Giuseppe Verdi tuvo tantos problemas con la censura napolitana por el libreto de Un ballo in maschera (Un baile de máscaras) que es un milagro que la obra viera la luz.Cuando en 1857 Verdi decidió componer una ópera con un libreto derivado del libreto de Scribe Gustave III ou le bal masqué, que se basaba en el asesinato del rey Gustavo III de Suecia en un baile de máscaras en 1792, los censores, empeñados en impedir a toda costa la producción de una obra sobre semejante tema, insistieron en todo tipo de alteraciones y enmiendas. El título original Una vendetta in domino se cambió a Adelia degli Adimari, que, como bien señaló Verdi, carecía de sentido. La acción de la ópera se trasladó de la Suecia del siglo XVIII a la Florencia del siglo XIV. De las 884 líneas del texto, 297 debían ser alteradas, se debían cambiar los nombres de los personajes y no debía haber máscaras en el baile. Después de muchas discusiones y regateos, se permitió a Somma situar la escena en el siglo XVIII, pero el rey de Suecia se convirtió en Riccardo, conde de Warwick, un gobernador colonial inglés, y la acción tuvo lugar en Boston, Massachusetts. El conde sueco Ankarström se convirtió en Renato, el secretario del gobernador; los conspiradores, los condes Horn y Ribbing, se convirtieron simplemente en Tom y Samuel; y Un ballo in maschera fue finalmente aceptado como un título de compromiso adecuado para la ópera.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Aquí el argumento y acción del primer acto de Un baile de máscaras, con música de Giuseppe Verdi:Despacho en el palacio de Riccardo, Conde de Warwick y Gobernador de Boston.Riccardo junto a su paje Oscar examina la lista de invitados a baile de máscaras. Al leer el nombre de Amelia, se aviva en él su secreta pasión por ella, la que no puede expresar por estar ella ya casada con su secretario e íntimo amigo Renato. Llega éste e informa a Riccardo que acaba de desbaratar un complot que se tramaba contra su vida sin que haya logrado desenmascarar a sus autores.Seguidamente es traída ante Riccardo la mulata Ulrica, apresada bajo la acusación de practicar la brujería. Riccardo se burla de los cargos que se hacen contra ella, diciendo que son fantasías de gente ignorante y, no encontrándole culpa para ser castigada, la deja en libertad.Pero Riccardo planea ir una noche de incógnito donde Ulrica. Al expresar este capricho dice que sería divertido consultar a la hechicera acerca de su destino y, aunque no cree en ello, tiene curiosidad de oír los embustes que pueda decirle.Sus falsos amigos Samuel y Tom, que son los que en realidad conspiran contra él, prestan gran atención a este extravagante deseo y pactan seguirle la noche que realice su escapada.La acción se traslada al interior de la choza que habita Ulrica. La bruja está preparando un mágico brebaje rodeada de gente del pueblo, entre la que está Riccardo disfrazado de marinero. La presencia de un visitante obliga a todos a salir, pero Riccardo permanece escondido allí escondido. Quien llega es Amelia, la cual confía a la hechicera que en contra de su voluntad se ha enamorado de Riccardo y desea que le dé una opción que la haga olvidar ese deseo y cumplir con sus deberes de buena esposa.Ulrica contesta que ello es fácil de conseguir y seguidamente le explica la receta de un brebaje milagroso adecuado, indicándole el lugar apartado en donde podrá encontrar las hierbas necesarias para prepararlo. Se va Amelia y vuelve junto a la bruja toda gente que la rodeaba, incluyendo a Oscar y otros miembros del gobierno que han seguido a Riccardo, entre ellos los conspiradores Samuel y Tom.El falso marinero abandona su escondite después de haber escuchado la conversación. Pide a Ulrica que le vea la suerte, lo cual ella hace, prediciéndole que pronto morirá asesinado por la misma mano de la primera persona que estreche la suya para saludarlo. Riccardo se ríe de este augurio y tiende su mano a Samuel y Tom que le acompañan, los cuales, temerosos de ser descubiertos en el secreto odio que le profesan, se niegan a corresponder al saludo, alegando superstición.En el preciso instante llega Renato al lugar en busca de su señor, y al tenderle éste la mano, la estrecha afectuosamente con la suya creyendo que se trata de un saludo. Entonces Riccardo se burla de la hechicera diciéndole que es una mala profetisa, pues el que acaba de estrechar su mano es nada menos que su mejor y más querido amigo, el cual jamás ha de intentar causarle ningún daño.Al ser conocida la verdadera identidad del Riccardo, el Gobernador de Boston, la humilde gente que se halla presente le aclaman entonando un himno en su honor.