"Si el Estado no apoya y contribuye a la cultura, el futuro es realmente peligroso", advirtió Argerich, quien también cuenta con la nacionalidad suiza, país donde reside habitualmente.Las Becas Martha Argerich, creadas en 2021 y otorgadas por el departamento de Cultura del Gobierno argentino, tienen la finalidad de ayudar a jóvenes músicos de las Orquestas Infantiles y Juveniles de los barrios populares.Según Argerich, los docentes forman a estos jóvenes con "indudable seriedad, dedicación y mucho amor"."Lamentablemente, las autoridades del gobierno nacional de mi país decidieron interrumpir las Becas (que debieron comenzar en febrero de este año) y despidieron a esos, y otros profesores de las Orquestas Infantiles (...) Están privando a los jóvenes de la oportunidad de tener un brillante futuro musical", consideró la pianista de 82 años.Argerich, una de las pianistas más reconocidas del mundo y una destacada intérprete del repertorio de compositores como Chopin, Liszt, Bach o Schumann, aseguró que ella misma recibió el apoyo del Estado Argentino en su juventud.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."(El apoyo público) fue fundamental para mi formación y posterior carrera artística", dijo.Además, la pianista lamentó que el Ejecutivo de Milei esté "quitando el apoyo a numerosos espacios de la cultura"."Si no se apoya la cultura, el futuro de los niños y jóvenes, y de todo el pueblo, corre peligro. Confío en que las autoridades vuelvan a pensar en continuar de alguna forma con estos programas", concluyó Argerich.Por su parte, el secretario de Cultura de Argentina, Leonardo Cifelli, se mostró sorprendido por las quejas de Argerich y confirmó a la prensa local que está particularmente interesado en la continuidad del programa de Becas Martha Argerich y que hablaría personalmente con la intérprete para aclarar la situación.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Alberto Ginastera pertenece, culturalmente, al movimiento musical sudamericano moderno. Este hecho marcó toda su obra ya que se le considera el sucesor de Villa-Lobos a la cabeza de dicha corriente cultural.Alberto Ginastera parecía el arquetipo del intelectual latino, con sus cabellos tirados hacia atrás y sus gruesas gafas, y emprende desde su infancia en el Río de la Plata sus estudios musicales.En el año 1941 Alberto Ginastera compuso la música de Estancia, un ballet por encargo del American Ballet Caravan, una compañía estadounidense. Cuando el compositor puso manos a la obra, tenía en mente diversas escenas rústicas de las pampas, y en su momento, no había otro compositor más calificado para tal empresa.Ginastera terminó la obra puntualmente de acuerdo al encargo, pero el American Ballet Caravan se disolvió en 1942, de modo que el ballet tuvo que esperar para ser estrenado. El 12 de mayo de 1943, en el Teatro Colón de Buenos Aires, se tocó la suite de Estancia, y el ballet completo fue estrenado hasta el 19 de agosto de 1952, en el mismo escenario de la capital argentina.Durante sus 67 años de vida y sus cuarenta y cinco años de composición, Alberto Ginastera construyó paciente, obstinada y meticulosamente una obra que no se parece a ninguna otra, aunque las influencias de su tiempo se reflejen.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Una obra que forma un bloque en constante mutación, desde las aparentes facilidades del folclor hasta las audacias controladas de la música contemporánea. Una obra que ha hecho del músico argentino el más conocido de los compositores latinoamericanos del siglo XX.Una beca de la Fundación Guggenheim lleva a Alberto Ginastera a los Estados Unidos, donde reside de 1945 a 1947 y trabaja con Aarón Copland. Cuando vuelve a su país, lo hace para componer y enseñar, como tal, es director de Conservatorios, fundador de un instituto de composición y forma toda una generación de creadores sudamericanos, como el argentino Luis María Serra o el brasileño Jorge Antunes.El estilo de composición de Alberto Ginastera se divide en tres periodos que él mismo bautizó: nacionalismo objetivo (con presencia de elementos folclóricos), nacionalismo subjetivo (música académica con la influencia de sus estudios en Nueva York), y neoexpresionismo (por la técnica dodecafónica). Muchas de las obras de Ginastera se inspiraron en la tradición gauchesca. Esta tradición sostiene que el gaucho, o jinete sin tierra nativo de los llanos, es un símbolo de Argentina.A diferencia de otros compositores nacionalistas, Alberto Ginastera, nuestro Músico de la Semana HJCK.com, quien nació el 11 de abril de 1916, no solo mostró una sensibilidad hacia los aspectos de su cultura local, sino que también se interesó por las corrientes compositivas internacionales del momento. La obra de Ginastera es el reflejo de un músico que se impregna de la historia, el folclore y la literatura de su país natal, al mismo tiempo que encuentra en las técnicas contemporáneas de composición, como el serialismo dodecafónico y la politonalidad, su medio de expresión.Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Alberto Ginastera en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 8 de abril a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Hace 300 años la ciudad de Leipzig en Alemania se vistió de gala para escuchar una de las obras que Johann Sebastian Bach, (quien por aquel entonces sólo llevaba nueve meses activo como cantor de la Iglesia de Santo Tomás) había compuesto para el servicio religioso del Viernes Santo de ese 1724.La Pasión según San Juan BWV 245 que transmitiremos hoy en Canto y Música Coral por HJCK.com, se interpretó por primera vez en la iglesia de San Nicolás de Leipzig el Viernes Santo, 7 de abril de 1724 (aunque parte de la música puede datar de un período anterior).Según las notas del crítico musical Malcolm Boyd, "Bach había planeado estrenar la obra en la iglesia de Santo Tomás, donde había más espacio para acomodar a sus cantantes e intérpretes, pero al final tuvo que ceder. Por