Con distribución de Distrito Pacífico y bajo la dirección de la artista colombiana Claudia Fischer, Wërapara, chicas trans aborda la diversidad, la amistad, la solidaridad y ante todo la identidad de género gracias a un relato que entreteje las historias de mujeres que han elegido vivir a través del amor por su resguardo indígena Karmata Rua, sus sueños y sus expresiones artísticas.Tras su paso por más de 30 festivales de cine en todo el mundo la historia de Marcela, Jaima, Gina, Alexa, Roxana y Pamela, seis mujeres trans de la comunidad indígena Emberá Chami, llegará a cines del país el próximo 22 de junio. Según el comunicado oficial, esta producción cuenta como "Mujeres nacidas en la montaña que representan las flores de la tierra, las cuales demuestran que se puede ser una minoría dentro de una minoría. Su identidad la llevan arraigada a sus corazones, a tal punto que decidieron defender sus diferencias y luchar por los colores con que tejen sus vidas". El documental aborda este grupo de mujeres que juntas han logrado darle visibilidad a sus expresiones artísticas y espirituales, mientras su trabajo como tejedoras y diseñadoras de accesorios típicos de su cultura ha resonado en la vanguardia de la moda en Colombia.Vea el tráiler oficial de Wërapara, chicas trans (2022) aquíEl diseño de modas es una de las pasiones en común de Las wëraparas. Éste proyecto de vida las ha llevado a ser participantes en diferentes pasarelas como El Fashion Case Show del Summer House 2019 de Londres y convertirse en figuras de liderazgo dentro y fuera de su colectividad.Cabe destacar que Claudia Fischer, la directora del proyecto es egresada del École des Beux-Arts, de París, Francia, ha trabajado en varios campos artísticos: pintura, conservación de pintura mural, de caballete, de escultura policromada y altares. También ha sido directora de arte y diseñadora de producción para series de televisión y películas como en Buscando a Miguel (2005) de Juan Fischer; y Retratos en un mar de mentiras (2010) de Carlos Gaviria.Con su ópera prima, el documental Ati y Mindhiwa, que relata la historia de dos hermanas pertenecientes a la comunidad indígena arhuaca de la Sierra Nevada de Santa Marta que llegan a la ciudad de Bogotá a estudiar en la universidad, tuvo un importante recorrido por festivales internacionales. Actualmente se encuentra en la finalización del documental De un mismo árbol, sobre el legado artístico y familiar del artista colombiano Santiago Cárdenas.Puede conocer más sobre los lugares y ciudades que se proyectará el documental en la página web de Distrito Pacífico. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
De hecho, el filme, que se estrena este viernes, está basado en la obra homónima que el escritor estadounidense publicó en 1978 con gran acogida por parte de sus lectores."No es real. No es real. No es real", reza el inquietante eslogan de esta cinta dirigida por el británico Rob Savage ("Host" y "Dashcam") y que cuenta con las actrices Sophie Thatcher ("Yellowjackets") y la jovencísima Vivien Lyra Blair ("Obi-Wan Kenobi") como protagonistas."Recuerdo haber leído la historia cuando era pequeño, así que sabía que podía ser aterradora para el público y aún más para los fanáticos de Stephen King. (...) Quería que esta vez fuera una criatura sangrienta pero que también supusiera una amenaza física contra la que luchar", explicó Savage en entrevista con EFE.La trama relata la historia de la estudiante de secundaria Sadie Harper (interpretada por Thatcher) y su hermana menor Sawyer (Blair) cuando pierden a su madre y no reciben el apoyo necesario por parte de su padre (Chris Messina), un terapeuta que lidia con su propio dolor.Entonces, mientras el pequeño mundo familiar se derrumba, el progenitor ofrece ayuda psicológica a un paciente desesperado que se presenta en su casa acechado por una aterradora entidad sobrenatural que se alimenta del sufrimiento humano."Pregunté a psicólogos reales para que me explicaran mejor cómo interpretar este papel y qué tipo de terapia se supone que estaba aplicando. Además, se notó que el director conocía muy bien el género porque me guio a la perfección", comentó Messina, quien también apareció este año en "Air", en declaraciones a EFE.Una postura con la que coincidió Thatcher, también presente en la conversación con EFE, añadiendo que Savage le recomendó películas como "Don't Look Now" (1973) u "Ordinary People" (1980) para ayudarla a conocer mejor su personaje.Es entonces cuando aparece en escena el coco, hombre del saco o "boogeyman" (en inglés), una criatura que, dependiendo de la cultura, puede adoptar apariencia humana o configurarse como una especie de monstruo con cabeza y dedos alargados que molesta a niños y padres.Estaba previsto que la cinta se estrenara directamente en el servicio de "streaming" Hulu pero, tras una exitosa proyección de prueba a finales del año pasado, se anunció que pasaría primero por las salas de cine.Sus creadores quisieron consultar la visión de Stephen King acerca de esta obra en una maniobra inusitada que pasó por alquilar su cine favorito en Portland (Maine, EE.UU.), ciudad natal del autor, para que la viera como en casa."Él sabe lo que no le gusta y, si le hubiéramos fastidiado la historia, nos lo habría dicho. En cambio, nos envió un precioso ensayo sobre lo mucho que le había gustado la película", aseguró Savage, quien añadió que fue el mismo King el que sugirió que la película se estrenara en cines, públicamente semanas atrás.Scott Beck y Bryan Woods ("A Quiet Place"), así como Mark Heyman ("Black Swan") se encargaron del guion de esta cinta que ha contado con un presupuesto ligeramente superior a los 40 millones de dólares y que encontrará en la película "Spider-Man: Across the Spider-Verse" (Sony Pictures) su principal contendiente en la taquilla del fin de semana.El resto del reparto de "The Boogeyman" lo completan, entre otros, Marin Ireland ("The Umbrella Academy"), Madison Hu ("Bizaardvark"), LisaGay Hamilton ("Vice") y David Dastmalchian ("Boston Strangler").No será la primera vez que esta leyenda aterrice recientemente en el mundo del cine porque Universal Studios lanzó el año pasado la película "The Black Phone" cuyo personaje principal, encarnado por Ethan Hawke, también estaba inspirado en el coco u hombre del saco.