Dudamel llevó al escenario al rapero Common, al guitarrista y exjugador de los Yankees Bernie Williams y a varios estudiantes de música como parte de la celebración de la orquesta.La gala fue un anticipo de la próxima dirección del maestro venezolano en la orquesta más antigua de Estados Unidos, que empezará en la temporada 2026-27, cuando ponga fin a su puesto al frente de la Filarmónica de Los Ángeles tras 17 temporadas."Estoy totalmente convencido de que el futuro de la sociedad comienza con la educación de los jóvenes", dijo Dudamel a los asistentes."Estoy muy emocionado por nuestro futuro juntos", agregó, en referencia a su aterrizaje en Nueva York.Aunque aún no está al frente de la orquesta de la Gran Manzana, ya ha comenzado a trabajar en la configuración de su programación.La incorporación de Dudamel, de 43 años, fue un golpe de efecto para la filarmónica neoyorquina, fundada en 1842 e resuelta en los últimos años a modernizar su imagen.La dirección de la entidad invirtió 550 millones de dólares en la renovación de la sala David Geffen, su sede en el Lincoln Center de Manhattan.Dudamel calificó la música de "derecho humano fundamental" e hizo hincapié en el rol "trascendental" que "puede desempeñar en la vida de los jóvenes". El director invitó a varios estudiantes de música para que tocaran junto a los artistas de la compañía.También subió al escenario la estrella del hip-hop Common, que rindió homenaje a las raíces del género en Nueva York antes de interpretar con la orquesta canciones como Glory, tema que ganó un Oscar con la película Selma.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Bernie Williams, quien jugó 16 temporadas en el equipo de béisbol de los Yankees de Nueva York además de ser un consumado guitarrista, interpretó una composición de jazz.Como muchas instituciones de música clásica, la Filarmónica de Nueva York lleva años intentando renovar su imagen, que algunos críticos han tachado de demasiado elitista.Durante su estancia en Los Ángeles, Dudamel estrechó lazos con Hollywood al tiempo que se catapultaba su fama, acercando la música clásica a oídos quizá poco familiarizados con el género, incluso intimidados por todo lo que lo envuelve.Nacido el 26 de enero de 1981 en Barquisimeto (Venezuela), hijo de un trombonista y una profesora de canto, Dudamel cultivó su talento gracias al programa de educación musical venezolano El Sistema.Cuando se mudó a Estados Unidos, quiso llevar todo ese conocimiento a los más pequeños, y creó la Orquesta Juvenil de Los Ángeles, conocida como YOLA, siguiendo el modelo de El Sistema."Tenemos que educar a la gente, pero de la mejor manera, no poniendo el arte en un pedestal inaccesible", dijo a los periodistas el año pasado en una rueda de prensa en la que se presentó como próximo director musical y artístico de la Filarmónica de Nueva York."Cuando le das un instrumento a un niño, le estás dando belleza, le estás dando la oportunidad de crear su propio mundo", afirmó.Su actuación del miércoles fue una confirmación de esa visión de futuro, con los jóvenes músicos como máxima prioridad.Es una apuesta por crear un "futuro en el que todos nos sintamos seguros, en el que todos nos sintamos escuchados", dijo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Filarmónica de Viena anunció este miércoles que el director alemán Christian Thielemann ha sido reconocido como "miembro de honor" por su vinculación con la orquesta desde hace 24 años.Thielemann ha dirigido el prestigioso concierto de Año Nuevo en dos ocasiones, 2019 y 2024, y ha sido una presencia constante en los últimos años tanto en los conciertos de los filarmónicos en el Musikverein como en el Festival de Salzburgo, además de liderar giras por Japón, China, Europa y Estados Unidos."Christian Thielemann nos ha acompañado durante muchos años en una profunda colaboración artística, especialmente destacada en el repertorio sinfónico", señaló Daniel Froschauer, presidente de la Filarmónica, en un comunicado."Es uno de los directores que más se identifica con nuestra orquesta", agregó Froschauer.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Con Thielemann, la orquesta grabó varias sinfonías de Beethoven y, durante la pandemia, inició el trabajo en estudio para un ciclo de sinfonías del compositor austríaco Anton Bruckner.En 2024, coincidiendo con el 200 aniversario de Anton Bruckner, se lanzó por primera vez en la historia de la orquesta el ciclo completo de 11 sinfonías del compositor.Thielemann es uno de los directores de orquesta más importantes de la actualidad. Desde 2012 ha sido director musical de la Staatskapelle de Dresden, cargo que también tuvo en el Festival de Bayreuth de 2015 a 2020.