Carl Maria von Weber comenzó a componer la partitura de Los tres Pintos en 1821 y trabajó en ella de vez en cuando hasta 1824. Tras su muerte (en 1826) la desconsolada familia de Weber hizo varios intentos fallidos para completar Los tres Pintos. Caroline la viuda de Weber llevó el borrador a Giacomo Meyerbeer, compositor y amigo de Theodor Hell, el libretista, pero por alguna razón, Meyerbeer no hizo nada y, 26 años después, justo antes de que Caroline muriera, los fragmentos le fueron devueltos intactos. Su hijo Max se acercó entonces a varios compositores en busca de uno que terminara la ópera, pero le aconsejaron que "se rindiera".Después de la muerte de Max en 1881, su hijo Carl (nieto de Carl padre) heredó el patrimonio musical del compositor y continuó vigorosamente la tarea de intentar encontrar a alguien que completara la ópera. Finalmente se encontró con Gustav Mahler, de 26 años, que trabajaba como segundo director en el Stadttheater de Leipzig durante la temporada 1886-1887. Mahler estaba dispuesto a ayudar y se convirtió en un visitante habitual de la residencia de los Weber (aparentemente para ocuparse de asuntos operísticos, aunque también estaba enamorado de la esposa de Carl, Marion)La música del interludio entre los actos I y II (el sueño de Pinto) y el final en dos partes del acto III fueron escritas por Mahler, basadas en los leitmotivs y temas de Weber, y el propio Gustav Mahler en el Teatro de La Ópera de Leipzig, presentó al público la ópera (Los tres Pintos), el 20 de enero de 1888.La historia de Los tres Pintos de desarrolla en España, a finales del Siglo XVIIActo IDon Gastón Viratos, antiguo alumno de Salamanca se despide de sus amigos antes de partir hacia Madrid, donde será funcionario del gobierno y espera encontrar novia. Inés, hija del posadero con el que se celebra la despedida, le cuenta a modo de aviso el "romance del gato enamorado Mansor". Aparece don Pinto de Fonseca, un hacendado rural gordo y tonto; va de camino de Castilla a Madrid para casarse con la rica doña Clarissa. El matrimonio ha sido concertado entre los dos padres y él está preocupado por el encuentro con la chica, a la que nunca ha conocido: ¿cómo se corteja a la futura esposa? Gastón le enseña al hombre sin remedio todas las artes del apasionado amante, y su sirviente Ambrosio tiene que hacer el papel de la novia afectada. Cuando Pinto, ahora exhausto, recurre a la comida y la bebida, Gastón decide salvar a la hermosa muchacha desconocida de este grosero pretendiente: emborracha a Pinto y le quita la carta prometiendo matrimonio. Para diversión de los invitados, Gastón y Ambrosio acostaron al dormido Don Pinto para que duerma su borrachera y pueden continuar tranquilamente hacia Madrid en su aventura matrimonial.Podrá escuchar esta obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral el domingo 21 de enero a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La leyenda del beso es una zarzuela en dos actos, dividida en tres cuadros. Con libreto de Enrique Reoyo, José Silva Aramburu y Antonio Paso, y música de los maestros Reveriano Soutullo y Juan Vert, se estrenó con gran éxito en el Teatro Apolo de Madrid, el viernes, 18 de enero de 1924.Escuchemos en Canto y Música Coral por HJCK.com la versión que nos ofrece el sello discográfico Montilla, con el siguiente reparto:Amapola por Dolores Pérez, Simeona por Luisa de Córdoba, Mario por Alberto Aguilá, Iván por José Picaso, Gorón por Santiago Ramalle, Gurko por Tino Moro, Coral por Alicia Olabarría y Ernesto por José Peromingo. Acompañados por Coro de la Radio Nacional de España y Orquesta de Cámara de Madrid bajo la dirección de Enrique Estela.Aquí el argumento de la obra: La escena se desarrolla en el parque de un castillo señorial en tierras castellanas.Artes de levantarse e1 te1ón se oyen lejanos 1os cantos de los gitanos "Cantando amarguras, recorro el sendero..." Al levantarse el telón, presenciamos una brillante escena de regreso de montería. Llegan los cazadores y entonan una alegre canción de caza.Terminada la canción, se sucede una animada escena entre el Conde Mario, dueño del parque donde se desenvuelve la acción, y sus invitados. Durante esta escena, un criado del castillo anuncia a Mario que unos gitanos desean solicitar permiso del Conde para acampar por unos días en los terrenos del parque. Llegan1os gitanos cantando.Terminado el canto de los gitanos, su jefe Alesko, solicita cortésmente el permiso para permanecer allí por unos días. Dice, para reforzar su petición, que veinte años atrás la misma tribu acampó en aquellos terrenos y fue regiamente atendida por el padre del actual Conde. Mario accede a que la tribu acampe en el parque y pone como condición que los gitanos le dediquen a él y a sus invitados una de sus típicas zambas. Así se acuerda y cuando la tribu va a retirarse, Mario se fija en una de las gitanas, 1a bellísima Amapola, a la que retiene