Bogotá será el epicentro de la música y la energía este jueves 16 de enero, cuando Twenty One Pilots ofrezca su primer concierto como artistas principales en Colombia. Josh Dun y Tyler Joseph, el icónico dúo que ha conquistado al mundo, regresa al país tras sus memorables presentaciones en el Festival Estéreo Picnic. En esta ocasión, llegan como parte de su gira The Clancy World Tour, que los llevará por múltiples escenarios internacionales.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El álbum Trench, el sexto de su discografía, es el hilo conductor de esta gira. Un trabajo conceptual que consolida su evolución artística desde su debut homónimo hace ya 15 años. Con su estilo único y su puesta en escena electrizante, Twenty One Pilots ha demostrado que dos personas pueden llenar un escenario con una energía que parece multiplicarse por mil. Sus conciertos son una experiencia multisensorial, donde la interacción con el público, los poderosos riffs de guitarra y los explosivos beats de batería crean una atmósfera inolvidable.Recomendaciones para disfrutar del showLa productora del evento, Páramo Presenta, ha compartido en sus redes sociales una serie de recomendaciones para garantizar una experiencia segura y fluida para todos los asistentes:Consejos generales:Mantén tus objetos personales bajo cuidado en todo momento.Prepárate para un control de seguridad en la entrada.Se promueve un ambiente de respeto: no se tolerarán actos discriminatorios.Llega con anticipación para evitar contratiempos.Ten en cuenta que no habrá servicio de casilleros.Artículos prohibidos:Equipos de grabación como cámaras profesionales, GoPros, tabletas y drones.Comidas, bebidas y vaporizadores.Camisetas relacionadas con equipos de fútbol.Mochilas o maletas mayores a 16 cm x 11 cm.Banderas, pósters y otros elementos publicitarios.Objetos peligrosos como armas, cadenas, sombrillas o elementos cortopunzantes.Disfraces que oculten el rostro, como máscaras o pasamontañas.Botas con punta reforzada y elementos inflamables como pólvora.Logística del eventoParqueadero: El Coliseo Medplus dispone de un parqueadero con cupos limitados. Las tarifas son de $30.000 para automóviles y $20.000 para motocicletas. Se recomienda llegar temprano para asegurar un espacio.Horarios:Las puertas del recinto abrirán a las 6:00 p.m.El show de la banda telonera, Balu Brigada, comenzará a las 8:00 p.m.Twenty One Pilots tomará el escenario a las 9:00 p.m.Una cita imperdibleCon una propuesta musical que desafía géneros y una entrega escénica que desborda pasión, el show de Twenty One Pilots promete ser una noche inolvidable para sus fans colombianos. Prepara tu energía, revisa los detalles logísticos y disfruta de esta experiencia única que quedará grabada en la memoria de todos los asistentes.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Germaine Tailleferre fue una destacada compositora francesa y la única mujer del influyente grupo de compositores conocido como "Les Six". Su vida y obra reflejan una combinación de innovación, talento y adaptabilidad, características que le permitieron destacarse en un mundo dominado por figuras masculinas de la música clásica.Tailleferre nació en Saint-Maur-des-Fossés, cerca de París, en una familia de clase media. Desde temprana edad mostró un talento prodigioso para la música, pero su padre se oponía a que siguiera una carrera artística. Con el apoyo de su madre, Tailleferre ingresó al Conservatorio de París, donde estudió piano y composición. Allí conoció a figuras que marcarían su carrera, como Darius Milhaud y Arthur Honegger, quienes más tarde formarían parte de "Les Six".Les Six y el estilo musicalEn la década de 1920, Tailleferre se unió a "Les Six", un grupo de jóvenes compositores franceses influenciados por Erik Satie y en contra del romanticismo alemán. Sus miembros, Darius Milhaud, Francis Poulenc, Arthur Honegger, Georges Auric, Louis Durey y Tailleferre buscaban un estilo más directo, fresco y despreocupado, que a menudo combinaba elementos de la música popular con técnicas clásicas. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La compositora destacó por su capacidad de integrar armonías modernas con una elegancia que recordaba a los grandes maestros franceses como Ravel, a quien admiraba profundamente.Su música se caracteriza por una luminosidad y claridad únicas, con influencias del impresionismo y el neoclasicismo. Aunque no alcanzó el mismo reconocimiento que sus compañeros masculinos, Tailleferre fue una compositora prolífica, dejando un legado que abarca géneros como música de cámara, ópera, conciertos, música para cine y piezas para piano.Algunas obras recomendadas"Concierto para piano y orquesta" (1924): Esta obra representa una síntesis de su estilo, con un equilibrio entre virtuosismo pianístico y un enfoque melódico accesible. El concierto es un ejemplo perfecto de su capacidad para combinar la tradición clásica con un lenguaje armónico moderno."La Nouvelle Cythère" (1929): Una suite para piano que muestra su refinamiento y delicadeza. Inspirada en la mitología griega, esta obra evoca paisajes sonoros etéreos y es considerada una de sus creaciones más personales."Concertino para arpa y orquesta" (1927): Una obra que pone de relieve su habilidad para escribir para instrumentos específicos. Aquí, Tailleferre aprovecha la riqueza tímbrica del arpa, creando una atmósfera encantadora y sofisticada.A lo largo de su vida, Tailleferre enfrentó numerosos desafíos personales, incluyendo problemas financieros y matrimonios fallidos. Sin embargo, nunca dejó de componer. Incluso en sus últimos años, cuando la salud comenzó a fallarle, siguió produciendo música con un espíritu indomable.El legado de Germaine Tailleferre ha sido redescubierto y valorado en las últimas décadas, en particular por su contribución a la música del siglo XX y por ser una pionera en un campo donde las mujeres enfrentaban innumerables barreras. Su música sigue siendo interpretada en todo el mundo, y su historia inspira a nuevas generaciones de músicos y compositoras.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La exposición, organizada en colaboración con Omer Pardillo Cid, albacea de Celia Cruz Estate, presentará una colección cuidadosamente seleccionada de fotografías, videos, carteles, pelucas y vestidos que pertenecieron a la icónica cantante, fallecida en 2003 a los 77 años."Es un homenaje a su trayectoria artística y a su incansable compromiso con su público, al que le encantaba hacer bailar hasta el amanecer", indica un comunicado de prensa.Este homenaje no solo celebra la trayectoria artística de la cantante, sino también su inquebrantable compromiso a lo largo de su vida con su público en general y con su gente de Cuba en particular, señala la nota.Igualmente, la coincidencia del centenario de Cruz con el de la ciudad de Hialeah y la Torre de la Libertad subraya la profunda conexión de la artista con la comunidad cubana de Miami.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Nacida en La Habana en 1925, Celia Cruz se convirtió en la voz emblemática de La Sonora Matancera antes de huir del régimen comunista cubano en 1960.El lanzamiento de su carrera como solista, caracterizada por sus actuaciones audaces y emotivas, la catapultó a la fama internacional, actuando en escenarios de todo el mundo, pero manteniendo siempre un fuerte vínculo con sus raíces cubanas.Celia Caridad Cruz y Alfonso, más conocida como Celia Cruz, se convirtió el pasado 8 de agosto en la primera mujer afrolatina en aparecer en una moneda de Estados Unidos.La muestra se extenderá hasta el próximo 15 de febrero en la Galería de Arte del Recinto Hialeah del MDC. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Museum of Art and Design @ MDC (@moadmdc)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Después del estreno de Debí tirar más fotos, el más reciente álbum de Bad Bunny, Puerto Rico y su historia le han dado la vuelta al mundo, la primera colonización de la isla, el origen de su bandera y del himno son algunas de las historias que han protagonizado este álbum.Este disco además de presentar al mundo detalles hasta ahora desconocidos por muchos, como que el sapo concho es la única especie de ranas endémica de la isla y está en peligro de extinción, también mezcla ritmos latinos como el bolero, la salsa y los estándares musicales de ayer y de hoy de Puerto Rico: la plena y el reguetón.A finales del siglo XIX en la ciudad de Ponce, al sur de la isla, donde estaban las azucareras, los trabajadores encontraron en la música una forma de contar las historias que les ocurrían, las injusticias sociales que los rodeaban. A la plena se le conoció también como "el periódico cantado" porque tradicionalmente permitía comentar sobre eventos sociales, o criticar situaciones políticas, muchas veces de forma humorística o sarcástica a través de este ritmo.Con panderos, también llamados pleneras, güiros, cuatros y coros, los trabajadores y habitantes de los barrios marginados de Ponce hicieron de la plena una herramienta, que mezcla de tradiciones africanas, taínas y españolas, para expresar la voz del pueblo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El etnomusicólogo y coautor del libro Puerto Rico y su plena: nuevas fuentes para su estudio (2018), Emanuel Dufrasne González, dijo a un medio local que “la identidad nacional puertorriqueña se enriquece con otro aspecto de cultura que tiene su carácter propio, tiene sus formas de hacerse. Me refiero a que la plena recoge influencias de cosas que ya existían se añade a todo lo que ya existía y en ese sentido enriquece lo que había”.Además, en su libro, escrito junto al historiador boricua Nestor Murray Irizarry, explica que a diferencia de lo que se cree, la plena no surgió en el siglo XX, sino antes, pero fue sobre la década de 1920 que este ritmo se popularizó en toda la isla.Los cantos de la plena, sus bailes e historias coinciden con la necesidad de la gente de informarse y de manifestarse ante el cambio cultural que suponía la invasión de Estados Unidos a la isla cuando el 12 de mayo de 1898 ese país bombardeó San Juan, capital de Puerto Rico.En las décadas siguientes, en el siglo XX, la plena se consolidó como un ritmo boricua, que pese a fusionarse con el merengue, la salsa, el mambo y otros géneros tropicales de populares en los años sesenta y setenta, mantuvo su esencia y perdura hasta la actualidad, siendo referente de la cultura de la isla.El auge del reguetón desde finales de los noventa hizo de la isla de la bomba y la plena (ambos ritmos de Puerto Rico aunque con orígenes, instrumentos y propósitos diferentes) la isla del reguetón ante el mundo. Y aunque eso no es negativo, sí es un panorama que pone en riesgo el olvido de ritmos tradicionales, de ahí la importancia