La agrupación de música regional mexicana, Fuerza Regida, ha anunciado su gira "Esto No Es Un Tour" por América Latina. El recorrido incluirá presentaciones en México, Colombia, Costa Rica y Guatemala. La gira comenzará el 26 de abril en Monterrey, México, y concluirá el 19 de mayo en Ciudad de México.Las fechas y lugares confirmados son:26 de abril: Monterrey, México27 de abril: Guadalajara, México28 de abril: Ciudad de México, México3 de mayo: Bogotá, Colombia4 de mayo: Medellín, Colombia10 de mayo: San José, Costa Rica11 de mayo: Ciudad de Guatemala, Guatemala17 de mayo: Puebla, México18 de mayo: Querétaro, México19 de mayo: Ciudad de México, MéxicoLos boletos estarán disponibles para la venta a partir del 24 de febrero a través de los canales oficiales de la banda y las plataformas de venta de entradas autorizadas.Fuerza Regida es conocida por su estilo único que fusiona corridos tradicionales con elementos de trap y hip-hop, lo que les ha permitido ganar una amplia base de seguidores en todo el mundo. Esta gira representa una oportunidad para que los fanáticos latinoamericanos disfruten de su música en vivo.Fuerza Regida es una banda estadounidense de música regional mexicana formada en 2015. Originalmente integrada por Jesús Ortíz Paz (primera voz), Abner Sebastián (segunda voz), Samuel Jáimez (guitarra de doce cuerdas), Khrystian Ramos (guitarra de armonía) y José García (tuba), el grupo ha contado desde 2021 con Moisés López (tololoche) como miembro adicional.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíA lo largo de su carrera, han lanzado 11 álbumes y se han ganado una significativa atención dentro de la industria, siendo nominados en múltiples ocasiones a prestigiosos premios como los iHeartRadio Music Awards, Premios Billboard Latinos, Premios Lo Nuestro y Premios Juventud. Su carrera despegó cuando debutaron en la lista Hot 100 de Billboard con el tema “Bebé dame” junto a Grupo Frontera, alcanzando la posición 252, y desde entonces han logrado varios éxitos en la lista Hot Latin Songs en Estados Unidos. Hoy en día, Fuerza Regida es considerado uno de los grupos más influyentes y populares dentro del género de la música regional mexicana.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Francisca Viveros Barradas, conocida en el mundo como Paquita la del Barrio, fue una de las figuras más influyentes de la música ranchera y regional mexicana. Sus letras directas y su personalidad inquebrantable trazaron una carrera de más de cuatro décadas en las que dejó grandes himnos al desamor y que impulsaron un rol activo de las mujeres en las canciones de este género.A continuación recordamos siete de sus canciones más representativas, que siguen resonando en nuevas generaciones y que con su interpretación siguen dejando huella y escribiendo la historia de la música mexicana."Rata de dos patas" (2000)Considerada su canción más emblemática, "Rata de Dos Patas" fue escrita por Manuel Eduardo Toscano. La letra, cargada de desprecio hacia un hombre infiel, se ha convertido en un himno de personas que han sufrido traiciones amorosas muy dolorosas. A lo largo de los años, se ha especulado que la canción podría haber sido inspirada por figuras políticas, aunque Toscano negó que fuera escrita para alguien en particular."Tres veces te engañé" (1993)Incluida en el álbum homónimo, estrenado en octubre de 1993, esta canción narra la historia de una mujer que se venga de su pareja infiel engañándolo en tres ocasiones. Su mensaje desafía las normas tradicionales del amor romántico, posicionándose como un canto de revancha y justicia emocional.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Cheque en blanco" (1992)Lanzada en el álbum Desquítate conmigo, esta canción critica a los hombres que creen que el dinero puede comprar el amor y el respeto de una mujer. Con una letra que resalta la dignidad femenina, "Cheque en blanco" sigue siendo una de sus canciones más populares y que hizo parte de su repertorio a lo largo de su carrera."Me saludas a la tuya" (1997)Con su característico tono directo y sarcástico, Paquita interpreta en esta canción el desprecio absoluto hacia una expareja, dejándole claro que no desea volver a verlo. Es un tema recurrente en sus presentaciones en vivo, donde el público corea con entusiasmo la letra. Escuche a la artista cantando esta canción durante un concierto en Colombia."Ni tú ni yo" (2008, con Ricardo Arjona)En una colaboración poco esperada, Paquita grabó "Ni tú ni yo" con el cantautor guatemalteco Ricardo Arjona para su álbum 5to Piso. La canción habla de una relación en la que ambas partes pierden, destacando las contradicciones del amor y el desamor."Las mujeres mandan" (2008)Estrenada ese mismo año, en su álbum homónimo, esta canción es un verdadero himno feminista dentro de la música ranchera, en su letra refuerza la idea de que las mujeres tienen el control en sus relaciones y en sus vidas. Es una de las favoritas entre su audiencia femenina, ya que transmite un mensaje de fortaleza y autonomía. Para mostrar un ejemplo, el coro de esta canción dice:“No tengas miedo por grandotes que los veasPonte valiente ya verás como se amanzanQue aquí las mujeres mandan!”"Invítame a pecar" (1993)Cerramos esta lista con otro clásico de Paquita, donde con un tono más atrevido aborda el deseo y la seducción desde la perspectiva femenina. Su letra abierta y sin tapujos la convierte en una pieza singular dentro de su repertorio y que llegó a interpretar en versiones de bolero y rock. Escúchela aquí.