unos momentos. Este aparte, es sorprendido por Iván, gitano enamorado de Amapola, al que tiene que contener Madre Ulita, la hechicera de la tribu, para evitar que se abalance sobre el Conde. Iván, acto seguido, declara su amor a Amapola.Los invitados entraron en el palacio y, mientras, hay una corta y cómica escena en la que Cristóbal advierte a su novia Simeona que ande con cuidado porque ha visto que uno de los señores, Gorón, le dedica algunos galanteos. Ella asegura que no es cierto y consigue que su padre se lleve de allí a Cristóbal.Salen los invitados después de la serenata de Mario y cuando estaban todos hablando, se oyen unos gritos pidiendo auxilio. Llega un criado anunciando que un jabalí, que fue herido durante la cacería y consiguió escapar, atacó a una de las gitanas. Corren todos en su busca y es Mario el que la encuentra, resultando ser la gitana Amapola, a la que trae desmayada en sus brazos. Canta con ella un romántico dúo, en el curso del cual le pide un beso, pero la gitana Ulita, que ha escuchado esta petición, impide que el Conde bese a Amapola y cuenta, para justificar su interrupción, la leyenda del beso: “La madre de Amapola fue una gitana bellísima que huyó de la tribu seducida por un rey. Este la abandonó más tarde y, por fin, vieja y enferma, regresó a la tribu. Poco antes de morir reunió a los suyos y sobre la cuna de Amapola dormida, pronunció su terrible maldición. Amapola sería como ella misma, bellísima y codiciada por muchos hombres, pero aquel que la besara, encontraría con el beso la muerte”Mario dice que no le importa la muerte si puede besar a Amapola y cuando está a punto de conseguirlo, se oye lejano el canto de los gitanos, y Amapola huye hacia los suyos.Escuche la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral el domingo 14 de enero a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Händel compuso Ariodante, en gran medida, entre agosto y octubre de 1734. La ópera se estrenó en el Teatro Covent Garden de Londres, el 8 de enero de 1735.Ariodante nos narra la historia de Ginevra, hija del Rey de Escocia, prometida en matrimonio a Ariodante y Polinesso, un celoso rival de Ariodante, que con ayuda de Dalinda, Polinesso engaña a Ariodante y le hace creer que Ginevra es su amante.La versión de Ariodante la ópera en tres actos con música de Georg Friedrich Händel que presentaremos por HJCK.com cuenta con el siguiente reparto:Ariodante, un príncipe vasallo por Lorraine Hunt Lieberson, Ginevra, hija del rey de Escocia, prometida de Ariodante por Juliana Gondek, Dalinda, ayudante de Ginevra, enamorada en secreto de Polinesso por Lisa Saffer, Polinesso, Duque de Albany por Jennifer Lane, Lurcanio, hermano de Ariodante por Rufus Müller, El Rey de Escocia por Nicolas Cavallier y Odoardo, favorito del rey por Jörn Lindemann.Los acompañan El Conjunto Vocal de Wilhelmshaven dirigido por Ralf Popken y la Orquesta Barroca de Friburgo, bajo la dirección de Nicholas McGegan.Aquí el argumento y la acción del primer acto de la obra: La bella Ginevra, princesa de Escocia, le confiesa a su dama Dalinda que está enamorada y que su amor es aprobado por su padre, el Rey. El villano Polinesso, duque de Albany, corteja a Ginevra, quien lo desprecia. Dalinda le revela a Polinesso que Ariodante es el amado de Ginevra y, por tanto, su rival para suceder al Rey. Dalinda insinúa su propio amor por Polinesso, quien planea emplearlo para la destrucción de Ginevra.En el jardín del Palacio: Ginevra y Ariodante se declaran su amor. El Rey entra, bendice su cariño y promete hacer de Ariodante su heredero. Ordena los preparativos para las celebraciones, y Ariodante se regocija porque ya no necesita temer al destino. Polinesso pone en marcha su complot convenciendo a Dalinda de que se haga pasar por Ginevra y lo admita en la habitación privada de Ginevra en el palacio, jurando que luego huirá con ella. Lurcanio, hermano de Ariodante, le confiesa su amor a Dalinda, quien le reitera su amor a Polinesso. En un hermoso valle, Ariodante canta la alegría y el brillo de su vida. A él se une Ginevra para un dúo de amor, y el acto termina con coros y danzas de ninfas, pastores y pastoras en alabanza a la constancia.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral el domingo 7 de enero a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