cultural que tiene incluir este ritmo en un álbum de consumo tan masivo como Debí tirar más fotos y su canción homónima, ejemplo de la mezcla de la plena con ritmos urbanos.Además de ser el ritmo oficial de las protestas en la isla, los puertorriqueños también han cuidado y resguardado la plena a través de fiestas y celebraciones. Antes del reguetón, en 1979, crearon el Festival Nacional de la Plena, uno de los eventos culturales más importantes de Puerto Rico, especialmente para Ponce, que este año se celebrará desde finales de febrero.Las voces y leyendas de la plenaDesde su origen, los principales exponentes de la plena han sido natales de Puerto Rico y han compuesto letras que impulsan el arraigo cultural del ritmo. Uno de los nombres más sonados al hablar de la plena es el de Manuel Jiménez, conocido como “el canario” y quien sería de los primeros en llevar esta música de las calles a los estudios de grabación. Una de sus canciones más sonadas es Santa María, donde relata la historia de un barco que naufragó en Ponce.En la década del cuarenta Mon Rivera fue conocido por modernizar la plena. Introdujo arreglos más elaborados y grandes bandas en la interpretación de este género. Su canción Askarakatiskis es un ejemplo clásico de cómo mezcló la plena con otros géneros tropicales.Años más tarde Rafael Cortijo y su Combo revolucionaron la plena al combinarla con otros géneros, como la salsa y el jazz. Junto a su cantante principal, Ismael Rivera, llevaron la plena a un público internacional, especialmente en los años 50 y 60. Canciones como El bombón de Elena y Juan José son clásicos que reflejan la esencia de la plena.Otro grupo que propagó el ritmo, esta vez por Estados Unidos, fue Los Pleneros de la 21, un grupo fundado en Nueva York en 1983, pero con fuertes raíces puertorriqueñas que desde entonces se dedican a preservar y promover la plena y la bomba, mezclándola con otras influencias contemporáneas.Si quiere escuchar lo más reciente de la plena también puede acercarse a la música de la banda boricua Plena libre, quienes se han encargado de llevar el ritmo por el mundo desde los años noventa.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El popular grupo anunció en su perfil de Facebook que ha aceptado una invitación "de la campaña del presidente electo Trump para participar en las actividades inaugurales, incluyendo al menos un evento" junto al nuevo mandatario republicano."Sabemos que esto no hará felices a algunos de ustedes, sin embargo creemos que la música debe ser interpretada sin tener en cuenta la política", advierten los creadores de Macho Man o In The Navy."Nuestra canción Y.M.C.A. es un himno global que esperamos ayude a unir al país después de una campaña tumultuosa y dividida donde nuestro candidato preferido perdió", precisan en el mensaje en referencia a la debacle electoral sufrida por la candidata demócrata Kamala Harris.Por lo tanto, "creemos que es ahora el momento de unir al país con música y, por eso, VILLAGE PEOPLE estará actuando en varios eventos como parte de la inauguración 2025 de Donald J. ¡Trump!", indican en su mensaje.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEl presidente electo de Estados Unidos, que tomará posesión del cargo el próximo 20 de enero, ha usado de forma frecuente el tema "Y.M.C.A." en su campaña electoral acompañado de un baile que se convirtió en viral.De hecho, la coreografía de Trump llegó a ser copiada por numerosos deportistas y personajes populares en Estados Unidos, que la han imitado en los últimos meses en todo tipo de eventos y en el terreno de juego.El grupo musical no siempre ha estado de acuerdo con el uso que Trump ha hecho de este popular tema que llegó a utilizar en su anterior campaña electoral.Alguno de los componentes de Village People llegó a pedir reiteradamente al candidato a la reelección que dejara de usar esa canción en sus actos políticos y Victor Willis, uno de los miembros del grupo pop, no sólo criticó la utilización de 'Y.M.C.A.', sino que también se mostró molesto en el pasado con sus coreografías.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Es un reconocimiento justo, pero que engrandece, es una retroalimentación muy bonita", señaló el mandatario desde el Parque Cultural de Valparaíso (PCdV), ubicado en la excárcel.Boric, que ha expresado en varias ocasiones su admiración por la artista, recomendó su último trabajo –'Autopoiética'– y destacó su alcance y trayectoria: "Estás aquí, en el arte, en el corazón de todos, en las calles de Valparaíso, en la pobreza de sus poblaciones,en la lucha de su gente cotidiana, estás en las anónimas, estás en la memoria".Laferte, oriunda de Viña del Mar, segunda ciudad de la región de Valparaíso, agradeció el reconocimiento y destacó la "emoción" de volver a su lugar de origen: "Vuelvo a mi tierra y me siento de nuevo en casa"."Aquí me crié, en las calles de Valparaíso, cantando, pintando, creando canciones, escribiendo, entonces siento muy bonito de regresar aquí a mi tierra natal", añadió.Durante el acto, enmarcado en el Festival Internacional Valpo a Mil, organizado por la Fundación Teatro a Mil, también se inauguró la exposición 'Te amo, Mon Laferte Visual', exhibida por primera vez en 2023, en el marco del Festival Teatro a Mil en Santiago, donde fue visitada por más de 60.000 personas.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa muestra, realizada bajo la curatoría de Beatriz Bustos Oyanedel, es la primera exposición que cantante realizó en Chile y exhibe su faceta de artista visual a través de pinturas, dibujos, poemas, videos, bordados y figuras tridimensionales.Además, incluye objetos personales, como el vestido rojo que Mon Laferte lució en su presentación en el Festival de Viña del Mar de 2017 y el traje negro bordado por artesanas mexicanas que usó en los premios Grammy 2021, cuando recibió la estatuilla a Mejor Álbum de Cantautor.En octubre, Mon Laferte inauguró en el Centro Cultural Matucana 100, ubicado en la capital, otra exposición con el nombre de su último disco que podrá visitarse hasta el 19 de enero y que, según explicó entonces ella misma, invita a "visualizar con ironía los estereotipos y formas de vida que imponen discursos de culpa y violencia”.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el marco de los 45 años de relaciones diplomáticas entre Colombia y China, la Orquesta Sinfónica Nacional deslumbró en los escenarios de Shanghai, Suzhou, Yangzhou y Hangzhou, llevando su maestría y excelencia musical a públicos que la ovacionaron entre banderas colombianas alzadas con orgullo y emotivos momentos de conexión cultural.La gira comenzó el 24 de diciembre de 2024 en el histórico Shanghai Concert Hall, uno de los teatros más antiguos y prestigiosos de la ciudad, conocido por su impresionante acústica y arquitectura neoclásica. Durante este primer concierto, la Sinfónica presentó un repertorio que incluyó obras como el "Danzón N° 2" de Arturo Márquez, la "Sinfonía del Nuevo Mundo" de Antonín Dvořák y la tradicional obra china "Jasmine Flower" de Wenping Li, cautivando al público local e internacional."Para nosotros es muy conmovedor. Desde niños hemos estudiado estos instrumentos para tocar corazones y almas. Ver cómo logramos acompañar a los colombianos en territorios tan lejanos y conmover al público chino con nuestra música fue algo único", comentó Manuel López, violinista de la orquesta. 💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEl cierre de la gira tuvo lugar en el The Channel Grand Theatre de Hangzhou, donde la orquesta reafirmó su excelencia artística con un concierto inolvidable que marcó no solo el final de esta histórica travesía, sino también el cierre de la temporada 2024 y el emocionante inicio del 2025. Este recorrido reafirmó el lugar de la Orquesta como una de las mejores de América Latina, ovacionada tanto por el público internacional como por la crítica especializada."La Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia se ha consolidado como un ensamble de excelencia. Desde el primer concierto en Shanghái, quedó claro que esta orquesta ha alcanzado un nivel de primer mundo. Este éxito es el reflejo del arduo trabajo y la dedicación de cada uno de los músicos", afirmó Yeruham Scharovsky, director artístico y titular de la Orquesta. Tras este exitoso recorrido, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia regresó al país para inaugurar su temporada 2025 con una vibrante interpretación de El Barbero de Sevilla, en el marco del Festival Internacional de Música de Cartagena. Este evento marcó el regreso de la ópera a uno de los festivales más prestigiosos del país, dando inicio a un nuevo capítulo en la historia de la Orquesta el pasado sábado 11 de enero de 2025.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En un mundo cada vez más ruidoso y fragmentado, la música clásica emerge como un refugio atemporal, ofreciendo mucho más que deleite estético. Estudios recientes demuestran que escuchar composiciones de gigantes como Bach, Beethoven y Mozart no solo eleva el espíritu, sino que también transforma el cerebro, actuando como un antidepresivo natural. La ciencia está comenzando a desentrañar cómo estas obras maestras del sonido afectan nuestras emociones, cognición y bienestar general.El cerebro bajo el influjo de la música clásicaEl impacto de la música en el cerebro humano ha fascinado a neurocientíficos durante décadas, pero los hallazgos recientes han sido especialmente reveladores. Un estudio realizado por investigadores chinos en 2022 exploró la influencia de composiciones clásicas sobre pacientes con depresión resistente al tratamiento. El estudio descubrió que escuchar piezas de Bach, Beethoven y Mozart sincronizaba las oscilaciones neuronales entre el córtex auditivo y el circuito de recompensa del cerebro. Esta sincronía no solo mejoraba el estado de ánimo de los pacientes, sino que también potenciaba la liberación de dopamina, el neurotransmisor asociado al placer y la motivación.El "Efecto Mozart", un fenómeno popularizado en los años noventa, también encuentra respaldo en estos nuevos estudios. Aunque en sus inicios fue objeto de controversia, hoy sabemos que ciertas composiciones clásicas pueden mejorar funciones cognitivas como la memoria y la resolución de problemas, gracias a la activación simultánea de redes neuronales en ambos hemisferios cerebrales.