. A través de una mezcla de ironía, sutileza psicológica y crítica social, Machado de Assis abordó temas universales como la fragilidad humana, las ilusiones del poder y la transitoriedad de la vida. Su obra, caracterizada por un realismo muy particular, desafía los límites del canon literario de su tiempo y se erige como un pilar del pensamiento latinoamericano.La obra y su contextoMachado de Assis es conocido por su capacidad para desmantelar las convenciones literarias de su época. Mientras que el realismo europeo se centraba en el retrato social detallado y la vida cotidiana de las clases bajas y medias, Machado prefirió indagar en la psicología de sus personajes, a menudo pertenecientes a la clase alta de la sociedad brasileña de fines del siglo XIX. Obras como "Memorias Póstumas de Brás Cubas" (1881) y "Dom Casmurro" (1899) son algunos de los mejores ejemplos de su estilo, donde las narraciones se construyen en torno a la introspección, la ironía y el cuestionamiento de la realidad."Memorias Póstumas de Brás Cubas" destaca por su narrador peculiar, un hombre muerto que cuenta su vida desde el más allá. La historia está cargada de una mordaz crítica social, pero también de un existencialismo sombrío. A través de este recurso narrativo, Machado juega con la idea de que la vida carece de sentido trascendental, pero sin caer en el pesimismo absoluto.En "Dom Casmurro", la exploración de la subjetividad humana y la posibilidad del engaño resuenan a través del narrador, Bentinho, quien sospecha que su esposa Capitu le ha sido infiel. Lo notable es que la novela no da una respuesta definitiva, permitiendo que el lector decida si la traición ocurrió o si es producto de la paranoia del narrador. Este juego de ambigüedades y la crítica al egoísmo y la autocomplacencia son constantes en su obra.Principales característicasUna de las características más fascinantes de Machado es su estilo irónico, que permea tanto su prosa como la construcción de sus personajes. A diferencia de otros escritores de su época, no se preocupa tanto por crear héroes o villanos claros, sino más bien por mostrar la naturaleza contradictoria de sus personajes. Son profundamente humanos: egocéntricos, inseguros, a menudo ridículos, pero siempre reconocibles en su humanidad.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Otro rasgo distintivo de su obra es el uso de narradores poco confiables. A través de ellos, Machado subraya la relatividad de la verdad, lo que plantea una pregunta esencial: ¿podemos confiar en nuestra percepción de los hechos? Este cuestionamiento sobre la objetividad, común en el modernismo, se adelanta a su tiempo.Además, su obra muestra un rechazo a las estructuras lineales tradicionales de la narrativa. En "Memorias Póstumas de Brás Cubas", el relato avanza de manera fragmentada, jugando con saltos temporales y desviaciones anecdóticas que invitan al lector a reflexionar sobre la misma narración. Importancia en la literaturaMachado de Assis no solo es un pionero del realismo psicológico en la literatura de habla portuguesa, sino que también anticipa muchos de los debates del siglo XX sobre la subjetividad, la verdad y el poder de la narrativa. Su importancia radica en haber trascendido las fronteras de su contexto brasileño, influenciado por las tensiones políticas y sociales de la época, para abordar temas universales con una precisión que aún hoy resulta reveladora.Lejos de encasillarse en lo regional, su obra resuena a nivel global por su capacidad de interrogar la condición humana. Los dilemas morales, el autoengaño y la lucha entre las apariencias y la realidad siguen siendo inquietantes y profundamente actuales. Como escritor negro en un Brasil marcado por la esclavitud y la desigualdad racial, Machado también desafía las expectativas de su tiempo, logrando una complejidad literaria y social que lo coloca como un innovador en el campo del pensamiento crítico y literario.Al leer a Machado de Assis, uno no solo se enfrenta a las historias de la élite brasileña del siglo XIX, sino también a los dilemas universales de la naturaleza humana, siempre presentados con una mezcla de aguda ironía y compasión.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Para Prieto, el viaje de este libro al libreto cinematográfico fue una exploración en la que se embarcó en su propia travesía, en la que tuvo que captar desde los silencios fantasmales en el texto del afamado jalisciense hasta lograr poner en imagen algo tan complejo como el realismo mágico.“No buscábamos dar un mensaje, como estoy seguro Rulfo tampoco buscaba eso, fue una exploración, sin embargo, lo que me llevo es que tú ves a un Pedro Páramo que hace unas cosas espantosas, pero lo que quise al hacer esta adaptación era (preguntarme) por qué, quién es este hombre, qué le está moviendo”, afirmó el director en una conferencia de prensa previa a la gran gala de su cinta.Pedro Páramo es una corta pero clásica pieza de la literatura mexicana, donde Rulfo escarba en las más profundas entrañas de Comala, lugar donde las raíces de la mexicanidad revolucionaria conjugan el caudillismo extremo y el abuso del patrón a sus subordinados.Ante la personalidad rígida y sombría de Páramo, Prieto dice que busca todo lo contrario, “en la vida, en lugar de culpar a las autoridades, a la historia, a los españoles, es (cuestionarse) por qué pasó eso (...) por qué también nos perdonamos a nosotros mismos”, reflexionó.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sobre la visión de su largometraje, comentó que es la versión de las generaciones presentes, por lo que es un Pedro Páramo que “tiene el corazón no solo de Rulfo sino de todos nosotros (...) todo eso que fuimos descubriendo con cada uno de nosotros”.Releer a Rulfo para hacer cineEse descubrimiento del que habla Prieto lo vivió todo el elenco, quienes acompañaron al realizador en esta presentación a medios en el FICM, y reconocieron que, como muchos mexicanos, leyeron el texto a una corta edad por lo que tuvieron que releer la novela.