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Davis era especialmente conocido en el Reino Unido tras una larga trayectoria al frente de la Orquesta Sinfónica de la BBC, que dirigió en muchas ocasiones durante la popular serie de conciertos conocidos como Proms, que se celebran cada verano en el Royal Albert Hall.Sir Andrew se distinguía además por su sentido del humor, que desplegaba con frecuencia en sus discursos al público de los conciertos.Davis tuvo el infrecuente honor de conjugar al mismo tiempo, al final del siglo XX, la dirección de la orquesta de la BBC y del festival de ópera de Glyndebourne, el más reputado de su estilo en el Reino Unido.El músico llevaba dos años luchando contra la enfermedad, que se recrudeció poco después de su 80 cumpleaños, el pasado 2 de febrero.La Royal Opera House de Londres mostró su pesar a través de un mensaje en la red social X y recordó que "durante cinco décadas estuvo al frente de varias de las instituciones sinfónicas y operísticas del mundo".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Davis realizó su debut con la sinfónica de la BBC en 1970 y fue el directo de la Orquesta Sinfónica de Toronto entre 1975 y 1988, de la de la BBC de 1989 a 200 y de Glyndebourne de 1988 a 2000.También fue el director principal de la Ópera Lírica de Chicago de 2000 a 2021 y de la sinfónica de Melbourne de 2013 a 2019.Nacido en 1944 en Hertfordshire, al norte de Londres, tocó el órgano en el coro parroquial de Watford y posteriormente comenzó a dirigir.Fue nombrado caballero en 1999 y su última aparición pública tuvo lugar el pasado diciembre, cuando dirigió el Mesías de Handel con la Orquesta Sinfónica de Chicago.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Lalo estudió desde temprana edad violín y violoncello en el Conservatorio de Lille y cuando su padre se opuso a que siguiera la carrera musical seriamente, Édouard dejó su hogar a los 16 años y se trasladó a París. Por un tiempo estudió en el Conservatorio y privadamente, mientras ganaba dinero como violinista y profesor. Entabló amistad con Delacroix y tocó en algunos conciertos de Berlioz. También compuso dos sinfonías, (que al parecer destruyó) y publicó algunos romances.En contra de la moda, Edouard Lalo se interesaba por la música de cámara. Hacia 1853 ya había compuesto dos tríos con piano, un medio rechazado en la Francia de la época, y en gran parte fue gracias a él, que la música de cámara resurgió dentro de los salones parisinos. Lalo fue cofundador del Cuarteto Armingaud e interpretó los cuartetos de Haydn, Mozart, Beethoven, Mendelssohn y Schumann, primero en la viola y luego en el segundo violín. Su propio cuarteto data de 1859.Tras un periodo de poca productividad, Édouard Lalo comenzó en 1866 la composición de una ópera llamada Fiesque, la que nunca fue presentada. No obstante, empleó mucho material de ella para posteriores obras, como la Sinfonía en sol menor y el Divertissement.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La fama como compositor de Édouard Lalo se extendió durante la década de 1870 con la presentación de varias partituras instrumentales. La formación de la Sociedad Nacional y el apoyo de Pasdeloup, Lamoreux, Colonne, Sarasate y otros, le dieron la oportunidad de desarrollar sus ambiciones como compositor de música orquestal dentro de una tradición esencialmente germana.Sarasate estrenó el concierto para violín en fa mayor en 1874 y la Sinfonía Española en 1875. El concierto para cello se presentó en 1877, la Fantasía Noruega en 1878 y el Concierto Ruso para violín en 1879. A pesar de este exitoso trabajo dentro del ámbito orquestal, Lalo siguió buscando sucesos en la ópera. En 1875 comenzó a escribir Le Roid’Ys, en 1881 ya estaba casi lista y extractos orquestales se presentaban en distintos escenarios, pero ningún teatro se interesó y la Opera de París, quizá como consuelo, le encargó un ballet.En 1888 por fin Édouard Lalo pudo estrenar El Rey de Ys, con enorme éxito en la Opera Cómica. Su estilo eminentemente francés, la claridad, el color y la fuerza de la orquestación hicieron de Lalo el primero de la escuela sinfónica francesa en la segunda mitad del siglo XIX.Pero algunos años antes, en 1873 compuso una de sus más populares obras: La Sinfonía Española. Esta es una de las obras más apreciadas por los violinistas y dedicada a Pablo de Sarasate que la estrenó en 1875.Esta obra que en verdad no es ni una sinfonía, ni un concierto, se puede definir como una suite en la que se integran el solista y la orquesta a lo largo de cinco movimientos.Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Édouard Lalo en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 22 de abril a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Agamenón, Clitemnestra, Ifigenia y Aquiles nos acompañan en una nueva edición de Canto y Música Coral por la señal en vivo de la HJCK. Este domingo a partir de las nueve de la noche, escucharemos Ifigenia en Aulide, la primera ópera sobre un argumento en francés, que el compositor alemán Christoph Willibald Gluck presentó en París, hace 250 años, el 19 de abril de 1774.Willibald es conocido principalmente por sus contribuciones al desarrollo de la ópera, particularmente por su influencia en la reforma de la ópera seria. Una de sus obras más famosas es Orfeo ed Euridice (Orfeo y Eurídice), estrenada en 1762. Esta ópera marca un hito en la historia de la ópera, ya que representa un cambio significativo en el enfoque hacia una mayor expresividad emocional y simplicidad dramática.Gluck también colaboró con libretistas influyentes como Ranieri de' Calzabigi, quien compartía su visión de una ópera más natural y emocional. Juntos, crearon obras como "Alceste" y la obra que hoy presentará la HJCK, Iphigénie en Aulide, en las que continuaron promoviendo sus ideales de reforma operística.