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 16 de febrero a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Los cuentos de Hoffmann es una ópera en tres actos, con prólogo y epílogo, música de Jacques Offenbach y libreto en francés de Jules Barbier.Offenbach murió el 5 de octubre de 1880, dejando la obra inacabada y el compositor y pianista Ernest Giraud organizó su orquestación y también le añadió los recitativos. La ópera se estrenó en París, el 10 de febrero de 1881Tres cuentos del magistral escritor E. T. A. Hoffmann, unidos por la imaginativa e inspirada partitura de Jacques Offenbach, invitan a entrar en un mundo fantástico de romance, autómatas que parecen humanos, traición y un poco de magia.La ópera inicia en una cervecería en Núremberg. Una carta de Stella, que concertaba una cita con Hoffmann en su camerino después de la representación, ha caído en manos del consejero Lindorf. Enamorado de Stella, el consejero decide acudir a la cita.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Un grupo de bulliciosos jóvenes estudiantes se entregan a beber vasos de espumosa cerveza de Luther, Fastidiados ya, de sus rancios chistes, los estudiantes ven llegar con alegría al poeta Hoffmann, que siempre tiene en la punta de la lengua divertidas y alegres canciones.Entra Luther con bebidas para sus clientes, quienes después de algunos minutos comienzan a pensar en sus amoríos. Hoffmann interviene ofreciéndoles contar sus tres aventuras amorosas. Comprendiendo que se trata de una interesante narrativa, se colocan los estudiantes alrededor del poeta, quien sentado en una esquina de la mesa, empieza: El nombre de la primera era Olimpia.Hoffmann les habla a sus contertulios, de Spalanzani, un ricachón y más bien maléfico con manía de construir autómatas, maravillosas muñecas con tanta semejanza de vida que cualquiera puede engañarse creyéndolas humanas. A una de estas muñecas, Olimpia, trata de pasarla como su hija. Hoffmann ha recibido del médico un par de anteojos mágicos y se enamora de Olimpia, tomándola como criatura de carne y hueso. Nicklausse, amigo de Hoffmann, se esfuerza por evitar que el poeta se ponga en ridículo, pero éste dice a los invitados que es una realidad. Cuando el poeta logra tener a solas unas palabras con la muñeca, se queda del todo maravillado al oír pronunciar un “si” que sale de la automática garganta de Olimpia.El gran número de la noche es cuando se ordena a Olimpia que baile para divertir a los invitados. Al bailar canta también, para admiración de los convidados y mayor admiración de Hoffmann.Cuando a la muñeca se le acaba la cuerda, poco a poco, con sonidos entrecortados casi humanos, tiene que, apresuradamente ponerla en funcionamiento otra vez.Vuelve Olimpia a bailar y Hoffmann con ella. La muñeca se sale fuera del cuarto. En la conmoción los anteojos se le caen a Hoffmann y cuando, con el ansioso inventor va al cuarto a donde Olimpia ha ido, solo ve una muñeca hecha mil pedazos, pues Coppélius, su cocreador, a quien Spalanzani ha engañado para quitarle lo que le corresponde, la ha hecho añicos como un acto de venganza.En la versión que escucharemos en la HJCK los intérpretes serán Plácido Domingo como el poeta Hoffmann; Huguette Tourangeau en el papel de Nicklausse, amigo del poeta; Joan Sutherland interpretará a Olimpia (muñeca mecánica), Giulietta (meretriz veneciana), Antonia (joven enfermiza) y Stella (cantante de ópera); Gabriel Bacquier en los personajes de Lindorf y Coppélius (rivales de Hoffmann), Dapertutto (espíritu del mal) y el Dr. Miracle (médico de Antonia); André Neury como Schlemil (enamorado de Giulietta); Jacques Charon en el rol de Spalanzani (constructor de la muñeca), Paul Plishka como el concejal Crespel.Con ellos estarán Margarita Lilowa, Hugues Cuénod, Roland Jacques, Paul Guigue, Pedro di Proenza y Jean Valaisan en papeles secundarios; el Coro de la Radio de la Suiza Romanda dirigido por André Charlet y la Orquesta de la Suiza Romanda bajo la dirección de Richard Bonynge.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 9 de febrero a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
