Mostrando la foto de la carátula del libro, Cisneros explica que se trata de una mujer completamente desnuda pero tapada con una hoja de un nopal porque las mujeres despojadas de su ropa "asustan" y se pregunta el ¿por qué?. "Pues esa es la pregunta; por eso escribo poesía. ¿Por qué asustamos nosotras las mujeres desnudas? o no podemos hablar de algunos temas porque los hombres se asustan", dice con picardía la escritora.Su nuevo libro es una recopilación de pensamientos íntimos de los últimos 28 años que, dice, escribió para ella misma en tiempos "con mucha censura del Gobierno, de la cultura, de la Iglesia". "Intento siempre decir lo que pienso y para eso sirve la poesía", reitera la autora de "The House on Mango Street", novela con la que saltó a la fama en los años ochenta y que ahora ha adaptado para llevarla a la ópera.Cisneros, nacida en Chicago de padres mexicanos y radicada desde hace casi una década en San Miguel de Allende (México), señala que aunque escribe en inglés, algunos de los poemas de "Mujer sin vergüenza" le salieron en español. "La palabra sinvergüenza nunca me ha gustado porque es como una piedra para lanzar contra una mujer, es una manera de juzgarla. He intentado vivir como una mujer sin vergüenza, no una sinvergüenza", aclara."Una mujer sin vergüenza es una mujer que queda bien con ella misma, (es) vivir fuera de lo común, de cómo la Iglesia, el Gobierno del Estado, el papa, el papá, de cómo ellos dirigen. He intentado ese camino desde que fui muy joven", recuerda.La escritora deploró el retroceso estadounidense en temas como la legalidad del aborto, como también la prohibición en el país de más de 1.600 textos escolares que hablan de las raíces hispanas, el racismo o la identidad de género, entre otros temas de minorías. "Más que nada me da vergüenza, me da pena, me da como rabia y me da ganas de resistir, pero también veo que los jóvenes y las mujeres están resistiendo y eso me acuerda de los años 60, los años 70 y me anima", señaló.Recordó que "The House on Mango Street" fue prohibido por juntas escolares de Kentucky y Arizona que ni siquiera cree que llegaron a leer el libro en momentos que querían arrasar con los estudios mexicoamericanos en varios estados."Estamos viviendo unos tiempos fuertísimos y hay que resistir, hay que comprar los libros que están censurando y regalarlos a jóvenes, a bibliotecas, leerlos, apoyar a los autores", subrayó. Invitó además a gastar "los centavos" en libros escritos por los latinos en Estados Unidos, que "nos despiertan, nos ayudan a organizarnos" y que espera que lleguen "a manos de los anglosajones y de los políticos"."La soledad es sagrada" Durante la entrevista con Efe, Cisneros, de 67 años, declamó con humor uno de sus poemas en el que anima a las mujeres mayores a reconocer su belleza y esplendidez pese a la edad. "No vieja, corrección, añeja", dice en una de las partes Cisneros, que se reconoce como "una payasa", que usa el humor al tiempo que se va quitando los tapujos impuestos por la sociedad.Es una forma más de insistir en su mensaje a las mujeres de ganar su propio dinero, controlar su fertilidad - aunque en "Estados Unidos "los políticos nos están robando ese derecho de dirigir nuestros cuerpos"- y a valorar la soledad como algo "sagrado". "No podemos controlar nuestro destino sin ganar nuestro propio dinero", subraya. Y sobre la soledad dice que "es un regalo de la divina providencia. Cuando estamos solas podemos dedicarnos a alimentarnos a nosotras mismas, a levantarnos a nosotras mismas antes de cuidar a los demás".Del poemario, traducido al español por la poeta mexicana Liliana Valenzuela, dice que se quedó "con la boca abierta" porque no sabía que tenía tanto material manuscrito como para un libro. "La poesía es algo muy íntimo, muy privado que escribo para mí misma", recalca. "Tengo un poema que habla de todos mis amantes y he tenido muchos", cuenta para responder qué fue lo que más le costó trabajo de narrar de sus intimidades.Agrega que además descubrió que uno de ellos, también poeta, le dijo cuando era joven que no lo fuera a incluir en alguno de los poemas, pero que ahora se da cuenta que quería todo lo contrario. "Él quería, pero como era muy macho no sabía cómo decirlo", dice. Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
La argentina María Negroni dará este miércoles el discurso inaugural de un evento que se prolongará hasta el próximo domingo y que servirá, como cada año, para acercar la literatura al mayor número de personas posible, pero siempre desde un punto de partida festivo y "descontracturado"."El festival siempre tuvo la particularidad de ser en la primavera y me parece que ahora se potencia mucho más ese reencuentro, empezar a salir a la calle, tomar los espacios... Esta necesidad que siempre hemos respirado me parece que este año se va a notar más que nunca", asegura a Efe Amalia Sanz, directora de la Fundación FILBA.Autores de diez paísesTras dos ediciones truncadas por la pandemia de coronavirus, en las que gran parte de las actividades se desarrollaron de forma virtual, el FILBA ha recuperado la plena presencialidad este año, como muestra la confluencia de más de 80 escritores procedentes de 10 países.Diego Zúñiga (Chile), Clyo Mendoza (México), Laura Fernández (España) y Laurie Anderson (Estados Unidos) son algunos de los autores extranjeros que viajarán hasta Buenos Aires para participar en esta edición, en la que coincidirán con voces tan consagradas del panorama local como Pedro Mairal, Leila Guerriero y Claudia Piñeiro, entre muchas otras.Desde la Fundación FILBA, entidad organizadora del evento, confiesan que existe "mucha expectativa" por este reencuentro no sólo de los escritores con sus lectores, que se verán en pasillos, cafeterías y librerías, sino entre los propios autores y miembros del sector editorial."El festival tiene una escala que hace que sea una experiencia muy cálida. No es una enorme feria y el acceso, ese encuentro, es real. Si a vos te interesa mucho conocer a McKenzie Wark, no hay dudas de que vas