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Esta última fue la primera obra que Gluck escribió sobre un texto en francés y, además, para un público francés. El compositor no perdonó a su público al considerar que sus cantantes no estaban preparados y pospuso el ensayo general al que debía asistir la Corte, con la presencia del Rey y la Reina.Esta fue su manera de afirmar el rango que ostentaba el arte sobre la etiqueta. Ni el público ni los miembros del tribunal estaban acostumbrados a ser tratados con tanta severidad. A pesar de todo esto, Ifigenia, como sabemos, disfrutó de un gran éxito, pues cumplía el deseo expresado por Diderot de que algún día la Clitemnestra de Racine y su hija Ifigenia fueran musicalizadas de una manera que coincidiera con la nobleza melodiosa y la melancolía excepcional que el poeta les había conferido.Es cierto que el personaje proviene de la mitología, pero está dotado de la elocuencia y la noble familiaridad del ser humano. Con Ifigenia en Aulide, Gluck simplemente regreso a Racine, a su pasión y noble sencillez, un regreso a la tragedia clásica como modelo de ópera, despojada de los adornos en los que se encontraba.La versión de Ifigenia en Aulide con música de Christoph Willibald Gluck cuenta en su reparto con artistas como José van Dam, Anne Sofie von Otter, Lynne Dawson, John Aler, Bernard Deletré, Gilles Cachemaille, René Schirrer, Guillemette Laurens, Isabelle Eschenbrenner y Anne Monovios. A ellos los acompañan el Coro Monteverdi y la Orquesta de la Ópera de Lyon, bajo la dirección de John Eliot Gardiner.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 21 de abril a las 9:00 p. m. por la señal en vivo de la HJCK.
Ludwig van Beethoven, sin duda alguna, es uno de los compositores más influyentes en la historia de la música clásica. Su legado abarca una amplia gama de obras maestras, pero son sus sonatas para piano las que destacan como algunas de las composiciones más icónicas y revolucionarias de su tiempo. En este artículo, exploraremos algunas de las sonatas más famosas de Beethoven, que han dejado una marca indeleble en el mundo de la música clásica.Sonata para Piano No. 14 en Do sostenido menor, Op. 27, No. 2, "Claro de Luna"Conocida comúnmente como la "Claro de Luna", esta sonata es una de las obras más reconocibles de Beethoven. Compuesta en 1801, esta pieza captura la esencia del Romanticismo con su atmósfera evocadora y su melodía conmovedora. El primer movimiento, Adagio sostenuto, presenta un delicado y fluido flujo de notas que establece el tono melancólico de la pieza. La famosa sección de tercer movimiento, Presto agitato, contrasta con la serenidad del primer movimiento, exhibiendo la capacidad de Beethoven para crear dramatismo y emoción en su música.Sonata para Piano No. 8 en Do menor, Op. 13, "Patética"Esta sonata, apodada "Patética", es otra de las obras más conocidas de Beethoven. Compuesta en 1798, esta pieza es un ejemplo temprano del estilo expresivo y poderoso que caracterizaría muchas de las obras posteriores de Beethoven. El primer movimiento, Grave - Allegro di molto e con brio, establece de inmediato un tono sombrío y dramático que continúa a lo largo de la obra. El segundo movimiento, Adagio cantabile, ofrece un respiro de la intensidad del primero, con una melodía lírica y emotiva. El tercer movimiento, Rondo: Allegro, regresa con fuerza y energía, concluyendo la sonata con un final emocionante y triunfante.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sonata para Piano No. 23 en Fa menor, Op. 57, "Apassionata"La "Apassionata" es una de las obras más virtuosísticas y apasionadas de Beethoven. Compuesta en 1804, esta sonata es un ejemplo sobresaliente de la madurez artística de Beethoven y su habilidad para fusionar la expresión emocional con la técnica pianística avanzada. El primer movimiento, Allegro assai, comienza con un tema poderoso y enérgico que establece el tono apasionado de la pieza. El segundo movimiento, Andante con moto, ofrece un momento de calma relativa antes de que el tercer movimiento, Allegro ma non troppo - Presto, regrese con fuerza y vigor, llevando la sonata a una conclusión emocionante y explosiva.Sonata para Piano No. 21 en Do mayor, Op. 53, "Waldstein"La "Waldstein" es una de las sonatas más innovadoras y expansivas de Beethoven. Compuesta en 1804, esta pieza es un ejemplo notable de la capacidad de Beethoven para explorar nuevas formas y estructuras musicales. El primer movimiento, Allegro con brio, presenta un tema brillante y virtuoso que establece el tono optimista de la obra. El segundo movimiento, Introduzione: Adagio molto - Attacca, ofrece un momento de contemplación antes de que el tercer movimiento, Rondo: Allegretto moderato - Prestissimo, regrese con energía y vitalidad, concluyendo la sonata con un final jubiloso y triunfante.Estas son solo algunas de las sonatas más famosas de Beethoven, pero cada una de ellas ofrece una ventana fascinante hacia la mente creativa de uno de los compositores más grandes de todos los tiempos. A través de su música, Beethoven logró trascender las barreras del tiempo y el espacio, dejando un legado perdurable que continúa inspirando e impactando a oyentes de todas las generaciones.