Quizá la UE quería distanciarse de Karajan, cuyo pasado nazi salía cada vez más a la luz. En cualquier caso, se encargaron más arreglos, incluido uno del compositor francés Christian Guyard.Beethoven como europeoQueda la pregunta: ¿qué habría dicho Ludwig van Beethoven sobre la idea europea, sobre su "Novena" como himno de una Europa unida?"Beethoven creció en una época en la que había comenzado la era burguesa", analiza Malte Boecker. "Fue uno de los padres fundadores del movimiento burgués emancipador. En esta época, habría sido un europeo convencido, ¡sin duda!". Y seguramente, el compositor tampoco les habría dicho que no a sus derechos de autor.No olvides conectarte con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Misa en do mayor de Beethoven vio la luz en 1807 como resultado de un encargo del príncipe Nikolaus Esterhazy II, el cuarto y último de los patronos de Haydn pertenecientes a esta eminente familia, que seguro ya han escuchado en episodios anteriores. El príncipe quería que se cantase una misa todos los años en la onomástica de su esposa. A la celebración de éstas, que tenían lugar en Eisenstadt, ciudad de Austria, debemos las obras más importantes de Haydn en este género, así como varias de Johann Nepomuk Hummel, quien estuvo al servicio de los Esterhazy a partir de 1804.La Misa de Beethoven pertenece, por tanto, al período más prodigioso de la creatividad del compositor. Otras obras compuestas en esta época son el Cuarto concierto para piano y la Quinta y sexta Sinfonías, interpretadas todas ellas, junto con partes de la Misa, en la famosa Akademie o concierto benéfico de Beethoven del 22 de diciembre de 1808.Beethoven no había escrito ninguna Misa anteriormente y resulta interesante el hecho de que no hiciera ningún esfuerzo para igualar la grandeza “sinfónica” de las últimas Misas de Haydn. Por el contrario, reflexionó sobre la composición litúrgica y consiguió un estilo que, al menos en cierto sentido, era más sencillo, humilde y espiritual que el modelo vienés habitual. “Creo que he tratado el texto de un modo en el que raramente ha sido tratado”, escribió Beethoven.Esta Misa impresiona como una obra inusitadamente apacible, al menos en el mundo de la Quinta Sinfonía, la Obertura Coriolano y las vigorosas sonatas y cuartetos de cuerda de la época media. Luego de conocer sinfonías, historias, piezas y personajes en más de diez capítulos, con esta obra termina nuestro recorrido por El tiempo de Beethoven, pero no termina ahí. La celebración de los 250 años de este genio musical se extiende y junto a la Embajada de Alemania, seguiremos indagando por la vida de Beethoven, su huella en la historia y la importancia de su legado que nos negamos a dejar morir.
Los cuentos de Hoffmann es una ópera en tres actos, con prólogo y epílogo, música de Jacques Offenbach y libreto en francés de Jules Barbier.Offenbach murió el 5 de octubre de 1880, dejando la obra inacabada y el compositor y pianista Ernest Giraud organizó su orquestación y también le añadió los recitativos. La ópera se estrenó en París, el 10 de febrero de 1881Tres cuentos del magistral escritor E. T. A. Hoffmann, unidos por la imaginativa e inspirada partitura de Jacques Offenbach, invitan a entrar en un mundo fantástico de romance, autómatas que parecen humanos, traición y un poco de magia.La ópera inicia en una cervecería en Núremberg. Una carta de Stella, que concertaba una cita con Hoffmann en su camerino después de la representación, ha caído en manos del consejero Lindorf. Enamorado de Stella, el consejero decide acudir a la cita.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Un grupo de bulliciosos jóvenes estudiantes se entregan a beber vasos de espumosa cerveza de Luther, Fastidiados ya, de sus rancios chistes, los estudiantes ven llegar con alegría al poeta Hoffmann, que siempre tiene en la punta de la lengua divertidas y alegres canciones.Entra Luther con bebidas para sus clientes, quienes después de algunos minutos comienzan a pensar en sus amoríos. Hoffmann interviene ofreciéndoles contar sus tres aventuras amorosas. Comprendiendo que se trata de una interesante narrativa, se colocan los estudiantes alrededor del poeta, quien sentado en una esquina de la mesa, empieza: El nombre de la primera era Olimpia.Hoffmann les habla a sus contertulios, de Spalanzani, un ricachón y más bien maléfico con manía de construir autómatas, maravillosas muñecas con tanta semejanza de vida que cualquiera puede engañarse creyéndolas humanas. A una de estas muñecas, Olimpia, trata de pasarla como su hija. Hoffmann ha recibido