a terminar charlando con ella. La atmósfera que se busca es que se puedan dar ese tipo de reencuentros", señala Sanz.Bajo el lema "Fuerza Activa", el FILBA de este 2022 trazará las "distintas constelaciones" del activismo en el seno de la literatura, ya sea desde la naturaleza, la imaginación, la ciencia ficción o la política."Tenemos un montón de propuestas que buscan pensar cómo estamos intentando modificar, transformar, motorizar desde la literatura los distintos planos de la sociedad en general", afirma a Efe Catalina Labarca, programadora de contenidos del festival.El "lado B" de la FILBAAdemás de las charlas con escritores y los talleres literarios, una seña de identidad del FILBA son sus noches, ese "Lado B" que permite una conexión única entre la literatura, disciplina solitaria por excelencia, y el ocio.En esta ocasión, el festival ofrecerá dos fiestas nocturnas: una noche de poesía en Eterna Cadencia, hermosa librería del barrio porteño de Palermo, y una de las míticas "Francachelas" de la librería Aristipo, en donde choripanes, vinos y música callejera acompañarán a los lectores frente a una enorme mesa de libros recomendados."Nosotras intentamos conjugar eso que tiene la literatura, que es el encuentro con quien escribe un libro, con actividades un poquito más descontracturadas", argumenta Labarca, sobre un "Lado B" que pretende "encontrarse con la palabra escrita desde otro lugar".Literatura como refugio Este festival, cuyas actividades vuelven a ser totalmente libres y gratuitas, permitirá reivindicar ese espacio de protección y cobijo que supone la literatura, en un país que atraviesa diversas convulsiones en el plano político, social y económico desde hace varios años.Si bien la literatura, para Amalia Sanz, no debería cumplir ninguna función social, sí que puede representar un "refugio" para muchas personas, sin que eso implique abandono o renuncia ante los problemas de la realidad."Este año vamos a indagar en el activismo literario, cuando la literatura dice, cuando la literatura sacude conciencias, cuando la literatura denuncia, cuando muestra lo doloroso, tiene ese doble juego. No necesariamente es sana la literatura, la literatura puede lastimar, y esa también es su fuerza y su potencialidad", sentencia la directora de la Fundación FILBA.Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El miedoEn el eco de mis muertesaún hay miedo.¿Sabes tú del miedo?Sé del miedo cuando digo mi nombre.Es el miedo,el miedo con sombrero negroescondiendo ratas en mi sangre,o el miedo con labio muertosbebiendo mis deseos.Sí. En el eco de mis muertesaún hay miedo.InvocacionesInsiste en tu abrazo,redobla tu furia ,crea un espacio de injuriasentre yo y el espejo,crea un canto de leprosaentre yo y la que me creo.El despertar (Fragmento)A León OstrovSeñorLa jaula se ha vuelto pájaroy se ha voladoy mi corazón está locoporque aúlla a la muertey sonríe detrás del vientoa mis deliriosQué haré con el miedoQué haré con el miedoYa no baila la luz en mi sonrisani las estaciones queman palomas en mis ideasMis manos se han desnudadoy se han ido donde la muerteenseña a vivir a los muertosSeñorEl aire me castiga el serDetrás del aire hay monstruosque beben de mi sangreEs el desastreEs la hora del vacío no vacíoEs el instante de poner cerrojo a los labiosoír a los condenados gritarcontemplar a cada uno de mis nombresahorcados en la nada.SeñorTengo veinte añosTambién mis ojos tienen veinte añosy sin embargo no dicen nadaSeñorHe consumado mi vida en un instanteLa última inocencia estallóAhora es nunca o jamáso simplemente fueMadrugadaDesnudo soñando una noche solar.He yacido días animales.El viento y la lluvia me borraroncomo a un fuego, como a un poemaescrito en un muro.Yo soy...mis alas?dos pétalos podridosmi razón?copitas de vino agriomi vida?vacío bien pensadomi cuerpo?un tajo en la sillami vaivén?un gong infantilmi rostro?un cero disimuladomis ojos?ah! trozos de infinitoHija del vientoHan venido.Invaden la sangre.Huelen a plumas,a carencias,a llanto.Pero tú alimentas al miedoy a la soledadcomo a dos animales pequeñosperdidos en el desierto.Han venidoa incendiar la edad del sueño.Un adiós es tu vida.Pero tú te abrazascomo la serpiente loca de movimientoque sólo se halla a sí mismaporque no hay nadie.Tú lloras debajo del llanto,tú abres el cofre de tus deseosy eres más rica que la noche.Pero hace tanta soledadque las palabras se suicidan.Mendiga vozY aún me atrevo a amarel sonido de la luz en una hora muerta,el color del tiempo en un muro abandonado.En mi mirada lo he perdido todo.Es tan lejos pedir. Tan cerca saber que no hay.
Hace un par de años conocí la poesía de Alejandra Pizarnik, la sentí al principio dolorosa, sin embargo, me adentré en su bosque lleno de monstruos aterradores que la consumieron poco a poco. Pensé en Alejandra como una niña que nunca quiso crecer, que como Alicia solo quería ver el jardín (como ella misma mencionó alguna vez), pero este mundo atroz la obligó a convertirse en lo que siempre rechazo.La escritura de Pizarnik llegó a mí cuando la niebla no me dejaba ver, todo oscuro sin destello alguno, pegajoso y sombrío, áspero y feroz; sentía que la vida se me iba en un suspiro o en una lágrima, que en cualquier momento desaparecería con la última de ellas. En medio de un evento multitudinario de libros pedí sus poemas, con mis pocos ahorros los compré y me encogí en un rincón a devorarlos hambrienta.Comencé cuidadosamente como si estuviera velando lo más puro, leí uno por uno, marqué mis favoritos, escribí lo que me hicieron sentir (como hacía ella con sus lecturas, todo lo sabías Alejandra), lloré con algunos y me clavé en otros. Su poesía se convirtió en aquel lugar seguro a donde corría asustada cuando el mundo de alrededor se volvía hostil, yo tampoco quería crecer, me quería quedar niña.Pasé de leerla a aprender de ella, escribí también mis penas, lo que dolía de tan adentro, la falta de cariño, el estrés, el abandono; todo lo escribí y nunca lo compartí, Alejandra quemó más de 100 poemas un día, yo decidí enterrarlo