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Spider-Man: A través del Spider-Verso", que se estrena el jueves en el mercado latinoamericano y el viernes en Estados Unidos y España, retoma la historia de Miles Morales, mitad negro y mitad latino, utilizando una mezcla de las técnicas de cómics de hace décadas con los últimos efectos visuales.En esta ocasión, la acción transcurre en varios universos paralelos, cada uno de ellos visualizado con su propio estilo animado, desde uno que evoca a una sucia y pintarrajeada Nueva York de los años 90 hasta un caleidoscópico y futurista híbrido entre Bombay y Manhattan.La película contó con tres directores y más de 1.000 artistas, y tiene una duración de dos horas y 20 minutos, inusualmente larga para una película de animación. Sus creadores dijeron a la AFP que el éxito de la primera película, que ostenta la calificación más alta de la historia para una película de superhéroes en el portal especializado Rotten Tomatoes (97%), les "dio permiso para ser aún más atrevidos en este filme"."Siento que tenemos la increíble oportunidad como directores de, básicamente, hacer la mayor película independiente del mundo", dijo el codirector Justin K. Thompson. "Es una película de arte y ensayo, disfrazada de película de superhéroes".El "Spider-Verso"El héroe de la película, Morales, apareció por primera vez en los cómics en 2011, pero llamó la atención del público con "Un nuevo universo", que ganó el Óscar a la mejor película de animación en 2019. Morales comparte una historia similar a la de Peter Parker: mordido por una araña radioactiva, rápidamente despliega sus nuevos poderes para balancearse entre los rascacielos de Manhattan y luchar contra el crimen.Pero su ascendencia diversa y su afición por las zapatillas de moda y la música rap lo diferencian del "tradicional" Spiderman. Todo ello es posible gracias al concepto de "multiverso", en el que diferentes versiones de los mismos personajes existen en dimensiones paralelas, a veces interactuando juntos, que se utiliza en los cómics desde hace décadas.En los últimos años, el multiverso se ha hecho popular también en Hollywood, ya que los estudios de cine alimentan el apetito ilimitado del público por más y más películas de superhéroes, y los guionistas se pelean por explicar cómo es posible que todas encajen."Lo que nos sorprendió de la primera película fue que no hubiera resistencia a la idea de un multiverso, que el público estuviera completamente de acuerdo y no se sintiera confuso", dijo a la AFP Christopher Miller, coproductor de ambas películas. "Permitió a esta película ir a lugares aún más espectaculares, e introducir personajes más inusuales".La primera película del Spider-Verso tenía un Spider-Man detective al estilo del cine negro de los años 30, e incluso un personaje de cerdo Spider-Ham. Esta vez nos encontramos con un punk roquero británico, Spidey, y una elegante versión india.Barrera de dos horasAparte de la complejidad de su trama, que salta de dimensión en dimensión, la nueva película ha llamado la atención por su duración. Mientras que próximos dramas para adultos como "Asesinos de la luna de flores", de Martin Scorsese, y "Oppenheimer", de Christopher Nolan, superan las tres horas de duración, es poco común toparse con películas de animación estadounidenses de más de dos horas.Además, "A través del Spider-Verso" es la primera de dos secuelas, siendo la última "Beyond the Spider-Verse", prevista para el año que viene.Los creadores no se ataron a la idea de que una película de animación debía ser breve, y subrayaron que los momentos "tranquilos" de la primera película, como en los que Miles establece vínculos con su padre y su tío, eran los favoritos de los fans. "Los picos no son tan altos si los bajos no son tan hermosamente bajos", dijo el codirector Joaquim Dos Santos."Esos son los momentos que te estás perdiendo, los momentos que realmente hacen que la película sea especial en primer lugar", añadió el también director Kemp Powers, que figura en los créditos de "Soul" (Pixar). "Por supuesto, si durara seis horas, sería demasiado larga", bromeó.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Nuestra película es un arduo trabajo de investigación de archivo. Se trata de una pieza audiovisual construida a manera de collage con imágenes, repeticiones y memorias rescatadas de los archivos de los noticieros de los años 80 y 90 en el país. Con este documental, Diana Bustamante se abre paso a la dirección, después de una importante experiencia como programadora y luego directora artística del Festival Internacional de Cine de Cartagena-FICCI por seis años (2012-2018) y ser reconocida como una de las más relevantes productoras colombianas en el ámbito internacional, debido a su trabajo en importantes títulos de la cinematografía latinoamericana y mundial como Los viajes del viento (Ciro Guerra, 2009), La tierra y la sombra (César Augusto Acevedo, 2015) y Memoria (Apichatpong Weerasethakul, 2021.Nuestra película ha tenido un notable recorrido por festivales, su estreno mundial se llevó a cabo en DOC NYC (EE.UU.) en noviembre y, posteriormente, su premiere europea en Zinebi - Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao (País Vasco-España), donde participaron más de 148 películas de 47 países, esta edición 64ª le entregó a la directora la mención especial del jurado, convirtiéndola en la primera mujer colombiana en recibir esta mención en la categoría ZIFF - Concurso Internacional ZIFF Zinebi First Film.Vea aquí el tráiler oficial de "Nuestra Película", 2023.