del médico un par de anteojos mágicos y se enamora de Olimpia, tomándola como criatura de carne y hueso. Nicklausse, amigo de Hoffmann, se esfuerza por evitar que el poeta se ponga en ridículo, pero éste dice a los invitados que es una realidad. Cuando el poeta logra tener a solas unas palabras con la muñeca, se queda del todo maravillado al oír pronunciar un “si” que sale de la automática garganta de Olimpia.El gran número de la noche es cuando se ordena a Olimpia que baile para divertir a los invitados. Al bailar canta también, para admiración de los convidados y mayor admiración de Hoffmann.Cuando a la muñeca se le acaba la cuerda, poco a poco, con sonidos entrecortados casi humanos, tiene que, apresuradamente ponerla en funcionamiento otra vez.Vuelve Olimpia a bailar y Hoffmann con ella. La muñeca se sale fuera del cuarto. En la conmoción los anteojos se le caen a Hoffmann y cuando, con el ansioso inventor va al cuarto a donde Olimpia ha ido, solo ve una muñeca hecha mil pedazos, pues Coppélius, su cocreador, a quien Spalanzani ha engañado para quitarle lo que le corresponde, la ha hecho añicos como un acto de venganza.En la versión que escucharemos en la HJCK los intérpretes serán Plácido Domingo como el poeta Hoffmann; Huguette Tourangeau en el papel de Nicklausse, amigo del poeta; Joan Sutherland interpretará a Olimpia (muñeca mecánica), Giulietta (meretriz veneciana), Antonia (joven enfermiza) y Stella (cantante de ópera); Gabriel Bacquier en los personajes de Lindorf y Coppélius (rivales de Hoffmann), Dapertutto (espíritu del mal) y el Dr. Miracle (médico de Antonia); André Neury como Schlemil (enamorado de Giulietta); Jacques Charon en el rol de Spalanzani (constructor de la muñeca), Paul Plishka como el concejal Crespel.Con ellos estarán Margarita Lilowa, Hugues Cuénod, Roland Jacques, Paul Guigue, Pedro di Proenza y Jean Valaisan en papeles secundarios; el Coro de la Radio de la Suiza Romanda dirigido por André Charlet y la Orquesta de la Suiza Romanda bajo la dirección de Richard Bonynge.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 9 de febrero a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Este año el parque Simón Bolívar de Bogotá volverá a convertirse en el principal escenario de rock del país durante tres días en la edición número 29 de Rock al Parque, pero ya no será en noviembre. Así lo dio a conocer el Instituto Distrital de las Artes, Idartes, este 7 de febrero, al tiempo que anunció la convocatoria de la Beca Festival Rock al Parque 2025 que beneficiará a veinte bandas de rock de la ciudad y sus alrededores.Después de 2019, tras el confinamiento por covid-19 Rock al Parque cambió sus fechas tradicionales de junio a noviembre, mes en el que se ha realizado después de la pandemia. Este año, vuelve a junio y sería uno de los primeros festivales al Parque del 2025, de los nueve en total que incluyen Joropo, Salsa, Rock, Jazz, Hip Hop, Góspel, Popular, Vallenato y Colombia al Parque.En la convocatoria, Idartes “invita a las agrupaciones musicales de Bogotá a que postulen sus propuestas en la Beca Festival Rock al Parque 2025, para ser parte de la programación artística de este evento que este año se llevará a cabo en junio en el Parque Simón Bolívar”, se lee en el comunicado.Y aunque las bandas interesadas ya pueden consultar los requisitos y cómo será el proceso de selección de la beca, las postulaciones estarán abiertas desde el próximo 14 de febrero hasta el 21 de marzo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Las bandas que deseen postularse deben estar conformadas por mínimo dos personas naturales, colombianos(as) o extranjeros(as), mayores de 18 años, contar con una trayectoria mínima de tres años y residir en Bogotá o que hasta un 50 % de sus integrantes resida en los municipios de Soacha, Facatativá, Zipaquirá, Chía, Mosquera, Madrid, Funza, Cajicá, Sibaté, Tocancipá, La Calera, Sopó, Tabio, Tenjo, Cota, Gachancipá o Bojacá.Serán veinte las agrupaciones seleccionadas que recibirán un estímulo por valor de $5.500.000 cada uno y harán parte de la programación de Rock al Parque, al igual que en la edición anterior.La selección de los grupos que participarán en Rock al Parque 2025 se realizará en dos etapas. Una preselección por audio y video, cuyo resultado se dará a conocer a través de la plataforma SICON y por correo electrónico.Los que resulten preseleccionados en la primera etapa continuarán con la audición en vivo frente a la terna de jurados. Estas audiciones se llevarán a cabo en mayo.Aquí pueden consultar las bases y requisitos para postularse.De acuerdo con la directora de Idartes, María Claudia Parias, “esta beca hace parte del Programa Festivales al Parque y se desarrolla en el marco del Plan Distrital de Desarrollo Bogotá Camina Segura, que en uno de sus objetivos estratégicos tiene como propósito promover la apropiación del espacio público a través de las artes, para que éste sea percibido por la ciudadanía como un lugar seguro, incluyente y libre de violencias”. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Rock al Parque Oficial (@rockalparqueoficial)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El documental La música de John Williams celebra la trayectoria del afamado compositor, cuyas bandas sonoras han dejado una huella imborrable en la historia del cine y se han convertido también en parte de la banda sonora de la cultura popular.Dirigida por Laurent Bouzereau, esta producción de 2024 ofrece una mirada profunda al legado de Williams, quien ha dado vida a icónicas partituras de películas como Star Wars, Tiburón, E.T. el Extraterrestre, Indiana Jones y las tres primeras películas de la saga de Harry Potter, notas que han acompañado a tres generaciones y han resaltado el rol de la música como un personaje más en el séptimo arte.Un homenaje a una leyenda musicalEl documental presenta entrevistas exclusivas con cineastas y artistas que han trabajado junto a Williams o han sido influenciados por su música. Figuras como Steven Spielberg, George Lucas, J.J. Abrams y Gustavo Dudamel comparten sus experiencias y reflexiones sobre el impacto del compositor en la industria cinematográfica y en la cultura popular.A lo largo de sus 105 minutos de duración, La música de John Williams combina material inédito de sesiones de grabación, anécdotas personales del compositor y fragmentos de sus bandas sonoras más memorables.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLas participaciones de Lucas y Spielberg en el documental son particularmente importantes, pues ha sido con estos dos cineastas que Williams ha hecho sus más grandes colaboraciones.Su colaboración con Lucas, por ejemplo, comenzó en 1977 con Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza. Lucas quería una banda sonora épica y sinfónica que evocara las grandes partituras de Hollywood de los años 30 y 40. Williams compuso entonces una de las bandas sonoras más reconocidas de la historia, con temas inolvidables como la Marcha Imperial, el tema de Luke Skywalker y el tema de la Fuerza.Williams continuó trabajando en todas las trilogías de Star Wars, componiendo la música de la saga completa (excepto en Rogue One y Solo). Su música ayudó a definir la identidad de la franquicia y es considerada una de las mejores composiciones de la historia del cine.La relación con Spielberg es aún más extensa y profunda. Su primera colaboración fue en The Sugarland Express (1974), pero fue con Tiburón (1975) que su sociedad se consolidó. El famoso tema de Tiburón demostró el genio de Williams y ayudó a que la película se convirtiera en un fenómeno.Desde entonces, Williams ha sido el compositor de prácticamente todas las películas de Spielberg, incluyendo: E.T. el Extraterrestre (1982), Indiana Jones (toda la saga), Jurassic Park (1993), La lista de Schindler (1993), Rescatando al soldado Ryan (1998), Las aventuras de Tintín (2011) y Los archivos del Pentágono (2017).Una vida dedicada a la músicaJohn Williams nació el 8 de febrero de 1932 en Floral Park, Nueva York. Desde joven mostró un gran talento musical y estudió en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) y en la prestigiosa Juilliard School en Nueva York. Inicialmente, Williams comenzó su carrera como pianista de jazz antes de convertirse en un reconocido compositor de bandas sonoras para cine y televisión.A lo largo de su carrera, ha compuesto más de 100 bandas sonoras y ha sido galardonado con numerosos premios, incluidos cinco premios Óscar, 25 premios Grammy y varios Globos de Oro. Su colaboración con Steven Spielberg ha sido particularmente notable, creando la música de películas como Jurassic Park, Schindler’s List y Saving Private Ryan.Los cinco Óscar cosechados por Williams son El violinista en el tejado (1971), en la categoría de Orquestación: adaptación y coro original y en la categoría de Mejor banda sonora original, Tiburón (1975), Star wars (1977), E.T. el Extraterrestre (1982) y La lista de Schindler (1993).En este documental, que está disponible en Disney+, usted podrá conocer detalles sobre el proceso creativo de John Williams y su impacto en la industria cinematográfica.