Se trata de un espacio de consulta, disponible de manera libre y gratuita, donde se tiene acceso a obras audiovisuales, libros, revistas, carteles, fotografías, pressbooks, catálogos de festivales, programaciones, archivos de prensa, y publicaciones especializadas, entre otros. Porque el cine se ve, se lee y se investiga, la Cinemateca de Bogotá ha dispuesto este espacio para todos los amantes del cine de la ciudad.Les contamos cuáles son los pasos que deben seguir para consultar el catálogo de la BECMA.El horario de atención es de martes a viernes de 9:00 a.m. a 5:00 p.m. y los sábados, a partir del mes de Noviembre, de 9:00 a.m. a 1:00 p.m. Hay un aforo del 50%, por la contingencia el ingreso a la BECMA dependerá del aforo diario permitido. Se debe realizar búsqueda previa en el catálogo bibliográfico disponible en línea y solicitar el acceso a los materiales al personal de la biblioteca. Al ingresar se debe haber pasado por los controles del personal logístico en el punto de acceso a la Cinemateca de Bogotá.En la Cinemateca de Bogotá hay servicio de casillero. Para evitar un posible contagio de COVID -19, durante la visita a la biblioteca, es obligatorio portar tapabocas, así como mantener la distancia de un metro con los demás asistentes. Para visualizar material audiovisual se deben traer audífonos propios. Evitar tocar los libros y materiales que se encuentren en las estanterías. El material que se consulte estará en aislamiento durante las 48 horas siguientes. Es indispensable cumplir con los protocolos de bioseguridad estipulados por el escenario.Los visitantes pueden acceder a los siguientes servicios: Atención y asesoría profesional para la búsqueda y recuperación de información especializada en cine y medios audiovisuales, consulta del catálogo bibliográfico disponible en línea, acceso en línea a las publicaciones de la Cinemateca por medio del portal web, Idartes se muda a tu casa, donde se pueden descargar los Cuadernos de Cine Colombiano, la Revista Cinemateca y los Catálogos Razonados entre otros.Acceso a la sala de lectura para consulta de material impreso sobre diferentes temáticas que abarcan las artes audiovisuales, acceso a las estaciones de visionado para consulta de las obras cinematográficas de diversos países que conforman nuestra colección audiovisual, acceso a las salas de consulta para investigadores, acceso a los equipos de cómputo necesarios para apoyar el proceso de investigación y finalmente, quienes pertenezcan a grupos de población de riesgo o no puedan asistir al espacio físico pueden acceder a los servicios de asesoría virtual disponibles.
Es el fondo creado por la ley 814 en 2003, más conocida como ley de cine. El FDC es una cuenta bancaria que recibe los dineros recaudados a través de la cuota parafiscal que pagan exhibidores, distribuidores y productores como resultado de la exhibición de obras cinematográficas nacionales y extranjeras en Colombia. En el marco del Consejo Nacional de las Artes y la Cultura en Cinematografía, CNACC, que busca apoyar la promoción y distribución de largometrajes colombianos, así como la participación de proyectos y películas colombianas en eventos cinematográficos, fueron presentados los estímulos para el 2022.Estarán abiertas tres modalidades de participación en festivales, talleres de formación y premios que estuvieron cerradas durante 2020 y 2021. Los estímulos automáticos estarán abiertos durante todo el año y cierran el 15 de diciembre. En cuanto a la modalidad de Circulación a través de festivales que en años anteriores abría en esta misma fecha, se encuentra en proceso de rediseño.Además, la novedad este año para los participantes de la Convocatoria FDC es que encontrarán una nueva plataforma de postulación de proyectos, donde pueden ingresar usuarios con cuentas ya existentes; en algunos casos será requerido actualizar los datos de registro o crear la cuenta desde cero.Distribución de películas colombianasEsta va dirigida a proyectos de distribución de largometrajes colombianos en el territorio nacional, cuyo estreno en salas ocurra en el año 2022. Para acceder al estímulo las películas de ficción deberán cumplir con un mínimo de 1000 espectadores y/o admisiones y las de documental con un mínimo de 600. Las salas de exhibición deberán estar registradas en el SIREC. El monto total destinado es de $500 millones de pesos con estímulos de hasta $25 millones de pesos por película colombiana distribuida y estrenada en el 2022.Participación en eventosEsta va enfocada a proyectos y películas colombianas que participen en festivales, encuentros, mercados, talleres y premios cinematográficos. El monto total destinado para las categorías de esta modalidad es de $1.300 millones de pesos. La lista de eventos cuenta con más de 380 eventos que son relevantes para el desarrollo de los proyectos cinematográficos y su impacto nacional e internacional.Categoría que retomaLa modalidad de Promoción de largometrajes y Desempeño por Taquilla está dirigida al apoyo en la etapa de promoción de largometrajes de producción o coproducción nacional que estrenen durante el año 2022 en salas de cine del país. El monto total destinado es de $1.700 millones de pesos, con estímulos de hasta $50 millones por proyecto.Aquí pueden consultar las bases y requisitos de cada estímulo.