“Aquí todos leemos a Rulfo. Todas las que estábamos en el set coincidimos en que no lo habíamos releído. La mayoría lo releemos 20 años después. Estábamos impactados de cómo se dimensiona leerla en una etapa adulta”, dijo la actriz Ilse Salas, quien interpretó a Susana San Juan, la enamorada de Pedro Páramo.Al igual que Salas, el intérprete de Pedro Páramo, Manuel García Rulfo, confesó que esta novela “es demasiado especial” y le sigue sorprendiendo que un” libro tan chiquito,” el autor, con quien comparte apellido, haya captado “todo lo que somos, la sangre, el sudor, los intestinos”.Releer a Rulfo también genera pasión y obsesión, así lo describe la artista Dolores Heredia, quien desarrolla el papel de Eduviges Dyada, tras mencionar que si estuviera en sus manos ella se “quedaría haciendo a Rulfo eternamente” debido a que le parece que ahí “hay un universo fantástico para seguirnos contando a nosotros mismos”.Conocer el Comala de PrietoAdaptar novelas tan conocidas como Pedro Páramo no es siempre del agrado de todos los lectores y puede generar ciertas reticencias o recelo, según apuntó el experimentado actor Roberto Sosa.“Creo que una de las mayores virtudes de la universalidad de una obra es la cantidad de lecturas que podemos ver de esta. Entonces, yo invito a que nos demos el regalo y el corazón de ver esta nueva aproximación, que por supuesto cada uno tendremos nuestro propio Comala, cada uno tendremos nuestro propio desierto, cada uno tendremos nuestro propio Pedro Páramo”.Además de esta presentación oficial en el FICM, la cinta adaptada llegará a la gran audiencia el 6 de noviembre por su llegada a la plataforma de Netflix.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Caparrós (Buenos Aires, 1957) es autor de novelas como La Historia y de los relatos de viajes recopilados en Crónicas de fin de siglo, galardonadas con el Premio de Periodismo Rey de España. En la actualidad está a punto de publicar sus memorias, Antes que nada, el próximo 24 de octubre, donde habla por primera vez de esta enfermedad.En una entrevista en el periódico español La Vanguardia el pasado día 19, Caparrós explicó que hasta ahora no había querido hablar de la dolencia que padece porque no quería que los amigos le vieran "como un moribundo"."Los científicos ni siquiera entienden cómo funciona ese proceso biológico. Lo que sí saben es que la esperanza de vida es de tres a cinco años, que en algún momento tienes problemas para respirar o incluso para hablar. Y en algún momento te mueres. Lo que no está mal, porque así te toleran ciertas cosas, como que te comas todo el chocolate que te apetezca", relató.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Marta Nebot, en una columna en el periódico español Público explicó posteriormente que este fin de semana Caparrós y ella decidieron "salir del armario" y contar públicamente que pertenecen "al selecto club de los ELAdos y sus parejas de hecho"."Solo tengo palabras de admiración sobre cómo está transitando el vía crucis de esta enfermedad maldita", aseguró Nebot, que considera que las memorias de Caparrós "son imprescindibles como lo que son: historia del periodismo".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"España debería pedir perdón si un país con la historia y la relación que tiene con España como México se lo está pidiendo", dijo la escritora, que teme que la negativa a hacerlo indique que "hay cosas intactas en términos de visión imperialista"."Lo simbólico es importante", advirtió. "Si ves a un rey o a un presidente que se resiste a pedir perdón, ¿cómo no se va a traducir eso en las calles, en que haya gente que se sienta superior racialmente o crea que los migrantes tienen que ser deportados?", planteó.Tras el éxito de Huaco retrato (2021), novela autobiográfica finalista del Booker Prize Internacional, Wiener diversifica su voz y sus registros en Atusparia, una historia inspirada en las protestas contra el gobierno de Dina Boluarte, reprimidas con violencia entre diciembre de 2022 y febrero de 2023 y que dejaron un saldo de 49 muertos y cientos de heridos, en su mayoría campesinos e indígenas.Cubriendo esas movilizaciones, Wiener pensó en la conexión entre las luchas campesinas del pasado y del presente, que siempre acaban igual: "Cada vez que un indígena o un campesino se levanta, la solución ha sido la misma, masacre".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Aunque juega en clave de ficción futurista, la autora mantiene en su nueva novela elementos autobiográficos y alusiones directas a la situación política de Perú."Estamos viendo una especie de colapso donde no funciona nada políticamente en el Perú, no hay un régimen democrático, no hay poderes separados realmente, es el Gobierno y la oligarquía de siempre con las empresas de siempre", denunció."Es una tierra de nadie en este momento el Perú y la responsabilidad la tiene el Congreso, que es una mafia derivada de del fujimorismo y de varias otros facinerosos de la política que han gobernado solamente para sus intereses", agregó.En la novela alude al encarcelamiento del expresidente Pedro Castillo (2021-2022), a quien Wiener considera "un preso político". De Boluarte, su sucesora y presidenta en la actualidad, dice que "gobierna para los de arriba" y que "traicionó a quienes le votaron y los está matando".También denuncia la criminalización de las protestas políticas como intento de neutralizar cualquier iniciativa transformadora o que aspire a la justicia social. "El tejido social en Perú está muy dañado, es muy difícil que haya una democracia participativa", lamentó, a la vez que aboga porque prevalezca "la utopía y la posibilidad de cambio".Wiener, que reside en España desde 2003, dice sentirse parte de "una comunidad" y de "una disidencia", aunque se desvincula de las etiquetas como las que se están tratando de imponer con el auge de publicaciones de autoras latinoamericanas como ella, las mexicanas Brenda Navarro, Fernanda Melchor y Cristina Rivera Garza, o la ecuatoriana Mónica Ojeda."Lo que el capitalismo o el mundo editorial y el mercado haga con lo que nosotras hacemos ya no es nuestro problema, si le llaman 'boom' o moda o tendencia", sentenció.