Ludwig van Beethoven, sin duda alguna, es uno de los compositores más influyentes en la historia de la música clásica. Su legado abarca una amplia gama de obras maestras, pero son sus sonatas para piano las que destacan como algunas de las composiciones más icónicas y revolucionarias de su tiempo. En este artículo, exploraremos algunas de las sonatas más famosas de Beethoven, que han dejado una marca indeleble en el mundo de la música clásica.Sonata para Piano No. 14 en Do sostenido menor, Op. 27, No. 2, "Claro de Luna"Conocida comúnmente como la "Claro de Luna", esta sonata es una de las obras más reconocibles de Beethoven. Compuesta en 1801, esta pieza captura la esencia del Romanticismo con su atmósfera evocadora y su melodía conmovedora. El primer movimiento, Adagio sostenuto, presenta un delicado y fluido flujo de notas que establece el tono melancólico de la pieza. La famosa sección de tercer movimiento, Presto agitato, contrasta con la serenidad del primer movimiento, exhibiendo la capacidad de Beethoven para crear dramatismo y emoción en su música.Sonata para Piano No. 8 en Do menor, Op. 13, "Patética"Esta sonata, apodada "Patética", es otra de las obras más conocidas de Beethoven. Compuesta en 1798, esta pieza es un ejemplo temprano del estilo expresivo y poderoso que caracterizaría muchas de las obras posteriores de Beethoven. El primer movimiento, Grave - Allegro di molto e con brio, establece de inmediato un tono sombrío y dramático que continúa a lo largo de la obra. El segundo movimiento, Adagio cantabile, ofrece un respiro de la intensidad del primero, con una melodía lírica y emotiva. El tercer movimiento, Rondo: Allegro, regresa con fuerza y energía, concluyendo la sonata con un final emocionante y triunfante.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sonata para Piano No. 23 en Fa menor, Op. 57, "Apassionata"La "Apassionata" es una de las obras más virtuosísticas y apasionadas de Beethoven. Compuesta en 1804, esta sonata es un ejemplo sobresaliente de la madurez artística de Beethoven y su habilidad para fusionar la expresión emocional con la técnica pianística avanzada. El primer movimiento, Allegro assai, comienza con un tema poderoso y enérgico que establece el tono apasionado de la pieza. El segundo movimiento, Andante con moto, ofrece un momento de calma relativa antes de que el tercer movimiento, Allegro ma non troppo - Presto, regrese con fuerza y vigor, llevando la sonata a una conclusión emocionante y explosiva.Sonata para Piano No. 21 en Do mayor, Op. 53, "Waldstein"La "Waldstein" es una de las sonatas más innovadoras y expansivas de Beethoven. Compuesta en 1804, esta pieza es un ejemplo notable de la capacidad de Beethoven para explorar nuevas formas y estructuras musicales. El primer movimiento, Allegro con brio, presenta un tema brillante y virtuoso que establece el tono optimista de la obra. El segundo movimiento, Introduzione: Adagio molto - Attacca, ofrece un momento de contemplación antes de que el tercer movimiento, Rondo: Allegretto moderato - Prestissimo, regrese con energía y vitalidad, concluyendo la sonata con un final jubiloso y triunfante.Estas son solo algunas de las sonatas más famosas de Beethoven, pero cada una de ellas ofrece una ventana fascinante hacia la mente creativa de uno de los compositores más grandes de todos los tiempos. A través de su música, Beethoven logró trascender las barreras del tiempo y el espacio, dejando un legado perdurable que continúa inspirando e impactando a oyentes de todas las generaciones.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Neville Marriner inició su formación musical en el Royal College of Music, la escuela musical situada en Kensington, Londres y los continuó en el Conservatorio de París. Neville Marriner llegó a ser profesor titular en la Royal Academy of Music a partir de 1949, alternando dicha labor con su desempeño en el Martin String Quartet como primer violinista.En 1956 se convirtió en principal de los segundos violines en la Orquesta Sinfónica de Londres, en la que permaneció hasta 1968, y tocó bajo los principales directores del momento: Furtwängler, Stokowski, Krips, Cantelli o Monteux, que sería también su maestro.No podemos hablar de Neville Marriner sin referirnos a la Academy of Saint Martin in the Fields, la orquesta de cámara británica con sede en Londres que Marriner fundó y de la cual fue su presidente hasta 1994 cuando John Heley asumió el cargo. El nombre del grupo proviene de la iglesia St Martin-in-the-Fields, de Trafalgar Square, donde la orquesta dio su primer concierto el 13 de noviembre de 1959.Las actuaciones iniciales, como orquesta de cuerda en la Iglesia St. Martin-in-the-Fields, jugaron un papel clave en la reactivación de las actuaciones barrocas en Inglaterra. La orquesta se ha ampliado para incluir instrumentos de viento. Se mantiene flexible en el tamaño, cambiando su composición para adaptarse a su repertorio, que abarca desde el barroco hasta las obras contemporáneas.En 1999 dentro de la serie Figuras del pentagrama de RFI, el colombiano Juan Carlos Jaramillo realizó una semblanza musical de la orquesta de cámara de Academy of St. Martin-in-the-Fields de Londres y una entrevista con su fundador, Sir Neville Marriner quien habló de los orígenes de la orquesta y su importancia en la difusión de música barroca, de la vida musical en distintas partes del mundo y del proceso de selección de los integrantes de la agrupación, entre otros temas.