Compuesta por Lin-Manuel Miranda y Germaine Franco, las canciones han estado subiendo lentamente en las listas desde que se estrenó la película, pero no ha sido hasta que el film ha llegado esta Navidad a la plataforma Disney + cuando su éxito ha explotado. De esta manera, se convierte en la primera banda sonora, después de dos años, en alcanzar el número 1 de Billboard tras Frozen 2 en 2019.El Billboard Hot 100 clasifica los álbumes más populares en función del consumo de múltiples métricas, entre ellas copias vendidas tanto física como digitalmente, así como las escuchas en servicios de suscripción o soporte publicitario.Ambos músicos han compuesto los ocho temas de la película -todos en español, pero también con su versión en inglés- con ritmos tradicionales y populares de la cultura colombiana como la salsa, el vallenato y la cumbia.Los temasLas canciones originales son: "La familia Madrigal", "Un regalo mágico", "En lo profundo/peso", "No se habla de Bruno", "Inspiración", "Dos Oruguitas" (Sebastián Yatra), "Solo tú, Colombia" y "Mi Encanto" (Carlos Vives).En cuanto al éxito individual, la canción "No se habla de Bruno" también se ha colado en el quito lugar del Billboard Hot 100, subiendo del tirón 45 puestos, además de ser el sencillo más reproducido en Spotify y el que más furor causa en Tik Tok.Sin embargo, a pesar de ser la más querida por el público no podrá ser nominada al Óscar en la categoría de Mejor canción original, ya que Disney presentó en su lugar a la preselección "Dos Oruguitas", una balada acústica en español interpretada por Sebastián Yatra.De esta manera, según la página oficial de Billboard, la banda sonora de la familia mágica de los Madrigal pasa a ser la sexta película de animación que se coloca en el número uno de esta lista: "El Rey León" (1994), "Pocahontas" (1995), "Jorge, El Curioso" (2006), "Frozen" (2013), "Frozen 2" (2019) y "Encanto" (2022).
En medio de las restricciones impuestas por la pandemia, algunos de los cortos muestran cómo se ajustó la Comisión al trabajo desde la distancia, las discusiones de cara a la construcción del Informe Final y la lectura de la entidad ante escenarios como el Paro Nacional.Otras temáticas abordadas tienen que ver con las vivencias de las víctimas en torno a la desaparición forzada, el desplazamiento, las violencias sexuales, el exilio, las minas antipersonal, el reclutamiento de menores y los impactos de la violencia en la salud mental. También se evidencia la situación de riesgo en la que se encuentran los excombatientes desde la firma Acuerdo de Paz y se reflexiona sobre conceptos como la verdad, el perdón, la no continuidad y la no repetición, de la mano de los comisionados.La serie de cortos se desarrolló en cumplimiento de las medidas sanitarias y dio como resultado más de 20 piezas entre dos y cinco minutos de duración. Al verlos es posible tener un panorama general de lo que se ha vivido durante tantas décadas de violencia, así como la continuación de economías ilegales, grupos al margen de la ley y múltiples intereses económicos y políticos que permiten la perpetuación del conflicto armado en zonas tan complejas como Buenaventura, el departamento del Chocó y el norte del departamento del Cauca."La variable del tiempo"Este corto, grabado en 2020, muestra cómo después de varios meses de aislamiento los y las comisionadas se reúnen a las afueras de Bogotá. Durante horas discuten sobre la variable que más afecta el trabajo de la Comisión de la Verdad y la escritura del Informe Final, el tiempo. El presidente de la Comisión de la Verdad, Francisco de Roux, habla de las dificultades de buscar, en tres años, la verdad de lo que nos pasó durante más de seis décadas de guerra."Ejecuciones extrajudiciales, conocer para no repetir"Uno de los hechos que evidencia la magnitud de la degradación del conflicto armado colombiano es el fenómeno de las ejecuciones extrajudiciales, conocidas popularmente como “falsos positivos”."Imaginar el futuro"Muchas veces los niños, niñas y adolescentes tienen sus propias vivencias, además de sus propias ideas. Recogerlas es un elemento clave para completar esa verdad que la Comisión tiene que transmitir a la sociedad."Jugarse la vida por la paz"Nelson Ramírez y John Montero son soldados profesionales retirados que llevan un proceso sólido de resiliencia como integrantes del equipo de fútbol, ‘Club héroes de honor’. Con la verdad de sus historias de vida y el deporte como herramienta de transformación tanto personal, familiar y profesional, el club le aporta al país desde la resiliencia, el perdón y la reconciliación."Heridas invisibles: salud mental y conflicto armado"“Después de la desaparición de mi hermano, mi mamá comenzó a enfermarse y perdió el sentido, de ahí