A los 20 años, Alejandro III fue coronado como rey de Macedonia. Su padre Filipo II le dijo: “Busca, hijo mío, un reino igual a ti porque en Macedonia no cabes”, Alejandro el grande se comprometió a la palabra de su padre y decidió emprender un viaje por el mundo.Como cualquier príncipe, Alejandro Magno recibió una educación de primera, estudió matemáticas, historia, política y filosofía, esta última siendo el aprendiz de, nada más ni nada menos, que Aristóteles. Así como se educó en las áreas del conocimiento también alimentó el cuerpo con un entrenamiento militar fundamental para su camino en la conquista.En sus años de pupilo de Aristóteles, Alejandro Magno cargó como un libro sagrado La Iliada, de Homero pues estudió la cultura griega y las epopeyas de los héroes. La educación completa del hijo de Filipo II lo convirtió en un guerrero militar que estaba destinado a ser magnífico y a dejar su huella en el mundo.Berta Erill Soto, periodista de la National Geographic, menciona en un artículo sobre el conquistador lo siguiente: “Alejandro Magno disponía de unos 13.500 combatientes macedonios, 12.000 griegos del sur y 8.000 de origen balcánico: un total de aproximadamente 33.500 hombres”. El ejército fue considerado uno de los más desarrollados y poderosos de los tiempos antiguos.El Imperio persa y la conquistaTras la muerte de su padre en el 336 a.C, Alejandro Magno empezó a planear su travesía hacia el Imperio persa, comenzó su campaña militar en el 334 a.C., cruzando el Hellesponto con un ejército de aproximadamente 40,000 hombres. En la famosa batalla de Granico, derrotó a las fuerzas persas, lo que le permitió avanzar hacia Anatolia. Alejandro continuó su avance a través de Asia Menor, derrotando al rey persa Darío III en batallas cruciales como las de Issos y Gaugamela.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.En esta conquista Alejandro logró hacer una mezcla cultural entre los griegos y los persas, logrando también un tipo de integración cultural.Egipto y la gloriaSiguiendo con su travesía, Alejandro Magno se dirigió a Egipto donde fue recibido como un héroe por su victoria en Persia. En su estadía construyó templos y veneró a los dioses egipcios, por eso la población local lo nombró faraón. Cuando visitó el oasis de Siwa, fue al oráculo del dios Amón para confirmar sus orígenes divinos, el oráculo le confirmó la teoría dándole luces acerca de su conexión con la divinidad griega. Según el mensaje del oráculo y la historia, Alejandro Magno fue hijo de Zeus.Tras convertirse en faraón de Egipto y extender su dominio por el Nilo, Alejandro Magno se dirigió a la India, sin embargo, nunca logró llegar lo suficientemente lejos. En su reinado comenzó a tomar actitudes y costumbres persas, cosa que a su ejército lo le causó ninguna gracia y comenzaron a dudar de él.En medio de la desconfianza y el poder, Hefestión, un gran amigo de Alejandro (y con quien se presume que tuvo una relación afectiva) murió. Esto le causó profunda tristeza y viajó a Babilonia para realizarle un funeral digno. Esta historia se asemeja a la de Aquiles y Patroclo, contada en La Iliada de Homero.En el año 331 a.C, Alejandro Magno creó Alejandría, una metrópoli monumental que se convertiría en la capital de Egipto. Junto a Alejandría creó las ciudades de Tonis-Heracleon y Canope. La ciudad solo duró algunos siglos ya que la naturaleza consumió su totalidad y arrasó con su existencia.Alejandro Magno murió en junio, su fallecimiento ha sido un misterio hasta nuestros días. Algunos dicen que fue a causa de las fiebres por la malaria y otros expertos apuntan que fue envenenamiento, sin embargo, nunca se han esclarecido los hechos. El gran Alejandro creó una historia que quedó en los libros, así como lo hizo su libro sagrado, La Iliada.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En un comunicado, la Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) de México rechazaron la subasta de bienes arqueológicos y recordaron que entre los objetos dictaminados se incluyen piezas mayas, teotihuacanas y otras ligadas a estilos cerámicos propios del norte, el occidente y el Golfo de México.Señalaron que los especialistas del INAH elaboraron el dictamen arqueológico correspondiente, examinando las características de forma, estilo, materia prima, proporciones, acabados de superficie y estado de conservación de cada pieza."De ese dictamen se determina que 20 objetos puestos a la venta son monumentos arqueológicos mexicanos, definidos y protegidos por la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos", expuso el comunicado.La Secretaría de Cultura indicó que entre las piezas "se encuentran figurillas zoomorfas, vasijas elaboradas en barro modelado, espejos con incrustaciones de piedra verde, fragmentos de esculturas y tapas de braseros tipo teatro".Estas piezas recorren temporalidades que van de los periodos Preclásico (600 a.C.-200 d.C.) al Posclásico mesoamericanos (1200-1500 d.C.) "y que se ligan a culturas como la maya y teotihuacana, así como a estilos escultóricos de México como los denominados Casas Grandes del norte de México, de occidente o de las Culturas del Golfo de México.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Ambas instituciones indicaron que "han iniciado los procesos judiciales y diplomáticos correspondientes ante autoridades mexicanas e internacionales, con el interés de que las piezas en cuestión sean repatriadas a territorio mexicano a través de los canales diplomáticos y legales oficiales".Además, autoridades de la Secretaría de Cultura enviaron una carta a la citada galería, "exhortando a sus directivos a detener el ofrecimiento y la venta de dichas piezas, en consideración de que representan un legado invaluable de nuestras culturas ancestrales y, además, son parte de la memoria de numerosos pueblos originarios de la actualidad".En la nota, México reafirmó su compromiso con la protección del patrimonio cultural y la lucha contra el tráfico ilícito de bienes culturales, en cumplimiento de la legislación mexicana y de los tratados internacionales en la materia, haciendo un exhorto a las casas de subastas a reflexionar respecto a los códigos éticos en torno a la comercialización de bienes culturales expoliados de forma ilegal, ya que contribuye al despojo cultural y atenta contra la memoria de los pueblos.A nivel global, las embajadas y consulados de México han recuperado unas 13.500 piezas culturales durante la administración del presidente Andrés Manuel López Obrador, que inició el 1 de diciembre de 2018.El Gobierno mexicano ha combatido subastas en ciudades como Nueva York, París y Roma, en las que aparecen objetos robados o que pertenecen al patrimonio de México.Además, se intensificaron las demandas ante Gobiernos extranjeros para recuperar piezas arqueológicas y artísticas.