todo, tan bajo tierra que ya se debe estar pudriendo. Pizarnik era tan minuciosa, cada cosa que le gustaba la anotaba, andaba con libretas pequeñas por todas partes, a mano todo, como un tesoro a la memoria.Lea aquí: Julio Cortázar y sus clases magistrales.El mundo real fue cruel con ella, no encajaba en una vida burguesa llena de gente estirada y bien vestida, Alejandra siempre se peinaba y se vestía igual, pero era completamente única, no hubo nadie como ella, sus amigos así lo dicen, fugaz, épica, inmensa. En alguna carta Julio Cortázar le escribió que a veces le recordaba a La Maga de Rayuela, pero ella fue más que un personaje, fue el pilar de la poesía.Alejandra y yo nos enamoramos, separadas por los años, escribimos cartas de amor y poemas incontables para quienes amamos, sumidas en el amor firmamos las cartas como “tuya, Alejandra”; yo sin darme cuenta de que había algo de ella en mí. Pura coincidencia llevar su mismo nombre, ese que rechazó al principio de su escritura y que luego se volvió el sello de su literatura.En algún momento de mi vida sentí dedicarme a la poesía, puede que no sea tarde todavía. Un día me senté a hablar con una amiga y nos surgió la pregunta ¿por qué siempre escribimos de la tristeza? Se sintió depresivo, lúgubre, desesperanzador, pero mientras volvía a casa pensé que la tristeza es el medio y escribir es el refugio; así te veo Alejandra, leerte fue el orificio en el árbol más grande del jardín, en donde me escondí del miedo y te consumí toda.Fuiste esa niña herida que nunca quiso ser mujer, que abrió un mundo para aquellos a quienes nos pesa la vida tan abrumadora, escribiste tanto de ti misma que te reflejaste como un espejo magnífico ante la gente, la muerte vino por ti, tú la llamaste desesperada, pero vives, vives dentro de mí, ya te tengo muy dentro y te consagro como niña amiga de mi niña interna, quédate aquí, Alejandra, todavía no te vayas.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
La Fundación Gabo anuncia como ganador del Reconocimiento a la Excelencia del Premio Gabo 2022 al escritor y periodista mexicano Juan Villoro, una de las voces más importantes de la crónica y la literatura actuales, y un excepcional intérprete y narrador de las realidades sociales, culturales y políticas de México, América Latina y el mundo.Este premio a Villoro es, según el Consejo Rector, una exaltación a un narrador “que cautiva a través de la palabra viva, que respeta, conoce y usa como pocos” y a un “gran hablador del idioma que enseña a afinar el lenguaje para contar con hermosura y eficacia” en diversidad de géneros que van desde columnas y cuentos infantiles, hasta obras de teatro y crónicas.“Esta es una forma de regresar al corazón de la Fundación Gabo para reafirmar el poder del periodismo narrativo que tanto impulsó nuestro fundador, y recordar su misión: promover que el oficio se desarrolle bajo los más altos parámetros de rigor y calidad”, menciona el consejo rector acerca del reconocimiento a Villoro.Las crónicas de Villoro son grandes referentes de este género híbrido entre la novela, el reportaje y el ensayo que el mismo autor mexicano denominó “el ornitorrinco de la prosa". De acuerdo con el Consejo Rector, el homenajeado “es un hombre que, al salir a la calle, es capaz de convertir cualquier tema en atractivo: en una crónica maravillosa, una crítica social aguda, una intervención necesaria en la conversación pública”, tal como se lee en otro aparte de su decisión.Visite también: "Cien años de soledad", en la voz de Gabriel García MárquezVilloro recibirá el Reconocimiento a la Excelencia el sábado, 22 de octubre en Bogotá, Colombia, durante la ceremonia de entrega del Premio Gabo, en el marco del 10º Festival Gabo. Este será, además, el espacio para homenajear a los ganadores de las cinco categorías de concurso del Premio: Audio, Cobertura, Fotografía, Imagen y Texto.El escritor hará parte también de la programación del Festival, la más grande fiesta del periodismo, la ciudadanía y la cultura de Iberoamérica, que en 2022 festeja su regreso a la presencialidad y llega por primera vez a Bogotá. El evento se llevará a cabo los días 21, 22 y 23 de octubre en el colegio Gimnasio Moderno y será el escenario principal de celebración de los 40 años del Nobel concedido a Gabriel García Márquez.Juan Villoro se une así a un grupo de profesionales ejemplares que han recibido el Reconocimiento a la Excelencia del Premio Gabo desde su creación en 2013: Giannina Segnini (2013), Javier Darío Restrepo y Marcela Turati (2014), Dorrit Harazim (2015), el equipo de El Faro (2016), Jorge Ramos (2017), Ignacio Escolar (2018), Jesús Abad Colorado (2019), el equipo de Radio Cooperativa (2020) y Pedro X. Molina (2021).No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En una entrevista con EFE, el autor se refirió así a la situación de su país y al ascenso de la extrema derecha en las elecciones de este domingo en Italia.Zurita inaugura hoy las actividades del curso del Centro de Estudios Literarios Iberoamericanos Mario Benedetti (CeMaB) de la Universidad de Alicante, donde presentará su novela autobiográfica "Sobre la noche el cielo y al final el mar" (2021), en la que narra sus años durante la dictadura.En la obra trata la experiencia de un grupo de "pequeños tipos rotos en un pequeño país roto que se juntaron e intercambiaron sueños", con la idea de que "nunca la escritura es igual a la vida, a lo vivido, pero, al mismo tiempo, entre lo escrito y la realidad hay una fisura sin fondo que, aunque sea muy angosta, es muy difícil cruzarla".Considerado el poeta chileno de mayor repercusión mundial después de Pablo Neruda, este hombre, profundamente reflexivo en cada frase que pronuncia, cree que "no se puede perdonar al tirano, porque ha cometido crímenes; matar a un hombre es algo impresionante e imperdonable; no se lo mata una sola vez, sino infinitas veces".Arte contra el fascismoSobre la situación de Chile, después de que se rechazara recientemente en referéndum la propuesta de la nueva constitución, Zurita