lo tanto, repitió la obra, en una versión revisada, en Santo Tomás al año siguiente, y hubo al menos dos representaciones más en Leipzig durante su vida. En cada caso Bach hizo modificaciones, en parte para adaptar la obra a las nuevas condiciones interpretativas, pero quizás también para hacerla más aceptable para las autoridades eclesiásticas.No existe, por tanto, una versión definitiva de la obra; el que normalmente se interpreta (y que escucharemos hoy 300 años después de su estreno) es la que se reúne a partir de la partitura en limpio (de las cuales las primeras 20 páginas están escritas a mano por Bach y datan aproximadamente de 1739, y un conjunto de partes que reflejan una interpretación de los últimos años de la vida de Bach. La secuencia real de movimientos es la misma que en la versión interpretada por Bach en 1724".Según el musicólogo alemán Martin Geck, "en La Pasión según San Juan de Bach no predomina ni la tradición ni lo nuevo, ni la pintura ni el elemento estructural, ni la teología ni la música. Bach pone a su disposición las ideas de su época de diversas formas, fundiéndolas rápidamente en una obra que se caracteriza por el color e incluso la contradicción. La unidad de esta obra no puede calcularse ni contarse como una cantidad abstracta; es la unidad de la vida en toda su diversidad, domesticada por un artista con gran pensamiento e imaginación".💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Bach siguió los capítulos 18 y 19 del Evangelio de Juan en la Biblia de Lutero, y el Evangelista sigue exactamente las palabras de esa biblia. La estructura de la obra se divide en dos partes.La primera nos trae las escenas en el Valle de Cedrón (al noroeste de la ciudad de Jerusalén) y en el palacio del sumo sacerdote Kaifás. La segunda parte muestra tres escenas, una con Poncio Pilato, otra en el Gólgota y la tercera, finalmente, en el lugar del entierro. El coral del comienzo de la segunda parte recuerda al oyente en qué punto de la narración finalizó la primera: Jesús es apresado de noche como un ladrón, según las palabras tomadas del himno Christus, der uns selig macht, escrito en 1531 por el teólogo protestante Michael Weisse.En la nueva versión de Canto y Música Coral que celebra los 300 años del estreno de La Pasión según San Juan BWV 245 de Johann Sebastian Bach, escucharemos la versión que nos ofrecen Nico van der Meel como El Evangelista; Kristinn Sugmundsson, en el papel de Jesús; Jelle Draijer, quien interpreta a Poncio Pilato y David Barick, como Pedro.A estos personajes principales los acompañan Annegeer Stumphius, James Bowman, Christoph Prégardien, Peter Kooy, Michiel ten Houte de Lange, Adinda de Nijs, el Coro de Cámara Neerlandés y la Orquesta Siglo 18, bajo la dirección de Frans Brüggen.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral el próximo domingo 7 de abril a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Fanny Mendelssohn fue una compositora y pianista notable del siglo XIX. Nació el 14 de noviembre de 1805 en Hamburgo, Alemania y aunque a menudo eclipsada por la fama de su hermano, el renombrado compositor Felix Mendelssohn, su genio musical merece ser reconocido y celebrado por derecho propio.Mendelssohn nació en una familia profundamente arraigada en la música y la cultura. Su padre, Abraham Mendelssohn, era un destacado banquero, y su madre, Lea Salomon, era una talentosa pianista y cantante. Desde una edad temprana, Fanny y su hermano Felix fueron expuestos a la música, recibiendo una educación musical rigurosa.Esta compositora mostró un talento excepcional desde muy joven. Aprendió a tocar el piano con su madre y recibió lecciones de los mejores maestros de la época. Su hermano Felix también contribuyó a su educación musical, brindándole apoyo y aliento en su desarrollo como compositora.A pesar de su talento innegable, Fanny Mendelssohn enfrentó numerosos obstáculos en su búsqueda de reconocimiento como compositora. En la sociedad conservadora del siglo XIX, a las mujeres se les negaba frecuentemente la oportunidad de una carrera musical seria. Fanny experimentó estas limitaciones de primera mano, ya que se le desalentaba activamente a seguir una carrera pública como compositora.A pesar de estos desafíos, Fanny continuó componiendo incansablemente, creando un cuerpo significativo de obras que abarcaban una variedad de géneros, incluyendo música de cámara, canciones, música para piano y música coral. Sus composiciones exhiben una notable profundidad emocional y una maestría técnica, lo que refleja su profundo compromiso con el arte musical.La relación entre Fanny y su hermano Felix fue fundamental en su desarrollo como compositora. Felix apoyó y alentó activamente su talento, actuando como su mentor y defensor. Sin embargo, la sombra de su hermano mayor también resultó ser una carga, ya que a menudo se la comparaba desfavorablemente con él.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además de su relación con su hermano, Fanny mantuvo una estrecha conexión con su familia a lo largo de su vida. Se casó con el pintor Wilhelm Hensel en 1829 y tuvo una hija, pero su pasión por la música nunca disminuyó. Continuó componiendo y realizando presentaciones íntimas en su hogar, donde su familia y amigos podían apreciar su talento.A pesar de las dificultades que enfrentó durante su vida, el legado musical de Fanny Mendelssohn perdura hasta el día de hoy. A medida que la sociedad ha evolucionado y ha reconocido cada vez más el talento de las mujeres en el campo de la música, el trabajo de Fanny ha comenzado a recibir la atención y el reconocimiento que merece.Sus composiciones han sido redescubiertas y grabadas por músicos de todo el mundo, y su influencia en el desarrollo de la música del siglo XIX sigue siendo evidente. Su música, imbuida de pasión y expresividad, continúa cautivando a oyentes y músicos por igual, sirviendo como un testimonio perdurable de su genio creativo.Fanny Mendelssohn Bartholdy fue una figura notable en la historia de la música clásica, cuyo talento y dedicación a su arte la distinguen como una de las grandes compositoras del siglo XIX. A pesar de las barreras sociales y culturales que enfrentó, su música trascendió las limitaciones de su tiempo y continúa inspirando a generaciones de músicos y oyentes.A medida que su legado continúa siendo explorado y celebrado, es importante reconocer y honrar el impacto duradero de su contribución a la música clásica. Fanny Mendelssohn, con su pasión, creatividad y determinación inquebrantable, sigue siendo una luz brillante en el firmamento del romanticismo musical.