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el marco del Día de San Valentín, MUBI, la plataforma global de streaming, productora y distribuidora de cine, lanza su especial “¿Me quiere? ¿No me quiere?”, una colección de siete películas cuidadosamente curadas que exploran las complejidades del amor. Disponible durante todo febrero de 2025, esta selección de producciones invita a los espectadores a adentrarse en las diversas facetas de las relaciones sentimentales, desde la pasión hasta el desencuentro.Desde el entusiasmo de un primer encuentro hasta la tristeza de una despedida, las películas de este especial reflejan las emociones humanas en su forma más pura. Los personajes en esta colección navegan por caminos inciertos, enfrentando señales contradictorias, indecisión y circunstancias que los desafían a encontrar su destino. ¿Será que el amor triunfa sobre la adversidad, o quedará en un eterno limbo emocional?“Matt and Mara” (2024) Dir. Kazik RadwanskiEn Toronto, Mara, profesora de escritura creativa, se cruza con Matt, un escritor bohemio de su pasado. Unidos por intereses comunes, su vínculo crece mientras ella equilibra matrimonio, maternidad y trabajo. Pero en un viaje por carretera juntos, aumenta la tensión sobre su relación indefinida.“Hojas de otoño” (“Fallen leaves”) (2023) Dir. Aki KaurismäkiAnsa y Holappa, dos almas solitarias en busca de su primer amor, se conocen casualmente en un bar de karaoke en Helsinki. Pero el camino a la felicidad de la pareja enfrenta numerosos obstáculos, de números telefónicos perdidos a direcciones equivocadas, alcoholismo y un encantador perro callejero.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“París, distrito 13” (“Paris, 13th district”) (2021) Dir. Jacques AudiardUn grupo de cuatro jóvenes adultos vagamente conectados alternan entre ser amigos y, a veces, amantes, mientras recorren su animado barrio en el distrito 13 de la capital francesa.“Matthias y Maxime” (2019) Dir. Xavier DolanMatt y Max son mejores amigos desde la infancia. A ambos se les pedirá que compartan un beso para un cortometraje estudiantil. Pronto, surgirá una duda que hará que ambos se enfrenten a sus preferencias, amenazando la hermandad de su círculo social y finalmente, cambiando sus vidas.“What do we see when we look at the sky?” (2021) Dir. Alexandre KoberidzeEn la ciudad georgiana de Kutaisi, a orillas de un río, se respira el ambiente romántico de verano y la fiebre del Mundial. Tras un par de encuentros fortuitos, la farmacéutica Lisa y el jugador de fútbol Giorgi ven frustrados sus planes de tener una cita cuando ambos despiertan mágicamente transformados, sin forma de reconocerse.“Medicine for Melancholy” (2008) Dir. Barry JenkinsEn un San Francisco en rápida gentrificación, una aventura de una noche entre dos bohemios, Micah y Jo’, se convierte en una aventura de todo el día. Su encuentro se llena de ternura, fricción y enfrentamientos intelectuales mientras exploran su relación entre ellos, con la ciudad y con su propia negritud.Suzhou river (2000) Dir. Lou YeA orillas del río Suzhou, Marda se enamora de una joven llamada Moudan. Cuando la pierde en un intento de secuestro que sale mal, ella parece desaparecer en el río para siempre… hasta que conoce a MeiMei, una mujer que baila en un club nocturno y que resulta ser exactamente igual que Moudan.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El documental La música de John Williams celebra la trayectoria del afamado compositor, cuyas bandas sonoras han dejado una huella imborrable en la historia del cine y se han convertido también en parte de la banda sonora de la cultura popular.Dirigida por Laurent Bouzereau, esta producción de 2024 ofrece una mirada profunda al legado de Williams, quien ha dado vida a icónicas partituras de películas como Star Wars, Tiburón, E.T. el Extraterrestre, Indiana Jones y las tres primeras películas de la saga de Harry Potter, notas que han acompañado a tres generaciones y han resaltado el rol de la música como un personaje más en el séptimo arte.Un homenaje a una leyenda musicalEl documental presenta entrevistas exclusivas con cineastas y artistas que han trabajado junto a Williams o han sido influenciados por su música. Figuras como Steven Spielberg, George Lucas, J.J. Abrams y Gustavo Dudamel comparten sus experiencias y reflexiones sobre el impacto del compositor en la industria cinematográfica y en la cultura popular.A lo largo de sus 105 minutos de duración, La música de John Williams combina material inédito de sesiones de grabación, anécdotas personales del compositor y fragmentos de sus bandas sonoras más memorables.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLas participaciones de Lucas y Spielberg en el documental son particularmente importantes, pues ha sido con estos dos cineastas que Williams ha hecho sus más grandes colaboraciones.Su colaboración con Lucas, por ejemplo, comenzó en 1977 con Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza. Lucas quería una banda sonora épica y sinfónica que evocara las grandes partituras de Hollywood de los años 30 y 40. Williams compuso entonces una de las bandas sonoras más reconocidas de la historia, con temas inolvidables como la Marcha Imperial, el tema de Luke Skywalker y el tema de la Fuerza.Williams continuó trabajando en todas las trilogías de Star Wars, componiendo la música de la saga completa (excepto en Rogue One y Solo). Su música ayudó a definir la identidad de la franquicia y es considerada una de las mejores composiciones de la historia del cine.La relación con Spielberg es aún más extensa y profunda. Su primera colaboración fue en The Sugarland