Las brujas del siglo XXI no tienen las verrugas o el caldero que la Inquisición les impuso como imagen. Son profesionistas, terapeutas, conocedoras de herbolaria y de espiritualidad que apuestan a compartir esa sabiduría con otras mujeres.La noche del 31 de octubre, en Estados Unidos, y en algunos países de América Latina, como México, se conmemora la Noche de los Espíritus, también llamada noche de las brujas, una celebración netamente comercial.ReivindicaciónDanae Gutiérrez es guía del círculo “Mujeres sanando” desde hace 6 años en la ciudad de Guadalajara (oeste de México). La joven terapeuta reúne a otras mujeres en lo que llaman “aquelarres”, alrededor del fuego, bailan, practican rituales de sanación y conversan rodeadas de flores y hierbas curativas.En una entrevista con EFE, Gutiérrez contó que estos círculos evocan la figura de la bruja para reivindicarla ante la sociedad como un mujer sabia y que tiene el poder de curar a otras personas. “Quise retomar esa palabra aquelarre para recordar que, como mujeres, somos poderosas y sabias, que esa es la bruja que existe en ti y que está ahí diciéndote ‘hey, escúchame’, para mí es importante en este círculo recordar a esa sabia mujer que vive en nosotras”, explicó.Las mujeres resaltan el poder de su feminidad, comparten sus experiencias poniendo énfasis en la capacidad de escucharse y acompañarse sin distinciones, añadió.“El objetivo principal es la unidad, la empatía, la reconciliación con ese sagrado femenino, con la mujer que existe al lado mío y con las que siempre estamos ahí interactuando. (...) Entrando al círculo todas somos iguales, ninguna puede criticar a la otra, es que exista esta energía de empatía, de ver a la otra mujer como igual a mí”, explicó.Las convocatorias a muchos de estos círculos, que han proliferado en los últimos años, invitan a participar en “aquelarres” y a vestirse como “brujas”, dos palabras que aún significan maldad y oscuridad para muchas personas.“Todavía hay personas que conceptualizan esta palabra como algo muy negativo y pienso que el ser bruja no es otra cosa más que poder estar en contacto contigo misma y con la naturaleza, respetando los elementos, respetando al ser humano. Lo que hoy son las brujas y lo que promueven, es el autoconocimiento”, dice Carolina Dávila asistente a los círculos desde hace 4 años.Feminismo y sentiresYunuén Hernández es coautora de una investigación realizada en 2022 en la que además de buscar a brujas contemporáneas, constató que permanece la idea de la Edad Media que las señala, las sataniza y las hace ver como “malas, sucias, feas, satánicas y alguien en quien no se podía confiar”.La maestrante en Estudios de Género por la Universidad de Guadalajara explicó a EFE que este estigma fue derribado en buena parte por las corrientes feministas de mediados del siglo XX y de principios del XXI que resaltan el poder, la feminidad y el conocimiento que las mujeres han tenido de la naturaleza desde hace cientos de años.“Eran mujeres sumamente sabias, autónomas, curanderas, eran mujeres que ayudaban en los partos, eran astrólogas, se reunían con otras mujeres no a convocar a Satanás como se hacía creer, sino a curarse entre ellas, espiritual como emocionalmente y esto son las prácticas que ahora vemos en los movimientos feministas y en estos círculos de sentires”, explicó.A finales de la década de los 60 surgió en Estados Unidos el grupo de feminismo radical W.I.T.C.H. (bruja, en inglés) que se mostraba anticapitalista mediante 'perfomances' que combinaban protesta y rituales de brujería simbólicos, siempre vestidas de negro y con sombreros puntiagudos.“Si nos vamos a la historia, sabemos que las brujas eran mujeres autónomas con las cuales muchas feministas en la actualidad nos identificamos, ahora también estamos luchando por nuestros derechos, por nuestra libertad, por nuestros cuerpos, por nosotras y para nosotras, al igual que ellas lo hacían”, concluyó Hernández.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
1. "Oda a la Alegría" de Beethoven - Himno de la Liga de Campeones de la UEFA.Esta obra maestra de la música clásica ha sido adoptada como el himno oficial del torneo y resuena en los estadios mientras los equipos entran al campo. Es un himno que simboliza la unidad y la competencia a nivel europeo.2. "Nessun Dorma" de Puccini - La Copa del Mundo de la FIFALa Copa del Mundo de la FIFA es el torneo más grande y esperado en el mundo del fútbol, y su himno no podría ser otro que "Nessun Dorma" de Giacomo Puccini. Esta aria, interpretada con pasión y emoción, se ha convertido en una parte integral de la experiencia de la Copa del Mundo, evocando sentimientos de unidad y competencia global.3. Zadok, the priest. Premier League en Inglaterra o la Liga de Campeones de la UEFA"Zadok the Priest" es el himno de coronación del Rey Jorge II del Reino Unido y se compuso originalmente para su coronación en 1727. La pieza es la primera de cuatro coronaciones compuestas por Handel y se ha mantenido como una de las obras más destacadas de su catálogo. La letra del himno proviene del Libro de los Reyes del Antiguo Testamento y celebra la coronación de un monarca.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