El libreto de Manon Lescaut está basado en la obra L'historie du chevalier des Grieux et de Manon Lescaut (Historia del caballero Des Grieux y de Manon Lescaut) del Abad Antoine François Prévost d'Exiles, novela que escribió en 1731.La primera representación de Manon Lescaut tuvo lugar en el Teatro Regio de Turín el 1° de febrero de 1893. Manon Lescaut fue la tercera ópera de Puccini y su primer gran éxito.La acción de Manon Lescaut se desarrolla en la segunda miad del siglo XVIII en Amiens, París, El Havre y Nueva Orleans.Aquí está el argumento y acción del primer acto de Manon Lascaut con música de Giacomo Puccini.En Amiens: Una gran plaza cerca de la Puerta de París.Es de noche. Una multitud formada sobre todo por estudiantes y muchachas pasea por la plaza o se entrega al juego y a la bebida. Edmondo, un estudiante, canta una canción mitad seria, mitad burlona sobre la juventud y el amor. El joven noble Des Grieux, objeto de burlas por parte de los estudiantes por su falta de éxito en el amor, dirige una serenata a las muchachas. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Llega el carruaje de Arras, con Manon Lescaut, su hermano y el anciano tesorero general Geronte di Ravoir entre sus pasajeros. Cuando se bajan del carruaje Des Grieux admira la belleza de Manon. Ella se queda sola un momento y él entabla conversación con ella y se entera que se dirige a un convento por orden de su padre. Le ruega que se reúna con él más tarde, y ella acepta de mala gana. Después de que ella se va, él expresa sus sentimientos. Mientras Lescaut está absorto en el juego de cartas de los estudiantes, Geronte, a quien también le gusta Manon, arregla con el propietario un carruaje y caballos, planeando abdicar a sus obligaciones reales para huir con Manon.Geronte se da cuenta de lo que ha sucedido. Furioso, se apresura a contárselo a Lescaut, quien, reconociendo las intenciones del viejo zorro, le asegura, en medio de las burlas de los estudiantes, que será fácil encontrar a Manon en París.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 2 de febrero a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Cosi Fan tutte es la tercera y última ópera de Mozart producida consecutivamente con la colaboración del libretista italiano Lorenzo da Ponte. Las otras dos óperas anteriores habían sido Las bodas de Fígaro de 1786, y Don Giovanni, de 1787.Respecto al curioso título de la obra, Lorenzo da Ponte lo habría tomado del libreto que él mismo escribiera años antes para Las bodas de Fígaro. En el primer acto de esta ópera el personaje Basilio dice Così fan tutte le belle; non c'èalcunanovità!, o sea Así hacen todas las bellas; no es ninguna novedad.Mozart trabajó en la partitura de la nueva ópera en un período muy breve, ocupándole los últimos meses de 1789. En su propia casa, la noche del 31 de diciembre la obra ya terminada fue presentada por el compositor a algunos amigos, entre quienes se hallaba Joseph Haydn.El 21 de enero de 1790 se tuvo el primer ensayo con orquesta y cinco días después, el 26, Cosi fan tutte la ópera era estrenada en el Burgtheater de Viena.Cosi fan tutte cierra el trabajo de Mozart con Lorenzo da Ponte y es considerada la cumbre del estilo italiano de este compositor, ya tan hábilmente trabajado en Las bodas de Fígaro y Don Giovanni.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La versión de Cosí fan tutte que escucharemos en Canto y Música Coral por HJCK.com tiene los siguientes intérpretes:Carol Vaness en el papel de Fiordiligi, novia de Guglielmo y hermana de Dorabella; Delores Ziegler interpreta a Dorabella, novia de Ferrando; Dale Duesing tiene a su cargo la interpretación de Guglielmo un soldado enamorado de Fiordiligi; el tenor norteamericano John Aler está a cargo del personaje de Ferrando un soldado enamorado de Dorabella; Despina, la sirviente será interpretada por Lilian Watson; y el viejo filósofo don Alfonso por Claudio DesderiCon ellos estarán los Coros Glyndebourne bajo la dirección de Ivor Bolton y Orquesta Filarmónica de Londres dirigida por Bernard Haitink. La acción de Cosi fan tutte se desarrolla en la ciudad italiana de Nápoles, a fines del Siglo XVIII.La trama de esta ópera inicia cuando tres amigos beben juntos a primera hora de la mañana y discuten sobre la fidelidad de las mujeres. Uno de ellos, don Alfonso, un cínico, ha afirmado que no se puede confiar en ninguna mujer, y los otros dos, que son jóvenes oficiales, Guglielmo y Ferrando, lo niegan con vehemencia.Los objetos de su propio amor (declaran ellos), dos hermanas, Fiordiligi y Dorabella, están más allá de todo posible reproche, y están dispuestos a rebatir la insinuación de don Alfonso a punta de espada. Sin embargo, él se niega a tomar las cosas tan en serio y propone en cambio una apuesta de cien cequis (Moneda de oro, acuñada en varios Estados de Europa, especialmente en Venecia, y que, admitida en el comercio de África, recibió de los árabes este nombre).Si prometen hacer todo lo que les diga y no delatar el complot a las damas, se comprometerá a demostrar su infidelidad ese mismo día. La apuesta es aceptada y los jóvenes comienzan a discutir sobre cómo gastarán el dinero que están tan seguros de ganar. Ferrando organizará una serenata, Guglielmo