confiesa que se derrumbó "un sueño", un "largo periodo de lucha".Pero aunque mantiene una visión escéptica, asegura que "persiste la esperanza" y remarca: "El oficio del arte es el oficio de la esperanza". Podría interesarle: Leonardo Padura: La Habana es casi un personaje más de mis novelasCalifica el fracaso de impulsar una constitución en su país de "golpe blanco", un término que también empleó al referirse al ascenso de la extrema derecha en Italia.Según Zurita, "el fascismo es más que un movimiento popular (...), sigue surgiendo", y es "más difícil erradicarlo" porque "se reviven viejas nostalgias", aunque también contribuyen a ello los mensajes del "miedo" y de las "mentiras" que se transmiten a la opinión pública. "Se espolean las sospechas y el miedo en fenómenos como la emigración en Europa, lo que va generando mentiras", una dinámica que "está haciendo mella" en la sociedad, según el poeta chileno, para quien los conceptos de "justicia y equidad, más que perderse, no se han entendido".Frente a ese proceso, aduce, el arte representa "un espacio de libertad" que no puede ser arrebatado y "tiene marcado el signo de la esperanza". Para leer: Modificar la riqueza desató la histeria de la derecha chilena, dice Diamela EltitSubraya que "el arte es un antídoto", a pesar de que la poesía no derribará una dictadura, y argumenta que "toda revolución implica un acto de imaginación".Un innovadorSobre sus proyectos literarios, apunta que está escribiendo poemas susceptibles de ser acompañados de música, en los que se refleja, entre otros, el concepto de la fugacidad.Doctor 'honoris causa' por la Universidad de Alicante (2015), Raúl Zurita es una de las voces más originales y auténticas de la poesía contemporánea: Premio Pablo Neruda (1988) y Premio Nacional de Literatura de Chile (2000), entre otras distinciones.Ha protagonizado acciones de indudable impacto, como la escritura de su poema "La vida nueva" con el humo lanzado por varias avionetas que surcaban el cielo de Nueva York (1982) o esculpir en el desierto de Atacama con retroexcavadoras la frase "Ni pena ni miedo" (1993), con la que simbolizaba la actitud que mantuvo frente al régimen de Pinochet.Y ha ideado el "diálogo con Chile", que consistiría en proyectar frases poéticas sobre unos acantilados del norte de su país, que solo se podrían ver y leer desde el mar. "Es un sueño" de momento, reconoce. Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En una entrevista con EFE debido a su participación en la novena edición del festival Centroamérica Cuenta celebrado en Madrid esta semana, Navarro (Ciudad de México, 1982) se refiere a su vida en España, donde reside hace algo más de cuatro años, y desde donde ve que se está "desmantelando el Estado de bienestar".En esa línea, la autora de "Ceniza en la boca" o "Casas vacías" subraya las "grandes similitudes" que existen entre las autoras latinoamericanas migrantes en España como la peruana Gabriela Wiener o la ecuatoriana Mónica Ojeda y que están aportando otra visión al mercado editorial español."Tenemos grandes similitudes respecto a los feminicidios, la violencia, la precariedad eterna del mundo de la cultura, cuando te encuentras personas latinoamericanas en este ámbito cultural hace que nos empecemos a cuestionar la seguridad aquí y el Estado de bienestar aquí y tener esta sensación de que nos lo están desmantelando", analiza.Así, asegura que no quieren que "llegue lo que se vive allá", en algunos países latinoamericanos: "no queremos que haya ciudades de miedo pero nos las están construyendo frente a nuestros ojos".Según explica, en las "ciudades de miedo no te sientes segura, sientes que no tienes futuro, tienes que quedarte encerrada en casa para que no te pase nada o quedarte con un trabajo precario porque no hay más"."Piensas que no vas a cambiar nada porque la estructura es tan agobiante que es mejor mantenerte en el anonimato, eso es lo que hacen las grandes ciudades, eso es construir el miedo, no hay espacios de gozo de verdadero ocio, sino que te piden que consuman", prosigue.Y es que medio de una crisis económica con alzas de los precios por la subida de los tipos de interés y la inflación, Navarro tiene claro que se va hacia un escenario más individual en el producir es la clave para el sistema."Eso es la ciudad de miedo: no voy a tener dinero para salir a tomarme una cerveza, para ver a mis amigos, ese miedo es una cosa con la que hemos vivido y que empezamos a percibir que se vive mucho mas aquí porque se están desmantelando cosas que estaban dadas por sentadas", incide.Las mujeres ya no quieren leer "la triste historia del hombre blanco burgués"Para Navarro, el panorama editorial está cambiando y las grandes editoriales se están dando cuenta de que las mujeres ya no quieren leer "la triste vida del hombre banco burgués" sino que buscan historias en las que reconocerse."Las mujeres queremos leer a mujeres porque estamos cansadas de leer la triste vida del hombre blanco burgués que piensa en su individualidad cuando hay mucho mas allá, no tienes que hablar de violencia o movimientos sociales simplemente algo que no sea el hombre atormentado por ser hombre", añade.En ese sentido, reconoce que el mercado editorial se está abriendo a publicar a muchas más mujeres, pero critica que solo sea "a cierto tipo de escritoras de clase media con una educación superior, no a mujeres latinoamericanas en todo el espectro"."Hay un montón de mujeres latinoamericanas que tienen mucho que decir y crear, a las que no se les mira todavía por vaya a saber qué prejuicios y nos estamos perdiendo un montón de cosas", revela.Navarro cree que la generación de escritoras jóvenes a la que pertenece está "tratando de utilizar el espacio para cuestionar las cosas"."Para decir que aquí hay movimiento, dialoguemos de otras cosas; nosotras proponemos conversaciones distintas, que no nuevas, y creo que hay una gran apertura" entre los autores, las editoriales y los lectores, matiza.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