“Con Nuestra Película, intenté hacer una película de emociones, es como un viaje que más que detalles históricos busca hacernos viajar por lo que puede ser una memoria turbulenta pero necesaria, pero así mismo quería entrar preguntarme por el sentido de las imágenes que producimos sin medida", declara la directora sobre la realización del documental.Nuestra Película también ha sido parte hasta ahora de festivales como Rencontres Cinémas d'Amérique Latine de Toulouse 35º, el Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente - BAFICI y en el Festival Internacional de Cine Documenta Madrid, entre otros; todos ellos de especial relevancia en las apuestas formales en su programación.El estreno mundial se llevó a cabo en la Muestra Internacional Documental de Bogotá - MIDBO 2022, como señaló la directora, “primero la casa”. Una proyección a sala llena, con una emotiva recepción fue el abrebocas de lo que se vivirá a partir del 1 de junio en las salas de cine colombiano.La película es una coproducción entre Burning y Dublín Films de Francia, y será distribuida por Doc:Co. estará en la programación de la Cinemateca de Bogotá, la Cinemateca del Museo La Tertulia, el MAMM Museo de Arte Moderno de Medellín, Cine Colombia, entre otras.En paralelo a su estreno en Colombia, Nuestra película estará presente en el Festival Internacional de Cine de la UNAM -FICUNAM en la sección Atlas, un panorama mundial de lo más destacado del cine de autor, siendo este su estreno mexicano con dos funciones especiales. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"En el teatro te tienes que expresar con cada célula que tienes. Cada parte del artista se usa y eso para mí es necesario, es regresar a donde nací como artista", relata el actor graduado de la Academia Juilliard de Nueva York.Isaac no pisaba un escenario desde 2017 y ahora, desde finales de abril, se enfrenta a los de Broadway con la obra "The Sign in Sidney Brustein's Window", de 1964, de la dramaturga Lorraine Hansberry.Según comenta, actuar en vivo frente a un público que constantemente cambia es una actividad que le recuerda mucho a su época de músico como integrante de la agrupación de ska-punk The Blinking Underdogs. "Es bastante similar, (con una banda) tocas las mismas canciones cada noche pero siempre se siente diferente dependiendo la audiencia", explica Isaac.Entrada al universo arácnidoEn contraposición al teatro, donde tiene todas las herramientas de expresión, Isaac se adentra en el doblaje en la segunda película de la saga de animación del hombre araña, Spider-Man, que sumerge a los espectadores a distintos universos paralelos.En "Spider-Man: Across the Spider-Verse", el intérprete da vida a Miguel O'Hara, la versión más oscura y seria del superhéroe, que tendrá que enfrentarse al protagonista, Miles Morales, otro de los hombres arácnidos, en su lucha por cambiar el curso de su destino. "Aunque solo sea con la voz, hay muchas posibilidades de crear un personaje", considera el actor, que antes había participado en la cinta animada "The Addams Family 2" (2022).Isaac también ha formado parte de grandes franquicias como Star Wars y X-Men y ahora, con O'Hara, se suma al universo arácnido en el largometraje dirigido por Joaquim Dos Santos, Kemp Powers y Justin K. Thompson, que llegará a los cines el 2 de junio.Aunque le emociona formar parte de proyectos tan icónicos de la cultura pop, confiesa que cuando le llegan las propuestas de trabajo más que centrarse en la popularidad de estas sagas piensa en el personaje en cuestión. "La atracción nunca viene de la franquicia, siempre viene de cuál es la historia y la vida que vamos a contar", señala el actor de 44 años nacido en Guatemala y radicado en Estados Unidos.De O'Hara le llamó la atención el misterio que envolvía al hombre de raíces mexicanas e irlandesas, así como la emocionante transformación por la que atraviesa en el filme. "Cuando vemos a Miguel por primera vez es oscuro, serio y está contenido, pero cuando termina la película es como un animal, es un poco como un vampiro. Fue muy interesante ver cómo iba cambiando el personaje y perdiendo el control", relata.Además, confiesa que le cautivó la diversidad que planteaba la primera que, de forma disruptiva, mostró que Miles Morales, un joven afroamericano con raíces puertorriqueñas, también podía ser Spider-Man, algo que suele ser un tema de discusión "tóxico entre los fans", considera. "En la primera película se cuestionaban ¿quién tiene el derecho de ser este personaje?, esto es una pregunta hasta política, y la respuesta era que cualquiera podía ser Spider-Man. Ahora la pregunta es, ¿qué haces cuando tienes la máscara puesta?", dice.Finalmente, Isaac celebra el éxito y reconocimiento que los actores latinos han alcanzado en los últimos tiempos, pero le emociona de forma especial el de su "hermano" Pedro Pascal, a quien considera un artista "honesto y auténtico"."Ya le tocaba, ya está viejito. Ver que por fin le están dando el reconocimiento que merece y saber que es un ejemplo para otros artistas latinos me da mucho orgullo", apunta.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
La humanidad existe en clave de lo inexplicable y, algunas veces, el asombro proviene de los hombres que crean a los mitos. Pensamos que son los grandes nombres las únicas leyendas y, sin embargo, estamos acá preguntándonos por la figura de un ejecutivo muerto en los años 80. Quizá el misterio sea que no hay nada más tras los relatos de héroes que otros hombres y mujeres que lo hicieron posible.