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El director y cellista finlandés Klaus Mäkelä asumirá, con apenas 28 años, el cargo de director de la Orquesta Filarmónica de Chicago, una de las más importantes del mundo, lo que representa el punto máximo, al menos de momento, de una carrera en la que la que ha seguido las huellas de una familia de músicos.El padre del nuevo director de la Filarmónica de Chicago es el celista Sami Mäkelä, su madre la pianista Taru Myöhanen-Mäkelä y su abuelo Tapio Myöhanen es violinista.La hermana menor de Mäkelä, además, es bailarina del Ballet Nacional de Finlandia.Mäkelä estudió en la Academia Sibelius. Su profesor de dirección fue Jorma Pamula y sus profesores de cello Marko Ylönen, Timo Hanhinen y Hannu Kiiski.Desde los 12 años Mäkelä formó parte del coro de la Opera Nacional de Finlandia y ya entonces se empezó a interesar por la dirección. Según dijo en una entrevista publicada por la Filarmónica de Berlín, durante una representación de "Carmen" se sintió "completamente arrebatado por la fuerza de la música" y pensó en el trabajo del director en el foso de la orquesta."Quería ser capaz de hacer lo mismo. Durante cinco años soñé con ser director hasta que al fin fui admitido en la clase de Jorma Panula", dijo entonces.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."La gente puede decir que a los 12 años el cerebro musical no está todavía completamente desarrollado. Pero cuando empiezas pronto, dirigir se convierte en algo completamente natural", agregó.Panula, nacido en 1930, es una leyenda como formador de directores de orquesta y siempre se interesó mucho por jóvenes talentos.Una de las cosas clave que le enseñó fue que tenía que ser la misma persona, independientemente de si estaba dirigiendo o no."Si tratas de ser alguien distinto cuando tienes una batuta en la mano la cosas no funcionan", explicó.Mäkelä dirige ya la Orquesta Real del Concertgebouw de Ámsterdam y ha sido director jefe de la Filarmónica de Oslo y de la Filarmónica de París y ha dirigido como director invitado diversas orquestas como la Orquesta Nacional de España, la Filarmónica de Berlín o la Filarmónica de Londres.Cuando, en una entrevista con la emisora alemana BR, se le preguntó acerca de cómo afectaba su juventud su trabajo como director respondió en la música la edad no tiene papel ninguno."Desde el punto de vista musical la edad no existe. Piense en Herbert Bloomstedt que a los noventa y tanto años sigue abriendo cada partitura como si fuera la primera vez", dijo.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde niño Louis Spohr es considerado un virtuoso del violín, tras dar su primer concierto a los 12 años, incluyendo algunas de sus propias composiciones e incorporándose a los 15 años a la capella del duque Ferdinand donde encontró el lugar preciso para su más completa educación musical.Louis Spohr se convierte no solo en un excelso virtuoso, sino que, a los veinte años, se une a la gran cadena de los compositores clásicos.Spohr escribió quince conciertos para violín, el primero compuesto en 1803 y el ultimo en 1844, siendo el más conocido de ellos, el concierto número ocho, que incorpora elementos absolutamente operísticos, pero recrea la forma al componer conciertos para dos violines o para clarinete.Louis Spohr además de gozar de una enorme reputación durante el siglo XIX como compositor, virtuoso del violín, director y profesor, también se destacó como un hombre de carácter noble, un convencido de creencias liberales y democráticas que no tenía miedo de hablar contra la represión y autocracia que abundaba en los pequeños principados germanos de la época.💬Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.Desde el comienzo de su carrera, Spohr expandió su paleta creativa a la ópera, el oratorio, la cantata, el lied, la sinfonía, la música de cámara y, sobre todo en sus primeros años de matrimonio escribió música que involucraba el arpa.Louis Spohr fue la antítesis del artista solitario y atormentado. Amaba las fiestas, era un talentoso pintor, buen nadador, jugaba ajedrez, billar, dominó y deportes con pelota, visitaba centros culturales e industrias, minas y otras instalaciones industriales solamente adquiriendo conocimientos. Además, se interesó en la política y durante el corto parlamento nacional germano que siguió a las revoluciones de 1830 y de 1848 asistió a tantos debates como pudo. Como director, Spohr promovió a muchos de los mejores compositores de su tiempo, incluso cuando no le atrajera del todo su estilo.El repertorio de Louis Spohr abarcaba desde los cuartetos, conciertos y sinfonías de Beethoven, incluyendo la novena sinfonía, así como Fidelio y la Misa Solemne del mismo Beethoven, óperas de Wagner como El Holandés Errante y Tannhäuser. También ayudó a resucitar aquellas obras maestras de Bach como la Pasión según San Mateo y hacia el final de su carrera fue agregando a su repertorio las obras de Schubert, Schumann, Berlioz y Liszt entre otros.Aunque Louis Spohr fue perdiendo estatus, sus mejores obras permanecieron en el repertorio a través de todo el siglo XIX. La ópera Jessonda fue presentada cada cierto tiempo en Alemania hasta que las autoridades nazis la prohibieron. El oratorio El Juicio Final siguió siendo interpretado por las sociedades corales británicas hasta la Primera Guerra Mundial.La importancia de Louis Spohr y lo que cautivó de él a sus contemporáneos fue la riqueza armónica y el manejo de la modulación y el cromatismo. Mientras el contenido de sus obras le hizo, junto con Weber, un pionero del temprano romanticismo, Louis Spohr siguió las proporciones clásicas en términos de forma aun cuando sus cuatro sinfonías programáticas ayudaron a establecer este género.Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Louis Spohr en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 1 de abril a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