El libreto fue escrito por Felice Romania partir de la obra Lucrezia Borgia de Victor Hugo, quien se basó en la leyenda de Lucrezia Borgia, la hija de Rodrigo Borgia, el poderoso renacentista valenciano que más tarde se convirtió en el papa Alejandro VI.La ópera Lucrezia Borgia, con música de Gaetano Donizetti se representó por primera vez hace 190 años, el 26 de diciembre de 1833 en La Scala de Milán.La versión que ofrecemos hoy en HJCK.com cuenta con el siguiente reparto: Lucrezia Borgia, duquesa de Ferrara por Montserrat Caballé, Don Alfonso, duque de Ferrara por Ezio Flagello, Gennaro, hijo de Lucrezia por Alfredo Kraus, Maffio Orsini por Shirley Verrett, Rustighello, al servicio de Don Alfonso por Giuseppe Baratti, Astolfo, al servicio de Lucrecia por Robert El Hage y Jeppo Lierotto, joven noble al servicio de la República por Franco Ricciardi.Acompañados del Coro y Orquesta del sello discográfico estadounidense RCA Victor, con sede en Italia, bajo la dirección de Jonel Perlea.El argumento de Lucrezia Borgia no puede llamarse placentero, pues abunda en horrores espeluznantes. Lucrezia Borgia era una figura famosa de una familia patriciana (término procede del latín pater en referencia a los fundadores, es decir, a los primeros padres de Roma), Los Borgias, célebres por sus diabólicos triunfos como envenenadores.Lucrezia Borgia se casa en segundas nupcias con don Alfonso, duque de Ferrara. De su primer matrimonio tuvo un hijo llamado Gennaro, cuya existencia el Duque ignora. El niño en su nacimiento fue puesto al cuidado de un pescador, que lo educó como su propio hijo.Lucrezia, que a pesar de sus instintos criminales siente aún anhelos maternales hacia su hijo, se dirige disfrazada a Venecia con el fin de ver una vez más al fruto de su primer matrimonio.Lo encuentra en compañía de unos jóvenes despreocupados venecianos. Lucrezia los vigila, y poco después Gennaro, cansado de la jovialidad de sus compañeros, se retira a una galería donde desea descansar, y a poco se queda dormido en un banco. Lucrezia, aprovechando esta oportunidad, se acerca a Gennaro, y contemplando la hermosura de su hijo, se olvida de todo excepto de que es madre.Estampa un beso en la mejilla del joven, y se dispone a marcharse cuando Gennaro se despierta y le pregunta quién es. Poco a poco la conversación gira en torno de la madre de Gennaro, a quien dice el joven que nunca ha visto. Sintiéndose atraído por la dama desconocida, le cuenta su pasado.Lucrezia se despide de él, y está a punto de salir cuando aparece Orsini, que la reconoce en seguida, y después de relatar brutalmente uno por uno todos sus crímenes, cuenta al atónito Gennaro que la dama que está presente es Lucrezia Borgia. Todos se apartan de ella, y Lucrezia se desmaya.Más tarde Gennaro demuestra su odio y desprecio hacia los Borgia, arrancando el escudo de armas que adorna la puerta del palacio de Lucrezia, lo cual da lugar a que el Duque ordene su detención.Lucrezia, ignorando quien ha sido el que ha profanado su hogar se queja al duque, que promete castigar severamente al culpable.Manda buscar a Gennaro, y al verlo Lucrezia reconoce en seguida a su hijo. Horrorizada se dirige a su esposo para que perdone por esta vez al joven. Sin embargo, el duque se muestra inflexible y obliga a Lucrezia que ella misma entregue a su propio hijo una copa conteniendo mortal veneno. Ella obedece, pero poco después logra que el joven beba un antídoto con el cual logra salvarse.Puede escuchar la obra completa el próximo 31 de diciembre en la nueva edición de Canto y Música Coral a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
El Pesebre es un oratorio con música de Pablo Casals y letra de Joan Alavedra i Segurañas. La traducción correcta al castellano es el belén o el nacimiento, ya que el pesebre es el nombre dado en Cataluña a la representación artística por medio de figuras del nacimiento de Cristo, que se hace durante la época navideña, y es esta acepción de la palabra catalana Pessebre la que da título al oratorio.En 1944, el poeta Joan Alavedra entregó a Pablo Casals el texto de El Pesebre y animó al músico a escribir un oratorio creado en una atmósfera y un carácter catalanes. Casals trabajó por años y acabó las tres primeras partes de la obra. Y cuando la Naciones Unidas lo invitaron, para decir un mensaje de paz, que, junto con su arte extraordinario, llegara a todos los rincones del mundo renació en Casals la idea de seguir trabajando en su Oratorio El Pesebre y en 1960 revisó lo que ya estaba hecho y acabó la cuarta y última parte, en la que quiso ofrecer, en un gran coral, el mensaje de sus íntimos sentimientos de artista que sabe que tan sólo la Paz puede salvar el género humano de sus infinitos errores.El 17 de diciembre de 1960, Pablo Casals estrena en el Fuerte de San Diego en Acapulco (Guerrero, México), como agradecimiento al país que había recibido a los españoles exiliados, el oratorio que había compuesto con ideales pacifistas desde los años cuarenta: El Pesebre.El oratorio consta de un prólogo y cuatro partes que describen la Anunciación a los pastores, La llegada de los Reyes de Oriente, El pesebre y La adoración de los pastores. La partitura, como ya lo dijimos, termina con el Gloria, un canto a Dios subrayando el deseo de Paz.Hoy en Canto y Música Coral por HJCK.com lo escucharemos esta magnífica obra de Pablo Casals, El Pesebre, en versión de Olga Iglesias, soprano; Maureen Forrester, mezzo-soprano; Paulino Serrea, tenor; Carlos Serrano y Pablo Elvira, bajos, el Coro del Conservatorio de Puerto Rico dirigido por Alexander Schneider y la Orquesta del Festival Casals bajo la dirección del propio compositor, Pablo Casals.Podrá escuchar la obra en la nueva edición de Canto y Música Coral el 24 de diciembre a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de HJCK.
