Lady Macbeth del distrito de Mtsensk es una ópera en cuatro actos con música de Dmitri Shostakóvich. El libreto en ruso fue escrito por Shostakóvich y Aleksandr Preis, inspirándose en la famosa historia homónima de Nikolái Leskov. A veces, a la ópera se la llama informalmente Lady Macbeth cuando no hay posibilidad de confundirla con la ópera de Verdi Macbeth. Se estrenó el 24 de enero de 1934 en el Maly Óperny de Leningrado. Shostakóvich dedicó esta obra, que dura dos horas y media, a su primera esposa, la física Nina Varzar. No se trata de una ópera en el sentido tradicional del término sino de un experimento escénico musical de acción cinematográfica. Narra la historia de una mujer solitaria, en la Rusia del siglo XIX, que se enamora de uno de los sirvientes de su marido y es empujada al suicidio. La obra incorpora elementos del expresionismo y el verismo.El proyecto inicial de Shostakóvich fue escribir una trilogía consagrada a la suerte de la mujer rusa en diferentes épocas. Katerina Izmáilova, la Lady Macbeth de la primera ópera, debía representar a la mujer del siglo XIX viviendo bajo la tiranía de los zares y de una sociedad fuertemente patriarcal, mientras que el último elemento de la trilogía debía ser un himno a la mujer soviética. Pero los contratiempos con las que se encontró la ópera acabaron por convencer a Shostakóvich de que debía renunciar al proyecto.Shostakóvich comenzó a trabajar sobre esta ópera el 14 de octubre de 1930 y la terminó dos años más tarde, el 17 de diciembre de 1932. El relato de Leskov en el que se inspiró tenía a su vez como fuente otro hecho: una mujer había asesinado de manera atroz a su suegro para obtener la herencia. Leskov había enriquecido esta intriga rodeando a los protagonistas de otros personajes, como Serguéi y Fiódor. Este último desapareció de la ópera, pero Shostakóvich y Preis conservaron el de Serguéi, amante de la heroína.La ópera se estrenó el 22 de enero de 1934 en el Teatro Maly de Leningrado (hoy San Petersburgo). A pesar de que tuvo, en general, un éxito temprano, tanto a nivel popular como oficial, Lady Macbeth fue el instrumento para una denuncia general de la música de Shostakóvich por el Partido Comunista a principios del año 1936. El 28 de enero de 1936, Pravda, el diario oficial del Partido Comunista, publicó un editorial titulado Embrollo en vez de música, donde decía: "El oyente es abrumado desde el primer instante de la ópera por un flujo de sonidos deliberadamente desmañado y embrollado. Amagos de melodía, embriones de frases musicales, se ahogan, escapan y vuelven a ahogarse entre choques, rechinadas y alaridos. Seguir esta "música" es difícil; recordarla es imposible". Se especula que el comentario, anónimo, podría reproducir las palabras del mismo Stalin, y después de su publicación la ópera no volvió a ser representada en veintiséis años. Mucha gente conoce así la ópera principalmente por su papel en la historia de la censura.El 26 de diciembre de 1962, Shostakóvich presentó una versión ligeramente modificada de la obra bajo el título de Katerina Izmáilova (en ruso, Катерина Измайлова - Katerina Izmáilova), el nombre del personaje principal, y con un nuevo número de opus (114). Presentaba dos nuevos entreactos, una gran revisión del Acto I escena 3, y otros cambios menores. El reestreno tuvo lugar en el Teatro de Música Académico Stanislavsky y Nemiróvich-Dánchenko.Con diversas modificaciones, y atenuando los aspectos más escabrosos de la historia, volvió a representarse el 8 de enero de 1963 con enorme éxito en el Teatro Stanislavski de Moscú. Aunque Shostakóvich prefería esta última versión, desde su muerte la versión original, posiblemente con algunas revisiones tempranas, es la que más a menudo representada.Esta ópera sigue en el repertorio, aunque no figura entre las más representadas; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 73 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 4.ª en Rusia y la primera de Shostakóvich, con 54 representaciones.
Fue estrenada con notable éxito en la Scala de Milán el 20 de enero de 1892 por la célebre soprano rumana Hariclea Darclée que también la estrenó en el Teatro Colón (Buenos Aires) en 1909. En ese coliseo la cantó Claudia Muzio en 1927. Fue estrenada en Estados Unidos en el Metropolitan Opera en 1909 protagonizada por Emmy Destinn y dirigida por Arturo Toscanini, quien bautizó a dos de sus hijos con los nombres de sus protagonistas "Wally" y "Walter".Ha sido interpretada, entre otras, por Magda Olivero, Leyla Gencer, Renata Tebaldi, Anita Cerquetti, Eva Marton, Mara Zampieri y Carol Neblett. La Wally cayó en desuso y no suele representarse con frecuencia actualmente, pero su aria del primer acto es popular en recitales o en disco. Representada con mayor frecuencia en Italia, en 1977 regresó al escenario del Teatro Colón y en 1992 al Teatro de ópera de Berna y Boloña dirigida por la soprano Renata Scotto que hizo su debut en La Scala a los 19 años en el papel de "Walter" durante las funciones protagonizadas por Renata Tebaldi en diciembre de 1953.La ópera reconquistó popularidad en los últimos tiempos gracias al aria Ebben? Ne andró lontana (del acto I), que canta Wally cuando decide marchar de su casa. Esta aria fue utilizada por Jean-Jacques Beineix en su película Diva, el personaje de la diva (Cynthia Hawkins) era interpretado por la cantante Wilhelmenia Fernández. Posteriormente la misma aria fue tema de la película A single man (película de 2009) cantada por la soprano maltesa Miriam Gauci.Sólo existen dos versiones comerciales completas grabadas de la ópera (ver "Discografía") pero el aria "Ebben..." como pieza de concierto o recital también ha sido grabada por distinguidas cantantes como Sarah Brightman, María Callas, Montserrat Caballé, Victoria de los Ángeles, Renata Scotto, Mirella Freni, Katia Ricciarelli, Kiri Te Kanawa, Renée Fleming, Leontyne Price, Anna Netrebko, Angela Gheorghiu. La soprano inglesa Sarah Brightman grabó la versión original como parte de su álbum Time to Say Goodbye, y otra versión titulada Question of Honor para el álbum Fly (1996), en donde intercala partes del aria con una pieza electrónica, de acuerdo al estilo definido por su productor y compañero sentimental Frank Peterson. Esta ópera rara vez se representa en la actualidad; en las estadísticas de Operabaseaparece con sólo 9 representaciones en el período 2005-2010, siendo la primera de Catalani.