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Del 7 al 9 de noviembre de este año, se llevará a cabo la edición número 13 del Festival de Literatura de Bogotá en el auditorio Sonia Fajardo Forero de la Universidad Kónrad Lorenz, en Bogotá. En esta ocasión se rendirá homenaje a las diversas narrativas que abordan la identidad de la población con discapacidad, fomentando la reflexión y la creación de sus propios discursos. En el marco de estos eventos, la escritora y catedrática chilena Lina Meruane será la invitada internacional que enriquecerá el diálogo sobre la literatura contemporánea y su impacto social.Este año el lema del Festival de Literatura de Bogotá es "Se crece para la vida", que proviene de un verso del poema “Sueños” de Diana Molano, la primera escritora colombiana con síndrome de Down que publicó un libro de poesía en Colombia. La programación estará conformada por poetas, narradores, dramaturgos y formadores con discapacidad visual, auditiva, intelectual y sordoceguera. Nacida el 20 de septiembre de 1970 en Santiago de Chile, Lina Meruane se ha posicionado como una de las escritoras y académicas más destacadas de estos tiempos. Sus escritos, originalmente en español y traducidos a doce idiomas, han ganado reconocimiento internacional y han sido galardonados con numerosos premios, incluidos el Premio Anna Seghers en 2011 y el XX Premio Sor Juana Inés de la Cruz en 2012.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.De ascendencia palestina e italiana, inició su carrera literaria como cuentista y periodista cultural. En 1997, obtuvo una beca del Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y de las Artes de Chile y, al año siguiente, publicó Las infantas, elogiado por la crítica chilena. Posteriormente, completó un doctorado en literatura hispanoamericana en la Universidad de Nueva York. Desde sus primeras novelas, dejó claro su propósito de desafiar los discursos dominantes, una postura que ha mantenido firme a lo largo de su carrera literaria.Debido a una enfermedad crónica degenerativa, a los treinta años, Meruane sufrió una hemorragia en ambos ojos que la dejó ciega; luego, a través de tratamientos médicos, logró recuperar la vista. De esta experiencia nace su premiada novela, Sangre en el ojo, lanzada en 2012, que examina cómo la experiencia de la ceguera cambia al personaje y reconfigura las relaciones con su novio y su madre.Además de sus novelas, ha escrito importantes libros de no ficción como el ensayo personal Palestina en pedazos (versión ampliada de su anterior Volverse Palestina), Viajes virales, Zona ciega, el ensayo lírico Palestina y la diatriba Contra los hijos. Ha explorado en la dramaturgia con una adaptación teatral, Un lugar donde caerse muerta, y una obra dramática, Esa cosa animal.Sumada a la participación de Meruane, el festival contará con escritores y panelistas colombianos como Diana Molano Fajardo, Jorge Castañeda, Andrés Felipe Marulanda, Laura Ximena González, Pilar Barragán Cristancho, Laura Trillos, entre otros. Entre las actividades recomendadas dentro de la agenda se encuentra el acto inaugural, el 7 de noviembre a las 6:00 p. m. en el que se rendirá homenaje a veinticuatro escritores con discapacidad de la literatura universal; el conversatorio “Sangre en el ojo”, con la chilena Meruane el viernes 8, a las 7:30 p. m. y el conversatorio y recital “Matar el ojo: resistiendo al ojicidio”, el sábado 9 a las 6:45 p. m., que contará con la participación de víctimas de la violencia policial ejercida durante el estallido social en Bogotá. Toda la programación la puede consultar en este link.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Durante este año hemos escuchado y leído “todo” sobre La vorágine. Por el centenario de su publicación, la novela de José Eustasio Rivera ha sido sometida a todo tipo de análisis: desde geográficos, donde se consideran las variantes del territorio que Rivera recorrió y sus posibles imaginarios; hasta de género y el papel de las diferentes mujeres que aparecen dentro de la historia. Sin embargo, la puesta en escena de Mapa Teatro La vorágine más allá, nos plantea casi que un contra relato del libro.Dividida en tres momentos, esta pieza artística plantea una extraña premisa: los protagonistas no serán los personajes del libro (Arturo Cova y Alicia), sino los que no aparecen o solo fueron insinuados dentro del relato, la comunidad indígena Nükak. Al iniciar el recorrido, el rumbero —aquel que conoce el rumbo y domina el camino— advierte que posiblemente los Nükak habrían visto a Rivera recorrer la selva amazónica y a pesar de eso nunca presentarse ante él. Este pueblo fue contactado oficialmente en 1988, eso quiere decir que para cuando el escritor estaba haciendo su trabajo de censo en la frontera, la comunidad indígena no había tenido ningún tipo de comunicación con otros pueblos.Se ha dicho que La vorágine relata en parte el genocidio ocurrido en contra de miles de indígenas a causa del fervor que provocó el caucho a finales del siglo XIX y comienzos del