La pieza que escucharemos en Canto y Música Coral seráHänsel y Gretel, la ópera en tres actos con música de Engelbert Humperdinck y libreto en alemán de Adelheide Wette, la hermana de Humperdinck, basado en el cuento homónimo de los hermanos Grimm.Después de varios cambios, los borradores y las canciones se convirtieron un singspiel (género musical cercano a la opereta) y finalmente, en una ópera completa, cuya primera representación escénica, bajo la batuta de Richard Strauss, tuvo lugar en el Hoftheater de Weimar el 23 de diciembre de 1893, hace 130 años.Los solistas de la versión que ofrecemos en HJCK son: Anna Moffo en el papel de Hänsel, Helen Donath interpreta a Gretel, Dietrich Fischer-Dieskau, es Peter, el padre de Hänsel y Gretel, Charlotte Berthold es Gertrud, madre de Hänsel y Gretel, Christa Ludwig en el papel de ‘la bruja’, El hombre de arena es interpretado por Arleen Auger y el Hada del Rocío por Lucía Popp.Acompañados el Coro de niños de Tölz y la Orquesta de la Radio de Múnich, bajo la dirección de Kurt Eichhorn.Este es el argumento y acción de la obra:La acción de Hänsel und Gretel se divide en tres actos. Después de la obertura, que comienza con el tema de la Bendición de la tarde y desarrolla sinfónicamente varios temas de la ópera, se levanta el telón sobre la pobre vivienda del fabricante de escobas. Hänsel y Gretel están ocupados fabricando escobas y tejiendo calcetines. Canciones y juegos interrumpen su reacio trabajo. La hermana anima a su sombrío hermano y le revela que su vecino ha traído una olla de leche para preparar arroz con leche para la cena. Los niños felices bailan alrededor de la mesa. La madre pasa desapercibida. Furiosa con los dos holgazanes, toma un bastón y, tratando de atrapar a Hänsel, tira el recipiente de leche de la mesa. Hay que reponer la cena desperdiciada y la madre envía a los niños al bosque a buscar bayas. Agotada y desesperada, se queda dormida. Escuchamos la canción del fabricante de escobas cuando regresa de un buen día de trabajo en el mercado, entrando en casa ligeramente borracho con una canasta llena de comida deliciosa ("incluso un cuarto de café"). Al preguntar por los niños, descubre que Madre los ha enviado, precisamente, a Ilsenstein, donde una bruja malvada atrae a los niños a su casa de jengibre y los devora. Los padres asustados corren hacia el bosque.Puede escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral, presentado el próximo domingo 17 de diciembre a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La versión que transmitiremos hoy en Canto y Música Coral por HJCK.com, grabada en 1973 por el sello discográfico RCA Victor contó con el siguiente reparto:El Califa por Bernd Weikl, Baba Mustapha, Cadí por Gerhard Unger, Margiana, hija de Baba Mustapha por Sylvia Geszty, Bostana, una pariente del cadí por Trudelise Schmidt, Neruddin, el héroe por Adalbert Kraus, Abul Hassan Ali Ebn Bekar, el barbero por Karl Ridderbusch Tres Muezzin (personas designadas en una mezquita para dirigir, y recitar, el llamado a la oración por Peter Schranner, Albert Gassner y Heinrich Weber, El esclavo del cadí por Karl Kreile.Estarán acompañados por El Coro de la Radio Bávara dirigido por Josef Schmidhuber y la Orquesta de la Radio de Múnich bajo la dirección de Heinrich Hollreiser.Aquí el argumento y el primer acto:Amanece y Nureddin está tumbado en un sofá de su casa, rodeado de frascos de medicinas y sus sirvientes, alimentando su amor desesperado por Margiana. Al quedarse solo, Nureddin despierta de sus fantasías, pero aun así está cautivado por su amor por Margiana, la hija del Cadi Baba Mustapha. (Cadí en musulmán es el cargo que se le da a la persona que realiza funciones civiles, judiciales y religiosas.)Bostana, una anciana parienta del Cadí, le ayudará a aliviar sus sufrimientos. Le ha contado a Margiana el noviazgo de Nureddin y ahora reaparece con la respuesta de Margiana: este mismo día lo recibirá en su habitación cuando su padre vaya a la mezquita al mediodía. Bostana le mostrará el camino. Antes de que se vaya Bostana le dispone un baño y un afeitado a Nureddin; él está de acuerdo y ella le recomienda a su barbero favorito, Abul Hassan Ali Ebn Bekar. Nureddin está demasiado ocupado en sus ensoñaciones para notar la entrada del barbero, llevando consigo su toalla, su palangana, un espejo y otros aparatos de su profesión, y, además, un astrolabio, con el que está acostumbrado a predecir el futuro de sus clientes.Nureddin está ansioso por que lo afeiten inmediatamente, pero está con el hombre más locuaz de Bagdad, y el barbero le cuenta