En una entrevista con EFE por su participación en el festival Centroamérica Cuenta que alcanzó este año su novena edición, la autora valora este encuentro que durante esta semana reunió a más de 20 escritores iberoamericanos buscando "un punto de encuentro" entre ambos lados del Atlántico.El festival "subraya las mejores maneras de establecer un diálogo o una conversación -entre la literatura española y la latinoamericana- que desde el punto de vista artístico siempre ha sido muy fructífera", considera.Sanz, novelista y ensayista conocida por obras como "Animales domésticos", "Un buen detective no se casa jamás" o "Pequeñas mujeres rojas", recuerda cuando comenzó a estudiar literatura latinoamericana en la universidad."Empiezas con las Crónicas de Indias y hay un periodo en el que toda la literatura del otro lado del Atlántico parece que va a rebufo de lo que sucede con la española, pero hay un punto que coincide con las vanguardias históricas que cambia totalmente", analiza. Podría interesarle: Mariana Enríquez: Vivir con miedo a las crisis ayuda a escribir terrorUn punto que llega con la aparición de figuras como Rubén Darío o César Vallejo, según opina, y en el que "en Latinoamérica se pega una gran pasada a la literatura hecha en España"."A partir de ahí ha sido un intercambio permanente donde parece que los libros estilísticamente más intrépidos se escriben en Latinoamérica", resume.El interés en España por la literatura latinoaméricanaDurante el festival Centroamérica Cuenta, Sanz compartió mesa de debate con el escritor guatemalteco Rodrigo Rey Rosa, junto a quien analizó "el origen" como punto de partida para la escritura.Para Sanz este tipo de encuentros son una oportunidad más para poder estar al día de la literatura que se da en América Latina, un material que prefiere tratar por países y no como un todo regional."Me parece muy empobrecedor hablar de Latinoamérica, son muchos países, tradiciones, referencias, puntos de origen distintos más allá de la lengua española, no tiene nada que ver la historia y la cultura mexicana con la chilena o la argentina", incide.A su juicio, lo que sí comparten estos países es que son "enormemente plurales": "en esa riqueza y variedad reside el enorme interés que tiene ahora para los que escribimos en España mirar hacia el otro lado". Para leer: Liudmila Ulítskaya recibirá en España el Premio Formentor de las LetrasY es que a pesar de la creencia de que en España no se lee a los escritores latinoamericanos, Sanz considera que "hay un grupo de recepción" y que gracias al Boom Latinoamericano, protagonizado por escritores como el colombiano Gabriel García Márquez o el peruano Mario Vargas Llosa, el público español está familiarizado con esas letras."Estamos sin duda muy pendientes de lo que se publica, dentro de nuestras posibilidades, para el público general es una literatura prestigiosa y para quienes estamos más especializados, estamos muy fascinados con las escritoras mexicanas, chilenas o argentinas", comparte.Una nueva generación de autoras latinoamericanas Para la española, esta nueva generación de jóvenes escritoras latinoamericanas "están escribiendo con la lengua de las demonias"."Se están construyendo contra todo el autoritarismo del canon, contra todo lo que tiene que ver con la violencia de la colonización, de género, cultural, la homogeneización del discurso que está marcado por el poder y el dinero, eso les lleva a construir sus libros con un estilo muy potente desde el punto de vista poético", expresa.Un aspecto importante para Sanz, el de ser consciente de la realidad y escribir acompañada por el signo de los tiempos que a cada uno le ha tocado vivir."El hecho de que seas una escritora o un fotógrafo o un actor no te desacredita ni desautoriza como ciudadano para expresar tu opinión, parece que las artes son un espacio reservado para cierta tranquilidad que tiene que ver con el ocio y el entretenimiento, esa visión es completamente mercantil e intencionadamente política", opina.Y es que para ella "el rodillo del mercado unifica todos los estilos"."Todos los libros son el mismo, nada se hace para incomodar sino para descansar y de alguna manera para que nos reafirmen en lo que ya sabemos, a mí me parece estupendo que las personas que tienen un altavoz público lo usen de una manera responsable", zanja. Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los tres participaron este martes en Madrid en la mesa redonda "La cuarta oleada" en el Instituto Cervantes dentro del festival Celebremos Iberoamérica (CIB Fest), impulsado por la Organización de Estados Iberoamericanos, moderados por el responsable del departamento de Literatura y Pensamiento del Instituto Cervantes, Juan Carlos Méndez.Porque, explicó Méndez, al menos cuatro han sido lo "amistosos desembarcos" de la literatura hispanoamericana en España. El sucedido con el nicaragüense Rubén Darío, el ocurrido durante la edad de plata, la presencia del boom, y el que caracteriza este momento en el que un número significativo de autores latinoamericanos residen en España.Navarro, Ojeda y Benavides, que pertenecen a esta cuarta oleada, hablaron de cómo sienten su presencia en el panorama literario y editorial español.Brenda Navarro defendió acabar con las "etiquetas" que hacen que sus literaturas sean consideradas aparte: "Más que integración apostaría por una interculturalidad. Hablar de literatura y lenguaje y no sobre los orígenes" de los autores, dijo.Lo mismo consideró la ecuatoriana Mónica Ojeda, que admitió entender no obstante, las tácticas de ventas: "las etiquetas están bien para las ventas pero la discusión literaria deben de estar por otro sitio", defendió.Por su parte, el peruano Jorge Eduardo Benavides indicó que se "está creando mezcla y de ahí saldrá algo enriquecedor". Para leer: Poetas colombo-venezolanos cierran encuentro con un plan de integraciónEl responsable de Literatura del Instituto Cervantes recordó cómo, a partir de 1972, de una forma lenta y progresiva, se desarrolla una gran presencia de autores latinoamericanos que