El cantautor español Joan Manuel Serrat, de 77 años, realizará una gira de despedida de los escenarios en 2022 que empezará en Nueva York y terminará en Barcelona, su ciudad natal, anunció su discográfica. "Después de una inactividad forzosa, obligada por la pandemia global de covid-19, Joan Manuel Serrat regresa a los escenarios con una última gira, 'El vicio de cantar 1965-2022', con la que quiere despedirse personalmente del público con el que ha compartido vida y canciones durante más de medio siglo", señaló la discográfica Sony Music en un comunicado.La despedida dará comienzo en el Beacon Theater de Nueva York el 27 de abril de 2022 y finalizará en el Palau Sant Jordi de Barcelona el 23 de diciembre, añadió el texto. Hasta el 8 de diciembre no habrá información más detallada sobre los conciertos y sus fechas, según indica la web creada para esta última gira. Sin embargo, en una entrevista concedida al diario El País y publicada este jueves, el autor de "Mediterráneo" o "Penélope" asegura que la gira también pasará por Latinoamérica.En esta entrevista, Serrat explica que la pandemia ha tenido un papel vital en su decisión de dejar la música en directo. Su último concierto fue en febrero de 2020, en una gira junto a su amigo Joaquín Sabina que quedó interrumpida por una caída en el escenario del cantante madrileño. Poco después, la pandemia estalló en España e imposibilitó durante meses la música en directo."Estaba cada vez más lejos de la actividad que hacía, y aunque no desde el sentimiento, lo cierto es que también estaba inevitablemente alejado de la gente. Lo que he decidido es despedirme en persona", asegura el cantante. "No me gustó sentirme despedido por una plaga. Por eso me planteé ir al lugar más natural para hacerlo, con el público enfrente, lleno de gratitud y alegría", añade.
Woody Allen, el cineasta neoyorquino nacido en Brooklin, es uno de los genios de Hollywood con mayor prestigio del mundo y ostenta una carrera prolífica en el mundo del cine. A sus 85 años y durante 6 décadas, ha producido una filmografía que incluye más de 50 cintas. Aunque su faceta cómica es la que más ha explotado en sus películas, Allen ha sabido hacer con mucha soltura y maestría los dramas y todos sus matices de conexión emocional con el amor y con la tristeza.Annie Hall (1977)La obra maestra de Woody Allen. Esta comedia romántica fue sin lugar a dudas la que tocó su cima y en la que además ganó 4 premios Oscar. Con la particularidad de que eran los primeros de su dilatada carrera. Con Annie Hall se llevó Óscar a mejor película, realizador, guion original y actriz principal.Manhattan (1979)Otra de las grandes obras de la carrera del cineasta. Y, contra todo pronóstico, Woody Allen no piensa igual y sigue señalando que se trata de uno de sus trabajos menos conseguidos. Uno de los elementos más valorados y cuidados de Manhattan desde el día de su estreno hasta nuestros días es su increíble e inolvidable banda sonora a cargo de George Gershwin. Fue una de sus películas más taquilleras.Hanna y sus Hermanas (1986)Fue nominada para mejor película, director, dirección artística y montaje en los Óscar. Ganó los Óscar a mejor guión original, mejor actor secundario (Michael Caine) y mejor actriz secundaria (Dianne Wiest). En cuanto al reparto de personajes, Woody Allen ofreció en primer lugar el papel de Elliot a Jack Nicholson, pero este, aunque mostrara su interés, no pudo por coincidir con el rodaje de 'El honor de los Prizzi' (1985) así que al final se lo llevó el premiado Michael Caine.La Rosa Púrpura del Cairo (1985)Michael Keaton iba a ser el protagonista de esta película. Cuentan que llegó incluso a rodar durante 10 días bajo las órdenes de Woody Allen pero el realizador, decidió prescindir de él por no ajustarse al estilo que querían proyectar con la película. Finalmente, Jeff Daniels fue quién lo reemplazó. Woody Allen es un romántico y que siente una devoción incondicional por el Hollywood más clásico.La última noche de Boris Grushenko (1975)Es una de las más destacadas comedias tempranas de Woody Allen como director, guionista y actor principal. De hecho, el propio cineasta neoyorquino considera "La última noche de Boris Grushenko" como la película más cómica que ha producido durante toda su filmografía. Con un presupuesto de 3 millones de dólares, logró recaudar en taquilla poco más de 20 millones de dólares.Medianoche en París (2011)La película más taquillera de Woody Allen. Midnight in Paris recaudó 153,9 millones de dólares en todo el mundo partiendo de un presupuesto de 17 millones de dólares. Es la segunda película de Woody Allen con más nominaciones a los premios Óscar pero ganó únicamente el premio a mejor guion original. Como anécdota, el hotel que sale en la producción existe en la vida real.Match Point (2005)Fue la primera película de Woody Allen desde Hannah y sus hermanas (1986) que obtuvo beneficios en EEUU. Recaudó 85,6 millones de dólares en todo el mundo. Acostumbrado a realizar largometrajes de unos 90 minutos, esta es sin lugar a dudas la más larga de todas ellas. Logró unGoya en 2006 como mejor película europea, 4 nominaciones a Globos de Oro y la nominación al premio Óscar.Desmontando a Harry (1997)Cuenta la historia de un escritor llamado Harry Block -interpretado por el mismo Woody Allen-. La antigua universidad en la que estudió le iba a rendir un homenaje. ¿El problema? Que el escritor no tiene con quién ir. Su desorganizada y alocada vida le impide mantener en su entorno una esposa, amante, familia o hasta incluso amigos. Hasta ese momento, es cuando cuando el escritor toma conciencia de su soledad e intenta encontrar a alguien que acepte acompañarle. Una comedia muy bien interpretada por Woody Allen en la que recibió críticas en general positivas.Días de Radio (1987)La película se desarrolla en el Brooklyn de los años 40. Woody Allen dirige con mucho cariño, acierto y encanto esta película que supuso un entrañable y nostálgico homenaje a la radio. Días de radio se centra en las aventuras de un niño que gracias a la radio descubre la música y su pasión por el jazz. La película cuenta con las actuaciones de Julie Kavner, Dianne Wiest y Danny Aiello y Diane Keaton.Maridos y Mujeres (1992)Esta comedia dramática fue la última que grabó junto a lo que por entonces era su pareja sentimental Mia Farrow. Poco después de su estreno, se hizo oficial su separación con lo que Woody Allen. Obtuvo 2 nominaciones en 1992 a los premios Óscar a Mejor Atriz de Reparto (Judy Davis) y Mejor Guión Original. Así como las mismas nominaciones en los premios BAFTA y en el caso de Globos de Oro, Judy Davis fue nuevamente nominada a mejor actriz de reparto en la realización de esta cinta.