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa música clásica como terapiaLa aplicación terapéutica de la música clásica va más allá de sus efectos en el bienestar emocional. La musicoterapia, una disciplina que combina el arte sonoro con principios clínicos, utiliza piezas clásicas para tratar desde trastornos de ansiedad hasta enfermedades neurodegenerativas como el Alzheimer. La música de Mozart, por ejemplo, es frecuentemente empleada para reducir el nivel de cortisol, la hormona del estrés, promoviendo un estado de calma y relajación profunda.Un estudio realizado por la Universidad de Stanford reveló que las estructuras rítmicas de la música clásica pueden sincronizarse con los patrones de ondas cerebrales, facilitando estados meditativos. Esto no solo beneficia la salud mental, sino que también mejora la capacidad de atención y la creatividad.Lea aquí: ¿Cuáles son las sonatas más famosas de Beethoven?¿Por qué Bach, Beethoven y Mozart?Aunque cada compositor clásico tiene un estilo único, las obras de Bach, Beethoven y Mozart se destacan por su complejidad y equilibrio estructural. Bach, con su contrapunto impecable, estimula el razonamiento lógico y la concentración. Beethoven, en cambio, canaliza emociones profundas y ofrece catarsis emocional, mientras que las composiciones de Mozart, con su claridad y simetría, inducen un estado de orden y serenidad.Las sinfonías de Beethoven, especialmente la Novena, son un ejemplo de cómo la música puede generar un sentido de unidad y esperanza. Por otro lado, las invenciones de Bach actúan como un "ejercicio mental" para el cerebro, ayudando a reforzar conexiones neuronales. Mozart, con su "Pequeña Serenata Nocturna" o el "Concierto para piano n.º 21", evoca una sensación de placer estético que trasciende lo meramente emocional.Recomendaciones para un viaje sonoroSi deseas integrar la música clásica en tu vida diaria, aquí tienes algunas recomendaciones:Para relajarte: Escucha el "Canon en Re" de Pachelbel o el "Adagio for Strings" de Barber.Para concentrarte: Opta por las fugas de Bach o los cuartetos de cuerda de Haydn.Para elevar el ánimo: Disfruta de la "Sinfonía n.º 40" de Mozart o la "Oda a la Alegría" de Beethoven.La música clásica es mucho más que una experiencia auditiva; es una herramienta poderosa para transformar nuestra salud y bienestar. En una era dominada por el ruido, volver a estas composiciones es redescubrir una forma de equilibrio y belleza que resuena en lo más profundo de nuestra humanidad.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El 11 de enero, su tema DtMF se convirtió en la canción más escuchada de la lista global de Spotify. De hecho, más de la mitad del top 10 de las canciones de la lista global de Spotify Daily Top Songs pertenecen a su nuevo álbum", celebró en un comunicado Spotify.'DeBÍ TiRAR MáS FOToS' ha logrado un éxito mundial inmediato fusionando reguetón con salsa y plena.Asimismo, Spotify indicó que Bad Bunny también ocupa el primer puesto en las listas 'Daily and Weekly Top Artist', y el álbum es el número 1 en la lista 'Weekly Top Albums' de Spotify.El artista urbano anunció este lunes una histórica serie de 21 conciertos en el Coliseo de Puerto Rico, que comenzará en julio bajo el título 'No me quiero ir de aquí'.Bad Bunny marca así un récord de conciertos consecutivos en la principal sala de espectáculos de Puerto Rico, superando las 14 funciones del dúo de reguetón Wisin y Yandel.Producidos por Noah Assad Presents / Move Concerts, los conciertos arrancan el 11 de julio y se llevarán a cabo todos los fines de semana, de viernes a domingo.En línea con el emotivo homenaje a su isla que supone el disco, las primeras nueve funciones serán exclusivamente para residentes de Puerto Rico.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíCompuesto por 17 canciones, el sexto álbum de estudio de Bad Bunny cuenta con las colaboraciones de Rainao en el tema 'PERFuMITO NUEVO'; Chuwi en 'WELTiTA'; Dei V y Omar Courtz en 'VeLDÁ', y Pleneros de la Cresta en 'CAFé CON RON'.Otras de las canciones del disco son 'NUEVAYoL', 'VOY A LLeVARTE PA PR, 'BAILE INoLVIDABLE', 'EL CLúB', 'PIToRRO DE COCO' y 'LO QUE LE PASÓ A HAWAii'.Los temas hablan de problemas que sufre Puerto Rico como la migración a Estados Unidos y la gentrificación, y ponen en valor ritmos musicales típicos de la isla como la salsa y la plena.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Entre las muestras, destaca la inmersiva exhibición multimedia Johann Strauss-New Dimensions, inaugurada ya en noviembre pasado en el Museo Johann Strauss de Viena, situado en el centro de la capital austriaca."La historia de Strauss siempre será interesante de escuchar, no solo en el aniversario", que será el 25 de octubre, aseguró en declaraciones el director del museo, Peter Hösek.La muestra, que según el director busca ser una experiencia "informativa, inmersiva e interactiva" a través de siete salas, hace un recorrido por la historia vital del compositor del legendario vals 'El Danubio Azul'.Una inmersión tridimensionalLa exhibición culmina en una sala inmersiva con paredes de 5,50 metros de altura con un espectáculo audiovisual en el que se recrean en 3D los momentos más importantes de la vida de Strauss, incluyendo un concierto dirigido por el propio compositor en Boston (EEUU) en 1872 ante unos 50.000 espectadores.Para su recorrido, al visitante se le ofrecen auriculares especiales, con una audioguía en ocho idiomas (entre ellos, español), y una tecnología de sonido 3D basado en la ubicación del usuario.Por lo tanto, según donde esté la persona en cada momento el audio y la música se reproducen sin necesidad de pulsar ningún botón, creando una experiencia tridimensional.Según Hösek, es la primera vez que se utilizan estos cascos en una exposición a gran escala. "No sé de ningún otro compositor que tenga un museo inmersivo como éste", aseguró el director.Componer un vals propioEl visitante también puede intentar sentirse como el propio Strauss gracias a una máquina de composiciones que permite crear un vals personalizado, descargado y grabado a través de un código QR."Aunque no sepas nada de música, puedes juntar varias melodías y crear tu propia composición", explicó el director del museo, pues el vals tiene siempre la misma estructura. Además, el museo utilizó Inteligencia Artificial (IA) para animar algunas de las imágenes de la exposición.Desde que fue inaugurado, el museo acogió solo el primer mes más de 7.000 visitantes y se ha convertido ya en una de las principales atracciones de la capital austríaca. "Siempre que vengo veo las reacciones de la gente y cuando les preguntó si les ha gustado, me dicen: 'ha sido fantástico'. Además, mucha gente me dice que no sabía todo esto sobre la vida de Johann Strauss", relató Hösek.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíStrauss fue en su época lo que hoy sería una "estrella del pop y rock", pues "la música en cada época es distinta, pero el estatus es el mismo", explicó.Más de un siglo y medio después, la música del 'rey del Vals' sigue fascinando a la gente. "Donde sea que vayas en el mundo, la audiencia se vuelve loca con Johann Strauss por su música alegre y ligera, es algo que nadie puede replicar", concluye Hösek, que ya tiene planes de trasladar la muestra inmersiva a otros países.Viena festeja a su 'rey del Vals'Mientras, toda Viena, cuna natal de Johann Strauss hijo, está inmersa en las celebraciones del jubileo del célebre compositor, con al menos un estreno dedicada al 'rey del Vals' cada semana de 2025, de diez géneros diferentes en diversos espacios, interiores y al aire libre, repartidos en todos los 23 distritos de la capital.Grandes orquestas y artistas contemporáneos actúan en estos espectáculos, algunos de los cuales tienen insólitos escenarios como el Cementerio Cuentral, la Fiesta de la Isla del Danubio o el propio cielo.El programa se completa con varias exposiciones dedicadas a la vida y obra el autor de la opereta 'El Murciélago', como un 'escape room' en el MuseumsQuartier de Viena y otras muestras en la antigua residencia del músico o en el Museo del Teatro en el Palacio Lobkowitz.Esas exhibiciones se suman a la permanente sobre la dinastía musical de los Strauss que ofrece la "House of Strauss". Situada en el Palacio Zögernitz, alberga la única sala de conciertos original que aún se conserva en el mundo, en la que actuaron las cuatro leyendas de la familia de compositores y directores de orquesta: Johann Strauss padre y sus tres hijos, Eduard, Josef y Johann.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El público podrá disfrutar de las adaptaciones de tres obras icónicas: Crimen y castigo de Fiódor Dostoyevski, La gaviota de Antón Chéjov y El inspector de Nikolái Gógol. Todas las versiones han sido adaptadas por el director Ricardo Camacho y prometen una experiencia teatral inolvidable.La temporada se llevará a cabo de jueves a sábado en la sede centro del Teatro Libre (Calle 12B N.º 2-44, Bogotá), con funciones los jueves y viernes a las 8:00 p. m., y los sábados en doble jornada a las 5:00 p. m. y 8:00 p. m. "Crimen y castigo": un viaje al abismo de la moralEsta obra, una de las más emblemáticas de Dostoyevski, narra la historia de Raskolnikov, un joven estudiante que asesina a una usurera con la intención de justificar el crimen como un acto necesario. La adaptación pone el foco en tres personajes clave: el atormentado Raskolnikov, la noble Sonia, y el perspicaz inspector que sigue sus pasos. Una exploración profunda de los dilemas éticos, religiosos y sociales que desafían los límites de la conciencia humana.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí. "La gaviota": el drama del amor y el arteEn esta obra de Chéjov, los sueños, las frustraciones y los enredos amorosos de los protagonistas se entrelazan en un contexto marcado por la decadencia y los cambios de la Rusia prerrevolucionaria. Los conflictos entre Irina Arkádina, actriz consagrada; Nina, una joven con aspiraciones artísticas; Konstantin, dramaturgo en ciernes; y Trigorin, un escritor de renombre, forman el núcleo de una historia donde el amor y el arte se entrecruzan con la ironía y la sutileza típicas de Chéjov. "El inspector": una sátira atemporalEscrita por Gógol en 1836, esta comedia satírica relata el revuelo en una pequeña ciudad ante la llegada de un supuesto inspector del gobierno. Los funcionarios, presos del miedo, se apresuran a sobornar y adular al visitante, mientras exponen sus propias corrupciones y mezquindades. Aunque inicialmente polémica, la obra se ha consolidado como un clásico universal por su aguda crítica a las estructuras de poder.La temporada contará con el talento de los actores de la Compañía del Teatro Libre, que darán vida a estos personajes complejos y universales. Para más información sobre boletería y horarios, visite la página oficial del Teatro Libre.