“Spinning Gold” (Disco de oro), dirigida por Timothy Scott Bogart, cuenta la vida de Neil Bogart, un promotor musical originario de Brooklyn que tuvo la osadía de creer en un motown (ese género creado por la Motown Record Corporation como exploración artística del soul) más libre y menos blanqueado por las disqueras a medida que arrasaba con las listas, en el potencial del blues soul para encarnar el espíritu de la lucha de los derechos civiles, en una banda de rock como Kiss que fue considerada en sus primeros discos más como una experiencia visual que musical fracasando en sus primeros tres álbumes de estudio, en el funk como género imprescindible y fundacional o en lanzar una canción de 17 minutos cantada por una desconocida Donna Summer, plagada de alegorías sexuales en una época donde los sencillos no pasaban de los tres minutos, y mucho menos, la libertad sexual era un tema aprobado por la sociedad para ser explotado artísticamente para las grandes masas.Protagonizada por Jeremy Jordan (Bonnie & Clyde), Michelle Monaghan (Mission Impossible franchise), Lyndsy Fonseca (Kick-Ass), Dan Fogler (The Walking Dead), Sebastian Maniscalco (The Irishman), Jason Issacs (Harry Potter), Peyton List (Charmed), James Wolk (Mad Men; YouAgain); además de los comediantes Jay Pharoah y Chris Redd, de Saturday Night Live, utiliza recursos teatrales para liberar a la historia de la necesidad de mantener una estructura lineal, permitiendo intervenciones musicales y saltos temporales dentro de la vida de Bogart. Así nos enteramos de su infancia en medio de los suburbios en Brooklyn, sus primeros empleos que fueron desde mánager a protagonista de películas para adultos, hasta cantante que hace parte del relegado grupo de los “one hit wonder” con “Bobby” una canción con la que vencería en las listas a Elvis, también agente de empleos y finalmente manager general de Buddah Records donde conocería a The Isley Brothers que ostenta el récord de ser la banda más longeva del mundo manteniendo su actividad desde 1954 con Roland Isley como líder y la agrupación Gladys Knight & the Pips, con la emperatriz del soul a la cabeza, quién tiempo después se convertiría en la ganadora en siete ocasiones del Grammy.El recorrido de la historia de Bogart llegará finalmente a 1973 y su aventura con Casablanca Records junto a sus amigos Cecil Holmes, Larry Harris y Buck Reingold entre deudas, incertidumbre y por supuesto, un amor irremediable por la música que lo llevará al borde de sí mismo. “Neil Bogart era mi padre, y esta película es mi carta de amor para él y los artistas musicales que ayudó a presentar al mundo (…) Me tomó más de veinte años, pero finalmente puedo contar la historia de cómo se liberó de esos humildes comienzos para definir la música de una generación, y finalmente se convirtió en el visionario al frente de la legendaria Casablanca Records”, ha declarado el director en el evento de estreno de la película. Por supuesto, como todo lo escrito en clave de nostalgia suele tener un halo de exaltación. ¿Pero qué tentación de la memoria no termina así? No obstante, la película sale bien librada. Sin esto solo sería la historia más de un empresario que se hace millonario apostándole a su intuición. Hay un cuidado especial que no permite el eclipse entre figuras. Si bien Jordan lleva toda la carga narrativa al ser un biopic contado a partir de un monólogo, sería fácil para el espectador quedarse obnubilado ante la aparición de los artistas. Sin embargo, existe un equilibrio que reparte los reflectores en los 137 minutos de filme, encontrándonos a Wiz Khalifa como George Clinton, Jason Derulo como Ron Isley de los Isley Brothers; la nominada al Grammy, Tayla Parx, como Donna Summer; Pink Sweats como Bill Withers, la multipremiada Ledisi, como Gladys Knight y Alex Gaskarth como Peter Criss. Y como invitados especiales Sam Harris como Paul Stanley y Casey Likes como Gene Simmons.Esta cinta es también una historia que nos muestra que la música es un negocio conformado por muchas más personas que las que vemos arriba de un escenario, sin el ánimo de ser reivindicativa o política. Es una película para ver agitando el pie, llevando el ritmo como una línea demencial de bajo y disfrutando de algunas de las mejores canciones de la historia como Ain't No Sunshine, Beth, Love To Love You Baby, Foosteps in the Dark, Pts 1 & 2, I Was Made For Lovin' You, entre otras, que lo hacen un soundtrack envidiable para cualquier filme. La película se estrenará en salas del país el próximo 18 de mayo con distribución de Cine Colombia. Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este impulso de compañías como Disney, con la versión humana de "The Little Mermaid" ("La Sirenita"), o Warner Bros., con el superhéroe mexicoamericano "Blue Beetle", no ha sido casual, puesto que estudios como el Informe de Diversidad en Hollywood 2023 de la Universidad de California (UCLA) demuestran que las audiencias están más interesadas en contenidos plurales.Las películas estrenadas en 2022 que contaron con un elenco en el que, al menos, uno de cada tres actores procedía de alguna minoría tuvieron mayor éxito en taquilla, mientras que los filmes que solo tuvieron dicha representación en una décima parte fueron los que percibieron los peores ingresos, según la investigación de UCLA. Además, la comunidad negra, latina y asiática supusieron la mayoría de las ventas nacionales de las entradas de cine."Aunque hay progresos, hemos visto que Hollywood siempre hace el menor esfuerzo para alcanzar la diversidad", dijo Ana-Christina Ramón, directora de la iniciativa de Investigación sobre Entretenimiento y Medios de Comunicación de la UCLA y coautora del informe, en declaraciones a EFE.Desde su punto de vista, las normas de diversidad que han dictado reputadas organizaciones de cine, como la Academia de Hollywood, marcan estándares muy fáciles de alcanzar que no siempre satisfacen las verdaderas necesidades de un mundo globalizado. "Existe un mal entendimiento por parte de los ejecutivos en torno a sus audiencias, en especial la latina. También es importante que exista más diversidad en los puestos de poder, no solo frente a la pantalla", añadió.Pequeños triunfos y grandes rezagos Los avances en la inclusión han sido más tangibles para las personas de la comunidad negra, que supone el 12,4 % de la población estadounidense, que han ganado terreno en la gran pantalla al punto de haber sido sobrerrepresentados en 2022, apuntan datos de la UCLA.Para Claire Sisco King, profesora de estudios de Comunicación de la Universidad de Vanderbilt, esta disparidad con respecto a otras comunidades es resultado de la estrecha visión que se tiene de lo que es en realidad la diversidad en el país. "En Estados Unidos cuando se habla de problemas raciales se suele reducir a términos de blancos y negros y claro que es importante, pero no