Lee Elder, quien se convirtió en el primer golfista afroamericano en jugar en el torneo Masters y registrar un momento emblemático en la historia de ese deporte al romper las barreras raciales en el circuito de golf profesional, falleció este lunes a los 87 años, según anunció el PGA Tour. Cuando Elder jugó en el Augusta National Golf Club en abril de 1975, tenía 40 años. Algunos años antes, en su mejor momento, se había limitado a jugar en la gira de la United Golfers Association, la versión deportiva de las ligas negras del béisbol. Para entonces, la PGA of America, la asociación nacional de golfistas profesionales, aceptaba en el certamen solo a "miembros de la raza caucásica", como se indicaba en sus reglas, hasta 1961. Elder fue uno de los líderes en la gira de la UGA, que a lo largo de los años también contó con golfistas como Ted Rhodes, Charlie Sifford, que fue el primer jugador negro en el PGA Tour, y Pete Brown mientras ofrecía carteras comparativamente escasas.Elder jugó regularmente por primera vez en el PGA Tour en 1968, y ese agosto llevó a Jack Nicklaus a un desempate en el American Golf Classic en Akron, Ohio, perdiendo por muerte súbita. El Masters, jugado anualmente en Augusta National, no tenía ninguna cláusula que prohibiera a los golfistas negros, pero extraoficialmente permaneció cerrada para ellos. Sin embargo, con el surgimiento del movimiento de derechos civiles en la década de 1960, se vio presionado para integrar sus filas.El torneo modificó sus reglas en 1971 al anunciar que cualquier jugador que posteriormente ganara un evento del PGA Tour se clasificaría automáticamente para él. Elder estuvo cerca, terminando segundo en el Abierto de Texas y perdiendo un desempate ante Lee Trevino en el torneo Greater Hartford en 1972. Pero esas actuaciones no persuadieron a los Maestros de doblar su nueva regla y otorgarle un lugar a Elder. Elder se abrió paso después de capturar el Monsanto Open de 1974 en el Pensacola Country Club en Florida, donde seis años antes a él y a otros miembros afroamericanos del PGA Tour que jugaban allí se les había negado la entrada a la casa club.Elder jugó en el Masters seis veces, su mejor resultado fue un empate en el puesto 17 en 1979. Ganó cuatro eventos del PGA Tour y terminó segundo 10 veces, jugando regularmente hasta 1989 y ganando $ 1.02 millones en carteras. También jugó para el equipo de Estados Unidos en la Ryder Cup de 1979. Además. Elder y su primera esposa, Rose Harper, crearon una fundación en 1974 para proporcionar becas universitarias a miembros de familias con ingresos limitados. En 2019, Elder recibió el más alto honor de la Asociación de Golf de los Estados Unidos, el Premio Bob Jones, nombrado así por el cofundador de los Masters y presentado por su excelente deportividad. Robert Lee Elder nació el 14 de julio de 1934 en Dallas, uno de diez hijos. Su padre, Charles, un conductor de camión de carbón, murió durante el servicio militar en Alemania en la Segunda Guerra Mundial cuando Lee tenía 9 años. Su madre, Almeta, murió tres meses después.
George Harrison es, sin duda, uno de los compositores más destacados de su generación. Aunque nunca visto como el compositor principal de The Beatles, incluso después de mostrar el talento supremo que tenía a su disposición, Harrison se sintió un artista incomprendido y a lo que , y muchos sugieren, que solo encontró su camino después de dejar los Fab Four y encontrar el suyo propio. Su álbum "All Things Must Pass" bien podría ser uno de los mejores álbumes posteriores a The Beatles jamás lanzados, y luego entregó innumerables canciones impresionantes. A continuación, hemos seleccionado diez de los mejores de la imperiosa carrera en solitario de Harrison.Atrapado junto a dos de los mejores compositores pop de todos los tiempos en John Lennon y Paul McCartney, Harrison siempre tuvo dificultades para hacerse valer. Sin embargo, eventualmente, el talento de Harrison comenzó a mostrarse y una vez que llegó una canción, fluyeron más y más. Aceleraría el final de los Beatles y sus propios comienzos con su carrera en solitario.“George se quedó atascado siendo el Beatle que tuvo que luchar para que las canciones aparecieran en los discos debido a Lennon y McCartney. Bueno, ¿quién no se quedaría atascado?", dijo Bob Dylan una vez en una entrevista de 2007. "Si George hubiera tenido su propio grupo y estuviera escribiendo sus propias canciones, probablemente habría sido tan grande como cualquiera", agregó Dylan.En 1970, después de la disolución de The Beatles, Harrison hizo precisamente eso y lanzó uno de los álbumes más conmovedores de cualquier carrera en solitario de los Beatles: "All Things Must Pass". Luego fue más allá y creó un nuevo álbum que encabezó las listas de éxitos en 1987 con "Cloud Nine".Harrison tenía una visión única al crear música, ya fuera con The Beatles o en su material en solitario. El artista fue capaz, como ningún otro, de plasmar los temas e ideas más complejos y maravillosos en bocados de oro musical dulcemente envueltos. Con un toque suave y un tono absolutamente cautivador que se sentía reconfortante y guía, Harrison se convirtió rápidamente en uno de los compositores más venerados de su generación. 