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Galaktiónova fue designada directora del Museo de Bellas Artes Pushkin”, indicó el Museo de Bellas Artes Pushkinen en un comunicado publicado el día de hoy. La nueva directora, graduada de la Academia de Pintura Glazunov de Moscú y de la Academia de Arte Teatral de Rusia, encabezó entre 2009 y 2021 los estudios cinematográficos Galáktica y organizó un gran número de exposiciones de gran envergadura en el museo ROSIZO. Su designación, también anunciada en Telegram por la ministra de Cultura de Rusia, Olga Liubímova, pone fin a la breve estancia del Lijachova, quien asumió el cargo hace apenas dos años, tras la dimisión de su antecesora, Marina Loshak, que condenó la guerra en Ucrania. Aunque oficialmente no se explica la remoción de Lijachova, varios medios la vinculan a su crítica al cierre temporal del museo de la historia del GULAG en noviembre pasado, con la excusa de que infringía las medidas antiicendios, y su activo rechazo a la entrega del célebre ícono de la Trinidad, de Andréi Rubliov, a la Iglesia Ortodoxa rusa. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El museo de la historia del GULAG, que recibió en 2021 un premio del Consejo de Europa, entre otros motivos por mantener viva la memoria de las represiones estalinistas, era una de las últimas instituciones independientes vinculadas con la sociedad civil que aún operan en este país.A su vez, el destino de la Trinidad de Rubliov, atesorada por la Galería Tretiakov y reclamada por la Iglesia, fue objeto de acaloradas polémicas en al ámbito cultural, hasta que las autoridades religiosas hicieron valer su influencia en el Kremlin y ganaron la batalla por su custodia. En aquella ocasión Lijachova alertó que el ícono, un importante símbolo del patrimonio cultural ruso, “podría perderse o caerse en pedazos” si no recibía el tratamiento y la conservación museológicas adecuadas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La que fuera esposa del famoso actor y director fallecido en 1989, será recordada, entre otras muchas cosas, por interpretaciones en cintas como 'Las crónicas de Spiderwick' (2008), 'Daniel el travieso' (1993) o 'Enchanted April' (1991)Su actuación en 'Stalin' (1992) le reportó un Globo de Oro a mejor actriz de reparto y en 'Enchanted April' también recibió una nominación.Plowright, que también obtuvo un papel protagonista en 'Love You To Death', junto con River Phoenix, destacó en los escenarios teatrales del West End londinense y el neoyorquino Broadway antes de alcanzar un éxito más internacional.Según reveló hoy su familia en un comunicado, la actriz "falleció en paz el 16 de enero rodeada de sus familiares en Denville Hall (residencia para artistas) a la gloriosa edad de 95 años".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Su brillante carrera será recordada por muchos, y su maravilloso ser siempre será celebrado por sus hijos, Richard, Tamsin y Julie-Kate, sus familias y los muchos amigos de Joan", apuntó la nota.La boda de Plowright con 'lord' Olivier en 1961 fue la sensación del año y su matrimonio duró hasta el fallecimiento del actor en 1989 con 82 años.Anteriormente, estuvo casada con Roger Leonard Gage (desde 1953 a 1960).🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El calendario chino, con su intrincada danza de ciclos y animales sagrados, nos conduce en 2025 al año de la Serpiente. Este animal, el sexto del zodíaco chino, está envuelto en un simbolismo complejo que se extiende más allá de su asociación con la astucia o la astucia simplista que suele asignársele. En el contexto de las tradiciones chinas y más allá, la serpiente emerge como una figura profundamente ambigua: un puente entre los mundos terrenales y espirituales, un emblema de renovación, y un recordatorio del poder latente en lo desconocido.La Serpiente en el zodíaco chinoEl ciclo de doce años del calendario chino está basado en el sistema de ramas terrestres y troncos celestiales, que combinan elementos (madera, fuego, tierra, metal, agua) con los animales simbólicos. El año de la Serpiente, como corresponde en 2025 al elemento madera, se configura como un periodo de introspección, crecimiento y adaptabilidad. Las personas nacidas bajo este signo son consideradas pensadores profundos, que poseen una habilidad innata para percibir lo que subyace bajo la superficie de las cosas. La madera, además, enfatiza el desarrollo, las raíces y la conexión con la naturaleza.En la tradición china, la serpiente simboliza sabiduría y misterio. Lejos de la visión judeocristiana de la serpiente como tentadora, aquí se la respeta como una presencia intuitiva, capaz de iluminar los secretos del cosmos. Su energía se asocia con la elegancia y la discreción; su movimiento sinuoso, casi hipnótico, es una metáfora de la capacidad de adaptarse a los cambios inevitables de la vida.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Simbología de la serpiente: Un viaje a través de culturasLa serpiente como figura mitológicaEn muchas culturas, la serpiente ocupa un lugar prominente como símbolo de transformación. En la India, la figura del nāga, una deidad serpentina, se asocia tanto con la fertilidad como con la protección y la sabiduría. Los nāgas habitan en ríos y lagos, y su capacidad para deslizarse entre los mundos los convierte en mediadores entre lo humano y lo divino. De manera similar, en la mitología mesoamericana, la Serpiente Emplumada, conocida como Quetzalcóatl, encarna el conocimiento, el aliento vital y la renovación cíclica.En la tradición griega, encontramos a Asclepio, el dios de la medicina, cuya vara está entrelazada con una serpiente. Este ícono, que pervive en el caduceo usado por profesionales de la salud, subraya la relación entre la serpiente y la sanación. Aquí, la muda de piel del reptil simboliza el poder de la regeneración y el renacimiento.La serpiente en la Biblia y la narrativa cristianaSi bien el relato bíblico de la serpiente en el Jardín del Edén ha influido en su asociación negativa en Occidente, la tradición también incluye perspectivas matizadas. En el Éxodo, el bastón de Moisés, transformado en serpiente, es un instrumento de poder divino. Este contraste revela la dualidad inherente al símbolo: destructiva y redentora, peligrosa y protectora.La serpiente en el arte y el cineEl arte occidental ha jugado con la ambigüedad de la serpiente a lo largo de los siglos. En la obra de Gustav Klimt, "La medicina" (1901), una serpiente entrelazada con el cuerpo humano simboliza tanto el conocimiento como la mortalidad. Klimt captura la tensión entre lo sensual y lo espiritual que caracteriza a este reptil.En el cine, la serpiente se convierte en un personaje metafórico y literal. Pensemos en "El abrazo de la serpiente" (2015), dirigida por Ciro Guerra. Esta película colombiana narra el encuentro entre un chamán amazónico y dos exploradores occidentales, utilizando a la serpiente como metáfora de la sabiduría ancestral y la alienación cultural. La serpiente, en este caso, no está presente físicamente, pero impregna la narrativa con su simbología.En un registro distinto, "Kill Bill Vol. 2" (2004) de Quentin Tarantino presenta la "Mamba Negra" como una figura literal y simbólica de letalidad y astucia. El veneno de la mamba, una de las serpientes más mortíferas del mundo, refleja la naturaleza implacable de los personajes y sus motivaciones.Conexión moderna y espiritualEn la actualidad, la serpiente también es un emblema en la espiritualidad contemporánea. El concepto hindú de la energía Kundalini describe una fuerza serpentina enroscada en la base de la columna vertebral, que asciende a través de los chakras para alcanzar la iluminación. Este proceso alude al potencial dormido dentro de cada ser humano y la transformación que ocurre cuando se libera.En 2025, como año de la Serpiente, este simbolismo invita a una reflexión sobre los ciclos de cambio, el poder de la adaptación y la sabiduría que emerge al enfrentar lo desconocido. La serpiente, como guía y maestra, nos desafía a mirar más allá de las apariencias y a abrazar la ambigüedad como fuente de revelación.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Art Spiegelman, el autor del premiado cómic Maus, está trabajando en una nueva novela gráfica sobre el conflicto palestino-israelí y el genocidio en Gaza junto al escritor Joe Sacco quien lleva investigando este tema delde 1993. En noviembre de 2024 Spiegeman estuvo en la presentación del documental Art Spiegelman: Disaster is My Muse! sobre su vida y obra, realizado por Molly Bernstein y Philip Dolin, en este evento comentó acerca de este nuevo proyecto. “Terminaré esto o moriré en el intento. Nunca he tenido una lucha mayor dentro de mi cabeza”, anunció, añadió también que “mi superego dice: 'Tienes que hacerlo si quieres vivir contigo mismo', pero mi yo interior se cuestiona: '¿Quién quiere el dolor de ser cancelado por todo el planeta?'”.El artista ganó el Premio Pulitzer por Maus en el año 1992 y se ha convertido en un referente del periodismo investigativo llevado a la novela gráfica. Su obra estrella cuenta la historia de su padre judío polaco Vladek Spiegelman, quien sobrevivió al campo de concentración de Auschwitz-Birkenau.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Maus es la historia del Holocausto llevada al cómic con personjes animales, los judíos son ratones y los nazis son gatos. El cómic está contado en dos tiempos, el pasado y el presente con su protagonista envejecido y cargado de los traumas que deja la guerra. Por otro lado el artista Joe Sacco es conocido por sus trabajos de novela gráfica basados en la guerra en Bosnia en 1990 y sobre su investigación acerca de la situación en Gaza, desde enero de 2024 publica sus reportajes gráficos en The Comics Journal y su libro La guerra en Gaza fue publicado por la editorial Reservoir Books.El documental sobre la vida de Art Spiegelman se estrenará este 2025 a nivel mundial. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El gran compositor Ludwig van Beethoven (1770-1827) atravesó dificultades económicas durante toda su vida. Hoy probablemente habría sido un hombre muy rico: sólo los derechos de autor de su Novena Sinfonía, que, en su estreno, hace 200 años, parecía el acto de locura de un compositor sordo, lo habrían convertido en uno de los músicos más ricos del mundo.Sólo el final, conocido como la "Oda a la Alegría", habría bastado. Incluso sólo la melodía sin letra: al fin y al cabo, esos 50 compases de música han servido como himno de la Unión Europea, una unión de 27 estados con casi 450 millones de habitantes, desde 1972. Eso sí: sin letra de Friedrich Schiller - la música de Beethoven resuena en el Parlamento Europeo como una especie de "canción sin palabras". Pero, ¿por qué los europeos de la posguerra eligieron a Beethoven?