dará una cena.Más adelante, Fiordiligi y Dorabella están cantando las alabanzas de sus amantes, cuando son interrumpidas por la entrada de Don Alfonso. Está sin aliento y evidentemente trae malas noticias. ¿Los oficiales están heridos, tal vez? ¿O incluso muertos? No; pero han recibido órdenes de unirse a su regimiento de inmediato para el servicio activo. (Estas órdenes son en realidad la invención de Don Alfonso y son el preludio de su conspiración).Los jóvenes llegan ahora para despedirse conmovedoramente. Las hermanas están tan profundamente conmovidas que Guglielmo y Ferrando no pueden resistir una indirecta astuta a Don Alfonso por sus aparentemente pocas perspectivas de ganar su apuesta; pero él sigue confiado. Se escucha música militar. Los amantes intercambian cariñosas despedidas y prometen escribirse al menos una vez al día, mientras que Don Alfonso apenas puede contener su risa sarcástica.Después de que los oficiales se han ido, se une a las hermanas para rezar para que puedan tener un viaje seguro; pero finalmente se queda solo para comentar una vez más sobre la vanidad de depositar la confianza en el corazón de una mujer.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 26 de enero a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Il trovatore es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Salvatore Cammarano, basada en la obra de teatro El trovador de Antonio García Gutiérrez, cuyo estreno en el Teatro del Príncipe el 1 de marzo de 1836, es uno de los más recordados de la historia del drama español.La acción Il Trovatore de Giuseppe Verdi se desarrolla en Vizcaya y Aragón, en el siglo XV. Aquí le dejamos el primer acto: Acto ILa ópera se inicia en el Castillo real de Aliaferia en Zaragoza, frente a los apartamentos del Conde de Luna, quien comanda las tropas leales a la Princesa de Aragón en su guerra con el rebelde Conde de Urgel.Ferrando, el secuaz de Luna, despierta a los sirvientes armados de su amo. Les dice que vigilen mucho por la seguridad del Conde: él pasa noche tras noche bajo el balcón de la mujer que ama, atormentado por los celos; pues tiene como rival a un trovador desconocido.Para mantener despiertos a los hombres, Ferrando les cuenta la historia del hermano del Conde, Garzia, que había desaparecido en la infancia. Un día encontraron a una vieja bruja cerca de su cuna. Los sirvientes la habían echado; pero el niño enfermó y su padre creyó firmemente que había sido hechizado. Hizo capturar a la anciana y quemarla viva. Poco después el niño desapareció, supuestamente robada por la hija de la anciana. Al día siguiente se encontraron los restos del cuerpo de un niño en la pira todavía humeante. Sin embargo, el viejo conde tuvo el presentimiento de que su hijo aún estaba vivo. Buscó por todas partes a la mujer que lo había robado, pero en vano. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En su lecho de muerte le había hecho prometer al hijo que le quedaba que continuaría la búsqueda. El propio Ferrando confía en reconocer a la hija de la bruja incluso después de veinte años. Se supone que la propia bruja, ronda el palacio hasta el día de hoy. Cuando llega la medianoche, los hombres se dispersan presas de un terror supersticioso.La escena cambia a los jardines del palacio donde Leonora, dama de honor de la Princesa de Aragón, pasea con su confidente, Inés. Recuerda cómo se enamoró de un caballero desconocido con armadura negra al que había coronado en un torneo. Luego estalló la guerra civil y él desapareció; hasta que una noche escuchó a un trovador dándole serenata en el jardín; corrió hacia el balcón y reconoció a su caballero de armadura negra. Inés le advierte de los peligros de amar no sabiamente sino demasiado bien. Leonora responde que su amor por el trovador es eterno. Cuando ella e Inés han entrado en palacio aparece el Conde. Está acusando a su amada Leonora cuando para su furia oye a lo lejos la voz del trovador, que poco a poco se acerca.Justo cuando el cantante llega al balcón regresa la propia Leonora. En la oscuridad, confunde al Conde con su rival y se lanza a sus brazos. "¡Infiel!" el trovador llora; pero las excusas de Leonora lo convencen. Desafiado por el Conde, dice su nombre: Manrico. El Conde reconoce que es el de uno de los capitanes de Urgel y se alegra al comprobar que su rival en el amor es también su enemigo en la guerra. Los dos hombres se van a batir en duelo.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 19 de enero a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