10. "Bangla Desh"Uno de los mayores logros de Harrison en la música no fue una canción o un álbum, sino organizar el primer concierto benéfico con The Concert For Bangladesh. Este evento vio a una gran cantidad de estrellas subir al escenario en apoyo del país devastado por la guerra y ayudar en la lucha contra el hambre. Este single fue lanzado por Harrison para recaudar fondos sobre el país golpeado.09. "Simply Shady"Al reflexionar sobre el trabajo de Harrison, resulta bastante fácil elegir los temas centrales. Hay espiritualidad, humanidad, amor, amabilidad y en "Simply Shady", el lado más oscuro del rock and roll. El propio George describió una vez la pista como "lo que les sucede a los chicos traviesos en el negocio de la música" y lo ve en su más confesionario. Fue un período oscuro para Harrison. Había adquirido un hábito de cocaína cada vez más doloroso, su centro espiritual estaba en su punto más bajo y su primera esposa, Patti Boyd, estaba durmiendo con su mejor amigo, Eric Clapton.08. "Got My Mind Set On You"Esta es una de las canciones más contagiosas jamás escritas fue interpretada de manera experta por Harrison en su álbum "Cloud Nine" de 1987. Inicialmente escrita por Rudy Clark, la canción vio a Harrison de nuevo en las listas de éxitos después de una pausa de cinco años. Puede que no sea el lanzamiento más notable de Harrison, pero ciertamente es uno de los más recordados.07. "All Those Years Ago"En el momento de la muerte de John Lennon en 1980, cada uno de los Fab Four experimentó la vida en su propio camino en solitario. Harrison, en particular, había disfrutado de ser lanzado por The Beatles. Lejos de la sombra de la potencia de composición de canciones de Lennon-McCartney, los sonidos espirituales de George Harrison finalmente tuvieron un amplio espacio para respirar.Sin embargo, Harrison dio la bienvenida a los talentos de Starr y McCartney en una canción específicamente, ya que todos rindieron homenaje a su John Lennon. La canción en cuestión era "All Those Years Ago", lanzada en mayo de 1981, a tan solo seis meses después del trágico asesinato.06. "Wah, Wah"“En ese momento, Paul no podía ver más allá de sí mismo”, dijo Harrison a Guitar World en 2001. “Estaba en una buena racha, pero ... en su mente, todo lo que sucedía a su alrededor estaba allí para acompañarlo. No era sensible a pisar el ego o los sentimientos de otras personas ". Harrison admitió: "Estaba tan harto de las malas vibraciones", dijo a la revista Musician. “No me importaba si eran los Beatles; Me estaba yendo". Ese día, al llegar a su casa de Surrey, Harrison representó la respuesta definitiva a sus opresivos socios al alcanzar su guitarra y escribir "Wah Wah".05. "I'll Have You Anytime"La pista fue escrita junto a Bob Dylan mientras Harrison intentaba encontrar su propia "voz" en el disco. Harrison recordó en su autobiografía: “Parecía muy nervioso y yo me sentí un poco incómodo; parecía extraño, especialmente porque estaba en su propia casa. Sacamos las guitarras y luego las cosas se aflojaron ". Una de esas pistas sueltas que surgieron de las sesiones fue "I'll Have You Anytime", que, además de ser sinceramente subestimada, hace que Dylan se convierta en el único crédito coautor de "All Things Must Pass". Debe haber sido un motivo de orgullo para el guitarrista ya que hizo de la canción la primera pista del álbum.04. "Run of the Mill"Tras la ruptura de The Beatles, los miembros de la banda tampoco se avergonzaron de expresar su desdén mutuo. No solo intercambiaron insultos en las entrevistas; después de todo, todo el mundo quería hablar de los Fab Four de todos modos, pero los compañeros de banda también usaban canciones para dispararse unos a otros. George Harrison había sufrido mucho en la mano de la banda ya que los principales compositores del grupo sofocaron su estilo de composición. "Run of the Mill" es sin duda el tema en el que Harrison profundiza más sobre sus problemas con John Lennon, Paul McCartney y Ringo Starr.03. "Isn't It A Pity"La canción es uno de los momentos más conmovedores de "All Things Must Pass" y otro de la pila de canciones rechazadas de los Beatles. Si bien es posible entender que el cuarteto de Liverpool eran su propio equipo con su propia dirección, es difícil ver cómo una canción tan bellamente construida como esta podría ser rechazada mientras se recogían los éxitos de otros Beatles. Sin embargo, con espacio para expandirse por su cuenta, Harrison se encontró extrayendo oro dondequiera que mirara.02. "My Sweet Lord"Uno de los esfuerzos en solitario más icónicos de Harrison, la pista es una suma perfecta de "All Things Must Pass" y el camino que pretendía forjar para su carrera en solitario. Otro momento de la música pop de encuentro con pensamientos superiores, el público en general podría haberse perdido fácilmente esta canción. En su autobiografía, Harrison dijo: "Pensé mucho en hacer 'My Sweet Lord' o no porque me comprometería públicamente, y anticipé que mucha gente podría ponerse rara al respecto. Quería mostrar que 'Aleluya' y 'Hare Krishna' son lo mismo". Hoy, la pista sigue siendo un momento de alegría trascendente mientras combina los momentos celestiales más cálidos del pop.01. "All Things Must Pass"Grabada originalmente por Harrison como demo para The Beatles en su cumpleaños número 26, la canción sigue siendo uno de los pocos momentos en los que el pop occidental se encuentra con la ideología oriental. Desechado por The Beatles, el material finalmente apareció en el álbum del mismo nombre. Su letra se basa en una traducción de parte del capítulo 23 del Tao Te Ching, y la pista actúa como un momento de felicidad compositiva. Harrison explica la más compleja de las teorías con un momento de conexión y consejo simple, emocionante y sincero. Es la poesía de su creación, la intención de su arte y el alma del hombre que lo hace, lo que brilla a través de todo lo que hace.