detalladamente y en una serie de ingeniosas rimas lo afortunado que es que Nureddin lo haya elegido para realizar el trabajo necesario.La impaciencia de Nureddin aumenta rápidamente y grita a sus sirvientes que vengan y lo liberen de esta plaga de barbero. Sus intentos tienen éxito hasta cierto punto, pero, justo cuando lo llevan a la puerta, su cliente deja escapar la palabra "Margiana" de sus labios. Esto inicia una avalancha de reminiscencias y una indagación sobre las circunstancias particulares de esta historia de amor.Le horroriza saber que Margiana es la hija de Cadi Baba Mustapha, un villano. Nureddin le aconseja volver con sus sin duda innumerables clientes, pero Abul, que, según sus propias palabras, debe la pérdida de sus seis hermanos al desastroso y fatal efecto del amor, insiste en acompañarlo. Nuevamente Nureddin tiene que llamar a sus sirvientes y les ordena que atiendan al barbero, quien, según les dice, está muy enfermo; que lo acuesten y lo mantengan allí, sin escatimar remedio alguno. Los sirvientes logran atrapar a Abul, al que depositan en el sofá, cubriéndolo con cojines y preparando navajas y lancetas para "curarlo".Escuche la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral el domingo 10 de diciembre a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La senadora vitalicia y superviviente de Auschwitz Liliana Segre, la encargada de presidir la función en ausencia del presidente de la República, Sergio Mattarella, fue recibida con una fuerte ovación al llegar al Palco Real, donde la acompañaron el presidente del Senado, Ignazio La Russa, y el alcalde de Milán, Beppe Sala.Antes del inicio de la ópera, el superintendente de La Scala, Dominique Meyer, celebró con el público del famoso templo de la ópera la declaración del canto lírico italiano como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, unas palabras que fueron aplaudidas por los asistentes.Junto a Almodóvar y Smith también pudo verse en una Scala especialmente embellecida a la cantante italiana Ornella Vanoni, la mítica soprano Raina Kabaivanska, el arquitecto Stefano Boeri y la estrella italiana de la danza Roberto Bolle, entre otros rostros conocidos.El 7 de diciembre es una cita imperdible para cualquier amante de la lírica: además de en Italia, el "Don Carlos" de Lluis Pasqual llegará a otros países en directo televisivo como Austria, Bélgica, Francia, Alemania, Luxemburgo, Suiza, Portugal, República Checa e incluso Japón, y en otros lugares como España y América Latina podrá verse en cines.Será un espectáculo de evocación hispana, no solo porque el "Don Carlos", adaptación de la tragedia de Friedrich Schiller, habla del enfrentamiento ficticio entre Felipe II y el infante Carlos, sino porque Pasqual se inspiró en Castilla para su puesta en escena.Este día de San Ambrosio, patrón de Milán, está consagrado a la ópera y ya se prueba la pantalla gigante desde la que se puede seguir la "Prima" en la Galería Vittorio Emanuele desde la calle, resistiendo al frío.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La versión que presentaremos en Canto y Música Coral cuenta con el siguiente reparto: Ángela de Olivares, una novicia por Sumi Jo, Brigitte de San Lucar, su compañera monja y confidente por Isabelle Vernet, Horacio de Massarena, un joven noble español por Bruce Ford, Conde Julián, amigo de Massarena por Patrick Power, Jacinta, ama de llaves de Juliano por Martine Olmeda, Gil Pérez, amante de Jacinta por Jules Bastin, Úrsula, otra monja, posteriormente abadesa del convento por Doris Lamprecht, Lord Elfort, un diplomático británico por Gilles Cachemaille.El reparto estará acompañado por el coro 'Voces de Londres' y la Orquesta Inglesa de Cámara bajo la dirección de Richard Bonynge.Aquí le dejamos el argumento y el primer acto de esta ópera: Un año antes de comenzar la acción, un joven español, Horacio de Massarena, estuvo en un baile de máscaras organizado por la reina la noche de navidad en su casa de Madrid. Allí conoció a una joven mujer de quien queda prendado y a quien confía su historia, sus esperanzas y sus temores, pero sin preguntar su nombre hasta que ella se despoja de su máscara y levantándose de prisa sale con su acompañante en un coche de alquiler.Un año después, Horacio asiste al mismo baile con la esperanza de encontrar de nuevo a su bella desconocida. Ella entra, con el mismo acompañante.El interés de la acción radica en gran parte en que ni él ni el público descubren su identidad antes del último acto. Para claridad del presente argumento, hemos sin embargo de anticipar los hechos y revelar que la desconocida es una prima de la reina, Ángela de Olivares.Este segundo baile es para la joven novicia su última salida al mundo antes de que tome sus votos definitivos ante la abadesa del convento de Las Anunciadas. Su compañera, Brigitte, es también novicia, pero ha decidido renunciar a sus votos para buscar esposo.Este