¿Por qué Beethoven?Su génesis se remonta a más de medio siglo. A finales de los años 60, el Consejo de Europa se propuso encontrar un símbolo musical para una Europa que crecía unida."Sabemos que ya antes de la Comunidad Europea existía un movimiento paneuropeo en el que la música de Beethoven se interpretaba una y otra vez", explica Malte Boecker, director de la Casa de Beethoven, en Bonn. La obra de Beethoven encabezaba la lista de finalistas. Pero no salió elegida sin discusión: "Ya había alternativas a Beethoven que se consideraron seriamente", dice Malte Boecker.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Rápidamente se acordó que no se podía elegir una composición contemporánea, por lo cual se descartó la idea de un concurso, y se recurrió a los "viejos maestros". El compositor George Frideric Handel, nacido en Halle pero londinense por adopción, y el compositor francés Marc-Antoine Charpentier fueron algunos de los otros candidatos."Un himno sin palabras"Sin embargo, en 1972 se eligió a Beethoven para el himno: "Beethoven se asocia con una personalidad europea. Y con su obra, algo que está por encima de una perspectiva puramente nacional", analiza las razones Malte Boecker.Según Boecker, la Sinfonía nº 9 es "la esencia de la música utópica. Música que formula una visión tras la cual muchos pueden unirse". En 1985, la versión instrumental fue adoptada por los jefes de Estado y de Gobierno de la Comunidad Europea como himno oficial de la UE. No sustituye a los himnos nacionales de los Estados miembros, pero es una expresión de los valores -libertad, paz y solidaridad- que comparten todos los miembros y una expresión del lema europeo "Unidos en la diversidad".Karajan como controvertido coautorPero un himno no nace simplemente omitiendo el texto. El majestuoso cuarto movimiento de la Novena Sinfonía dura unos 25 minutos, demasiado para los actos oficiales. El maestro Herbert von Karajan, afamado director de orquesta, se encargó de los arreglos de la música de Beethoven para las ceremonias de Estado. El director titular de la Orquesta Filarmónica de Berlín era una de las figuras centrales de la música mundial, y era apodado el "director Musical de Europa". Eligió los compases 140 a 187 y los arregló para instrumentos de viento.En algún momento, la mención del nombre de Karajan desapareció de la web oficial de la UE. Quizá la UE quería distanciarse de Karajan, cuyo pasado nazi salía cada vez más a la luz. En cualquier caso, se encargaron más arreglos, incluido uno del compositor francés Christian Guyard.Beethoven como europeoQueda la pregunta: ¿qué habría dicho Ludwig van Beethoven sobre la idea europea, sobre su "Novena" como himno de una Europa unida?"Beethoven creció en una época en la que había comenzado la era burguesa", analiza Malte Boecker. "Fue uno de los padres fundadores del movimiento burgués emancipador. En esta época, habría sido un europeo convencido, ¡sin duda!". Y seguramente, el compositor tampoco les habría dicho que no a sus derechos de autor.No olvides conectarte con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Misa en do mayor de Beethoven vio la luz en 1807 como resultado de un encargo del príncipe Nikolaus Esterhazy II, el cuarto y último de los patronos de Haydn pertenecientes a esta eminente familia, que seguro ya han escuchado en episodios anteriores. El príncipe quería que se cantase una misa todos los años en la onomástica de su esposa. A la celebración de éstas, que tenían lugar en Eisenstadt, ciudad de Austria, debemos las obras más importantes de Haydn en este género, así como varias de Johann Nepomuk Hummel, quien estuvo al servicio de los Esterhazy a partir de 1804.La Misa de Beethoven pertenece, por tanto, al período más prodigioso de la creatividad del compositor. Otras obras compuestas en esta época son el Cuarto concierto para piano y la Quinta y sexta Sinfonías, interpretadas todas ellas, junto con partes de la Misa, en la famosa Akademie o concierto benéfico de Beethoven del 22 de diciembre de 1808.Beethoven no había escrito ninguna Misa anteriormente y resulta interesante el hecho de que no hiciera ningún esfuerzo para igualar la grandeza “sinfónica” de las últimas Misas de Haydn. Por el contrario, reflexionó sobre la composición litúrgica y consiguió un estilo que, al menos en cierto sentido, era más sencillo, humilde y espiritual que el modelo vienés habitual. “Creo que he tratado el texto de un modo en el que raramente ha sido tratado”, escribió Beethoven.Esta Misa impresiona como una obra inusitadamente apacible, al menos en el mundo de la Quinta Sinfonía, la Obertura Coriolano y las vigorosas sonatas y cuartetos de cuerda de la época media. Luego de conocer sinfonías, historias, piezas y personajes en más de diez capítulos, con esta obra termina nuestro recorrido por El tiempo de Beethoven, pero no termina ahí. La celebración de los 250 años de este genio musical se extiende y junto a la Embajada de Alemania, seguiremos indagando por la vida de Beethoven, su huella en la historia y la importancia de su legado que nos negamos a dejar morir.
Para dar un vistazo a la vida y obra de Giovanni Battista Sammartini, nos apoyaremos en las notas de la musicóloga Anna Cattoretti, estudiosa de los grandes maestros italianos.Dice Anna Cattoretti:"En el proceso compositivo de Giovanni Battista Sammartini se refleja plenamente en la importante evolución estilística que se produjo en el curso del siglo XVIII en Europa: del estilo barroco galante hasta los primeros ejemplos del estilo clásico.Su vida transcurrió íntegramente en Milán y si, como parece, no traspasó las fronteras de Lombardía, a cambio fue su música la que viajó y conquistó Europa. Fue organista y maestro de capilla en numerosas iglesias y congregaciones de Milán, maestro de música en algunos conventos de monjas, en prestigiosos colegios de la ciudad, en familias nobles y en el séquito de la archiduquesa Beatriz. Hombre de cultura y de amplios intereses, miembro de la Accademia dei Trasformati, que reunía a intelectuales y hombres de letras, y muy probablemente amigo del poeta Giuseppe Parini, Sammartini fue en definitiva una figura de referencia universal en Milán".Los gobernantes de Austria nunca dejaron de confiarle tareas importantes a Giovanni Battista Sammartini, y no sólo con motivo de celebraciones oficiales. Una iniciativa de gran importancia fue, por ejemplo, la puesta en escena de conciertos públicos, con interpretaciones de sinfonías compuestas y dirigidas en gran parte por Sammartini, que el gobernador Conte Pallavicini promovió durante algunos años en Milán, a partir de 1749, en la "explanada del Castillo Real". Sabemos que estos conciertos, al menos tres veces por semana, eran seguidos con entusiasmo por todos los ciudadanos, hasta el punto de que en una ocasión incitaron al Gobernador (era el 7 de septiembre de 1752) a decirle al Arzobispo "puedes terminar la función [religiosa] a tiempo para que la nobleza y la riqueza del pueblo disfruten del entretenimiento de tan noble sinfonía?".Naturalmente encontramos a Giovanni Battista Sammartini entre los promotores de la Academia Filarmónica, fundada en 1758 a instancias de un grupo de "aficionados" y que entre sus objetivos estaba constituir una orquesta válida y preparada para la interpretación de repertorio sinfónico. 💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEntre los compromisos que involucraron a Sammartini más allá de las fronteras de Milán, cabe recordar al menos su contrato de dos sinfonías al mes para enviarlas a Viena, a la corte del príncipe Esterhazy. Pero crónicas, reportajes de actuaciones aparecidas en los periódicos de la época y testimonios demuestran cómo su música (no él) llegó rápidamente a las capitales de la música: París, Viena, Londres y también Alemania, Suecia, Holanda.Continúa la experta Anna Cattoretti: "La escritura de Giovanni Battista Sammartini parece muy sencilla sobre el papel y su encanto se revela enteramente en la ejecución. Sammartini nos da sorpresas, en elaboraciones temáticas, intercambios de material y roles entre todas las herramientas con el desafío continuo de quienes saben combinar economía sublime y gran efectividad. La forma es muy clara, aunque no esté cerrada en patrones ni organizada en períodos regulares. El discurso es fluido, tornándose amable en los retornos temáticos y al mismo tiempo ingenioso en ocurrencias nunca demasiado descaradamente subrayadas, como en el uso de tomas falsas que inesperadamente abren el discurso hacia nuevos horizontes. Muy delicada o chispeante, pero en cualquier caso llena de tensión y expresividad, la línea melódica que, especialmente en los movimientos centrales (por ejemplo, en el Largo del Quinteto nº 3) alcanza cimas de rara belleza".Podrá escuchar obras maravillosas de Giovanni Battista Sammartini en la nueva edición de El Músico de la semana el lunes 13 de enero a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
"El arte siempre ha sido como una isla en momentos de crisis", afirma Saioa Hernández, consciente del valor de la cultura en las agitadas aguas del mundo y de la historia."Es un rol que me ha dado mucho en mi carrera y que siempre ha supuesto algún hito especial. Y este será otro más", augura la artista durante una pausa de su apretada agenda de ensayos.La fiesta de Floria ToscaEl Teatro Costanzi vivirá este martes una noche de celebración conmemorando el 125 aniversario del estreno de la ópera más romana de Puccini y una de las piezas más adoradas por el público: la 'Tosca', inaugurada el 14 de enero del lejano 1900.La cita, que contará con la presencia del presidente de la República, Sergio Mattarella, sigue al centenario de la muerte del compositor.La idea no es solo celebrar el estreno de esta obra maestra, sino también recordarlo: se replicarán la escenografía y el vestuario utilizados entonces, con un atento trabajo de reconstrucción gracias a los bocetos conservados en los archivos.'Tosca' es el nombre de una mujer capaz de ofrecer hasta su propio cuerpo al poder más despiadado con tal de salvar a su amado Mario Caravadossi, encerrado en las mazmorras del Castel Sant'Angelo, victima de una Roma ensombrecida por la represión y violencia.Una tragedia que Saioa Hernández conoce sobradamente tras haberla interpretado en los teatros más importantes del mundo, aunque admite que cantarla siempre impone, máxime en esta cita "especial".