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cuarteto madrileño acaba de celebrar su 40 aniversario en una gran gira y de publicar más material retrospectivo, como la caja de lujo 'Del rosa al amarillo' (2023), que contiene 39 canciones de toda su trayectoria.Ya entonces se anunció la publicación de este disco de colaboraciones, que se ha retrasado casi un año respecto a las previsiones iniciales y del que ya se conocen algunos de sus cortes, como 'El ataque de las chicas cocodrilo' con los colombianos Morat o 'Te quiero' con el cantante de música regional mexicana Carín León.Los también mexicanos Reik colaborarán en la nueva revisión de uno de los clásicos más celebrados de Hombres G, 'Marta tiene un marcapasos'.De acuerdo con la nota de prensa de su discográfica, serán en total 14 los temas de este trabajo, entre los que hay canciones como 'Devuélveme a mi chica' (con Walls y Funzo & Baby Loud) o 'Suéltate el pelo' (con Álvaro de Luna).💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíAunque no se citan más artistas que les acompañarán, en la portada del álbum que se hizo pública se puede distinguir a otras figuras como Leo Rizzi, Nil Moliner, Veintiuno y, en la que parece ser la única colaboración femenina, Samantha Gilabert.El nombre del álbum alude al tema que Hombres G interpretó junto a Dani Martín, exvocalista de la banda El Canto del Loco, en su disco 'Todo esto es muy extraño' (2004), con el que rompían doce años de silencio tras su exitosa primera etapa que arrancó con su disco homónimo 'Hombres G' (1985) y canciones como 'Venezia'.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Sistema de Medios Públicos tiene programada una nueva edición del Concierto de la Esperanza el próximo 2 de marzo en la Plaza de Bolívar de Bogotá, un evento gratuito al que hasta ahora solo se había confirmado la participación central al rapera puerorriqueño René Peréz Joglar, más conocido como Residente. Sin embargo, este 6 de febrero, y tras una discusión en el país por los casi 4 mil millones de pesos que costaría el evento, Residente canceló su participación en el concierto, según dio a conocer el medio Rolling Stone. “No teníamos mucho conocimiento del evento, más allá de que un canal de televisión lo estaba invitando a tocar en la Plaza de Bolívar en dicha ciudad. En lugar de utilizar el dinero en un evento como este, sentimos que es mucho más productivo utilizarlo para apoyar a los artistas colombianos y su cultura local”, expresó el equipo del artista que hace unos días fue el ganador del Grammy en la categoría de Mejor álbum de música urbana por Las letras ya no importan.Y es que en este Concierto de la Esperanza, que costaría $3.965.523.131, Residente cobraría $2.185 millones de pesos por su participación, es decir, casi el valor del Concierto de la Esperanza del año pasado. Incluso, el gerente de RTVC, Hollman Morris reconoció que Residente “cobra muy duro” y agregó que los artistas que todavía no se conocen son talento colombiano que se anunciarán a lo largo de la semana.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíAnte la polémica por los gastos de este concierto, Morris se defendió argumentando que este dinero “hace parte del presupuesto del canal, hace parte de un rubro que se llama ‘proyectos especiales’”.Por ahora la próxima visita de Residente al país será el primero de marzo en la ciudad de Cali dentro de su tour ‘Las letras ya no importan’. El artista y su equipo, que desde su etapa solista ha relacionado sus comunicaciones y sus letras a la defensa de Palestina, el rechazo a la guerra y el orgullo de ser latinoamericano terminaron el comunicado diciendo: “Prometemos que en otro momento haremos una presentación en Bogotá para las personas que no han podido asistir a uno de sus conciertos.”Hasta el momento ni Hollman Morris ni RTVC se han pronunciado sobre el anuncio del equipo de artista.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Sé que mucha gente se ha preocupado por mi salud y me ha emocionado mucho el apoyo que he recibido en los últimos tres años. Hoy quiero comunicarles que padezco la enfermedad de Parkinson", escribe Barenboim en un comunicado difundido por su fundación en Berlín.El maestro recalcó que, de cara al futuro, tiene "previsto mantener el mayor número posible" de sus compromisos profesionales y que, si no puede actuar, "es porque mi salud no me lo permite"."Como he hecho siempre, considero que la orquesta Divan Oriental-Occidental es mi responsabilidad más importante. Para mí es esencial garantizar la estabilidad y el desarrollo de la orquesta a largo plazo", recalcó el director argentino-israelí.Por ello, añadió, seguirá dirigiendo la orquesta, fundada en 1999 junto al ya fallecido crítico y teórico literario y musical palestino-estadounidense Edward Said, siempre que su salud se lo permita.Al mismo tiempo, recalcó Barenboim, asumirá "un papel activo para garantizar que Divan tenga la oportunidad de trabajar con otros excelentes directores en el futuro"."He estado navegando por esta nueva realidad mía y mi atención se centra en recibir los mejores cuidados disponibles. Agradezco a todos su amabilidad y sus buenos deseos", concluye el dirigente su comunicado.