residen en España: Cristina Peri Rossi y Clara Obligado inauguraron una nueva forma de permanencia del autor, aunque también hay autores españoles residiendo en países iberoamericanos, recordó.Brenda Navarro, que señaló Madrid es ahora su hogar y desde aquí se pudo "reconciliar con México", explicó cómo junto a la porosidad que enriquece su lenguaje defiende en su literatura la lengua materna, que tiene "como bandera, aunque sea anacrónica"."En el fondo todos los días pienso que necesito seguir hablando mi lengua materna en la escritura", señaló la mexicana.Benavides explicó que sigue siendo peruano aunque lleve 30 años en España: "no he perdido países sino que he ganado", dijo el autor que aseguró que se integró de inmediato.No obstante, las primeras novelas que escribió en España seguían ambientadas en Perú, "porque la cabeza llega primero a un sitio, luego llega tu corazón. Ahora meto peruanos en historias que pasan aquí", dijo el escritor, que insistió en que "vivir esa mezcla es enriquecedor".Mónica Ojeda señaló que la literatura le ayudó a sobrevivir y que, frente a la mayoría de ecuatorianos que van a España en una migración forzada por el hambre y la crisis, en su caso fue voluntaria aunque decidió mudarse "porque vida en Ecuador era imposible por la violencia". Podría interesarle: Mo Yan califica el idioma como "la jaula de los escritores""He conseguido un hogar aquí y no tener tanto pánico cuando salgo a la calle y eso está muy arraigado a mi literatura. Trabajo sobre las violencias del cuerpo y trabajo con el miedo. No escribiría lo que escribo si no tuviera esa experiencia y aquí lo puedo escribir porque no estoy paralizada por el miedo".Ojeda aseguró que en el lenguaje es muy permeable pero que cuando escribe le sale la lengua de la infancia, que no es la que habla, que está mezclada: "es como si viajara en el tiempo".Este año el festival Celebremos Iberoamérica se centra en tres ejes: literatura, cine y patrimonio gastronómico iberoamericano, además de contar con una agenda de talleres, conversatorios y foros que pondrán en valor la cultura iberoamericana como elemento fundamental en el sector de las industrias culturales y creativas. Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Escribo sobre lo que me ha obsesionado. Ese amor juvenil por el metal, que se ha mantenido invariable a lo largo del tiempo, está en el germen de la novela", reconoció este sábado el novelista en entrevista a Efe.Ortuño es el metalero de la literatura mexicana. A la manera de los corredores recreativos de maratón que sueñan con clasificarse a la mítica carrera de Boston, él pertenece a una banda que toca en un garaje para mantener vivo al músico que lleva dentro.Ahora fue más allá. Con su pluma y el oficio de fabulador, que lo mantiene como uno de los narradores más reconocidos de su generación, armó una historia sobre esa minoría formada por los músicos del 'heavy metal'."No es una novela con un barniz sobre el tema del metal, sino que el gusto por esta estética está en el eje, en el corazón de la obra, del lenguaje, del ritmo, de la narración, de los personajes y de la propuesta", asegura.Publicada por Seix Barral, "La armada invencible" cuenta el plan de unos cuarentones de reunir a la banda de 'heavy' y 'trash' que formaron de jóvenes. Barry Dávila busca a sus viejos amigos, con vista cansada y libras de más, y a partir de ahí se desarrolla una trama que toca varios conflictos humanos del mundo de hoy."Creo que la narrativa ayuda a que la vida, la realidad que habitamos, sea más amplia y compleja. Por eso, abundé en las historias de los personajes, quería enriquecer esa idea que tenemos de los metaleros, como si todos fueran malos que gruñen", observó.Una mirada íntima a los seres humanos Con un lenguaje callejero, mundano, irreverente, el libro retrata a los músicos como seres de carne y hueso. El guitarrista Mustaine es un frustrado, pese a su talento; el vocalista Barry Dávila tiene de fantoche, el bajista Yulian vive al día y la brillante guitarrista Paty, se pasa la novela librando obstáculos."Una especie de corazón secreto de la novela es la idea de que si encuentras en otra parte algo lo suficientemente poderoso vas a dejar la música", cuenta, y no se extiende en ejemplos para no echar a perder las sorpresas a quienes aún no lo han leído.El autorNacido en 1976, en el céntrico estado de Jalisco, Ortuño ha ganado premios como el Internacional de Narrativa Breve Ribera del Duero de 2017 y el Bellas Artes de Cuento Hispanoamericano Nellie Campobello del 2018. Además, sus libros han sido traducidos a media docena de idiomas y es colaborador del diario "El País", de España.En "La armada invencible" mostró su madurez, al proponer una estructura novedosa. Escribió el libro como un álbum de música que toca el ensayo, la poesía, el reportaje y otros géneros. "La música de las palabras para mí es fundamental. La estructura del libro era inevitable que fuera como de un álbum, es parte fundamental de la cultura rockera", explica.La alegría de cantarOrtuño es cuestionado acerca de una frase del Nobel Gabriel García Márquez: "La mayor alegría es la alegría de cantar". Sus ojos brillan al volver a escucharla y cree que es una verdad sin matices."Es cierto lo de la felicidad de la música. En la música se te mueven los pies o no, se te mueve la cabeza o no, tienes una relación física con la música o no. Es menos sencillo lucir prestigio como el que dice que le gusta la película que no entendió o el libro con el que se aburrió", reflexiona.En estos tiempos en que la sociedad estableció un discurso de defensa de las minorías, los metaleros podrían mostrarse como víctimas de bullying. Ortuño cree que no lo harán porque eso sería una contradicción con la filosofía de los feligreses del género."Como el discurso metalero está basado en el combate y el poder, no son quejosos. Al contrario, se la pasan desgreñándose y peleando con todo el mundo, pero es verdad que hay una animadversión extendida y esto en México tiene raíces profundas", reflexiona.Se refiere a la indiferencia de los medios, los conciertos cancelados y las detenciones a metaleros por el delito de andar greñudos, ir vestidos de negro y llevar camisetas con dibujos raros. Es una discriminación recreada en un libro que es algo más que una historia para lectores amantes del metal porque ahonda en lo que somos todos: Seres humanos.Escuche lo mejor de la música por la señal en vivo de la HJCK.