Express (1974), pero fue con Tiburón (1975) que su sociedad se consolidó. El famoso tema de Tiburón demostró el genio de Williams y ayudó a que la película se convirtiera en un fenómeno.Desde entonces, Williams ha sido el compositor de prácticamente todas las películas de Spielberg, incluyendo: E.T. el Extraterrestre (1982), Indiana Jones (toda la saga), Jurassic Park (1993), La lista de Schindler (1993), Rescatando al soldado Ryan (1998), Las aventuras de Tintín (2011) y Los archivos del Pentágono (2017).Una vida dedicada a la músicaJohn Williams nació el 8 de febrero de 1932 en Floral Park, Nueva York. Desde joven mostró un gran talento musical y estudió en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) y en la prestigiosa Juilliard School en Nueva York. Inicialmente, Williams comenzó su carrera como pianista de jazz antes de convertirse en un reconocido compositor de bandas sonoras para cine y televisión.A lo largo de su carrera, ha compuesto más de 100 bandas sonoras y ha sido galardonado con numerosos premios, incluidos cinco premios Óscar, 25 premios Grammy y varios Globos de Oro. Su colaboración con Steven Spielberg ha sido particularmente notable, creando la música de películas como Jurassic Park, Schindler’s List y Saving Private Ryan.Los cinco Óscar cosechados por Williams son El violinista en el tejado (1971), en la categoría de Orquestación: adaptación y coro original y en la categoría de Mejor banda sonora original, Tiburón (1975), Star wars (1977), E.T. el Extraterrestre (1982) y La lista de Schindler (1993).En este documental, que está disponible en Disney+, usted podrá conocer detalles sobre el proceso creativo de John Williams y su impacto en la industria cinematográfica.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
‘Jojo Rabbit’ (2019)La ganadora del Óscar a Mejor guión adaptado en 2020, Jojo Rabbit, nos conmovió al presentarnos la historia de Jojo, un niño alemán de diez años, ferviente miembro de las Juventudes Hitlerianas, quien desde la inocencia se ve interpelado por la tragedia, la guerra y las injusticias.Adaptada por Taika Waititi, esta versión de El cielo enjaulado, novela de Christine Leunens, aborda el fascismo desde la mirada del niño, a quien acompaña una versión caricaturesca de Hitler. Jojo es un pequeño adoctrinado por el régimen nazi, fiel seguidor de esa ideología que con propaganda manipula a los más vulnerables y los incita al odio irracional.A lo largo de la película el niño se enfrenta a realidades que lo hacen cuestionar sus creencias, desmitificar a Hitler como un héroe y a ser empático con quienes son diferentes y el régimen les había hecho creer que debían temerles y odiarlos.‘V de Venganza’ (2005)Protagonizada por Natalie Portman y Hugo Weaving esta historia distópica es un claro ejemplo de represión desde el fascismo y el totalitarismo. En esta película, Reino Unido ha caído bajo el control de un régimen totalitario y en el camino de resistencia del enmascarado anarquista V se cruza Evey Hammond.Al tiempo que vemos los desafíos que enfrentan los protagonistas también se ve el modo de operar del gobierno ficticio de Norsefire y su líder de partido Adam Sutler (interpretado por John Hurt). Norsefire promueve una ideología basada en la pureza racial, el nacionalismo extremo y la intolerancia hacia cualquier forma de disidencia. Minorías étnicas, homosexuales, disidentes políticos y religiosos son perseguidos, encarcelados o ejecutados.Junto a la proliferación del medio y el control de los medios de comunicación, en esta película dirigida por James McTeigue y basada en la novela gráfica de Alan Moore y David Lloyd, el Estado también ejerce un control absoluto sobre la sociedad mediante la vigilancia masiva, la censura, la represión de minorías y el uso de la violencia. Disponible con costo adicional en Prime Video.‘Persépolis’ (2007)Dirigida por Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud, esta es una película de animación basada en la novela gráfica autobiográfica de Satrapi. La historia sigue la vida de Marjane, una niña que crece en Irán durante y después de la Revolución Islámica de 1979. A través de sus ojos, la película muestra cómo el sueño de libertad de una sociedad puede convertirse en una pesadilla autoritaria.Aunque el régimen iraní que retrata no es un ejemplo clásico de fascismo europeo como el nazismo o el fascismo italiano, comparte varias características propias de sistemas totalitarios y autoritarios, que suelen solaparse con el fascismo en su esencia represiva. Disponible con costo adicional en Apple TV.‘El cuento de la criada’ (1990)Dirigida por Volker Schlöndorff, es una adaptación de la novela distópica de Margaret Atwood publicada en 1985. Aunque la historia también es contada en la adaptación de la serie homónima de 2017, la película original también aborda de manera directa los temas de autoritarismo, represión y control social.La historia está ambientada en la República de Gilead, un régimen teocrático y totalitario que ha reemplazado al gobierno de Estados Unidos tras una crisis ecológica y una caída de la fertilidad humana. Allí la población se ve sometida a un control absoluto sobre todos los aspectos de la vida: desde las relaciones personales hasta la reproducción. La separación estricta de roles de género, la represión del pensamiento libre y la eliminación de derechos civiles son características comunes tanto en regímenes fascistas como en Gilead.Uno de los aspectos más impactantes de Gilead es el control sobre la reproducción. Las Criadas son mujeres fértiles forzadas a tener hijos para la élite gobernante, una jerarquía rígida basada en el género, la fertilidad y la lealtad al Estado. Tanto la serie como la película están disponibles en la suscripción premium de Disney+.