Baker superó el imaginario racista que la había convertido en una famosa artista negra para consagrarse como mujer libre, heroína de la resistencia, adalid de la fraternidad universal. La "Venus de Ébano", nacida en la pobreza en Estados Unidos, se convirtió en una adulada diva, se unió al servicio de contraespionaje durante la Segunda Guerra Mundial y lideró una lucha internacional contra el racismo, adoptando además a 12 niños de todo el mundo.Sin plumas ni lentejuelas, sino vestida con el uniforme de la Francia Libre, habló tras Martin Luther King y su famoso "I have a dream" en 1963 en Washington. La marcha por los derechos civiles fue el día "más feliz" de su vida. "Nunca supe si este trabajo la satisfacía por completo y si no quería ser más bien una personalidad política", aseguró su amigo y mandamás del espectáculo en Francia Bruno Coquatrix. "Ella quería nada menos que la reconciliación de toda la humanidad".Freda Josephine McDonald nació el 3 de junio de 1906 en Saint Louis, en Estados Unidos, de una madre amerindia negra y de un efímero padre de origen español. Creció entre miseria y segregación. Colocada como criada, dejó la escuela para casarse a los 13 años. A continuación, se unió a una compañía de artistas callejeros y dos años después de su primer matrimonio se casó en 1921 con Willie Baker, pero abandonó a su marido para probar suerte en Nueva York, conservando su apellido. Baker logró integrar dos compañías en Broadway, antes de que una productora la convenciera de viajar a París con Sidney Bechet, músico de jazz. El 2 de octubre de 1925, la bailarina se convirtió en la vedete de la "Revue Nègre" en el teatro de los Campos Elíseos y aceptó con reticencias aparecer con los pechos desnudos. Esa noche, deleitó a los asistentes con su "danza salvaje". Con un decorado de sabana, la artista interpreta un extraño charlestón en un arrebato de la batería de jazz."Impulsada por fuerzas oscuras que desconocía, improvisé, embriagada por la música, el teatro recalentado y lleno hasta los topes bajo el calor de los focos", recordó. El público se sorprendió al descubrir a esta mujer negra que jugaba con los fantasmas coloniales. En 1927, la artista brilló en el escenario del "Folies Bergères" vestida con un cinturón de bananas, acompañada de una pantera viva. "Ella es consciente de encarnar 'la salvaje', pero inventará su propia forma de ocupar este molesto lugar", explica la directora Ilana Navaro en su documental "Baker, primer icono negro". "Alrededor de sus riñones, las bananas, símbolos racistas por excelencia, se transforman en trofeos fálicos".La primera canción que interpretó, "J'ai deux amours, mon pays et Paris" (Tengo dos amores, mi país y París), en 1930 en el Casino de París, la consagró como una diva. "Si quiero convertirme en una estrella, tengo que ser escandalosa", defendió con su acento estadounidense Baker, que llegó a pasear con una serpiente alrededor del cuello o con una cabra con correa. Su representante Giuseppe Abatino, un siciliano que vivió con ella diez años, le organizó una gira mundial. Pero en Estados Unidos, la acogida fue tibia. En 1937, la "Princesa Tam-Tam" se casó con el empresario Jean Lion y se nacionalizó francesa. "Francia me ha convertido en lo que soy y le estaré eternamente agradecida", afirmó. Como mujer negra y casada con un judío, Joséphine Baker fue un objetivo para los nazis. Desde entonces, su compromiso político pasó a ser fundamental.Cantó para los soldados en el frente y se convirtió en agente para el general Charles De Gaulle, obteniendo, entre otras cosas, informaciones sobre las intenciones de Mussolini. La subteniente Joséphine Baker hizo llegar a Londres informes escritos con tinta invisible en sus partituras, lo que le valió la Cruz de Guerra. Esta militante por los derechos civiles de los negros en Estados Unidos se sumó a la Liga Internacional contra el Racismo. Y en 1966 participó en la conferencia Tricontinental celebrada en Cuba. Para demostrar que "solo hay una raza humana", adoptó, con su nuevo marido, el director de orquesta Jo Bouillon, doce niños de diferentes lugares del mundo.
Este sábado, falleció a los 61 años en su casa la escritora Almudena Grandes, la gran voz literaria de España, a causa de un tumor maligno que le detectaron en 2020, según confirmó la editorial Tusquets y que publica la obra de la escritora. La sorpresa, el dolor, la orfandad de los lectores y todo lo que se desató con su muerte inundó las redes sociales de palabras de muchísima tristeza.Nacida en Madrid, en 1960, Almudena Grandes fue una de las escritoras más relevantes de las últimas generaciones, siendo ganadora del Premio Nacional de Narrativa en 2018. Los primeros pasos en el oficio los dio escribiendo textos para enciclopedias. Desde la adolescencia mostró un apetito extremo por la literatura. Lo mantuvo durante 40 años de novelas, de cuentos, de artículos en el diario El País.Como narradora, Almudena Grandes se dio a conocer en 1989 con su novela "Las edades de Lulú", novela ganadora del XI Premio La Sonrisa Vertical. Desde ese momento, las buenas críticas y el amor de los lectores no dejaron de acompañarla. Sus novelas "Te llamaré Viernes", "Atlas de geografía humana", "Los aires difíciles", "El corazón helado" y "Los besos en el pan", junto con los volúmenes de cuentos "Modelos de mujer" y "Estaciones de paso", la llevaron a ser uno de los nombres de mayor proyección internacional de la literatura española contemporánea de nuestro tiempo.Algunas de sus ficciones fueron llevadas al cine, y han merecido, entre otros, el Premio de la Fundación Lara, el Premio de los Libreros de Madrid y el de los de Sevilla, el Rapallo Carige y el Prix Méditerranée. Sensibilizada con la memoria histórica, Grandes comenzó en 2010 uno de los proyectos literarios más ambiciosos de la narrativa en español contemporánea: los "Episodios de una guerra interminable", una saga de seis novelas que atravesaban lo peor de la historia del siglo XX.Tras su muerte, póstuma saldrá la última novela de la saga, "Mariano en el Bidasoa", que dejó terminada y que fija el argumento en 1964. “Mis lectores y lectoras, que me conocen bien, saben que son muy importantes para mí. Siempre que me preguntan por ellos respondo lo mismo, que son mi libertad, porque gracias a su apoyo puedo escribir los libros que quiero escribir yo, y no los que los demás esperan que escriba. También saben que la escritura es mi vida, y nunca lo ha sido tanto, ni tan intensamente como ahora. Durante todo este proceso he estado escribiendo una novela que me ha mantenido entera, y ha trazado un propósito para el futuro que me ha ayudado tanto como mi tratamiento. Ahora necesito devolverle todo lo que me ha dado, encerrarme con ella, mimarla, terminarla, corregirla. Por eso voy a seguir desaparecida una buena temporada, y no devolveré mensajes, no contestaré llamadas, no daré noticias. Imagino que muchas personas lo comprenderán. Supongo que otras quizás no lo hagan, pero confío en que respeten mi decisión. Hasta que vuelva, aunque sólo sea para mirar frente a frente el cielo de Madrid una vez más, antes de volver a esconderme”, escribió en la misma columna en la que contaba su enfermedad.