Post scriptumVan Gogh no murió a consecuencia de un estado delirante definido, sino por haber encarnado el lugar de acción de un problema alrededor del cual se debate, desde los orígenes, el espíritu injusto de esta humanidad, el de la prevalencia de la carne sobre el espíritu, o de cuerpo sobre la carne, o del espíritu sobre uno y otra.¿Y en ese delirio, dónde se encuentra el lugar del yo humano?Van Gogh a lo largo de toda su vida buscó el suyo con excepcional energía y decisión.Y no se suicidó en una crisis de locura por la desesperación de no llegar a encontrarlo, por el contrario, acababa de encontrarlo y de descubrir quién era él mismo cuando la conciencia unánime de la sociedad, para vengarse y castigarlo pro haberse alejado de ella, lo suicidó.Y esto le sucedió a Van Gogh como suele suceder en ocasión de una bacanal, de una misa, de una absolución, o de cualquier otro rito de posesión, de consagración, de sucubación o de incubación.Así esta sociedad se metió en su cuerpo esta sociedad perdonada consagrada santificada y poseída barrió con su conciencia sobrenatural que recién había adquirido, y como una invasión de cuervos negros en las fibras de su tronco interior lo hundió en una última oleada, y ocupando su lugar, lo mató.Ya que es parte de la lógica anatómica del hombre moderno, poder vivir y pensar en vivir, sólo como poseído.El suicidado por la sociedad(…)Pienso que murió a los 37 años porque, ay, había llegado a la culminación de su luctuosa y penosa historia de oprimido por un espíritu maléfico.Pues Van Gogh no abandonó la vida por sí mismo, por efecto de su propia locura.Fue por la coacción, dos días antes de su muerte, de ese espíritu maléfico conocido como Dr. Gachet, psiquiatra profano, causa eficiente, directa y suficiente de esa muerte.Después de leer las cartas de Van Gogh a su hermano, he llegado a la franca y segura certeza de que el doctor Gachet, “psiquiatra”, aborrecía, en verdad a Van Gogh, pintor, y que lo aborrecía como pintor, pero sobre todo como genio.Es inútil intentar ser a la vez médico y hombre honrado, pero es humillantemente imposible ser psiquiatra sin estar marcado a fuego por la más incuestionable insania: la de no poder oponerse a ese antiguo reflejo atávico de la turba que hace que cualquier hombre de ciencia, atrapado en la turba, se convierta en una especie de enemiga nato e innato de todo genio.(…)Acumular cuerpos(…)Yo también, como el pobre Van Gogh, he dejado de pensar, pero organizo, cada día, extraordinarias ebulliciones internas, y sería interesante ver que un médico cualquiera viniera a reprocharme que me fatigo.Alguien adeudaba cierta suma de dinero a Van Gogh, la historia nos dice que Van Gogh se preocupaba desde hacía varios días.Las naturalezas superiores-situadas siempre un peldaño por encima de lo real, tienen la tendencia a interpretar todo por el influjo de una conciencia maléfica, a creer que nada está librado al azar y que todo lo malo que ocurre se debe a una voluntad maléfica, inteligente, consciente y predeterminada.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
La antigua Escuela de Mecánica de la Armada (ESMA) de Argentina --convertida en museo-- entró este martes en la lista, a la que optarán el miércoles los memoriales del genocidio de tutsis en Ruanda y los sitios funerarios de la Primera Guerra Mundial.En una agencia de la ONU con vocación universalista, esta tarea puede ser complicada, máxime cuando la memoria puede teñirse de nacionalismo y convertirse en un objeto de enfrentamiento político cuando afecta a eventos sangrientos o a varios países.En 2015, la inclusión de los sitios de la revolución industrial de la era Meiji en Japón (1868-1912) fue celebrada en el país del Sol Naciente, pero enfadó a China y Corea del Sur, ya que muchos de sus ciudadanos fueron sometidos a trabajos forzados allí. Tras estas polémicas, la Unesco decretó una moratoria sobre la inscripción de nuevos dossieres vinculados a la memoria, que ahora levantó.Las tres nuevas candidaturas "llevan las cicatrices de la Historia", establecen el "vínculo entre el pasado y el presente" y construyen "la consciencia universal de la Humanidad", dijo la semana pasada la directora general de la Unesco, Audrey Azoulay."Memoria colectiva"Los expertos de la ONU se habían mostrado favorables a la inscripción de la ESMA, donde entre 1976 y 1983, durante la última dictadura militar, se torturó y se hizo desaparecer a más de 5.000 personas, según la candidatura argentina."La memoria colectiva es lo que hace que los pueblos no repitan sus historias y que permitan a partir del recuerdo poder avanzar hacia un futuro mejor", subrayó este martes el presidente argentino, Alberto Fernández.Según Buenos Aires, el ahora museo de la ESMA es "un testimonio material y físico de las violaciones de derechos humanos y sirve de condena, prueba y testimonio de los actos de terrorismo cometidos".La Unesco debe debatir el miércoles sobre las otras dos candidaturas memoriales. Ruanda presenta la más simbólica por la magnitud de la tragedia que representa: más de un millón de tutsis fueron masacrados durante cien días de abril a julio de 1994.Uno de los sitios es Nyamata, donde una iglesia católica sirvió de "matadero, en el que se masacraron en un día a más de 45.000 personas que habían buscado refugio", según Kigali.Pero también Murambi, donde el entonces ejército ruandés reagrupó a entre 45.000 y 50.000 tutsis "con el pretexto de garantizar su seguridad", antes de matarlos. Otros dos sitios memoriales, Bisesero y Gisozi, completan la candidatura.La inscripción de estos sitios "es importante desde un punto de vista educativo", para que el genocidio de los tutsis se estudie y se enseñe a las generaciones futuras, dijo a AFP el ministro de Cultura ruandés, Jean Damascène Bizimana. Bizimana aboga por que "este drama sirva para promover la paz", especialmente ante el auge del "negacionismo"."Respeto"El miércoles, unos 140 sitios funerarios de la Primera Guerra Mundial situados en Francia y Bélgica también deberían hacer su entrada en la lista del Patrimonio Mundial. "El respeto de los muertos es un valor compartido universalmente", estima Patricia Mirallès, secretaria de Estado francesa de Antiguos Combatientes.Según el ministerio de Cultura francés, personas de 130 nacionalidades murieron durante este conflicto, que provocó unos 10 millones de muertos y 20 millones de amputados.Durante esta guerra, se decidió además "por primera vez enterrar a los muertos individualmente, cuando se podían identificar", agregó esta fuente.Los principales sitios memoriales ya inscritos en el Patrimonio Mundial son el campo de concentración nazi de Auschwitz-Birkenau y el memorial de paz japonés de Hiroshima.Las tres próximas inscripciones son "un mensaje universal, el de paz", apunta un buen conocedor de la Unesco, en un contexto en que Ucrania denuncia un "genocidio" en curso por parte de Rusia.Pero las luchas sobre la memoria siguen presentes. Entre 1915 y 1916, hasta 1,5 millones de armenios fueron asesinados en el imperio Otomano, según los historiadores y unos treinta países. Ankara rechaza formalmente hablar de "genocidio armenio".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