tocó llevarla al manicomio y cuando volvió a la casa, ella ya no era igual, estaba como desconectada”. Éstas son las palabras de Gloria Cadena, una de las tantas hermanas buscadoras de este país. Ella cuenta la historia de la desaparición de su hermano a manos del Ejército en mayo de 1987 y cómo su asesinato afecto mentalmente a su mamá. La atención psicosocial a víctimas del conflicto armado en Colombia, ha sido un proceso que se adelanta para mitigar los impactos de la violencia que ha alcanzado de manera directa a la población colombiana. Las cifras no logran transmitir la complejidad de la tragedia, pues los efectos de la exposición a los hechos de violencia son tan variables como la cantidad de familiares que se han visto sometidos a dicha realidad social según el comisionado Carlos Martín Beristain."¿Por qué persiste el conflicto en el Pacífico Colombiano?Tras la firma de los acuerdos de paz entre el gobierno y las FARC-EP en La Habana, en los territorios se vivía un periodo de “paz” que duró poco, en donde el sueño de muchos se fue disipando y el temor, el miedo y la guerra volvieron a instalarse en las regiones. Este recrudecimiento de la guerra desnudó en el país la persistencia de algunos factores. La pobreza, el abandono, la discriminación racial, las alianzas entre distintas fuerzas políticas y armadas, el narcotráfico, las coaliciones múltiples y diferentes, las infraestructuras para la guerra, el control territorial, el despojo del territorio para apropiarse de las riquezas y la minería ilegal, son algunos de esos factores que están presentes desde hace décadas en los pueblos negros colombianos, especialmente en la región del Pacífico.Mujeres y conflicto armadoIris y Pastora, dos víctimas del conflicto, representan el dolor causado por los diferentes grupos armados que se enfrentaron durante décadas en Colombia. Las conecta el dolor y la perdida, pero también la resiliencia y la esperanza, el amor y el sueño de una paz que sea estable y duradera. En Colombia, la mujer padeció como nadie el rigor de la guerra. Sus cuerpos fueron violentados, ultrajados y con el fin de debilitar al contrincante, fueron reducidas, ocupadas y asesinadas. La guerra les arrebató a sus amores, a sus hijos y sus tierras, dejándolas en el abandono absoluto. Sin embargo, ellas siguen apostándole a la paz como único camino posible para transformar toda una historia.Los pueblo indígenas entre dos pandemiasHistóricamente, los pueblos indígenas de Colombia han atravesado situaciones de conflicto y violencia. Los pueblos y comunidades que aún sobreviven en el territorio están en riesgo de desaparecer. Hoy, cuando los pueblos indígenas son los defensores y salvaguardas del territorio y del medio ambiente, deben enfrentar un conflicto que fue mutando de lo ideológico para ir generando en las regiones nuevos procesos basados en economías ilegales, deforestación, minería y cultivos ilícitos. Sumado a esto, los pueblos también se enfrentan al abandono del estado, la desconexión y la enorme corrupción en los municipios y departamentos donde habitan. En este contexto de enorme vulnerabilidad (lugares donde no hay agua potable ni centros médicos) aparece de golpe un nuevo factor, un escenario que amenaza con el exterminio general, el COVID-19.
La Franja Local es una de las pantallas de Cinemateca Rodante - Ser Audiovisual diseñada para programar obras audiovisuales que, estando inscritas en la Videoteca Local, representen las culturas audiovisuales de Bogotá desde sentidos amplios y diversos.La melodía del agua es una proyección de la Franja local en las salas de la Cinemateca de Bogotá, en donde conoceremos dos documentales realizados por seres audiovisuales que reflexionan acerca del valor de la vida y la importancia del agua desde el páramo hasta el manglar.Manglar (Juan Gordon, 2021) 23 min. ColombiaBasado en el álbum "Manglar" de Soul AM y Ruzto, Manglar cuenta la historia de cuatro personajes que viven en Necoclí, Colombia; sus días llenos de trabajo, amor, pasión, traición, miedo, tradición y música se cruzan entre sí como las raíces de los manglares.Agua sagrada (Jaime Murillo Eslava y Daniel Cortazar Triana, 2020) 70 min. ColombiaAgua Sagrada es un documental que muestra el elemento como una entidad viva con la cual se debe dialogar a través de diferentes lenguajes profundos como los rituales y la música. Agua Sagrada es un documental performativo, sin opiniones sobre su procedencia o uso, solo quiere mostrar la perfección de los lugares donde nace y el establecimiento del diálogo a través de la meditación, el canto o la palabra de los taitas, chamanes, mamos y personas que están en contacto diario con lo Sagrado. Invitamos al espectador a que tome sus propios pensamientos sobre ella.