La tradicional velada inaugural de la Scala de Milán, que abre la temporada musical 2021-2022, estará a cargo de una audaz representación contemporánea de "Macbeth", la ópera de Giuseppe Verdi, sobre los tormentos frente a la búsqueda del poder. "Tenemos mucha suerte porque hemos podido estar abiertos. Es un milagro. Muchos teatros de Europa han tenido que permanecer cerrados" por la Covid, reconoció Dominique Meyer, director de La Scala. Tras seis meses de silencio, el teatro pudo reabrir sus puertas al público en mayo, con un reducido número de espectadores confinados en los balcones.Ansia de poderLa nueva versión de "Macbeth", inspirada en la tragedia homónima de William Shakespeare (1564-1616), una intriga de amor, odio y sed de poder, es una versión llena de efectos especiales gracias a la puesta en escena de Davide Livermore y la dirección musical de Riccardo Chailly. "Queríamos mostrar la modernidad de Macbeth, su frescura, su teatralidad, que a veces resulta alarmante", explicó el director. Lady Macbeth "empuja a su marido a cometer múltiples asesinatos para obtener la corona. La inescrupulosa heroína de Shakespeare está encarnada por la diva rusa Anna Netrebko, una habitual de La Scala. "Es una de las representaciones más complicadas que he conocido", admite la soprano. La narración transcurre entre pantallas, con ir y venir del decorado, que en ocasiones se eleva a alturas vertiginosas. En el papel de Macbeth, el barítono Luca Salsi, reconoce que cuenta "una historia contemporánea de poder y sangre", interpretada con "ropas de hoy en día", pero con "armas antiguas" como "la espada enorme" que blande en el escenario. Y el escenario es monumental, con rascacielos típicos de las grandes ciudades norteamericanas pero también con laberintos gigantescos, una metáfora de los tortuosos caminos por los que vagan las mentes de los protagonistas.Ilusión y realidadLas perspectivas son múltiples, las fronteras entre lo real y lo irreal se esfuman, como en la película "Inception" de Christopher Nolan, un thriller de ciencia ficción en el que Leonardo DiCaprio se sumerge en el subconsciente de sus víctimas para robar o implantar recuerdos. "Este drama universal" sobre una "tiranía bárbara" podría desarrollarse "en Nueva York, Singapur o Milán, porque frente a la dictadura, los seres humanos estamos todos en el mismo barco", explica David Livermore. La ópera será transmitida por la televisión pública italiana así como por emisoras, teatros y salas de cine.
Con orquestas sinfónicas, conjuntos de cámara, cuartetos de música antigua, cantantes, flamenco y teatro son algunos de los aspectos más destacados de 2022 en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo con España como país invitado de honor durante esta temporada de intercambios culturales que se llevará a cabo con el apoyo de diversas instituciones españolas, como el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM) del Ministerio de Cultura, del Instituto de Cultura Vasca (Etxepare Euskal Institutua), la AECID y la embajada de España en Colombia.Entre los artistas confirmados incluidos en el programa se encuentra el bailaor de flamenco Eduardo Guerrero con su espectáculo "Sombra efímera II"; el coreógrafo afincado en Granada, Manuel Liñan, ganador del Premio Nacional de Danza 2017, que presenta su obra "Viva", un espectáculo masculino donde los bailarines desafían los roles de género en una exuberante viñeta flamenca.En música de cámara, el teatro da la bienvenida a los tres músicos de la premiada España Trío de acento, así como cuatro saxofones Proyecto sigma en el escaparate vasco. La temporada 2022 también se centra en Noruega, con la participación de Orquesta del Norte y el oratorio de Handel “El triunfo del tiempo y la decepción”. los Cuarteto Engegard interpretará obras de Mozart, Hayden y Schubert. El programa internacional cubre un vasto campo musical del tenor polaco Piotr Beczala, compañía japonesa de danza butoh Sankai Juku, Pianista georgiano Kculpable Buniatishvili y la de londres Academia Saint-Martin des Champs. La Academia de San Martín en los Campos estará dirigida por el violinista Joshua Bell. tenor mexicano Ramón Vargas, Soprano argentina Veronique Cangemi y mezzosoprano checa Magdalena Koena acompañar al Orquesta barroca de Venecia.Además, la cartelera tendrá una temporada de Música Antigua con la participación del viologambista catalán Jordi Savall, cofundador de Le Concert des Nations, una de las orquestas de interpretación histórica más reconocidas de Europa. La temporada de Grandes Conciertos contará con agrupaciones como la Academy of St. Martin in the Fields, dirigida por el violinista Joshua Bell; la Sinfonía Rotterdam, de Países Bajos, y la Orquesta de Cámara de la Sinfónica de Longueuil, de Canadá.En la cartelera de ópera destaca la puesta en escena de “Las bodas de Fígaro”, de Mozart, bajo la dirección musical del maestro austríaco Martin Haselböck y la dirección escénica de Pedro Salazar. En la temporada de teatro, la escritora, dramaturga y actriz argentina Camila Sosa Villada, ganadora del Premio Sor Juana Inés de la Cruz por su novela “Las malas”, presentará la obra “Carnes Tolendas, retrato escénico de una travesti”. También se estrenará “Amo y criado (donde hay agravios no hay celos)”, de Francisco de Rojas Zorrilla, un clásico del teatro español, que será dirigido por Eduardo Vasco, en una coproducción del Teatro Mayor, Teatro Libre y el Festival del Teatro Clásicos en Alcalá.