Stephen Sondheim, uno de los más grandes compositores de la historia de Broadway, cuya música y letras mantuvieron durante la última mitad del siglo XX el estándar artístico de los musicales, murió este viernes en su casa en Connecticut a los 91 años. Su muerte fue anunciada por su abogado y amigo, Richard Pappas, quien manifestó que sucedió de manera repentina y que el día anterior, Sondheim había celebrado el Día de Acción de Gracias con una cena con algunos amigos, dijo.El trabajo de Sondheim fusionó palabras y música. Desde sus primeros éxitos a finales de la década de 1950, cuando escribió la letra de "West Side Story" y "Gypsy", hasta la década de 1990, cuando escribió la música y la letra de dos musicales, "Assassins" y "Passion", representaron para Broadway una era. El primer espectáculo de Broadway que Sondheim escribió fue la comedia "A Funny Thing Happened on the Way to the Forum", ganadora de un premio Tony al mejor musical en 1962.En las décadas de 1970 y 1980, su período más productivo, produjo una serie de obras originales y variadas, entre las que se incluyen “Company” (1970), “Follies” (1971), “A Little Night Music” (1973), “Pacific Overtures ”(1976),“ Sweeney Todd ”(1979),“ Merrily We Roll Along ”(1981),“ Sunday in the Park With George ”(1984) y“ Into the Woods ”(1987). Además, escribió algunas letras para compositores de la talla de Irving Berlin, Cole Porter, Frank Loesser, Jerry Herman y Noël Coward.Aunque Sondheim pasaba largos períodos de soledad, generalmente a altas horas de la noche, cuando estaba componiendo o escribiendo, a menudo hablaba con cariño de la naturaleza colaborativa del teatro. Trabajó con el productor y director Hal Prince , el orquestador Jonathan Tunick y más tarde el escritor y director James Lapine. En 1993, Sondheim recibió el Kennedy Center Honors por su trayectoria, y en 2015 el presidente Barack Obama le otorgó la Medalla Presidencial de la Libertad.
En la mañana de este viernes 26 de noviembre, falleció a los 83 años el legendario arreglista y compositor Michi Sarmiento, tras padecer varios quebrantos de salud desde hace varios meses. El músico había sido trasladado en octubre al Hospital Universitario del Caribe para recibir atención médica de un gastroenterólogo tras referir intenso dolor abdominal e inflamación en el estómago.Michi fue heredero de una dinastía musical que inició su padre, el saxofonista y clarinetista Clímaco Sarmiento, oriundo de Soplaviento, Bolívar. Nacido en 1938, Michi, fue una especie de niño prodigio de los músicos, comenzó a tocar en los cabarets y casinos de Cartagena a fines de los años cincuenta. Para 1967 formó su Combo Bravo, una banda formada por dos trompetas, Michi en saxo tenor y clarinete, guitarra y piano, bajo eléctrico, tumbadora, timbales y un joven Joe Arroyo en la voz. La banda comenzó a tocar junto a Toño y su Combo, Los Seven del Swing y Puerto Rico y su Combo.Junto con contagiosos porros y cumbias de baile, Michi y sus Bravos se especializaban en ruidosos guaguancós, descargas y versiones calientes de los primeros éxitos de la salsa y el boogaloo. Los discos de Michi en Discos Fuentes, brillantemente producidos y grabados por Mario "Pachanga" Rincón, estaban llenos de quemadores de pista de baile de ritmo rápido con bajos bombeantes así como algunos montunos insistentes, solos de saxo y percusión metálica que resultaba inquietante.En 1962, Michi se hizo cofundador de Los Corraleros de Majagual, la legendaria agrupación de la que hicieron parte grandes estrellas como Alfredo Gutiérrez, Luis Pérez, Eliseo Herrera, Chico Cervantes, Enrique Bonfante Castilla y Calixto Ochoa. Sarmiento compuso algunas canciones en ritmo de cumbia, porro y fandango como "Antonia", "Llora niña", "El tigre de manatí", "Purificación", "Salsa con monte", "Santa Marta", "Linda mañana", "El arroyo de Matuya", "San Patricio" y "No te vayas". Entre sus arreglos más memorables para la historia de la salsa en Colombia está "Rebelión", de 1986.Además, en la literatura colombiana, Michi fue inmortalizado en la novela "El patio de los vientos perdidos" del escritor cartagenero Roberto Burgos Cantor, publicada en 1984. En la novela, el salsero aparece convertido en el saxofonista que animaba las noches en el cabaret de Germania Cochero.