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'Arte Vocabulario Cathecismo Menor y Mayor de la Lengua Moxa' es el título del libro escrito por Marbán (Tiedra, 1647) custodiado en el área de Bienes Documentales del Museo Nacional de Etnografía y Folclore (Musef) en La Paz, que tuvo la iniciativa de transcribir el documento, explicó la directora de esa institución, Elvira Espejo.Al tratarse de una publicación de más de 300 años, "por su fragilidad no puede salir" del museo y se la debe preservar, pero se pensó en hacer la transcripción "para quienes realmente quieren conocer el contenido" y estudiar en profundidad sobre la lengua y la cultura moxa, señaló."Lo interesante es conocer también estas terminologías de aquellas épocas de hace 300 años y que los jóvenes tengan la posibilidad de leer, aprender y también practicarlo si es posible", comentó Espejo.El antropólogo y museólogo Milton Eyzaguirre, jefe de la Unidad de Extensión del Musef, explicó que hace dos años el museo logró que el documento sea reconocido como "Memoria del Mundo" por la Unesco, una certificación que se recibió oficialmente en 2023."Y, claro, podríamos dejar el documento en el archivo y no visibilizarlo más, pero nuestro objetivo es que llegue a las poblaciones de diferentes lugares, de tierras bajas, de tierras altas", indicó.Las tierras altas son la zona andina y las tierras bajas son las regiones de la Amazonía, el oriente y el chaco bolivianos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Marbán y el libroPedro Marbán llegó en 1675 a la llamada llanura de Moxos, actualmente territorio del departamento amazónico de Beni, en el noreste de Bolivia, y terminó de escribir el diccionario en 1701.Según Eyzaguirre, el jesuita dijo que cuando llegó al lugar había cinco lenguas mayores, una de ellas, la más importante, era el morocosí, que actualmente se conoce como moxeño."Hubo una serie de elementos vinculados con el proceso de asentamiento, formar y fundar diferentes reducciones en varias zonas de la región como Loreto o San Ignacio y en todo ese contexto es que logró consolidar el documento que tiene aproximadamente 860 páginas", precisó.El texto tiene cuatro partes, la primera es una introducción del manejo de la lengua moxa, la segunda y tercera son las traducciones del castellano al moxeño y viceversa y la cuarta es "el catecismo mayor y el catecismo menor, obviamente aplicando todos estos elementos de la lengua para la cristianización de la gente en tierras bajas", señaló.Para Eyzaguirre, fue "fundamental" que el jesuita lograse "sistematizar todo el manejo de esta lengua" en sus 26 años de permanencia en Moxos.Relevancia del facsímilSe calcula que actualmente hay unos 50.000 hablantes de la lengua moxa en Bolivia, principalmente en Beni y en la región central de Cochabamba.El experto explicó que algunas personas del municipio beniano de San Ignacio de Moxos reconocieron algunas palabras halladas en el texto y otras "las adscribían más bien a la lengua trinitaria"."Es decir, hay como un proceso de desuso de la lengua como tal lamentablemente, porque estamos en un proceso de homogenización del conocimiento y el manejo del español se está asentando con mucha fuerza", comentó.Precisamente con la edición facsimilar se apunta a que "se puedan recuperar algunos términos e inclusive la forma de pensamiento y la cosmovisión" de la cultura moxa, agregó.Para Eyzaguirre, será importante, por ejemplo, rescatar el concepto del agua en la lengua moxa, que presenta unos 200 usos de ese término, algo fundamental porque la región moxeña suele registrar inundaciones en el primer trimestre del año y fue una sociedad con importantes conocimientos hidráulicos."Este conocimiento que tenían los anteriores moxeños está albergado en parte del documento de Marbán, que nos hace referencia a estos contextos y podemos, a partir de éstos, comenzar a generar reconstrucciones", indicó.La transcripción del libro se hizo durante un año y se imprimió en dos tomos "para facilitar la lectura", lo que fue posible con apoyo de la Embajada de Suiza en Bolivia.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El arte sacro, una manifestación artística arraigada en la devoción religiosa, ha sido una fuente inagotable de inspiración y contemplación a lo largo de la historia. Este género, intrínsecamente ligado a las prácticas y creencias religiosas, ha desempeñado un papel crucial en la expresión espiritual y cultural de diversas civilizaciones. Desde las majestuosas catedrales góticas de Europa hasta las pinturas murales en templos hindúes, el arte sacro ha abrazado una variedad de formas, estilos y tradiciones, sirviendo como un puente entre lo terrenal y lo divino.El arte sacro surge de la profunda necesidad de las comunidades religiosas de expresar su fe y reverencia hacia lo sagrado. Sus orígenes se remontan a las antiguas civilizaciones, donde los primeros humanos, imbuidos de un sentido de lo trascendente, creaban obras para honrar a sus deidades y dar forma a sus creencias espirituales. Estas manifestaciones artísticas no solo servían como objetos de culto, sino que también buscaban transmitir enseñanzas religiosas y narrativas sagradas a través de imágenes, esculturas y arquitectura.El arte sacro abarca una amplia gama de formas artísticas, desde la arquitectura religiosa hasta la pintura, la escultura, la música y la literatura. Las catedrales góticas medievales, con sus altos arcos y vitrales que filtran la luz celestial, son ejemplos impresionantes de la arquitectura sacra que busca elevar el espíritu humano hacia lo divino. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En la pintura renacentista, artistas como Leonardo da Vinci y Rafael Sanzio crearon obras maestras que representaban escenas bíblicas y retratos de santos, infundiendo a sus obras una profundidad espiritual y una belleza trascendental.La escultura sacra, desde las estatuas de los dioses griegos hasta las representaciones de Cristo en la cruz, ha capturado la imaginación de los creyentes durante siglos, ofreciendo una conexión tangible con lo sagrado. Además, la música sacra, con sus himnos, oratorios y misas, ha enriquecido las experiencias religiosas, proporcionando una vía para la adoración y la contemplación espiritual.Representaciones de arte sacroLa Capilla Sixtina: Situada en el Vaticano, esta obra maestra del arte renacentista, con los frescos de Miguel Ángel que representan escenas del Génesis y el Juicio Final, es un testimonio impresionante del poder del arte para elevar lo humano hacia lo divino.La Catedral de Notre-Dame: Ubicada en París, esta catedral gótica es un símbolo icónico del arte sacro, con sus imponentes torres, rosetones y esculturas que narran historias bíblicas y glorifican a Dios.El David de Miguel Ángel: Esta escultura de mármol representa al héroe bíblico David antes de enfrentarse a Goliat, encapsulando la belleza y la perfección del Renacimiento italiano.Las Cantatas de Bach: Compuestas por Johann Sebastian Bach, estas obras musicales sagradas son una expresión sublime de la devoción religiosa y la maestría musical.A pesar de los cambios en la sociedad y la disminución de la religiosidad en algunas regiones, el arte sacro sigue siendo relevante en el mundo contemporáneo. Su legado perdura en museos, galerías y espacios de culto en todo el mundo, inspirando a artistas y espectadores por igual. Además, el arte sacro continúa desempeñando un papel importante en la preservación de la herencia cultural y espiritual de la humanidad, sirviendo como un recordatorio de nuestra conexión con lo trascendente y lo eterno.El arte sacro, con su rica historia y su diversidad de formas, sigue siendo una fuente de inspiración y contemplación para millones de personas en todo el mundo. A través de sus obras, los artistas han buscado capturar la esencia de lo divino y transmitir la profundidad de la experiencia religiosa, dejando un legado perdurable que trasciende el tiempo y el espacio.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Según los estudiosos, en esta zona de la regio IX, donde actualmente se está excavando, el día de la erupción del Vesubio, que comenzó a la hora del almuerzo y se prolongó hasta la mañana del día siguiente, estaba en marcha una obra en algunas de las casas y quedó así congelada en el tiempo.La obra, que afectó a toda la manzana, es sobre todo evidente en la casa de la panadería Rustio Vero, donde se encuentra el ya famoso bodegón con la representación de una especie de pizza y una copa de vino.En esta zona se han encontrado montones de materiales de construcción y también las notas al carboncillo de los albañiles que trabajaban en la renovación de esa casa, que casi con certeza fue dañada por el terremoto de 17 años antes.También en la casa cercana, a la que se puede acceder desde una puerta interior, se han encontrado numerosos testimonios de una gran obra en construcción, como lo atestiguan también los enormes montones de piedras para ser utilizados en la reconstrucción de las paredes y ánforas, cerámicas y azulejos recolectados para ser transformados en material de construcción.“Pompeya es un cofre del tesoro y no todo ha sido revelado en toda su belleza. Aún es necesario que surja mucho material. En la última Ley de Presupuesto financiamos nuevas excavaciones en toda Italia y una parte importante de esta asignación está destinada a Pompeya", declaró en una nota el ministro de Cultura, Gennaro Sangiuliano.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Para el director del Parque Arqueológico, Gabriel Zuchtriegel, el descubrimiento es "un ejemplo más de cómo la pequeña ciudad de Pompeya nos hace comprender muchas cosas sobre el gran Imperio Romano, entre ellas el uso del cemento. Sin cemento no tendríamos ni el Coliseo, ni el Panteón, ni las Termas de Caracalla"."Las excavaciones en curso en Pompeya ofrecen la posibilidad de observar casi en vivo cómo funcionaba una antigua obra de construcción", explica.Sobre el uso de la cal para la construcción, según un grupo de expertos del Instituto Tecnológico de Massachusetts en Boston, Estados Unidos, se utilizaba "la mezcla en caliente, es decir, a altas temperaturas, donde la cal viva (y no la cal apagada) se mezclaba con puzolana seca y posteriormente se hidrataba y se aplicaba en la construcción",Normalmente, explican desde Pompeya, "la cal viva se sumerge en agua, es decir, se apaga, mucho antes de su uso en la obra, formando la llamada cal apagada, un material de consistencia plástica. Sin embargo, en el caso de la obra de Pompeya parece que la cal viva, es decir, que aún no ha entrado en contacto con el agua, inicialmente se mezclaba únicamente con arena puzolánica. Mientras que el contacto con el agua se producía poco antes de que se instalara el muro".Esto significa - explican los estudiosos que trabajan en Pompeya - "que, durante la construcción del muro, la mezcla de cal, arena puzolánica y piedras todavía estaba caliente debido a la reacción térmica en curso y, en consecuencia, se secó más rápidamente, acortando el tiempo de toda la construcción".