Benjamin Britten fue un caso de genio musical precoz, compositor, pianista y director de orquesta. Discípulo de composición de Frank Bridge y John Ireland, y de piano bajo de Arthur Benjamin. En su abundante obra fusionó la vanguardia con la tradición. Su espíritu pacifista lo llevó a exiliarse en los Estados Unidos al comienzo de la guerra, pero en 1942 regresó a su país, para aportar su apoyo como civil. Compuso y estrenó su ópera "Peter Grimes" en una sala destruida por las bombas nazis, que mereció los más encendidos elogios del público asistente y le dió fama internacional.La fama de Britten está fuertemente ligada al cuerpo central de su obra: la ópera. Muchas de las tramas de sus óperas involucran a jóvenes solitarios, forasteros e inadaptados en comunidades decididas a señalarlos con el dedo, como "Muerte en Venecia" y "Billy Budd", entre otras.La sexualidad de Britten siempre fue un secreto a voces, se ha escrito largo y tendido sobre su relación con el poeta W.H. Auden, coautor de la ópera "Paul Bunyan". Por un lado, hay una tendencia a criminalizar su vida personal, haciendo alusión a una preferencia a menores de edad, supuestamente confirmada por los protagonistas de sus óperas (especialmente "Muerte en Venecia") y su vida romántica con el tenor Peter Pears, catalogado frecuentemente como su “musa”.El análisis sobre la “obsesión de Britten por los niños” es completamente válido en términos de teoría literaria; no obstante, no hay ninguna pericia, ni hecho que confirme esta denuncia. Sectores homofóbicos han utilizado esta acusación de manera deshonesta para justificar su odio. La operación es conocida y bastante popular entre estas facciones: igualar homosexualidad con la pederastia. Es importante entender que para el Estado británico, hasta 1967, Britten era un delincuente. La homosexualidad era considerada un delito y por lo tanto, es un tanto ingenuo no pretender que este hecho no haya tenido impacto en su corpus de trabajo y en la invisibilización de su obra.Las primeras composiciones de su autoría que llamaron la atención fueron la Sinfonietta (Op.1) y una selección de variaciones corales, A Boy was born para los cantores de la BBC. Al año siguiente conoció al escritor W. H. Auden, con quien colaboró en el ciclo de canciones Our Hunting Fathers, composición radical en su tratamiento musical y en el sentido político, y en otras obras. Relevancia más profunda tuvo su encuentro en 1936 con el tenor Peter Pears, con el que mantuvo una relación de pareja hasta su muerte, y que pasó a ser su colaborador musical e inspirador.Entre los críticos existe unanimidad en considerar a Britten como uno de los grandes compositores ingleses del siglo XX. En la década de 1930, sin embargo, el compositor realizó importantes esfuerzos para apartarse de la corriente principal de la música de su país, que le parecía complaciente, insular y amateur. Muchos críticos de aquella época, devolviendo gentilezas, se quejaban de su facilismo, espíritu cosmopolita y de su admiración por compositores como Mahler, Berg, y Stravinsky.
10. Carlo Maria Giulini (1914-2005)Carlo Maria Giulini nació en el seno de una familia amante de la música que procedía del norte de Italia. Con sólo cinco años de edad inició su formación musical en la Academia de Santa Cecilia de Roma, decantándose por el violín y la viola, para más tarde estudiar composición.Durante estos años Giulini constituyó un cuarteto de cuerdas. Con dieciocho años ganó una plaza de viola en la Orquesta de la Ópera de Roma y ello le permitió trabajar bajo las órdenes de las mejores batutas del momento como Walter, Klemperer, Furtwängler, Strauss o Stravinski, la generación a la que estaba llamado a suceder. Luego estudió dirección de orquesta con Bernardino Molinari.9. Pierre Boulez (1925-2016)Inició estudios de matemáticas en el Politécnico de Lyon, antes de ingresar en 1944 en las clases de armonía de Olivier Messiaenen el Conservatorio de París. También estudió contrapunto con Andrée Vaurabourg, esposa del compositor suizo Arthur Honegger, y la técnica dodecafónica con René Leibowitz. Comenzó cultivando una música atonal dentro de un estilo serial post-weberniano.Este serialismo, a diferencia del dodecafonismo, no sólo aplicaba el concepto de serie a la altura de las notas, sino también a otras variables del sonido: ritmos, dinámicas, ataques, etc. Esto daría lugar al llamado serialismo integral, corriente estética de la que fue uno de los principales representantes. Junto a compositores como Karlheinz Stockhausen, Luigi Nono, Ernst Krenek y Milton Babbitt.8. Arturo Toscanini (1867-1957)Considerado por muchos de sus contemporáneos y por muchos críticos de la actualidad como el más grande director de orquesta de su época y del siglo XX. Era célebre por su brillante intensidad, su incansable perfeccionismo, su prodigioso oído y su memoria fotográfica, que le permitía corregir errores de los miembros de la orquesta que habían sido inadvertidos durante décadas por sus colegas.7. Wilhelm Furtwängler (1896-1954)Gustav Heinrich Ernst Martin Wilhelm Furtwängler nació en la casa del 25 Maassenstrasse en el distrito de Schöneberg, Berlín, en el seno de una eminente familia de intelectuales y científicos originaria de la Selva negra. Su padre Adolf Furtwängler era un importante arqueólogo y Adelheid Wendt su madre fue pintora y muy ligada a la música (su padre fue amigo de Johannes Brahms).Pasó su infancia en Schwabing en Múnich, donde su padre enseñaba en la universidad. Recibió educación musical desde muy pequeño con Josef Rheinberger, Max von Schillings, Conrad Ansorge y Felix Mottl desarrollando un temprano amor por la música de Beethoven.6. Simon Rattle (1955)Adquirió preeminencia como director de la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham, actualmente