Hablar de la obra de Clarice Lispector es hablar de uno de los mayores mitos de la literatura de la segunda mitad del siglo XX y a la vez es una invitación a conocer esa extraña mujer que a través de sus obras permite ver, cual si fuera un velo, rastros de su vida artística, de la incomprensible lógica de su mundo y su madurez que, envuelta en llamas, le augura una cercanía inexorable con la muerte.Chaya Pinkhasovna Lispector nació el 10 de diciembre de 1920 en Tchetchelnik, un pueblo ucraniano en medio del frío y la hambruna, y fue la tercera hija del matrimonio de una pareja de origen judío que huía en una época de convulsión social. Al año siguiente de su nacimiento, su familia tuvo que huir de los constantes pogromos antijudíos del Imperio Ruso, primero a la región de Moldavia y más tarde, en 1922 a la ciudad de Maceió (la capital del estado de Alagoas), donde vivían desde hace tiempo unos familiares suyos. Al llegar a Brasil, la familia cambió sus nombres: su padre, Pinkhas, se convirtió en Pedro, su madre, Mania, en Marieta, y ella, Chaya, recibió un nuevo nombre: Clarice.Tras vivir una década lejos de su tierra y despojada absolutamente de todo, la madre de Clarice, que había sido violada durante la Primera Guerra Mundial, murió de sífilis, misma enfermedad que había contraído desde que fue abusada. Sin embargo, aunque Clarice siempre supo sobre su origen, la muerte de su madre marcó en ella un profundo sentimiento de culpa que atravesaría su vida y su obra creativa como escritora. A los diez años, Clarice se mudó con su familia a Rio de Janeiro y gracias al empeño que había puesto el padre sobre su excepcional talento, pudo ingresar en uno de los reductos de la élite, la Facultad de Derecho Nacional de la Universidad de Brasil. Pese al esfuerzo, ella perseguí su sueño en las redacciones de los periódicos más prestigiosos y leídos de Brasilia.El mismo año en que publicó su primera historia conocida, "El triunfo", su padre muere, por lo que antes de cumplir los 20 años, Clarice ya era huérfana. Al año siguiente publicó "Cerca del corazón salvaje", por la que recibió el premio Graça Aranha como mejor novela. Aunque en 1943 Clarice se casó con el diplomático Maury Gurgel Valente, un viejo amigo al que conoció mientras estudiaba Derecho, acabó separándose de este en 1959, tras lo que ella siempre llamó "una aburrida vida de esposa perfecta". Durante este tiempo, viajó a Napoles donde fue voluntaria en los hospitales que atendían a soldados brasileños heridos en el campo de batalla durante la Segunda Guerra Mundial.Pese a ser una incansable viajera, Clarice nunca se encontró acogida en algún otro lugar que no fuera Brasil. La lejanía con esa tropical tierra que le acogió cuando no superaba los cinco años de edad, despertó en ella un profundo letargo de depresión del que solo podía escapar dándole rienda suelta a su inquieta narrativa. Para 1949, Lispector publica "La ciudad sitiada", en 1952 publica "Algunos cuentos" y en 1954 se publicó la primera traducción al francés de "Cerca del corazón salvaje".Aunque se había afincado en Berna hacía algunos años atrás, Clarice decide regresar a Brasil en 1959, donde publicó "Lazos de familia", un libro de cuentos bastante aplaudido por la crítica, y un año más tarde la novela "La manzana en la oscuridad", que fue llevada al teatro años más tarde. Sin embargo, fue en 1963 cuando Clarice publicó la que es considerada su obra maestra, "La pasión según G.H.".Su inexpugnable personalidad era única: pocas veces se presentaba en las entrevistas, y si lo hacía, sus lacónicas y esquivas respuestas enfurecían al mundo. Para 1966, mientras la escritora dormía, un cigarrillo encendido en su dormitorio acabó por incendiarlo y a ella, por propinarle quemaduras en gran parte de su cuerpo. Aunque su mano derecho se vio muy afectada y por poco tuvo que ser amputada, nunca pudo recuperar su movilidad y como si fuera poco, el accidente acabó por afectar su estado de ánimo y las notables cicatrices en su cuerpo le causaron continuas depresiones.Clarice Lispector falleció en Río de Janeiro el 9 de diciembre de 1977 a los 56 años, en la víspera de su cumpleaños, víctima de un cáncer que no fue detectado a tiempo. Fue enterrada días después en el cementerio de Cajú y su lápida lleva su nombre en hebreo: Chaya Bat Pinkhas, “la hija de Pinkhas”.
El músico y productor jamaicano Robbie Shakespeare, que formó el famoso dúo de reggae y dub Sly y Robbie -con el baterista Sly Dunbar- falleció a los 68 años en Estados Unidos, anunció la ministra de Cultura de Jamaica. "Estoy en estado de shock y tristeza después de recibir la noticia de que mi amigo y hermano, el legendario bajista Robbie Shakespeare ha muerto", dijo la ministra jamaiquina de Cultura, Olivia Grange, en un comunicado de prensa el miércoles."Sly y Robbie han estado entre los máximos músicos de Jamaica", destacó la ministra, quien acotó que "la pérdida de Robbie la sentirá la industria en el país y en el extranjero". Según el periódico The Gleaner, Shakespeare murió en Florida, donde había sido hospitalizado por problemas renales. Nacido el 27 de septiembre de 1953 en Kingston, el bajista ganador del premio Grammy comenzó a tocar con Aston Barrett, uno de los miembros de Bob Marley and the Wailers, pilar del reggae.En 1973 conoció a Dunbar y luego fundaron uno de los dúos más famosos exponentes del reggae y el dub, para luego convertirse en exitosos productores de esa música. La pareja colaboró con grandes del reggae como Black Uhuru, cofundador de los Wailers, el difunto Peter Tosh, Gregory Isaacs, U-Roy, quien murió en febrero, y Lee "Scratch" Perry, otra leyenda mundial que murió en agosto pasado.A principios de los 80, Sly y Robbie obtuvieron fama internacional tocando con artistas como Grace Jones, Bob Dylan, Madonna y los Rolling Stones. En 1984, el álbum "Anthem" de Black Uhuru, producido por Shakespeare, ganó el primer premio Grammy de música reggae. Sly y Robbie también triunfaron en los Grammy con su álbum de 1998 "Friends". El año pasado, la revista Rolling Stones ubicó a Shakespeare en el puesto 17 en la lista de los mejores bajistas de la historia.