XX, pero a pesar de la fama que tuvo el libro (fue considerado durante muchos años la novela nacional, antes de la publicación de Cien años de soledad) la representación indígena ha sido su mayor deuda. Esa fue una de las razones por las que la obra de Mapa teatro se centra en las palabras y los sonidos de una comunidad que aparece en el libro apenas como el chasquido de dientes de un fantasma.Según la tradición oral de los Nükak, junto con la evidencia etnográfica y lingüística, se considera que son una rama de los Kakua que emigró hacia el norte. Uno de los principales motivos de este desplazamiento hacia su territorio actual fue escapar de los comerciantes de caucho, quienes esclavizaban a los pueblos indígenas de la región a principios del siglo XX. Sin embargo, su profundo conocimiento sobre la fauna y la flora del lugar sugiere una ocupación mucho más antigua. El idioma Nukak es inteligible con el de los Kakua o Bara, del Vaupés colombiano, y ambos son clasificados como parte de la familia lingüística Makú-Puinave. Entonces, al inicio de la pieza, atravesados por los sonidos de una lengua desconocida, vemos el nacimiento del libro de Rivera. Una mujer recita fragmentos de La vorágine y un hombre acostado boca arriba se hace pasar por Cova, pero en esta pieza solo los indígenas son quienes dicen ser.Todo está velado: simbólica y literalmente. La sala Fanny Mikey en el Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella, se transforma en un espacio del sueño, un espejismo onírico, una simulación de un recuerdo remoto y perdido. Nadie sabe qué dicen las voces que hablan, pero habita una certeza: con esos sonidos y esas palabras los árboles caminan y las flores brotan.En un segundo momento, o en otro sueño del mismo sueño, un hombre está parado encima de un caimán. Llueve. El reflejo del hombre en el agua parece más una visión mística que la representación de una novela que ha recibido la categoría de Literatura de la tierra. El caimán y el hombre son uno solo porque ninguno se mueve, pero son distintos porque uno está sobre el otro. Cuando el hombre habla, las voces de los indígenas son apenas susurros y sin embargo, aunque sus manos están frente a su rostro, el reflejo sigue inmóvil, como un dios antiguo que espera, espera.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Qué dicen los que hablan con los animales y las piedras? Después de un tiempo dentro de La vorágine más allá, los significados se revelan no con palabras sino con sensaciones. Se sabe que hablan del río porque las letras y el sonido de las vocales parecen correr como el Guaviare, se sabe que hablan de la sangre porque la vibración del pecho arde. Al final, en medio de una sala atravesada por una luna gigante que proyecta su luz en todas las paredes, un satélite extravagante en medio del espacio, aparecen los hombres y las mujeres que Rivera no vio, no sabemos si por decisión o por desconocimiento. Sobre columpios de caucho se mecen en silencio, mientras se conjura al “verdadero Nükak”, el que sabe caminar entre la selva y levantar a los árboles que están hincados rezando.Mapa teatro ofrece una instalación o un performance o una exposición, nada claro ni completamente lo uno o lo otro y allí radica su éxito. En crear en el centro de Bogotá un sueño donde más de 30 personas sueñan al tiempo y sueñan lo mismo. Un pensamiento mágico que supera la lectura de una novela que apenas tiene cien años. *Fechas: 9 al 20 de octubre de 2024*Tres presentaciones diarias6:00 p.m. | 7:00 p.m. y 8:00 p.m.*Domingos y festivos: funciones a las 3:00 p.m. | 4:00 p.m. y 5:00p.m.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Hay países que tienen puntos de quiebre (…) y en estos sale lo peor de una sociedad. Y México está ahorita en uno de ellos. En ese punto en el que hay contradicciones que terminan empujando a la superficie y que generan violencia”, explica Arriaga en una entrevista por la presentación de su nueva película A cielo abierto (2024), que se estrena el 17 de octubre.La cinta, codirigida por sus hijos, Mariana y Santiago, sigue la historia de dos adolescentes que pretenden vengar la muerte de su padre en un accidente de tráfico al norte de México, lo que les aventura a embarcarse en una peligrosa búsqueda del culpable ante la falta de respuestas y la no superación del duelo.Según Santiago, estos relatos surgen “desde adentro” y muchos vienen de lugares “que conoces y que te han marcado a lo largo de la vida”.En el caso del guionista mexicano nominado al Óscar y reconocido por películas como Amores Perros (2000) o Babel (2006), su infancia no fue sencilla, con varias experiencias que definieron su trayectoria creativa, como cuando con diez años un hombre “casi lo mata” a golpes.“Cuando tenía diez años un tipo me agarró a batazos, yo nunca supe por qué lo hizo. Durante muchos años tuve la fantasía de vengarme y de decirle, ten un bate y nos vamos a agarrar a batazos. Era una fantasía recurrente, pero me estaba pesando. No podía seguir preso de esta rabia y me di cuenta de que la venganza no es el camino”, relata Arriaga.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El duelo y la venganza como protagonistas El ganador del premio Alfaguara 2020 por su libro Salvar el fuego, también coloca a la venganza como “un sentimiento natural en el ser humano”, y que es de los principales causantes de los conflictos bélicos.