La villana es una zarzuela (género español teatral que combina partes instrumentales con partes habladas, surgido en el Palacio de la Zarzuela en Madrid) dividida en siete cuadros compuesta por Amadeo Vives, con el libreto de Federico Romero y Fernández-Shaw.La historia se basa en Peribánez y el Comendador de Ocaña del poeta Lope de Vega publicada en 1614 dentro de la Cuarta Parte de las comedias del autor en el que el personaje de Casilda es el protagonista. Esta obra se considera una zarzuela ambiciosa casi al punto de que llegó a proponerse como una ópera en medio de una historia que mezcla el drama, el amor y el honor. No obstante Vives se mantuvo en la idea original y se estrenaría en el 1 de octubre de 1927 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid con la dirección de orquesta de Juan Antonio Martínez. El primer acto de la zarzuela comienza así: Miguel Ángel, su esposa Juana y los granjeros se alegran por las bodas de su amo, Peribáñez. Los campesinos homenajean a Peribáñez. Entre ellos está el astuto Olmedo. Aparece una procesión de mujeres que traen a la novia.Miguel Ángel alaba las cualidades de Peribáñez, mientras que Olmedo flirtea con su esposa. Roque y Blasa, un viejo matrimonio que trabaja en la granja relata los felices acontecimientos que están ocurriendo dentro de la iglesia. Salen los recién casados. Un desafortunado incidente lleva al Comendador de Ocaña al pueblo. Se ha caído del caballo después de ser golpeado por un toro. Llevan al noble al patio. Peribáñez prepara su casa, dejando al herido en manos de su esposa Casilda. El noble se sorprende que sea simplemente la esposa de un granjero. Para leer: Gustavo Dudamel: "Yo no me considero una superestrella"Vuelve Peribáñez y Don Fadrique lo ennoblece, sin sospechar que pueda haber algo detrás de ello. Cuando se marchan tanto Don Fadrique como los campesinos, quedan a solas los recién casados. Se marchan. Se encuentran Olmedo y Don Fadrique, quien manifiesta sin rebozo lo mucho que admira a la esposa del granjero. Olmedo intenta advertirlo, pero Don Fadrique canta una serenata o endecha, “Tus ojos me miraron”, a la bella esposa del granjero.Debido a su complejidad interpretativa, ya que contiene fragmentos hablados, sumado a la complejidad en cuanto a arreglos se refiere la zarzuela pese a su éxito suele representarse poco en la actualidad, al igual que otras obras de este tipo. Podrá escuchar el próximo domingo a las 9:00 p.m. en Canto y música coral esta ópera interpretada por la magistral Montserrat Caballé, Vicente Sardinero, Antonio Borras, Francisco Ortiz, el Coro: Orfeo Graciene y la Orquesta Sinfónica de Barcelona bajo la dirección de Enrique García Asencio en nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Vladimir Horowitz comenzó a estudiar piano con su madre a los seis años. A los quince entró al conservatorio de su ciudad natal y se formó con Felix Blumenfeld, quien había sido alumno de Anton Rubinstein.Dos años después se graduó con honores e inició su carrera como concertista, debutando con gran éxito en la ciudad vecina de Kharkov. Luego vendrían sus triunfos en Moscú y Leningrado, llegando a ofrecer 70 conciertos en la temporada 1924-1925.Desde siempre Vladimir Horowitz desplegó una espectacular técnica avanzada para su tiempo, que no era del gusto de los puristas que lo señalaban de cambiar el sentido de las partituras originales, alterar notar, tocar más rápido para hacer gala de su técnica.En Nueva York debutó en enero de ese año tocando el primer concierto de Chaikovsky bajo la batuta de Thomas Beecham. Aunque por entonces reinaban virtuosos como Rachmaninov o Paderewski, Horowitz fue recibido con entusiasmo por el público norteamericano y rápidamente se convirtió en uno de sus pianistas favoritos. En 1933 actuó por primera vez con el director Arturo Toscanini, con cuya hija Wanda se casaría en diciembre de ese año. En 1940 se estableció en Nueva York y en 1942 obtuvo la ciudadanía estadounidense.Vladimir Horowitz tenía en su repertorio muy pocos conciertos: el Emperador de Beethoven, los dos de Brahms, el Primero de Chaikovsky, el Tercero de Rachmaninov, y muy poco más.En 1987, cuando contaba con 84 años grabó por primera vez el Concierto Nº 23 de Mozart, algo curioso porque Mozart es uno de los compositores más juveniles, así debía de sentirse él. Este Mozart de Horowitz es claro, pero no es Mozart, los acordes arrebatados parecen ya de obras románticas, el sentido clasicista no aparece por ningún lado, la ironía, la digitación (pese a la edad), el fraseo sí está en su sitio y se nota la personalidad de Horowitz.Años antes, en 1953, Vladimir Horowitz decidió retirarse de los escenarios, y durante doce años se dedicó a formar jóvenes talentos del piano, y a realizar sus primeras grabaciones. En 1965 volvió al escenario concertístico y continuó grabando sus interpretaciones, de entre las que destacan las obras de Chopin, Liszt, Scriabin, Debussy y Prokofiev, aunque sus excelentes dotes musicales le permitían abordar con sumo virtuosismo todo repertorio pianístico.Este retorno de Vladimir Horowitz a los escenarios lo mantuvo hasta poco antes de su muerte, en noviembre de 1989, y en ese período continuó grabando, realizó un documental sobre su vida en 1985 y retorno a Rusia en 1986 acaparando una considerable atención.Puede escuchar la historia completa y algunas obras del pianista Vladimir Horowitz el lunes 3 de octubre en nuestro programa El Músico de la Semana a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La experiencia artística más esperada, Banksy ¿genio o vándalo?, abre sus puertas al público general el próximo 15 