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíBarenboim, de 82 años, tuvo que cancelar en noviembre pasado conciertos en la Staatskapelle -la orquesta de la Staatsoper Unter den Linden de Berlín- debido a su estado de salud.Desde su debut como director en 1967 en Londres con la Philharmonia Orchestra, el dirigente nacido en Buenos Aires y que se mudó a Israel con sus padres en 1952, ha sido solicitado por las principales orquestas del mundo.Entre 1975 y 1989 fue director titular de la Orquesta de París, y de 1991 a 2006 fue director titular de la Orquesta Sinfónica de Chicago.Barenboim debutó como director de ópera en el Festival de Edimburgo en 1973. De 1981 a 1999 dirigió en el Festival de Bayreuth.Desde finales de 1991 hasta enero de 2023, fue director general de Música de la Staatsoper y en otoño de 2000, la Staatskapelle le eligió como director titular vitalicio.En 2007, entabló una estrecha colaboración con el Teatro alla Scala de Milán como "Maestro Scaligero". De 2011 a 2014 fue director musical de este renombrado teatro.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Yuri Buenaventura, nacido hace 57 años en la ciudad del mismo nombre en el Pacífico colombiano, creció y se formó con la música bailable de la zona. Así lo cuenta en una entrevista con EFE poco antes de presentarse, este domingo, en la Sala Covarrubias del Teatro Nacional junto con los cubanos Issac Delgado, Haila María Mompié y Maikel Dinza en el cierre por todo lo alto del Festival Internacional Jazz Plaza.“Yo, desde niño, conozco esa música y, desde niño, la cuna mía se balanceaba al son de esta música. Es una gran bendición para mí estar aquí, para mi formación musical, para mi formación humana", cuenta el artista, conocido mundialmente por temas como ‘No estoy contigo’, ‘Ne me quitte pas’ o ‘No lo puedo recordar’.El icónico cantante ve como algo natural su vínculo afectivo por la música y los ritmos afrocubanos pese a la enorme distancia entre Buenaventura y Matanzas, ciudad en la que se originó la Sonora Matancera, grupo por el que pasaron gigantes como Celia Cruz o su compatriota Nelson Pinedo."Vengo de un territorio negro, un territorio donde se fugaron los esclavos, los negros cimarrones, y de un puerto, el más importante de Colombia en el occidente (...) y con mucha música. Lo que imperaba en las radios y en los vinilos era la música cubana", resalta.La conexión salseraY, de ahí, el enlace entre La Sonora Matancera, las orquestas cubanas, el son cubano y toda la fusión de géneros que dio lugar a la salsa entre las comunidades migrantes de Nueva York.Estas discusiones, en el universo musical latinoamericano, no son nuevas. En más de una ocasión, la propia Celia Cruz aseguró en entrevistas en Estados Unidos que el género, del cual fue bautizada como la reina, no le parecía distinto a lo que ya se hacía años antes en Matanzas.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíBuenaventura va más allá. "La salsa es una música que se gesta en Nueva York, con un sonido y un encuentro de sonoridades con la exclusión del negro americano y se genera un sonido urbano pero, fundamentalmente, (...) el bongó, la tumbadora (conga) y el timbal… estás hablando de una raíz polirrítmica, de una raíz cultural que es cubana", sostiene.Pero matiza: “La vida de un latinoamericano excluido, donde hay segregación racial, supremacismo blanco, exclusión, miseria urbana, en Manhattan, en el cemento, genera otro sonido y otras expresiones y eso es lo que se llama salsa".Es por eso, y otras muchas razones, que para él la herencia que deja La Sonora Matancera es un patrimonio para la música latinoamericana bailable y, sobre todo, para su país."La Sonora Matancera nace en la ciudad de Matanzas, en la provincia de Matanzas, se expande por toda América Latina y la Sonora Matancera es un patrimonio colombiano, es un patrimonio intangible de Colombia porque la amamos, porque nos pertenece. Es un sentimiento que nos presta Matanzas para