‘Los hijos del hombre’ (2006)Terminamos esta lista con otra historia donde la fertilidad de la población, o la infertilidad, se convierte en un camino hacia el fascismo. Dirigida por Alfonso Cuarón y basada en la novela de P.D. James, esta es una distopía ambientada en un futuro cercano donde la humanidad enfrenta la extinción debido a una crisis de infertilidad global.La película sigue a Theo Faron (interpretado por Clive Owen), un burócrata desencantado que se ve envuelto en una misión crucial: proteger a Kee, la primera mujer embarazada en 18 años, en un mundo que se ha sumido en el caos y la desesperación.Aquí, el Reino Unido se presenta como un Estado policial brutal que sobrevive mientras el resto del mundo ha caído en la anarquía. El gobierno ejerce un control total sobre la población mediante la vigilancia masiva, la represión de cualquier forma de disidencia y el uso desmedido de la fuerza militar. Las calles están llenas de checkpoints, patrullas armadas y propaganda nacionalista, recordando las tácticas de los regímenes fascistas para mantener el orden.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Estudios han mostrado que tener una relación cercana con la música resulta beneficioso para los bebés, fortalece su desarrollo cognitivo e incluso puede tener un impacto positivo en su bienestar emocional y en el desarrollo del lenguaje.Así lo evidenció el ensayo publicado en la revista Science, Devolver la música a nuestros hijos: Una mayor exposición a la música puede beneficiar el aprendizaje del lenguaje en los bebés, donde las respuestas cerebrales de un grupo de bebés que estuvieron expuestos a actividades musicales eran mejores y reflejaban la detección de pequeñas diferencias no sólo en los sonidos musicales, sino también en los sonidos del habla.La música en ese caso no estaba presente dentro del paisaje sonoro de los bebés sino que tenían alguna interacción con ella. En este sentido, artistas han creado rondas infantiles personalizadas con los nombres de niñas y niños que interpelan a los pequeños y los invitan a hacer suyas las historias y los mensajes de sus letras.Estas son alternativas a las rondas infantiles clásicas con las que muchos crecimos y cuentan en sus canciones aventuras, celebraciones, incitan el cariño por los abuelos y la naturaleza, por mencionar algunas de las temáticas que se pueden encontrar.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Totuga y Tina & Tin son dos alternativas que ofrecen este tipo de canciones en versiones gratuitas o pagas. Ambos proyectos ofrecen paquetes personalizados de canciones con el nombre del pequeño disponibles para descargar y en diferentes idiomas.En los dos casos el nombre no es una dificultad, pues hay disponible una amplia y diversa selección de nombres, incluso están disponibles opciones compuestas como Juan José o Ana Sofía, entre muchos otros. Tina & Tin, por ejemplo, dispone de rondas infantiles para bebés, otras selección para niñas y niños más grandes y algunas versiones especiales para Navidad y cumpleaños.Si quiere escuchar sin costos adicionales estas canciones, solo debe escribir en su plataforma de audio preferida Tina y Tin seguido del nombre del niño o la niña y encontrará un álbum con diez canciones entre ellas, Mis amigos del jardín, A levantarse, Soy astronauta y Las notas musicales. Este es un ejemplo de cómo hacer la búsqueda: Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Tina&Tin (@tinaytinmusica)En el segundo caso, Totuga no tiene las rondas personalizadas disponibles en plataformas de música, sino que puede adquirirlas a través de su página web y reproducirlas en dispositivos móviles en la aplicación Totuga Music. Si las canciones son un regalo también puede enviar la guía de descarga a los cuidadores a través de correo electrónico una vez compré uno de los paquetes.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En tiempos de alambradas, redadas y discursos inflamados, la migración sigue siendo uno de los ejes cardinales de nuestra época. La reciente ola de deportaciones de ciudadanos latinoamericanos por parte del gobierno de Donald Trump no es más que el último capítulo de una historia de desarraigo y resistencia que se extiende a lo largo de los siglos. Más allá de las cifras, la migración es, ante todo, una experiencia humana, un tránsito entre lo que se deja atrás y lo que aún no se alcanza. La literatura, con su capacidad de hurgar en las profundidades del ser, ha sabido captar la esencia de esta experiencia con una sensibilidad que las estadísticas jamás podrán igualar.A continuación, cinco libros que abordan la migración desde perspectivas íntimas y políticas, obras que interrogan nuestras nociones de identidad, pertenencia y frontera con una profundidad que desafía los discursos simplistas."American Dirt" de Jeanine CumminsUna novela que generó tanta controversia como interés, "American Dirt" sigue la historia de Lydia Quixano Pérez, una librera de Acapulco que se ve obligada a huir con su hijo después de que un cártel de la droga asesina a su familia. La obra explora las vicisitudes del trayecto migratorio hacia Estados Unidos, exponiendo la vulnerabilidad de quienes intentan cruzar una frontera que se ha convertido en sinónimo de desesperación y esperanza. A pesar de las críticas sobre la legitimidad de la autora para narrar esta historia, el libro plantea preguntas