William Faulkner, uno de los escritores más influyentes del siglo XX, nació el 25 de septiembre de 1897 en New Albany, Mississippi, y murió el 6 de julio de 1962 en Byhalia, Mississippi. Faulkner es conocido por su narración fragmentada y su uso innovador del tiempo y la perspectiva en sus obras. Su técnica narrativa a menudo involucraba la utilización de múltiples narradores, monólogos interiores y saltos temporales, elementos que desafiaban las convenciones literarias de su época.Una de las obras más icónicas de Faulkner es "Mientras Agonizo" (1930), una novela que narra la odisea de una familia para llevar el cuerpo de su difunta madre a su lugar de descanso final. Faulkner emplea narradores múltiples, cada uno con su propia perspectiva y voz, para explorar la disfunción familiar y las tensiones sociales en el sur profundo de Estados Unidos.Otra obra destacada es "El Ruido y la Furia" (1929), que presenta la historia de la familia Compson a través de los puntos de vista de varios personajes, incluido el hermano con discapacidad mental, Benjy Compson. Faulkner juega con la percepción del tiempo en esta novela, desafiando la linealidad convencional y explorando la influencia del pasado en las vidas de los personajes.El uso del lenguaje es otro aspecto distintivo de la escritura de Faulkner. Su prosa a menudo es densa, poética y llena de detalles sensoriales. Emplea un estilo que captura de manera vívida el habla y el pensamiento de sus personajes, como se puede ver en "Mientras Agonizo" con los personajes de Jewel y Darl, quienes hablan en monólogos internos que revelan sus conflictos y obsesiones personales.Faulkner también abordó temas sociales y raciales en sus obras, como en "Luz de Agosto" (1932) y "El Villorrio" (1930), explorando la discriminación racial y las complejas relaciones entre blancos y negros en el sur de Estados Unidos. Su influencia en la literatura posterior es innegable, y escritores como Gabriel García Márquez y Toni Morrison han elogiado su trabajo y reconocido su impacto en la narrativa contemporánea.La escritura de William Faulkner se caracteriza por su estilo narrativo innovador, el uso de múltiples narradores, el juego con el tiempo y el lenguaje poético. Sus obras exploran la psicología humana, la disfunción familiar y las tensiones sociales en el contexto del sur de Estados Unidos, dejando un legado literario perdurable que continúa influyendo en la literatura mundial.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Un archivo con la historia de la persona desaparecida. Con fotos, relatos y objetos. Para contrarrestar en algo la vida silenciada. Y para ser entregado algún día a sus hijos e hijas. Cuando por fin los encuentren.Se trata del Archivo Biográfico Familiar, creado hace más de veinte años por las Abuelas de Plaza de Mayo, y que hoy, convertido en uno de los compendios orales más grandes de América Latina, abre su contenido por primera vez al público.Lo hace a través de una propuesta artística: "La Memoria Futura - Las Voces de las Abuelas", una pieza performática que propone al espectador acompañar diferentes itinerarios guiados por actrices -las Abuelas- que van reconstruyendo, de modo íntimo y cercano, esas vidas truncadas."Son cuatro recorridos que se suceden al mismo tiempo en un espacio al aire libre”, detalla Luciana Mastromauro, alma mater del proyecto, "durante los cuales las actrices van contando, en primera persona, una historia de vida”, indica."Son relatos muy vinculados a la vida de esas personas desaparecidas, como hijas, hijos, sus infancias, sus miedos, sus detalles más únicos y particulares, sus amores, de ellos y ellas y de las abuelas, de las mujeres que fueron sus madres y se forjaron Abuelas, sujetos políticos”, sostiene la dramaturga.Un homenaje y un conjuro"La obra encarna el concepto de que a los nietos y nietas apropiados se les roba su verdadera identidad, pero a sus padres desaparecidos, también se les niega su identidad y su historia: hasta que esos nietos y nietas aparecen, y ambas partes la recuperan con la restitución", destaca sobre la pieza la nieta restituida Claudia Poblete Hlaczik.De allí la trascendencia del Archivo Biográfico Familiar, material documental que da base a la propuesta artística. "El Archivo guarda la historia y la identidad de nuestros padres desaparecidos”, condensa Poblete Hlaczik, entrevistada por DW. "Y cuando nietas y nietos recuperan su verdadera identidad, este les permite conocer a sus padres, que ya no están, a partir del relato de familiares, amigos y amigas, compañeros de militancia y de cautiverio”, explica."Cada entrevista (que conforma el Archivo) nos abre la puerta a un universo familiar, personal e íntimo donde la ausencia cobra centralidad. Son, a la vez, pequeñas piezas de una historia mayor, la del terrorismo de Estado en Argentina y sus consecuencias", contextualizan desde la página oficial del organismo de derechos humanos.Como Poblete Hlaczik, varios cientos de niños fueron apropiados, su identidad cambiada y su verdadera historia silenciada durante la última dictadura que sufrió el país sudamericano. Y muchos de ellos aún no lo saben.Una obra, dos países"La Memoria Futura – Las Voces de las Abuelas", concebida de manera conjunta por las Abuelas de Plaza de Mayo y el Instituto Goethe de Buenos