El director Augusto Sandino describe al protagonista, el fotógrafo profesional Sebastián Pii, como un hombre con una personalidad arrolladora, carismática y sensible, a quien conoció cuando el joven era estudiante de fotografía y colaboraba en el departamento de arte de un cortometraje.Luego en 2014, cuando Sandino dirigía el simposio Cine de Autor, Sebastián reemplazó al fotógrafo del evento y siempre pasaba a la oficina del director a hacerle muchas preguntas y a charlar, lo que le permitió a Augusto conocer su obra y sus ideas, que siempre le parecieron muy interesantes.Sebastián tiene una condición que presentan menos de 100 personas en el planeta. Se llama Hallermann-Streiff, que genera principalmente, anomalías en el cráneo y los huesos faciales, lo que en palabras del director le permitía personificar la singularidad de F en esta película que abraza la diversidad con mucha transparencia. La trama de esta producción cinematográfica de ficción, se desarrolla en medio del exuberante y codiciado Páramo de Sumapaz, donde F, un solitario explorador y guardián de las montañas condenado por su destino, se sumerge en las posibilidades que le ofrecen sus sentidos. Frente al inminente regreso de la violencia, y superando sus limitaciones humanas, ha estado preparando su escapatoria, pero antes de perseguir una nueva dimensión, tendrá que enfrentar una dolorosa despedida.“Es una película mágica que engancha al espectador con el diseño sonoro que es increíblemente brutal, las piezas visuales, los efectos especiales y un personaje que tiene un desarrollo poético a lo largo de la historia”, asegura sobre la película Sebastián, quien logra transmitir esto al público, según lo confirma en su crítica, el especialista en cine, Mauricio Laurens: “¿Poema audiovisual? ¿Ensayo surrealista? ¿Ciencia ficción o de anticipación? Se podría clasificar esta excepcional película nacional en ese intimismo ambiental que advierte sobre los peligros de la extinción humana y animal; un realismo fantástico, maravilloso y vulnerable”.Sobre la interpretación de F vale la pena destacar que la figura frágil del protagonista, engaña, pues resulta ser, como lo describe el director, “un gladiador que se echó la película encima y nos sostuvo en momentos cruciales, se hizo fuerte y nos demostró con ejemplo su integridad y compromiso. La película es F, y su presencia escénica articula todo lo que he querido decir. No tengo más que cariño y profunda admiración por Sebastián”. Esto lo confirma Sebastián quien asegura que vivió momentos complejos, pero totalmente controlados en el rodaje que se realizó en el Páramo de Sumapaz a una altura de entre 3.200 y 4.500 metros sobre el nivel del mar.“Tengo que decir que lo más complejo no fue quedarme atrapado en una laguna muy fría o que un cerdo me arrojará varios metros sin sufrir ni un rasguño, sino entender que hacía parte de un engranaje donde todos en el equipo éramos importantes y donde cada persona estaba poniendo al servicio de la película toda su experiencia y conocimiento”, asegura el fotógrafo.Con la sinceridad que lo caracteriza, Sebastián regresa a las temáticas de la película y destaca que además del llamado a proteger los recursos naturales, especialmente los páramos, está la situación de los líderes ambientales y sociales en Colombia. “Los asesinatos de quienes protegen el medio ambiente son una realidad en los últimos 70 años en el país, pero no pasa nada, porque al Estado no les importan, solo son cifras”. La relación entre un padre y un hijo también es protagonista en la película del director Augusto Sandino, quien opina que el amor es el sentimiento que media la relación entre F y su padre. Amor y también cierta impotencia que se percibe en la película.
Ciro Durán nació en Convención¸ Norte de Santander en 1937. Allí inició su pasión por el cine, pero antes daría unos cuantos pasos en falso, estudiaría un par de semestres de química y tras la muerte de su padre —de quien heredó el gusto por el sétimo arte— se mudó a Caracas para estudiar Teatro y Cine. Su búsqueda narrativa pareció no tomarle mucho tiempo, Durán debutó en 1962 como director y productor con el mediometraje “La paga”, el cual narra las luchas campesinas de Venezuela, una realidad que le había impresionado, luego de vivir en Venezuela buena parte de su juventud. Después vino “Aquileo Venganza”, un largometraje que se grabó en Villa de Leyva y está enmarcado en la Guerra de los Mil Días, cuando grandes terratenientes atacaban a pequeños propietarios para quedarse con sus tierras.En su producción se destacan largometrajes como “Nieve tropical” (coproducción con Estados Unidos¸ 1990)¸ “La nave de los sueños” (1996) y “La toma de la embajada” (2000), que es su último filme y una recreación de la toma del M-19 de la embajada de República Dominicana en Bogotá, el 27 de febrero de 1980. Además, dirigió otras películas como “Las cuatro edades del amor” (1980), una de las tres partes de “Comment vont les enfants” (1990), “La nave de los sueños” (1996) de la que también fue guionista, mismo rol que asumió en la película “Juegos bajo la luna” (2000).Ciro fue distinguido con premios internacionales como el Donostia a los Nuevos Realizadores por “Gamín”, en el Festival de Cine de San Sebastián (España) en 1979. Aquí pueden ver el documental.