fundamentales sobre la experiencia del migrante y la empatía en la ficción contemporánea."The Devil’s Highway" de Luis Alberto UrreaEste relato de no ficción, basado en hechos reales, narra la tragedia de un grupo de migrantes mexicanos que en 2001 intentaron cruzar el desierto de Arizona y cayeron en las garras del infierno: temperaturas letales, traficantes inescrupulosos y una política migratoria despiadada. Urrea, con su prosa incisiva y poética, desnuda las múltiples aristas de la migración clandestina y retrata con aguda sensibilidad la intersección entre política, economía y humanidad."La fila india" de Antonio OrtuñoDesde una perspectiva más ácida y crítica, Ortuño construye en "La fila india" una novela que expone la corrupción institucional, el racismo y la violencia estructural que enfrentan los migrantes centroamericanos en su paso por México. Con una narradora mordaz y un ritmo que no da tregua, la novela plantea preguntas incómodas sobre el papel de los gobiernos y las sociedades que se benefician y, al mismo tiempo, marginan a quienes huyen de la miseria y la violencia."El río" de Wade DavisAunque no es una obra de ficción sobre migración en el sentido más convencional, "El río" de Wade Davis ofrece una exploración antropológica y filosófica sobre las migraciones forzadas, la pérdida de tradiciones y la destrucción de ecosistemas. Davis, con su ojo de etnógrafo y su pluma de poeta, nos invita a reflexionar sobre la migración como una constante humana ligada a la supervivencia y la memoria."Los niños perdidos" de Valeria LuiselliEn esta crónica íntima y estremecedora, Luiselli sigue el rastro de los menores migrantes centroamericanos que viajan solos hacia Estados Unidos, enfrentando la indiferencia burocrática, la violencia y el desarraigo. Con un estilo que combina la denuncia con la reflexión filosófica, la autora mexicana logra humanizar una crisis que con demasiada frecuencia se reduce a cifras y estereotipos.Cada uno de estos libros, en su singularidad, invita a mirar la migración no como un problema a resolver, sino como una realidad compleja que exige ser comprendida en toda su dimensión. Frente a la retórica del miedo y la exclusión, la literatura emerge como un faro de empatía y entendimiento, recordándonos que las verdaderas fronteras son las que se trazan en la mente y en el corazón.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde sus orígenes en la costa caribeña colombiana, la cumbia ha sido un ritmo en constante transformación. Nacida del sincretismo entre la herencia africana, las melodías indígenas y la influencia hispana, el género ha evolucionado a lo largo de América Latina, adoptando rasgos culturales de cada contexto en el que se presenta. Con el auge de la radio y la industria discográfica en el siglo XX, la cumbia se expandió por todo el continente, adquiriendo variantes como la cumbia villera en Argentina, la chicha en Perú, la cumbia andina en Ecuador y la cumbia sonidera en México. Aunque en algunos círculos fue vista como marginal, su presencia en fiestas y mercados consolidó su lugar como la verdadera columna vertebral de la música bailable del continente. Así, en las últimas décadas, la cumbia ha alcanzado audiencias globales, con proyectos como Minyo Cumbiero en Japón y Colombia y Cumbiamuffin en Australia, y sellos como Analog Africa en Alemania o Vampi Soul en España, redescubriendo grabaciones históricas dentro del enorme espectro musical que la crítica e industria ha llamado tropical. Esta expansión ha generado debates sobre su apropiación cultural: ¿cualquiera puede tocar cumbia sin entender o hacer parte de su historia?, ¿es posible reinterpretarla sin depurarla de su carga cultural? Estas preguntas son fundamentales en una época en la que la música se mueve rápidamente a través de plataformas digitales y festivales internacionales. Dentro de este panorama, el proyecto Amantes del Futuro, de Ima Felini, se erige como un puente entre la tradición y la experimentación. Desde México, el productor ha construido una propuesta que recoge la diversidad de la cumbia, desde la crudeza del sonido sonidero hasta sus formas más vanguardistas en la electrónica, sin perder de vista la historia del género. “Yo no veo ningún resurgimiento de la cumbia”, explica Amantes del Futuro, quien se presentará el 25 de enero en la edición 2025 del Festival Centro, en Bogotá. “Tal vez para ustedes esto es algo nuevo, pero en México la época de oro de la cumbia se dio en los ochenta y, desde ahí, la cumbia no ha parado”, explica, conforme señala cómo los sonideros (una iteración de la cultura sound system jamaicana que funciona como una suerte de equivalencia a nuestros picós barranquilleros) han tenido una importancia central en este proceso. “Los sonideros se encuentran una canción colombiana perdida o venezolana o ecuatoriana o peruana y la ponen. Entonces, realmente, en nuestro país no hay ningún resurgimiento: nunca ha estado muerta. Puede haber un éxito de hace cuarenta años que vuelve a ser relevante”.Pasado y presente de Amantes del FuturoIma Felini es una figura central en la cumbia digital en México, una vertiente del género creada a partir del uso de software, sintetizadores, samplers y beats. Con más de 20 años de trayectoria en diversos proyectos como Afrodita, Agrupación Cariño, Los Wendys y su proyecto solista Amantes del Futuro. Desde principios de los 2000, Felini fue pionero al crear el colectivo Super Cumbia Futurista, anticipando una escena de cumbia electrónica en los circuitos alternativos mexicanos, mucho antes de que varios sellos latinoamericanos popularizaran este enfoque a nivel global. Aunque su sueño inicial era componer música para cine, fue la música electrónica la que lo atrapó. En los años noventa comenzó a experimentar con sonidos electrónicos, primero en forma de música ambiental y techno. Durante este periodo, también exploró la cumbia, creando su primer proyecto relacionado con el género, Cumbia de Lejos, junto a Diego Ibáñez, que consistía en un experimento minimalista de cumbia con elementos electrónicos.