Aires, se presentará tanto en la capital argentina como en Berlín."Las tradiciones comunes de ambos países en relación con sus pasados recientes y sus políticas de memoria, sus puntos en común y sus diferencias nos aportaron nuevas miradas a nuestra propia historia”, revela Mastromauro sobre el trabajo con artistas alemanes.Y, asimismo: "Creo que hay algo en las historias que tienen un carácter universal”, analiza. "Son madres que perdieron a sus hijos e hijas embarazadas a manos de la violencia estatal”, describe."Es fácil -dicho entre comillas- empatizar con estas historias, con el dolor y sus modos de lucha, sorprenderse, fascinarse, conmoverse y entender", concluye convencida de la potencia del mensaje más allá de las fronteras nacionales.La pieza se presentará del 21 al 30 de setiembre en el Parque de la Memoria de la capital argentina, a orillas del Río de la Plata, y el 28 de octubre lo hará en Berlín (en alemán y en español) en el espacio dedicado al teatro independiente Ballhaus Ost.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Dentro de los hallazgos también resalta el petrograbado de un mono, que es idéntico a uno de la cultura nazca en Perú. Por ello, los aficionados a la arqueología han creado la teoría de que esto es posible gracias a un viajero que llevaba de un lugar a otro estas figuras, por lo que también puede apreciarse en zonas arqueológicas de Acapulco la figura de una nave tripulada por un ser colocada por visitantes.“Como aficionados que somos de la arqueología, hemos intercambiado formas y figuras que tomamos aquí en (el estado de) Guerrero y nos han enviado formas iguales que se han encontrado en Perú, en Egipto, en algunos otros lugares de América Latina”, comentó a EFE el investigador y ambientalista Rubén Mendoza.Esta zona arqueológica se ubica a 13 kilómetros del centro de la ciudad, uno de los principales destinos turísticos de México por sus playas.Los hallazgos están en distintas zonas del Cerro de La Bola, lugar donde antes estaba una pirámide de la cultura Yope, que se utilizaba, según la teoría, para rituales relacionados con el agua, las lluvias y la fertilidad.Este sitio tiene como origen los finales del periodo Clásico Temprano (alrededor del año 400 d.C), mientras que el apego tuvo lugar durante el Epiclásico (600-900) y fue abandonada durante el Posclásico temprano (900-1200).A pesar de los años, aún quedan restos de vestigios de la civilización que alguna se asentó en Acapulco, aunque muchos de ellos presentan un gran desgaste provocado por el ácido y pintura que en ocasiones les colocan los visitantes.Para las personas que realizan actividades extremas, esta zona arqueológica ya se ha convertido en un lugar predilecto por ser ideal para escalar porque se encuentra entre los 25 y 275 metros sobre el nivel del mar y tiene aproximadamente 3 kilómetros de altura.Los estudiosos han concluido que la piedra sobre el cerro era una forma de señalización para los antepasados.“Era una señal donde tenían que llegar y tocar esa piedra, para saber que estaban seguros de que el lugar estaba hecho”, enfatizó Mendoza.Para los vecinos, este lugar se ha convertido en algo sagrado, por lo que ellos mismos, junto al Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), cuidan del lugar, por lo que evitan el saqueo y vandalismo de las obras rupestres dentro de la zona.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Gobierno decidió tomar está medida a principios de agosto ante las aglomeraciones que se registraban a primeras hora de la mañana en la entrada del sitio arqueológico, que era visitado por unas 23.000 personas a diario.Por eso, aparte del límite total diario, se restringe también el número de accesos por franjas horarias.“Evidentemente, el turismo es deseable para el país, pero debemos encontrar una forma para que el turismo masivo no dañe el monumento", señaló entonces la ministra de Cultura de Grecia, Lina Mendoni, a la radio privada "Real FM".Los nuevos límites de entrada se aplicarán a modo de prueba a partir de este lunes y entrarán en vigor de forma permanente a partir del 1 de abril del próximo año en la mayoría de los grandes sitios arqueológicos del país, según la ministra.Quienes quieran visitar la Acrópolis tendrán que adquirir sus entradas a través de una plataforma gestionada por el Gobierno, donde podrán elegir también la franja horaria.La Acrópolis de Atenas es Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO.En la cumbre de esta cima se encuentra el Partenón, un templo consagrado a la protectora de la ciudad, Atenea Pártenos, que fue construido entre los años 447 a. C. y 438 a. C.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El emperador azteca Moctezuma dejó algo más que la "venganza" que muchos turistas, en broma, le atribuyen. Es algo muy codiciado tanto en el Viejo como en el Nuevo Mundo: una corona de plumas de 1,75 metros de ancho y 1,16 de alto. Un esplendor en verde y azul, con 374 plumas de la cola del quetzal y un anclaje de más de 1.000 placas de oro. Desde hace décadas, el llamado Penacho de Moctezuma tiene su hogar en el Museo Etnológico de Viena. Y ahí radica el problema: México quiere recuperarlo.Moctezuma II fue un legendario emperador azteca: duro, cruel, dotado para conquistar otros territorios, pero desesperadamente ingenuo en sus tratos con Hernán Cortés, a quien permitió entrar en el país porque había soñado que un hombre blanco con barba liberaría su tierra. Los españoles llegaron en inferioridad numérica. Con una fuerza que no llegaba a 500 hombres -recién desembarcados de Cuba- se impusieron a los 200.000 habitantes de Tenochtitlan, la ciudad más grande del Nuevo Mundo, y la conquistaron. El propio Moctezuma murió en 1520, en circunstancias no aclaradas.De Tenochtitlan a VienaMéxico lleva mucho tiempo exigiendo la devolución de la corona de plumas de Moctezuma. El penacho tiene un gran significado histórico