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Neville Marriner inició su formación musical en el Royal College of Music, la escuela musical situada en Kensington, Londres y los continuó en el Conservatorio de París. Neville Marriner llegó a ser profesor titular en la Royal Academy of Music a partir de 1949, alternando dicha labor con su desempeño en el Martin String Quartet como primer violinista.En 1956 se convirtió en principal de los segundos violines en la Orquesta Sinfónica de Londres, en la que permaneció hasta 1968, y tocó bajo los principales directores del momento: Furtwängler, Stokowski, Krips, Cantelli o Monteux, que sería también su maestro.No podemos hablar de Neville Marriner sin referirnos a la Academy of Saint Martin in the Fields, la orquesta de cámara británica con sede en Londres que Marriner fundó y de la cual fue su presidente hasta 1994 cuando John Heley asumió el cargo. El nombre del grupo proviene de la iglesia St Martin-in-the-Fields, de Trafalgar Square, donde la orquesta dio su primer concierto el 13 de noviembre de 1959.Las actuaciones iniciales, como orquesta de cuerda en la Iglesia St. Martin-in-the-Fields, jugaron un papel clave en la reactivación de las actuaciones barrocas en Inglaterra. La orquesta se ha ampliado para incluir instrumentos de viento. Se mantiene flexible en el tamaño, cambiando su composición para adaptarse a su repertorio, que abarca desde el barroco hasta las obras contemporáneas.En 1999 dentro de la serie Figuras del pentagrama de RFI, el colombiano Juan Carlos Jaramillo realizó una semblanza musical de la orquesta de cámara de Academy of St. Martin-in-the-Fields de Londres y una entrevista con su fundador, Sir Neville Marriner quien habló de los orígenes de la orquesta y su importancia en la difusión de música barroca, de la vida musical en distintas partes del mundo y del proceso de selección de los integrantes de la agrupación, entre otros temas.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Neville Marriner fundó la Academy of St Martin in the Fields, con el propósito, revolucionario en su época, de recuperar los repertorios, muy poco explorados por entonces, del clasicismo y el barroco a partir de criterios que pretendían aproximarse a las músicas de aquellos periodos desde el rigor musicológico e interpretativo.Marriner fue honrado dos veces por sus servicios a la música; en 1979 se le concedió el título de Comendador de la Orden del Imperio Británico y en 1985 se le concedió el título honorífico de Caballero.Su técnica de dirección sobre el podio tendía a la economía de gestos y a los matices puramente expresivos. Uno de los aspectos más destacados de su modo de dirección es la maravillosa claridad que sabía obtener de los distintos planos orquestales, permitiendo que el oyente escuche todas y cada una de las notas escritas en la partitura.Sir Neville Marriner continuó dirigiendo hasta los noventa años, convirtiéndose en el director de orquesta de mayor edad de un concierto de Proms en 2014, a los 90 años.Podrá escuchar obras maravillosas del director Neville Marriner en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 15 de abril a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Johann Strauss compuso con El murciélago su obra maestra. Cada número musical se convirtió en un gran éxito. La única duda que podría plantearse es el género al que pertenece esta obra. Ante todo, a la ópera cómica, que se aproxima en muchos puntos a la opereta, la zarzuela española y la comedia. Cualquiera que sea el género en que se sitúe El murciélago, es la culminación de la opereta: Rebosa humor e ingenio, energía y alegría de vivir.Aquí el argumento y acción de esta opereta cómica que trascurre en Viena, en el siglo XIX.La obertura es una brillante fantasía orquestal sobre algunas de las mejores ocurrencias de la partitura. Adelanta la atmósfera de baile, pero también algunos motivos líricos y grotescos.El primer acto transcurre en la casa del señor de Eisenstein. Adele, la criada, ha obtenido de su hermana Ida, que es bailarina de ballet, una invitación a un baile en el palacio del príncipe ruso Orlowsky. Por lo tanto, no sólo tiene que inventar ante Rosalinde la excusa de que debe cuidar por la noche a una tía enferma, sino que debe sustraerle un hermoso vestido a su ama. Sorprendentemente, Rosalinde concede la autorización solicitada, con más prontitud que de costumbre.Su esposo, el señor von Eisenstein, debe presentarse esa noche en la prisión para cumplir una leve condena por ofensas a la autoridad. En la calle se oye la victoriosa voz de tenor del cantante de ópera Alfred, su antiguo admirador, que le canta una serenata. Eisenstein está furioso porque un descuido de su abogado, el doctor Blind, lo obliga a cumplir el castigo, pero su humor mejora visiblemente cuando el notario, el doctor Falke, su amigo y compañero de numerosas aventuras, va a invitarlo a la fiesta de Orlowsky.💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Eisenstein se viste de gala, lo que no deja de sorprender a Rosalinde. ¿De frac a la prisión? Eisenstein se despide con ternura, aunque muy distraído, de su esposa, que a causa del canto de Alfred en la calle tampoco está demasiado atenta.Sospechosamente alegre, Eisenstein se dirige a la prisión. Aunque sin imaginar que será la víctima, pues Falke, a quien una vez, después de un baile de máscaras, hizo volver a casa disfrazado de murciélago en pleno día, ha trazado un plan para vengarse. Apenas se ha ido el señor de la casa, entra Alfred. El cantante, que desde hace años corteja a Rosalinde, aunque con escaso éxito, comienza a ponerse cómodo en la casa de Eisenstein, a pesar de las protestas, no muy enérgicas, de la mujer.Beben tranquilamente mientras entonan la canción que tanto por el texto como por la melodía se ha vuelto casi proverbial: “Dichoso quien olvida lo que no se puede cambiar...”.El idilio es interrumpido por Frank, el director de la prisión, para poner personalmente entre rejas a su ilustre huésped, el señor von Eisenstein. Al ver al varón acariciando a su esposa, Frank asume que tiene que ser el hombre a quien viene a arrestar, pues ¿quién otro podría a tales horas estar en casa y en esa situación?Alfred vacila un instante, pero no puede comprometer a Rosalinde. Se deja llevar a la prisión, no sin despedirse con afectuosos besos de su esposa.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral el próximo domingo 15 de abril a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La sonata es una composición musical estructurada en varias secciones o movimientos que tuvo su auge durante el período clásico, en el siglo XVIII. Le presentamos algunas de las sonatas más conocidas actualmente y dónde las ha escuchado. ."Sonata Patética" (Op. 13) Compuesta por el alemán Ludwig van Beethoven, esta obra fue escrita entre 1798 y 1799, cuando el compositor apenas tenía 27 años. Destacada por su intensidad emocional y su atmósfera dramática, la sonata consta de tres movimientos: Grave - Allegro di molto e con brio, Adagio cantabile y Rondo: Allegro.Siendo una de las obras más destacadas de Beethoven, algunos de los movimientos de la Sonata Patética han permeado en la cultura popular a través del cine. Por ejemplo, el movimiento Adagio fue incluido en la banda sonora de películas como La edad de la inocencia de Martin Scorsese, El mundo perdido: Jurassic Park de Steven Spielberg y Mujercitas de Greta Gerwig."Sonata para piano en do mayor" (K. 545)Conocida como "Sonata fácil", esta sonata fue compuesta por el artista austríaco Wolfgang Amadeus Mozart en 1788 y hace parte de una de sus obras más notables. Consta de tres movimientos: Allegro, Andante en Fa mayor y, por último, Rondo en Do mayor, Allegretto.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Esta pieza es apreciada por su accesibilidad y su belleza melódica, lo que la convierte en una obra popular tanto para intérpretes como para oyentes. Hechizo del tiempo, una de las comedias románticas clásicas de los noventa tiene parte de esta obra en su banda sonora."Sonata en si bemol mayor" (D. 960)El austríaco Franz Schubert compuso esta, su última sonata durante los últimos meses de su vida en 1828, poco antes de su fallecimiento el 19 de noviembre a los 31 años. Esta pieza, destacada del Romanticismo, está integrada por cuatro movimientos: Molto moderato, Andante sostenuto, Scherzo: Allegro vivace con delicatezza - Trio y Allegro ma non troppo.La última obra de Schubert hace parte de un trío de sonatas, a las que se suman sus sonatas para piano en do menor D. 958, en la mayor D. 959. "Sonata para Piano en Do sostenido menor, Op. 27, No. 2"En este punto cabe destacar que Beethoven compuso 32 sonatas para piano, siendo esta otra de las más conocidas en la cultura popular. Mejor conocida como “Claro de luna” fue compuesta en 1801 y publicada en 1802.La obra consta de tres movimientos: Adagio sostenuto, Allegretto y Presto agitato. Este último tuvo gran influencia en la obra del compositor polaco Frédéric Chopin. Si le resulta familiar esta obra, tal vez es porque hace parte de la película de Roman Polanski, El Pianista."Sonata para piano en la mayor" (K. 331) Quizás la más famosa de este listado, la Sonata para piano en la mayor de Wolfgang Amadeus Mozart fue compuesta en 1783 durante su estancia en Viena. Consta de tres movimientos: Andante grazioso, Menuetto - Trio y Alla Turca: Allegretto.Este último se caracteriza por su ritmo enérgico y su carácter festivo y es más conocido como Rondó Alla Turca.