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Neville Marriner fundó la Academy of St Martin in the Fields, con el propósito, revolucionario en su época, de recuperar los repertorios, muy poco explorados por entonces, del clasicismo y el barroco a partir de criterios que pretendían aproximarse a las músicas de aquellos periodos desde el rigor musicológico e interpretativo.Marriner fue honrado dos veces por sus servicios a la música; en 1979 se le concedió el título de Comendador de la Orden del Imperio Británico y en 1985 se le concedió el título honorífico de Caballero.Su técnica de dirección sobre el podio tendía a la economía de gestos y a los matices puramente expresivos. Uno de los aspectos más destacados de su modo de dirección es la maravillosa claridad que sabía obtener de los distintos planos orquestales, permitiendo que el oyente escuche todas y cada una de las notas escritas en la partitura.Sir Neville Marriner continuó dirigiendo hasta los noventa años, convirtiéndose en el director de orquesta de mayor edad de un concierto de Proms en 2014, a los 90 años.Podrá escuchar obras maravillosas del director Neville Marriner en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 15 de abril a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Johann Strauss compuso con El murciélago su obra maestra. Cada número musical se convirtió en un gran éxito. La única duda que podría plantearse es el género al que pertenece esta obra. Ante todo, a la ópera cómica, que se aproxima en muchos puntos a la opereta, la zarzuela española y la comedia. Cualquiera que sea el género en que se sitúe El murciélago, es la culminación de la opereta: Rebosa humor e ingenio, energía y alegría de vivir.Aquí el argumento y acción de esta opereta cómica que trascurre en Viena, en el siglo XIX.La obertura es una brillante fantasía orquestal sobre algunas de las mejores ocurrencias de la partitura. Adelanta la atmósfera de baile, pero también algunos motivos líricos y grotescos.El primer acto transcurre en la casa del señor de Eisenstein. Adele, la criada, ha obtenido de su hermana Ida, que es bailarina de ballet, una invitación a un baile en el palacio del príncipe ruso Orlowsky. Por lo tanto, no sólo tiene que inventar ante Rosalinde la excusa de que debe cuidar por la noche a una tía enferma, sino que debe sustraerle un hermoso vestido a su ama. Sorprendentemente, Rosalinde concede la autorización solicitada, con más prontitud que de costumbre.Su esposo, el señor von Eisenstein, debe presentarse esa noche en la prisión para cumplir una leve condena por ofensas a la autoridad. En la calle se oye la victoriosa voz de tenor del cantante de ópera Alfred, su antiguo admirador, que le canta una serenata. Eisenstein está furioso porque un descuido de su abogado, el doctor Blind, lo obliga a cumplir el castigo, pero su humor mejora visiblemente cuando el notario, el doctor Falke, su amigo y compañero de numerosas aventuras, va a invitarlo a la fiesta de Orlowsky.💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Eisenstein se viste de gala, lo que no deja de sorprender a Rosalinde. ¿De frac a la prisión? Eisenstein se despide con ternura, aunque muy distraído, de su esposa, que a causa del canto de Alfred en la calle tampoco está demasiado atenta.Sospechosamente alegre, Eisenstein se dirige a la prisión. Aunque sin imaginar que será la víctima, pues Falke, a quien una vez, después de un baile de máscaras, hizo volver a casa disfrazado de murciélago en pleno día, ha trazado un plan para vengarse. Apenas se ha ido el señor de la casa, entra Alfred. El cantante, que desde hace años corteja a Rosalinde, aunque con escaso éxito, comienza a ponerse cómodo en la casa de Eisenstein, a pesar de las protestas, no muy enérgicas, de la mujer.Beben tranquilamente mientras entonan la canción que tanto por el texto como por la melodía se ha vuelto casi proverbial: “Dichoso quien olvida lo que no se puede cambiar...”.El idilio es interrumpido por Frank, el director de la prisión, para poner personalmente entre rejas a su ilustre huésped, el señor von Eisenstein. Al ver al varón acariciando a su esposa, Frank asume que tiene que ser el hombre a quien viene a arrestar, pues ¿quién otro podría a tales horas estar en casa y en esa situación?Alfred vacila un instante, pero no puede comprometer a Rosalinde. Se deja llevar a la prisión, no sin despedirse con afectuosos besos de su esposa.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral el próximo domingo 15 de abril a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La sonata es una composición musical estructurada en varias secciones o movimientos que tuvo su auge durante el período clásico, en el siglo XVIII. Le presentamos algunas de las sonatas más conocidas actualmente y dónde las ha escuchado. ."Sonata Patética" (Op. 13) Compuesta por el alemán Ludwig van Beethoven, esta obra fue escrita entre 1798 y 1799, cuando el compositor apenas tenía 27 años. Destacada por su intensidad emocional y su atmósfera dramática, la sonata consta de tres movimientos: Grave - Allegro di molto e con brio, Adagio cantabile y Rondo: Allegro.Siendo una de las obras más destacadas de Beethoven, algunos de los movimientos de la Sonata Patética han permeado en la cultura popular a través del cine. Por ejemplo, el movimiento Adagio fue incluido en la banda sonora de películas como La edad de la inocencia de Martin Scorsese, El mundo perdido: Jurassic Park de Steven Spielberg y Mujercitas de Greta Gerwig."Sonata para piano en do mayor" (K. 545)Conocida como "Sonata fácil", esta sonata fue compuesta por el artista austríaco Wolfgang Amadeus Mozart en 1788 y hace parte de una de sus obras más notables. Consta de tres movimientos: Allegro, Andante en Fa mayor y, por último, Rondo en Do mayor, Allegretto.