deberíamos solo centrarnos en esto, hay otros grupos que sufren discriminación (asiáticos, latinos, indígenas, comunidad LGBT+, personas con discapacidad, etc.)", planteó.Si bien Ramón aplaude los esfuerzos de dicha comunidad por generar sus propios proyectos, asegura que sus logros siguen estando en la superficie, al no haber alcanzado victorias relevantes en los puestos de liderazgo.Los latinos, infrarrepresentados Pese a ser la minoría más grande de Estados Unidos y conformar el 18 % de su población, las metas de representación para la comunidad latina siguen vislumbrándose lejanas: tan solo un 5,5 % de ellos estuvo al frente de las pantallas de cine y un 6,6 % en el "streaming", mientras que solo el 1,1 % dirigió un proyecto para cine y un 5 % para plataformas.La reticencia a la inclusión también se ha vivido por parte del público, quienes han criticado los cambios que historias clásicas han enfrentado en las nuevas versiones audiovisuales. El ejemplo más claro es la ola de comentarios racistas y crueles que se desataron tras el anuncio de que la sirenita Ariel sería interpretada por la actriz afroamericana Halle Bailey.Otro ejemplo similar es el de los actores Ismael Cruz Córdova (Puerto Rico) y Sophia Nomvete (Inglaterra) de la serie "The Lord of the Rings: The Rings of Power", quienes fueron señalados por su color de piel en redes sociales. "Las personas se quedan atadas a las representaciones de lo que han visto en el pasado y tienen una visión muy cerrada de lo que es la diversidad. Por eso son importantes los ejemplos de filmes que nos hacen repensar las narrativas que la cultura blanca ha perpetuado", comentó Cisco.Robert Thompson, profesor de la Universidad de Siracusa y fundador del Centro Bleier para la Televisión, cree que no solamente es válido el cambio físico o argumental en las historias clásicas, sino que incluso es "necesario". "Una de las formas de mantener vivos los relatos y a los personajes es volviéndolos a contar en diferentes contextos para que se mantengan relevantes en el tiempo que viven", mencionó, y explicó que cuando se trata de ficción no es necesaria la reproducción de productos pasados.Finalmente, Ramón expuso que la representación en la pantalla es "vital" para el desarrollo de las colectividades y la creación de identidad de quienes las conforman. "Los medios son un espejo del mundo para saber cómo es que te percibe la sociedad y si eres valorado. Si un grupo no es representado es una forma de decirles que no son importantes para la sociedad", apuntó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Lo importante no es el capital y las ganancias, sino el aspecto humano", dice el intérprete, quien recientemente estrenó el filme "Air", la primera cinta de la compañía que lidera junto con su amigo, el también actor Matt Damon.Affleck confiesa sentir empatía por la lucha de los escritores de Hollywood, quienes el pasado 1 de mayo comenzaron una huelga indefinida para exigir mejores condiciones de trabajo ante los cambios que ha afrontado la industria del entretenimiento en los últimos años. "Para nadie es un secreto que el 'streaming' ha cambiado la economía de este negocio. Una de las razones por las que empecé esta empresa era para tratar de impulsar el talento de los artistas y darles la compensación adecuada por ello", explica.Aunque las producciones en las que está trabajando actualmente ya tienen los guiones escritos y están en una fase avanzada del proceso de realización, teme que el conflicto se agrave y cause los mismos daños que otras huelgas similares en el pasado. "Todo sería más dramático para nosotros si estuviéramos trabajando en series de televisión, pero sin guionistas no podemos desarrollar nuevos proyectos ni se pueden llevar a cabo reescrituras, lo que es peligroso para la industria", apunta.Trabajar entre familiaDamon y Affleck vivieron el primer éxito cinematográfico de sus carreras en 1997, cuando ambos aún estaban en sus veintes y escribieron y protagonizaron el filme "Good Will Hunting". La película consiguió nueve nominaciones a los premios de la Academia dándoles así su primer Óscar en la categoría de mejor guion y ese fue tan solo el inicio de una trayectoria llena de logros para ambos.Casi tres décadas más tarde, los actores volvieron a trabajar juntos en "Air", que llegará a Prime Video el 12 de mayo, una cinta basada en hechos reales sobre el origen de la línea de calzado Air Jordan. La película retrata el reto que encara Sonny Vaccaro (Damon), un empleado de la firma Nike, que busca cerrar un trato comercial con el entonces novato jugador de baloncesto Michael Jordan.Affleck dirigió la cinta y dio vida al fundador de la firma deportiva, Phil Knight, un hombre lleno de contrastes que le permitió mostrar la contradicción del mundo empresarial con humor. "Knight era un empresario apasionado al que le gustaba romper las reglas, pero a su vez tenía que dirigir todo un negocio. Yo pensaba que normalmente a la gente le gusta burlarse de los jefes, entonces me parecía fundamental darle un toque cómico", resalta."Air" fue bien recibida por el público y la crítica especializada, y el autor de "Argo" solo puede adjudicarle dicho éxito al talento del elenco también conformado por Viola Davis, Jason Bateman, Chris Tucker, entre otros. Pero no deja de reconocer el talento de su socio. "Matt es un actor y escritor brillante, él siempre hace que todo sea mejor, yo solo me cuelgo de su grandeza", afirma.Affleck también trabajará con su esposa, la actriz y cantante Jennifer Lopez, pero esta vez como productor de una cinta dedicada a Anthony Robles, el luchador estadounidense que nació con una sola pierna."Siempre es mejor trabajar con la gente que te hace sentir cómodo, ya sea tu mejor amigo o tu esposa, son personas en las que confías y que generan un ambiente de empatía en el trabajo que siempre es importante", considera.Finalmente, el actor confiesa que en la actualidad elige trabajar en proyectos que se enfocan en la complejidad de la humanidad, antes que pensar en el triunfo que puede o no tener un filme. "Tal vez no son los roles que te convertirán en una estrella de cine, pero son los que hacen que la vida sea más interesante", dice.