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.La clave de su transición hacia la cumbia electrónica llegó con la canción “El Paso del Gigante” del Grupo Soñador, una fusión dinámica entre cumbia y electrónica que se ha convertido en clásico contemporáneo, versionado recientemente por Kinky y Los Ángeles de México, y que lo inspiró a profundizar en esta dirección. De esta forma nació Amantes del Futuro, un proyecto que refleja su visión de una cumbia futurista, fusionando el ritmo tradicional con los sonidos electrónicos. Hoy, Amantes del Futuro se ha establecido como un referente dentro de la cumbia digital, consolidando su visión de una música electrónica mexicana con un enfoque vanguardista y profundamente influenciado por sus raíces. “A mí me han tocado varias olas de la cumbia. Amantes del Futuro es mi proyecto más viejo, pero he tenido otros grupos. Llevo más de 25 años empujando la cumbia que tú llamas digital. Llegamos a ser digitales porque no teníamos un grupo, pero es cumbia”, explica el mexicano.Cultura cumbiera y apropiaciónSi bien es cierto que la cumbia en México está viva desde que se popularizó el género en los ochenta, Felini se vio sorprendido cuando llegó por primera vez a Medellín hace varios años y se encontró con que, salvo el consumo estacional decembrino, la cumbia no era un ritmo popular. Por ello, junto a Pablo Marín, un amigo íntimo, Amantes del Futuro ha venido dando forma a Muchacumbia, una fiesta que celebra todas las vertientes de este ritmo a lo largo del globo. “Ha sido una de nuestras metas revivir su cultura cumbiambera. Veíamos como varios de nosotros sí conocíamos su gran legado, pero la gente normal no. Fuera de las decembrinas no se conoce tanto a Landero, a Gutiérrez, a un montón de grandes exponentes que tienen”, explica.En ese sentido, surge una pregunta sobre quién tiene potestad sobre la cumbia, quién puede atribuirse el derecho a transformarla, a jugar con ella. Para un colombiano no hay mayor misterio en las cumbias amazónicas de Los Mirlos, que luego versionaría Afrosound, en los acongojados lamentos electrónicos de Gerardo Morán o el sentimiento villero de Los Pibes Chorros. Sin embargo, ¿dónde se ubica Amantes del Futuro en el lado del debate con relación a proyectos como Cumbia Warszawa, un dúo de DJs polacos enamorados de la cumbia, o sobre las versiones que La Lom, desde Los Ángeles hace de Afrosound o Los Mirlos?“Yo creo que la música no tiene dueño. Las expresiones artísticas son libres. Es como como decirle a un japonés ‘No puedes rapear. El rap es gringo’. Son expresiones libres, si un africano quiere tocar una canción de mariachi, pues adelante”, explica el productor. “Los estilos simplemente son caminos o formas, métodos para expresar un sentimiento o unas notas o unas letras. Finalmente, la música viene primitivamente de África, la gran madre musical y todas las vertientes son válidas. Yo no creo que uno debe cerrarse a que algo está bien o está mal. “El arte es libre””, explica.“Por ejemplo, los corridos mexicanos han influenciado a Colombia. Es brutal que lo que resuena aquí es ese mismo sentimiento campesino, esas historias del campo de la vaca, del gallo, de las peleas, de la borrachera. Creo que eso lo compartimos por toda Latinoamérica y es muy fácil que se den esos cruces”, añade al evocar su experiencia en Medellín y su relación con Pablo Marín, quien suena en Muchacumbia desde las visiones más puras de la cumbia sabanera de Carmelo Torres hasta las fusiones tecnocumbieras de la peruana Rossy War. “Fui a Cuba y escuché en un pueblo totalmente afro, de cañas, a Vicente Fernández por todos lados. Me sorprendí cabrón: este sentimiento ranchero lo compartimos todos por ser latinoamericanos y supongo que con el country es lo mismo. Vas a Australia y también escuchan country porque es el mismo sentimiento ranchero, pero en su idioma”, reflexiona Felini.Lo local en la aldea digitalEn los años ochenta, cuando los primeros sonideros empezaron a venir a Colombia en busca de vinilos, la cultura cumbiera era distinta. Práctica análoga a la de los picoteros barranquilleros, los maestros de ceremonia que reproducían sus temas en los sonideros tapaban las galletas de sus discos para que nadie más pudiera acceder a esa información sonora. Ahora, pareciera que el paradigma ha cambiado y el compartir canciones y sonidos se ha hecho más natural a la luz de la aparición de internet. “Desde épocas de MySpace ha sucedido que cumbieros, o interesados en la cumbia, nos hemos escrito por años. A través del tiempo voy llegando a esas ciudades o ellos van viniendo y nos vamos conociendo personalmente, pero hicimos un vínculo y amistades a veces por años que primero fueron virtuales”, recuerda, para luego mencionar a Cumbia Cosmonauts, el proyecto musical de Moses Iten, candidato a doctorado en la Escuela de Medios y Comunicación de RMIT en Melbourne, Australia, quien ha fungido como investigador de la cumbia digital a través de trabajo de campo en Berlín, Buenos Aires, Bogotá, varias ciudades mexicanas y en línea. “Es de mis más viejos amigos de internet. Otro