La cineasta italiana Lina Wertmüller, "la primera mujer directora nominada a los Oscar", como recordó el ministro de Cultura Dario Franceschini, falleció a los 93 años en Roma, informaron fuentes oficiales. "Italia lamenta la desaparición de Lina Wertmüller, una directora que con su clase y su estilo inimitable ha dejado una huella perdurable en nuestra cinematografía y a nivel mundial".La cineasta comenzó su carrera en la década del 60 como asistente de Federico Fellini en la película "8 1/2". Junto con Liliana Cavani, otra de las pocas mujeres que brillaron en el cine italiano, pasó a la historia por una serie de cuatro películas protagonizadas por Giancarlo Giannini, entre ellas Pasqualino Siete bellezas (1976), película nominada a los Oscar en cuatro categorías. Con su película Mimí metalúrgico, herido en su honor (1972), una sátira dirigida a la mafia y contra las costumbres sicilianas y "Amor y anarquía", confirmó su mirada política del mundo, abordando con originalidad temas como el feminismo, la anarquía, ricos y comunistas. En 1974, protagonizada siempre por Giannini, estrenó una de sus películas más famosas, "Una insólita aventura de verano", una comedia satírica en la que confluyen la guerra de sexos y la lucha de clases. En 2019 recibió un Oscar honorífico a su trayectoria. Nacida en Roma el 14 de agosto de 1928, Lina Wertmüller, cuyo nombre completo era Arcangela Felice Assunta Wertmüller von Elgg Spanol von Braueich, inició su carrera en 1963 con la película, "I basilischi", premiada en el festival de Locarno.
Al compás de paseos, merengues, sones y puyas, Nicolás "Colacho" Mendoza y Lisandro Meza, dos jóvenes acordeoneros, se batieron una tarde en franca lid sobre una tarima atiborrada de un bullicioso público que entre aplausos, arengas y rechiflas contemplaban este duelo entre los dos vallenatos. Era 1968 y se celebraba la segunda edición del Festival de la Leyenda Vallenata en la capital del César. Sin embargo, mientras que la decisión del jurado -presidido por Consuelo Araújo Noguera, una de sus fundadoras- fue unánime al declarar a Mendoza como ganador, el público inconforme, acabó por aclamar al músico vencido al que bautizaron como "El rey sin corona".Pero esta aparente derrota sobre la tarima de Francisco el Hombre, el templo donde se miden a pulso los mejores intérpretes de la música vallenata, en lugar de representar un obstáculo para Lisandro, resultó fundamental en la creación de un nuevo estilo que lleva su impronta y que lo desmarcó de la ejecución de los cuatro aires tradicionales del vallenato para así construir una propuesta con mayor énfasis en el sonido sabanero fusionándolo con el fandango, el porro y la música de corraleja.Lisandro Meza nació en septiembre de 1939 en El Piñal, un pequeño corregimiento del municipio Los Palmitos, en Sucre. Desde muy joven, Lisandro ya había elegido al acordeón como su instrumento compañero con el que animaba las fiestas de los trabajadores de la finca de su padre al son de las canciones de Luis Enrique Martínez. Su carrera musical se inició al lado del conjunto de Alejandro Durán, el primer rey vallenato, del que fue su guacharaquero por varios años, alternando en algunas grabaciones con el Conjunto Carrizal de Aníbal Velásquez, el rey de la música sabanera.Para 1962, Lisandro, que ya había adquirido gran renombre en la región sabanera, fue invitado por Antonio Fuentes, dueño de Discos Fuentes, a ser parte de un nuevo proyecto que sería el producto estrella de su compañía: Los Corraleros de Majagual. A su llegada, se codeó con Eliseo Herrera, César Castro, Lucho Argaín, Calixto Ochoa, Alfredo Gutiérrez, Chico Cervantes y los demás miembros de la banda. Aunque sus gritos sabaneros ya eran populares en los pasillos de la discográfica, debutó como cantante hasta 1966 con dos composiciones suyas: "La vieja Pancha" y "Swing bailable". Pero los hits que se apuntó con la banda vendrían al año siguiente con "La burrita de Eliseo" y "La gorra".Al mismo tiempo, decidió conformar su propio conjunto, con el que grabaría una treintena de producciones entre 1966 y mediados de la década de los años ochenta, y con los que se paseó desde la salsa, el porro, la cumbia, la guaracha, los fandangos y el vallenato con un amplio catálogo de canciones como "Baracunatana", El polvorete", "El guayabo de la ye", "Entre Rejas", "La cumbia del amor", "Todo o nada", "Mar azul" y "Esta noche es mía", entre otras. Pero si hubo una obra con la que se destacó fue con las décimas de "La miseria humana", una adaptación en aire de paseo vallenato de este poema escrito por el poeta soledeño Gabriel Escorcia Gravini en el que canta una oda al amor fallido y a la inminente presencia de la muerte. Es considerado el vallenato más largo de la historia.El tema de Lisandro Meza, convertido en un absoluto éxito radial, además de rescatar del olvido la malograda memoria de Gravini, también marcó un hito dentro del catálogo de Discos Fuentes, ya que con sus más de diez minutos, fue incluido en la edición de 1977 de los 14 Cañonazos Bailables (una legendaria recopilación de los éxitos musicales de cada año que no superaban más de 3 minutos de duración) y en el que ocupó más de la mitad del lado B del popular disco de larga duración.Para 1980 Lisandro Meza creó una nueva agrupación, Los Hijos de la Niña Luz, y con ellos impuso un nuevo éxito para ese año: "Las tapas", una cumbia de Ivo Otero que le dio proyección internacional, haciéndole popular en el continente africano. En las décadas siguientes, con éxitos como "Estás pillao'", "Sal y agua" y "El hijo de tuta", Lisandro se ha consolidado como uno de los intérpretes infaltables del fin de año en Colombia, además de ser un ídolo de la colonia hispana y sonidera en EE.UU. y México, siendo recordado como uno de los más venerados intérpretes del acordeón.En esta entrevista concedida el 29 de junio de 1969 para Carta de Colombia, Lisandro Meza habla sobre sus primeras composiciones y su experiencia en el entonces Festival de la Leyenda Vallenata, celebrado en Valledupar, en el que perdió ante "Colacho" Mendoza y fue declarado el "Rey sin corona".