Después de la mitad de junio del 2021, cuando regresamos a las salas de cine en Colombia, la industria cinematográfica comenzó a recuperarse del largo año en el que nadie pudo asistir a las salas por las restricciones del Gobierno para enfrentar la pandemia del coronavirus. Algunas de las películas más esperadas del 2022La previsiones en su momento fueron esperanzadoras, teniendo en cuenta los estrenos de grandes títulos como'Encanto' y 'Spider-Man: No way home' que se estrenarían en el último trimestre del año. Ahora, con las cifras en la mano, Colombian Adminission & Boxoffice Control (CadBox) estipuló que la recaudación de la taquilla -Box Office, en inglés- ascendió a los $287.815 millones, mientras que en 2020 la cifra era de $118.716 millones, en 2021.Es decir, hubo un incremento del 142%.Sin embargo, si se comparan estas cifras con las logradas antes de la pandemia, aún falta mucho tramo por recorrer para lograr una recuperación total en el mercado cinematográfico en Colombia.En 2019, los ingresos en taquilla se elevaron en $652,577 millones, mientras que el 2018 el reporte fue de $552.764 millones.Gustavo Palacio, director de la Asociación Colombiana de Cine (Acocine), destacó en entrevista con el medio especializado de economía Portafolio que el sector “todavía se encuentra lejos de las cifras de 2019”. “La expectativa era cerrar el 2021 en un 34% o 35% del 2019, la distancia es larga”, agregó el empresario.Munir Falah, presidente y CEO de Cine Colombia, por su parte, aseguró que la asistencia a cine durante el mes de diciembre tuvo un récord, incluso, acercándose a los tiempos pre pandémicos. "Todo indica que la asistencia a cine en Colombia llegará a 27,6 millones en el 2021, frente al 2019 que fue año récord con 73,1 millones", especificó en su cuenta de Twitter.
DOC:CO LABS desarrollará en marzo, en el marco del FICCI 61 de 2022 en Cartagena, un nuevo espacio enfocado en crear estrategias y formar a productores, activistas y agentes de cambio de todo el país que lideren campañas de impacto que generen movilización y cambio social.Tras el éxito de ¡Acción! Laboratorio de Producción de Impacto, realizado a principios de 2021, DOC:CO LABS presenta “Del cine a la acción! – Laboratorio de Campañas de Impacto, lo que representa una oportunidad de reflexionar y aprender a crear estrategias de impacto para alcanzar audiencias, lograr alianzas poderosas y utilizar el cine y el arte como una herramienta de transformación.Dando continuidad al laboratorio de productores de impacto realizado en marzo de 2021, esta edición se realizará en el marco del próximo Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias - FICCI 61, con el apoyo de DW Akademie, y se centrará en la formación de diferentes personas de todo el país que quieran unirse a una red colaborativa de impacto.Una campaña de impacto es la estrategia para lograr ese cambio: definiendo objetivos claros, un plan de acción, identificando audiencias, aliados y grupos de interés. “En Colombia, los cineastas tenemos una pulsión fuerte por contar historias de nuestra realidad, de lo que toca nuestras fibras, lo injusto, lo hermoso y muchas veces el absurdo y el dolor que nos rodea, queremos generar reflexiones y ojalá, cambios en la sociedad a través de nuestras películas”, aseguró Marcela Lizcano, directora de DOC:CO LABS.Hay películas que tienen motivaciones profundas y mensajes poderosos que tienen que llegar más allá de las salas de cine y los circuitos tradicionales de distribución. Las historias audiovisuales a menudo tienen una misión y un mensaje que busca lograr un cambio, ya sea creando conciencia, inspirando acciones, fortaleciendo comunidades o cambiando políticas públicas.¿Quiénes pueden participar? - Todas aquellas personas que ven y usan el arte cómo herramienta para impulsar cambios sociales.- Productores/as, directores/as, distribuidores/as que estén interesados/as en realizar campañas de cambio social utilizando sus películas, ampliando sus audiencias y desarrollando estrategias creativas de distribución.- Agentes de cambio social, periodistas, sociólogos/as, antropólogos/as, trabajadores/as sociales, líderes comunitarios, con interés en incorporar las narrativas audiovisuales en su trabajo hacia la transformación social.¿Una película?- Duplas de cineastas con una película finalizada o en etapa avanzada de producción que tengan una idea de campaña de impacto para desarrollar en el LAB. Estas duplas o equipos de trabajo pueden ser: Productor/a - Productor/a de impacto / Director/a - Productor/a de impacto. Es importante que el equipo ya tenga claridad sobre la audiencia a la quiere llegar con la película y que tipo de mensaje o acción quiere movilizar a través de ella.Para postularse, debe llenar el formulario antes del plazo de cierre de la primera fase que termina el próximo 28 de diciembre hasta las 6 p. m., así como tener tiempo disponible para asistir todos los días al laboratorio de aprendizaje. Los seleccionados recibirán una carta para facilitar las gestiones de permiso de trabajo o estudio, el proceso de inscripción lo podrá realizar a través del siguiente link https://www.labs.docco.co/convocatoria/Si la escritura no es lo suyo o tiene alguna duda con el formulario puede contactar a labs@docco.co para ser guiado en el proceso. Un grupo de jurados evaluará todas las aplicaciones y los 30 participantes seleccionados serán becados.