viajar por el mundo La Sonora Matancera es piedra angular en la música latinoamericana", concluye.Con eso en mente, se instaló en París en 1988. Desde entonces, el país galo se ha convertido en su lugar de residencia y en el que, tras años de tocar en el metro para ganarse la vida, despegó como un artista internacional capaz de deleitar al público europeo con esos mismos ritmos que mecían su cuna en Buenaventura.Buenaventura, junto a Delgado, Mompié y Dinza, van a ser los encargados de poner el broche final al Jazz Plaza, un festival clave en el calendario musical cubano que desde el pasado domingo ha ofrecido unas 200 actuaciones entre La Habana, Santa Clara y Santiago de Cuba.Entre los 400 artistas participantes, provenientes de una veintena de países, destacan figuras como el saxofonista Ted Nash, el trompetista Orbert Davis, la banda The Funky Taters y la arpista Patrice Fisher.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Orquesta Filarmónica de Bogotá y el Auditorio León de Greiff, de la Dirección de Patrimonio Cultural de la Universidad Nacional de Colombia, siguen en la misma sintonía después de más de 40 años de trabajo conjunto por la cultura. Muchos conciertos semanales, miles de ensayos con importantes directores y solistas de reconocimiento mundial, así como innumerables anécdotas y aplausos continuarán caracterizando la presencia de nuestra agrupación en el León de Greiff durante la Temporada 2025, que estará dedicada a las ‘Escuelas vienesas’ y a lo más destacado del estilo del Clasicismo.A partir de este sábado 8 de febrero (4.00 p.m.), las 1.604 sillas del auditorio recibirán al público en la ya tradicional jornada musical sabatina que estará, como también es costumbre, con entrada libre hasta completar aforo. Quienes asistan no solo escucharán obras emblemáticas de la música sinfónica, sino que también podrán recorrer un lugar que obtuvo el Premio Nacional de Arquitectura en 1974, fue declarado Monumento Nacional en 1996 y está considerado como el escenario con mejor acústica en América Latina.Con el concierto “Beethoven y Mozart: dos sinfonías vienesas”, el León de Greiff y la Filarmónica de Bogotá, dirigida por Rubián Zuluaga, comenzarán el recorrido artístico por este 2025, que promete estar lleno de sorpresas y muy buena música. La “Sinfonía No. 1” de Beethoven y la “Sinfonía No. 29” de Mozart marcan el comienzo de un viaje sonoro imperdible.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa “Primera Sinfonía” (“Sinfonía No. 1 en Do mayor”) de Ludwig van Beethoven (1770 – 1827); se estrenó en abril de 1800 y así, de manera casi profética, el comienzo de un nuevo siglo coincidió con el inicio de una de las más brillantes carreras musicales de todos los tiempos. Hasta esa fecha, Beethoven gozaba de una buena reputación como pianista (había compuesto ya los dos primeros conciertos para ese instrumento) y como compositor de obras de música de cámara.A partir de su primera sinfonía, Beethoven se reveló como el más digno sucesor de Joseph Haydn (1732 – 1809) y Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791), y con su partitura demostró que entendió todas las enseñanzas de sus antepasados y que, además, estaba dispuesto a asumir importantes desafíos en la composición. Con la “Sinfonía No. 1 en Do mayor” del genio alemán, la Filarmónica de Bogotá y el León de Greiff, con más de 40 años de trabajo conjunto por la música, comienzan su Temporada 2025 dedicada a la exploración de las ‘Escuelas vienesas’.Durante el concierto, la Orquesta también interpretará otra pieza maestra del estilo del Clasicismo vienés. Se trata de la “Sinfonía No. 29 en La mayor, K. 201”, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791), que el denominado ‘Genio de Salzburgo’, escribió a los 18 años y en la que incluyó el conocimiento sinfónico que adquirió en sus viajes, especialmente en las obras de Johann Christian Bach que escuchó en Londres durante su época de infancia.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La cantautora de 25 años escribió en su cuenta de Instagram que este lanzamiento era una forma de agradecer a sus seguidores "por darle a este álbum dos Grammy".En la misma publicación, Carpenter anunció que esta nueva versión del disco contaría con una colaboración con la "Señorita Dolly Parton" y agregó con su típico humor: "Ella no querría que yo maldiciera, pero ¡joder!".La participación de Parton es la única colaboración de esta edición que además contará con temas inéditos como '15 Minutes', 'Couldn't Make It Any Harder', 'Busy Woman' y 'Bad Reviews', de acuerdo con una fotografía que publicó la cantante que no detalla la fecha exacta del lanzamiento.