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Esta pieza es apreciada por su accesibilidad y su belleza melódica, lo que la convierte en una obra popular tanto para intérpretes como para oyentes. Hechizo del tiempo, una de las comedias románticas clásicas de los noventa tiene parte de esta obra en su banda sonora."Sonata en si bemol mayor" (D. 960)El austríaco Franz Schubert compuso esta, su última sonata durante los últimos meses de su vida en 1828, poco antes de su fallecimiento el 19 de noviembre a los 31 años. Esta pieza, destacada del Romanticismo, está integrada por cuatro movimientos: Molto moderato, Andante sostenuto, Scherzo: Allegro vivace con delicatezza - Trio y Allegro ma non troppo.La última obra de Schubert hace parte de un trío de sonatas, a las que se suman sus sonatas para piano en do menor D. 958, en la mayor D. 959. "Sonata para Piano en Do sostenido menor, Op. 27, No. 2"En este punto cabe destacar que Beethoven compuso 32 sonatas para piano, siendo esta otra de las más conocidas en la cultura popular. Mejor conocida como “Claro de luna” fue compuesta en 1801 y publicada en 1802.La obra consta de tres movimientos: Adagio sostenuto, Allegretto y Presto agitato. Este último tuvo gran influencia en la obra del compositor polaco Frédéric Chopin. Si le resulta familiar esta obra, tal vez es porque hace parte de la película de Roman Polanski, El Pianista."Sonata para piano en la mayor" (K. 331) Quizás la más famosa de este listado, la Sonata para piano en la mayor de Wolfgang Amadeus Mozart fue compuesta en 1783 durante su estancia en Viena. Consta de tres movimientos: Andante grazioso, Menuetto - Trio y Alla Turca: Allegretto.Este último se caracteriza por su ritmo enérgico y su carácter festivo y es más conocido como Rondó Alla Turca.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Si el Estado no apoya y contribuye a la cultura, el futuro es realmente peligroso", advirtió Argerich, quien también cuenta con la nacionalidad suiza, país donde reside habitualmente.Las Becas Martha Argerich, creadas en 2021 y otorgadas por el departamento de Cultura del Gobierno argentino, tienen la finalidad de ayudar a jóvenes músicos de las Orquestas Infantiles y Juveniles de los barrios populares.Según Argerich, los docentes forman a estos jóvenes con "indudable seriedad, dedicación y mucho amor"."Lamentablemente, las autoridades del gobierno nacional de mi país decidieron interrumpir las Becas (que debieron comenzar en febrero de este año) y despidieron a esos, y otros profesores de las Orquestas Infantiles (...) Están privando a los jóvenes de la oportunidad de tener un brillante futuro musical", consideró la pianista de 82 años.Argerich, una de las pianistas más reconocidas del mundo y una destacada intérprete del repertorio de compositores como Chopin, Liszt, Bach o Schumann, aseguró que ella misma recibió el apoyo del Estado Argentino en su juventud.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."(El apoyo público) fue fundamental para mi formación y posterior carrera artística", dijo.Además, la pianista lamentó que el Ejecutivo de Milei esté "quitando el apoyo a numerosos espacios de la cultura"."Si no se apoya la cultura, el futuro de los niños y jóvenes, y de todo el pueblo, corre peligro. Confío en que las autoridades vuelvan a pensar en continuar de alguna forma con estos programas", concluyó Argerich.Por su parte, el secretario de Cultura de Argentina, Leonardo Cifelli, se mostró sorprendido por las quejas de Argerich y confirmó a la prensa local que está particularmente interesado en la continuidad del programa de Becas Martha Argerich y que hablaría personalmente con la intérprete para aclarar la situación.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Alberto Ginastera pertenece, culturalmente, al movimiento musical sudamericano moderno. Este hecho marcó toda su obra ya que se le considera el sucesor de Villa-Lobos a la cabeza de dicha corriente cultural.Alberto Ginastera parecía el arquetipo del intelectual latino, con sus cabellos tirados hacia atrás y sus gruesas gafas, y emprende desde su infancia en el Río de la Plata sus estudios musicales.En el año 1941 Alberto Ginastera compuso la música de Estancia, un ballet por encargo del American Ballet Caravan, una compañía estadounidense. Cuando el compositor puso manos a la obra, tenía en mente diversas escenas rústicas de las pampas, y en su momento, no había otro compositor más calificado para tal empresa.Ginastera terminó la obra puntualmente de acuerdo al encargo, pero el American Ballet Caravan se disolvió en 1942, de modo que el ballet tuvo que esperar para ser estrenado. El 12 de mayo de 1943, en el Teatro Colón de Buenos Aires, se tocó la suite de Estancia, y el ballet completo fue estrenado hasta el 19 de agosto de 1952, en el mismo escenario de la capital argentina.Durante sus 67 años de vida y sus cuarenta y cinco años de composición, Alberto Ginastera construyó paciente, obstinada y meticulosamente una obra que no se parece a ninguna otra, aunque las influencias de su tiempo se reflejen.