y espiritual para los indígenas mexicanos, por lo que según muchos debería ser devuelto a México. Pero que el penacho proceda realmente de Moctezuma es dudoso, dicen en Viena, y han ajustado todo el marketing y la presencia online del museo como precaución.La historia del penacho aún no está del todo clara. Durante el reinado de Carlos V, que era a la vez emperador del Sacro Imperio Romano Germánico -Austria incluida- y Rey de España, el penacho llegó a Viena tras la Conquista. Primero sin nombre, luego asignado "como sombrero moruno" en 1569 y expuesto por primera vez en el siglo XIX. En 1878, la corona de plumas -en estado desolador y carcomida por la polilla- fue liberada de éstas, restaurada y orgullosamente presentada de nuevo al público.Tesoro saqueadoDesde los años noventa, México empezó a recordarle a Austria de su larga amistad y que México había sido el único país en la ONU que se había opuesto a la anexión de Austria a la Alemania de Hitler en 1938. Austria murmuró vacilante que de alguna manera entregaría el penacho a México si en algún momento se recibía una petición oficial del Congreso mexicano. En poco tiempo ésta estuvo disponible. Pero Austria siguió sin entregar el penacho. En primer lugar, habría que comprobar la posibilidad de transportarlo, dijeron en Viena."No hay problemas bilaterales, salvo el Penacho de Moctezuma", así resumió el entonces presidente de México, Felipe Calderón, las relaciones entre México y Austria en abril de 2004, durante una visita a Viena.Entretanto, Viena hizo restaurar con esmero la corona de plumas durante 2 años. En 2012, se dedicó toda una exposición al penacho. En Viena.Desde hace 30 años, todos los presidentes mexicanos han pedido que se devuelva el penacho. El actual presidente, Andrés Manuel López Obrador, envió a su esposa a Viena en 2021 para reclamar la corona de plumas. En vano.En junio de 2023, López Obrador regañó en una conferencia de prensa la "actitud muy arrogante" de Austria. Allí se afirma "que no se puede trasladar porque se destruiría", declaró al diario de internet Realidades. "Es algo que no tiene sustento, consideramos nosotros. La verdad es que no lo quieren entregar”.El activista mexicano Xokonoschtletl Gómora, de la organización mexicana "Frente Mexicano Pro Derechos Humanos", critica en su página web: "La ballena orca de cinco toneladas "Keiko" de la película "Free Willy" fue transportada viva varias veces en un avión con toneladas de hielo y agua". Según él, transportar el penacho a México sin daños sería pan comido.Mientras tanto, Moctezuma se encontrará en Mictlán, el lugar azteca de los muertos, y seguramente se preguntará cómo, después de 500 años, dos países siguen peleándose por ver quién se queda con un penacho que quizá ni siquiera sea suyo. Y de alguna manera esa podría ser su verdadera venganza.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Me permitiré tomar una licencia, mal respaldada por una de esas frases que proliferan en las redes sociales: "No tengo pruebas, pero tampoco dudas". Y es que conversando con los maestros dramaturgos, que por estos días se encuentran en Bogotá participando del Encuentro Iberoamericano de Dramaturgia organizado por Umbral Teatro; surgió en mi una reflexión en torno al poder y su manifestación en todas las esferas de las relaciones humanas, desde las más pequeñas e intimas hasta las más grandes y colectivas.Sin embargo, no permitiré que esta licencia que he decidido tomar de manera arbitraria se desate sin restricciones. En lugar de eso, la desarrollaré a medida que relato la conversación que sostuve con la dramaturga boliviana Diego Aramburo. Les aseguro que no se trata de un error de redacción, ni que hayan leído mal. Diego es legalmente reconocida como mujer, sin haber efectuado ningún cambio en su cuerpo, su nombre o su orientación sexual. Esta determinación se tomó en el año 2018 después de una profunda reflexión que la llevó a cuestionarse: "¿Qué significa el género para mí? ¿Qué implica la identidad sexual?". Casi de manera fortuita, en sus propias palabras, surgió la percepción de cuán privilegiados son los hombres, como compartió con el diario digital La Razón, de Bolivia.Cuando se le pregunta quién es y cómo define su trabajo, ella encuentra una palabra: “la esquizofrenia, porque dentro del teatro he trabajado teatro de artes expandidas, muy liminal; pero también he trabajado en teatros oficiales con puestas en escena bastante convencionales y las dos formas de hacer teatro me reflejan de alguna forma. Y la esquizofrenia se acentúa cuando mi práctica se establece en lo escénico pero también en las artes visuales”. En su obra se pueden percibir ciertas obsesiones que atraviesan sus motivaciones creadoras, tiene que ver con las culturas y el pensamiento andino del que Diego proviene, al respecto nos aclara" el pensamiento andino era muy avanzado, a occidente le tomó hasta el siglo XX para comprender la existencia del pensamiento cuántico. En nuestras culturas ancestrales eso ya estaba presente desde mil quinientos años antes de Cristo”.En su trabajo, Diego destaca estos modelos de pensamiento que surgen como un poderoso contrapunto al pensamiento hegemónico occidental. Conceptos como la iteración y lo fractal le brindan la posibilidad de experimentar con diferentes formas de pensamiento ycomo resultado “otras formas de generar relato y de organizar la escritura”.En este punto, hago una pausa en lo que respecta al diálogo con Diego, y no puedo evitar conectar sus ideas con las reflexiones de Michel Foucault sobre los límites del poder. Foucault sostiene que el conocimiento es lo que un grupo de individuos comparte para luego establecer lo que se considera la verdad.Esta “verdad” determina y sustenta al poder, permitiendo que se perpetúe a través de las generaciones y estableciendo lo que es correcto, normal y bueno... teniendo esto presente, y apuntando que no es una gran