"El arte siempre ha sido como una isla en momentos de crisis", afirma Saioa Hernández, consciente del valor de la cultura en las agitadas aguas del mundo y de la historia."Es un rol que me ha dado mucho en mi carrera y que siempre ha supuesto algún hito especial. Y este será otro más", augura la artista durante una pausa de su apretada agenda de ensayos.La fiesta de Floria ToscaEl Teatro Costanzi vivirá este martes una noche de celebración conmemorando el 125 aniversario del estreno de la ópera más romana de Puccini y una de las piezas más adoradas por el público: la 'Tosca', inaugurada el 14 de enero del lejano 1900.La cita, que contará con la presencia del presidente de la República, Sergio Mattarella, sigue al centenario de la muerte del compositor.La idea no es solo celebrar el estreno de esta obra maestra, sino también recordarlo: se replicarán la escenografía y el vestuario utilizados entonces, con un atento trabajo de reconstrucción gracias a los bocetos conservados en los archivos.'Tosca' es el nombre de una mujer capaz de ofrecer hasta su propio cuerpo al poder más despiadado con tal de salvar a su amado Mario Caravadossi, encerrado en las mazmorras del Castel Sant'Angelo, victima de una Roma ensombrecida por la represión y violencia.Una tragedia que Saioa Hernández conoce sobradamente tras haberla interpretado en los teatros más importantes del mundo, aunque admite que cantarla siempre impone, máxime en esta cita "especial".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíUn reto conocido"Siempre es un desafío porque es una partitura muy complicada. Al final todos la conocemos, el público la conoce al dedillo y quiere ver esa 'Tosca'. También es un reto vocalmente porque, aunque la hayas cantado mucho, siempre hay algo que añadir porque como artista vas madurando", confiesa.La obra ha sido interpretada por toda diva que se precie, desde María Callas a Montserrat Caballé o Renata Tebaldi, pero Hernández prefiere ignorar el "peso de la comparación" porque, aunque aprenda de sus precursoras, ella tiene su propio estilo."En este momento de mi carrera tengo muy clara mi identidad. Me gusta mucho escuchar cantantes del pasado y del presente, estamos continuamente escuchándolas, pero no por eso comparando. Simplemente me enriquezco con lo que tengo alrededor para crecer", alega la soprano, la primera española en abrir, en 2019, la temporada de la prestigiosa Scala de Milán.En definitiva, no hay vértigo que valga porque los artistas "tienen el deber" de "beber" de sus antecesores... pero también el público tiene que evolucionar, subraya."El arte, como todo, se renueva, crece, y el público que ha que ha escuchado cantantes de otra época tiene que crecer también con la ópera, no podemos quedarnos en lo pasado", zanja, parafraseando el certero consejo de un amigo: "El teatro no es un museo".La belleza sobre la crueldadLa obra de Puccini brinda también una reflexión social: por un lado dibuja una Roma despótica, con ecos de guerras e invasiones, pero entre sus tinieblas deslumbra el amor. Y 125 años después, el mundo sigue envuelto en crisis, por lo que Hernández cree que la cultura puede ser un bálsamo para las almas contemporáneas."El arte siempre ha sido como una isla en medio de guerras, del dolor o de momentos de crisis. Creo que para todos lo es. Hay mucha gente que habla de cómo la música les salvó, de cómo el arte o la lectura ha marcado sus vidas", sostiene.Así, piensa en los artistas como "un mundo aparte", artífices de belleza capaces e aliviar los desvelos del público. Ella misma lo comprobó recientemente en Barcelona cuando, al terminar una función, recibió el agradecimiento de algunos valencianos aún conmocionados por las inundaciones."Me siento súper afortunada de poder dar ese poco de paz dentro de algo tan terrible", reconoce. Por eso las arias de la 'Tosca', como 'Vissi d'arte', 'E lucevan le stelle' o su preferida, la romanza inicial 'Recondita armonia', serán retransmitidas en directo por la radio pública italiana y proyectadas en hospitales e centros de Caritas.No obstante, Hernández avisa de que, para que la cultura siga enriqueciendo, debe ser protegida. "Por desgracia en este momento está más dejada de lado que nunca por quienes deberían cuidarla", reclama. ¿Cómo? No solo invirtiendo en ella, sino fomentándola desde las escuelas y entre el público más joven, mostrando, por ejemplo, la magia que se esconde entre las bambalinas de la ópera, receta.