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el mundo antiguo y medieval, Constantinopla fue una ciudad histórica de gran importancia política, económica y cultural. Su ubicación estratégica en el estrecho de Bósforo separaba Europa de Asia y conectaba el mar de Mármara con el mar Negro, dándole a ese impero gran control y ventajas importantes de defensa militar, haciéndola una ciudad difícil de conquistar.Haciendo las veces de puente entre oriente y occidente, Constantinopla se convirtió en la capital del Imperio Bizantino, fundada en el año 330 d. C. por el emperador romano Constantino I, de quien recibió su nombre.Durante más de mil años, los emperadores bizantinos gobernaron desde esta capital y administraron un vasto territorio que se extendió por gran parte de Europa oriental, la península de Anatolia, el norte de África y partes de Oriente Medio.Como capital del Imperio Bizantino, Constantinopla fue una de las ciudades más importantes y prósperas del mundo antiguo y medieval. Fue un centro de comercio, cultura y poder político durante siglos. La ciudad estaba adornada con impresionantes obras de arquitectura, como la famosa Catedral de Santa Sofía, un claro ejemplo de la arquitectura bizantina.A la par que el Imperio bizantino aumentaba su poder político y económico, también crecía el legado histórico, artístico y principalmente arquitectónico que hoy en día sigue siendo materia de estudio.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El arte religioso de ConstantinoplaAntes de la conquista de los turcos otomanos de Constantinopla, en 1453, a manos del Mehmed II, el Imperio Bizantino estuvo adornado por importantes obras de arte, esculturas y textos, la mayoría con un enfoque religioso, que influyó en la estética del cristianismo y de la iglesia ortodoxa por siglos.La arquitectura bizantina se caracterizó por el uso de cúpulas, arcos de medio punto, mosaicos ornamentales y una abundancia de detalles decorativos. La Catedral de Santa Sofía, construida en el siglo VI, es el ejemplo cúspide del estilo de estas construcciones.Edificada en apenas seis años, la iglesia fue ideada por el matemático Antemio de Trales y el físico Isidoro de Mileto. Pese a que se encuentra en una zona de alta actividad sísmica, se ha conservado por más de 1.500 años. Su reestructuración más fuerte se dio en el año 557, cuando, afectada por terremotos, tuvo que ser reconstruida por Isidoro el joven, sobrino de MIleto. La Basílica de San Marcos en Florencia, Italia, construida en el siglo XI; la Catedral de San Pedro y San Pablo en San Petersburgo, Rusia, construida en el siglo XVIII; la Mezquita Azul, de Estambul construida en el siglo XVII, y la Iglesia de San Salvador en Chora también en Estambul son algunos de los ejemplos de grandes centros religiosos que están inspirados en el estilo bizantino.Al interior de las iglesias, castillos e importantes edificaciones se encontraban los mosaicos, imágenes construidas con piedra, vidrio y esmalte que retrataban historias y momentos históricos.Traídos desde la tradición romana, durante el Imperio Bizantino, estas piezas se enfocaron en mostrar imágenes y momentos importantes para la religión y, en algunos casos, retratos de los emperadores. Este estilo influenció el desarrollo del arte en mosaico en otras culturas, incluyendo la islámica y la europea.La producción artística de esa época tuvo como común denominador, la inspiración religiosa, de este período abundan las imágenes sagradas utilizadas en la adoración cristiana.La Catedral de Santa Sofía contiene algunos de los mosaicos más impresionantes del arte bizantino que datan del siglo IX al XII, donde se representan escenas religiosas, figuras sagradas y emperadores. Otro ejemplo de la influencia religiosa es Teófanes el griego. Nacido en 1340 fue uno de los más importantes pintores de iconos del siglo XIV, conocido por su estilo distintivo y su influencia en el arte religioso ortodoxo oriental.La literatura durante la época de ConstantinoplaConstantinopla fue el epicentro cultural durante el Imperio Bizantino y la cuna de numerosas obras literarias. Al igual que en la arquitectura y el arte, la religiosidad fue el tema principal de la literatura y de la poesía que se produjo durante estos siglos.Focio, conocido como Focio el Grande, fue un importante líder religioso y político en la historia del Imperio Bizantino. Se destacó por haber sido el patriarca de Constantinopla en dos ocasiones, pero también por su obra como escritor. Myriobiblon (Biblioteca) es su texto más emblemático, una colección de resúmenes y extractos de obras clásicas griegas y romanas.Otro nombre destacado es el de Juan Tzetzes, un poeta y erudito bizantino del siglo XII, conocido por su extenso trabajo en diversas áreas como la poesía, la filosofía y la gramática; reconocido por su comentario sobre la obra de Homero.Además de la religión, los relatos de momentos históricos y sobre las guerras fue otro de los temas relevantes de la literatura bizantina. En este campo, encontramos a una mujer como autora destacada.Ana Comnena, hija del emperador bizantino Alejo I Comneno, fue una escritora del siglo XII conocida por su obra La Alexiada. Este relato es una crónica épica en la que detalla la vida y el reinado de su padre.Otra obra relevante de ese periodo sobre la guerra es Las Guerras de Justiniano escrita por el historiador bizantino del siglo VI Procopio de Cesarea. Esta obra cuenta las batallas libradas por el emperador Justiniano I, además, ofrece un contexto histórico de la vida militar y política de Constantinopla.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La historia de Romeo y Julieta, escrita por William Shakespeare en 1597, es una de las más conocidas en el mundo. El mito del amor eterno ha llegado a cada rincón del mundo y también se ha convertido en una fuente de turismo, por ejemplo, en Verona se abrió un museo recreando la casa de los Capuleto y el emblemático balcón donde Julieta le confesó su amor al enemigo de su familia.Así como el balcón, también se hizo una estatua en honor a la romántica Julieta, obra que se volvió blanco del turismo en la ciudad de Verona. El mito popular dice que si se le toca el pecho derecho a Julieta vendrá buena fortuna.Julieta sostiene suavemente su vestido con su mano derecha, su izquierda reposa sobre su pecho, su cara parece tener una expresión de seriedad y un semblante sereno, sin embargo, su cuerpo está manchado con huellas viajeras de todo el mundo que buscan fortuna incierta.Los turistas llegan de todos los mundos buscando desesperadamente el pecho deslumbrante que les traerá riqueza, nadie se acerca con amabilidad o compasión, todos esperan su turno para tocar el bronce frío de color dorado que demuestra tanto tacto oscuro y sediento de poder.