es el director principal de la Orquesta Filarmónica de Berlín (BPO) y desde 2017 será Director Musical de la Orquesta Sinfónica de Londres. Ha recibido la Orden del Imperio Británico.Rattle nació en Liverpool y estudió en el Liverpool College. Aprendió piano y violín, pero sus primeras participaciones y trabajos en la orquesta sinfónica fueron como percusionista. Ingresó a la Royal Academy of Music de Londres en 1971. Ahí dirigió asiduamente, y en 1974, el año de su graduación, ganó el Concurso de Dirección John Player. Después de organizar y dirigir una impresionante versión de la Sinfonía nº 2 de Gustav Mahler mientras todavía estudiaba en la Academia, su talento llamó la atención del agente musical Martin Campell-White.5. Nikolaus Harnoncourt (1929-2016)Uno de los pioneros en la interpretación con instrumentos originales (o réplicas fieles) y criterios musicológicos de las obras del periodo barroco y clásico. Obtuvo el doctorado honoris causa en música por las universidades de Universidad del Mozarteum, Salzburgo (Austria) 2008, Universidad de la Música y de la Danza de Colonia, Colonia (Alemania) 2011 y la Universidad de Edimburgo.En 1994 recibió el Polar Music Prize, un premio concedido por la Real Academia de Suecia de Música y en el 2001 el Premio Kioto, que otorga la Fundación Inamori, de Kioto. Después recibió la Leipzig Bach medal (2007; Lipsia). En 2012, recibió la Medalla de Oro de la Royal Philharmonic Society.4. Karl Kleiber (1930-2004)Hijo del director de orquesta austríaco Erich Kleiber y de la estadounidense de origen esloveno Ruth Goodrich, el pequeño Carlos demostró desde muy temprana edad aptitudes innatas para la música. Debido a las tensiones existentes entre Erich Kleiber y el régimen del III Reich, el director renunció a su puesto al frente de la Ópera Alemana de Berlín y se exilió en Buenos Aires, Argentina, país que ya había visitado durante varias de sus giras por el continente americano (1926, 1927, 1928) y donde conoció a su futura esposa, la madre de sus hijos Karl y Verónica.3. Claudio Abbado (1933-2014)Considerado uno de los grandes del podio orquestal y lírico de la posguerra. Junto a Riccardo Muti está considerado uno de los sucesores de la tradición italiana encarnada por Arturo Toscanini y Victor de Sabata. Descendiente de una familia de músicos, nació en Milán. Estudió piano en el Conservatorio de Milán con su padre, Michelangelo Abbado y Carlo Maria Giulini. En 1958 fue distinguido en Estados Unidos con el Premio del Concurso de Dirección Orquestal Serguéi Kusevitski (1958), a lo que siguió su debut al frente de la orquesta del teatro de La Scala de su ciudad natal, en 1960, con motivo de la conmemoración del tercer centenario del nacimiento de Alessandro Scarlatti.2. Leonard Bernstein (1918-1990)Fue el primer director de orquesta nacido en los Estados Unidos que obtuvo fama mundial, célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión de la década de 1960 y por sus múltiples composiciones, entre ellas West Side Story (1957).1. Herbert von Karajan (1908-1989)Fue el más destacado director de orquesta del periodo de la posguerra y posiblemente del siglo XX. Dirigió la Orquesta Filarmónica de Berlín durante treinta y cinco años. Nació en Salzburgo, en 1908. En 1929, realizó su debut oficial dirigiendo "Salomé" en el Festspielhaus de Salzburgo, y entre 1929 y 1934, Karajan fue primer Kapellmeister en la Ópera Estatal de Ulm, Alemania. En 1933, Karajan hizo su debut en el Festival de Salzburgo con la Walpurgisnacht Scene en una producción de Fausto de Max Reinhardt. Al año siguiente, Karajan dirigió la Orquesta Filarmónica de Viena por primera vez, y entre 1934 y 1941, Karajan dirigió óperas y conciertos sinfónicos en el Teatro de Ópera de Aquisgrán.
Schubert fue uno de los principales músicos del siglo XIX; fue el único nacido en la que fue capital musical europea a finales del siglo XVIII y principios del XIX: Viena. Vivió 31 años, tiempo durante el cual consiguió componer una obra musical excelente, en especial en la última etapa de su vida, en la cual estaba ya tremendamente enfermo. Su música no fue reconocida durante su vida y fue a partir de finales del siglo XIX cuando la música de Schubert se interpretó con más frecuencia.El 30 de octubre de 1822 comenzó su Sinfonía en si menor pero, tras dos movimientos en una partitura de orquesta cuidadosamente pasada a limpio, y de empezar el tercero, la abandonó. El manuscrito con ambos movimientos completos pasó a manos de su amigo, An. Hüttenbrenner, quien los conservó en un cajón durante más de 40 años. En 1865 se los entregó al director de orquesta Johann von Herbeck, quien en diciembre de ese mismo año dirigió el estreno de la obra incompleta.No hay una conclusión a la cuestión sobre los motivos que condujeron a Schubert a dejarla inconclusa; una posibilidad sugiere que parte del manuscrito se perdiera. También se ha sugerido que el Entreacto de la música de escena para Rosamunda, de 1823, fuera en realidad el último movimiento sinfónico, pues las coincidencias en orquestación con ambos movimientos existentes, incluido el añadido de los tres trombones incorporados a la orquesta clásica convencional.A pesar de todo, la explicación más verosímil para la crítica es la que cuestiona la madurez autorial para completar dos movimientos más con la misma altura y calidad expresiva de los previos. Así, la obra queda tal como la conocemos hoy: un díptico asimétrico, pero equilibrado: primero un Allegro moderato, en el que se contraponen la tensión dramática inicial y la naturalidad lírica, seguido de un Andante con moto en mi mayor, pleno de un agitado y tumultuoso vagabundeo, que alcanza al final el descanso en una coda, cuya serenidad parece trascender el mundo.