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Una obra que forma un bloque en constante mutación, desde las aparentes facilidades del folclor hasta las audacias controladas de la música contemporánea. Una obra que ha hecho del músico argentino el más conocido de los compositores latinoamericanos del siglo XX.Una beca de la Fundación Guggenheim lleva a Alberto Ginastera a los Estados Unidos, donde reside de 1945 a 1947 y trabaja con Aarón Copland. Cuando vuelve a su país, lo hace para componer y enseñar, como tal, es director de Conservatorios, fundador de un instituto de composición y forma toda una generación de creadores sudamericanos, como el argentino Luis María Serra o el brasileño Jorge Antunes.El estilo de composición de Alberto Ginastera se divide en tres periodos que él mismo bautizó: nacionalismo objetivo (con presencia de elementos folclóricos), nacionalismo subjetivo (música académica con la influencia de sus estudios en Nueva York), y neoexpresionismo (por la técnica dodecafónica). Muchas de las obras de Ginastera se inspiraron en la tradición gauchesca. Esta tradición sostiene que el gaucho, o jinete sin tierra nativo de los llanos, es un símbolo de Argentina.A diferencia de otros compositores nacionalistas, Alberto Ginastera, nuestro Músico de la Semana HJCK.com, quien nació el 11 de abril de 1916, no solo mostró una sensibilidad hacia los aspectos de su cultura local, sino que también se interesó por las corrientes compositivas internacionales del momento. La obra de Ginastera es el reflejo de un músico que se impregna de la historia, el folclore y la literatura de su país natal, al mismo tiempo que encuentra en las técnicas contemporáneas de composición, como el serialismo dodecafónico y la politonalidad, su medio de expresión.Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Alberto Ginastera en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 8 de abril a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Hace 300 años la ciudad de Leipzig en Alemania se vistió de gala para escuchar una de las obras que Johann Sebastian Bach, (quien por aquel entonces sólo llevaba nueve meses activo como cantor de la Iglesia de Santo Tomás) había compuesto para el servicio religioso del Viernes Santo de ese 1724.La Pasión según San Juan BWV 245 que transmitiremos hoy en Canto y Música Coral por HJCK.com, se interpretó por primera vez en la iglesia de San Nicolás de Leipzig el Viernes Santo, 7 de abril de 1724 (aunque parte de la música puede datar de un período anterior).Según las notas del crítico musical Malcolm Boyd, "Bach había planeado estrenar la obra en la iglesia de Santo Tomás, donde había más espacio para acomodar a sus cantantes e intérpretes, pero al final tuvo que ceder. Por lo tanto, repitió la obra, en una versión revisada, en Santo Tomás al año siguiente, y hubo al menos dos representaciones más en Leipzig durante su vida. En cada caso Bach hizo modificaciones, en parte para adaptar la obra a las nuevas condiciones interpretativas, pero quizás también para hacerla más aceptable para las autoridades eclesiásticas.No existe, por tanto, una versión definitiva de la obra; el que normalmente se interpreta (y que escucharemos hoy 300 años después de su estreno) es la que se reúne a partir de la partitura en limpio (de las cuales las primeras 20 páginas están escritas a mano por Bach y datan aproximadamente de 1739, y un conjunto de partes que reflejan una interpretación de los últimos años de la vida de Bach. La secuencia real de movimientos es la misma que en la versión interpretada por Bach en 1724".Según el musicólogo alemán Martin Geck, "en La Pasión según San Juan de Bach no predomina ni la tradición ni lo nuevo, ni la pintura ni el elemento estructural, ni la teología ni la música. Bach pone a su disposición las ideas de su época de diversas formas, fundiéndolas rápidamente en una obra que se caracteriza por el color e incluso la contradicción. La unidad de esta obra no puede calcularse ni contarse como una cantidad abstracta; es la unidad de la vida en toda su diversidad, domesticada por un artista con gran pensamiento e imaginación".💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Bach siguió los capítulos 18 y 19 del Evangelio de Juan en la Biblia de Lutero, y el Evangelista sigue exactamente las palabras de esa biblia. La estructura de la obra se divide en dos partes.La primera nos trae las escenas en el Valle de Cedrón (al noroeste de la ciudad de Jerusalén) y en el palacio del sumo sacerdote Kaifás. La segunda parte muestra tres escenas, una con Poncio Pilato, otra en el Gólgota y la tercera, finalmente, en el lugar del entierro. El coral del comienzo de la segunda parte recuerda al oyente en qué punto de la narración finalizó la primera: Jesús es apresado de noche como un ladrón, según las palabras tomadas del himno Christus, der uns selig macht, escrito en 1531 por el teólogo protestante Michael Weisse.En la nueva versión de Canto y Música Coral que celebra los 300 años del estreno de La Pasión según San Juan BWV 245 de Johann Sebastian Bach, escucharemos la versión que nos ofrecen Nico van der Meel como El Evangelista; Kristinn Sugmundsson, en el papel de Jesús; Jelle Draijer, quien interpreta a Poncio Pilato y David Barick, como Pedro.A estos personajes principales los acompañan Annegeer Stumphius, James Bowman, Christoph Prégardien, Peter Kooy, Michiel ten Houte de Lange, Adinda de Nijs, el Coro de Cámara Neerlandés y la Orquesta Siglo 18, bajo la dirección de Frans Brüggen.