El director de cine Jaime Osorio, creador de “Mil colmillos”, la primera serie colombiana de la plataforma HBOMax, falleció a los 46 años de edad al aplicarse la eutanasia por un cáncer que sufría desde hace más de cinco años, según medios locales.La Academia Colombiana de Artes y Ciencias Cinematográficas lamentó la muerte de Osorio y señaló que no tiene “palabras para describir este momento, sólo acompañar a sus familiares y amigos: “Lamentamos el fallecimiento del director colombiano Jaime Osorio, conocido por grandes producciones como: ‘El páramo’, ‘Siete cabezas’ y la serie ‘Mil Colmillos’ (HBO). Enviamos un mensaje de condolencias a sus familiares y amigos”, escribió el Ministerio de Cultura en Twitter.Osorio es recordado justamente por “El Páramo” (2012), su ópera prima con la que recibió el Premio Citizen Kane al director revelación en la edición 44 del Festival de Cine Fantástico de Sitges. También dirigió el largometraje “Siete Cabezas” (2017) y la serie de televisión “El Laberinto” (2011).“Mil colmillos”, entre tanto, trata la historia de un comando del Ejercito que tiene como misión acabar con un desconocido pero poderoso líder de una milicia de origen incierta y fue realizado en conjunto con la productora Rhayuela.“Se nos fue uno de los grandes referentes del sector audiovisual de nuestros país, Jaime Osorio, reconocido director, quien se destacó por producciones como: ‘El páramo’, ‘Siete cabezas’ y la serie ‘Mil colmillos’”, dijo la ministra de Cultura, Angélica Mayolo.
La 64ª edición de los premios Grammy se celebrará el 3 de abril en Las Vegas, tras haber sido pospuesta debido al avance de la variante ómicron, anunciaron los organizadores de la gala este martes. El comediante Trevor Noah - a cargo del programa "The Daily Show" - será el anfitrión de la prestigiosa ceremonia que premia lo mejor de la música y que será realizada en el MGM Grand Garden Arena.La Academia de la Grabación pospuso hace dos semanas el evento previsto originalmente para el 31 de enero "en medio de crecientes preocupaciones por la variante ómicron". La altamente contagiosa variante representa casi la totalidad de los nuevos casos registrados en Estados Unidos.En California, el estado más poblado del país, las autoridades sanitarias anunciaron este martes que fueron contabilizados más de un millón de nuevos contagios en la última semana, totalizando siete millones desde que comenzó la pandemia. Esta explosión de casos alteró la temporada de premios de Hollywood, posponiendo algunos eventos y llevando otros de vuelta al formato virtual.La ceremonia de los Grammy volvió a su formato presencial el 14 de marzo del año pasado, luego de ser pospuesta en 2021 por la pandemia de coronavirus. Se espera que este año la premiación marque el regreso al glamour de la celebración tradicionalmente realizada en el Staples Center, en Los Ángeles, y que consagre a artistas como Justin Bieber, Billie Eilish y Olivia Rodrigo, así como al músico de jazz y rhythm and blues (R&B) Jon Batiste, que tiene once nominaciones."Estamos emocionados de llevar los premios Grammy a Las Vegas por primera vez y de poner un espectáculo de primera línea", dijo en un comunicado Harvey Mason Jr., director ejecutivo de la Academia de la Grabación.
Obras surrealistas de Alberto Giacometti, inspiradas en su amistad con los artistas de este movimiento y más particularmente con el poeta André Breton, se exponen a partir del miércoles y hasta abril en el instituto Giacometti en París.Tres esculturas muy diferentes de "El hombre que camina", están en el centro de esta exposición, que pone de relieve los estrechos vínculos que mantenían los dos artistas y sus influencias recíprocas a través de su correspondencia y de cuadernos de dibujo de Giacometti.También se exponen una decena de cuadros (Miro, Arp, Dalí, Ernst...), procedentes de museos franceses y extranjeros y de colecciones privadas, así como una serie de fotografías que ponen de relieve a varias artistas mujeres de la época: Dora Maar, Leonora Carrington y Meret Oppenheim.Esta última realizó especialmente "La oreja de Giacometti", sorprendente pequeña escultura de bronce de 10 cm de altura, presentada en la exposición. En el corazón de este universo se encuentra la "Bola suspendida" (metal y yeso), una jaula dentro de la cual una esfera suspendida parece poder deslizarse sobre la arista de una medialuna, adquirida en 1930 por André Breton, líder del grupo surrealista.A su lado, el "Cubo" -poliedro irregular de doce caras, vinculado a la muerte y a la melancolía-, realizado por Giacometti a la muerte de su padre, y "El objeto invisible", una mujer semisentada que sostiene en sus manos un objeto invisible, inspirada por una semimáscara de metal, descubierta por los dos amigos en el mercado de pulgas en 1934.Compartiendo el gusto de los surrealistas por el automatismo, la irracionalidad, el onirismo o el juego del amor cruel, Giacommetti integrará el grupo durante cinco años (1930-1935) antes de alejarse, debido a divergencias de puntos de vista políticos y estéticos, entablando fuertes relaciones de amistad que conservará con varios de sus integrantes, en particular Breton.