Diego nació para ser artista. Lo sentía desde su niñez. Su rebeldía y su admiración por las obras que visitaba en los museos lo confirmaron, aunque su cuerpo se resistía a garantizarle un futuro. Nacido el 8 de diciembre de 1886 en Guanajuato, Diego Rivera sufrió raquitismo a muy temprana edad, por lo que su constitución física era muy débil, y a pesar de que su padre siempre quiso que ingresara en el Colegio Militar, Diego empezó a asistir a clases nocturnas en la Academia de San Carlos, donde conoció al célebre paisajista José Maria Velasco. Gracias a un subsidio que recibió del Estado, Rivera pudo viajar a España donde se familiarizó con la obra de grandes maestros de la pintura como Goya, El Greco y Breughel, e ingresó en el taller de Eduardo Chicharro, el paisajista más famoso del Madrid.Tras su paso por España, Diego Rivera viajó a París, donde se reunió con sus amigos, el pintor italiano Amadeo Modigliani y el escritor y periodista soviético Ilya Ehrenburg. En 1915, Rivera mantuvo un apasionado romance con la pintora rusa Marievna Vorobieva-Stebelska, con quien tuvo una hija, Marika Rivera, a la que nunca reconoció. Rivera también recorrió Italia, donde estudió el arte renacentista y sintió gran admiración por los maestros del Quattrocento, en especial por el Giotto.Tras su regreso a México en 1921 e identificado con los ideales de la revoluciona mexicana, Rivera emprendió un gran proyecto: representar sobre la pared la historia de México desde la época precolombina hasta la revolución. En 1922, Rivera realizó su primera creación mural importante para el Auditorio Bolívar a la que tituló La Creación. En este mural, el artista quiso plasmar la idea de la creación de los mexicanos y en él se observa a un hombre surgiendo del árbol de la vida.La madurez artística de Diego Rivera llegó entre los años 1923 y 1928, cuando pintó los frescos de la Secretaría de Educación Pública, en Ciudad de México, y los de la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo. Aunque su intención fue reflejar la vida cotidiana tal y como él la veía, el protagonista absoluto de sus obras siempre fue el pueblo mexicano. En 1926, Diego Rivera entró a formar parte de la sociedad ocultista estadounidense AMORC y en ese mismo año fundó una logia de esta entidad a la que llamó Gran Logia Quetzalcóatl, donde pintó una imagen de esta antigua divinidad de los aztecas.Pero fue con estos frescos que, a partir de 1929 y mientras pintaba en el Palacio Nacional de México, donde verdaderamente Diego Rivera creó una imagen propia de la identidad mexicana moderna. Es conocida como su gran obra, y en ella Rivera ilustra la historia de México desde época precolombina. Los murales ocupan las tres paredes que se encuentran frente a la escalinata principal del edificio. Mientras que la pared central abarca el período que va desde la conquista española de México en 1519 hasta la revolución, en el de la derecha el artista describe una nostalgia idealizada del mundo precolombino, y por último, en el de la izquierda plasma la visión de un México moderno y próspero.El 21 de agosto de 1929, Diego Rivera se casó con Frida Kahlo. Su relación, intensa y tormentosa, estuvo marcada por el amor y a la vez el odio que se profesaban, por mantener aventuras amorosas con terceros y por su vínculo creativo. Su matrimonio fue definido como "la unión entre un elefante y una paloma", por ser él grande y pesado, como un elefante, y ella delgada y ligera como esta ave. Aunque una de las aventuras de Diego fue con Cristina, la propia hermana de Frida, y a pesar de su relación amor-odio que siempre se profesaron, ambos juraron siempre complementarse muy bien.Entre 1930 y 1934, Rivera estableció su residencia en EE.UU., donde pintó obras para el Instituto de Arte de Detroit y un gran mural para el Rockefeller Center de Nueva York, al que tituló El hombre en la encrucijada. En esta obra, el artista mexicano incluyó la figura de Lenin en un lugar destacado, lo que le valió una vehemente crítica por parte de la más ácida prensa norteamericana. Ante la negativa de Diego Rivera de suprimir la figura del líder soviético sobre la pared, la obra acabo siendo destruida. Luego de este suceso y con algunas modificaciones de Rivera, este realizó otra pintura a la que llamó El hombre controlador del universo para el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México.Tras la muerte de Frida Kahlo en 1954, Diego Rivera cayó enfermo y viajó a Moscú para seguir un tratamiento. A su muerte, las cenizas de Diego Rivera fueron enterradas en la Rotonda de Hombres Ilustres de Ciudad de México. El pintor mexicano legó a su país sus obras y colecciones: donó al pueblo un edificio construido por él, la Casa-Museo Anahuacalli, donde se conservan sus colecciones de arte precolombino, y su casa en Ciudad de México fue convertida en el Museo Estudio Diego Rivera, que hasta hoy alberga obras y dibujos del artista, así como su colección de arte popular.
Mucho tiempo antes de ser bautizado como “el mago del cine” y el indiscutible padre de la ciencia ficción, George Méliès ya era un talentoso ilusionista. Nacido en 1861, en el seno de una familia acomodada de París, y a pesar que desde pequeño demostró gran talento para el arte y se interesó especialmente por el dibujo y el teatro, a los 24 años se había convertido en un ilustre prestidigitador en Londres. No obstante, obligado a ocupar su lugar en la empresa de calzado de la familia, debió esperar hasta que su padre se retirara del negocio para hacer su propio camino. En 1888 adquirió el teatro Robert Houdini y se dedicó a su grandes pasiones: dirigir obras, realizar espectáculos de ilusionismo y dibujar para Le Griffe, un periódico satírico de la época. El 28 de diciembre de 1895, los hermanos Lumière ensayaron por primera vez frente al público su novedosa y gran invención: el cinematógrafo. George Méliès estaba entre los asistentes. Atraído por la fantasía, la magia y el entretenimiento, el ilusionista no podía salir de su asombro al ver las grandes imágenes en movimiento. Por eso, el joven intentó comprar dicho invento a cualquier precio. Los hermanos se negaron, señalándole que aquel no sería un negocio rentable, sino tan sólo una novedad que pasaría de moda muy pronto. Al parecer, los Lumière no vislumbraban el alcance de su creación. Pero Méliès era un verdadero visionario. Rápidamente encontró el modo de crear una cámara y filmar sus propias películas. Dos años después, el ilusionista construyó en Montreuil el primer estudio de filmación de Europa y el segundo de la historia. Aquella sería la piedra fundacional de su prolífica producción cinematográfica y el nacimiento de las películas de ciencia ficción.Bajo el nombre Star Film, Méliès monta su propia productora convirtiéndose en autor, director, escenógrafo y actor de sus películas. Su conocimiento del teatro lo llevó a extrapolar todos los elementos narrativos al nuevo soporte, conjugándolos con técnicas propias de la fotografía. En todas sus películas, la cámara permanecerá inmóvil, adoptando el punto de vista del espectador y los actores entrarán o saldrán de escena por los costados. Así, Méliès llegó a filmar un extenso desfile dentro del estudio, con muchos actores y caballos que entraban a escena por la izquierda, salían por la derecha y circulaban detrás de cámara para volver a iniciar el recorrido.El primer aporte de Méliès al cine fue la continuidad narrativa, lograda a través de la relación argumental entre las escenas. Algo que hasta entonces casi no existía. Pero su ingenio y deseo de deslumbrar al público eran inagotables, los trucos y efectos especiales se sucedían en sus obras uno tras otro. Para ello, Mélies se valía de todo tipo de recursos: maquetas, fundidos o encadenados, transformando cada película en un gran acto de magia. Méliès fue el primero en utilizar varias de las técnicas más populares del cine: la exposición múltiple en La Cueva de los Demonios de 1898, la pantalla dividida en Cuatro cabezas son mejores que una de 1898, y la disolución de imágenes en Cinderella de 1899). En otras cintas como El Hombre orquesta de 1900) y en El melómano de 1903, hizo uso de sobreimpresiones sucesivas para multiplicarse y arrancarse la cabeza varias veces.Sin embargo, la película que le dió a Méliès fama y reconocimiento internacional fue Viaje a la Luna de 1902. Aprovechando la realización de la Gran Feria de París, el ilusionista realizó proyecciones gratuitas de su obra y consiguió que los primeros espectadores de su película se convirtiesen también en los mejores voceros de su talento. La película fue mundialmente conocida y con ella, su nombre.