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Si el Estado no apoya y contribuye a la cultura, el futuro es realmente peligroso", advirtió Argerich, quien también cuenta con la nacionalidad suiza, país donde reside habitualmente.Las Becas Martha Argerich, creadas en 2021 y otorgadas por el departamento de Cultura del Gobierno argentino, tienen la finalidad de ayudar a jóvenes músicos de las Orquestas Infantiles y Juveniles de los barrios populares.Según Argerich, los docentes forman a estos jóvenes con "indudable seriedad, dedicación y mucho amor"."Lamentablemente, las autoridades del gobierno nacional de mi país decidieron interrumpir las Becas (que debieron comenzar en febrero de este año) y despidieron a esos, y otros profesores de las Orquestas Infantiles (...) Están privando a los jóvenes de la oportunidad de tener un brillante futuro musical", consideró la pianista de 82 años.Argerich, una de las pianistas más reconocidas del mundo y una destacada intérprete del repertorio de compositores como Chopin, Liszt, Bach o Schumann, aseguró que ella misma recibió el apoyo del Estado Argentino en su juventud.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."(El apoyo público) fue fundamental para mi formación y posterior carrera artística", dijo.Además, la pianista lamentó que el Ejecutivo de Milei esté "quitando el apoyo a numerosos espacios de la cultura"."Si no se apoya la cultura, el futuro de los niños y jóvenes, y de todo el pueblo, corre peligro. Confío en que las autoridades vuelvan a pensar en continuar de alguna forma con estos programas", concluyó Argerich.Por su parte, el secretario de Cultura de Argentina, Leonardo Cifelli, se mostró sorprendido por las quejas de Argerich y confirmó a la prensa local que está particularmente interesado en la continuidad del programa de Becas Martha Argerich y que hablaría personalmente con la intérprete para aclarar la situación.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
No obstante, acudirá a ella el propio mandatario, quien presentará el domingo 12 de mayo su última publicación, Capitalismo, socialismo y la trampa neoclásica, según confirmó la Fundación El Libro, organizadora del certamen.Según los datos manejados por la Fundación, las ventas editoriales cayeron en Argentina entre un 20 % y 30 % en el primer trimestre de este año.Para incentivar que el público pueda comprar en esta edición, que se celebra del 25 de abril al 13 de mayo, la Fundación logró del Estado la exención de impuestos para los libros importados que se pongan en venta en el predio de La Rural, en el porteño barrio de Palermo.Será una manera de paliar las contracciones, aunque datos oficiales indicaron que la industria argentina de edición e impresión cayó el año pasado un 3,8 % y en el primer bimestre de este año acumuló una caída del 5,7 %.De acuerdo con el informe anual de producción de la Cámara Argentina del Libro (CAL), durante 2023 hubo 24.690 publicaciones en papel, lo que representa una tirada total de más de 47,9 millones de ejemplares, pero una bajada del 24 % respecto de 2022.En esta oportunidad, la Feria del Libro tendrá como ciudad invitada de honor a Lisboa (Portugal) y contará con el discurso inaugural de la escritora argentina Liliana Heker, de 81 años, que en diálogo con la prensa local ya adelantó que hará alusión "al ataque que se está haciendo a toda la cultura".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El presidente de la Fundación El Libro, el escritor Alejandro Vaccaro, ya se había mostrado previamente crítico con el Gobierno nacional, que por primera vez no formará parte de los pabellones de la feria: "Hay en el imaginario colectivo una sensación de que este Gobierno es sumamente hostil a todas las manifestaciones culturales", afirmó en rueda de prensa.Entre las actividades del certamen habrá homenajes a los autores argentinos Adolfo Bioy Casares y Julio Cortázar -por el 110° aniversario del nacimiento de ambos y el 25° de la muerte del primero, y al dibujante Joaquín Salvador Lavado 'Quino' y a su personaje más inolvidable, Mafalda.El predio dispondrá de unos 430 expositores que ocuparán unos 15.000 metros cuadrados, así como participaciones en innumerables actividades, como cuentacuentos, diálogos entre escritores o muestras fotográficas.Entre las presentaciones internacionales estarán el francés David Foenkinos, la ecuatoriana Mónica Ojeda, la china Zhao Si, las españolas Elvira Sastre y Sonsoles Ónega, la uruguaya María Lourdes Ferro o el italo-colombiano Walter Riso.A nivel nacional, estarán presentes los argentinos Eduardo Sacheri, Leila Guerriero, Claudia Piñeiro o Gabriel Rolón, que integrarán distintos paneles y presentaciones de libros.