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíUn reto conocido"Siempre es un desafío porque es una partitura muy complicada. Al final todos la conocemos, el público la conoce al dedillo y quiere ver esa 'Tosca'. También es un reto vocalmente porque, aunque la hayas cantado mucho, siempre hay algo que añadir porque como artista vas madurando", confiesa.La obra ha sido interpretada por toda diva que se precie, desde María Callas a Montserrat Caballé o Renata Tebaldi, pero Hernández prefiere ignorar el "peso de la comparación" porque, aunque aprenda de sus precursoras, ella tiene su propio estilo."En este momento de mi carrera tengo muy clara mi identidad. Me gusta mucho escuchar cantantes del pasado y del presente, estamos continuamente escuchándolas, pero no por eso comparando. Simplemente me enriquezco con lo que tengo alrededor para crecer", alega la soprano, la primera española en abrir, en 2019, la temporada de la prestigiosa Scala de Milán.En definitiva, no hay vértigo que valga porque los artistas "tienen el deber" de "beber" de sus antecesores... pero también el público tiene que evolucionar, subraya."El arte, como todo, se renueva, crece, y el público que ha que ha escuchado cantantes de otra época tiene que crecer también con la ópera, no podemos quedarnos en lo pasado", zanja, parafraseando el certero consejo de un amigo: "El teatro no es un museo".La belleza sobre la crueldadLa obra de Puccini brinda también una reflexión social: por un lado dibuja una Roma despótica, con ecos de guerras e invasiones, pero entre sus tinieblas deslumbra el amor. Y 125 años después, el mundo sigue envuelto en crisis, por lo que Hernández cree que la cultura puede ser un bálsamo para las almas contemporáneas."El arte siempre ha sido como una isla en medio de guerras, del dolor o de momentos de crisis. Creo que para todos lo es. Hay mucha gente que habla de cómo la música les salvó, de cómo el arte o la lectura ha marcado sus vidas", sostiene.Así, piensa en los artistas como "un mundo aparte", artífices de belleza capaces e aliviar los desvelos del público. Ella misma lo comprobó recientemente en Barcelona cuando, al terminar una función, recibió el agradecimiento de algunos valencianos aún conmocionados por las inundaciones."Me siento súper afortunada de poder dar ese poco de paz dentro de algo tan terrible", reconoce. Por eso las arias de la 'Tosca', como 'Vissi d'arte', 'E lucevan le stelle' o su preferida, la romanza inicial 'Recondita armonia', serán retransmitidas en directo por la radio pública italiana y proyectadas en hospitales e centros de Caritas.No obstante, Hernández avisa de que, para que la cultura siga enriqueciendo, debe ser protegida. "Por desgracia en este momento está más dejada de lado que nunca por quienes deberían cuidarla", reclama. ¿Cómo? No solo invirtiendo en ella, sino fomentándola desde las escuelas y entre el público más joven, mostrando, por ejemplo, la magia que se esconde entre las bambalinas de la ópera, receta.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La ópera romántica Fausto de Louis Spohr se estrenó en 1816. Otras óperas tienen la música de Hector Berlioz ‘La condenación de Fausto’; Charles Gounod ‘Fausto’, más conocido en Alemania por su nombre posterior ‘Margarethe’; Arrigo Boito escribió ‘Mefistófele’ y Ferruccio Busoni ‘Doctor Fausto’. Además de Schumann el material se utilizó en otros géneros musicales. Richard Wagner ‘Obertura de Fausto’, Franz Liszt ‘Sinfonía de Fausto’ en tres imágenes de personajes, Gustav Mahler (en su Octava Sinfonía) o Lili Boulanger (Cantata Fausto y Hélène).La mayoría de los escenarios de Goethe se concentran en la primera parte de la tragedia, que tiene una trama más clara y, en la tragedia de Gretchen, que tiene un tema especialmente adecuado para la ópera. La segunda parte, sin embargo, recibió poca atención durante mucho tiempo; es mucho más difícil de entender y el poeta anciano lo vio más como una obra metafísica. Robert Schumann fue el primero en poner música a partes de esta segunda parte.Robert Schumann admiraba profundamente la obra maestra de Goethe y durante mucho tiempo no se atrevió a ponerle música, pues… “A menudo temí la acusación: '¿Por qué música para una poesía tan perfecta?'; por otro lado, desde que conocí esta escena, sentí que la música podía darle mayor efecto”, escribió sobre la segunda parte de Fausto, a Franz BrendelEscenas del Fausto de Goethe no es una ópera, pero tampoco encaja en la concepción convencional del oratorio. Además, la selección de los fragmentos que llevó a cabo Schumann para su adaptación refleja su profundamente personal forma de entender el drama. La música se caracteriza por un estilo declamatorio melódico que ya había empleado en El paraíso y la peri. No hay arias concebidas a la manera tradicional para los personajes de Fausto y Gretchen.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La obertura que abre Escenas del Fausto de Goethe es larga y presenta un carácter tenso y tempestuoso en todo momento, con pasajes líricos fugaces. La música de Schumann, además de crear una introducción dramática y electrizante, también plasma estas historias pasando de lo relativamente mundano a lo filosófico y lo místico. Sugiere la lucha entre el bien y el mal en el corazón de la obra de Goethe, así como la tumultuosa búsqueda de Fausto de la iluminación y la paz.La primera de las tres secciones describe el pacto con el diablo y la historia de la seducción de Gretchen que concluye con la escena de la iglesia.La segunda sección aborda la muerte y redención de Fausto. Muestra la lucha filosófica de Fausto por encontrar un sentido ante las cuatro mujeres grises: Necesidad, Culpa, Preocupación y Pena, y finaliza con la muerte de Fausto.La tercera y última parte de esta obra es la transfiguración de Fausto. Las escenas finales, que llevan a la obra a su plácida pero inquietante conclusión, contienen algunas de las composiciones corales más brillantes de Schumann, especialmente los majestuosos pasajes iniciales del chorus mysticus.La interpretación que escuchamos estuvo a cargo de: Bryn Terfel, Karita Mattila, Jan-Hendrik Rootering, Barbara Bonney, Endrik Wottrich, Iris Vermillion, Brigitte Poschner-Klebel, Susan Graham, Hans-Peter Blochwitz, Harry Peeters, el Coro de Cámara ‘Eric Ericson’ el Coro de la Radio Sueca, el Coro de Niños Tölzer y la Orquesta Filarmónica de Berlín bajo la dirección de Claudio Abbado.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 12 de enero a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La joven cantante, de 26 años, fue elegida por un panel de más de 180 artistas y expertos entre los que se encuentran Elton John, Dua Lipa o Sam Smith, gracias a su "colorido estilo de synth-pop con influencias de los años 80", explicó la emisora."Nadie merece este galardón más que Chappell Roan. Fue la artista más interesante de los últimos 12 meses y ahora se convertirá en la artista de los próximos 12 meses", dijo Jack Sounders, presentador del programa 'New Music' de la emisora británica.Chapell Roan, nombre artístico de Kayleigh Amstutz (Willard, Missouri, 1998), firmó su primer contrato discográfico en 2017, con 19 años, basado en el single 'Die young', que había subido previamente a Youtube.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíPero el tema que la catapultó fue 'Pink Pony Club', en 2023, mismo año que publicó su primer álbum, 'The Rise And Fall Of A Midwest Princess', un éxito que tardó en cuajar, pero que se convirtió en un 'hit' en el Festival de Coachella de California en el pasado abril, donde la artista se volvió viral al pronunciar la frase "soy la artista favorita de tu artista favorito".La lista de los cinco 'Sonidos de 2025' para la BBC la completan el quinteto de jazz británico Ezra Collective, el dj escocés Barry Can't Swim, el cantante inglés Myles Smith y la banda de Leeds English Teacher.Entre los anteriores ganadores de este prestigioso galardón se encuentran Adele, Ellie Goulding o el rapero 50 Cent.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Leo Dan, uno de los grandes referentes de la música romántica latinoamericana, ha dejado una huella imborrable en el corazón de millones de seguidores.Con su estilo único y una voz cargada de sentimiento, este cantautor argentino logró conquistar a varias generaciones desde los años 60 hasta la actualidad. En este artículo repasaremos cinco de sus canciones más emblemáticas, verdaderos clásicos que han resistido el paso del tiempo."Como te extraño, mi amor"Esta balada se ha convertido en un himno para quienes atraviesan la nostalgia de un amor ausente. Con una melancólica melodía y una letra directa al corazón, Leo Dan logra transmitir el dolor de la ausencia y el deseo de reencuentro. Es una de esas canciones que nunca pasa de moda y sigue siendo interpretada por artistas contemporáneos."Esa pared"Con Esa pared, Leo Dan se consolidó como un maestro de la música romántica. La canción describe el anhelo de superar las barreras que separan a dos enamorados. La emotividad de su interpretación y la universalidad del mensaje hacen de este tema una de sus obras más recordadas.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí"Te he prometido"Popularizada también por su aparición en la película Roma de Alfonso Cuarón, Te he prometido es una canción que encapsula la desilusión amorosa. Su letra, cargada de resignación y esperanza, junto a una melancólica melodía, la convierte en un clásico que sigue emocionando a las nuevas generaciones."Celia"Este tema muestra el lado más alegre y pegajoso de Leo Dan. Celia es una canción que mezcla ritmos más movidos y festivos, sin perder el toque romántico que caracteriza al cantautor. Su frescura y su letra sencilla han hecho que esta canción permanezca en el repertorio popular."Mary es mi amor"Con Mary es mi amor, Leo Dan nos regala una de las declaraciones de amor más tiernas y sinceras de su carrera. La canción captura la esencia del enamoramiento y ha sido adoptada como banda sonora de innumerables historias de amor a lo largo de los años.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