es Turbo Sonidero, con quien fundé el colectivo la Súper Cumbia Futurista, que tuvo sus cositas”.Durante la pandemia, Turbo Sonidero formó un colectivo llamado Kumbia Obscura, que eventualmente se transformó en Kumbia Net. Este proyecto reunió a diversos productores mexicanos y de otras partes del mundo con el propósito de difundir su música. “A mí me invitaron cuando ya estaban algo consolidados”, comenta Amantes del Futuro, a quien le dio mucho gusto formar parte del colectivo porque varios de sus integrantes eran de sus “cumbiamberos favoritos mexicanos y chicanos”. Con el tiempo, Kumbia Net ha evolucionado no sólo como colectivo, sino también como un sello que publica compilaciones en vinilo y en formato digital. Sobre la propuesta musical que manejan, Felini explica que es “una música que no hay en la cumbia”, ya que, si bien algunas piezas tienen un tono oscuro, otras exploran diferentes formas de experimentación como coqueteos con el minimal techno, samples de juegos de video y vocales distorsionados y ominosos.En cuanto a la escena actual de la cumbia, reflexiona sobre la diferencia de enfoques entre los nuevos cumbieros y los más tradicionales. “No todos, ¿eh? Hay unos bien celosos que no comparten los nombres de las canciones”, menciona. “Antes sí era casi imposible encontrarlas, pero ya el internet está ahí, ya está Shazam”, reconoce que, aunque sigue habiendo exclusividades, el acceso a la música ha cambiado. Sin embargo, en el circuito sonidero todavía existen dinámicas en las que un grupo cede una canción a un sonidero y este la mantiene en exclusiva durante meses. Frente a esto, Kumbia Net y su comunidad buscan una escena más abierta en la que se valore la difusión de la música sin egoísmos. “Nosotros no creemos en eso, más bien creemos que por qué le vas a negar que a cierto artista desconocido se le conozca. Eso es groserísimo”, concluye enfatizando la importancia de compartir y visibilizar la música en lugar de ocultarla.El contexto colombianoEn este cruce cumbiero continental, Amantes del Futuro ha podido conocer de primera mano el nuevo movimiento musical en nuestro país. Así, comenta emocionado sobre la escena colombiana y la necesidad de que la cumbia vuelva a prenderse con fuerza en nuestro contexto. “Me gustan mucho Romperayo, Los Pirañas, Frente Cumbiero, Meridian Brothers”, dice con admiración reconociendo que estos proyectos, que son casi contemporáneos suyos, han hecho un trabajo enorme desde Bogotá, llevando la cumbia y otros ritmos colombianos a nuevos terrenos. “Han abierto muchas puertas, han sacado discos, han hecho giras, han impulsado este nuevo sonido colombiano”, señala celebrando su aporte. También menciona a músicos emergentes como Iván Medellín, “que se me hace un acordeonista brutal”, y a Felipe Orjuela, quien le parece bueno, pero insiste en que aparezcan más jóvenes con ganas de involucrarse, ya sea desde un grupo, con una guitarra, un bajo o desde la computadora.Pareciera que, en Colombia, en contraste con lo que Felini percibe de México, la cumbia se quedó estancada. “Hay cumbias increíbles, pero todas son viejas", dice con nostalgia, recordando que el género pareció apagarse en algún momento entre los setenta y los ochenta. “Uno llega y siempre están sonando las mismas cumbias”, y, aunque le encantan, le gustaría que pasara algo nuevo. “Estaría bonito que se hicieran nuevas cumbias”, reflexiona, porque a diferencia de otros géneros como el vallenato, la champeta o la salsa, la cumbia no parece tener el mismo reconocimiento en su propio país. Aun así, no pierde la fe, porque cada vez más jóvenes están volviendo a ella. “Muchos ya se están volviendo DJs o selectores o incluso empezando sus propias producciones y eso se nos hace increíble”, dice con emoción, convencido de que algo está empezando a moverse. Recuerda a Sonido Florida, el proyecto de Alejandra Congote, que pasó de ser fan de las fiestas de Muchacumbia en Medellín a dar forma a sus propias. “Ya tiene como 12 canciones y están increíbles”, señaló emocionado, esperando que más chicas y chicos se animen a darle una nueva vuelta de tuerca a la cumbia colombiana.Amantes del Futuro regresa a Colombia para presentar el espíritu de Muchacumbia y mucha cumbia en el marco del Festival Centro 2025. El productor mexicano se estará presentando en el Cosmódromo (la Plazoleta del Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella) a las 10 de la noche el sábado 25 de enero en una jornada que incluye también a Cero39, Killabeatmaker, Anto <3 y Kizaba. Será una celebración para reunir a la diferencia y a la disidencia con un mensaje sencillo, el mismo que enuncia en “El cumbé”, una de sus producciones más reconocidas: en vez de la violencia, la crítica y el señalamiento, bailemos cumbia.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el vasto universo del cine, ciertas películas logran capturar esa cualidad intangible que Gabriel García Márquez describía como "lo real maravilloso". El realismo mágico, una corriente literaria que en el cine encuentra un territorio fértil, se caracteriza por la coexistencia de lo cotidiano con lo extraordinario, la normalización de lo imposible y una atmósfera en la que lo mágico no necesita explicación. A diferencia del cine fantástico, aquí lo insólito se inserta en la realidad sin aspavientos, con una naturalidad que desarma y seduce.Para los entusiastas de esta estética, hay películas que escapan a las recomendaciones predecibles como Amores perros o La casa de los espíritus. A continuación, una selección de cintas que encapsulan el realismo mágico en el cine de formas sutiles, elegantes y profundamente humanas."Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives" (2010), de Apichatpong WeerasethakulLa filmografía del tailandés Apichatpong Weerasethakul es, en sí misma, una exploración del realismo mágico. Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives, ganadora de la Palma de Oro en Cannes, sumerge al espectador en un mundo donde los fantasmas conviven con los vivos y la transmigración del alma es un hecho cotidiano. La narrativa se desarrolla con un ritmo contemplativo, donde la frontera entre el presente y el pasado, lo humano y lo sobrenatural, se diluye con una sutileza que evoca la literatura de Juan Rulfo."La ciénaga" (2001), de Lucrecia MartelLejos del exotismo fácil, Lucrecia Martel construye en La ciénaga un microcosmos de opresión familiar donde el clima, los silencios y los cuerpos enfermos generan una sensación de inminente descomposición. La magia en su cine no es evidente, pero se filtra en lo cotidiano con la misma insistencia que la humedad que empapa su paisaje. Martel no necesita criaturas fantásticas; su realismo mágico emerge del lenguaje sensorial y de la tensión latente en cada interacción.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí."Khrustalyov, My Car!" (1998), de Aleksei GermanEl ruso Aleksei German ofrece una visión del realismo mágico profundamente enraizada en la historia política de la Unión Soviética. Khrustalyov, My Car! es un vertiginoso descenso a un mundo donde el absurdo y la represión coexisten con una lógica tan pesadillesca como poética. La narrativa se desenvuelve como un torbellino de imágenes oníricas, en las que la realidad política se distorsiona hasta alcanzar un punto de surrealismo latente."Tumbbad" (2018), de Rahi Anil Barve y Adesh PrasadEsta película india es una fascinante combinación de mito y realidad. Tumbbad se construye alrededor de un folclore ancestral, donde la avaricia humana es castigada por fuerzas sobrenaturales. Su fotografía lúbrica y sus secuencias cargadas de simbolismo convierten a la película en una experiencia sensorial única, donde lo mágico no es un artificio sino un elemento inherente a la vida de sus personajes."O Melissokomos" (1986), de Theo AngelopoulosTheo Angelopoulos, maestro del cine contemplativo, crea en O Melissokomos (El apicultor) una obra donde el tiempo y la memoria adquieren una cualidad casi onírica. La historia de un hombre en busca de su pasado se despliega con una cadencia hipnótica, en la que la realidad se enreda con evocaciones y silencios cargados de significado. La magia en Angelopoulos está en la poética de lo cotidiano, en la forma en que el paisaje se convierte en un personaje más.Estas películas, alejadas del consumo masivo, proponen una visión del realismo mágico que escapa a los convencionalismos. A través de sus atmósferas, sus narrativas fragmentadas y su poética visual, nos recuerdan que lo mágico no siempre está en lo visible, sino en la manera en que elegimos mirar la realidad. Para quienes buscan experiencias cinematográficas que desafíen la percepción, este cine ofrece un refugio, una invitación a ver el mundo con ojos asombrados.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El público podrá disfrutar de las adaptaciones de tres obras icónicas: Crimen y castigo de Fiódor Dostoyevski, La gaviota de Antón Chéjov y El inspector de Nikolái Gógol. Todas las versiones han sido adaptadas por el director Ricardo Camacho y prometen una experiencia teatral inolvidable.La temporada se llevará a cabo de jueves a sábado en la sede centro del Teatro Libre (Calle 12B N.º 2-44, Bogotá), con funciones los jueves y viernes a las 8:00 p. m., y los sábados en doble jornada a las 5:00 p. m. y 8:00 p. m. "Crimen y castigo": un viaje al abismo de la moralEsta obra, una de las más emblemáticas de Dostoyevski, narra la historia de Raskolnikov, un joven estudiante que asesina a una usurera con la intención de justificar el crimen como un acto necesario. La adaptación pone el foco en tres personajes clave: el atormentado Raskolnikov, la noble Sonia, y el perspicaz inspector que sigue sus pasos. Una exploración profunda de los dilemas éticos, religiosos y sociales que desafían los límites de la conciencia humana.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí. "La gaviota": el drama del amor y el arteEn esta obra de Chéjov, los sueños, las frustraciones y los enredos amorosos de los protagonistas se entrelazan en un contexto marcado por la decadencia y los cambios de la Rusia prerrevolucionaria. Los conflictos entre Irina Arkádina, actriz consagrada; Nina, una joven con aspiraciones artísticas; Konstantin, dramaturgo en ciernes; y Trigorin, un escritor de renombre, forman el núcleo de una historia donde el amor y el arte se entrecruzan con la ironía y la sutileza típicas de Chéjov. "El inspector": una sátira atemporalEscrita por Gógol en 1836, esta comedia satírica relata el revuelo en una pequeña ciudad ante la llegada de un supuesto inspector del gobierno. Los funcionarios, presos del miedo, se apresuran a sobornar y adular al visitante, mientras exponen sus propias corrupciones y mezquindades. Aunque inicialmente polémica, la obra se ha consolidado como un clásico universal por su aguda crítica a las estructuras de poder.La temporada contará con el talento de los actores de la Compañía del Teatro Libre, que darán vida a estos personajes complejos y universales. Para más información sobre boletería y horarios, visite la página oficial del Teatro Libre.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