Roberto "el Negro" Fontanarrosa es uno de los autores más entrañables y memorables de la literatura argentina. Uno que, además de acercar los libros al universo futbolero, aproximó el fútbol a quienes menos les interesaba este deporte. Nacido en Rosario, en la provincia de Santa Fe el 26 de noviembre de 1944, antes de cumplir sus 20 años ya trabaja en una agencia de publicidad donde conoció a Alberto Mirtuono, quien fue su jefe durante la etapa de creación de su personaje "Boogie, el aceitoso".Para 1968, Fontanarrosa publicó su primer sátira gráfica en el número uno de la revista Boom de Rosario. Dos años después creó a Boogie, una parodia "a la argentina" del agente secreto James Bond, en la que cuenta las aventuras de un prófugo de la justicia, veterano de la Guerra de Vietnam, que se transformó en un asesino a sueldo. En 1972, "El Negro", como le decían cariñosamente, colaboró en las revistas Hortensias y Satiricón. En ese mismo año creó a Inodoro Pereyra y a Mendieta, su perro parlante, dos personajes a través de los cuales cristalizó lo "gauchesco" y la idiosincrasia argentina.Con la fundación de la revista Mengano, Fontanarrosa comenzó a trabajar allí y luego, en 1976, Inodoro Pereyra empezó a publicarse en el diario Clarín. En 1984, comenzó a trabajar en la revista Fierro, una de las más prestigiosas de la historieta argentina y donde publicó la famosa serie "Cuatro hombres en la cabaña" y en 2004, participó del III Congreso Internacional de Lengua Española.Fontanarrosa fue distinguido con múltiples premios y homenajes, entre ellos el premio Konex en el año 1992, el premio Konex de Platino en 1994 y en 2006, el senado de Argentina le otorgó la Mención de Honor por su aporte a la cultura argentina. Falleció a los 62 años, el 19 de julio de 2007. En nuestro archivo, recuperamos esta entrevista de la HJCK con el reconocido dibujante del 07 de mayo de 1989.
En 1991, Silvio Rodríguez estaba inmerso en una histórica gira por México con Diákara como banda de acompañamiento. La formación estaba liderada por el gran percusionista cubano Óscar Valdes Jr, que buscaba acercarse al sonido de bandas muy populares en la isla, como Irakere o Afrocuba.El periplo mexicano se coronó con una serie de grabaciones en los estudios del sello PolyGram en Coyoacán. Apenas tres o cuatro sesiones en las que alcanzaron a grabar los 10 temas que conforman el álbum y que reflejan un momento único en la carrera del trovador.A lo largo de estos tres capítulos, algunos de los miembros originales de Diákara como Emilio Vega (teclados) o Ramón Valle (percusión) y otros protagonistas de esta historia como Francisco Miranda (el ingeniero de sonido que grabó las canciones en Coyoacán en 1991) y Olimpia Calderón (técnico de sonido de los estudios Ojalá de La Habana) relatan los pormenores de este proyecto.El equipo de producción se trasladó a diferentes localizaciones (México DF, La Habana, Ámsterdam) para entrevistar a los participantes. Además, el documental incluye impresionantes imágenes de archivo de Silvio Rodríguez y Diákara en aquella gloriosa era.
El Cristo Mutilado, símbolo de resistencia, encabezó la peregrinación por el río Atrato con la que comenzó el acto de conmemoración, reparación y no repetición que la comunidad de Bellavista, casco urbano del municipio de Bojayá, recordó a las más de 100 víctimas de la masacre del 2 de mayo de 2002.El acto, que la comunidad del municipio realiza cada año, también incluyó un ritual de sanación y presentaciones de agrupaciones locales como las Cantadoras de Pogue. “Las víctimas de Bojayá no paramos de cantar, para mitigar el dolor y que nos dejen en paz. La paz, la paz, la paz queremos”, cantaron las integrantes de la agrupación.La peregrinación partió de la iglesia del nuevo Bellavista, siguió por el Atrato y llegó a la iglesia del viejo Bellavista, epicentro de la masacre en la que cayó un cilindro bomba lanzado por guerrilleros de las FARC.Este sitio se resignificó a través de una ceremonia religiosa y de las presentaciones musicales, con protagonismo de los alabaos, que recordaron a las víctimas, demostraron la capacidad de resiliencia y reconciliación de este municipio y, además, exigieron garantías para la no repetición.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Queremos un municipio de colores, donde se respete la vida, prevalezca la educación, la cultura y el medioambiente; donde los campesinos y campesinas, los líderes, lideresas y defensores de derechos humanos puedan caminar libremente sin temor alguno”, aseguró en su intervención Yúber Palacios Córdoba, representante del comité de víctimas.El Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes y el Ministerio de Educación acompañaron el acto a través del programa Sonidos para la Construcción de Paz, que apoya a instituciones educativas locales que adelantan procesos de formación musical para generar una Cultura de Paz a través de la música y de las expresiones artísticas."Mil gracias una vez más por haber sido y por ser muestra de que la única posibilidad de resistencia en el territorio, aún hoy en medio de la guerra, es la cultura, es la relación profunda con la memoria, con el territorio y con la sensibilidad", aseguró en su intervención el ministro de las Culturas, las Artes y los Saberes, Juan David Correa.El Minculturas agregó que se adelantará el plan especial de salvaguardia de Bojayá para declararlo como Bien de Interés Cultural del Ámbito Nacional y, después, como un lugar de memoria ante la UNESCO.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