segundo baile es para Ángela (la novicia) fértil en aventuras. El conde Julián, alegre compañero de Horacio, piensa ayudar a su amigo para obtener una larga conversación con la bella desconocida y hace creer a Brigitte que es cerca de medianoche, hora en la que cierran las puertas del convento.Creyendo que Ángela se ha ido, Brigitte sale precipitadamente del baile y Ángela que se ha tardado más de la hora convenida, (y como Cenicienta, tiene que salir antes de la medianoche), parte precipitadamente convencida de que su escapada será descubierta y su reputación arruinada.Puede escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral el domingo 3 de diciembre a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La vibración de la voz se eleva en un auditorio lleno de gente, los ojos expresivos acompañan la voz melodiosa de un ruiseñor vestido de rojo y adornado con diamantes, María Callas se alza en vuelo, rodea la Ópera de París en un canto que hipnotiza al mundo. Maria Callas, una de las sopranos más destacadas del siglo XX, nació el 2 de diciembre de 1923 en Nueva York y falleció el 16 de septiembre de 1977 en París. Su nombre completo era María Anna Sofia Cecilia Kalogeropoúlou y, a lo largo de su carrera, se ganó el apodo de "La Divina" por su excepcional talento vocal y dramático.Desde muy joven, Callas mostró un interés innato por la música y comenzó su formación musical en Atenas, su ciudad natal, antes de trasladarse a Estados Unidos para estudiar en el conservatorio de música de Nueva York. Su debut operístico tuvo lugar en Atenas en 1941, y desde entonces su carrera ascendió vertiginosamente.Callas se destacó por su capacidad para abordar una amplia variedad de roles, desde los bel canto de Bellini hasta las intensas óperas de Verdi y Puccini. Su voz única combinaba una agilidad asombrosa con una rica resonancia, permitiéndole navegar por pasajes técnicamente desafiantes con gracia y expresividad. Sin embargo, más allá de su destreza vocal, fue su habilidad para infundir cada interpretación con una profunda emotividad lo que la convirtió en una leyenda.A lo largo de su carrera, Callas trabajó con algunos de los directores más destacados de la época, incluyendo a Tullio Serafin y Herbert von Karajan. Su colaboración con el director de escena Franco Zeffirelli también fue fundamental para su éxito en la interpretación dramática de los personajes operísticos.Aunque su carrera estuvo salpicada de desafíos personales y controversias, incluyendo su famoso romance con Aristóteles Onassis, Callas sigue siendo una figura venerada en el mundo de la ópera. Su habilidad para dar vida a personajes complejos, su entrega apasionada en el escenario y su capacidad para reinventarse la han convertido en un ícono eterno.La influencia de Maria Callas en el mundo de la música clásica es innegable, y su legado perdura no solo en sus grabaciones aclamadas sino también en la inspiración que ha brindado a generaciones posteriores de cantantes líricos. Su vida y arte se entrelazan en una narrativa fascinante que sigue cautivando a amantes de la ópera en todo el mundo.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En Los últimos sufrimientos del Salvador (compuesta por Carl Philipp Emanuel Bach entre 1769 y 1770), se concentran, por así decirlo, los principios compositivos más esenciales y se ofrece una visión profunda del pensamiento de Bach sobre una nueva música que debe ser, sobre todo, un lenguaje del sentimiento.Un solo coral y seis arias contrastan con once recitativos acompañados, algunos de los cuales conducen directamente a ariosos, como por ejemplo, en las secciones donde se representa la traición de Judas Iscariote (Den Menschenfreund willst du verrathen).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.O donde el silencio de Cristo ante Pilato se convierte en realidad en un silencio musical (Und doch, welch Beyspiel der Geduld); y finalmente, donde una sola palabra (muere) acompañada de un pizzicato en el bajo es suficiente para marcar la muerte del Salvador.En Música Antigua y del Barroco escucharemos la versión de la Cantata 'Die letzten Leiden des Erlösers' (Los últimos sufrimientos del Salvador), Wq 233, de Carl Philipp Emanuel Bach, que nos ofrecen Barbara Schlick y Greta de Reyghere, sopranos; Catherine Patriasz, contralto; Christoph Pregardien, tenor; Max van Egmond, bajo; el Collegium Vocale Gent y La Petite Band bajo la dirección de Sigiswald Kuijken.Esta obra será presentada en la nueva edición de Música Antigua y de Barroco, el próximo viernes santo (29 de marzo) a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