Stamitz fue uno de los representantes más destacados de la segunda generación de la Escuela Mannheim, cuyo fundador, Johann Stamitz, fue su propio padre. En su juventud trabajó como violinista en la orquesta de la corte en su ciudad natal antes de emprender un largo viaje por Europa en 1770. En términos musicales, la obra de Stamitz es similar al estilo galante de Mozart e incluso Haydn y su repertorio incluye más de 50 sinfonías, 38 sinfonías concertantes y más de 60 conciertos.Stamitz compuso dos óperas que se consideran perdidas, pero de las que se tienen registro entre 1780 y 1787: Dardanus y Der verliebte Vormund, respectivamente. Además es recordado en la historia de la música como el primer compositor conocido en especificar un pizzicato izquierdo, una técnica de interpretación que se da al pellizcar las cuerdas con la yema de los dedos en el violín. Se cree que, tras caer en la pobreza, dedicó sus últimos años de vida a la búsqueda de una fórmula para crear oro a través de la alquimia pues a su muerte fueron hallados tratados sobre esa práctica en su biblioteca.
Una década después, la surcoreana se ha convertido en la primera bailarina estrella asiática en 352 años de historia de la Ópera de París, una luz de esperanza para este mundo elitista criticado por su falta de diversidad e inclusión. En junio, no pudo contener las lágrimas cuando le anunciaron en el escenario su nombramiento a estrella, en medio de una ovación cerrada del público que acababa de verla en el papel principal de "Romeo y Julieta"."Se juntaron muchas emociones. Estaba tan contenta y agradecida, me di cuenta de que un día así realmente podía ocurrir", dijo a AFP la bailarina de 31 años. Atrás quedaron numerosos desafíos en la jerárquica institución: métodos de entrenamientos distintos, la barrera del idioma, lesiones y los competitivos y severos exámenes que determinan la promoción dentro de la compañía. "Creo que el arte, no solo la danza, trasciende nacionalidades y razas", explicó. "Me he convertido en la primera bailarina asiática en ser una estrella y esto da mucho de que hablar, pero pienso en ello como algo muy natural". Sin embargo, no es tan natural. Desde su fundación en 1669, el Ballet de la Ópera de París (BOP) solo ha tenido otra estrella procedente del extranjero, la argentina Ludmila Pagliero.Nacida en Seúl en diciembre de 1989, Sae Eun Park se formó en las mejores escuelas de Corea del Sur en el método de ballet ruso "Vaganova", que pone el acento en la expresión del alma, la fuerza y la docilidad. Al llegar a París con 21 años apenas hablaba francés y no había frecuentado la escuela afiliada al BOP, de donde salen un 90% de sus bailarines y que privilegia la elegancia y la precisión.Alabada como adolescente prodigio, Sae Eun Park fue apodada la "reina de los concursos" tras ganar el Grand Prix de Lausana y la Medalla de Oro de Varna, dos importantes galardones para las aspirantes a bailarinas. Los críticos celebraban su maestría técnica, sus saltos y sus vueltas, pero ella quería algo más y se inspiró con los vídeos de bailarines de París. Decidió renunciar a su posición de solista en el Ballet Nacional de Corea por un contrato de un año en las "quadrilles" de la Ópera de París, la jerarquía más baja."En Corea era solista e interpretaba los papeles principales (...) Al entrar en la Ópera, tenía contrato temporal y estaba todo el tiempo entre bastidores, pero aprendí mucho", recordó. Hoy es admirada por su profundidad emocional y su lirismo. Para ella, "el ballet francés te libera del sentimiento del deber, el sentimiento de tener que demostrar algo" con movimientos grandes y espectaculares.Laura Cappelle, redactora especializada en danza instalada en París, loa su "serenidad interior, un don para ralentizar el tiempo en el escenario". Su ascenso se vio interrumpido en 2015, cuando recibió un golpe de pie en la cara en un accidente entrenando. Suspendió los exámenes ese año y se hundió en la depresión, evitando mirar durante un tiempo la cicatriz de su rostro en los espejos. La única forma de superarlo era continuar bailando, explica.Contrariamente al American Ballet Theatre de Nueva York o el Royal Ballet de Londres, la institución francesa cuenta con apenas 25 extranjeros entre 154 intérpretes, según una auditoría encargada en febrero. La Ópera de París es "un mundo blanco alejado de la apariencia de la sociedad francesa contemporánea", dijeron sus autores.La compañía no respondió a las múltiples solicitudes de la AFP para pronunciarse sobre estas cuestiones. Kim Yong-geol, un exbailarín surcoreano del BOP, describió la institución como una "sociedad enclaustrada que se enorgullece de su tradición" con un sistema de promoción "implacable". "Te puede hacer sentir completamente desolado", dijo. "Los últimos supervivientes de este proceso agotador se convierten en estrellas. Creo que ella ha conseguido algo imposible".Sae Eun Park reconoce que en ocasiones se preguntó si su origen asiático le cerraba puertas en un mundo de feroz competición entre bailarines dentro de la compañía. Gavin Larsen, autora de "Being a Ballerina", describe a la surcoreana como "una artista importante para nuestra época". "Su elección de explorar más allá de su cultura natal, tanto en el ballet como en la vida cotidiana, muestra su voluntad de ser vulnerable, la única forma de ser un verdadero artista", dijo a AFP.