En esta obra Carl Philipp Emanuel Bach ‘canta’ la resurrección y ascensión de Cristo. El autor del texto fue Karl Wilhelm Ramler (1725-1798), un poeta y académico berlinés. Junto con Los israelitas en el desierto y Los últimos sufrimientos del Redentor, La resurrección y ascensión de Jesús es uno de los tres grandes oratorios de Carl Philipp Emanuel Bach.El estreno de la composición de Bach tuvo lugar en un ambiente privado hace 250 años, el domingo de Pascua de 1774 en Hamburgo. Y la primera actuación pública tuvo lugar el 18 de marzo de 1778 en la sala de conciertos del Kamp de Hamburgo.Hamburgo fue el centro más importante de la oratoria alemana durante la primera mitad del siglo XVIII. Había dos tipos principales: el oratorio litúrgico de la Pasión con texto bíblico y poesía interpolada, que había surgido a mediados del siglo XVII, y el oratorio más nuevo de la Pasión con texto en gran parte, si no enteramente, poético. 💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Die Auferstehung und Himmelfahrt Jesu, aunque guarda afinidad con este segundo tipo en su extensión y en su configuración de un texto lírico con personajes anónimos, de hecho, fue considerada tanto por Bach como por Ramler como una cantata dramática.La opinión que Bach tenía de La resurrección y ascensión de Jesús era alta, como sabemos por las cartas que escribió a Ramler en 1781 y a Breitkopf en 1787. En la primera describe: "Es preeminente entre todas mis obras vocales en expresión y en composición", y a Bernhard Christoph Breitkopf (fundador de Breitkopf & Härtel, que al día de hoy es la casa de edición musical más antigua de Alemania), que “La resurrección y ascensión de Jesús sin egoísmo ridículo, durará muchos años, porque es una de mis obras maestras y una importante, de la que los jóvenes compositores pueden aprender algo”.Evidentemente Die Auferstehung und Himmelfahrt Jesu (La resurrección y ascensión de Jesús) no sólo era una de las composiciones favoritas de Carl Philipp Emanuel, sino que también pretendía que tuviera una función didáctica.El oratorio consta de 22 números, que se dividen en dos partes. La primera parte se centra en la resurrección de Jesús, la segunda en la ascensión. No se asignan roles dramáticos concretos a los cantantes y no se describe ninguna acción dramática. En cambio, las arias y coros retratan sensaciones, pensamientos y sentimientos que reflejan sus reacciones ante la resurrección y ascensión de Jesús. Aunque el libreto de Ramler se basa en parte en textos bíblicos, se compone principalmente de poesía original.El impacto posterior de la obra después de la muerte de Carl Philipp Emanuel Bach fue de gran alcance, llegando no sólo a las zonas católicas del sur de Alemania, sino que también se representó ocasionalmente fuera del mundo de habla alemana, en Inglaterra e Italia.La versión de Die Auferstehung und Himmelfahrt Jesu (La resurrección y ascensión de Jesús), Wq 240, de Carl Philipp Emanuel Bach (estrenada hace 250 años) que escucharemos hoy en Canto y Música Coral por HJCK.com estará a cargo de: Hellevi Martinpelto (soprano), Christoph Prégardien (tenor), Peter Harvey (bajo), el Coro del Collegium Vocale de Ghent y la Orquesta del Siglo de las Luces bajo la dirección de Philippe Herreweghe.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral el próximo domingo 31 de marzo a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Heinrich Schütz, uno de los más destacados compositores del Barroco alemán, dejó un legado musical perdurable, marcado por su profunda devoción religiosa y su habilidad para expresar las emociones más sublimes a través de la música. Entre sus obras maestras se encuentra la monumental "Historia de la Resurrección", una obra que captura la esencia misma de la celebración cristiana de la resurrección de Jesucristo. En este artículo, exploraremos la historia y la importancia de esta obra maestra en el repertorio de la música sacra.La "Historia de la Resurrección" fue compuesta por Heinrich Schütz en 1623, durante su período de servicio como Kapellmeister en la corte de Dresde, Alemania. Este período coincidió con la Guerra de los Treinta Años, un conflicto devastador que afectó profundamente a la región y a toda Europa. En medio de estos tiempos tumultuosos, la música sacra desempeñaba un papel crucial en la vida espiritual y cultural de la sociedad alemana, sirviendo como un bálsamo para las almas afligidas y como una expresión de esperanza en la redención divina.💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La "Historia de la Resurrección" es una obra monumental que consta de varios movimientos, cada uno de los cuales narra un episodio específico relacionado con la resurrección de Jesucristo. Schütz combina hábilmente textos bíblicos con textos litúrgicos y poéticos para crear una narrativa musicalmente coherente y emocionalmente poderosa. La obra está escrita en un estilo que refleja la influencia tanto de la polifonía renacentista como de las nuevas tendencias barrocas, con un énfasis en la claridad textual y la expresividad emocional.Schütz fue un pionero en el uso de técnicas musicales que expresaban de manera vívida el significado y la emoción del texto. En la "Historia de la Resurrección", emplea recursos como el cromatismo, los contrastes dinámicos y la escritura coral densa para retratar la angustia y la esperanza que caracterizan los eventos de la Pascua. Además, la obra presenta