El artista estadounidense Kaws instaló este martes sus pinturas pop y esculturas de colores en la Serpentine Gallery de Londres pero también en la réplica virtual del museo, situada dentro de Fortnite, el videojuego con cientos de millones de seguidores.En medio del césped helado de Hyde Park, en el centro de Londres, los espectadores apuntan con sus teléfonos al techo de la Serpentine Gallery. Pero no para tomar fotos del edificio de ladrillos rojos y columnas blancas sino porque, gracias a sus teléfonos móviles, aparece en realidad aumentada una gran escultura de un hombre azul sentado en el tejado, invisible a simple vista.La escultura es del neoyorquino, en cuya exposición, "Kaws: New Fiction", se entrelazan lo virtual y lo real. La exposición se compone de "tres capas", explica a la AFP el director artístico Hans Ulrich Obrist. "Está la exposición física en la Serpentine Gallery con pinturas y esculturas, luego los elementos de realidad aumentada y también la Serpentine Gallery en Fortnite", uno de los videojuegos más populares del mundo.Durante una semana, los 400 millones de seguidores del juego de Epic Games tienen acceso a una réplica exacta del museo dentro del videogame, que pueden recorrer con su avatar para ver las obras. Epic Games ha colaborado de forma similar con cantantes de renombre internacional para que den conciertos dentro del juego."Pero es la primera vez que Fortnite colabora con las artes visuales, con una galería pública", dice Obrist. Aunque considera que es "muy diferente" ver una exposición en un juego o físicamente, cree que las experiencias son "complementarias", sobre todo porque muchos visitantes no familiarizados con el mundo de los videojuegos pueden interesarse por ellos, y viceversa. "Para nosotros, se trata de llegar a públicos muy diferentes" y crear "un diálogo transgeneracional", añade el director artístico."La edad media de los jugadores de Fortnite", muy popular entre los adolescentes, "es mucho más joven que el visitante medio del museo", subraya Hans Ulrich Obrist, que "espera que toda una nueva generación se acerque a la galería". Sobre todo porque este proyecto "llegará a un público que probablemente sea diez veces mayor que el de la Bienal de Venecia", afirma el comisario de la exposición, Daniel Birnbaum. También para el artista, Brian Donnelly (su nombre real), el interés radica en hacer más accesible su obra.Sus estilizados personajes con cabeza de calavera ya se han visto en todo el mundo, en instalaciones gigantes y productos promocionales. Y ahora podrán atraer al público más joven de Fortnite con su aspecto pop, accesible y colorido. Kaws, que colabora por segunda vez con Fortnite, explica que sus obras se expondrán en el "creative hub", un modo específico del juego alejado de las partidas donde los jugadores luchan por ser el último superviviente. "No habrá tiroteos en la exposición", bromea, asegurando que la comunidad de jugadores es "diferente a lo que pensamos".En cuanto a si los jugadores se detendrán realmente a contemplar sus obras en el juego, "es difícil de decir", reconoce el artista. "Si llevas a un niño de once años a un museo tradicional, no sabes si va a mirar las obras. Es lo mismo", asegura.
La subasta de la residencia romana de los príncipes Ludovisi Boncompagni, con un excepcional mural de Caravaggio, fue declarada desierta, informó este martes a la AFP el notario encargado. "Nadie participó en la subasta", aseguró Camilo Verde, quien precisó que la próxima subasta tendrá lugar el 7 de abril y partirá de un valor reducido en cerca de un 20%.El monumental Casino de la Aurora, más conocido como Villa Ludovisi, un imponente palacio de 2.800 metros cuadrados, repartido en seis plantas con un suntuoso jardín, ubicado en el corazón de Roma, a pocos de pasos de la célebre Vía Veneto y de Villa Borghese, se encuentra en uno de los sectores más elegantes de la capital.La residencia campestre de una de las familias aristocráticas más ricas y poderosas de Italia conserva además del Caravaggio, frescos de Guercino (1591-1666), reconocido pintor barroco de Bolonia, así como antiguas estatuas. Se estimaba que el Casino de la Aurora, una verdadera joya del barroco romano, tenía un valor de 471 millones de euros (537 millones de dólares), pero esa estimación bajó a 376 millones de euros para la próxima subasta.Si la residencia se vende a un precio cercano al fijado como inicio por la subasta, sería una de las ventas de bienes raíces registradas públicamente más caras de la historia. La subasta fue decidida por un tribunal de Roma para poner fin a las disputas entre los herederos del príncipe Niccolo Ludovisi Boncompagni, quien falleció en 2018 a los 77 años.El enfrentamiento familiar entre la tercera esposa del príncipe, Rita Jenrette Boncompagni Ludovisi, una pintora estadounidense de 72 años que posó para Playboy, y los hijos nacidos del primer matrimonio, obligó a los jueces a subastar la villa debido a que ninguno ha podido hacer frente a la hipoteca por los altos gastos de mantenimiento.Una petición lanzada por la página change.org ha recaudado más de 35.000 firmas para pedir que el Estado intervenga. Los firmantes piden que Italia ejerza su derecho de compra y conviertan el lugar en un museo y centro cultural. Según la ley italiana, el gobierno puede ejercer su derecho sólo después de que haya sido efectivamente adquirida por un particular, dentro de un plazo de 60 días de la conclusión de la venta y ofreciendo el mismo precio de compra.