“Vemos ahora cómo en los conflictos armados mundiales de países que llevan 3.000 años peleándose por venganza lo único que ha sucedido es que esta ha creado una espiral de violencia. La venganza no termina por suceder”, sostiene.Además, también recuerda que esta “barbarie” no solo aparece en México o en el conflicto palestino-israelí, sino que países como Alemania “mataron hace 80 años a veintitantos millones de personas” y que en España “todas las masacres y tumbas no se acabaron con la guerra civil”.Santiago, debutante en la dirección junto a su hermana, enfatizó sobre la exploración del duelo a través de cada uno de los personajes porque “no se experimenta de la misma manera en todos y hay muchos duelos distintos en México”.Su progenitor concuerda con él en sus conclusiones al buscar la raíz del duelo y añade que en la pérdida de un ser querido pueden pasar “20, 30, 40 o 50 años y seguimos sin superarlo, al igual que hay países que llevan décadas sin resolver sus conflictos y siguen peleándose”.Tras la vuelta al éxito del novelista después de la publicación de El Salvaje, casi 20 años más tarde de su anterior libro, Arriaga confiesa que su próxima obra no se parecerá a estas últimas.“Uno cree que tiene control sobre las historias, pero la verdad es que uno es prisionero y esclavo de las historias. Las historias te exigen ser contadas, y tengo muchas historias. Pero hay una que dice, o me cuentas o te ahorco. Y por eso estoy contando esta”, concluyó.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Skármeta, premio Planeta en 2003 por el Baile de la Victoria es conocido por las adaptaciones cinematográficas de sus obras, y en particular por la película Il Postino o El cartero de Neruda.“Nuestra comunidad universitaria despide con pesar a Antonio Skármeta Vraničić, escritor, Premio Nacional de Literatura 2014, egresado de Filosofía y académico de la Universidad de Chile en múltiples etapas de su inspiradora carrera que impulsó la lectura y el amor por los libros”, anunció la universidad a través de las redes sociales.Uno de los primeros en lamentar su pérdida y subrayar su aportación a la literatura chilena en particular y a la latinoamericana en general fue el propio presidente de la República, Gabriel Boric, igualmente con un mensaje en redes sociales."Gracias maestro por la vida vivida. Por los cuentos, las novelas y el teatro. Por el compromiso político. Por el show de los libros que amplió las fronteras de la literatura. Por soñar que la nieva ardía en el Chile que te dolió tanto", afirmó el mandatario.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Filosofía, literatura y mucho cineNacido en la ciudad septentrional chilena de Antofagasta en noviembre de 1940, Antonio Skármeta Vraničić es uno de los intelectuales más creativos e influyentes de Chile, un narrador nato con un gran talento para condensar la vida y la filosofía en el interior del cuento, el formato que le era más querido.Licenciado en Filosofía y Educación en la Universidad de Chile, creció como escritor bajo la influencia del pensador español Francisco Soler Grima, discípulo de Julián Marías y de José Ortega y Gasset, sobre quien escribió en 1963 su tesis doctoral Ortega y Gasset, lenguaje, gesto y silencio.Amante del pensamiento de Jean-Paul Sartre, Albert Camus y Martin Heidegger, un año después ganó una beca Fulbright y viajó a la Universidad de Columbia, en Nueva York, donde escribió una segunda tesis, en esta ocasión en torno a la narrativa de Julio Cortazar, otro de la más grandes autores latinoamericanos.Pero la fama internacional le llegaría a través de sus novelas y en particular por la adaptación al cine de algunas de ellas. En particular de su libro Ardiente Paciencia (1983), de la que salieron dos películas: una bajo el mismo título y otra, la más famosa, como El cartero de Neruda.Intelectual de izquierda, miembro del Movimiento de Acción Popular y Unitaria en los años del Gobierno del Frente Popular y el presidente socialista, Salvador Allende, Skármeta se vio forzado a abandonar Chile tras el golpe militar liderado por el general Augusto Pinochet (1973), que sumió al pais en una de las dictaduras más sangrientas de Latinoamerica.Tras pasar por Argentina y otros países, en 1981 se asentó en Alemania donde construyó la historia del cartero de Neruda: primero para la radio alemana y luego como un guion.La obra tuvo un éxito enorme y le catapultó a la fama: fue traducida a una treintena de lenguas, adaptada al cine, el teatro, la ópera y la radio, y según dijo el propio autor en una entrevista "existen más de cien versiones en el mundo".Regresó a Chile en 1989, el mismo año que acabó la dictadura y continua allí su vida como profesor universitario, académico e incluso diplomático en AlemaniaEl 7 de septiembre de 2015 fue elegido miembro de número de la Academia Chilena de la Lengua para ocupar el sillón número 20, que estaba vacante después del fallecimiento, el año anterior, de Óscar Pinochet de la Barra.También fueron llevadas a la gran pantalla en 2009 sus obras El baile de la Victoria, con la que consiguió el reputado premio Planeta, de la mano del director Fernando Trueba, El plebiscito, base de la película No (2012) de Pablo Larraín, y Un padre de familia, recreada por el cineasta brasileño Selton Mellon bajo el título O filme da minha vida o La película de mi vida (2017). Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Universidad de Chile (@uchile)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La historietista Laura María Guarisco es la ganadora del Premio Nacional de Novela Gráfica 2024 por Nido (Editorial Planeta, 2023), una obra sobre la diáspora venezolana que retrata, en el testimonio íntimo de un viaje, los recuerdos de un país convulso que obligó a millones a migrar para encontrar un nuevo hogar.El jurado, conformado por Hugo Mauricio Ruiz, Lina Patricia Flórez y Paola Andrea Gaviria, asegura que el libro "da cuenta de un momento histórico actual, con una calidad excelente", y lo califica como "un relato real y muy maduro, con una investigación gráfica y una visión amplia de una crisis que estamos viviendo actualmente".Es la primera vez que el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes entrega este galardón en el país. De acuerdo con Adriana Martínez-Villalba, directora de la Biblioteca Nacional de Colombia - BNC, este reconocimiento "no solo celebra este libro ganador —estupendo, sobre el difícil fenómeno de la migración y nuestra responsabilidad con los hermanos venezolanos migrantes—; también celebra los 100 años del cómic en nuestro país y es una forma más de comprometernos frente al fortalecimiento de un sector, que consideramos fundamental para la bibliodiversidad de Colombia".