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los próximos 11, 13 y 14 de abril las puertas de la Cinemateca se abren para todo el público con una programación especial, el Centro Cultural de las Artes Audiovisuales está cumpliendo 52 años y ha decidido celebrarlos con funciones gratuitas y proyecciones de cine colombiano. “La Cinemateca de Bogotá cumple 52 años provocando a través del cine y el audiovisual. Provocando conversaciones, debates, reflexiones y actos alrededor de un cine independiente: de calidades diversas y de búsquedas narrativas y estéticas que cuestionan el canon. Bogotá y Colombia transitan desde esta Cinemateca por otro medio siglo de ser una ventana al mundo y de transformar miradas y pensamientos sobre el quehacer audiovisual, las prácticas culturales e industriales, la importancia de un archivo vivo, el desarrollo de audiencias, y sobre las obras, movimientos y autores. Y ampliando la posibilidad de crear y auto narrarse de ciudadanos y ciudadanas creativas y activas en la generación de relatos”, afirma Ricardo Cantor Bossa, director de la Cinemateca. La programación del martes 11 de abril está compuesta de nueve películas colombianas. En primer lugar, Amparo, que abarca la historia de una madre en búsqueda de su hijo y su negación ante la situación del servicio militar. Se presentará a las 3:00 p.m. en la Sala Capital. Por otro lado, Cantos que inundan el río, dirigida por Germán Arango, cuenta la historia de Oneida y de aprendió la tradición del alabao: cantos ancestrales de los pueblos negros para acompañar a las animas en su tránsito al más allá. Estará a las 4:00 p.m. en la Sala 2. También estará Nijolė, la huella de la existencia, un retrato íntimo de la artista lituano-colombiana Nijolė Šivickas y de la extraordinaria relación con su hijo Antanas Mockus, filósofo, político, matemático, ex alcalde de Bogotá y ex candidato presidencial de Colombia. Estará a las 4:30 p.m. en la Sala 3. La jauría también se presentará el 11 de abril a las 5:00 p.m. en la Sala Capital. Esta película dirigida por Andrés Ramírez Pulido cuenta la historia de Eliú quien está pagando una condena por asesinato y debe reconstruir la escena del crimen que quiere dejar en el pasado. En la Sala 3 a las 6:30 p.m. se presentará Del otro lado, "después de los acuerdos de paz, la guerra entre las FARC y el Estado parecía haber terminado, pero siento que la situación dista mucho de ser estable. Mi hermano y yo comenzamos a investigar el secuestro de nuestra madre", cuenta la sinopsis de la película. Otra de las películas que se presentará el 11 será Memoria del director tailandés Apichatpong Weerasethakul, grabada en Colombia y protagonizada por la galardonada Tilda Swinton; estará en la Sala Capital a las 7:30 p.m. Otra producción que se presentará es Si dios fuera mujer, dirigida por Angélica Cervera Aguirre tendrá función a las 8:00 p.m. en la Sala 2. Y finalmente Los conductos de Camilo Restrepo tendrá función a las 8:30 pm en la Sala 3.Además, el 13 de abril se presentará Se llamaría Colombia de Francisco Norden y el 14 de abril, el título Cada voz lleva su angustia de Julio Bracho, estas dos obras audiovisuales estarán en su versión restaurada y el ingreso es libre reclamando boleta en la taquilla hasta completar aforo.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Julio Cortázar, autor argentino conocido por sus obras innovadoras y experimentales, era un amante de los libros. Su biblioteca personal era extensa y diversa, con una amplia gama de géneros y autores. Cortázar veía su biblioteca como un espacio sagrado, un refugio donde podía sumergirse en diferentes mundos literarios y encontrar inspiración para su propia escritura. Para él, los libros eran mucho más que meros objetos, eran compañeros íntimos y fuentes de conocimiento. Cortázar solía decir: "La biblioteca es una extensión de uno mismo, una especie de tesoro personal que revela quién eres y quién quieres ser". Uno de sus libros favoritos era Ulises, de James Joyce. Cortázar se sentía fascinado por la complejidad narrativa de esta obra maestra, su estructura fragmentada y su exploración de la conciencia humana. Leía y releía cada página con avidez, maravillándose ante las múltiples capas de significado y las sutilezas lingüísticas que Joyce había tejido magistralmente. Cortázar era un apasionado de la poesía y tenía una predilección por los poemas de Arthur Rimbaud. Las imágenes vívidas y la musicalidad de sus versos lo transportaban a un mundo de sensaciones y emociones intensas. Rimbaud despertaba en Cortázar una fascinación por la rebeldía y la búsqueda de la belleza en todos sus aspectos. Este era un autor repetido en su biblioteca. En la primavera de 1993, Aurora Bernárdez, su primera esposa y albacea literaria, puso la biblioteca personal de Cortázar al cuidado de la Fundación Juan March, de Madrid. Desde entonces está allí a disposición de estudiosos y público general.Jorge Luis Borges tenía una relación única con su biblioteca personal. Después de volverse ciego, su biblioteca se convirtió en su mundo imaginario. Aunque no podía leer los libros físicamente, conocía cada uno de ellos en detalle. Borges solía afirmar que cada libro de su biblioteca era una puerta hacia otro universo, un laberinto infinito de ideas y conceptos. Para él, la biblioteca era un lugar de ensueño donde podía explorar las vastas dimensiones de la literatura sin restricciones. Borges expresó una vez: "Mi biblioteca personal es mi jardín secreto, un espacio donde el tiempo y el espacio se desvanecen, y solo existen las palabras eternas".Uno de los libros más queridos por Borges era Don Quijote de la Mancha, de Miguel de Cervantes Saavedra. Para Borges, la obra de Cervantes era un laberinto literario, una exploración profunda de la realidad y la ilusión, que trascendía las fronteras de la ficción. Él admiraba la figura del ingenioso hidalgo y su lucha contra los molinos de viento, símbolo