En un tiempo invadido por la onda à gogo y yeyé, Armando Manzanero impuso un nuevo sonido en la escena musical de los años sesenta, invadiendo con romanticismo el sabor del bolero. Manzanero nació en la península de Yucatán en 1935 y creció en una familia de músicos: su padre fue fundador de una orquesta, su madre fue bailarina, su tía abuela dirigió una escuela de Bellas Artes en Mérida donde Manzanero estudió desde que apenas era un niño. Rápidamente aprendió a tocar el acordeón y luego el piano hasta que decidió partir a la Ciudad de México en mayo del año 1957.Manzanero tocó serenatas con amigos, trabajó en una editorial de música y en la casa disquera CBS Internacional, y eventualmente empezó a componer y a tocar el piano para otro famoso de los boleros, como Lucho Gatica, que residía en Ciudad de México desde 1955. Junto a él, hizo su primera gira en Estados Unidos y allí conoció a las crecientes estrellas latinas del norte, como a Celia Cruz.Manzanero también visitó las discográficas de Ciudad de México llevando las canciones de Luis Demetrio, y conoció a Rubén Fuentes y a Rafael de Paz, que le abrieron las puertas en la disquera RCA donde Manzanero grabó su famoso sencillo: el hit Adoro, de 1967. Fue su primer éxito de ventas, pero sobre todo un clásico que se ha consolidado con los años, siendo reinterpretado por decenas de artistas como Los Panchos, Juan Gabriel, Ricardo Montaner, Plácido Domingo o Alejandro Sanz.En esta entrevista de HJCK en abril de 1968, Armando Manzanero conversa con Gloria Valencia de Castaño sobre sus primeros años y su llegada a la industria musical como intérprete de boleros.
Hablar de salsa en Colombia, indudablemente es hablar de Julio Ernesto Estrada Rincón, uno de sus más destacados pioneros que lleva 56 años en la industria brindándole alegría al bailador desde Discos Fuentes, su casa de siempre. Comenzó a los catorce años en su primera escuela, Los Corraleros de Majagual, donde además de ser sonidista y afinador de instrumentos, encontró el mote con el que se haría mundialmente famoso. Fue el maestro Lisandro Meza el que lo apodó "Fruco", pues decía que a la joven promesa de la música, le faltaba un diente y se le parecía a la muñequita insignia de la publicidad de las latas de conservas Fruco. Y desde entonces, así se quedó. Sin embargo, fue Estrada Rincón quien, tiempo después, cambió la letra C por la K para diferenciarse de la marca de las salsas.Tras seis meses de trabajar en Discos Fuentes instruido por Mario "Pachanga" Rincón, ingeniero estrella del sello (y además su tío), Fruko pulió sus conocimientos en la percusión yéndose de gira con Los Corraleros para Nueva York, ese grupo de genios costeños liderados por Calixto Ochoa y Alfredo Gutiérrez, que tuvo entre sus filas a otros grandes maestros como Eliseo Herrera, Lisandro Meza, Chico Cervantes, Julio Erazo y César Castro. Allí, se graduó con honores de baterista en la sesión de conciertos que ofrecieron en el Club Manhattan Center, siendo la primera vez que una agrupación colombiana se presentaba en ese mítico lugar. El proyecto se internacionalizó.Tras su salida de los Corraleros, Fruko armó su banda y con jóvenes costeños y del interior del país pusieron a bailar a los salseros que identificaban un sonido propio como producto de calidad que reunió a grandes compositores e intérpretes colombianos para competir a las mejores agrupaciones que con sede en Nueva York, Puerto Rico, República Dominicana, Cuba y Venezuela se habían convertido en el nuevo boom de la Salsa. En 1970 grabó su primer álbum al que llamó "Tesura", por la jerga empleada en la barriada bravera de Medellín a finales de los años cincuenta; y aunque el álbum pasó sin pena ni gloria en su momento, de allí quedó el nombre de su orquesta: Los Tesos.De esta escuela que formó Fruko han salido varios cantantes colombianos mundialmente conocidos. De todos ellos, tres: Wilson "Saoko" Manyoma; Álvaro José Arroyo, "el Joe"; y el ya fallecido Edulfamit Díaz Molina, "Piper Pimienta". Por la orquesta también han desfilado Humberto González, Celio González, Juan Carlos Coronel, John Jairo, May González, Joseíto Martínez, Orlando Contreras, La India Meliyará, Gabino Pampini, Álvaro Pava, Chucho Nuncira, Harold Peláez y Delfo Ballestas.Aunque "El Preso" lo proyectó definitivamente, su orquesta ya había comenzado a cosechar éxitos como "A la Memoria del Muerto", "La Fruta Bomba", "Tania", "El Caminante", entre otros. Durante y después del período en que saliera "El Preso", Fruko y sus Tesos le dieron al mundo clásicos como "Manyoma", "Los Charcos", "El Caminante", "El Negro Chombo", "El Árbol", "El Patillero", "El Cocinero Mayor", "Los Patulekos", "Lontananza", "El Son Del Tren", "La Cara de Payaso", entre otros.Fruko, además de ser el alma de Los Tesos, también ha sido de suma importancia en el desarrollo y éxito de otras grandes orquestas colombianas, como The Latin Brothers, Los Corraleros de Majagual, La Sonora Dinamita, Afrosound y Wanda Kenya. Fruko, indiscutiblemente, ha sido un elemento vital para el desarrollo de la salsa en el país, de la cual su grupo posiblemente sea uno de los primeros en tener proyección internacional, siendo una pieza clave en el éxito discográfico de Discos Fuentes.En esta entrevista para Carta de Colombia el 04 de agosto de 1974, Fruko habla sobre su más reciente lanzamiento, "El caminante", presentando el tema "Tania", compuesto por Álvaro José Arroyo.