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral el próximo domingo 7 de abril a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Fanny Mendelssohn fue una compositora y pianista notable del siglo XIX. Nació el 14 de noviembre de 1805 en Hamburgo, Alemania y aunque a menudo eclipsada por la fama de su hermano, el renombrado compositor Felix Mendelssohn, su genio musical merece ser reconocido y celebrado por derecho propio.Mendelssohn nació en una familia profundamente arraigada en la música y la cultura. Su padre, Abraham Mendelssohn, era un destacado banquero, y su madre, Lea Salomon, era una talentosa pianista y cantante. Desde una edad temprana, Fanny y su hermano Felix fueron expuestos a la música, recibiendo una educación musical rigurosa.Esta compositora mostró un talento excepcional desde muy joven. Aprendió a tocar el piano con su madre y recibió lecciones de los mejores maestros de la época. Su hermano Felix también contribuyó a su educación musical, brindándole apoyo y aliento en su desarrollo como compositora.A pesar de su talento innegable, Fanny Mendelssohn enfrentó numerosos obstáculos en su búsqueda de reconocimiento como compositora. En la sociedad conservadora del siglo XIX, a las mujeres se les negaba frecuentemente la oportunidad de una carrera musical seria. Fanny experimentó estas limitaciones de primera mano, ya que se le desalentaba activamente a seguir una carrera pública como compositora.A pesar de estos desafíos, Fanny continuó componiendo incansablemente, creando un cuerpo significativo de obras que abarcaban una variedad de géneros, incluyendo música de cámara, canciones, música para piano y música coral. Sus composiciones exhiben una notable profundidad emocional y una maestría técnica, lo que refleja su profundo compromiso con el arte musical.La relación entre Fanny y su hermano Felix fue fundamental en su desarrollo como compositora. Felix apoyó y alentó activamente su talento, actuando como su mentor y defensor. Sin embargo, la sombra de su hermano mayor también resultó ser una carga, ya que a menudo se la comparaba desfavorablemente con él.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además de su relación con su hermano, Fanny mantuvo una estrecha conexión con su familia a lo largo de su vida. Se casó con el pintor Wilhelm Hensel en 1829 y tuvo una hija, pero su pasión por la música nunca disminuyó. Continuó componiendo y realizando presentaciones íntimas en su hogar, donde su familia y amigos podían apreciar su talento.A pesar de las dificultades que enfrentó durante su vida, el legado musical de Fanny Mendelssohn perdura hasta el día de hoy. A medida que la sociedad ha evolucionado y ha reconocido cada vez más el talento de las mujeres en el campo de la música, el trabajo de Fanny ha comenzado a recibir la atención y el reconocimiento que merece.Sus composiciones han sido redescubiertas y grabadas por músicos de todo el mundo, y su influencia en el desarrollo de la música del siglo XIX sigue siendo evidente. Su música, imbuida de pasión y expresividad, continúa cautivando a oyentes y músicos por igual, sirviendo como un testimonio perdurable de su genio creativo.Fanny Mendelssohn Bartholdy fue una figura notable en la historia de la música clásica, cuyo talento y dedicación a su arte la distinguen como una de las grandes compositoras del siglo XIX. A pesar de las barreras sociales y culturales que enfrentó, su música trascendió las limitaciones de su tiempo y continúa inspirando a generaciones de músicos y oyentes.A medida que su legado continúa siendo explorado y celebrado, es importante reconocer y honrar el impacto duradero de su contribución a la música clásica. Fanny Mendelssohn, con su pasión, creatividad y determinación inquebrantable, sigue siendo una luz brillante en el firmamento del romanticismo musical.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El director y cellista finlandés Klaus Mäkelä asumirá, con apenas 28 años, el cargo de director de la Orquesta Filarmónica de Chicago, una de las más importantes del mundo, lo que representa el punto máximo, al menos de momento, de una carrera en la que la que ha seguido las huellas de una familia de músicos.El padre del nuevo director de la Filarmónica de Chicago es el celista Sami Mäkelä, su madre la pianista Taru Myöhanen-Mäkelä y su abuelo Tapio Myöhanen es violinista.La hermana menor de Mäkelä, además, es bailarina del Ballet Nacional de Finlandia.Mäkelä estudió en la Academia Sibelius. Su profesor de dirección fue Jorma Pamula y sus profesores de cello Marko Ylönen, Timo Hanhinen y Hannu Kiiski.Desde los 12 años Mäkelä formó parte del coro de la Opera Nacional de Finlandia y ya entonces se empezó a interesar por la dirección. Según dijo en una entrevista publicada por la Filarmónica de Berlín, durante una representación de "Carmen" se sintió "completamente arrebatado por la fuerza de la música" y pensó en el trabajo del director en el foso de la orquesta."Quería ser capaz de hacer lo mismo. Durante cinco años soñé con ser director hasta que al fin fui admitido en la clase de Jorma Panula", dijo entonces.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."La gente puede decir que a los 12 años el cerebro musical no está todavía completamente desarrollado. Pero cuando empiezas pronto, dirigir se convierte en algo completamente natural", agregó.Panula, nacido en 1930, es una leyenda como formador de directores de orquesta y siempre se interesó mucho por jóvenes talentos.Una de las cosas clave que le enseñó fue que tenía que ser la misma persona, independientemente de si estaba dirigiendo o no."Si tratas de ser alguien distinto cuando tienes una batuta en la mano la cosas no funcionan", explicó.Mäkelä dirige ya la Orquesta Real del Concertgebouw de Ámsterdam y ha sido director jefe de la Filarmónica de Oslo y de la Filarmónica de París y ha dirigido como director invitado diversas orquestas como la Orquesta Nacional de España, la Filarmónica de Berlín o la Filarmónica de Londres.Cuando, en una entrevista con la emisora alemana BR, se le preguntó acerca de cómo afectaba su juventud su trabajo como director respondió en la música la edad no tiene papel ninguno."Desde el punto de vista musical la edad no existe. Piense en Herbert Bloomstedt que a los noventa y tanto años sigue abriendo cada partitura como si fuera la primera vez", dijo.