Hay voces que son inolvidables. Y la voz de Luciano Pavarotti es de esas voces que son eternas y que tienen fácil recordación doquiera que alguien se encuentre. Su registro vocal de tenor, le convirtieron en uno de los mejores intérpretes del siglo XX y cuya popularidad contribuyó a la difusión de la lírica. Pavarotti dio sus primeros pasos en el mundo de la lírica como cantante de coro y después de trabajar durante dos años como profesor de una escuela elemental, realizó estudios de canto en Módena, su ciudad natal, con Arrigo Pola, y años después perfeccionó su técnica con Ettore Campogalliani.Su debut sucedió el 29 de abril de 1961 con el papel que más tarde le haría popular: el de Rodolfo en La bohème, ópera de Giacomo Puccini. Dos años más tarde, en el Covent Garden de Londres, sustituyó a Giuseppe di Stefano en dicho papel, una interpretación que le valió un gran éxito de crítica. Ese año debutó en Viena, en Zurich y, con el rol de Edgardo (Lucia di Lammermoor).Más tarde, su primera actuación en España tuvo lugar en Barcelona en 1963, con una única representación de La traviata, composición de Giuseppe Verdi. En 1964, en el Festival de Ópera de Glyndebourne, donde interpretó el papel principal del Idomeneo de Mozart junto a la cantante Enriqueta Tarrés. Un año más tarde, en 1965, se produjo su debut norteamericano en Miami.Ese mismo año, y tras haber conocido al director de orquesta Richard Bonynge, esposo de Joan Sutherland, realizó una gira por Australia cantando de nuevo el rol de Edgardo con la compañía operística de la citada soprano, que más adelante sería su pareja en óperas de Gaetano Donizetti y Vincenzo Bellini. El éxito que consiguió con La fille du Régiment de Donizetti, con su difícil aria de tenor, alcanzó impresionantes niveles. Desde entonces su carrera fue imparable.En 1966 cantó por primera vez en el Teatro de la Scala de Milán un papel secundario, el de Tebaldo en I Capuleti ed i Montecchi de Bellini, y a ese mismo teatro volvería más adelante en el papel de Des Grieux de la ópera Manon, de Jules Massenet y, ya en 1967, el Réquiem de Verdi con motivo del centenario del maestro Arturo Toscanini. Un año más tarde debutó en San Francisco interpretando a Rodolfo (La bohème), Nemorino (L'elissir del amore) y Enzo (en La Gioconda de Amilcare Ponchielli). En el Metropolitan de Nueva York interpretó en 1968 en su papel favorito: el de Rodolfo de La bohème, y más adelante representó en ese mismo teatro a Fernando (La Favorita, de Donizetti), Arturo (I puritani, de Bellini) y Manrico (Il trovatore, de Verdi), entre otros.A pesar de algunos fracasos puntuales, como el de la Scala con Don Carlo de Verdi en 1992, Pavarotti fue un tenor de reconocido prestigio que poseía una bella voz de brillantes agudos y elegante estilo, que apenas si perdió colorido a pesar del paso del tiempo. Fue el único tenor, junto a Nicolai Gedda, capaz de cantar el famoso Fa5 en falsete escrito en la parte final de la ópera I puritani. La singular pureza de su voz, la disciplina técnica del cantante y su extraordinaria musicalidad le permitieron, en efecto, cantar con aparente facilidad los fragmentos de más complicada estructura melódica o tonal.Entre sus interpretaciones destacadas figuran también la grabación de Madame Butterfly, su interpretación del duque de Mantua en Rigoletto de Verdi y su Nemorino de L'elissir del amore de Donizetti. En 1991 cantó Otello en versión de concierto con la Orquesta Sinfónica de Chicago bajo la dirección de Sir Georg Solti. De sus numerosos trabajos discográficos, cabe citar el de Arnold (Guillermo Tell, de Gioachino Rossini), Orombello (Beatrice di Tenda, de Bellini) y el rol principal de la ópera L'amico Fritz, de Pietro Mascagni.Su arrolladora personalidad y sus grandes dotes de comunicación posibilitaron que, a partir de los ochenta, Pavarotti se hiciera popular en todo el mundo a través de grabaciones, vídeos y conciertos. Con un repertorio no muy extenso, centrado en los grandes títulos de la ópera, Pavarotti supo hacerse con un amplio grupo de admiradores, en ocasiones en compañía de Plácido Domingo y José Carreras bajo el apelativo común de Los Tres Tenores. Con ellos dio recitales en lugares como las Termas de Caracalla, con motivo del Mundial de Fútbol de 1990, además de participar en conciertos benéficos para contribuir a la reconstrucción de los teatros de La Fenice (Venecia) y del Liceu (Barcelona). En 1996 interpretó de nuevo a Rodolfo de La bohème en Turín, junto a Mirella Freni.Su compromiso social como cantante se tradujo en múltiples actuaciones solidarias, como la que tuvo lugar en 1992 a favor de la Fundación Berloni, que lucha contra la anemia mediterránea. Tras este concierto, Pavarotti participó en una serie de recitales titulados War Child junto a estrellas de la canción como Bono, Elton John o Liza Minnelli. En 1997 se inauguró en Mostar (Bosnia-Herzegovina) el centro musical Pavarotti Music Centre, gracias a los beneficios obtenidos en las giras del espectáculo Pavarotti & Friends en 1995 y 1996. Posteriormente, el proyecto musical de Pavarotti aportó ayudas a proyectos en Guatemala y Kosovo (1999), y en Camboya y el Tibet en el año 2000.Pavarotti se mantuvo activo en los últimos años, pero paulatinamente empezó a reducir su presencia en los escenarios. Los rumores acerca de su retirada se acrecentaron en julio de 2006, cuando canceló todos sus compromisos por una convalecencia provocada por una intervención de un tumor maligno en el páncreas. El 5 de Septiembre de 2007, el Gobierno italiano concedió a Pavarotti el Premio Excelencia en la Cultura de Italia. Un día después fallecía a causa de su enfermedad.