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Nereo Constantini creó la estatua de Julieta en 1969, desde ese momento se convirtió en atracción turística y por miedo al desgaste fue reemplazada por una réplica en 2014. El toqueteo y las ganas de suerte han llevado a que un agujero sobresalga del pecho derecho de la escultura, pareciendo el recuerdo de una flecha.A lo largo de los años el mito de la riqueza se fue desplazando por los visitantes de Verona, en Italia, convirtiéndose en una tradición obligatoria para todo el que visite la ciudad. La premisa es tocarle el pecho derecho a Julieta para tener buena suerte, tocarle el pecho derecho, tocarle el pecho, tocar…Por esto me pregunto, ¿el cuerpo femenino está destinado al tacto frío de quien busca fortuna o saciar el deseo? ¿por qué nadie le tiene compasión a la Julieta que lleva más de setenta años siendo tocada? Todo es deseo y ambición. ¿qué hubiera sentido la Julieta de carne y hueso? ¿qué sentimos nosotras ante el toque sin consentimiento? Rabia, solo rabia.El museo Casa de Julieta, donde se encuentra la estatua, también tiene un buzón donde los visitantes dejan sus cartas de amor confesando el sentimiento de algo maravilloso o algo que nunca sucedió. Los turistas le escriben a Julieta esperando una señal, una respuesta del destino que ayude a solucionar el problema amoroso. Decidí escribirle una carta a la propia Julieta, para ella, para su espíritu que puede reposar en ese cuerpo sellado de bronce.Querida Julieta,Me enteré que el tacto amargo te abrió el pecho, las manos extrañas que se posaban sobre tu seno destaparon la llaga del dolor. El hueco minúsculo sangra oro invisible cada que te tocan, la risa y la cámara son protagonistas de tu dolor y tu semblante queda petrificado por la cárcel de bronce.Veo tus lágrimas, mi Julieta, las mismas que derramaste al no poder estar con tu amor verdadero. La compasión de la humanidad se ha opacado por la fuerza de la ambición, tú solo eres una de las maneras que la gente busca para imaginar una vida de riquezas. Siento profundamente el dolor de tu cuerpo inmovil, tan frágil por dentro y como roca por fuera, así como el de muchas de nosotras. Las huellas se han marcado sobre tu vestido dorado, así como las marcas indeseadas sobre nuestro pecho, se han vuelto imborrables a nuestra memoria, permanecen intactas desde el comienzo de los tiempos.Tantas manos extrañas que buscan los senos firmes de bronce (¿o de carne?), tantos que quieren probar la fortuna de tu pecho sin mirarte a los ojos con compasión. Tantos que buscan riqueza sin saber que se te puede salir el corazón, el órgano vital explotado de dolor, de rabia.Julieta, cuánto daría yo por no permitir que nadie te toque (que nadie nos toque), quiero pararme a tu lado y sentir el miedo de la mano extraña acercándose, quiero mirarte a la cara y pedirte perdón por difamar tu cuerpo sagrado, ver en ti a mi madre, a mi hermana, a mis amigas, vernos a todas como tú, expuestas a este mundo hostil y cruel que nos pone los ojos y las manos sobre los pechos.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El hallazgo de los códices de San Andrés Tetepilco, por el nombre de la localidad del sureste de Ciudad de México de donde son originarios, es una noticia "sin precedentes", dijo este miércoles Baltazar Brito, director de la Biblioteca Nacional de Antropología e Historia, que los integrará a su acervo.Es un compendio realizado bajo la escritura tradicional indígena que "hasta el día de hoy se había mantenido oculto a la visión pública", destacó el historiador al presentar a la prensa fotos y videos de los documentos.Los vestigios pictográficos "de autenticidad comprobada" fueron manufacturados hacia finales del siglo XVI y principios del XVII por "tlacuilos", término que designa a los pintores e ilustradores que cumplían función de escribanos en el México prehispánico y siguieron activos durante la colonia, añadió Brito.Dos de los códices abordan la fundación del pueblo originario de Tetepilco y el inventario de los bienes de la iglesia local, mientras el tercero resulta el más "espectacular", según los especialistas, por sus dimensiones y contenido."Aquí la historia fue plasmada con pictografías sumamente coloridas que (...) narran la historia de Tenochtitlan (antigua Ciudad de México) a través de cuatro temas principales", explicó Brito sobre la pieza identificada como "la tira de Tetepilco".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Dichos temas son la fundación de la capital azteca en el siglo XIV, el registro de los tlatoque o señores que la gobernaron; la llegada de los conquistadores en 1519 y, finalmente, el período virreinal, con el arribo del virrey Juan de Mendoza y Luna, en 1603, último evento registrado en el pictograma.La tira destaca por su colorido, donde predominan el amarillo, el rojo, el negro y el azul, y la "gran maestría técnica" del tlacuilo, quien exhibe gran dominio de la pintura prehispánica y europea para representar a cada personaje, indicó María Castañeda, académica de la Universidad Nacional Autónoma de México."Esto es como si en Europa apareciera hoy en día un Rembrandt, un Murillo o un Velázquez, es lo mismo, es impresionante", añadió la investigadora, la primera que hace 15 años pudo ver fotografías de los códices, pues sus propietarios querían confirmar si eran auténticos."Me emociono de recordar ese momento", dijo conmovida Castañeda, de nacionalidad española.La familia que conservaba las piezas y que pidió mantener su identidad en reserva recibió un pago de 9,5 millones de pesos (569.000 dólares), aportados por el patronato del Instituto Nacional de Antropología e Historia, informó su presidenta, Altagracia Gómez Sierra.