una variedad de formaciones instrumentales, incluyendo trompetas, timbales y cuerdas, que añaden color y dramatismo al relato.La "Historia de la Resurrección" de Schütz es una de las obras más importantes del repertorio de la música sacra del Barroco alemán. Su impacto duradero radica en su capacidad para trascender las barreras temporales y culturales, comunicando la esencia misma de la fe cristiana a través de la belleza de la música. La obra sigue siendo interpretada y admirada por su profundidad espiritual y su exquisita artesanía musical.La "Historia de la Resurrección" de Heinrich Schütz es una joya del repertorio de la música sacra, que destaca por su profundidad espiritual, su expresividad emocional y su ingenio musical. A través de esta obra, Schütz nos ofrece un poderoso testimonio de la fe cristiana y de la capacidad de la música para elevar el alma humana hacia lo divino. Su legado perdura como un recordatorio atemporal de la belleza y la trascendencia del arte musical en la experiencia humana.En resumen, la "Historia de la Resurrección" de Heinrich Schütz sigue siendo una obra inspiradora que continúa conmoviendo y elevando a quienes tienen el privilegio de escucharla. Su rica historia y su profundo significado la convierten en una de las obras más importantes del repertorio de la música sacra, y su belleza perdurará a lo largo de los siglos venideros.Podrá escuchar esta obra maravillosa en nuestro programa Barrocos y Clásicos, el domingo 31 de marzo a las 7:00 a.m. por la señal en vivo de la HJCK.
En esta audición de viernes de Semana Santa escucharemos Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz, de Franz Joseph Haydn y La Pasión de Nuestro Señor Jesucristo, según el evangelio de San Mateo, de Johann TheileCompiladas a partir de los cuatro Evangelios, las siete últimas "palabras", en realidad frases, pronunciadas por Jesucristo mientras estaba en la Cruz se han utilizado varias veces como base para las obras sacras de la Pasión.Por ejemplo, por Schütz en 1645, y Gounod en 1858, y más notablemente por Haydn. Sin embargo, la contribución de este último es un caso especial, ya que es una secuencia de meditaciones puramente orquestales sobre cada "palabra", que Haydn tituló: Música instrumental sobre las Siete Últimas Palabras de nuestro Redentor en la Cruz, o siete sonatas con una introducción, concluyendo con un terremoto.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La obra del austriáco Joseph Haydn "Las Siete Últimas Palabras de Cristo en la Cruz" fue compuesta en 1786 por encargo de la catedral de Cádiz, España. La obra originalmente estaba destinada a ser interpretada durante el Viernes Santo. La catedral había solicitado una obra que evocara la solemnidad y el significado de las palabras de Cristo durante la crucifixión.Un año más tarde, en 1787, la obra se estrenó en la catedral de Cádiz el Viernes Santo de 1787. Según los registros históricos, el efecto de la obra sobre la audiencia fue impactante, con informes que indican que los asistentes lloraban y se conmovían profundamente.Cada una de las siete sonatas refleja las palabras específicas pronunciadas por Jesucristo mientras estaba en la cruz, y Haydn captura el significado y la emoción detrás de estas palabras a través de la música. La obra es una meditación musical sobre el sufrimiento, la redención y la esperanza que se encuentran en el relato de la crucifixión.Entre cada una de las palabras, Haydn incluyó un breve intervalo de música conocido como "introducción" o "meditación", que proporciona un momento de reflexión sobre las palabras anteriores.Originalmente, la obra fue escrita para un conjunto de cuerdas, pero Haydn también adaptó la obra para piano solo, cuarteto de cuerdas y otras configuraciones. La versión más conocida es la adaptación para cuarteto de cuerdas.Esta noche de viernes Santo, a las 7:00 p. m. escuche en la señal en vivo de la HJCK la introducción y las cuatro primeras sonatas, de “Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz”, interpretada por la Orquesta Filarmónica de Berlín dirigida por el italiano Riccardo Muti.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En Los últimos sufrimientos del Salvador (compuesta por Carl Philipp Emanuel Bach entre 1769 y 1770), se concentran, por así decirlo, los principios compositivos más esenciales y se ofrece una visión profunda del pensamiento de Bach sobre una nueva música que debe ser, sobre todo, un lenguaje del sentimiento.Un solo coral y seis arias contrastan con once recitativos acompañados, algunos de los cuales conducen directamente a ariosos, como por ejemplo, en las secciones donde se representa la traición de Judas Iscariote (Den Menschenfreund willst du verrathen).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.O donde el silencio de Cristo ante Pilato se convierte en realidad en un silencio musical (Und doch, welch Beyspiel der Geduld); y finalmente, donde una sola palabra (muere) acompañada de un pizzicato en el bajo es suficiente para marcar la muerte del Salvador.En Música Antigua y del Barroco escucharemos la versión de la Cantata 'Die letzten Leiden des Erlösers' (Los últimos sufrimientos del Salvador), Wq 233, de Carl Philipp Emanuel Bach, que nos ofrecen Barbara Schlick y Greta de Reyghere, sopranos; Catherine Patriasz, contralto; Christoph Pregardien, tenor; Max van Egmond, bajo; el Collegium Vocale Gent y La Petite Band bajo la dirección de Sigiswald Kuijken.Esta obra será presentada en la nueva edición de Música Antigua y de Barroco, el próximo viernes santo (29 de marzo) a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