de la quimera y la valentía en el enfrentamiento contra lo irreal. En su libro Lectores (1974) Borges escribió "Sé que hay algo inmortal y esencial que he sepultado en esa biblioteca del pasado en que leí la historia del hidalgo. Las lentas hojas vuelve un niño y grave sueña con vagas cosas que no sabe". Se sabe que también libros como La odisea, de Homero o Las elegías de Duino, de Rainer Maria Rilke eran libros imprescindibles en su biblioteca Gabriel García Márquez, el apremio Nobel de Literatura, también tenía una biblioteca personal notable. García Márquez valoraba enormemente la tradición literaria y la influencia de otros escritores en su trabajo. Su biblioteca estaba llena de obras clásicas de la literatura universal, pero también contenía textos relacionados con la historia, la política y la cultura latinoamericana. García Márquez creía que un buen escritor debía ser un ávido lector y consideraba su biblioteca como una fuente infinita de aprendizaje y crecimiento. Solía decir: "Un escritor sin una biblioteca es como un pájaro sin alas, carece de las herramientas necesarias para volar alto en la imaginación".El libro Veinte poemas de amor y una canción desesperada era una joya en su biblioteca. Los versos apasionados y melancólicos de Neruda resonaban en su corazón y le recordaban la belleza y la intensidad del amor y la vida. Además, García Márquez tenía una admiración especial por William Faulkner y su novela El ruido y la furia. Esta obra, que explora la decadencia de una familia sureña desde diferentes perspectivas, fascinaba a García Márquez por su estilo narrativo innovador y su exploración de la psicología humana. Faulkner inspiraba a García Márquez a desafiar las convenciones literarias y a buscar nuevas formas de contar historias.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK.
El festival fue creado por el actor Robert De Niro tras los atentados del 11 de septiembre de 2001 para ayudar a revitalizar el sur de Manhattan, pero después dos décadas se ha convertido en un gran evento para creativos del cine -y, cada vez más, de otras disciplinas- con puntos de vista y proyectos tan diversos como la propia ciudad.Esta edición, que se celebra entre hoy y el 18 de junio, acogerá más de un centenar de películas, la mayoría estrenos mundiales, y llama la atención que muchas de ellas son largometrajes documentales que cuentan en primera persona los entresijos del mundo de la música de la mano de reconocidos cantantes y grupos.La cinta elegida para la gala de apertura es "Kiss the future": dirigida por Nenad Cicin-Sain y producida por Ben Affleck y Matt Damon, se centra en el concierto que dio U2 en Sarajevo en 1997 para celebrar la liberación de la capital bosnia y en la comunidad artística que trabajó por hacerlo posible. Aunque no está prevista una actuación de la banda irlandesa en Tribeca, su cantante Bono hizo acto de presencia en el estreno mundial en la Berlinale el pasado febrero, por lo que no habría que descartar sorpresas.Lo que sí es seguro, según la programación, es que subirán a un escenario unas cuantas figuras musicales para complementar las primeras emisiones de sus películas, poniendo una suerte de banda sonora que amenaza con eclipsar el interés en los aspectos más puramente cinematográficos.Larga lista de historias musicalesLa primera es Gloria Gaynor, protagonista de "Gloria Gaynor: I will survive" (9 junio), filme que habla de cómo la cantante ha sobrevivido a las cuatro décadas posteriores a su gran éxito musical entre problemas de salud, abusos de su ahora exmarido y mala gestión de su carrera, y se prepara para lanzar un nuevo álbum de góspel.Cyndi Lauper actuará tras el estreno de "Let the canary sing" (14 junio), en el que repasa sus orígenes humildes y ascenso profesional; y Carlos Santana saldrá al escenario tras la proyección de "Carlos" (17 junio), que cuenta su historia y recoge imágenes inéditas.En "Scream of my blood: a Gogol Bordello story" (13 junio), Eugene Hütz, líder de la banda de punk Gogol Bordello, explora la influencia de sus orígenes ucranianos y gitanos, y de acontecimientos desde la caída de la Unión Soviética hasta la invasión rusa de Ucrania.El rapero French Montana actuará tras estrenarse "For Khadija" (16 junio), que aplaude los "sacrificios de su madre soltera", y las Indigo Girls, el premiado dúo de folk rock, hablará tras la proyección de "It's only life after all" (14 junio), que ahonda en sus 35 años de amistad, arte y activismo.Los documentales musicales de Tribeca no se centran solo en nombres famosos: "Uncharted" (10 junio) entra en el campamento de composición musical creado por Alicia Keys para mujeres jóvenes negras, y cede los focos a sus protagonistas bajo la supervisión de la conocida cantante en un acto posterior.Y "Bad like Brooklyn dancehall" (8 junio) ahonda en la popularización de este género en la Nueva York de los 80 y los 90 gracias a los inmigrantes jamaicanos, con la actuación prevista de dos leyendas que colaboran en la cinta: Shaggy y Sean Paul.Frente a todos estos títulos, "Maestra" despunta con una exploración de las expectativas de género en música clásica, siguiendo a un grupo de mujeres que participan en una competición para ser directoras de orquesta.La lista sigue y sigue, con películas sobre la banda Milli Vanilli, el rapero Biz Markie, el cantante Marc Rebillet, la rapera Tierra Whack, la cantante y actriz Sara Bareilles, el artista polifacético Taylor Mac, e incluye una proyección de "Wild Styles" por el 50 aniversario del género hip-hop.