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Lo han comprobado y demostrado científicos de España, Italia y Argentina, que han datado cinco refinadas canoas recuperadas en el yacimiento arqueológico submarino de La Marmotta, localizado en el lago Bracciano, a unos 60 kilómetros de Roma, y hoy publican las conclusiones de su trabajo en la revista Plos One.Todos los restos han sido recuperados a unos 300 metros de la orilla actual y a unos 11 metros de profundidad (8 de agua más 3 de sedimentos), lo que ha permitido la conservación de numerosos restos y útiles realizados en madera, entre ellos las cinco piraguas -datadas gracias a la técnica del "Carbono 14"-, pero también arcos, hoces, cucharas y miles de semillas, explicó el arqueólogo Juan Francisco Gibaja, investigador principal del trabajo.Los trabajos de investigación en La Marmotta se suceden desde hace varias décadas y ganaron un importante impulso tras el acuerdo de colaboración que firmaron en 2018 la Institución Milà y Fontanals de Investigación en Humanidades del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (IMF-CSIC), la Escuela Española de Historia y Arqueología en Roma y el Museo delle Civiltà (Roma).Auténticos ingenieros navalesAlgunas de las civilizaciones más importantes de Europa se originaron a orillas del Mediterráneo y durante el Neolítico las comunidades viajaban y comercializaban a través del agua, como demuestran los registros arqueológicos y los asentamientos en costas y en islas.El investigador italiano Mario Mineo, del Museo delle Civiltà (Roma) destacó en una nota difundida hoy por el CSIC que las canoas sorprenden no sólo por su tamaño, también por la complejidad con la que se elaboraron. "Estamos ante el trabajo de verdaderos ingenieros navales".Las cinco embarcaciones recuperadas en La Marmotta fueron construidas con cuatro tipos diferentes de madera, algo inusual en yacimientos similares, e incluyen técnicas de construcción muy avanzadas, como los refuerzos laterales; una de ellas se asocia además a tres objetos de madera en forma de "T", cada uno con una serie de agujeros que se utilizarían probablemente para sujetar cuerdas atadas a velas u otros elementos náuticos.Los investigadores han corroborado que se trata de embarcaciones aptas para navegar en el mar y que son ejemplos "excepcionales" de embarcaciones prehistóricas que requirieron para su construcción un conocimiento estructural y de las propiedades de la madera, además de una mano de obra muy especializada y bien organizada.Y lo más importante para el equipo científico: las similitudes entre estas canoas y las tecnologías náuticas más recientes respaldan la idea de que muchos avances importantes en la navegación se realizaron durante el Neolítico temprano, así como la "asombrosa" sofisticación tecnológica de las primeras comunidades agrícolas y pastoriles.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Claves para entender la expansión desde Oriente PróximoJuan Francisco Gibaja observó que se trata de las embarcaciones más antiguas de Europa del periodo Neolítico (primeros agricultores y pastores) y las únicas recuperadas hasta ahora del Neolítico inicial en el Mediterráneo, y detalló que alguna de las canoas tiene hasta 11 metros de longitud y varios elementos que revelan los conocimientos que tenían aquellas sociedades para construir este tipo de barcos."La expansión de las sociedades del Neolítico desde Próximo Oriente por vía marítima se entiende con claridad cuando estás delante de unas embarcaciones tan grandes", manifestó Gibaja, de la Institución Milà y Fontanals de Investigación en Humanidades del CSIC.El investigador aseguró que este tipo de embarcaciones eran aptas para transportar personas o mercancías "normalmente observando la costa", y se refirió a los experimentos realizados por otros colegas con reproducciones de piraguas idénticas a las que se han hallado en La Marmotta y que han demostrado su fiabilidad llevando 12 remeros y algunos kilos de cereal y obsidiana -un tipo de roca-.En la investigación, liderada por la Institución Milà y Fontanals de Investigación en Humanidades (IMF-CSIC), han participado la Escuela Española de Historia y Arqueología en Roma (EEHAR-CSIC), el Museo delle Civiltà (Roma), la Universidad de Pisa y el Centro Nacional de Aceleradores (CNA), en Sevilla, donde se han datado las canoas mediante la técnica del "carbono 14".Este yacimiento submarino se está convirtiendo en un filón para la ciencia y el conocimiento profundo de las sociedades neolíticas. "Cada día es una sorpresa", indicó Juan Francisco Gibaja, y valoró la calidad y especialización del equipo internacional implicado en el proyecto y la utilización de las últimas técnicas en investigación para conocer al máximo unos restos que por su estado de conservación se pueden considerar "únicos".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El ministro señaló que su país se ha afirmado "como un referente internacional de la lucha" contra este delito. González-Olaechea participó este miércoles en la entrega al Ministerio de Cultura de 4.600 bienes culturales que fueron repatriados desde Alemania, Estados Unidos, Italia, Países Bajos, Portugal y Suiza.Las piezas fueron repatriadas gracias a gestiones de la Cancillería, los consulados y embajadas peruanas acreditadas en esos países y autoridades locales, así como por el Dirección de Recuperaciones del Ministerio de Cultura.En la lista figura una colección de material arqueológico devuelta por la hija del investigador estadounidense John Rowe, quien elaboró con ellas su propuesta cronológica basada en 'Horizontes' e 'Intermedios', que se mantiene vigente como base para explicar la historia prehispánica peruana.También se encuentran otros 33 bienes culturales repatriados desde Italia, entre los que destacan cuatro unkus o camisas prehispánicas de estilos Nazca, Wari e Inca, dos mantos de estilo Paracas y Nazca, y 13 paños textiles de grandes dimensiones provenientes de las culturales Chimú, Chancay, Nazca, Wari e Inca.De Alemania fueron entregados, de manera voluntaria, tres protocolos notariales pertenecientes al Archivo General de la Nación, mientras que de Portugal se recuperó un sahumador (vaso para quemar perfumes) escultórico de plata, fechado entre los siglos XVIII y XIX.