"El ejército ruso ha aniquilado las ciudades ucranianas. Ha exterminado sobre todo la cultura", denunció Loznitsa anoche al presentar el filme, fuera de competición, en las sesiones especiales de certamen de la Costa Azul gala, acompañado por parte de su equipo y por el delegado general del festival, Thierry Frémaux.La guerra lleva presente en Europa "desde hace diez años", recordó el también realizador del exitoso documental 'Maidan' sobre los disturbios civiles de 2013 y 2014 en la plaza central de Kiev, en referencia a que las agresiones rusas comenzaron hace mucho más de dos años, con la anexión unilateral de la península de Crimea en 2014.Pero a comienzos de 2022, enfatizó el director, el conflicto adoptó un "carácter extremadamente salvaje" con la invasión del país a gran escala por parte del régimen de Vladímir Putin.Fue ese mismo año cuando Loznitsa se embarcó en el rodaje de The Invasion, un camino que en cierta medida concluyó anoche, en la tercera jornada de la 77 edición del Festival de Cannes, mostrando al público el "dolor inconmensurable" de todos los ucranianos. "Contamos hoy con compartir ese dolor con vosotros", dijo Loznitsa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La vida interrumpida por las alarmas antiaéreasYa desde su introducción, con imágenes de funerales de soldados caídos en la defensa de Ucrania, The Invasion obliga a recordar que la guerra continúa, a pesar de que su peso en titulares haya decaído, y el impacto que eso tiene en millones de personas todos los días.Loznitsa, fiel a su estilo de planos generales estáticos y pacientes en los que la acción se va revelando por sí misma, bucea en todo tipo de escenas de lo cotidiano de su país.Es un día a día que a veces queda completamente transformado por la presencia permanente del conflicto, pero que en otras ocasiones, a fuerza de costumbre, prosigue solo sutilmente trastocado por la guerra.En las bodas, los novios van vestidos con su uniforme militar. En las calles se reparten víveres indispensables. En las escuelas, los niños dibujan tanques y las profesoras intentan continuar con su lección con normalidad, aunque tengan que dar la clase en refugios antiaéreos por la amenaza de las bombas rusas.Hasta en las librerías, los dependientes invitan tranquilamente a los clientes a salir del local porque han sonado las alarmas y hay que ponerse a cubierto.El realizador ucraniano muestra también que los libros han sido, de hecho, una parte significativa de la guerra al nivel cultural, a través de imágenes de la destrucción de cientos de ejemplares firmados por autores rusos o relativos esa cultura -ni Dostoyevski se salva-, en un intento de reafirmar la identidad ucraniana frente al invasor.De vuelta al nivel más humano de las consecuencias de la guerra, Loznitsa también visita un centro de rehabilitación en el que hombres y mujeres con miembros amputados aprenden a vivir con sus nuevas extremidades ortopédicas y muestra cómo sus compatriotas de fe cristiana ortodoxa continúan con los tradicionales baños helados triples para conmemorar el bautismo de Cristo.Las imágenes de los bombardeos están presentes, pero son siempre de los momentos posteriores. Es decir, no están las explosiones, pero sí sus consecuencias.Y es que a Loznitsa no le ha interesado hacer un documental sobre el frente de batalla -al estilo, por ejemplo, de la oscarizada este año 20 Days in Mariupol ('20 días en Mariúpol')-, sino sobre todo el dolor del pueblo que se encuentra detrás.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El filme, que lleva más de un mes en las carteleras, muestra no solo la distancia cultural, sino también la falta de acceso para entender cómo se percibe la realidad en las comunidades más alejadas del territorio andino peruano."En este país llamado Perú existen varias naciones y, por ende, somos culturas diferentes, me parece que todavía eso no se entiende", declaró Tito Catacora.El codirector, quien quedó a cargo del proyecto tras la muerte repentina de su sobrino Oscar durante el rodaje de la película, señaló que la obra busca mostrar "que el ser humano es cada vez más egocéntrico y piensa que la naturaleza está para dominarla y explotarla"."Nuestra cultura originaria considera que en este mundo nada es inerte, una piedra no es un objeto, sino que tiene vida", aseguró antes de añadir que, desde esa lógica, "el trato es distinto" en la relación con el mundo.El nuevo cine peruano'Yana Wara', que va por su quinta semana en cines a nivel nacional, se describe como una película de arte. "Hacemos este tipo de obras con la finalidad de que el espectador pueda reflexionar y proponer soluciones a los problemas que abordamos", sostuvo Catacora.La elección de lugares, el extenso territorio altiplánico, la lengua aimara como idioma principal en la película y la propuesta visual en blanco y negro, fueron hechas en conjunto por sus directores; sin embargo, el corte final fue liderado por Tito.La etapa de rodaje y edición llevó a que Tito pueda darle un toque más "racionalista y atrevido", lo que hizo que 'Yana Wara' tomara otro rumbo al que Oscar hubiera elegido."Obviamente yo soy más racionalista, a diferencia de Oscar, que era más emotivo. Si él hubiera culminado la película sería distinta. Pero creo que no se ha perdido el espíritu, eso se conserva" añadió.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Perú distanteAunque la ausencia de Oscar fue determinante en la elaboración final de 'Yana Wara', la propuesta de hacer un cine 'diferente', que revele la esencia y reivindique a la cosmovisión andina, es algo que perdura tras su muerte."Nosotros, los pueblos originarios, al estar aislados adolecemos de muchos servicios, educación, salud o incluso orden interno, pero no podemos hacer nada" comentó Tito.Aludió de esa manera a las circunstancias de la muerte de Oscar, quien sufrió una apendicitis en un lugar remoto de los Andes sin servicios de salud, una circunstancia que al igual que sus personajes de ficción lo condujo a la muerte."Un día antes estábamos grabando y es algo raro, pero es lo que ha ocurrido", comentó Tito, quien junto a su familia y el equipo técnico de la película trabajaba con Oscar."He evitado comentar lo que pasó exactamente, porque no soy médico, nosotros somos más pragmáticos, por más que se hable de mi sobrino y se realicen homenajes, mi