Leopoldo Dante Tévez, conocido en el mundo como Leo Dan, le escribió y le cantó al amor por más de seis décadas, sus canciones fueron escuchadas y dedicadas por toda Latinoamérica, España e incluso Estados Unidos. Este 2025 inició con la noticia de su fallecimiento a los 82 años.“Esta mañana nuestro amado Leo Dan dejó su cuerpo en paz y junto al amor de su familia. Así, volvió a la luz pura de su Padre Celestial, para guiarnos y cuidarnos desde el infinito”, inició el mensaje de despedida con el que se supo la noticia a través de sus redes sociales.Leo Dan nació el 22 de marzo de 1942 en Villa Atamisqui, Argentina y desde muy joven ligó su vida a la música, influenciado por la música folclórica de su región natal. A los 20 años, Leo Dan se trasladó a Buenos Aires, donde comenzó su carrera musical.Su talento no tardó en ser reconocido, y en 1963 lanzó su primer gran éxito, "Celia". Esta canción lo catapultó a la fama, convirtiéndolo en uno de los artistas más populares de la época. Su voz cálida y su estilo romántico captaron la atención del público, marcando el inicio de una carrera que lo consolidaría como una leyenda de la música latina.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíCon el éxito de canciones como "Cómo te extraño mi amor", "Te he prometido", "Fanny", "Yo sé que no es feliz" y "Esa pared", Leo Dan logró conquistar no solo Argentina, sino también otros países de América Latina, España y Estados Unidos. En la década de 1970, decidió radicarse en México, un mercado clave para su carrera. Su música, que combinaba elementos del pop, la balada, el bolero y la ranchera, le permitió conectar con un público diverso.En los años ochenta regresó a Argentina junto a su familia y en los últimos años de su vida estuvo radicado en Miami, Estados Unidos, desde donde seguía componiendo canciones.Leo Dan grabó canciones en varios idiomas, incluyendo italiano, portugués y japonés. Además, escribió canciones que fueron interpretadas por otros grandes artistas, como José José y Vicente Fernández, gracias a su versatilidad para llevar su música a ritmos como la balada, ranchera y el folclore argentino.En sus haberes de éxito y reconocimientos hay más de mil quinientas composiciones y cuarenta millones de discos vendidos.“El día de hoy, 1ero de enero del 2025, invitamos a todos los que formaron parte de su historia y que fueron tocados por su legado, a celebrar su amor, su música y su vida. Con mucha paz en el corazón, recordamos y sentimos su profundo amor… por siempre”, se lee también en el mensaje de despedida en las redes sociales del artista que justo hace un año, en enero de 2024, había anunciado su retiro de los escenarios. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Leo Dan (@leodanoficial)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En la víspera de 1963, un tema musical que nacía con la modesta intención de completar un álbum de estudio terminó cobrando una vida propia, convirtiéndose en uno de los símbolos más reconocidos de la música navideña de Latinoamérica. “Faltan cinco pa’ las doce” no solo marcó el cierre de un año, sino que se instaló en el alma colectiva de generaciones, trascendiendo fronteras y haciéndose eco en los hogares de Venezuela, Colombia, y más allá. Esta es la historia de cómo una canción se transformó en un himno que todavía resuena en la celebración del fin de año. La génesis de un legadoEl origen de esta icónica melodía está marcado por la casualidad y el trabajo en equipo. El compositor venezolano Oswaldo Oropeza, conocido también por su trabajo en temas como “Mamá, ¿dónde están los juguetes?”, creó la pieza como parte de un disco de estudio, titulado El gallo pelón, lanzado bajo la producción de RCA Victor Venezuela. En ese entonces, Oropeza no pensaba en hacer historia, sino simplemente en completar un álbum con cerca de diez canciones. Sin embargo, el destino tenía otros planes.El tema, en apariencia sencillo, comenzó a ganar popularidad casi inmediatamente, apoderándose de las calles y el imaginario colectivo de Venezuela. El público local, con su capacidad para reconocer lo genuino, adoptó la canción como propio himno de Año Nuevo, un sello distintivo de los festejos, un himno de despedida para el viejo año y bienvenida para el nuevo. De un momento a otro, "Faltan cinco pa’ las doce" se convirtió en una pieza esencial de la tradición latinoamericana, en un patrimonio musical que no conoce fronteras.El legado de la familia y la tradiciónAunque no hay una versión oficial y puntual acerca del origen del tema, se sabe que la vena navideña de Oropeza tiene raíces profundas en su propia familia. Según algunos relatos, la Navidad y el fin de año siempre fueron momentos significativos en la vida del compositor. Crecer en una familia de seis hijos, con los festejos de fin de año como un capítulo aparte, habría sido la chispa que encendió el interés de Oropeza por crear una canción que reflejara esa celebración única, cargada de emociones agridulces, pero siempre festiva. De Venezuela a Colombia: la internacionalizaciónA pesar de que "Faltan cinco pa’ las doce" nació en Venezuela, fue el acordeonero colombiano Aníbal Velásquez quien, con su versión, logró darle una trascendencia internacional. Velásquez, conocido como El Mago del Acordeón, encontró la canción cuando Oropeza lo invitó a un hotel en Caracas. En palabras del propio Velásquez, el encuentro con la melodía fue un momento revelador. “La cosa está interesante”, recordó Aníbal, refiriéndose a la mezcla de letras melancólicas, música de arpas y un coro que tocaba fibras de tristeza, pero también emanaba un encanto único.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíCuando volvió a Barranquilla, Velásquez comenzó a trabajar en los arreglos musicales, manteniendo intacta la esencia de la letra, pero adaptando el acompañamiento a su estilo, más acorde con el sonido tropical que lo caracterizaba. Pasaron varios días de ajustes y experimentación, hasta que, finalmente, Velásquez encontró el enfoque musical adecuado. La colaboración con el director artístico de Discos Tropical, Genaro Fayud, le permitió grabar la versión definitiva en los estudios de Barranquilla. El himno que nunca deja de sonarUna vez lanzada, la versión de Velásquez de “Faltan cinco pa’ las doce” se propagó como un fuego en la víspera del 31 de diciembre. Desde su primer acorde, la canción logró capturar el espíritu festivo de la época y consolidarse como la pieza que marca el cierre de un ciclo y la esperanza en lo nuevo. No solo en Venezuela, sino en Colombia y más allá, la melodía se instaló en las fiestas y celebraciones, reforzando la conexión musical entre ambos países. A lo largo de los años, la canción ha sido interpretada por numerosos artistas, pero nunca ha perdido la esencia que la hizo inmortal. Un lazo de hermandad musicalEl viaje de “Faltan cinco pa’ las doce” desde su creación hasta su internacionalización es un testimonio del poder de la música para unir y trascender. La canción, que nació en Venezuela, encontró su eco en Colombia y se extendió a toda Latinoamérica. Más que una melodía, se convirtió en un punto de encuentro, una lengua común para toda una región que celebra el fin de año con la misma intensidad y alegría. La relación entre Venezuela y Colombia, reflejada en esta canción, es una de esas conexiones musicales que trascienden lo geográfico para convertirse en un patrimonio cultural compartido.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Desde esta ventana te puedo ver, ya casi estás aquí. Trátame bien por favor, porque tus predecesores han sido muy duros conmigo. Cuídame y ayúdame porque va a ser bajo tu manto cuando vuelva a lo que más he echado de menos en estos años robados. Este 2025 vuelvo a la MÚSICA", ha escrito Montero este lunes en su cuenta de la red social Instagram.Montero anunció en 2022 que tenía un nuevo disco en ciernes, una publicación que nunca se llegó a concretar, pues a finales de ese año Montero volvió a apartarse del foco público para cuidar su salud.Su reaparición musical se produjo este pasado verano como inesperada invitada en uno de los cuatro conciertos estelares con los que Karol G culminó su gira mundial en el estadio Santiago Bernabéu de Madrid.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLas reacciones positivas de medios y público a aquella actuación en la que ambas interpretaron la canción 'Rosas' del repertorio de La Oreja de Van Gogh iniciaron las especulaciones sobre el momento en el que Montero volvería a la actividad e, incluso, si volvería a cantar junto a su exbanda.Ella misma llegó a comentar que este tipo de comentarios le estaban empezando a afectar, especialmente tras la igualmente inesperada salida de quien fue su sucesora en La Oreja de Van Gogh, Leire Martínez, por motivos aún no aclarados.Martínez dijo el pasado octubre que abandonaba esta formación musical "después de mucho tiempo de reflexión y profundas conversaciones" en las que no se ha conseguido "acercar diferentes maneras de vivir el grupo".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
El 5 de enero de 1875, después de 14 años de obras dirigidas por el arquitecto Charles Garnier, la Ópera fue inaugurada con gran pompa por Mac Mahon, presidente de Francia. A la apertura del edificio, un encargo de Napoleón III que costó 36 millones de francos oro (343 millones de dólares al cambio actual), acudieron 2.000 invitados llegados de toda Europa, entre ellos algunos miembros de la realeza. "En el momento de su inauguración era el teatro de ópera más grande del mundo: 173 metros de largo y 125 metros de ancho", explicó el guía Jean Jacques Serres durante una visita. El guía también destacó que su escenario también era "el más grande", con sus 27 metros de profundidad, 48 metros de ancho (incluidas las bambalinas) y 60 metros de alto. "¡Tres veces el tamaño de un escenario de Broadway!", señaló.Su fachada, actualmente tapada por una lona debido a una reforma, impresiona por su opulencia, rica en materiales policromados, máscaras doradas, medallones y alegorías, y contrasta con la arquitectura del barón Haussmann."Los dos hombres no se llevaban bien. Haussmann había construido alrededor edificios un poco más altos de lo previsto. Garnier, enfadado, añadió algunos metros a su fachada", contó Serres. El interior también es majestuoso, con su monumental escalera y diversos tipos de mármol.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíMonumento históricoSi el edificio, clasificado como "monumento histórico" en 1923, es tan visitado cada año -un millón de personas en 2023-, se debe también a los frescos de colores vivos y los personajes flotantes cosidos al techo de la sala de espectáculos, firmados por Marc Chagall.El fresco, un homenaje a 14 compositores de óperas y ballets, fue un encargo del ministro de Cultura André Malraux en 1964, a quien no le gustaba del techo original, dañado, de Jules Eugène Lenepveu. Entre los palcos, el número 5 es especial. "Es el que Éric, el fantasma de la novela de Gaston Leroux", explica Serres.El autor de "El fantasma de la ópera" (1910) imaginó a este personaje que venía a escuchar a una soprano de la que se enamoró, siempre con una máscara, para que no se vieran las marcas que un accidente le dejó en la cara. Por su célebre escenario han pasado bailarines de la talla de la rusa Tamara Toumanova o del francés Patrick Dupond, y cantantes como Maria Callas y Fiódor Shaliapin.Escenario vacío durante dos añosEs precisamente en la "jaula" del escenario, el espacio que lo rodea por encima y por debajo, donde se realizarán, a partir del verano de 2027, unas obras de modernización de los equipos y de renovación que impedirán cualquier espectáculo durante dos años.En el quinto piso del sótano hay un enorme depósito utilizado por Garnier como contrapeso para estabilizar los cimientos del edificio. El agua era muy valiosa porque "el fuego representaba el principal enemigo de las salas de espectáculos", recuerda Serres. "Hoy en día el depósito sirve para que los bomberos entrenen en un medio cerrado", detalla.También se puede visitar la antigua sala de máquinas, con sus cabrestantes y cables. Antaño manipulados por trabajadores ayudados de contrapesos, servían para levantar o bajar cortinas y telas pintadas en trampantojo. Con el tiempo, fueron reemplazados por motores eléctricos.Desde allí se puede ver el primer sótano y su trampilla, que permitía a Giselle, la heroína del ballet, desaparecer, mientras que en una pared aparece la inscripción "refugio A". La Ópera sirvió de refugio "a la gente del barrio durante la Segunda Guerra Mundial", y una línea marca el nivel que alcanzó el agua durante la inundación del 31 de enero de 1910.Otro elemento notable es la escalera llamada "del elefante", por donde pasó un paquidermo prestado por un circo para una representación de "Las Indias Galantes" de Jean-Philippe Rameau. En los pisos superiores se encuentran los camerinos personales o colectivos de los 154 bailarines del ballet y, en la parte más alta, los cinco estudios de ensayo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