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En el acta, el jurado también resalta aspectos técnicos de Nido, «una novela gráfica con una gran calidad estética y narrativa; la línea de dibujo, la disposición en página y el manejo de color contribuyen gratamente a la experiencia de lectura. El uso de recursos como planos y mapas aportan a la narrativa y ayudan en la orientación en la lectura».Además, resalta en su argumentación que «si bien esta no es una historieta documental, la historia de ficción nos revela el largo camino del migrante que trata de buscar un lugar». De igual manera, pone de relieve el impacto que ha tenido el libro, pues hace un acercamiento a un problema latinoamericano. Esto hace que «la narración gráfica tiene un grado de importancia positivo para los lectores en nuestra lengua».¿De qué trata "Nido"?Nido cuenta la historia de un joven arquitecto que abandona su país natal para huir de la escasez y la violencia y buscar mejores oportunidades. Recorre cientos de kilómetros para encontrar un nuevo hogar y en su vuelo se enfrenta al miedo, a la nostalgia y la xenofobia.Esta historia se construye a partir de episodios reales. Es la historia de Ángel, el protagonista; de Laura, la autora, y de millones de migrantes más, que fueron obligados a abrir sus alas y encontrar un nuevo nido.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Desde hace más de 30 años tengo un archivo de crímenes de arte. Mi abuela acostumbraba a recortar todo lo que salía en la prensa y yo lo heredé", explica a Claribel Terré Morell, que está en España para participar en la I Jornada Internacional de Mercado del Arte.La pasión de Terré Morell por los robos de arte tiene otras dos facetas: un podcast -con el mismo nombre del libro ahora publicado- y una columna semanal en el diario argentino Clarín.Traidores del arte acaba de ser publicado en Argentina por Óperaprima y pronto llegará a otros países. En el libro, la periodista pone la lupa sobre los robos de arte más importantes de la región y en ocasiones continúa las investigaciones sobre casos pasados. "No todo está en internet y lo que está es copia y pega -explica- y eso distorsiona toda la historia".Entre los casos más conocidos que se encuentran en el libro están el supuesto cerebro argentino detrás del famoso robo de la Mona Lisa a comienzos del siglo XX; el de una escultura de Rodin en Chile, o la espectacular sustracción de varias obras del Museo Nacional de Bellas Artes de Asunción (Paraguay).Para este último, por ejemplo, los ladrones excavaron un túnel de 25 metros de largo que atravesada una avenida para llevarse obras de Tintoretto, Murillo, Courbet o Adolphe Piot. Algunas de aquellas obras se han recuperado, pero otras no.El libro trata de llamar la atención sobre la necesidad de reforzar la legislación y la seguridad de las obras en la región. "El patrimonio -argumenta la autora- necesita ser buscado, y necesita ser recuperado. Tenemos que estar involucrados todos".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.ExpolioNo hay datos fiables sobre el arte expoliado en América Latina que ha acabado en casas de subastas de Estados Unidos y Europa. Antiguamente, era posible quedarse con lo que te encontrabas en el campo y ahora mismo existen grandes colecciones de arte colombino y precolombino de carácter privado que están "en un limbo", explica.Terré Morell recoge en el libro una entrevista con Luis Emilio Onfray Fabresbó, un chileno que con veinte años robó una escultura de Rodin en Chile y la devolvió el día después. "No soy un ladrón, soy un artista", se defendió.La escritora y periodista nacida en Cuba y nacionalizada argentina entrevista también a artistas, coleccionistas, marchantes, detectives, peritos, falsificadores y otros personajes de las bambalinas del mundo del arte. Además de periodista y escritora, Terré Morell, es jefa de Prensa de la Bienal Sur y conoce el sector al dedillo.¿Por qué el público muestra tanto interés por este tipo de información? "Siempre, siempre ha existido interés sobre estos temas. El público siempre quiere sangre -se ríe-". En muchos casos se habla del 'robo del siglo' , un apelativo que se ha usado demasiadas veces, apunta.Terré Morell ha incluido también en el libro historias más peculiares que ahondan en la relación de varios presidentes latinoamericanos con el arte, con casos como el cuadro que representa desnudos al expresidente de Uruguay José Mujica y su esposa.O el único retrato para el que posó Fidel Castro, pintado por Guayasamín, o el museo que erigió en Bolivia Evo Morales, que pintaba en sus ratos libres, aunque era "un pintor malo", relata.Traidores del arte reúne otras anécdotas como las extrañas adquisiciones de colecciones latinoamericanas en América Latina que incluye el supuesto pene de Napoleón, pelos del Che Guevara, o la colección de vellos púbicos del que fuera presidente de Venezuela Francisco de Miranda. Muchas de ellas "historias fascinantes, divertidas y ridículas", afirma.