sobrino no va volver", remarcó.Tito agregó que "solo sus familiares" lo llevan "en el corazón" y para ellos "él ya es como un dios menor". Reconoció, además, que "hacer cine es difícil" en Perú, aunque el legado que construyeron con Oscar es algo que desea continuar. "Seguiremos hasta donde tengamos las posibilidades", prometió. Añadió que, en 'Yana Wara', se puede ver el contraste entre lo místico y lo humano, la visión andina y la de ciudades como Lima Metropolitana.Se menciona, por ejemplo, a personajes fantásticos como el 'Anchanchu', un espíritu maligno que es considerado dueño de la riqueza, y al que muchos mineros se encomiendan por oro y plata. "Nosotros pensamos que, para dar a conocer nuestra visión, era necesario tratar sobre los espíritus malignos", dijo Catacora.A partir de eso, sus directores incorporaron otros temas, como la violencia de género, la medicina andina y la justicia comunal."Para nosotros hablar del 'Anchanchu' no es ningún mito ni algo fantasioso, sino es algo real y tangible, yo mismo los he escuchado y sé cómo se expresan, alguien me dirá que estoy delirando, pero no es así", concluyó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cantautor cubano Silvio Rodríguez lanzará en junio Quería Saber, su primera producción discográfica en tres años y en la que incluye temas compuestos durante este "maltrecho" siglo, informaron este jueves sus estudios Ojalá."El próximo viernes, 7 de junio, se presentará en las principales plataformas digitales de música el álbum Quería saber, de Silvio Rodríguez", señaló Ojalá en un comunicado publicado en el blog Zurrón del Aprendiz, del famoso artista.Según Ojalá, antes del lanzamiento, los seguidores de Rodríguez, de 77 años y fundador de la Nueva Trova Cubana, podrán disponer de dos sencillos: Quería saber, el 24 de mayo, y América, siete días después.Es el 22º disco de la extensa carrera de Rodríguez, autor de temas antológicos como La era está pariendo un corazón y Ojalá.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La única canción del disco "que no es de este siglo" es "Tonada para dos poemas de Rubén Martínez Villena", un destacado escritor y revolucionario cubano que vivió entre 1899 y 1934, cuya música compuso a principios de la década de 1970."Las demás canciones, las actuales, las canté en muchos conciertos de barrio, y creo que son como este joven y maltrecho siglo, al que espero que un buen día le crezcan alas", afirma Rodríguez en el comunicado, refiriéndose a los más de 100 recitales que realizó entre 2010 y 2020 para llevar su música a los barrios más humildes del país.El artista también reflexiona sobre el título del álbum: "Es difícil ponerle nombre a un disco"."Primero iba a ser Canciones del siglo XXI (menos una). Después pensé en Después. Por último, me he decidido por Quería saber. Aunque quizá debería llamarse Quiero saber, porque eso es lo que me mueve", apuntó.Su última producción discográfica data de 2021 cuando presentó Silvio Rodríguez con Diákara, según Zurrón del Aprendiz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Chabuco (Valledupar, Colombia, 1975), que este sábado actúa en Sevilla (sur de España) acompañado de Rocío Soto y otros artistas invitados, dijo en una entrevista con EFE que para él "todas las colaboraciones con mis amigos músicos son importantísimas. He tenido muchas que me han llenado de sueños y se me han cumplido, pero todavía me faltan muchas por cumplir porque considero que en la música y en el arte en general se trata de compartir, no de dividir".El colombiano señala que la música vallenata, que él fusiona con otros géneros como el jazz, el bolero o el rock, tiene una "gran aceptación" y "a pesar de la discriminación que sufrió durante muchos años, se mantiene vigente"Sobre si un artista debe tener su sello personal o adaptarse a los cambios de gustos musicales, Chabuco responde que los músicos "debemos tener nuestro propio camino. Yo por mi trabajo y experiencia creo en lo que hago, en la música de mis raíces, y creo que si hay que recibir algún reconocimiento es haciendo la música bajo tu convicción".Para Chabuco, "la mezcla entre el folclore campesino, que es de donde yo vengo allí en Guajira, con la música que más me ha gustado, desde que he crecido escuchando a muchos artistas diferentes, hace que mi música tenga una particularidad: el encuentro entre el campo con la música moderna".Chabuco comenzó su recorrido musical a final de la década de 1990 y a mediados de los 2000 publicó su primer álbum como solista, titulado "Morirme de amor".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Antes había menos oportunidades para los artistas que querían mostrar su música, pero ahora, con todas estas cosas de las plataformas digitales, creo que todos tenemos una cabida para mostrar nuestros discos y que no solamente por medio de negocios entre disqueras puedas sacar tu música".Con la discográfica Sony publicó el álbum "Encuentro", en el que colaboró con Alejandro Sanz. Chabuco aconseja a los jóvenes artistas que, al margen de compañías discográficas, "crean en su música y en lo que hacen para que así la música pueda coger su cauce sincero hacia lo que ellos quieren, porque lo demás se va juntando en el camino".Su actual gira, que comenzó en febrero, tiene un formato acústico y, aunque en Colombia tiene su banda, Chabuco dice que "hay momentos en los que tengo que hacer giras acústicas. Me gusta de las dos formas. El piano es un poco más desnudo, más puntual con la gente, pero siempre me gusta tocar con mi banda, que es un cuarteto de músicos maravillosos".El colombiano se siente muy satisfecho de la acogida que está teniendo en España: "Está siendo una gira maravillosa por todo este país que amo, donde la gente me recibe con mucho cariño".