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde niño Louis Spohr es considerado un virtuoso del violín, tras dar su primer concierto a los 12 años, incluyendo algunas de sus propias composiciones e incorporándose a los 15 años a la capella del duque Ferdinand donde encontró el lugar preciso para su más completa educación musical.Louis Spohr se convierte no solo en un excelso virtuoso, sino que, a los veinte años, se une a la gran cadena de los compositores clásicos.Spohr escribió quince conciertos para violín, el primero compuesto en 1803 y el ultimo en 1844, siendo el más conocido de ellos, el concierto número ocho, que incorpora elementos absolutamente operísticos, pero recrea la forma al componer conciertos para dos violines o para clarinete.Louis Spohr además de gozar de una enorme reputación durante el siglo XIX como compositor, virtuoso del violín, director y profesor, también se destacó como un hombre de carácter noble, un convencido de creencias liberales y democráticas que no tenía miedo de hablar contra la represión y autocracia que abundaba en los pequeños principados germanos de la época.💬Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.Desde el comienzo de su carrera, Spohr expandió su paleta creativa a la ópera, el oratorio, la cantata, el lied, la sinfonía, la música de cámara y, sobre todo en sus primeros años de matrimonio escribió música que involucraba el arpa.Louis Spohr fue la antítesis del artista solitario y atormentado. Amaba las fiestas, era un talentoso pintor, buen nadador, jugaba ajedrez, billar, dominó y deportes con pelota, visitaba centros culturales e industrias, minas y otras instalaciones industriales solamente adquiriendo conocimientos. Además, se interesó en la política y durante el corto parlamento nacional germano que siguió a las revoluciones de 1830 y de 1848 asistió a tantos debates como pudo. Como director, Spohr promovió a muchos de los mejores compositores de su tiempo, incluso cuando no le atrajera del todo su estilo.El repertorio de Louis Spohr abarcaba desde los cuartetos, conciertos y sinfonías de Beethoven, incluyendo la novena sinfonía, así como Fidelio y la Misa Solemne del mismo Beethoven, óperas de Wagner como El Holandés Errante y Tannhäuser. También ayudó a resucitar aquellas obras maestras de Bach como la Pasión según San Mateo y hacia el final de su carrera fue agregando a su repertorio las obras de Schubert, Schumann, Berlioz y Liszt entre otros.Aunque Louis Spohr fue perdiendo estatus, sus mejores obras permanecieron en el repertorio a través de todo el siglo XIX. La ópera Jessonda fue presentada cada cierto tiempo en Alemania hasta que las autoridades nazis la prohibieron. El oratorio El Juicio Final siguió siendo interpretado por las sociedades corales británicas hasta la Primera Guerra Mundial.La importancia de Louis Spohr y lo que cautivó de él a sus contemporáneos fue la riqueza armónica y el manejo de la modulación y el cromatismo. Mientras el contenido de sus obras le hizo, junto con Weber, un pionero del temprano romanticismo, Louis Spohr siguió las proporciones clásicas en términos de forma aun cuando sus cuatro sinfonías programáticas ayudaron a establecer este género.Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Louis Spohr en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 1 de abril a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Según Graham Sadler (estudioso de la música francesa): "Un melómano francés del siglo XVIII seguramente se sorprendería de la escasa atención prestada a Mondonville en nuestro siglo. Se trataba de un hombre que ocupaba algunos de los cargos musicales más prestigiosos de Francia, un hombre que, en su apogeo, era considerado casi igual a Rameau como compositor de ópera y muy superior a él en el ámbito del motete.Sin embargo, hasta los últimos años las representaciones modernas han sido raras. Una razón de este abandono es que la música de Mondonville no siempre parece especialmente interesante en la página. Sin embargo, en la interpretación cobra vida de una manera sorprendentemente directa". Les fêtes de Paphos se representó por primera vez en la Académie Royale de Musique de París el 9 de mayo de 1758 y fue un éxito popular. Así disfrutó de veintinueve representaciones consecutivas y, aunque sólo se revivió el tercer acto, la popularidad del conjunto nunca estuvo en duda.Les Fêtes de Paphos, aunque se describe en la portada como un ballet heroico, se clasifica mejor como una ópera-ballet.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Aquí el argumento y acción de este primer acto:Marte, el dios de la guerra, decide seducir a Venus, pero primero debe deshacerse de Adonis, el rival a quien Venus ama. A pesar de las protestas de Venus, Adonis con un grupo de cazadores va a destruir un monstruo temible que aterroriza al vecindario, pero él mismo resulta herido de muerte. Cuando exhala su último suspiro, Venus lo transforma en una anémona. Marte, no contento con la muerte de su rival, desea destruir la flor, pero el propio Júpiter interviene para devolverle la vida a Adonis. Marte se va, amenazando con que las furias de la guerra lleguen hasta el cielo. Venus y Adonis, junto con las Ninfas y las Gracias, celebran su amor.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 5 de mayo a las 9:00 p. m. por la señal en vivo de la HJCK.