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La ópera romántica Fausto de Louis Spohr se estrenó en 1816. Otras óperas tienen la música de Hector Berlioz ‘La condenación de Fausto’; Charles Gounod ‘Fausto’, más conocido en Alemania por su nombre posterior ‘Margarethe’; Arrigo Boito escribió ‘Mefistófele’ y Ferruccio Busoni ‘Doctor Fausto’. Además de Schumann el material se utilizó en otros géneros musicales. Richard Wagner ‘Obertura de Fausto’, Franz Liszt ‘Sinfonía de Fausto’ en tres imágenes de personajes, Gustav Mahler (en su Octava Sinfonía) o Lili Boulanger (Cantata Fausto y Hélène).La mayoría de los escenarios de Goethe se concentran en la primera parte de la tragedia, que tiene una trama más clara y, en la tragedia de Gretchen, que tiene un tema especialmente adecuado para la ópera. La segunda parte, sin embargo, recibió poca atención durante mucho tiempo; es mucho más difícil de entender y el poeta anciano lo vio más como una obra metafísica. Robert Schumann fue el primero en poner música a partes de esta segunda parte.Robert Schumann admiraba profundamente la obra maestra de Goethe y durante mucho tiempo no se atrevió a ponerle música, pues… “A menudo temí la acusación: '¿Por qué música para una poesía tan perfecta?'; por otro lado, desde que conocí esta escena, sentí que la música podía darle mayor efecto”, escribió sobre la segunda parte de Fausto, a Franz BrendelEscenas del Fausto de Goethe no es una ópera, pero tampoco encaja en la concepción convencional del oratorio. Además, la selección de los fragmentos que llevó a cabo Schumann para su adaptación refleja su profundamente personal forma de entender el drama. La música se caracteriza por un estilo declamatorio melódico que ya había empleado en El paraíso y la peri. No hay arias concebidas a la manera tradicional para los personajes de Fausto y Gretchen.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La obertura que abre Escenas del Fausto de Goethe es larga y presenta un carácter tenso y tempestuoso en todo momento, con pasajes líricos fugaces. La música de Schumann, además de crear una introducción dramática y electrizante, también plasma estas historias pasando de lo relativamente mundano a lo filosófico y lo místico. Sugiere la lucha entre el bien y el mal en el corazón de la obra de Goethe, así como la tumultuosa búsqueda de Fausto de la iluminación y la paz.La primera de las tres secciones describe el pacto con el diablo y la historia de la seducción de Gretchen que concluye con la escena de la iglesia.La segunda sección aborda la muerte y redención de Fausto. Muestra la lucha filosófica de Fausto por encontrar un sentido ante las cuatro mujeres grises: Necesidad, Culpa, Preocupación y Pena, y finaliza con la muerte de Fausto.La tercera y última parte de esta obra es la transfiguración de Fausto. Las escenas finales, que llevan a la obra a su plácida pero inquietante conclusión, contienen algunas de las composiciones corales más brillantes de Schumann, especialmente los majestuosos pasajes iniciales del chorus mysticus.La interpretación que escuchamos estuvo a cargo de: Bryn Terfel, Karita Mattila, Jan-Hendrik Rootering, Barbara Bonney, Endrik Wottrich, Iris Vermillion, Brigitte Poschner-Klebel, Susan Graham, Hans-Peter Blochwitz, Harry Peeters, el Coro de Cámara ‘Eric Ericson’ el Coro de la Radio Sueca, el Coro de Niños Tölzer y la Orquesta Filarmónica de Berlín bajo la dirección de Claudio Abbado.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 12 de enero a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Estrenada en Dresde, en el Königlich Sächsisches Hoftheater, el 2 de enero de 1843, El holandés errante está inspirada en el libro Memorias del señor de Schnabelewopski, de Heinrich Heine.En esta obra Richard Wagner muestra los primeros intentos en estilos operísticos que caracterizarían sus posteriores dramas musicales. En El holandés errante, al igual que en el resto de sus óperas, Wagner usa una serie de leitmotiv (literalmente, "motivo guía") asociados con los personajes y los temas. Los leitmotiv se muestran todos en la obertura, que empieza con un tema muy conocido de océano o tormenta, antes de pasar a los motivos del holandés y de Senta.A continuación, el argumento y acción del primer acto de El holandés errante:Durante una fuerte tormenta, el barco del mercante noruego Daland busca refugio en la bahía de Sandwike, no lejos de su puerto base. Una vez realizadas las tareas necesarias, el capitán envía a la tripulación a los camarotes para que descansen, mientras el timonel recibe instrucciones de vigilar el barco hasta que, con la llegada de un tiempo más favorable, pueda emprender el viaje de regreso a casa. Daland también se va a descansar. 💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíPara protegerse del inminente cansancio, el timonel entona una canción, pero durante el segundo verso el sueño lo abruma; nadie ve, por tanto, un barco extranjero con bandera roja y mástil negro anclado en la bahía.Poco después una figura oscura pone