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"No tenemos los recursos que hay en Hollywood, pero tenemos la pasión", dijo en el Gran Teatro del Palacio de Festivales de la Croisette, en una clase magistral junto al productor independiente Diego Betancor (conocido por títulos como Élite o Respira, ambas en Netflix).Bayona puso como ejemplo principal el rodaje del tsunami para Lo imposible (2012), que se hizo en España a pesar de que no había precedentes en el país con una escena a semejante escala.De hecho, inicialmente fueron a Londres para rodarla, pero el presupuesto que les dieron ascendía a 11 millones de libras y solo contaban con dos. Así que decidieron volver a casa e intentarlo allí, concretamente en los estudios Ciudad de la Luz (en Alicante, en la costa mediterránea española).El rodaje de esa impactante escena tomó en total un año de trabajo, pero se logró sin emplear imágenes generadas por ordenador (CGI). "Tienes que tener gente apasionada si vas a rodar una escena durante un año", razonó Bayona.Betancor coincidió en la importancia de la pasión en el auge del sector audiovisual en los últimos años, pero añadió también otros dos factores clave en su éxito: actitud y experiencia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Respecto al éxito de sus historias, tanto Betancor como Bayona aseguraron que la clave para ellos parte siempre de encontrar una conexión especial con el material."Si es suficientemente fuerte, durará todo el largo proceso de hacer una película", precisó el también realizador de Jurassic World: el reino caído (2018) y El orfanato (2007). "Hay que escapar de las fórmulas porque no es alquimia", opinó, por su parte, Betancor.Bayona también habló de su necesidad de sentir un cierto miedo ante el proyecto, ya que nunca es igual de "satisfactorio" trabajar en algo que uno ya sabe que puede hacer."El miedo es algo muy enraizado en la tradición española, somos muy apasionados, pero el miedo también es algo que está en la tradición", reflexionó.Con experiencia también en televisión, como director de episodios de series como Penny Dreadful o El señor de los anillos: los anillos de poder, el director nominado a los Óscar por La sociedad de la nieve (2023) dijo que se considera más bien un cineasta, pero aseguró que no ve diferencias en la forma de contar historias. "No separo el lenguaje de la televisión y del cine porque para mí solo hay una forma de contar historias", sintetizó.Como país invitado de honor de esta 40 edición del Mipcom, que es el mayor mercado audiovisual del mundo, España ha organizado paneles, charlas y encuentros sobre las claves del 'boom' que la industria del cine y la televisión del país ha vivido en los últimos años, especialmente a raíz del éxito mundial de series como La casa de papel o Élite.También se han presentado en Cannes nuevas producciones españolas como el drama histórico Ena, sobre la reina Victoria Eugenia, de RTVE o avances de series futuras como Weiss & Morales.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Según informa este martes la prensa polaca, Sapkowski aseguró en el foro "Juegos de la Libertad" en la ciudad de Lódz, que tiene listo "desde agosto" un nuevo libro con las aventuras de su personaje, pero que por razones de márketing y debido al embargo comercial de la editorial, no podía confirmar más detalles.La fecha de publicación del primero de diciembre fue avanzada recientemente por la revista polaca Nowa Fantastyka, la decana del género fantástico en Polonia, en cuyas páginas vieron la luz por primera vez las historias de Geralt de Rivia en 1986.Han pasado ya 11 años desde la publicación del hasta ahora último capítulo de las aventuras del brujo, La Estación de las Tormentas (SuperNOVA, 2013), y desde entonces se han sucedido las adaptaciones del universo creado por Sapkowski al cine, la televisión y los videojuegos, con tres títulos comercializados hasta el momento y varios más anunciados.El éxito que ha alcanzado el "wiedzmin" ("brujo", en polaco) ha trascendido la industria del entretenimiento y se convirtió en un fenómeno social hace unos años.El presidente del Gobierno polaco, Donald Tusk, entregó como regalo al presidente de Estados Unidos, Barack Obama, un videojuego de The Witcher (nombre en inglés del personaje") durante su visita oficial a Varsovia en 2011.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además, una serie producida por Netflix y protagonizada por el actor Henry Cavill contribuyó a popularizar aún más el personaje y estrenará pronto una cuarta temporadaA lo largo de ocho libros, Sapkowski conjuga elementos de la historia medieval polaca con figuras del folclore tradicional centroeuropeo para alumbrar un universo en el que aún sobreviven criaturas como los duendes, los seres elementales y los basiliscos, que se ven relegados a un hábitat cada vez más reducido por la expansión y el progreso de la raza humana.Geralt de Rivia, que fue entregado a un brujo como pago por una deuda cuando era un niño, vaga por un mundo que está dejando atrás la era de la magia y se gana la vida con el empleo de sus dos espadas (una de hierro para luchar contra los humanos y otra de plata, para matar a algunas criaturas) y es testigo de cómo la crueldad humana supera con creces al instinto asesino de los monstruos.Con más de 15 millones de ejemplares vendidos y una popularidad que no ha decaído en más de una década, el anuncio de más aventuras del brujo polaco ha despertado una expectación inusitada aunque, de momento, lo único que se sabe es que Geralt de Rivia volverá en forma de novela porque, como le confesó Sapkowski a una emisora polaca, "las historias cortas resultan demasiado difíciles de escribir".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