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa noche del domingo Carpenter se alzó con dos premios de la Academia de la Grabación: uno a álbum de pop vocal por 'Short n' Sweet' y otro más por mejor actuación pop en solitario por 'Espresso'.Además, la también actriz tuvo una actuación en vivo en la que interpretó sus dos temas más populares: 'Espresso' y 'Please Please Please' en una puesta en escena que evocaba al glamur hollywoodense de los años 50.La joven era una de las favoritas de la ceremonia en la que triunfó el rapero californiano Kendrick Lamar con cinco galardones por su tema 'Not Like Us' y que coronó a Beyoncé con el premio a álbum del año por su material 'COWBOY CARTER'.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La nueva agrupación, liderada por el venezolano Alberto Montenegro y la colombiana Li Saumet, se estrenó el pasado 30 de enero con el sencillo Me pasa (Piscis) y hoy anunció el que, por ahora, será su primer concierto."El camino está marcado. Bomba Estéreo y Rawayana, bajo la bendición de Astropical, llegan a 'Un mundo distinto'. El espíritu tropical del mundo ha llegado para hacer historia", señalaron los organizadores de FEP al anunciar la banda que faltaba para completar su cartel de cuatro días.Los estadounidenses Olivia Rodrigo y Justin Timberlake y el canadiense Shawn Mendes son los cabeza de cartel del FEP, que este año tendrá la edición más pop de su historia.Rodrigo, de 21 años, es uno de los fenómenos del pop actuales más escuchados, mientras que Timberlake es una de las estrellas de la música más reconocibles de las últimas décadas que alcanzó el estrellato junto a la banda NSYNC.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEl grupo australiano de dance alternativo Rüfüs du Sol, la reconocida cantante y guitarrista Alanis Morissette, la banda de metal progresivo Tool, la banda de rock estadounidense The Black Keys y el dúo de música electrónica Justice completan los grandes nombres de esta nueva edición de uno de los festivales de música más importantes de Colombia.Incubus, Benson Boone, Foster The People, Empire of the Sun, Zedd, Mon Laferte, Parcels, Danny Ocean y Tate McRae también deleitarán al público colombiano junto a otros artistas de renombre en la región como Nathy Peluso y la banda LosPetitFellas.Vea aquí el video de Me pasa (Piscis):🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Once agrupaciones bullerengueras del país se presentarán en Bogotá entre el 13 y el 17 de febrero en la primera edición del Festival Bogotá Bullerenguera, un encuentro musical que tiene en el centro este género ritmo tradicional del Caribe colombiano, cargado de mensajes de resistencia y danza.Este ritmo tradicional de la cultura afrocolombiana impulsado por tambores, palmas y maracas, narra historias cotidianas, de la naturaleza y de la resistencia de los pueblos afro, raizales y palenqueros.Su difusión por el país y trascendencia a través de los años se ha dado gracias a figuras emblemáticas como Petrona Martínez, considerada una de las grandes embajadoras de este género en el mundo.También gracias a iniciativas artísticas que hoy representan alrededor de treinta agrupaciones de bullerengue en el país, según le contó a la HJCK, la gestora cultural y músico Daia Mutis, quien está al frente de la organización y curaduría del festival, en alianza con las agrupaciones y organizaciones La Rueda, Guineo Verde, Suamox, Ep Producciones y Chato pachanga.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí“Tomamos la decisión de hacer un homenaje al Urabá y visibilizar algunos de los procesos que tienen más relevancia a nivel de resistencia en varios sentidos y de salvaguarda de la tradición”, explica Mutis sobre los artistas seleccionados para participar en el festival.Desde la región del Urabá antioqueño se presentarán cinco agrupaciones: Renacer Ancestral, del municipio San Juan de Urabá; Danzas del Ayer, de Chigorodó; Corazón de Tambó, de Turbo; Cantares de Eloa, de Necoclí y Legado.Por Bogotá, las invitadas son seis agrupaciones, Guineo Verde, que además está coordinando la realización del festival, La Rueda, Candela Negra, María Sí Bailaría, Víbora Tambó y Juntanza Marialabajense.