de octubre en la Casona Villa Adelaida, ubicada en la carrera 7 con calle 70.La Casona Villa Adelaida esa una nueva locación que fusiona la historia y cultura bogotana con el arte británico y que además contará con entrada libre el primer día de cada mes, una iniciativa inspirada por el “estallido cultural” del gobierno nacional.Esta exposición inmersiva presentará más de 100 obras del artista británico más revolucionario y satírico que ha tenido la escena del ‘Street Art’ en el mundo, y llega por primera vez a Bogotá, gracias a la magia de la tecnología y la realidad virtual.Banksy: ¿genio o vándalo? se exhibirá en la histórica Casona Villa Adelaida, un espacio cultural declarado patrimonio histórico, que fue el hogar de Agustín Nieto Caballero, uno de los educadores más importantes del país, quién fundó el Gimnasio Moderno y Femenino, y fue rector de la Universidad Nacional. Este lugar lleva el nombre de su esposa, Adelaida Cano, como homenaje al amor y su memoria.TBL – Live y Berin Iglesias traen al país esta instalación artística multisensorial con el respaldo del Ministerio de Cultura, la Alcaldía Mayor de Bogotá e Idartes. También, contará con el reconocimiento de ARTBO, que incluirá esta exposición dentro de su programación cultural.Banksy: ¿genio o vándalo? estará en el país hasta el 31 de diciembre y, además de las obras físicas, la exhibición cuenta con un salón multimedia donde los asistentes estarán inmersos en las calles de Bristol y una experiencia VR (gafas realidad virtual), que conectará al público con el universo del artista; un exclusivo material creado, especialmente, donde se tendrá el privilegio de viajar en el tiempo gracias a las piezas del artista.Si quiere adquirir las entradas para esta experiencia artística puede hacerlo desde la plataforma de tuboleta.com, los precios están entre $75.000 y $230.000. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Teatro Jorge Eliecer Gaitán abre sus puertas para el concierto del cantante Kevin Johansen el próximo sábado 3 de diciembre a las 8:00 p.m. Johansen visitará Colombia a propósito del lanzamiento de su nuevo disco de estudio Tú Ve. En Tú ve, Kevin se reversiona y versiona temas de otros, e invita al espectador a ser testigo directo de lo que sucede puertas adentro. Así fue como sucedieron las participaciones de amigos músicos admirados por Johansen, como son David Byrne, Natalia Lafourcade, Jorge Drexler, Rubén Rada y Silvia Pérez Cruz con quienes puede compartir momentos musicales, en la intimidad de su casa o un bar en algún lugar del mundo. Y así también canta junto a su hija Wiranda Johansen dos himnos como son Oración al Tiempo, de Caetano Veloso y Perfect Day, de Lou Reed.“Fue una búsqueda a partir de lo más profundo de Johansen. Quise hacer un disco que estuviera construido alrededor de la voz de Kevin, la guitarra y algunos elementos bastante simples y dejando espacios. Así que lo primero que hicimos fue grabar su voz. Nos sorprendió muchísimo el resultado de agregar pocos elementos y como al despegar y tener arreglos e instrumentaciones minimalistas, la voz fue cobrando un tamaño que no le había escuchado antes”, menciona Juan Campodónido, el productor del disco.El disco estará girando con el Tú Ve Tour, una serie de conciertos en los que Kevin Johansen junto a su banda transportarán a través del escenario a la intimidad de su hogar y los encuentros con amigos donde canciones propias y ajenas se vuelven parte de la celebración del encuentro.La boletería está disponible desde $110.000 (COP) + servicio hasta $300.000 (COP) más servicio. Las entradas están disponibles en tuboleta.com, este concierto es presentado por Bizarro Live Entertainment.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El próximo miércoles 5 de octubre a las 8:00 p.m. el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo le abre las puertas a la soprano coreana Hera Hyesang Park, una de las artistas más aclamadas del momento, quien se ha presentado en escenarios como la Metropolitan Opera de Nueva York y el Palais Garnier de París.En su recital en el Teatro Mayor, Park compartirá escenario con la pianista estadounidense Sophia Muñoz. El repertorio iniciará con arias de algunas de las más populares óperas de Mozart (‘Las bodas de Fígaro’, ‘Don Giovanni’ y ‘Così fan tutte’) y de Rossini (‘El barbero de Sevilla’).El concierto continuará con canciones de los compositores latinoamericanos Paurilo Barroso y Luiz Bonfá (Brasil), Manuel M. Ponce y María Grever (México) y el colombiano Jaime León (Colombia). Park y Muñoz continuarán su recorrido musical con piezas de los compositores anglosajones William Bolcom, Jake Heggie y George Gershwin (Estados Unidos), Benjamin Britten (Reino Unido) y Víctor Herbert (Irlanda). Para el final del concierto, las artistas interpretarán piezas de dos compositores coreanos: Du-Nam Cho y Un-Yung Na. .Hera Hyesang Park es una de las figuras emergentes en la lírica, en 2019 fue aplaudida por su debut para la Komische Oper Berlin, en el papel de Musetta para la producción de ‘La bohème’ de Barrie Kosky. Posteriormente, su representación de Rosina en ‘El barbero de Sevilla’ durante el Festival Glyndebourne fue descrita como “fenomenal” por ‘The Times’ de Londres.Para ella, sus presentaciones y grabaciones son actos de autodescubrimiento y de pasión, formas honestas y emotivas de conectar con otras personas. Así, con su técnica inmaculada y su variedad aparentemente interminable de tonalidades, su coloratura refleja la naturaleza audaz del estilo de Park: siempre aventurero y nunca plano.Por otro lado, Sophia Muñoz ha asistido en la preparación musical de óperas como el ‘Edipo’ de Enescu, ‘Die Nase’ de Shostakovich y ‘Die Bassariden’ de Henze. También ha sido pianista de planta en Eppaner Liedsommer y en Internationale Meistersinger Akademie.Recuerde que el concierto será el 5 de octubre a las 8:00 p.m., hay boletería disponible desde $40.000 (COP) y puede adquirirla en la página oficial del Teatro Mayor. Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