La 64ª edición de los premios Grammy se celebrará el 3 de abril en Las Vegas, tras haber sido pospuesta debido al avance de la variante ómicron, anunciaron los organizadores de la gala este martes. El comediante Trevor Noah - a cargo del programa "The Daily Show" - será el anfitrión de la prestigiosa ceremonia que premia lo mejor de la música y que será realizada en el MGM Grand Garden Arena.La Academia de la Grabación pospuso hace dos semanas el evento previsto originalmente para el 31 de enero "en medio de crecientes preocupaciones por la variante ómicron". La altamente contagiosa variante representa casi la totalidad de los nuevos casos registrados en Estados Unidos.En California, el estado más poblado del país, las autoridades sanitarias anunciaron este martes que fueron contabilizados más de un millón de nuevos contagios en la última semana, totalizando siete millones desde que comenzó la pandemia. Esta explosión de casos alteró la temporada de premios de Hollywood, posponiendo algunos eventos y llevando otros de vuelta al formato virtual.La ceremonia de los Grammy volvió a su formato presencial el 14 de marzo del año pasado, luego de ser pospuesta en 2021 por la pandemia de coronavirus. Se espera que este año la premiación marque el regreso al glamour de la celebración tradicionalmente realizada en el Staples Center, en Los Ángeles, y que consagre a artistas como Justin Bieber, Billie Eilish y Olivia Rodrigo, así como al músico de jazz y rhythm and blues (R&B) Jon Batiste, que tiene once nominaciones."Estamos emocionados de llevar los premios Grammy a Las Vegas por primera vez y de poner un espectáculo de primera línea", dijo en un comunicado Harvey Mason Jr., director ejecutivo de la Academia de la Grabación.
Se trata de un espacio de consulta, disponible de manera libre y gratuita, donde se tiene acceso a obras audiovisuales, libros, revistas, carteles, fotografías, pressbooks, catálogos de festivales, programaciones, archivos de prensa, y publicaciones especializadas, entre otros. Porque el cine se ve, se lee y se investiga, la Cinemateca de Bogotá ha dispuesto este espacio para todos los amantes del cine de la ciudad.Les contamos cuáles son los pasos que deben seguir para consultar el catálogo de la BECMA.El horario de atención es de martes a viernes de 9:00 a.m. a 5:00 p.m. y los sábados, a partir del mes de Noviembre, de 9:00 a.m. a 1:00 p.m. Hay un aforo del 50%, por la contingencia el ingreso a la BECMA dependerá del aforo diario permitido. Se debe realizar búsqueda previa en el catálogo bibliográfico disponible en línea y solicitar el acceso a los materiales al personal de la biblioteca. Al ingresar se debe haber pasado por los controles del personal logístico en el punto de acceso a la Cinemateca de Bogotá.En la Cinemateca de Bogotá hay servicio de casillero. Para evitar un posible contagio de COVID -19, durante la visita a la biblioteca, es obligatorio portar tapabocas, así como mantener la distancia de un metro con los demás asistentes. Para visualizar material audiovisual se deben traer audífonos propios. Evitar tocar los libros y materiales que se encuentren en las estanterías. El material que se consulte estará en aislamiento durante las 48 horas siguientes. Es indispensable cumplir con los protocolos de bioseguridad estipulados por el escenario.Los visitantes pueden acceder a los siguientes servicios: Atención y asesoría profesional para la búsqueda y recuperación de información especializada en cine y medios audiovisuales, consulta del catálogo bibliográfico disponible en línea, acceso en línea a las publicaciones de la Cinemateca por medio del portal web, Idartes se muda a tu casa, donde se pueden descargar los Cuadernos de Cine Colombiano, la Revista Cinemateca y los Catálogos Razonados entre otros.Acceso a la sala de lectura para consulta de material impreso sobre diferentes temáticas que abarcan las artes audiovisuales, acceso a las estaciones de visionado para consulta de las obras cinematográficas de diversos países que conforman nuestra colección audiovisual, acceso a las salas de consulta para investigadores, acceso a los equipos de cómputo necesarios para apoyar el proceso de investigación y finalmente, quienes pertenezcan a grupos de población de riesgo o no puedan asistir al espacio físico pueden acceder a los servicios de asesoría virtual disponibles.
Obras surrealistas de Alberto Giacometti, inspiradas en su amistad con los artistas de este movimiento y más particularmente con el poeta André Breton, se exponen a partir del miércoles y hasta abril en el instituto Giacometti en París.Tres esculturas muy diferentes de "El hombre que camina", están en el centro de esta exposición, que pone de relieve los estrechos vínculos que mantenían los dos artistas y sus influencias recíprocas a través de su correspondencia y de cuadernos de dibujo de Giacometti.También se exponen una decena de cuadros (Miro, Arp, Dalí, Ernst...), procedentes de museos franceses y extranjeros y de colecciones privadas, así como una serie de fotografías que ponen de relieve a varias artistas mujeres de la época: Dora Maar, Leonora Carrington y Meret Oppenheim.Esta última realizó especialmente "La oreja de Giacometti", sorprendente pequeña escultura de bronce de 10 cm de altura, presentada en la exposición. En el corazón de este universo se encuentra la "Bola suspendida" (metal y yeso), una jaula dentro de la cual una esfera suspendida parece poder deslizarse sobre la arista de una medialuna, adquirida en 1930 por André Breton, líder del grupo surrealista.A su lado, el "Cubo" -poliedro irregular de doce caras, vinculado a la muerte y a la melancolía-, realizado por Giacometti a la muerte de su padre, y "El objeto invisible", una mujer semisentada que sostiene en sus manos un objeto invisible, inspirada por una semimáscara de metal, descubierta por los dos amigos en el mercado de pulgas en 1934.Compartiendo el gusto de los surrealistas por el automatismo, la irracionalidad, el onirismo o el juego del amor cruel, Giacommetti integrará el grupo durante cinco años (1930-1935) antes de alejarse, debido a divergencias de puntos de vista políticos y estéticos, entablando fuertes relaciones de amistad que conservará con varios de sus integrantes, en particular Breton.