novedad, resalta la posibilidad de crear grietas, a través de la creación artística, en esa enorme estructura de “verdad” que el poder ha venido instalando en nuestras mentes y vidas a lo largo de varios siglos. En un mundo dominadopor los relatos occidentales que nos impactan constantemente a través del cine, la televisión, las plataformas de streaming y las redes sociales; la posibilidad de observar otros puntos de vista y otros modelos de pensamiento es una revuelta a lo que damos por establecido y nos da la oportunidad de revitalizar y cuestionar nuestros paradigmas.Suficiente de licencias autoconcedidas (¿un ejercicio de poder quizás?). En el trabajo de Diego está presente el concepto de decolonialidad, pero prefiere citar al poeta brasileño Oswald de Andrade con su manifiesto antropofágico que propone devorar los valores colonialistas europeos e incorporarlos a la realidad de los pueblos colonizados, para acabar con los sentimientos de inferioridad en relación a esas culturas.Diego enfatiza “yo no voy a negar que tengo las dos vertientes, la ancestral andina y la occidental (...) somos “cheje”, la indefinición que se puede observar cuando vemos un perro callejero corriendo, pero que al mismo tiempo tiene características muy definidas, pero sobre todo una característica de “cosa” viva y en movimiento, que va cambiando (...) así me sitúo, así me siento, es más, me voy sintiendo... así, en transitivo”.“Estoy en un momento en el que le hago una critica bastante fuerte a la academia, por sus hábitos autorreferenciales y eurocéntricos (...) me incomoda lo jerárquico. Que la academia se permita decir “vamos a aceptar o no los saberes ancestrales”. (...) la academia debe saber ubicarsemejor frente a los diálogos que sostiene con los saberes ancestrales y mostrar más respeto”. Diego manifiesta una tensión entre estos dos mundos y su interés radica en tender puentes de comunicación entre ellos, y que permitan generar puntos de encuentro y de entendimiento: “entendamos como podemos tener coincidencias y esas coincidencias van a contener disidencias, eso es muy interesante (...) la desesperada búsqueda posmoderna del consenso continuo nos hizo bastante daño, hay que negociar y encontrar puntos que nos permitan avanzar pero ello va a contener disensos y disonancias, características que se pueden encontrar en la música andina”.Diego estuvo en Bogotá impartiendo un Taller de Dramaturgización en el marco del Encuentro Iberoamericano de Dramaturgia. “La dramaturgización es una práctica que permite organizar los elementos de la obra, (que pueden ser cuerpos en un espacio, textos, fragmentos de historias); la administración de estos elementos para generar mayor dramaticidad, mayor contraste y dirigirse a una tensión que posteriormente se resuelva en la obra”. Este práctica se concentra completamente en la forma en la que el espectador percibe la obra y en como despertar y sostener su atención, “la obra solamente existe en la expectación del público, la obra solo existe y dura lo que dura el proceso de digestión del espectador (...) lo que se proponeen el talleres ofrecer técnicas, herramientas y experiencias que puedan estar al servicio de lo que cada creador o creadora quiera hacer con ello, no son reglas verticales, la tarea del creador es reinterpretarlas constantementeen el momento de su creación”. La propuesta de trabajo que se plantea en el Taller de Dramaturgización resulta ser una contrapartida a los procesos de construcción popularizados por algunos manuales de escritura que pretenden crear reglas fijas y milimétricas en los terrenos de la escritura dramática, el guion e incluso en la narrativa, sin embargo, Diego no los desdeña, propone que “todo eso existe y está bueno saberlo para luego romperlo”.En cuanto a la importancia de los espacios generados por proyectos como el de Punto Cadeneta Punto Taller Metropolitano de Dramaturgia, Diego mencionó lo siguiente: "Las culturas están hechas de pensamiento y producción cultural e intelectual, es un deber de los gobernantes propiciar los espacios que nos permitan producir en el presente más propuestas científicas, artísticas que nos relaten e identifiquen para llevarnos a una siguiente instancia y no quedarnos únicamente con lo que nos legó el pasado(...) de lo contrario nos vamos a disolver en una globalidad espantosa, que solo tiene en común la economía que además es asimétrica”.Así terminó este dialogo con Diego Aramburo que me despertó el deseo de hablar un “algo” respecto al poder, después de todo tenía el poder para hacerlo... ¿tendría también la aptitud? No lo sé, por fortuna también tenía el poder de desechar la idea. Ya veremos que pasará, o pasó, o seguirá pasando.
Heliogábalo fue un emperador romano perteneciente a la dinastía Severa, reconocido tanto por su papel como sacerdote y su nobleza. Gobernó desde el año 218 hasta el 222 bajo el nombre de Marco Aurelio Antonino Augusto, aunque pasó a la historia como Heliogábalo (Elagabalus en latín) mucho después de su fallecimiento.Nacido de Sexto Vario Marcelo y Julia Soemia Basiana, desde su juventud sirvió como sacerdote del dios El-Gabal en Emesa, su ciudad natal que hoy corresponde a Homs en Siria. En el año 217, tras el asesinato del emperador Caracalla, su prefecto del pretorio, Marco Opelio Macrino, tomó el poder. Julia Mesa, tía materna de Caracalla, provocó una exitosa rebelión dentro de la Legio III Gallica para instalar a su nieto mayor, Heliogábalo, como emperador en su lugar. La derrota de Macrino el 8 de junio de 218 en la batalla de Antioquía llevó a Heliogábalo, con tan solo 14 años, al trono imperial, iniciando así un reinado lleno de controversias.Durante su mandato, desafió las tradiciones religiosas y las restricciones sexuales de Roma. Reemplazó a Júpiter, la principal deidad del panteón romano, por su dios asimilado, Sol Invictus (Deus Sol Invictus), e incluso obligó a altos funcionarios