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.También se recibieron cuatro cerámicas prehispánicas incautadas por el Grupo especializado para la transferencia internacional de la propiedad cultural de la Oficina Federal de Suiza (OFC) y un bien arqueológico devuelto voluntariamente en Países Bajos.Durante la ceremonia, González-Olaechea agradeció al Gobierno de Estados Unidos por la entrega de un documento del siglo XVI que fue recuperado por el FBI en el marco del acuerdo de protección y restitución de bienes culturales suscrito entre ambos Estados, en vigor desde el 27 de abril de 2023.Ese documento, fechado el 28 de junio de 1599, es un contrato para la formación en Lima de la primera compañía teatral de América y será entregado al Ministerio de Cultura en una próxima ceremonia, junto a otros bienes culturales que se repatriarán al país.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En Los últimos sufrimientos del Salvador (compuesta por Carl Philipp Emanuel Bach entre 1769 y 1770), se concentran, por así decirlo, los principios compositivos más esenciales y se ofrece una visión profunda del pensamiento de Bach sobre una nueva música que debe ser, sobre todo, un lenguaje del sentimiento.Un solo coral y seis arias contrastan con once recitativos acompañados, algunos de los cuales conducen directamente a ariosos, como por ejemplo, en las secciones donde se representa la traición de Judas Iscariote (Den Menschenfreund willst du verrathen).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.O donde el silencio de Cristo ante Pilato se convierte en realidad en un silencio musical (Und doch, welch Beyspiel der Geduld); y finalmente, donde una sola palabra (muere) acompañada de un pizzicato en el bajo es suficiente para marcar la muerte del Salvador.En Música Antigua y del Barroco escucharemos la versión de la Cantata 'Die letzten Leiden des Erlösers' (Los últimos sufrimientos del Salvador), Wq 233, de Carl Philipp Emanuel Bach, que nos ofrecen Barbara Schlick y Greta de Reyghere, sopranos; Catherine Patriasz, contralto; Christoph Pregardien, tenor; Max van Egmond, bajo; el Collegium Vocale Gent y La Petite Band bajo la dirección de Sigiswald Kuijken.Esta obra será presentada en la nueva edición de Música Antigua y de Barroco, el próximo viernes santo (29 de marzo) a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
El viernes de Semana Santa se lleva a cabo una de las conmemoraciones más representativas y profundas del cristianismo, en la que se recuerda la crucifixión y muerte de Jesús de Nazaret.Las Lamentaciones de Semana Santa forman parte de una tradición que tiene fuertes raíces en la música sacra desde el siglo XV: antes de Joseph Hector Fiocco, el mismo tema había sido planteado por Orlando di Lasso, Carissimi, Alessandro Scarlatti, Charpentier, François Couperin, por citar sólo los más conocidos. Después de Fiocco, el último en el orden cronológico fue Igor Stravinsky con Threni en 1958.Para la Semana Santa, la liturgia pedía lecturas cantadas de piezas extraídas de las Lamentaciones del profeta Jeremías; que en el ámbito de la cultura francesa tomaron el nombre de "Leçons des Ténèbres" (Lecturas de las tinieblas), pues con cada verso se apagaba una vela hasta que finalmente la iglesia quedaba en total oscuridad, representando el descenso temporal de Cristo al inframundo.Otra de las muchas obras que han sido compuestas para dicha conmemoración y que ha sido poco difundida es la Passio per il Venerdì Santo (Pasión para el Viernes Santo) de Giuseppe Giordani o Giordaniello, compositor italiano quien nació en Nápoles el 19 de diciembre de 1751 y falleció en Fermo el 4 de enero de 1798. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Giordani estudió música con Domenico Cimarosa y Niccolò Antonio Zingarelli, y en 1774 fue nombrado director de música de la capilla de la catedral de Nápoles. En 1776 escribió su Passio per il Venerdì Santo, y su primera ópera (L'Epponina) fue lanzada en 1779.Y finalmente en esta edición del Concierto de la Tarde escucharemos la primera lección de las Lamentaciones que compuso Estêvao de Brito, el compositor portugués que vivió entre los años 1575 y 1641.Si bien la polifonía floreció más tarde en Portugal que en la mayoría de los demás países europeos, las Lamentaciones de De Brito deben mucho a los antecedentes españoles, al tiempo que llevan al límite ciertos aspectos del estilo del Renacimiento tardío, como gran parte de la música portuguesa de principios del siglo XVII.Todas estas obras serán transmitidas el viernes santo (29 de marzo) a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La Misa de Réquiem de Giuseppe Verdi, una obra monumental en el repertorio de la música clásica, es una expresión inigualable de emoción, drama y grandeza. Compuesta en memoria del escritor y poeta italiano Alessandro Manzoni, Verdi creó una obra que trasciende los límites litúrgicos y se convierte en una experiencia musical y espiritual profundamente conmovedora.Verdi comenzó a concebir su Réquiem en 1868, cuando Manzoni falleció, pero no fue hasta 1873 que completó la obra. Aunque Verdi era conocido principalmente por sus óperas, su incursión en la música sacra con esta obra resultó ser igualmente impresionante. La Misa de Réquiem no es una composición litúrgica convencional, sino más bien una visión personal de Verdi sobre el texto latino tradicional, que abarca una amplia gama de emociones humanas, desde la angustia hasta la esperanza.La Misa de Réquiem de Verdi consta de siete secciones principales: el "Requiem" (Requiem aeternam), el "Dies Irae", el "Offertorio", el "Sanctus", el "Agnus Dei", el "Lux aeterna" y el "Libera me". Cada sección está marcada por una intensidad dramática excepcional y una variedad de recursos musicales que muestran la habilidad de Verdi para crear tensión y emoción.