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Una toma de la realidad para ciertos horrores, pero finalmente es literatura y al ser literatura se convierte en un espacio seguro donde poder hablar y pensar de lo oscuro, donde poder imaginar lo que nos da miedo y ponerle nombre, sin que nos pase nada”, dijo la autora.Enriquez compartió espacio con la narradora mexicana Liliana Blum para hablar de ‘El horror de la realidad’ y sostener un diálogo con sus lectores que se reunieron en el edificio Arroniz, uno de los sitios históricos de la ciudad mexicana de Guadalajara, capital del estado de Jalisco (oeste de México).La argentina, autora de libros como ‘Nuestra parte de la noche’, afirmó que escribir este género literario demanda de los escritores honestidad, pero también alejarse de la superioridad moral para crear a sus personajes y dejar de pretender que tienen una lección para dar a quienes les leen.“Si hay algo en todo tipo de literatura es la superioridad moral, creer que los personajes que una crea, lo que tiene para decir, etcétera, es de alguna manera mejor que el lector, que les estás dando una lección, que le estás señalando, eso está pasando en literatura y lamentablemente está pasando bastante en literatura escrita por mujeres”, declaró.La mexicana Liliana Blum aseguró que crear literatura de terror es también mostrar el lado oscuro y las perversidades de quien la escribe y que no siempre se puede decir en voz alta.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Lo más perturbador de todo es que en el fondo todos somos iguales, claro decidimos actuar o no actuar sobre ciertas cosas. No es difícil meterse adentro de un personaje si aceptas también lo que tú eres y las partes oscuras no tan estimulantes”, afirmó.La narradora de ‘Un descuido cósmico’ afirmó que cuando un escritor acepta su propia humanidad y reconoce su propio lado oscuro logra ser más honesto en la forma de construir sus personajes y cómo los lectores se identifican con ellos”.Ambas escritoras coincidieron en que el género del horror es un buen espacio para hablar del cuerpo y las exigencias de la sociedad ante la belleza, especialmente para las mujeres.“Mis personajes nunca se han sentido a gusto en sus cuerpos, como yo no me he sentido en el mío, por eso tienen siempre eso: o es enana, es demasiado gorda o se están haciendo viejas, mis personajes en este último libro han ido creciendo junto conmigo y eso es un reclamo que yo doy (en mis libros)”, expresó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Aunque aún se desconocen las causas del incidente, el director del Moulin Rouge, Jean-Victor Clerico, declaró que no había indicios de "sabotaje", sino que se produjo por un "problema técnico".Las aspas del decano de los cabarés parisinos --inmortalizado por el pintor Henri de Toulouse-Lautrec a finales del siglo XIX-- se desprendieron hacia la 01H45 de la madrugada, una media hora después de que se fueran los últimos espectadores.Las letras M, O y U de su nombre, situadas en la fachada, también cayeron, pero no hubo heridos ni hay riesgo de otro colapso en la estructura del inmueble, según los bomberos."Es increíble", declaró a Exaucé, que no quiso dar su apellido. Este cocinero del Moulin Rouge descubrió las aspas en el suelo cuando llegó al lugar hacia las 08H00 de la mañana.La entrada del establecimiento se encontraba este jueves en la mañana acordonada, pero la calle no estaba bloqueada, mientras un camión retiraba los elementos desplomados, constató una periodista de AFP."Es extraño. Es como si cortáramos la cabeza de la Torre Eiffel. Me duele. Espero que lo arreglen rápido", declaró Daniel, de 58 años, quien pasa todos los días por delante cuando va camino del trabajo.La empresa propietaria indicó que "es la primera vez que se produce un accidente de este tipo desde la fundación del Moulin Rouge, el 6 de octubre de 1889".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Templo del cancán"Afortunadamente ocurrió después de la hora del cierre", agregó la empresa, según la cual, "cada semana la dirección técnica del cabaré comprueba el mecanismo de las aspas del molino y no había encontrado ningún problema"."El propio sitio cuenta con vigilancia 24 horas al día, sobre todo en el tejado, con presencia humana. Ya sabemos que no se trata de un sabotaje, sino de un problema técnico evidentemente", dijo a la prensa Clerico.El único incidente grave en el templo mundial del cancán fue un incendio provocado por unas obras en 1915, que obligó a cerrarlo durante nueve años, según el cabaré.La ministra francesa de la Cultura, Rachida Dati, expresó su "emoción particular para el mundo del espectáculo y para todos los enamorados de París", y la alcaldesa de la ciudad, Anne Hidalgo, dijo "esperar" que la estructura estaría reparada antes de los Juegos Olímpicos, del 26 de julio al 11 de agosto.En una mezcla de madera, metal y aluminio, las aspas fueron restauradas como nuevas hace dos décadas para que fueran más ligeras, precisó Clerico, y su estructura y motorización "son controlados cada dos meses por una empresa especializada".Este establecimiento, que cumplirá 135 años el 6 de octubre, está situado a los pies de la turística colina de Montmartre, en el norte de París, y en el corazón del animado barrio de Pigalle.Sinónimo de las desenfrenadas noches parisinas junto al Lido y sus bailarinas de cancán, atrae cada día a miles de visitantes de todo el mundo, que se fotografían ante su fachada.Sus espectáculos de bailarinas en enaguas y volantes, en la estela de leyendas como La Goulue, la Môme Fromage, Nini Pattes en l'air y Mistinguett, hicieron famosa a esta institución.La película musical Moulin Rouge de Baz Luhrmann en 2001, protagonizada por Nicole Kidman y Ewan Mc Gregor, reforzó su interés internacional.El Moulin Rouge acoge a 600.000 espectadores al año, con dos representaciones cada noche, 365 días al año, y emplea a unos 450 trabajadores.