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este 18 de mayo es el Día Internacional de los Museos y en Bogotá se celebrará con entrada gratuita al Museo Nacional de Colombia y a todos los museos regionales del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes.Tras la declaratoria del Consejo Internacional de Museos (ICOM) en 1977, esta fecha une cada año, a través de una variada agenda cultural y educativa, a la comunidad museística de más de 150 países y territorios. El año pasado participaron más de 37.000 museos alrededor del mundo.En el 2024, el tema central de este encuentro será “Museos por la educación y la investigación”, con el cual se reconoce a estos espacios como centros educativos dinámicos que fomentan la curiosidad, la creatividad y el pensamiento crítico.Es por eso que este 18 de mayo, en el Museo Nacional de Colombia, celebraremos también el trabajo de años del equipo de Acción Educativa y Cultural, encargado de los programas que, más allá de fortalecer y desarrollar conocimientos, generan experiencias y reflexiones sobre las colecciones, el Museo y el patrimonio. Cada una de sus estrategias son didácticas y accesibles para todo público, incluida la población en condición de discapacidad.Desde hace más de 20 años, el Museo Nacional de Colombia cuenta con el Curso de Formación y Voluntariado, un espacio de encuentro ciudadano que promueve la apropiación y reconstrucción de saberes. Este año, este curso contará con una nueva generación.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En Bogotá, la Casa Museo Quinta de Bolívar, el Museo de la Independencia Casa del Florero, el Museo Santa Clara y el Museo Colonial se unen a la celebración mundial con una programación cultural y educativa que incluye talleres y recorridos.Conozca la programaciónMuseo Nacional de Colombia📍Carrera 7 n.° 28-66Jornada de estampación serigrafía: Conéctate con los museos como lugares donde podemos compartir, aprender, cuestionar y crear. Trae tu prenda o papel para estampar. 2:00 p. m. a 4:00 p. m.Crea tu museo: ¿Alguna vez has pensado cómo sería el museo de tus sueños? ¿Cuáles objetos tendría? ¿Qué historias contaría? Reflexionemos sobre nuestro pasado, presente y futuro. Crea tu propio museo a través de nuestro material didáctico. 11:00 a. m. a 12:30 m.Fragmentos: Espacio de Arte y Memoria📍Carrera 7 n.º 6b-30Exposición Desminar: Una instalación de la artista mexicana Tania Candiani, con curaduría de Gabriela Rangel. Desminar fue creada para este lugar específico y propone un análisis topográfico del contra monumento Fragmentos a partir de un detector de minas con el que se busca traducir, en imagen y sonido, la memoria de violencia que subsiste en cada una de las placas de metal que integran el suelo de este espacio. Martes a domingo / 9:00 a. m. a 5:00 p. m. Entrada libre y gratuita.Casa Museo Quinta de Bolívar📍Calle 21 n.° 4A-30 EsteRecorrido:Un viaje por las historias y anécdotas no sólo de su huésped más memorable, sino de otros personajes y acontecimientos que hacen que la Casa Museo Quinta de Bolívar sea uno de los espacios más destacados para visitar en el centro de Bogotá. 11:00 a. m. y 3:00 p. m.Taller memes, stickers e iconografía: ¿Qué tienen que ver los memes que usamos en redes sociales con las pinturas del siglo XIX? En esta nueva propuesta pedagógica se analizará uno de los fenómenos culturales más interesantes de la era digital: los memes y cómo representan nuestras formas de consumo cultural actual, así como en el siglo XIX las imágenes de los próceres, las batallas y las costumbres cumplieron su función y se consumieron y dieron lugar a una nación. 2:00 p. m. (inscripción aquí).Museo de la Independencia Casa del Florero📍Carrera. 7 #11-28Recorridos: Conoce la historia y la colección de este Museo. ¿Cuándo se dejó de llamar Museo del 20 de Julio? ¿Cuántas piezas y cuáles hacen parte de los procesos de independencia? ¿Qué pasó en Bogotá y en el país en 1810? Preguntas, reflexiones y anécdotas que hacen parte tanto del lugar como de la misma historia reciente del país. 11:00 a. m. y 3:00 p. m.Costurero de independencias- Taller de foto bordado: En este taller se analizarán intervenciones en fotografías históricas del centro de Bogotá y del Museo de la Independencia Casa del Florero. Se compartirán historias sobre el museo, los cambios que ha experimentado Bogotá y el patrimonio cultural que la rodea. 10:00 a. m. (inscripción aquí).¡Imprime tu postal!: Visita nuestra estación de sellos e imprime manualmente tu postal, con distintos motivos de las láminas de la Comisión Corográfica. 9:00 a. m. a 5:00 p. m.Recorrido por el centro histórico de Bogotá: ciencia, educación y revoluciónAlgunos lugares del centro histórico de Bogotá estuvieron ligados al pensamiento revolucionario del proceso de independencia de la Nueva Granada. A propósito del Día Internacional de los Museos, se realizará un recorrido por algunos espacios e instituciones científicas y educativas, como la Casa de la Expedición Botánica, el Colegio Mayor de San Bartolomé y la Universidad del Rosario.Punto de encuentro: iglesia de San Agustín, carrera 7 n.° 6C-25 Bogotá10:00 a. m. ( inscripción aquí: htps://forms.office.com/r/VucmLwfajU)Recorrido por La Candelaria y sus museosSe explorarán lugares tal vez desconocidos para quienes recorren las calles de La Candelaria. Se descubrirán los patios interiores de lugares icónicos de la zona, con los museos de la calle sexta. Áreas educativas del Museo del Oro, Museo de Trajes, Museo Arqueológico Musa y Museo Colonial. 11:00 a. m. (inscripción aquí). Punto de encuentro: Museo del Oro (carrera 6 n.° 15-88).Museo Colonial📍Carrera 6 #9-77Visita-taller: La imagen en la Colonia y el tarot: Este espacio fusiona la historia, el arte y la interpretación. Primero se realizará un recorrido donde se explorarán piezas seleccionadas y se abordará la imagen colonial con algunas claves iconográficas inspiradas en el tarot. En la segunda parte, las talleristas proponen una actividad manual, en la que cada participante creará su propia carta o arcano aplicando la técnica del collage. Materiales incluidos. 2:00 p. m. (inscripciones aquí).No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.