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El "Dies Irae", en particular, es una de las secciones más impactantes de la obra, con sus tumultuosos coros y orquestación apasionada que retratan el juicio final y la ira divina de manera vívida y dramática. Contrastando con esto, el "Lux aeterna" ofrece un momento de paz y serenidad, con su hermosa melodía y armonías celestiales.Verdi demostró una maestría excepcional en la escritura coral y orquestal en esta obra, utilizando técnicas innovadoras para crear una atmósfera de intensidad emocional y espiritual. Su capacidad para combinar elementos operísticos con la solemnidad de la música sacra resultó en una obra que trasciende los límites del género y continúa cautivando al público hasta el día de hoy.El legado de la Misa de Réquiem de Verdi perdura a través de su influencia en generaciones posteriores de compositores y su impacto duradero en el repertorio de conciertos. Su habilidad para capturar la profundidad de la experiencia humana y elevarla a un plano espiritual lo convierte en uno de los trabajos más significativos en el canon de la música clásica.La Misa de Réquiem de Giuseppe Verdi es una obra monumental que combina la grandeza operística con la devoción sacra de una manera única y conmovedora. A través de su música poderosa y emotiva, Verdi nos lleva en un viaje espiritual que nos confronta con nuestras propias emociones y nos recuerda la fragilidad y la trascendencia de la vida humana. Su legado perdura como un testimonio eterno de la capacidad de la música para elevar el alma y trascender las barreras del tiempo y del espacio.Podrá escuchar esta obra maravillosa en la edición especial de nuestro Concierto de la Tarde, hoy jueves santo. Esta versión estará interpretada por Katia Ricciarelli, Shirley Verrett, Plácido Domingo, Nicolai Ghiaurov, Orquesta y Coro del Teatro alla Scala bajo la dirección de Claudio Abbado y estará al aire a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Como parte de su segundo ciclo de cantatas, en 1724, en Leipzig, el alemán Johann Sebastian Bach compuso Herr Jesu Christ, du höchstes Gut, una cantata sacra, específicamente una cantata de iglesia, conocida en español como Señor Jesucristo, oh bien supremo.Bach, uno de los compositores más importantes del período barroco, compuso esta obra religiosa durante su primer año como Thomaskantor en Leipzig, donde fue responsable de la música en las principales iglesias de la ciudad. Para poner en contexto, Thomaskantor ó "Kantor de Santo Tomás" fue el título honorífico y cargo que tuvo el compositor alemán entre 1723 y 1750.Durante esos años, Bach fue el encargado de la educación musical y la dirección de la música en las principales iglesias de la ciudad de Leipzig, especialmente en las de Santo Tomás y en San Nicolás. Este cargo musical durante la labor de Bach fue considerado uno de los más respetados e influyentes de la Alemania protestante, participando no solo en actos religiosos y académicos, sino también en elecciones del concejo municipal y homenajes de la ciudad.“Señor Jesucristo, oh bien supremo” es una cantata de iglesia que incluye movimientos de coral, arias solistas y recitativos con un movimiento final de coral. La obra está escrita para voz solista (soprano), un coro de cuatro partes (SATB), y un conjunto instrumental que suele incluir cuerdas y continuo (órgano u otros instrumentos de bajo).Pese a que se desconoce la autoría del texto de la cantata, se sabe que está basado en el himno en el himno del mismo nombre (Herr Jesu Christ, du höchstes Gut), del poeta y teólogo Bartholomäus Ringwaldt.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El himno original tiene un carácter de oración penitencial y de súplica a Cristo. En el mismo sentido, la cantata, en su conjunto, reflexiona sobre la relación de los devotos con Cristo, expresando arrepentimiento, confianza y gratitud por la misericordia divina.Algunas grabaciones notables de esta cantata incluyen las realizadas por John Eliot Gardiner con el grupo Solistas Barrocos Ingleses y el Coro Monteverdi, y la grabación de Karl Richter con la Orquesta Bach de Múnich.En la HJCK podrá escuchar esta obra sacra interpretada por Kurt Equiluz (tenor), Max van Egmond (bajo), el Coro de Niños de Hannover, el Collegium Vocale de Gent y el Leonhardt Consort bajo la dirección de Gustav Leonhardt🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La muestra exhibirá desde retratos del siglo XVI realizados por Hans Holbein el Joven a fotografías contemporáneas de Hiroshi Sugimoto o los trajes utilizados en el popular musical 'SIX', en la primera exhibición histórica desde la reapertura de la galería de arte londinense el año pasado.Así, recogerá más de 140 trabajos con referencias a las vidas de Catalina de Aragón, Ana Bolena, Juana Seymour, Aaa de Cléveris, Catalina Howard y Catalina Parr, incluidas pinturas, dibujos, libros, fotografías o trajes, algunos nunca vistos antes.Con las diferentes obras que hablan de las seis esposas del Tudor, la National Portrait Gallery pretende "poner el foco narrativo en estas mujeres extraordinarias y no en su tristemente célebre marido", como se recoge en la nota de prensa.El objetivo es que el público aprenda sobre las relaciones de las distintas reinas con la corte y con el rey, además de sobre sus intereses, su ideología o sus creencias y valores, entre otros aspectos de sus vidas.Entre los trabajos destacados que se expondrán se encuentra un retrato de Ana de Cléveris pintado por Edgar Degas, la caja con las herramientas de escritura de Catalina de Aragón o el libro de horas de Ana Bolena.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Estas obras de la época interactúan con otras posteriores, que mostrarán cómo la cultura popular ha reinterpretado y representado a las seis mujeres, recordadas por el momento de su muerte y no por sus vidas —en inglés, existe la rima 'Divorced, beheaded, died / Divorced, beheaded, survived' ('Divorciada, decapitada, muerta / Divorciada, decapitada, superviviente')—.Como dijo el director de la National Portrait Gallery, Nicholas Cullinan, la muestra espera "generar la empatía" de los asistentes.Y también pretende "recordarnos que debemos reflexionar sobre las historias que construimos colectivamente y la facilidad con la que podemos terminar definiendo a las personas por un único momento de sus vidas", destacó.La exposición, acompañada de la publicación de un libro del mismo título escrito por la comisaria, Charlotte Bolland, permanecerá abierta durante los meses de verano hasta el 8 de septiembre.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.