Reconocido erróneamente como uno de los escritores del boom latinoamericano, Germán Arciniegas es uno de los más destacados periodistas y ensayistas del siglo XX en Colombia. Su obra, que está más asociada al movimiento de los americanistas, se caracteriza por cuestionar siempre la historia oficial de América y del mundo y por su sentido del humor frente a hechos representativos de esta.Hijo del hacendado Rafael Arciniegas Tavera y de Aurora Angueyra Figueredo, Germán quedó huérfano de padre a temprana edad mientras su madre quedó sola y encargada de sus siete hijos. Graduado de derecho en la Universidad Nacional de Colombia, se vinculó al diario El Tiempo en 1928, del cual fue columnista, director de la sección editorial, jefe de redacción y director del Suplemento Literario de los domingos durante muchos años. Durante los años de la dictadura, sus obras se vieron señaladas y censuradas por el General Gustavo Rojas Pinilla, quien lo acusó de ser comunista.En su faceta como político, Germán Arciniegas fue ministro de Educación en dos ocasiones, entre 1941-1942 bajo el gobierno de Enrique Santos, y nuevamente entre 1945-1946, bajo el mandato de Alberto Lleras Camargo. En su primer mandato, fundó el Instituto Caro y Cuervo, el Museo de arte Colonial de Bogotá, y trasladó el Museo Nacional de Colombia al edificio que actualmente ocupa.Luego de crear el Colegio Mayor de Cundinamarca y el Colegio Mayor de Antioquia, tras la llegada de los conservadores al poder, su vida fue amenazada y se vio obligado a exiliarse con su familia en Estados Unidos, aprovechando que le habían ofrecido un puesto como docente en la Universidad de Columbia. Durante 1980 estuvo en Guatemala como representante de la cultura letrada colombiana en la Semana Cultural Colombo-Guatemalteca, junto a Rogelio Echavarría, Antonio Cacua Prada.En nuestro archivo reposa este audio de 1962 con la voz del ensayista e historiador colombiano Germán Arciniegas, leyendo para la HJCK la primera página de "El estudiante de la mesa redonda", su primera novela publicada en Madrid en 1932, que ubica al lector en la mente de un estudiante que con sus ideas revolucionarias, pide a “gritos” el cambio de la estructura social y política.
A mediados de 1961, se presentaron tres muchachitos en las oficina de Discos Fuentes, con el propósito de presentarle a Antonio Fuentes, fundador de esta prestigiosa casa disquera, un proyecto de música folclórica, cuya base musical estaba en el acordeón y la guacharaca. Eran Daniel Montes, Calixto Ochoa y su joven pupilo, Alfredo Gutiérrez. A Fuentes le bastó con escuchar las primeras notas en la audición para que le interesara de inmediato y les propusiera grabar algunas canciones mientras el proyecto iniciaba. Meses más tarde, Antonio Fuentes recordó un grupo similar muy antiguo que se llamaba Los Corraleros de Astillón, que provenían de Majagual, y aunque ninguno de los tres músicos era de este lugar, los bautizó Los Corraleros de Majagual. Y así, nació la leyenda.El estilo del grupo inicialmente integraba la música de corraleja, las típicas fiestas patronales de Sucre y Córdoba, que se enmarcaban dentro de las festividades de los carnavales sabaneros de la costa norte del Caribe colombiano. Meses más tarde, integraron a la orquestación de la banda el guitarrón mexicano y la conga. Su éxito fue tan rápido, que figuraron como el grupo revelación en los 14 cañonazos bailables de 1962, un disco que compilaba los catorce mejores éxitos musicales del año, convirtiéndose en un absoluto referente nacional. Los temas "El molinillo" de Eliseo Herrera, "La paloma guarumera" de Alfredo Gutiérrez, fueron los dos temas que figuraron entre los preferidos.El proyecto se convirtió rápidamente en la bandera comercial de la casa disquera que buscaba competir con Los Melódicos de Renato Capriles y la Billo's Caracas Boys de Billo Frometa, dos orquestas venezolanas que estaban tomando fuerza en algunas ciudades del país desde 1960. Además, el proyecto evolucionó sonoramente gracias a la recomendación de Julio Ernesto Estrada Rincón (conocido después como "Fruko"), al cambiar la caja vallenata por el timbal e incluir el bajo eléctrico para darle un ambiente armónico con la atmósfera de los demás instrumentos musicales.La estrategia de Fruko funcionó. Sería con "La burrita" en 1966 que el público habría de conocer la nueva sonoridad de este grupo, que ahora le apostaba al golpe del güiro con un aire sabanero y con la sonoridad del bajo eléctrico y de la conga, algo muy común de las orquestas tropicales de la época. A partir de este año, el fenómeno corralero creció en Latinoamérica e influyó en la configuración de nuevos estilos como la cumbia norteña y la incidencia de Colombia en el mercado extranjero.Ahora, la agrupación estaba integrada por Rosendo Martínez en el bombardino, Carmelo Barraza en la caja; Chico Cervantes en la percusión; John Mario Londoño en el bajo; Enrique Bonfante Castilla en la tumbadora y la Conga; José Cáceres en el trombón; Manuel Cervantes en las trompetas; Rafael "Rafico" Restrepo en el guiro; Julián Díaz en el saxofón alto; Julio Ernesto Estrada, "Fruko", en los timbales; y en las voces principales estaba Eliseo Herrera, César Castro, Ignacio Paredes, Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Julio Erazo, Tony Zúñiga y Lucho Argaín. Sin embargo, los músicos también integraron otros proyectos hermanos del sello Fuentes como La Sonora Cordobesa y Los Alegres Diablos. Por sus filas también pasó sus primeros años de cantante Álvaro José, el "Joe" Arroyo.La superbanda, que además fue pionera en unificar bajo una sonoridad exótica los aires del vallenato y la música sabanera, permitió al mismo tiempo que casi todos los integrantes desarrollara sus carreras musicales a nivel individual, lo que acabaría truncando la continuidad del proyecto. Algunos de sus miembros como Alfredo Gutiérrez y Lisandro Meza apostaron por carreras en solitario donde fusionaban el vallenato con el sonido tropical que habían desarrollado como equipo. A finales de 1970, hubo varios intentos de rescatar el grupo con éxitos como "Sin alma y sin corazón", "El azulejo" y "Caballo viejo", con los que reaparecieron en la escena musical gracias a Armando Hernández.La influencia de los Corraleros de Majagual y su paso por agrupar distintas sonoridades, los ubica entre las orquestas más exitosas de su generación, así como una de las preferidas para las fiestas de fin de año. Muchos de sus ritmos eran meras fusiones sonoras que generan controversia entre los melómanos, al incluir como charangas a "Charanga campesina" y "Charanga costeña" o como pachangas como "Sacañeco", siendo en realidad, variaciones musicales del fandango, muy popular en la costa Caribe. Tras su paso por Nueva York, Los Corraleros también pretendieron apostar en la consolidación de una sonoridad propia al fusionar la movida de la salsa (que tomaba auge en la escena latina) con el vallenato. Ejemplos de ello son "Quemando", una descarga de percusión, y el recordado "Mondongo", una pieza de diez minutos a ritmo de salsa que incluyó, como era propio del género, un solo musical que esta vez, estuvo a cargo del acordeón del maestro César Castro.En este audio de Carta de Colombia del 03 de marzo de 1968, se presenta a la agrupación como el conjunto más popular de 1967, que popularizó un ritmo muy popular del Caribe: la charanga.