La cineasta Yang Yonghi solo tenía seis años cuando su hermano mayor se fue de Japón rumbo a Corea del Norte. Era uno de los estudiantes que las familias coreanas regalaban al régimen por el 60º cumpleaños del dirigente Kim Il Sung. Antes de que el barco zarpara de Niigata, bajo una lluvia de confeti y con el himno norcoreano sonando de fondo, su hermano le dio una nota: "Yonghi, escucha mucha música. Mira todas las películas que quieras".Corría el año 1972. Un año antes, sus padres, miembros de la comunidad coreana "Zainichi" de Japón, le habían reservado el mismo destino a otros dos de sus hijos. Lo hicieron encandilados por la promesa del régimen de un paraíso en el que la educación y la atención médica serían gratuitas; y el empleo, abundante.El trauma vinculado a esas dolorosas separaciones impregna todos los filmes rodados por Yang Yonghi. La directora, nacida en Osaka, menciona el sufrimiento padecido por varias generaciones de su familia, desde el fin de la colonización de Corea por parte de Japón a las décadas que siguieron a la división de la península. "Mis padres entregaron su vida a [...] un proyecto insensato que los obligó a sacrificar a sus propios hijos", cuenta, con dolor, Yang, de 57 años. A ella, el cine le ha permitido expulsar sus demonios y darle un sentido a la devoción de sus padres por un Estado aislado y represivo del que sus hermanos nunca han podido escapar.Su padre, activista pro Corea del Norte en Osaka, envió a sus hijos en el marco de un programa de repatriación organizado entre Pyongyang y Tokio. Entre 1950 y 1984, cerca de 93.000 coreanos radicados en Japón se mudaron a Corea del Norte a través de esa iniciativa. El hermano mayor de Yang Yonghi era uno de los 200 estudiantes elegidos para honrar a Kim Il Sung.Las promesas del régimen quedaron prácticamente en agua de borrajas pero los "zainichi" recién instalados se vieron obligados a permanecer en Corea del Norte, y los esfuerzos de sus familias en traerlos de vuelta fueron en vano. Los padres de Yang Yonghi "no tuvieron otra elección que mostrarse aún más comprometidos con el régimen, para que los hijos estuvieran seguros" en Corea del Norte, recuerda la directora. Pero, al contrario que sus padres, ella se rebeló."Yo quería ser libre", explica a la AFP. "Podría haberme hecho pasar por japonesa y no ser honesta sobre todo ese asunto de mi padre y mis hermanos, y hacer como si no viera ningún problema" en ello, señala. "Pero para liberarme realmente, tuve que enfrentarme a todos ellos". Después de dar clases en un liceo vinculado a Pyongyang durante tres años, Yang Yonghi se fue a Nueva York a estudiar cine documental.La dirección de filmes será su catarsis. Su primer documental, "Dear Pyongyang" ("Querido Pyongyang", 2005), fue muy aplaudido por la crítica, sobre todo en los festivales de Sundance y de Berlín. Con planos grabados durante sus visitas a sus hermanos, en Pyongyang, el filme ofrece una mirada independiente e inusual de Corea del Norte. Después de aquello, Yang Yonghi obtuvo la nacionalidad surcoreana por lo que ya no puede visitar a sus hermanos. "Es un precio enorme, pero no me arrepiento en absoluto. Al menos, me he mantenido fiel a mi deseo: hacer una película y contar una historia sobre mi propia familia", enfatiza.El último trabajo de la cineasta es el filme "Soup and Ideology" ("Sopa e ideología"), cuyo estreno está previsto este año. La cinta está dedicada a su madre, Kang Jung-hee, rescatada de la sangrienta represión orquestada por las fuerzas surcoreanas en la isla de Jeju de 1947 a 1954 para aplacar una insurrección y que desembocó en la muerte de al menos 30.000 personas, según los Archivos Nacionales de Corea. Entre ellos, se encontraba su prometido y varios familiares suyos."Mi madre quería desesperadamente una patria. Quería vivir en Jeju, pero la obligaron a irse. Ella no se veía quedándose en Japón", declara Yang. "Buscaba un gobierno en el que pudiera confiar, y creyó en Corea del Norte", cuenta. Durante 45 años, la madre de la directora envió comida, dinero y otros bienes a los hijos que tenía en Pyongyang. La cineasta tiene un recuerdo de su madre "anormalmente y excesivamente feliz" en público, diciéndole a la gente que a sus hijos les iba bien en Pyongyang "gracias a los dirigentes norcoreanos". "Pero en casa, lloraba a solas", dice.Uno de sus tres hermanos ha muerto y los otros dos siguen en Corea del Norte. Sin embargo, Yang no piensa callarse nada. "Desde joven, me han dicho constantemente: 'no digas esto, no digas aquello, di siempre esto', pero yo no quiero, sea cual sea el precio que tenga que pagar", sostiene.