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Los tres científicos fueron galardonados por los avances logrados para entender el papel esencial que juegan los microorganismos en la salud y el bienestar humano, y para encontrar aplicaciones a la hora de buscar nuevos tratamientos efectivos contra las bacterias resistentes a los antibióticos.Bassler (Chicago, 1962) dijo sentirse "muy emocionada" por el "gran honor" de ser reconocida con este premio, que agradeció tanto a los reyes de España y a la princesa Leonor como a la institución que concede los galardones."Espero con ilusión celebrar el hecho de descubrir, la creatividad y los logros junto con ustedes y la comunidad que han alentado", manifestó la galardonada, que, al igual que Greenberg, centró sus investigaciones en la forma que tienen las bacterias de comunicarse entre ellas mediante la emisión de ciertas sustancias.Greenberg (Nueva York, 1948) aseguró sentirse "sorprendido y encantado" con un galardón que considera un honor recibir junto a sus colegas Jeff Gordon y Bonnie Bassler y agradeció a la Fundación Princesa de Asturias que reconozca los logros de los grandes científicos que formaron parte de su equipo de investigación a lo largo de varias décadas."Estoy emocionado de unirme a los otros galardonados para celebrar la creatividad con ustedes el próximo octubre”, señaló, en alusión a la fecha de entrega de los ocho Premios Princesa de Asturias durante una ceremonia que se celebra en el Teatro Campoamor de Oviedo (norte de España).Por su parte, Gordon (Nueva Orleans, 1947) trasladó su agradecimiento por un "magnífico premio, que cuenta con un extraordinario elenco de galardonados"."Como tal, me siento profundamente honrado y extremadamente agradecido por su reconocimiento al trabajo en equipo de tantos estudiantes, personal y colegas talentosos con los que he tenido la suerte de haber compartido este viaje y de quienes he aprendido a lo largo de los años", agradeció Gordon, pionero en el descubrimiento y comprensión del microbioma humano.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La programación de eventos entre julio y noviembre puso una vez más de manifiesto la extraordinaria colección del MET, tanto histórica como geográficamente, que le permite adentrarse en propuestas que a otros museos les costaría una enorme cantidad de recursos, y le permite además un fructífero intercambio de piezas con casi cualquier museo del mundo."No hay museo en el mundo con tal diversidad de programas", proclamó el director del MET, Max Hollein, en un desayuno para la prensa en el que presentó un calendario marcado por la "ambición curatorial", según dijo.Esta ambición se traduce en tres exposiciones sobre maestros de las vanguardias modernistas: una sobre los orígenes del fauvismo ("El vértigo del color", a partir de octubre), otra comparativa sobre Manet y Degas (a partir de septiembre), organizada en colaboración con el museo parisino de Orsay y una tercera sobre Picasso y Brooklyn (a partir de septiembre).Esta última exposición presentará un capítulo poco conocido del cubismo: el encargo del coleccionista de arte, pintor y crítico estadounidense, Hamilton Easter Field, a Picasso de un conjunto decorativo destinado a la biblioteca de su casa de Brooklyn.Pero junto a ellas caben otras muestras sobre arte coreano, cerámica Pueblo mexicana, arte e imaginería política estadounidense de los años treinta y la fotografía de Maxime Du Camps en sus viajes por Oriente Próximo, entre otras propuestas.Destacan por su riqueza y originalidad la muestra "África y Bizancio", que presenta cómo entre los siglos III y VII el arte procedente del norte de África, principalmente tardorromano pero también nubio, influyó en la configuración de la imaginería religiosa bizantina, y posteriormente fue Bizancio la que ejerció una influencia visible durante siglos en el arte etíope.La exhibición (que se inaugura en noviembre) constará de 200 piezas entre las que hay textiles egipcios, mosaicos tunecinos, iconos etíopes y abundante joyería bizantina o cofres ricamente adornados.Otra original exposición, que será inaugurada el 21 de julio, será la de "Árbol y serpiente", sobre los orígenes del arte budista en el sur de la India, con piezas procedentes de varios museos indios, algunas de ellas recién excavadas por arqueólogos y nunca antes exhibidas.Serán piezas que van desde el siglo II a.C. hasta seis siglos después, e incluirán algunos objetos romanos en diálogo con los indios que demostrarán que hubo una interinfluencia mayormente desconocida entre las estéticas de ambos mundos, como podrá verse en varias esculturas.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Arranca nuestro equipo de RTVC y la Radio Nacional. Busco ligar la televisión pública a la juventud, la cultura y a la producción de cine y audiovisuales”, anunció en su cuenta de Twitter el presidente Gustavo Petro en una foto acompañado por Hollman Morris y Nórida Rodríguez, este martes 6 de junio.El nombre del periodista fue habitual en los nueve meses que duró el Sistema de Medios Públicos RTVC con dirigencia interina, hasta que el pasado mes de mayo, fue anunciada la actriz y abogada Nórida Rodríguez como gerente. Morris hará parte del equipo en el cargo de subdirector.Es importante destacar que la noticia de su nombramiento dentro de la entidad encargada de administrar los contenidos culturales y educativos de Señal Colombia, Canal Institucional, Radio Nacional de Colombia y Radiónica junto a la red de canales regionales del país fue anunciada el pasado 19 de mayo por Mauricio Lizcano, ministro de las TIC, institución bajo la cual está RTVC. Morris nació en Bogotá, el 17 de agosto de 1969. Es periodista de la Universidad Javeriana, productor, director de televisión, escritor y político, además de becario en la Universidad de Harvard y en la Fundación National Endowment for Democracy (NED), en Washington. También ha sido exconcejal de Bogotá y exgerente de Canal Capital, precisamente cuando Gustavo Petro fue Alcalde de la capital del país. El nombramiento ha provocado reacciones dentro de organizaciones de mujeres y activistas feministas debido a la vinculación de Morris en denuncias por violencia sexual, específicamente contra la periodista María Antonia García de la Torre, e intrafamiliar contra su exesposa Patricia Casas.Estas investigaciones fueron archivadas por la Fiscalía en marzo de este año. Con su nombramiento, también se descarta su participación a la alcaldía de Bogotá en las próximas elecciones locales de octubre. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