¿Qué haría Harry Potter? Esa fue la pregunta que se hicieron el comediante Andrew Slack y la banda de wizard rock Harry and the Potters cuando se juntaron en 2005 para crear la Harry Potter Alliance (HPA), una organización sin ánimo de lucro que convocó a varios grupos de fans de Harry y a otras bandas de wizard rock inspiradas en los personajes de los libros para llamar la atención sobre la violación de derechos humanos en el conflicto étnico y militar de Darfur, Sudán.Durante esa primera campaña, cuyo lema era “¿Qué haría Harry Potter?”, recaudaron 14.000 euros que fueron destinados a las víctimas del genocidio.Este texto aparece también en la guía del BIME 2024. Sobre estos temas y más de la industria se habla en el BIME: acá encuentran toda la información.La organización cambió su nombre por “Fandom Forward” en 2021 aduciendo que el “movimiento es para cualquiera que crea en el poder de las historias y las comunidades que las aman para cambiar el mundo”, pero no ha parado desde entonces.Fandom Forward ejecuta acciones recurrentes asociadas a causas como la equidad de género, la igualdad de los derechos de las personas LGBTIQ+, la justicia económica y el cuidado ambiental.La obra de J.K Rowling los impulsó indirectamente, no solo a crear bandas de música y blogs en los que analizan problemas sociales a través de la ficción, sino a formar comunidad e involucrarse en la vida social y política.Idols y swiftiesLa existencia y la misión del Fandom Forward (“creer en el poder de las historias para cambiar el mundo”) es solo uno de muchos ejemplos en los que las obras de la cultura pop crean nuevas comunidades de consumo que se involucran con lo que les interesa en un nivel más profundo. Y este mismo fenómeno, ahora, se puede identificar más fácilmente en la música.En especial, si nos fijamos en dos casos: los seguidores de los idols del K Pop y las swifties (seguidoras de Taylor Swift). Estamos en la era de los fandoms.¿Qué es un fandom?La palabra fandom es la contracción de fan y kingdom [reino]. Como vimos, fue utilizada en principio para designar a los consumidores de historias de ficción (plasmadas en series, libros o cómics) que organizaron comunidades propias para estudiar, reinventar y reapropiarse de esas historias. Pero desde que los artistas entraron en el juego de mercadear su personalidad en redes sociales como una especie de telerrealidad, el término se extendió al campo de la música. La proliferación de los fandoms nos habla de un cambio crucial en la forma en que los consumidores se implican con la música y con los artistas que aman. Ese cambio supone una superación de las acusaciones patologizantes de la idea de “fan” que lo asocian, por lo general, al exceso o a una supuesta religiosidad irreflexiva.Una de las características de los fandoms es que hacen uso de lo que el investigador Henry Jenkins llamó la imaginación cívica: es decir, llevan los valores de una obra (película, álbum, libro) a su vida como ciudadano. El espacio libre para la especulación, la imaginación o la acción en “la vida real” es el que separa al miembro del fandom del fanático “religioso” que no cuestiona su creencia.En el campo de la música, el giro apunta a que, en el reino de los fans, la vida entera del artista se consume como una obra, una historia de fantasía que debe ser apropiada y reinterpretada en el contexto propio.En 2023, Paula Ricciulli entrevistó para Shock a una de las líderes swifties que intentaron frenar la campaña del hoy presidente Javier Milei en Argentina. Esto dijo del modo en el que utilizaron las canciones de Taylor para hablar de su contexto:De esto también hablamos en este capítulo de Nuestro podcast de música para Canal CapitalEl vínculo entre gusto e ideología que menciona la swiftie entrevistada en ese momento es el núcleo del fandom. La novedad de estas comunidades versus la idea del fan “pasivo” o “extremista” es la relación que se establece entre el consumidor y la obra, entendida como una extensión de la vida de su autor: un paquete completo que incluye tanto las canciones como las declaraciones de valores propios. Va incluso más allá de la relación parasocial del fan con el artista a través de las redes sociales.Como señala el investigador Mark Duffett, esa relación entre fan y artista involucra una negociación identitaria más compleja en la que se analiza la compatibilidad en valores. Los artistas son, para el fandom, una guía ética, un modelo de virtud equiparable al que proveen los superhéroes en los cómics.La obra de una artista como Taylor Swift puede ser utilizada en el contexto de una mujer joven en Argentina, antes de las elecciones presidenciales, pero también en la vida diaria y las relaciones amorosas. Los artistas entraron en el inevitable juego de mercadear su personalidad y sus valores individuales. Su obra es, en cierta forma, un subproducto de eso. Y, por extensión, el mismo principio funciona para la audiencia de modo inverso.Sabemos que se ha fandomizado el consumo de la música cuando se puede desplazar hacia los artistas la pregunta que se hacía la Harry Potter Alliance cuando quiso tomar partido en el conflicto en Sudán: ¿Qué haría Harry Potter? Hoy, las swifties se preguntan: ¿Qué haría Taylor?***Recomendaciones:Quizá el personaje más reconocido en la teoría de los fandoms es Henry Jenkins, autor del libro célebre Cultura de la convergencia. Hoy, Jenkins está retirado de la academia, pero tiene un podcast recomendadísimo en el que también habla de estos temas: How do you like it so far. Además de Jenkins, Mark Duffett ha estudiado más detalladamente a los fans en la música y ha compilado muchos de los ensayos escritos al respecto por otros investigadores. Recomendado leer su libro Understanding Fandom. ***Este artículo hace parte la serie Estudios de caso, la sección de artículos de análisis de industria industria cultural en Shock.