del gobierno a participar en rituales en honor a esta deidad, de la cual él era el sumo sacerdote.En medio de una creciente oposición, a la edad de apenas 18 años, fue asesinado el 11 de marzo del 222 y su primo, Alejandro Severo, tomó su lugar en un complot urdido por su abuela, Julia Mesa, y miembros de la Guardia Pretoriana.Heliogábalo ganó una reputación entre sus contemporáneos por su excentricidad, estilo de vida decadente y fanatismo, aspectos que probablemente fueron exagerados por sus sucesores y rivales políticos. Esta imagen negativa se perpetuó en la historia, convirtiendo a Heliogábalo en uno de los emperadores romanos más denostados por los historiadores antiguos. Por ejemplo, Edward Gibbon escribió que Heliogábalo "se entregó a los placeres más viles y a una descontrolada furia". B.G. Niebuhr lo recordó en la historia debido a su "vida indescriptiblemente desagradable".Según Dion Casio, historiador romano del siglo III d.C., relata un encuentro donde un hombre atractivo se dirigió al emperador Heliogábalo como "mi señor emperador", a lo que este último respondió: "No me llames señor, pues soy una dama".Durante siglos, la especulación sobre la identidad de género de quien estuvo al frente de uno de los imperios más poderosos de la antigüedad ha sido motivo de curiosidad y estudio.Sin embargo, el Museo de North Hertfordshire, en Reino Unido, ha anunciado que su exposición sobre Heliogábalo reconocerá su identidad como mujer trans y utilizará los pronombres "ella" y "ellas" al referirse a esta figura histórica.Un portavoz del museo expresó que el uso cuidadoso de los pronombres al identificar a personas del pasado es un gesto de cortesía y respeto hacia ellas.Shushma Malik, profesor de la Universidad de Cambridge, le dijo a la BBC: "Los historiadores que utilizamos para tratar de comprender la vida de Heliogábalo son extremadamente hostiles hacia él y, por lo tanto, no pueden tomarse al pie de la letra. No tenemos ninguna evidencia directa que venga de la mano de Heliogábalo mismo, de sus propias palabras”.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El impresionismo fue un movimiento artístico revolucionario que emergió en la segunda mitad del siglo XIX en Francia. Si bien históricamente se ha asociado principalmente con artistas masculinos como Monet, Renoir y Degas, las mujeres jugaron un papel fundamental en este movimiento, desafiando las normas sociales y culturales de la época para dejar una huella perdurable en la historia del arte.Entre estas destacadas pioneras del arte femenino del impresionismo se encuentra Berthe Morisot. Su obra deslumbrante y su influencia en el movimiento impresionista son innegables. Morisot desafió las expectativas sociales al perseguir una carrera artística exitosa en un momento en que las mujeres artistas enfrentaban barreras significativas. Sus obras, como "Un día de verano", de 1879 y "Mujer en su baño" de 1880, reflejan la maestría en la captura de la luz y la vida cotidiana, elementos característicos del impresionismo.Otra figura destacada es Mary Cassatt, una artista estadounidense que se unió al círculo impresionista en París. Cassatt es conocida por sus conmovedores retratos de la vida familiar y la intimidad materna, como "Niñita en un sillón azul", 1878, y "Maternidad", de 1897. Su técnica magistral y su enfoque en temas íntimos la establecieron como una figura prominente en el movimiento.Además, otras mujeres como Eva Gonzalès, discípula de Manet, y Marie Bracquemond, reconocida por sus paisajes y naturalezas muertas, contribuyeron significativamente al desarrollo y la difusión del impresionismo.Estas mujeres desafiaron los prejuicios de su tiempo y su legado perdura como testimonio de su talento y determinación. A pesar de las dificultades, dejaron una marca indeleble en la historia del arte, enriqueciendo el movimiento impresionista con su visión única y su extraordinario talento artístico.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Cada vez falta menos para la decimoctava edición del Cartagena Festival de Música, que se realizará entre el 5 y el 13 de enero de 2024 y tendrá como temática central la ‘Sinfonía de la Naturaleza’.Los 24 conciertos de esta edición explorarán la relación entre la música y la naturaleza, que produjo obras fundamentales de compositores como Antonio Vivaldi, Edvard Grieg, Ludwig van Beethoven, Claude Debussy y Jean Sibelius, entre otros.Como es su tradición, el Cartagena Festival de Música tendrá en esta edición una orquesta residente, que protagonizará los conciertos sinfónicos que se llevarán a cabo en el Teatro Adolfo Mejía. En esta ocasión, la agrupación seleccionada es el Ensamble Allegria de Noruega, que nació 2007 y está conformado por las primeras cuerdas de las orquestas más importantes de su país.El ensamble, que en Cartagena tendrá como director al también noruego Ingar Bergby, protagonizará seis conciertos en los que interpretará reconocidas piezas como Las cuatro estaciones de Vivaldi, la Sinfonía no. 6 ‘Pastoral’ de Beethoven y Peer Gynt de Grieg.El festival convocará de nuevo a destacados solistas internacionales y nacionales, que son expertos en el repertorio seleccionado. Uno de ellos es el pianista finlandés Olli Mustonen, quien también es compositor y director de orquesta.Mustonen es un amplio conocedor de la música de los compositores del norte de Europa, especialmente Grieg, de quien en Cartagena interpretará el famoso Concierto para piano y orquesta.El grupo de pianistas internacionales se complementa con el ruso-lituano Lukas Geniušas, medalla de plata de los concursos Chopin y Tchaikovsky; el ruso Georgy Tchaidze y el sueco Peter Jablonski, que en su país recibió el reconocimiento Årets Svensk i Världen antes que la célebre agrupación de pop ABBA.Los violinistas invitados serán la noruega Eldbjörg Hemsing, quien se ha presentado en eventos tan importantes como la ceremonia de