El viernes de Semana Santa se lleva a cabo una de las conmemoraciones más representativas y profundas del cristianismo, en la que se recuerda la crucifixión y muerte de Jesús de Nazaret.Las Lamentaciones de Semana Santa forman parte de una tradición que tiene fuertes raíces en la música sacra desde el siglo XV: antes de Joseph Hector Fiocco, el mismo tema había sido planteado por Orlando di Lasso, Carissimi, Alessandro Scarlatti, Charpentier, François Couperin, por citar sólo los más conocidos. Después de Fiocco, el último en el orden cronológico fue Igor Stravinsky con Threni en 1958.Para la Semana Santa, la liturgia pedía lecturas cantadas de piezas extraídas de las Lamentaciones del profeta Jeremías; que en el ámbito de la cultura francesa tomaron el nombre de "Leçons des Ténèbres" (Lecturas de las tinieblas), pues con cada verso se apagaba una vela hasta que finalmente la iglesia quedaba en total oscuridad, representando el descenso temporal de Cristo al inframundo.Otra de las muchas obras que han sido compuestas para dicha conmemoración y que ha sido poco difundida es la Passio per il Venerdì Santo (Pasión para el Viernes Santo) de Giuseppe Giordani o Giordaniello, compositor italiano quien nació en Nápoles el 19 de diciembre de 1751 y falleció en Fermo el 4 de enero de 1798. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Giordani estudió música con Domenico Cimarosa y Niccolò Antonio Zingarelli, y en 1774 fue nombrado director de música de la capilla de la catedral de Nápoles. En 1776 escribió su Passio per il Venerdì Santo, y su primera ópera (L'Epponina) fue lanzada en 1779.Y finalmente en esta edición del Concierto de la Tarde escucharemos la primera lección de las Lamentaciones que compuso Estêvao de Brito, el compositor portugués que vivió entre los años 1575 y 1641.Si bien la polifonía floreció más tarde en Portugal que en la mayoría de los demás países europeos, las Lamentaciones de De Brito deben mucho a los antecedentes españoles, al tiempo que llevan al límite ciertos aspectos del estilo del Renacimiento tardío, como gran parte de la música portuguesa de principios del siglo XVII.Todas estas obras serán transmitidas el viernes santo (29 de marzo) a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La Misa de Réquiem de Giuseppe Verdi, una obra monumental en el repertorio de la música clásica, es una expresión inigualable de emoción, drama y grandeza. Compuesta en memoria del escritor y poeta italiano Alessandro Manzoni, Verdi creó una obra que trasciende los límites litúrgicos y se convierte en una experiencia musical y espiritual profundamente conmovedora.Verdi comenzó a concebir su Réquiem en 1868, cuando Manzoni falleció, pero no fue hasta 1873 que completó la obra. Aunque Verdi era conocido principalmente por sus óperas, su incursión en la música sacra con esta obra resultó ser igualmente impresionante. La Misa de Réquiem no es una composición litúrgica convencional, sino más bien una visión personal de Verdi sobre el texto latino tradicional, que abarca una amplia gama de emociones humanas, desde la angustia hasta la esperanza.La Misa de Réquiem de Verdi consta de siete secciones principales: el "Requiem" (Requiem aeternam), el "Dies Irae", el "Offertorio", el "Sanctus", el "Agnus Dei", el "Lux aeterna" y el "Libera me". Cada sección está marcada por una intensidad dramática excepcional y una variedad de recursos musicales que muestran la habilidad de Verdi para crear tensión y emoción.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El "Dies Irae", en particular, es una de las secciones más impactantes de la obra, con sus tumultuosos coros y orquestación apasionada que retratan el juicio final y la ira divina de manera vívida y dramática. Contrastando con esto, el "Lux aeterna" ofrece un momento de paz y serenidad, con su hermosa melodía y armonías celestiales.Verdi demostró una maestría excepcional en la escritura coral y orquestal en esta obra, utilizando técnicas innovadoras para crear una atmósfera de intensidad emocional y espiritual. Su capacidad para combinar elementos operísticos con la solemnidad de la música sacra resultó en una obra que trasciende los límites del género y continúa cautivando al público hasta el día de hoy.El legado de la Misa de Réquiem de Verdi perdura a través de su influencia en generaciones posteriores de compositores y su impacto duradero en el repertorio de conciertos. Su habilidad para capturar la profundidad de la experiencia humana y elevarla a un plano espiritual lo convierte en uno de los trabajos más significativos en el canon de la música clásica.La Misa de Réquiem de Giuseppe Verdi es una obra monumental que combina la grandeza operística con la devoción sacra de una manera única y conmovedora. A través de su música poderosa y emotiva, Verdi nos lleva en un viaje espiritual que nos confronta con nuestras propias emociones y nos recuerda la fragilidad y la trascendencia de la vida humana. Su legado perdura como un testimonio eterno de la capacidad de la música para elevar el alma y trascender las barreras del tiempo y del espacio.Podrá escuchar esta obra maravillosa en la edición especial de nuestro Concierto de la Tarde, hoy jueves