Constanze Geiger (1835-1890) es la hasta ahora poco conocida autora del 'Ferdinandus Waltz', un vals que compuso siendo adolescente y que Muti eligió no por ser obra de una mano femenina, sino por su valor artístico, según aseguró este sábado en una rueda de prensa en la capital austríaca.Música de calidad"Elegí la pieza por su calidad", subrayó el director de orquesta napolitano de 83 años al insistir que ni él ni los filarmónicos vieneses se guiaron por cuestiones de "política"."Solo para evitar cualquier malentendido: la elegí porque es buena música", insistió. Sea como sea, la pieza será la primera de una compositora que entra en el programa de este concierto, considerado el recital de música clásica más popular del mundo, después de 84 años en los que la Filarmónica de Viena interpretó cientos de obras distintas de compositores exclusivamente masculinos.Es por eso que el vals de la joven compositora será la principal novedad en la 85º edición del espectáculo, que como todos los años se televisará en directo a casi cien países desde la Sala Dorada del Musikverein de Viena.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíSegún Muti, la obra de Geiger es una "muy buena pieza", que refleja "mucha personalidad". Comienza con una introducción en 'vivace con fuoco' (vivaz con fuego), que está diciendo: 'Aquí estoy'", antes de pasar al vals con 'grazia gentile' (gracia gentil)", explicó el maestro."Aporta al programa un color muy propio", comentó también Daniel Froschauer, presidente de la orquesta, en la misma rueda de prensa.Geiger, que además de compositora fue pianista y actriz, mantenía cercanos lazos con la familia Strauss. El estreno mundial de su 'Ferinandus-Waltz' fue dirigido por Johann Strauss padre.200 años del 'Rey del Vals'Por otro lado, la Filarmónica de Viena inaugurará con este concierto el jubileo del 'Rey del Vals', Johann Strauss hijo, 'con ocho de sus piezas, además del famoso vals 'El Danubio azul', que como todos los años será una de las tres propinas del recital.Mientras que Austria se preparar para celebrar con numerosos eventos los 200 años del nacimiento del compositor que ya en su época fue una especie de estrella pop con fama mundial, sus composiciones y las de su familia son las más habituales en el conocido concierto del primero de enero.La música de la familia Strauss "expresa melancolía y alegría", una combinación que "no es nada fácil" de interpretar de forma óptima, requiere lograr "un equilibrio especial", explicó Muti, opinando que ambos estados de ánimo son parte esencial "de la personalidad de Viena".Mensaje musical de pazMuti expresó por otra parte su deseo de enviar al mundo un "mensaje de paz y belleza" a través de esta música."Esperamos enviar un barco lleno de belleza y amor sobre las olas del Danubio azul", dijo. "Armonía, belleza y paz" es lo que necesita el mundo actual, añadió. Según Muti, los políticos cometen "un error" cada vez que, al enfrentarse a situaciones económicas difíciles, lo primero que reducen son los presupuestos para la cultura."Nosotros, los músicos, lamentablemente somos sólo una pequeña parte del mundo. Lo que podemos contribuir a la paz, la belleza y la armonía es poco, pero muy importante. Necesitamos la música más que nunca porque es una medicina para el alma", afirmó el maestro."Podemos llevar un mensaje de paz desde Viena al mundo", insistió. El concierto se retransmitirá en directo a casi un centenar países a partir de las 10.15 GMT.Como en años anteriores, la versión televisada ofrecerá actuaciones del ballet de la Ópera de Viena como acompañamiento de algunas piezas del programa, coreografiadas por primera vez por la británica Cathy Marston.Además, en la pausa entre las dos partes del recital, se pasará un filme titulado "2025 - A Strauss Odyssey", en la que Thomas Strauss investiga en una nave espacial la obra y vida de su tatarabuelo, Johann Strauss hijo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Además de procesar a los cinco imputados por la muerte del excantante de One Direction, el Juzgado Criminal y Correccional 34 dictó prisión preventiva a dos de los procesados y los citó para que se presenten en 24 horas hábiles en la sede judicial, según informó el portal Infobae.Los dos procesados por el delito de suministro de estupefacientes a título oneroso con pedido de detención son el excamarero Braian Paiz, de 24 años, y el empleado del hotel en el barrio capitalino de Palermo donde falleció el cantante Ezequiel Pereyra, a quienes la Justicia embargó por 5 millones de pesos (500 mil dólares), según Infobae.Además fue procesado el empresario Roger Nores por el delito de homicidio culposo, a quien se le trabó un embargo por 50 millones de pesos (50 mil dólares) y se le prohibió salir del país, agregó el portal.Los otros dos procesados son la gerenta del hotel que estaba presente el día de la muerte de Payne, Gilda Martín, a quien también se le trabó embargo por 50 millones de pesos (50 mil dólares), y el encargado del lugar Esteban Grassi, indicó Infobae.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa investigación de la Fiscalía acreditó "al menos" cuatro suministros de estupefacientes de terceros y otras facilitaciones de consumos adictivos durante su alojamiento en el hotel donde falleció y que "en el lapso de al menos sus últimas 72 horas, Payne solo presentaba en su cuerpo rastros de un policonsumo de alcohol, cocaína y un antidepresivo recetado".La autopsia reveló que la muerte de Payne se produjo por “politraumatismos” y “una hemorragia interna y externa”, producto de la caída que sufrió desde el balcón de la habitación del tercer piso del hotel, descartando lesiones autolesivas o la intervención física de terceras personas y concluyó que no llegó a protegerse en la caída, por lo que infirió que "pudo haberse precipitado en un estado de semi o total inconsciencia".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Mili Balákirev nació en una familia aristocrática y recibió sus primeras lecciones de piano de su madre. A los diez años continuó los estudios de piano con Alexander Dubuque y Karl Eisrich. Trabajando como asistente de Eisrich, participó en eventos musicales con la orquesta privada del rico terrateniente Alexander Ulibishev y fue por esa época que hizo sus primeros intentos creativos, aunque solamente de tipo amateur.Cuando en 1853 llegó el momento de elegir una carrera, Mili Balákirev se matriculó como estudiante de matemáticas en la Universidad de Kazan. Durante ese periodo continuó enseñando piano e interpretando ocasionalmente, pero también siguió con su preparación como ingeniero.En 1855 Balákirev acompañó a su amigo y patrón Alexander Ulibishev a San Petersburgo, donde conoció, casi por casualidad, a Mikhail Glinka. Esto cambió el curso de su vida. Motivado por Glinka decidió dedicarse por completo a la música. Al año siguiente realizó su debut público como pianista y compositor estrenando su propio concierto para piano. Esto condujo a otras presentaciones y composiciones en los años posteriores.Hacia comienzos de la década de 1860, Balákirev ya contaba con varios artistas a su alrededor y promovía aquel ideal de Glinka sobre la creación de un idioma musical nacional distintivo e independiente, contrario a los estilos germanos preferidos por los hermanos Rubinstein.En 1863 Mili Balákirev comenzó a dirigir con regularidad en la recién inaugurada Escuela Libre de Música en San Petersburgo mostrando tanto su trabajo como el de sus alumnos. Balákirev encabezó entonces el grupo de compositores conocido como Los Cinco Rusos y que además integraban Mussorgsky, Borodin, Cui y Rimsky-Kórsakov.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíSegún una nota del pianista y biógrafo ruso Victor Ilytsc Serof (1902-1979), Mili Balákirev centró su mirada en una nueva escuela que Anton Rubinstein estaba organizando bajo el patrocinio de la gran duquesa Elena Pavlovna. No contento con criticar, creó su propia Escuela Libre de Música. Ambas escuelas ofrecieron conciertos sinfónicos públicos, pero mientras Rubinstein ofrecía programas de música clásica mayoritariamente alemana, los conciertos de Balákirev se convirtieron en un bastión de la música nacional rusa. Los músicos rusos quedaron así divididos en dos bandos: el grupo Rubinstein/Chaikovsky versus el grupo Balákirev.Cinco años más tarde, Rubinstein renunció tanto al Conservatorio como a la Sociedad Musical Rusa, y a Balákirev se le ofreció este último puesto. El grupo de Los Cinco Rusos vieron en su nombramiento su primera victoria, ya que Balákirev se convirtió prácticamente en director de todos los conciertos sinfónicos en San Petersburgo. Desafortunadamente, el trato despótico de Balákirev hacia la orquesta deterioró sus relaciones con la junta directiva. También tuvo enfrentamientos con la Gran Duquesa y dos años después de su nombramiento se vio obligado a dimitir.Mili Balákirev, como excelente pianista, siempre expresó su admiración por Chopin. En 1894 visitó Polonia, donde tocó su Sonata en Sí bemol menor.Al conseguir una pensión, aquel mismo año, se dedicó por completo a la composición, y pronto dejó de aparecer en público. Siguiendo el ejemplo de Chopin escribió numerosas mazurcas, valses, nocturnos y scherzos, una canción de cuna, y numerosas piezas cortas, de las que la más atractiva es Tyrolienne.Cuando se celebró el primer centenario de nacimiento de Chopin, en 1910, Mili Balákirev compuso su Suite Chopin para orquesta donde quedó manifiesta la gran admiración del músico ruso por el compositor polaco, sobre todo por las obras para piano de sus últimos doce años.Podrá escuchar obras maravillosas de Mili Blákirev en la nueva edición de El Músico de la semana el lunes 30 de diciembre a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