entrega del Premio Nobel de Paz en Oslo, y el ruso Nikita Boriso-Glebsky, que ha compartido escenario con prestigiosos directores como Valery Gergiev y Krzysztof Penderecki.En la ‘Sinfonía de la Naturaleza’ también participarán el Cuarteto de Cuerdas Nórdico, la mezzosoprano noruega Marianne Beate Kielland, nominada al premio Grammy en 2012, y los italianos Maurizio Leoni (barítono), Stefano Malferrari (piano), Antonello Farulli (viola), Guido Corti (corno) y Aurelio Zarelli (dirección).Además, como se ha vuelto costumbre en cada edición del Cartagena Festival de Música, el musicólogo y pianista italiano Giovanni Bietti protagonizará una serie de conversatorios-conciertos en los que introducirá los repertorios de cada jornada.Estos son los invitados nacionalesEn 2024, el Cartagena Festival de Música reunirá de nuevo a algunos de los más sobresalientes músicos colombianos, como el violonchelista bogotano Santiago Cañón-Valencia y la soprano Julieth Lozano, que ganó este año el premio del público en el concurso BBC Cardiff Singer of the World.A ellos se sumarán la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá, dirigida por Manuel López-Gómez, y la Orquesta Sinfónica de Cartagena, que bajo la batuta de Paola Ávila protagonizará el concierto de cierre.La nómina de artistas colombianos se complementará con el Bogotá Piano Cuarteto, el Cuarteto Q-Arte, la violinista Laura Hoyos y los pianistas Alejandro Roca y Andrés Roa.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El autor nacido en Barcelona dejó de lado los protocolos que reinan en esta feria para montarse en una mesa y conversar de tú a tú con los adolescentes que se acercaron al auditorio Juan Rulfo para escuchar su experiencia con los libros y la literatura.Serra i Fabra aconsejó al público asistente que el tiempo es un cheque en blanco que deben cuidar y “no perder en cosas aburridas”, sino que deben seguir su pasión y lo que les hace ilusionarse.Señaló que para dedicarse a las artes primero deben sentir amor por sí mismos para transmitir la pasión en una obra de arte o un texto.“No puedes transmitir amor si no lo sientes, ni transmitir pasión si no la sientes, un artista explota por dentro para que el que lo lea o vea sienta esa intensidad, tienes que ser capaz de comunicar el calor que llevas dentro”, explicó.El autor de ‘Campos de fresas’ dijo que la lectura lo ayudó a vivir su infancia en una casa con violencia y en una escuela con acoso escolar debido a su tartamudez; la escritura hizo que superara ese defecto del lenguaje porque se dio cuenta que ahí podía narrar a su ritmo y “vomitar” todas las ideas que se le ocurrían.“Leer me salvó la vida, pero escribir me dio un sentido, porque tengo ideas a reventar y porque me encanta hacerlo”, expresó.Aconsejó a los escritores nóveles a mantenerse atentos a todo lo que pasa a su alrededor como si fueran “antenas parabólicas con patas”, pues las historias llegan desde los detalles más mínimos de la vida cotidiana.A pregunta de un asistente, Serra i Fabra recordó su etapa en la música, un mundo que le ayudó a comenzar a escribir de manera profesional como crítico y luego como corresponsal de revistas.Reveló que la música lo acompaña todo el tiempo y que escucha diferentes géneros según el tipo de texto que está escribiendo, aunque confesó que no le gusta la música actual.“Hoy en día echo en falta la melodía en la música, hay patrones rítmicos básicos, gente rapeando con ritmo pero me falta la melodía, además no me gustan las letras de los reguetones contra las mujeres”, concluyó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Estas obras constituyen títulos fundamentales para entender la literatura peruana en el contexto hispanoamericano y mundial del vanguardismo del siglo XX", afirmó la Biblioteca Nacional en un comunicado.Los ocho ejemplares son primeras ediciones, seis de ellas fueron publicadas en vida por el "poeta universal", como llaman en Perú a Vallejo, y dos son obras póstumas, publicadas a partir de manuscritos y borradores conservados por su viuda, Georgette Philippart.Las obras son 'Los heraldos negros' (Lima, 1918. Fondo Antiguo de la BNP); 'Trilce' (Lima, 1922. Fondo Antiguo de la BNP); 'Escalas' (Lima, 1923. Fondo Antiguo de la BNP), 'Fabla salvaje' (Lima, 1923. Colección Raúl Porras Barrenechea de la BNP), 'El Tungsteno' (Madrid, 1931. Colección Aurelio Miró Quesada de la BNP).También 'Rusia en 1931: reflexiones al pie del Kremlin' (Madrid, 1931. Colección Aurelio Miró Quesada de la BNP), 'Poemas Humanos: 1923-1938' (París, 1939. Fondo Intermedio de la BNP) y 'Rusia ante el segundo plan quinquenal' (Lima, 1965. Colección Ricardo Angulo Basombrio de la BNP).La BNP indicó que en términos materiales, estos ejemplares de Vallejo (1892-1938) "presentan singularidades que permiten conocer su historia y procedencia".El ingreso de los libros del peruano en dicho programa se decidió en el Comité Regional de América Latina y el Caribe del Programa Memoria del Mundo de la Unesco, realizada en Santiago de Chile, donde se analizaron 32 postulaciones presentadas por Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Cuba, México, Panamá, Perú, Uruguay y Venezuela.Además, la BNP añadió que el Tratado Preliminar de Paz, Amistad, Comercio y Navegación entre el Perú y el Japón, firmado en 1873 en la ciudad de Edo (actual Tokio), custodiado por el Ministerio de Relaciones Exteriores peruano, también ingresó a este archivo por ser el vínculo más antiguo que une América Latina y AsiaLa Unesco creó el Programa Memoria del Mundo en 1992 para promover la conservación y el acceso al patrimonio documental de la humanidad, ya que diversos factores como la falta de recursos, saqueos, guerras y el comercio ilegal hacen del patrimonio documental un material sensible de ser destruido o extraviado, por lo que radica la importancia de salvaguardarlo.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