Hablamos con la docente Catalina González, docente del programa de diseño de modas de la Universidad ECCI. El diseño de modas, no solo inspirado en las tendencias, lo que está de moda digámoslo así, sino en el bienestar de ciertas poblaciones que tienen unas dificultades determinadas y hablamos de las mujeres que han sufrido cáncer de seno y que ustedes han pensado, no solo qué ropa les sirve, sino cómo apoyarlas. Quisiera que me hablaras de este proyecto. Este proyecto básicamente se centra en desarrollar una cartilla como asesoría de imagen para este tipo de mujeres que han sufrido cáncer de mama que han pasado por una mastectomía radical. Esta cartilla está enfocada en todo lo que es el análisis de su imagen, de enfrentarse nuevamente a lo que son ellas después de este tipo de cirugías. Hablamos sobre el uso de maquillaje, el uso de prendas y adicional a eso contamos también con un apoyo a nivel de psicología para enfrentar todas estas barreras que se tienen a nivel de autoestima y de encontrar nuevamente su rol en la sociedad.Catalina, a veces uno piensa que la ropa es solo ropa y ya y lo hemos hablado con la profesora Alexandra que es la directora de diseño de modas aquí en la ECCI, pero en estos casos la ropa también suple un tema de autoestima y también sirve para decirle a la mujer que no está incompleta. Porque luego de una mastectomía pues ya sabemos la cosas que hay frente al espejo y cuán duro nos puede dar ese reconocimiento. Buscamos que con las prendas que ellas tienen en su guardarropa se sientan seguras y proyecten su nueva imagen a partir de esta cirugía. Entonces, la idea es que no es un un prototipo que nos va a llenar ese vacío porque muchas mujeres pueden utilizar prótesis hay otras que deciden no utilizarlas, la idea es que esas prendas ellas las lleven con poder, con empoderamiento, por ese motivo es importante el apoyo psicológico porque se trabaja desde la parte interna hacia la parte externa y así mismo poder proyectar esa nueva imagen.💬Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.Cuénteme de las prendas, pues sabemos que otras universidades también habían repensado. El tema sobre brasieres, por ejemplo, prendas íntimas, ¿cómo se diseñan estas prendas, qué tienen de particular?Bueno pues conozco de un prototipo que se elaboró que es un brasier, pues es un tejido especial para el proceso de cicatrización para ayudar en ese en postoperatorio y en ese proceso pues nosotros intentamos también desarrollar algunos prototipos de prenda, pero encontramos fue esa debilidad a nivel psicológico, a nivel emocional, que las mujeres necesitaban retomar nuevamente su imagen. El tema de la cartilla, ¿cómo lo elaboraron, cómo fue ese proceso? Bueno actualmente estamos en la prueba de aplicación con las mujeres y a partir de toda esa asesoría esperamos sacar como tal el resultado que es la cartilla. La cartilla básicamente sería: si tienes este tipo de piel puedes utilizar este tipo de prendas, los colores que puedes utilizar son estos... a nivel de accesorios a nivel de maquillaje. Incluso hay un estudiante que también está trabajando con nosotros sobre el tema de la colorimetría para este tipo de mujeres porque las mujeres cuando se enfrentan a quimioterapias o después de un postoperatorio su piel tiende a ponerse un poco más pálida, entonces la idea es que por medio de estos colores de las prendas se realce nuevamente su color natural.¿Cuál es el futuro de este proyecto? ¿Cómo se lo imaginan desde la ECCI?Estamos en conversaciones con el Instituto Nacional de Cancerología porque ellos son los que nos van a dar esa población donde vamos a aplicar realmente esta cartilla y ya a partir de ese estudio de la evaluación que ellas mismas nos hagan. La idea es empezar a replicarlo a otras comunidades, a otras instituciones que puedan colaborarnos con esta población.Catalina yo quisiera que me contarás sobre tu experiencia personal en este proyecto. No como una mujer, también una diseñadora. Impacta, impacta bastante. Darse una cuenta todo lo que puede llegar a dañar a nivel psicológico y a nivel físico este tipo de condiciones de salud, adicional a esto tener un poco más de conciencia, como lo decías al inicio, la moda no es solamente las prendas, la tendencia, sino darle un sentido social a esa prenda, a ese color que vamos a usar de temporada que realmente permita que esa mujer que lo tiene se proyecte y se afiance nuevamente como un rol femenino en la sociedad.Más allá de las mujeres también es un proyecto para las familias. Creo que es una posibilidad para apoyar a su mamá, a su abuela, a su tía, su hermana o a una misma ,una mejor amiga. Se vuelve casi que un impacto más grande que la única persona. No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Spencer Throckmorton, dueño de esta galería del este de Manhattan, cuenta que en 1977 compró una foto de Frida a su sobrina-nieta Cristina sin apenas conocerla y desde entonces ha recorrido el mundo sumando más y convirtiéndose en un experto sobre su vida y obra, incluso descubriendo títulos perdidos.Con su perro descansando a los pies, abre un grueso monográfico de Taschen en el que ha colaborado y muestra las imágenes de dos cuadros que halló: Congreso de los pueblos por la paz (1952) y otro sin firmar: "el ultimísimo" de su vida y "premonitorio", dice, pues el cabello de la pintora, que fue cremada, luce en llamas."Simplemente me enamoré de Frida", resume el galerista, especializado en fotografía latinoamericana y que buscaba fotos tomadas por el padre de la fotografía mexicana Manuel Álvarez Bravo cuando se topó con su retrato de Frida posando con una esfera, que despertó su interés en la exponente del surrealismo.Throckmorton, que pronto aparecerá en un documental sobre Frida al que ha cedido fotos, asegura que la fotografía fue muy importante para esta, pues empezó a pintar retocando las fotos de su padre, el fotógrafo Guillermo Kahlo, a los 8 años, y gracias a él aprendió a posar como lo hizo para numerosos fotógrafos.Nombres como Fritz Henle, Lucienne Bloch, Bernard Silberstein, Leo Matiz o Nickolas Murray, este último su amante, retratan a Frida seria, sonriente, desinhibida, fumando, mostrando sus cuadros y posesiones, y feliz junto al muralista Diego Rivera, probablemente el hombre de su vida, con el que se casó dos veces.