La película española La sociedad de la nieve vivió este viernes un anticipo de lo que podría ser su noche estelar en la gala de los premios Platino de la industria audiovisual iberoamericana, al recibir los galardones del público para mejor película y mejor actor.Los premios al cineasta español Juan Antonio Bayona y al intérprete uruguayo Enzo Vogrincic fueron resultado de la votación de 14.000 espectadores a través de redes sociales, y se anunciaron en una conferencia de prensa en Playa del Carmen, previa a la gala del sábado."El publico (...) nos abrazó muchísimo, fue realmente una cosa masiva que constantemente nos hacen llegar", dijo emocionado Vogrincic, tras recibir el galardón."Es el acto de magia más espectacular", agregó el uruguayo, impresionado por el cariño del público ante su interpretación de Numa Turcatti, uno de los verdaderos protagonistas de la tragedia de un equipo de rugby uruguayo en los Andes en 1972.Bayona agradeció, por su parte, a las familias de los fallecidos en el accidente aéreo "que nos dieron permiso para contar su historia".La entrega de los premios tendrá lugar este sábado en el teatro Gran Tlachco del Parque Xcaret en la Riviera Maya mexicana. "La sociedad de la nieve" ostenta siete nominaciones, entre ellas las de mejor película, director y actor protagónico.De cara a la gala del sábado, otras dos películas se perfilan como protagonistas, con seis nominaciones cada una: la sombría comedia chilena El conde, dirigida por Pablo Larraín, y Cerrar los ojos, una coproducción entre Argentina y España dirigida por el veterano cineasta ibérico Víctor Erice.La votación popular también favoreció a la actriz argentina Dolores Fonzi, reconocida por su papel protagónico en Blondi, una película que marca además su debut como directora.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."¡Aguante el cine argentino, aguante el cine mundial, no hay que rendirse nunca, no nos van a parar!", dijo Fonzi tras recibir la estatuilla, aludiendo a la crisis que vive el cine de su país debido a los recortes presupuestales del gobierno de Javier Milei.La española Úrsula Corberó y el argentino Santiago Korovsky también recibieron el premio del público, como mejor actriz y actor para una teleserie o miniserie respectivamente, al igual que la serie española El cuerpo en llamas.Homenaje a Cecilia RothPreviamente, la actriz Cecilia Roth denunció el desmantelamiento que la industria cultural de Argentina sufre debido a las políticas económicas de Milei, así como el discurso que busca tachar a los artistas como "parásitos del Estado".En la conferencia previa a su distinción el sábado con el Premio Platino de Honor, Roth lamentó que se esté haciendo "muy difícil" producir cine y cultura en Argentina."Están desmantelando todo lo relacionado a la cultura en general y al cine en particular, quiero que esto se sepa en Latinoamérica y en España. De alguna manera es un pedido de ayuda también", dijo la intérprete de 67 años.Agregó que este es un llamado de atención a la comunidad artística y al público porque quizás en 2025 no haya ninguna producción argentina en este tipo de premiaciones, debido al recorte presupuestal.Roth subrayó que el cine y la industria cultural "dan réditos al país" y no viven solo del apoyo estatal."Esa es la idea que se está instalando en la gente, que todos los que participamos, todos los que hacemos cine o estamos vinculados con la cultura somos parásitos del Estado", señaló la actriz. "Hay que modificar esa idea cruel e injusta", agregó.Para Roth, una de las musas del célebre director español Pedro Almodóvar y con casi 50 años de trayectoria, es necesario que la comunidad alrededor de los premios Platino actúe sobre esta situación y resista "de una manera activa" a este momento complejo."Hemos construido, con muchísima lucha, una industria todavía no instalada sólidamente, con lo cual un viento fuerte como éste que está sucediendo ahora en Argentina puede golpear a la industria en general", reflexionó la actriz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"La cultura en general en estos momentos en Argentina vive un punto de expulsión para enormes cantidades de familias que nos dedicamos a esto (...). Están desmantelando todo lo relacionado con la cultura en general y con el cine en particular", ha denunciado la artista en su minuto de gloria ante un escenario de trescientos periodistas del mundo latino que esperaban expectantes sus palabras."Quiero que esto se sepa en España y en Latinoamérica, esto es un pedido de ayuda", ha dicho la protagonista de éxitos mundiales como Todo sobre mi madre (2000) o Martín (Hache) (1998).Una petición que "significa que estemos atentos, porque el año que viene a lo mejor no hay ningún representante de nuestro país porque este año no se va a hacer ninguna película", ha alertado Roth."Somos un eslabón de la cultura de nuestra historia y de nuestro propio país y no podemos cortar los eslabones", advirtió la intérprete, que concluyó su reflexión con un mensaje positivo. "Estoy segura de que esto también pasará, pero con la ayuda de ustedes, más", ha dicho ante el aplauso de los más de trescientos periodistas de 23 países latinos que se reunieron en la sala Diego 4 del hotel Xcaret Arte de la Riviera Maya.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La artista celebró la existencia de los Premios Platino, que ella entiende “como un 'país’ entero en el que podemos cruzarnos, entretejernos, conocernos, contarnos cada uno con nuestra propia identidad, y a la vez estar unidos por el idioma", castellano o portugués.”"Me da una enorme alegría estar aquí con gente que hace audiovisual y sabe lo difícil que es hacer cine, hacer series, en medio de los cambios que sufre la industria permanentemente, y de cómo cambian los países", ha manifestado minutos antes de responder a un par de preguntas de periodistas latinas que le pidieron que hiciera extensible esa petición a otros países, además del suyo."Nuestros países son muy frágiles, muy vulnerables", ha destacado Roth. "Lentamente, con muchísima lucha, hemos construido una industria que aún no está seriamente instalada y a la que un viento fuerte, como el que sopla ahora en Argentina, puede tumbar".Y ha