El artista estadounidense Kaws instaló este martes sus pinturas pop y esculturas de colores en la Serpentine Gallery de Londres pero también en la réplica virtual del museo, situada dentro de Fortnite, el videojuego con cientos de millones de seguidores.En medio del césped helado de Hyde Park, en el centro de Londres, los espectadores apuntan con sus teléfonos al techo de la Serpentine Gallery. Pero no para tomar fotos del edificio de ladrillos rojos y columnas blancas sino porque, gracias a sus teléfonos móviles, aparece en realidad aumentada una gran escultura de un hombre azul sentado en el tejado, invisible a simple vista.La escultura es del neoyorquino, en cuya exposición, "Kaws: New Fiction", se entrelazan lo virtual y lo real. La exposición se compone de "tres capas", explica a la AFP el director artístico Hans Ulrich Obrist. "Está la exposición física en la Serpentine Gallery con pinturas y esculturas, luego los elementos de realidad aumentada y también la Serpentine Gallery en Fortnite", uno de los videojuegos más populares del mundo.Durante una semana, los 400 millones de seguidores del juego de Epic Games tienen acceso a una réplica exacta del museo dentro del videogame, que pueden recorrer con su avatar para ver las obras. Epic Games ha colaborado de forma similar con cantantes de renombre internacional para que den conciertos dentro del juego."Pero es la primera vez que Fortnite colabora con las artes visuales, con una galería pública", dice Obrist. Aunque considera que es "muy diferente" ver una exposición en un juego o físicamente, cree que las experiencias son "complementarias", sobre todo porque muchos visitantes no familiarizados con el mundo de los videojuegos pueden interesarse por ellos, y viceversa. "Para nosotros, se trata de llegar a públicos muy diferentes" y crear "un diálogo transgeneracional", añade el director artístico."La edad media de los jugadores de Fortnite", muy popular entre los adolescentes, "es mucho más joven que el visitante medio del museo", subraya Hans Ulrich Obrist, que "espera que toda una nueva generación se acerque a la galería". Sobre todo porque este proyecto "llegará a un público que probablemente sea diez veces mayor que el de la Bienal de Venecia", afirma el comisario de la exposición, Daniel Birnbaum. También para el artista, Brian Donnelly (su nombre real), el interés radica en hacer más accesible su obra.Sus estilizados personajes con cabeza de calavera ya se han visto en todo el mundo, en instalaciones gigantes y productos promocionales. Y ahora podrán atraer al público más joven de Fortnite con su aspecto pop, accesible y colorido. Kaws, que colabora por segunda vez con Fortnite, explica que sus obras se expondrán en el "creative hub", un modo específico del juego alejado de las partidas donde los jugadores luchan por ser el último superviviente. "No habrá tiroteos en la exposición", bromea, asegurando que la comunidad de jugadores es "diferente a lo que pensamos".En cuanto a si los jugadores se detendrán realmente a contemplar sus obras en el juego, "es difícil de decir", reconoce el artista. "Si llevas a un niño de once años a un museo tradicional, no sabes si va a mirar las obras. Es lo mismo", asegura.
La subasta de la residencia romana de los príncipes Ludovisi Boncompagni, con un excepcional mural de Caravaggio, fue declarada desierta, informó este martes a la AFP el notario encargado. "Nadie participó en la subasta", aseguró Camilo Verde, quien precisó que la próxima subasta tendrá lugar el 7 de abril y partirá de un valor reducido en cerca de un 20%.El monumental Casino de la Aurora, más conocido como Villa Ludovisi, un imponente palacio de 2.800 metros cuadrados, repartido en seis plantas con un suntuoso jardín, ubicado en el corazón de Roma, a pocos de pasos de la célebre Vía Veneto y de Villa Borghese, se encuentra en uno de los sectores más elegantes de la capital.La residencia campestre de una de las familias aristocráticas más ricas y poderosas de Italia conserva además del Caravaggio, frescos de Guercino (1591-1666), reconocido pintor barroco de Bolonia, así como antiguas estatuas. Se estimaba que el Casino de la Aurora, una verdadera joya del barroco romano, tenía un valor de 471 millones de euros (537 millones de dólares), pero esa estimación bajó a 376 millones de euros para la próxima subasta.Si la residencia se vende a un precio cercano al fijado como inicio por la subasta, sería una de las ventas de bienes raíces registradas públicamente más caras de la historia. La subasta fue decidida por un tribunal de Roma para poner fin a las disputas entre los herederos del príncipe Niccolo Ludovisi Boncompagni, quien falleció en 2018 a los 77 años.El enfrentamiento familiar entre la tercera esposa del príncipe, Rita Jenrette Boncompagni Ludovisi, una pintora estadounidense de 72 años que posó para Playboy, y los hijos nacidos del primer matrimonio, obligó a los jueces a subastar la villa debido a que ninguno ha podido hacer frente a la hipoteca por los altos gastos de mantenimiento.Una petición lanzada por la página change.org ha recaudado más de 35.000 firmas para pedir que el Estado intervenga. Los firmantes piden que Italia ejerza su derecho de compra y conviertan el lugar en un museo y centro cultural. Según la ley italiana, el gobierno puede ejercer su derecho sólo después de que haya sido efectivamente adquirida por un particular, dentro de un plazo de 60 días de la conclusión de la venta y ofreciendo el mismo precio de compra.