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cineasta Laurent Cantet falleció de un cáncer que sufría desde hace un tiempo, y cuyo tratamiento no le impidió estar trabajando en una película que estaba en fase de preproducción, en colaboración con Marie-Ange Lucciani, productora de la aclamada Anatomía de una caída.Dirigió 13 títulos entre largometrajes (diez), cortos (dos) y una miniserie de televisión, y los escribió todos, bien en solitario o bien trabajando en grupo.El reconocimiento internacional le llegó con Entre les murs, que fue el primer filme en francés en ganar la Palma de Oro de Cannes en 21 años.La película impactó por su narración de la vida en un instituto de enseñanza media en un barrio conflictivo de París, donde un profesor lucha para que su mensaje cale entre alumnos adolescentes de distintas razas y de orígenes modestos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además de la Palma de Oro de Cannes, recibió otros diez galardones nacionales e internacionales y fue nominada a los Óscar de 2009.Cantat creó un cine de conciencia social y trató la falta de moralidad de la sociedad contemporánea, como mostró sobre todo Resources humaines (1999), que narra la peripecia de un joven de familia obrera que tras unos brillantes estudios empieza a trabajar en las oficinas de una fábrica, donde debe acometer el despido de algunos trabajadores, entre ellos su propio padre.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Ya sea fácil o difícil, seguimos creando canciones porque es lo que sabemos hacer", expuso Tennant, que consideró que siempre han sido un dúo con una fuerte identidad musical, también presente en este disco.Durante la presentación del álbum, que ocurrió el pasado lunes, tanto el cantante como Lowe respondieron a preguntas del periodista del medio The Guardian Alexis Petridis y hablaron de distintos temas, entre los que destacó la actualidad musical y la nostalgia.Todo ello después de que el público asistente escuchara en exclusiva las diez canciones que componen Nonetheless algunos días antes de su estreno el viernes 26 de abril.Lo nuevo frente al pasadoEn el álbum, Lowe y Tennant presentan una propuesta con ritmos de los Pet Shop Boys de siempre, pero con inspiración que se puede considerar actual, con restos de trap y techno, e incluso un rap en algunas de sus canciones, como A New Bohemia, la favorita del vocalista.Pese a todo, Lowe aseguró que él nunca ha tenido "mucha conexión con la música pop", al contrario que Tennant, quien sí presta atención a las tendencias musicales.No obstante, señaló que conocía mucho más la escena musical de los 80 y los 90, cuando ambos formaban parte de ella, pero de la que reconoció que ya no son parte."Como artista, más o menos sientes cuándo el interés del público viene y cuándo se va", apuntó el cantante.Preguntados sobre la nostalgia del pasado, temática que se sitúa como centro de muchas de las obras artísticas actuales, Tennant indicó que incluso los años 90 fueron nostálgicos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Quizás los años 80 fueron el último período de creatividad musical", agregó el vocalista, quien se encargó de responder a la mayoría de las preguntas del periodista y del público, frente a los comentarios puntuales y matizaciones de su compañero Lowe.Un álbum de pandemiaLos artistas no solo se diferenciaron en la cantidad de respuestas, sino también en el atuendo.Mientras Tennant llevaba un 'look' más formal, vestido totalmente de negro con un pantalón liso y una camisa de pana, Lowe acudió al evento de forma más casual, con una sudadera negra, unos vaqueros, una gorra de camuflaje y sus características gafas de sol."Creo que, sin quererlo, a veces parecemos un poco arrogantes", bromeó Tennant, sobre su relación con su audiencia.Ambos artistas crearon su último álbum durante la pandemia, intercambiando letras —Tennant— e instrumental —Lowe— a distancia, un tiempo en el que ambos echaron la mirada atrás."Puede ser la edad; cuando te haces mayor, miras atrás y recuerdas personas y anécdotas", expresó.Nonetheless, álbum recorrido por la nostalgia, los recuerdos y la búsqueda de respuestas, será lanzado el próximo viernes 26 de abril, con diez canciones entre las que se encontrarán las ya publicadas Loneliness o Dancing Star.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.