“Mi hermana (Karina Milei, secretaria general de Presidencia) está llevando a cabo esa negociación y hay un nivel de hostilidad hacia mi persona y nuestra gente. Nos hace sospechar de que hay intención de sabotear la presentación, al estilo kirchnerista”, dijo Milei en declaraciones a la radio El Observador.El mandatario ultraliberal tenía previsto hablar de “Capitalismo, socialismo y la trampa neoclásica”, una recopilación de artículos que habría escrito durante sus giras como jefe de Estado, para el 12 de mayo, último día de la feria, en la pista central del predio con capacidad para 6.000 personas.Sin embargo, Milei indicó que si se presentaba “amenazaron hacer cosas, son tipos de comportamientos no propios de la cultura, no podemos exponernos a que nos hagan un bloqueo”.También apuntó contra las autoridades del evento al afirmar que “tomaron acciones propias de alguien que quiere sabotear la presentación”.Durante la inauguración de la feria, el presidente de la Fundación El Libro -a cargo del evento-, Alejandro Vaccaro, ironizó sobre la participación del mandatario para criticar la falta de recursos que el Estado argentino destinó a la cultura local.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Su participación implica una serie de erogaciones que la Fundación no puede afrontar. Señor presidente, lo digo con la mano en el corazón: no hay plata”, dijo Vaccaro, usando la frase de cabecera de Milei para justificar sus políticas de ajuste económico.Vaccaro, también había afirmado que los gastos asociados a la presentación y seguridad de Milei correrán por cuenta del mandatario y aprovechó para advertir que la supervivencia de la feria está en riesgo “por las medidas económicas que arrastran (al sector del libro) a un mundo muy lejano al paraíso que imaginaba (Jorge Luis) Borges”.En este sentido, Milei le respondió al presidente de la Fundación por sus palabras durante la apertura, las cuales consideró como “un discurso violento” y remarcó que Vaccaro se manifestó de esa forma “sus claras preferencia kirchneristas”.El jefe de Estado mantiene intenciones de presentar su libro, pero todavía no hay una fecha o lugar para llevar a cabo la presentación, aunque confirmó que lo hará junto al diputado José Luis Espert, que en las últimas semanas pasó de la centroderecha Juntos Por el Cambio a integrar las filas de La Libertad Avanza.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Después de 16 días de feria, de actividades, libros y de “leer la naturaleza”, Corferias se despide de otra edición de la Feria Internacional del Libro de Bogotá, FilBo, con un balance de la participación y asistencia a este evento cultural. Además, en el último día de feria también se presentó a España como el país invitado de honor para el 2025.En 1992, durante la quinta edición de la FilBo, España fue el país invitado de honor a la feria por primera vez bajo el lema del “encuentro de dos culturas”. Treinta y cuatro años después, el país europeo que comparte con Colombia la lengua y una amplia historia regresará con la construcción de cultura de la paz y la lengua en común como temas centrales.“Sabemos que tenemos mucho que aprender, pero también que es una relación de ida y vuelta.En los últimos años hemos fortalecido nuestras relaciones editoriales con España, para lograr que los autores colombianos sean leídos en ese país, y que aquí se lean también a los escritores y escritoras españoles”, explicó Adriana Ángel, directora de la FilBo.Además, aclaró que aunque en esta edición de la feria, en la que Brasil fue el país invitado de honor, hubo una contundente presencia de escritores españoles, como Sergio del Molino, e Irene Vallejo quien dio el discurso inaugural el pasado 17 de abril, todavía hay mucho de la literatura por explorar.Por su parte, el secretario de Estado de Cultura de España, Jordi Marti Grau, en representación del país europeo mostró interés porque las actividades de la próxima feria que incluyen la participación de España no se limiten al pabellón, sino que la cultura española y los temas en común de ambas culturas sean transversales a la agenda de la feria.“Se trata de lanzar un mensaje, me gustaría que fuera un conjunto de actos y actividades conjuntas, me gustaría que autores colombianos que residen en España puedan acompañarnos en la feria”, puntualizó sobre los planes que desde ya preparan.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Este año tuvimos una participación contundente de autores españoles, pero el próximo año también le vamos a apostar a una presencia muy fuerte de libreros, editores, ilustradores y todos los actores de la cadena del libro en la feria y en la ciudad”, aclaró Ángel haciendo referencia a las novedades que se esperan el próximo año.Con su participación en la Feria del libro de Colombia, España culminará una gira por latinoamérica donde también será el país invitado a las ferias del libro de Panamá, en agosto, y de Guadalajara, el próximo diciembre.Además de este anunció, la FilBo también celebró la asistencia a Corferias el primero de mayo, cuando registraron 103 mil visitantes. En los 16 días de feria estiman que asistieron alrededor de 600 mil personas, de acuerdo con Mario Cajiao, vicepresidente de planeación y asuntos corporativos de Corferias.Por parte de los 548 expositores, Corferias registró 1.150 compradores y una expectativa de negocio por alrededor de 6 millones de dólares, “lo que representa un crecimiento del 32 % en relación con el año anterior”, sentenció Cajiao.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Treinta y cinco años después de ganar el premio a la mejor actriz por 'Evil Angels' (Un grito en la oscuridad', 1988), su única aparición en el Festival de Cannes hasta la fecha, hará su esperado regreso a la Croisette", celebró el certamen francés en el mensaje.Meryl Streep se declaró "extremadamente honrada" de recibir la Palma de Honor, un homenaje que en esta edición también se concederá al realizador George Lucas y al Estudio Ghibli."Para la comunidad internacional de artistas ganar un premio en Cannes siempre ha representado la máxima distinción en el arte cinematográfico. Estar a la sombra de los que ya han ganado es a la vez humilde y emocionante. Estoy impaciente por ir a Francia este mayo para dar las gracias a todos en persona", dijo Streep, según el comunicado.La protagonista de títulos como 'Out of Africa' ('Memorias de África'), 'The Bridges of Madison County' ('Los puentes de Madison') o 'Sophie's Choice' ('La decisión de Sophie') fue elegida por su presencia en "innumerables obras maestras" a lo largo de cinco décadas de cine, en palabras de Iris Knobloch y Thierry Frémaux, la presidenta y el director artístico del Festival, y por formar parte "del imaginario colectivo".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Con tres premios Oscar y una cifra récord de 21 nominaciones, Streep "utiliza su intuición y su trabajo duro para reinventarse con cada aparición" en pantalla, destacó también el Festival al hacer un repaso de su extenso currículum, que incluye igualmente películas como 'Mamma Mia!', 'Kramer vs. Kramer' ('Kramer contra Kramer') o 'The Devil Wears Prada' ('El diablo viste de Prada').Además, "a lo largo de toda su carrera", Meryl Streep "no ha temido denunciar públicamente la precariedad de las mujeres en la industria del cine" y ha sido consciente de los desafíos que rodean a la "representación de las mujeres en el cine", añadieron las fuentes.Es por eso que ella ha encarnado, "deseosa" de retratar a las mujeres en "toda su complejidad y fragilidad", papeles en todo tipo de registros y géneros cinematográficos, desde el drama al musical o la comedia.Recientemente lo hizo en la vertiente más familiar y de época en la adaptación de 'Little Women' ('Mujercitas', 2019) dirigida por Greta Gerwig, quien será precisamente la presidenta del jurado de la competición oficial de Cannes, donde este año se medirán figuras como Francis Ford Coppola, Yórgos Lánthimos, Paolo Sorrentino o David Cronenberg."Dos mujeres, dos generaciones, dos exigencias y una misma pasión por el Séptimo Arte reunidas en el escenario del Gran Teatro Lumière", indicó el Festival en referencia a la gran gala de apertura del 14 de mayo, en la que también se estrenará la película 'Le deuxième acte' ('El segundo acto'), del director francés Quentin Dupieux.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.