“En el festival no estamos pensando en competencia, sino en comunidad, en apoyar esos grupos que están surgiendo, en acompañarnos, en ver cómo podemos apoyarnos y fortalecernos y también cuestionarnos cómo y desde dónde nos estamos parando para ser parte del bullerengue”, explica Mutis sobre la naturaleza de este festival, que no tendrán una vocación de competencia, pero sí de presentaciones gratuitas que extiendan este ritmo por la ciudad.Para Mutis, quien ha dedicado alrededor de dos décadas a las músicas y danzas tradicionales de las culturas afrodescendientes y fundó en 2023 el Semillero de Bullerengue de Bogotá, este ritmo es una expresión de construcción de paz “porque hay tanta diversidad y hay tanta diferencia entre nosotros que juntarnos en torno al al bullerengue y no a las diferencias políticas o religiosas o de tantos tipos es un ejercicio muy poderoso”.Durante los cinco días de festival los protagonistas serán los sabedores del bullerengue que están en la ciudad y quienes la visitan, pues también se plantea este festival como un espacio para que quienes se han desplazado a la ciudad provenientes de esta tradición, encuentren un lugar para preservar estos ritmos que hacen parte de su historia.El 13 de febrero, primer día del festival, tendrá lugar una comparsa en el centro histórico de la ciudad, que iniciará a la 1:00 p. m. en la Carrera Séptima desde la Calle 13 hasta la Calle 10, culminando en la FUGA.Los días 14, 15 y 16 de febrero, la música se tomará las localidades de Barrios Unidos, Engativá y Bosa, desde el mediodía con presentaciones de entrada libre en parques públicos. El 14, en el Parque Jorge Eliécer Gaitán; el 15 en el Parque La Consolación y el 16 de febrero en el Parque Fundacional de Bosa.Estos lugares fueron elegidos, según explica Daia, para descentralizar la oferta cultural de la ciudad. “Dentro de esa búsqueda encontramos estos tres lugares; el Parque Jorge Llercer Gaitán, nos pareció importante y significativo porque, por ejemplo, en Puerto Escondido, Córdoba está la estatua de Simón Bolívar más pequeña de Latinoamérica y le cantamos un tema que dice ‘si el Bolívar hablara todo lo que contaría’, ahora pensando que si Bolívar hablara, le contestaría Gaitán”.El última día de festival, el 17 de febrero se dará el Foro bullerenguero en La Candelaría, donde se abordarán los saberes y prácticas detrás de este histórico género musical para visibilizar los saberes y experiencias de sabedores y hacedores del bullerengue, destacando tanto a artistas emergentes como a grupos consolidados. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Festival Bogotá Bullerenguera (@bogota.bullerenguera.fest)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los organizadores del Festival de la Leyenda Vallenata, que se llevará a cabo en Valledupar del 30 de abril al 3 de mayo, confirmaron que el ídolo latino Chayanne será uno de los encargados de poner a cantar y a bailar a los asistentes a la edición número 58 del festival.Han pasado seis años desde la última vez que Colombia cantó y bailó al ritmo de éxitos como Torero, Un siglo sin ti y Lo dejaría todo en un concierto del puertorriqueño. Ahora, el cantante, compositor y bailarín participará en la fiesta vallenata más importante del país antes de su llegada a Bogotá el 3 de mayo en su gira “Bailemos otra vez”, homónima de su álbum más reciente.La cita vallenata será el próximo 1° de mayo en el Parque de la Leyenda Vallenata, en uno de los conciertos principales del festival. La última vez que Chayanne, uno de los cantantes más queridos de la región, visitó Colombia, fue en el tour “Desde el alma”, que incluyó paradas en Bogotá y Barranquilla en 2018.Este año el festival estará rindiendo homenaje al rey vallenato y cantautor Omar Geles, quien falleció el 21 de mayo de 2024, además ya ha confirmado a dos artistas más, los colombianos Silvestre Dangond y el cantante de música popular, Luis Alfonso, quienes se presentarán en el festival el 2 de mayo. 💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí“Después de tener el visto bueno de su familia y conociendo su extraordinario aporte a la música vallenata que comenzó siendo muy niño, hasta llegar a ser Rey Vallenato y extraordinario compositor, anunciamos que el 58° Festival de la Leyenda Vallenata a realizarse en el año 2025, será en homenaje a Omar Antonio Geles Suárez”, anunció Rodolfo Molina Araújo, presidente de la Fundación Festival de la Leyenda Vallenata la ceremonia de premiación del 57° Festival, en mayo del año pasado.Las entradas para el concierto del próximo 1° de mayo ya están disponibles en la página de Tu Boleta y están disponibles en boletas individuales desde $149.000 y palcos desde cinco millones de pesos. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por BREAKFAST LIVE (@breakfast_live)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.