reivindicado que "una industria apoyada por un Estado no necesita subvención, porque todo se devuelve"."Se ha instalado en la gente la idea de que todos los que estamos vinculados con la cultura somos parásitos del Estado. Y lo que tendríamos que hacer todos, empezando por los Premios Platino -ha dicho Roth-, es tratar de modificar esa idea dura cruel e injusta de que somos parásitos".Primero, ha señalado, "porque es insultante e injusto para los que sabemos lo que significa hacer una película. Pero ¿cómo contárselo a gente que escucha eslóganes y frases que nos destruyen?. Creo que toda la comunidad Platino tiene que hacerse cargo de lo que pasa en todos y cada uno de nuestros países, contándolo, poniéndole luz a esto, y enfrentarlo con resistencia activa"."No solo decirlo, sino machacarlo -aclara con una sonrisa triste-. No decimos que hacer cine sea fácil, pero nadie pide al Estado más de lo que merece, todos los organismos que se han desmantelado, del INCA a la Escuela del Cine y el Audiovisual, y todo lo que ellos posibilitan, en Argentina se han desmantelado. Así que -ha concluido- hay que contarlo y trabajar para que esto pueda dejar de suceder, y si se puede, que se vuelva para atrás".Roth, sencillamente vestida con un pantalón oscuro y una camiseta de rayas, apenas maquillada y muy serena, ha agradecido "la profunda tranquilidad" que le da sentirse arropada por el mundo Platino. "Esto es lo que generan estos premios", ha dicho.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
De melena a la cintura, frenillos y vestimenta holgada, Lela se despoja de la timidez cada vez que sube a una tarima o graba un videoclip. Se transforma en una cantante arrojada que rapea sobre la migración, su pasión por la música y temas adolescentes que seducen a más de 300.000 fans en redes sociales."Lo importante en algunas canciones es el contenido más que todo (...) Que la persona sienta, se identifique con la letra", dice en conversación desde su casa en Bogotá.Pero el camino al éxito fue espinoso. A los seis años y con el duelo de su abuela a cuestas, migró con su familia en bus desde Caracas, como muchos de los tres millones de venezolanos que llegaron a Colombia huyendo del colapso económico.Hoy sus videos caseros de freestyle e interpretaciones reciben "me gusta" de Ana Tijoux, icónica rapera chilena. También ha compartido escenario con Apache, leyenda del hip-hop venezolano. La última recompensa llegó en diciembre de 2023, cuando la joven promesa firmó un contrato con un reconocido sello discográfico que por ahora prefiere mantener bajo reserva.Pero sus primeras canciones son la memoria de tiempos menos venturosos:"No se imagina las adversidades que he pasado/los obstáculos que en el camino me he tropezado (…) decidí migrar con el propósito de un mejor futuro/ pero se me han cerrado puertas en el camino/ colocado muros", cantaba hace unos años en los buses junto a su padrastro Jesús Sanz, de 32 años, a quien considera su padre.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.IncendioLos hermanos Gabriel y Gabriela Brito comparten no solo su nombre y un vínculo familiar. Las cicatrices de sus brazos recuerdan el día en que una explosión en 2017 casi los mata. Su abuela falleció por las llamas del incendio que generó una fuga de gas."El superhéroe Gabriel", entonces de 8 años, se lanzó sobre su hermana de 6 para protegerla de las llamas, relata la madre Hayleén Volcán. Los niños fueron tratados por quemaduras graves. Gabriel estuvo hospitalizado varios meses y pasó seis días en terapia intensiva. "Es un milagro de vida", dice su madre.Con la muerte de su abuela, los niños se quedaron solos en Venezuela. Eso los obligó a reunirse con su madre, que había migrado a Colombia unos meses antes.Hoy Gabriel tiene 15 años y acompaña a Lela en el escenario. Aunque es tímido, está aprendiendo a usar la tornamesa y es el DJ de su hermana."Tener esta marca (sus cicatrices) me da dicha. Con ella llegamos donde estamos ahorita", asegura el adolescente."Lela" es un nombre artístico inspirado en el hermano que le salvó la vida. Cuando era pequeño se le dificultaba pronunciar Gabriela, le decía "Lela" como ahora la aclaman decenas de fans antes de un concierto para pedir autógrafos y selfis.Del bus a la tarimaMientras Lela y Gabriel ensayan, sus dos hermanos de 5 y 3 años juegan y revolotean por el pequeño departamento en el sur de Bogotá donde viven con sus padres.En la sala, Hayleén Volcán confecciona pequeños moños de colores que vende a un negocio, en un país donde la informalidad laboral afecta a 82 % de los migrantes venezolanos.Cuando llegó a Colombia "fueron meses de vender café, de vender en un semáforo, de vender agua, de vender maní", dice la madre de 35 años.Al comienzo Lela se preguntaba: "¿Yo qué hago aquí? yo me quiero ir a mi casa". Luego recordaba el incendio y se daba ánimo: "Tenemos que estar aquí (...), luchar aquí".Hasta que un día junto a su padre Jesús Sanz, que rapeaba en los buses de Bogotá para llevar dinero a casa, decidió "quitarle el micrófono y ahí comenzó todo", recuerda. Tenía ocho años, alguien la grabó y se hizo viral con una canción compuesta por su padre sobre el drama de la migración.La interpretación llegó a oídos del productor Jairo Peñaranda, conocido como Mctematico en el mundo del hip-hop. Se convirtió en mánager de Lela, profesionalizó sus habilidades y encaminó su carrera artística. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por VEN BAILALO CONCIERTOS (@ven_bailalooficial) Puso una única condición: que Gabriela y su hermano mayor regresaran al colegio y tuvieran acompañamiento psicológico. La falta de escolaridad afecta a un 29,7 % de niños venezolanos en Colombia, según la autoridad estadística.Poco a poco aprendió técnica vocal, modulación y desenvolvimiento en el escenario. En 2021 lanzaron su primer tema.Antes de salir al escenario, Lela hace estiramientos y ejercicios de vocalización. Parece nerviosa, pero en el escenario es otra."Soy una persona que no habla", pero "después de la primera canción es como que me perdieron, con mi actitud me disfruto el show", dice y lanza una tímida sonrisa.