un pie en tierra. Es el holandés, el capitán del barco. Lleva la maldición de Satanás, quien una vez le tomó la palabra: para poder navegar alrededor de un promontorio, había prometido seguir navegando "para siempre".Maldito, deberá navegar por los mares del mundo sin encontrar jamás la liberación de la muerte. Sólo la fidelidad de una mujer podrá liberarlo de este cruel destino; a esta mujer podrá buscar cada siete años, cada vez que el mar lo arroje a la tierra hasta que, al final de este último período que acaba de comenzar, esté eternamente. Hasta ahora se le ha negado encontrar una mujer fiel y sólo un deseo todavía considera suyo: la extinción eterna en el Día del Juicio.Daland aparece inesperadamente en cubierta y encuentra a un timonel dormido y un barco extranjero anclado junto al suyo. Ve al holandés y los capitanes comienzan a conversar. Pronto descubre que el holandés guarda un tesoro en el casco de su barco y este se lo promete al noruego como recompensa por la hospitalidad de su hogar.Cuando Daland, presintiendo la posibilidad de un matrimonio rico, elogia las virtudes de su hija, el holandés, con una repentina resolución, le pide su mano. Daland accede alegremente y cuando la tormenta amaina inesperadamente, los dos barcos levan anclas y navegan con el viento del sur hacia el puerto base del noruego.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 5 de enero a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
El 5 de enero de 1875, después de 14 años de obras dirigidas por el arquitecto Charles Garnier, la Ópera fue inaugurada con gran pompa por Mac Mahon, presidente de Francia. A la apertura del edificio, un encargo de Napoleón III que costó 36 millones de francos oro (343 millones de dólares al cambio actual), acudieron 2.000 invitados llegados de toda Europa, entre ellos algunos miembros de la realeza. "En el momento de su inauguración era el teatro de ópera más grande del mundo: 173 metros de largo y 125 metros de ancho", explicó el guía Jean Jacques Serres durante una visita. El guía también destacó que su escenario también era "el más grande", con sus 27 metros de profundidad, 48 metros de ancho (incluidas las bambalinas) y 60 metros de alto. "¡Tres veces el tamaño de un escenario de Broadway!", señaló.Su fachada, actualmente tapada por una lona debido a una reforma, impresiona por su opulencia, rica en materiales policromados, máscaras doradas, medallones y alegorías, y contrasta con la arquitectura del barón Haussmann."Los dos hombres no se llevaban bien. Haussmann había construido alrededor edificios un poco más altos de lo previsto. Garnier, enfadado, añadió algunos metros a su fachada", contó Serres. El interior también es majestuoso, con su monumental escalera y diversos tipos de mármol.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíMonumento históricoSi el edificio, clasificado como "monumento histórico" en 1923, es tan visitado cada año -un millón de personas en 2023-, se debe también a los frescos de colores vivos y los personajes flotantes cosidos al techo de la sala de espectáculos, firmados por Marc Chagall.El fresco, un homenaje a 14 compositores de óperas y ballets, fue un encargo del ministro de Cultura André Malraux en 1964, a quien no le gustaba del techo original, dañado, de Jules Eugène Lenepveu. Entre los palcos, el número 5 es especial. "Es el que Éric, el fantasma de la novela de Gaston Leroux", explica Serres.El autor de "El fantasma de la ópera" (1910) imaginó a este personaje que venía a escuchar a una soprano de la que se enamoró, siempre con una máscara, para que no se vieran las marcas que un accidente le dejó en la cara. Por su célebre escenario han pasado bailarines de la talla de la rusa Tamara Toumanova o del francés Patrick Dupond, y cantantes como Maria Callas y Fiódor Shaliapin.Escenario vacío durante dos añosEs precisamente en la "jaula" del escenario, el espacio que lo rodea por encima y por debajo, donde se realizarán, a partir del verano de 2027, unas obras de modernización de los equipos y de renovación que impedirán cualquier espectáculo durante dos años.En el quinto piso del sótano hay un enorme depósito utilizado por Garnier como contrapeso para estabilizar los cimientos del edificio. El agua era muy valiosa porque "el fuego representaba el principal enemigo de las salas de espectáculos", recuerda Serres. "Hoy en día el depósito sirve para que los bomberos entrenen en un medio cerrado", detalla.También se puede visitar la antigua sala de máquinas, con sus cabrestantes y cables. Antaño manipulados por trabajadores ayudados de contrapesos, servían para levantar o bajar cortinas y telas pintadas en trampantojo. Con el