santo. Esta versión estará interpretada por Katia Ricciarelli, Shirley Verrett, Plácido Domingo, Nicolai Ghiaurov, Orquesta y Coro del Teatro alla Scala bajo la dirección de Claudio Abbado y estará al aire a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Como parte de su segundo ciclo de cantatas, en 1724, en Leipzig, el alemán Johann Sebastian Bach compuso Herr Jesu Christ, du höchstes Gut, una cantata sacra, específicamente una cantata de iglesia, conocida en español como Señor Jesucristo, oh bien supremo.Bach, uno de los compositores más importantes del período barroco, compuso esta obra religiosa durante su primer año como Thomaskantor en Leipzig, donde fue responsable de la música en las principales iglesias de la ciudad. Para poner en contexto, Thomaskantor ó "Kantor de Santo Tomás" fue el título honorífico y cargo que tuvo el compositor alemán entre 1723 y 1750.Durante esos años, Bach fue el encargado de la educación musical y la dirección de la música en las principales iglesias de la ciudad de Leipzig, especialmente en las de Santo Tomás y en San Nicolás. Este cargo musical durante la labor de Bach fue considerado uno de los más respetados e influyentes de la Alemania protestante, participando no solo en actos religiosos y académicos, sino también en elecciones del concejo municipal y homenajes de la ciudad.“Señor Jesucristo, oh bien supremo” es una cantata de iglesia que incluye movimientos de coral, arias solistas y recitativos con un movimiento final de coral. La obra está escrita para voz solista (soprano), un coro de cuatro partes (SATB), y un conjunto instrumental que suele incluir cuerdas y continuo (órgano u otros instrumentos de bajo).Pese a que se desconoce la autoría del texto de la cantata, se sabe que está basado en el himno en el himno del mismo nombre (Herr Jesu Christ, du höchstes Gut), del poeta y teólogo Bartholomäus Ringwaldt.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El himno original tiene un carácter de oración penitencial y de súplica a Cristo. En el mismo sentido, la cantata, en su conjunto, reflexiona sobre la relación de los devotos con Cristo, expresando arrepentimiento, confianza y gratitud por la misericordia divina.Algunas grabaciones notables de esta cantata incluyen las realizadas por John Eliot Gardiner con el grupo Solistas Barrocos Ingleses y el Coro Monteverdi, y la grabación de Karl Richter con la Orquesta Bach de Múnich.En la HJCK podrá escuchar esta obra sacra interpretada por Kurt Equiluz (tenor), Max van Egmond (bajo), el Coro de Niños de Hannover, el Collegium Vocale de Gent y el Leonhardt Consort bajo la dirección de Gustav Leonhardt🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La muestra exhibirá desde retratos del siglo XVI realizados por Hans Holbein el Joven a fotografías contemporáneas de Hiroshi Sugimoto o los trajes utilizados en el popular musical 'SIX', en la primera exhibición histórica desde la reapertura de la galería de arte londinense el año pasado.Así, recogerá más de 140 trabajos con referencias a las vidas de Catalina de Aragón, Ana Bolena, Juana Seymour, Aaa de Cléveris, Catalina Howard y Catalina Parr, incluidas pinturas, dibujos, libros, fotografías o trajes, algunos nunca vistos antes.Con las diferentes obras que hablan de las seis esposas del Tudor, la National Portrait Gallery pretende "poner el foco narrativo en estas mujeres extraordinarias y no en su tristemente célebre marido", como se recoge en la nota de prensa.El objetivo es que el público aprenda sobre las relaciones de las distintas reinas con la corte y con el rey, además de sobre sus intereses, su ideología o sus creencias y valores, entre otros aspectos de sus vidas.Entre los trabajos destacados que se expondrán se encuentra un retrato de Ana de Cléveris pintado por Edgar Degas, la caja con las herramientas de escritura de Catalina de Aragón o el libro de horas de Ana Bolena.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Estas obras de la época interactúan con otras posteriores, que mostrarán cómo la cultura popular ha reinterpretado y representado a las seis mujeres, recordadas por el momento de su muerte y no por sus vidas —en inglés, existe la rima 'Divorced, beheaded, died / Divorced, beheaded, survived' ('Divorciada, decapitada, muerta / Divorciada, decapitada, superviviente')—.Como dijo el director de la National Portrait Gallery, Nicholas Cullinan, la muestra espera "generar la empatía" de los asistentes.Y también pretende "recordarnos que debemos reflexionar sobre las historias que construimos colectivamente y la facilidad con la que podemos terminar definiendo a las personas por un único momento de sus vidas", destacó.La exposición, acompañada de la publicación de un libro del mismo título escrito por la comisaria, Charlotte Bolland, permanecerá abierta durante los meses de verano hasta el 8 de septiembre.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.