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Tomando como inspiración la célebre frase del historiador de arte Ernst Gombrich, "No existe realmente el arte. Solo hay artistas”, Vurko Art extiende una invitación especial al público bogotano para explorar “Trending!!! Pop Art Colombiano". Del 25 al 30 de abril en la Casa Museo Grau, esta exposición celebra la creatividad individual y las perspectivas de cada uno de los artistas participantes, que van más allá de las definiciones convencionales al transformar elementos cotidianos en expresiones artísticas únicas, significativas y críticas.La muestra presenta una selección de más de 35 obras de los principales exponentes del Pop Art en Colombia, incluyendo a Segundo Miguel Tirado, Andrés Moreno, Camilo Pinto, Mac Salom (Mactivo), Nicolás Uribe, Omar Mendoza, Rubén Trespalacios, Harold Rubio, Fidel Álvarez (topensao), Gonzalo León, quien además estuvo a cargo de la curaduría y Georg Vurkovitsky director de Vurko Art. Esta exposición no solo rinde homenaje a la tradición del Pop Art, sino que también la revitaliza y adapta al contexto contemporáneo local, invitando a los visitantes a una experiencia artística inolvidable. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además, la exposición contará con piezas icónicas de los maestros Enrique Grau y Ritcielt Vurkovitsky y un homenaje al maestro Álvaro Barrios a partir de una creación colectiva.El pop art, es conocido por su vibrante enfoque estético y su íntima relación con la cultura de masas, cuestionando las divisiones entre el mal llamado 'arte elevado' y los elementos de la cultura popular. Artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein, y Richard Hamilton, lograron subvertir las tradiciones artísticas. “Trending!!! Pop Art Colombiano" toma esa tradición y la revitaliza, introduciendo elementos familiares de la vida cotidiana colombiana, desde marcas locales hasta iconografía publicitaria, y los fusiona con enfoques innovadores y diversas técnicas artísticas que van desde la pintura al óleo y acrílico hasta la escultura, pasando por el hilorama, la plastilina, la resina y el bronce.No se desconecte de la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Su publicación ha llegado además con sorpresa: tras la filtración este pasado jueves de los 16 cortes que debían integrar el disco completo, finalmente han sido 31 las canciones que lo componen y en ellas su vida personal constituye una vez más su material favorito para construir canciones."Reflejan eventos, opiniones y sentimientos de un momento fugaz y fatalista en el tiempo, uno que fue a la vez sensacional y doloroso a partes iguales", ha comentado ella misma en sus redes después de la publicación sobre "un capítulo que está cerrado y tapiado", en el que "no hay nada que vengar ni cuentas que ajustar una vez que las heridas han sanado".Los rumores sobre el posible núcleo temático del disco comenzaron desde que la propia Swift (West Reading, 1989) reveló el título en la última gala de los Grammy, muy parecido al de un chat "online" que su ex compartía con los también actores Paul Mescal y Andrew Scott, llamado Tortured Man Club.Ese es igualmente el título de uno de los cortes destacados, en el que Swift le espeta a su interlocutor con ínfulas de escritor (cabe recordar que Alwyn coescribió en el pasado algunos temas de la cantante): Tú no eres Dylan Thomas y yo no soy Patti Smith.Asimismo, no parece casual la coincidencia geográfica entre la nacionalidad británica de su ex y la fuente inspiracional de la canción So Long, London, una de las más torturadas junto a 'Florida!!!!'. Respecto a esta, hay quien ha apuntado que ese era el estado en el que recalaba la gira The Eras Tour cuando en abril de 2023 se hizo pública la ruptura de la pareja.Los reproches prosiguen en uno de los temas potencialmente más radiables de esta hornada, My Boy Only Breaks His Favorite Toys (en español, mi niño solo rompe sus juguetes favoritos), en el que la artista anuncia el momento en el que se da por vencida en una relación que no prospera: "Abandono lo de construir castillos que él destruye".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre los temas sorpresa que han aparecido a las dos horas de su hora oficial de publicación se encuentran los que debían integrar como extras las cuatro ediciones especiales del disco, esto es, The Black Dog, The Albatross, The Bolter y The Manuscript, que cierra las más de dos horas de música.El desamor va cubriendo conceptualmente todo el álbum y, con él, la melancolía se hace fuerte, pero sin desesperación ni en sus palabras ni en sus formas, más bien aceptación, con espacios para la ironía y el sarcasmo en cortes como The Smallest Man Who Ever Lived o I Can Do It With a Broken Heart.Es ese, casi al final, uno de los pocos alivios de "bpm" acelerados y ochenteros que se pueden encontrar en este The Tortured Poets Department, marcado por la densidad emocional de las canciones, coproducidas por la autora junto a su inseparable Jack Antonoff.Bajo su criterio, sintetizadores y arreglos electrónicos sustituyen en gran medida a las texturas orgánicas que acompañaban la melancolía que también impregnó trabajos previos como Evermore o el previo Folklore, ambos de 2020. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Taylor Swift (@taylorswift) En medio de todo ello, de vez en cuando afloran atisbos de la Swift de la época "country", como cuando recupera el ukelele y viejas estructuras melódicas de entonces, véase en la dinámica y larga But Daddy, I Love Him!.Mención aparte merecen las dos colaboraciones de este álbum que se ha publicado sin carta de presentación previa: por un lado Post Malone en el inicial Fortnight (en el que queda relegado vocalmente a una labor más de acompañamiento) y, por otro, Florence + The Machine en la catártica Florida!!!!, con una relación vocal más compensada entre las dos intérpretes.Con The Tortured Poets Department ya en la calle, Swift iniciará en París los días 9, 10, 11 y 12 de mayo el tramo europeo de su 'The Eras Tour'. Serán medio centenar de actuaciones hasta el final el 20 de agosto en el estadio de Wembley de Londres, con paradas como las del 29 y 30 de mayo en el remozado estadio Santiago Bernabéu de Madrid.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.