tiempo, fueron reemplazados por motores eléctricos.Desde allí se puede ver el primer sótano y su trampilla, que permitía a Giselle, la heroína del ballet, desaparecer, mientras que en una pared aparece la inscripción "refugio A". La Ópera sirvió de refugio "a la gente del barrio durante la Segunda Guerra Mundial", y una línea marca el nivel que alcanzó el agua durante la inundación del 31 de enero de 1910.Otro elemento notable es la escalera llamada "del elefante", por donde pasó un paquidermo prestado por un circo para una representación de "Las Indias Galantes" de Jean-Philippe Rameau. En los pisos superiores se encuentran los camerinos personales o colectivos de los 154 bailarines del ballet y, en la parte más alta, los cinco estudios de ensayo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
Mili Balákirev nació en una familia aristocrática y recibió sus primeras lecciones de piano de su madre. A los diez años continuó los estudios de piano con Alexander Dubuque y Karl Eisrich. Trabajando como asistente de Eisrich, participó en eventos musicales con la orquesta privada del rico terrateniente Alexander Ulibishev y fue por esa época que hizo sus primeros intentos creativos, aunque solamente de tipo amateur.Cuando en 1853 llegó el momento de elegir una carrera, Mili Balákirev se matriculó como estudiante de matemáticas en la Universidad de Kazan. Durante ese periodo continuó enseñando piano e interpretando ocasionalmente, pero también siguió con su preparación como ingeniero.En 1855 Balákirev acompañó a su amigo y patrón Alexander Ulibishev a San Petersburgo, donde conoció, casi por casualidad, a Mikhail Glinka. Esto cambió el curso de su vida. Motivado por Glinka decidió dedicarse por completo a la música. Al año siguiente realizó su debut público como pianista y compositor estrenando su propio concierto para piano. Esto condujo a otras presentaciones y composiciones en los años posteriores.Hacia comienzos de la década de 1860, Balákirev ya contaba con varios artistas a su alrededor y promovía aquel ideal de Glinka sobre la creación de un idioma musical nacional distintivo e independiente, contrario a los estilos germanos preferidos por los hermanos Rubinstein.En 1863 Mili Balákirev comenzó a dirigir con regularidad en la recién inaugurada Escuela Libre de Música en San Petersburgo mostrando tanto su trabajo como el de sus alumnos. Balákirev encabezó entonces el grupo de compositores conocido como Los Cinco Rusos y que además integraban Mussorgsky, Borodin, Cui y Rimsky-Kórsakov.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíSegún una nota del pianista y biógrafo ruso Victor Ilytsc Serof (1902-1979), Mili Balákirev centró su mirada en una nueva escuela que Anton Rubinstein estaba organizando bajo el patrocinio de la gran duquesa Elena Pavlovna. No contento con criticar, creó su propia Escuela Libre de Música. Ambas escuelas ofrecieron conciertos sinfónicos públicos, pero mientras Rubinstein ofrecía programas de música clásica mayoritariamente alemana, los conciertos de Balákirev se convirtieron en un bastión de la música nacional rusa. Los músicos rusos quedaron así divididos en dos bandos: el grupo Rubinstein/Chaikovsky versus el grupo Balákirev.Cinco años más tarde, Rubinstein renunció tanto al Conservatorio como a la Sociedad Musical Rusa, y a Balákirev se le ofreció este último puesto. El grupo de Los Cinco Rusos vieron en su nombramiento su primera victoria, ya que Balákirev se convirtió prácticamente en director de todos los conciertos sinfónicos en San Petersburgo. Desafortunadamente, el trato despótico de Balákirev hacia la orquesta deterioró sus relaciones con la junta directiva. También tuvo enfrentamientos con la Gran Duquesa y dos años después de su nombramiento se vio obligado a dimitir.Mili Balákirev, como excelente pianista, siempre expresó su admiración por Chopin. En 1894 visitó Polonia, donde tocó su Sonata en Sí bemol menor.Al conseguir una pensión, aquel mismo año, se dedicó por completo a la composición, y pronto dejó de aparecer en público. Siguiendo el ejemplo de Chopin escribió numerosas mazurcas, valses, nocturnos y scherzos, una canción de cuna, y numerosas piezas cortas, de las que la más atractiva es Tyrolienne.Cuando se celebró el primer centenario de nacimiento de Chopin, en 1910, Mili Balákirev compuso su Suite Chopin para orquesta donde quedó manifiesta la gran admiración del músico ruso por el compositor polaco, sobre todo por las obras para piano de sus últimos doce años.Podrá escuchar obras maravillosas de Mili Blákirev en la nueva edición de El Músico de la semana el lunes 30 de diciembre a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