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre las rarezas a la vista en la sala, hay tres pequeñas fotos de Frida tomadas por Edward Weston que esconden secretos: la artista dibujó en su reverso pies, manos, ojos y lágrimas; también hay una foto sin firmar en la que Frida, Diego y sus amigos observan un eclipse solar en 1932.Throckmorton va divulgando precios a un marchante interesado -50.000 dólares esta foto, 60.000 aquella- pero asegura que le cuesta despedirse de las obras, por lo que mantiene una selección personal "única" en la que cuenta con fotos tempranas de Frida, con dos y tres años, y tardías, en su lecho de muerte.Y vaticina que seguirá coleccionando fotografías de Frida, de quien le fascina, sobre todo, su "intelecto", revela.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Todo el disco está recorrido por la idea de la madurez de la cantante en el ámbito de los vínculos sentimentales, en un momento en el que sabe lo que quiere, como muestra, por ejemplo, en Training season, donde enumera una serie de sus requisitos para establecer una relación."¿Eres alguien que puede darme eso? No quiero tener que enseñarte; si no eres tú, házmelo saber porque la temporada de entrenamiento ya acabó", canta la artista en este sencillo, que sirvió de anticipo del álbum junto a Houdini e Illusion."Escribir estas canciones es una forma de terapia para mí; escribir tus pensamientos y convertirlos en melodía para que otra gente los consuma me hace sentir vulnerable", dijo en una entrevista publicada dos días antes del estreno por Apple Music.Acorde al títuloDua Lipa cumple lo que promete con el título del disco, y lo hace desde la carátula del álbum —en la que aparece relajada en una piscina observando cómo un tiburón nada a su lado— hasta en su propia página web, donde llama a "registrarse para el optimismo".El concepto que da nombre al álbum le llegó a través de un amigo, quien, durante una entrevista, le dijo que lo que el mundo necesitaba era optimismo radical."Es la idea de seguir pese a los golpes y no dejar que nada te desanime por mucho tiempo", expresó la artista en la conversación con el DJ Zane Lowe, algo que califica como una "parte fundamental del proceso de crecer y madurar".Este optimismo radical que la artista defiende va más allá de las relaciones amorosas y pasa por amistades y otros tipos de vínculos, a los que Dua Lipa mira "en perspectiva", un término que para ella equivale a la madurez emocional.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Pienso mucho sobre emociones, sentimientos, pensamientos… sobre cómo me hace sentir a mí y a otras personas cuando escuchan una canción", razonó.Evolución y crecimientoEn los aproximadamente cuarenta minutos de Radical Optimism de Dua Lipa, la artista se abre más que nunca, en un momento en el que considera que ha encontrado su voz y ese sentido de la felicidad en el que "lo que te corresponde, será para ti".Esta evolución se puede percibir en especial en las dos canciones que cierran el disco.En Maria, la cantante de origen albanokosovar agradece a quienes forman parte del pasado y de los que se aprende —"Te lo debo, el mayor cariño siempre tiene una razón, yo también soy mejor por las personas a las que perdí"—, mientras que en 'Happy for you' también se alegra de cómo alguien que estuvo en su vida está feliz junto a otra persona."No habría sido capaz de escribir esa canción en mis primeros discos porque creo que no había crecido suficiente como persona o como artista para ver cómo alguien a quien quería pasaba página", dijo sobre esta última.Destino, GlastonburyEste verano, Dua Lipa actuará en el Mad Cool en Madrid el 10 de julio y en el NOS Alive de Lisboa el 12 de julio.Días antes, el 28 de junio, encabezará el cartel del festival de Glastonbury, en la localidad británica del mismo nombre y al que dedica la mitad de sus pensamientos diarios, como reconoció en una entrevista para la BBC.De hecho, lo califica como su barómetro, con el que mide si una canción merece estar en el álbum al compararla con cómo sonaría en el festival.En Radical Optimism, la artista deja de lado algunos ritmos electrónicos por ordenador para sustituirlos por instrumentos en directo, logrando lo que ella definió como "pop alternativo, pero con un toque psicodélico"."Por fin estoy en un momento de mi carrera donde me siento muy segura de mí misma; me ha costado mucho llegar hasta aquí", aseguró en la BBC la artista.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La vorágine, la obra de José Eustacio Rivera que cumple 100 años. Un libro vivo es el nombre de este especial en el que participarán nuestros oyentes y lectores de todo el país y donde buscamos que la selva, la belleza y el amor, sean jugados al azar. En el especial que realizaremos en la HJCK tendrá nuevo contenido editorial, realizaremos una nueva temporada de nuestro podcast Fragmentos en la que leeremos la novela, con diferentes voces de nuestros oyentes. También tendremos un video que realizamos junto a la Biblioteca Nacional hablando con un experto en la novela con quien hicimos una exploración al manuscrito y a la historia de Rivera.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Lo que escucharán a continuación es la voz de la docente Ana Isabel Juagiboy, perteneciente a la población kamsá de El Valle del Sibundoy, en Putumayo. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.