De lo pagano a la devoción, entre el don y la disciplina, de lo clásico a la revolución musical, el virtuosismo de Franz Liszt lo sitúa como uno de los pianistas más destacados de la música clásica, junto a otros nombre como Robert Schumann, Felix Mendelssohn o Johannes Brahms.Liszt, nacido el 22 de octubre de 1811 en Raiding, por esa época Imperio austríaco, desde niño demostró su interés por la música y su talento. Su padre, Adam Liszt, era un talentoso músico, tocaba violonchelo y piano, en la orquesta de la corte del Príncipe de Hungría. Entre ensayos y clases, se convirtió en el primer maestro de su hijo, cuando este tenía apenas seis años. Con ocho años, tuvo sus primeras presentaciones en su pueblo natal; su padre lo llevó a presentarse en distintas cortes y escenarios, hasta que el pequeño Liszt fue tomando relevancia local. En 1820, un medio local escribió sobre una de sus presentaciones: “La extraordinaria destreza de este joven artista, así como su rapidez y facilidad para leer las piezas más complicadas de un vistazo mientras se las iban colocando, causó una verdadera admiración”. Con apenas diez años, él y sus padres se mudaron a Viena, capital músical que había visto el surgimiento de grandes músicos como Mozart, Beethoven y estaría por ver a otros como Strauss. Allí, aprendió técnica para piano con Carl Czerny, alumno de Beethoven y composición con Antonio Salieri, director de música de la corte vienesa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En Viena conoció a Beethoven y recibió su bendición y, según registra el diario El Clarín, con solo once años cautivó a un público con variaciones de su autoría sobre un vals de Diabelli, lo que lo llevaría a mudarse a París.Con casi doce años de permanencia en la capital francesa, Liszt se convirtió en un músico prodigio, en políglota también al dominar el alemán, el francés, el italiano y en menor medida el inglés. Conoció a Strauss y al “poeta del piano” Chopin, pero no fue sino hasta 1831 que un músico se convirtió en verdadera inspiración para su carrera. Ese año escuchó por primera vez a otro prodigio, pero no del piano, sino del violín, Niccolo Paganini, apodado “el violinista del diablo”, en ese instante, Liszt quiso ser para el piano lo que Paganini para el violín. Liszt fue maestro de piano, director de orquesta y promotor y benefactor de otros compositores y artistas, pero antes de llegar a esa etapa de su vida, y después del concierto de Paganini, compuso, estuvo de gira, se entregó a la fama y se dedicó a extender los límites de las presentaciones de piano hasta llevarlos a los recitales como los conocemos hoy en día. Hasta Liszt, se acostumbraba que las presentaciones de piano incluyeran las partituras y que el piano estuviera dispuesto de frente al público, pero él, decidió presentar sus obras de memoria y sentarse frente al piano, de tal forma que los espectadores pudieran ver todos sus movimientos, la disposición de su cuerpo y el frenesí que transmitía su postura en algunos momentos de su interpretación.Fue aclamado por el público, vivió de gira por unos años e incluso fue adquiriendo una fama de mujeriego y rompecorazones en las ciudades que visitaba. En 1840, Robert Schumann escribió sobre una presentación de Liszt: “Semejante capacidad para subyugar no puede comprobarse en otro artista, exceptuando a Paganini (...) Hay que escucharle y también verle: Liszt no podría de ningún modo tocar desde detrás de los bastidores, porque de esta forma se perdería gran parte de su poesía”.La pasión y energía desbocada que ponía Liszt en las teclas del piano se trasladó a sus seguidores, que asistían a sus recitales vibrantes e innovadores, eran sus fans, si se quiere decir, y desencadenaron la “lisztomanía” como denominaron al fenómeno musical que despertó el pianista, un término usado por el escritor y poeta Heinrich Heine para describir sus presentaciones en París. Sin embargo, la vida de estrella no perduró en el tiempo, pues para finales de la década de 1840 decidió terminar con las giras y multitudes para enfocarse en la academia y en sus composiciones. Fue director de música de la corte en Weimar, Alemania por alrededor de trece años, tiempo en el que compuso sus doce poemas sinfónicos. Además, en ese periodo fue amigo y defensor de la música de Richard Wagner, quien más tarde tomaría por segunda esposa a Cosima Liszt, hija del pianista, más tarde conocida como Cosima Wagner.Para 1861 Liszt dio por terminada su estadía en Alemania, para mudarse a Roma, donde dedicó sus composiciones y su arte a la religión, una vocación que retomó, pues aunque sintió un llamado religioso en su niñez, primó la música y la influencia de su padre hacia ella. En roma completó los oratorios Die Legende von der heiligen Elisabeth (1857-62) y Christus (1855-66), así como una serie de obras menores.Aunque no llegó a ser sacerdote, sí recibió las órdenes religiosas en un monasterio romano y fue nombrado abad. Entre sus obras más destacadas se encuentran su Sonata en Si Menor, de un único movimiento; el Concierto para Piano No. 1 en Mi bemol mayor, S.124 y las cuatro piezas para piano Mephisto Waltzes, inspiradas en Fausto de Goethe. Su devoción la retrató al escribir sobre su obra: "No compuse mi obra como quien se pone una vestidura eclesiástica... más bien brotó de la fe verdaderamente ferviente de mi corazón, tal como la he sentido desde mi infancia".El aporte de Liszt al desarrollo de la música clásica está impreso no solo en los recitales de piano actuales, sino en la música de artistas como Claude Debussy, Sergei Rachmaninoff, Camille Saint-Saëns y, por supuesto, Wagner, que se inspiraron en su estilo y composiciones. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Así lo asegura en una entrevista la directora general del Instituto Colombiano de Antropología e Historia (ICANH), Alhena Caicedo, quien valora que el país puede "darse el lujo de hacer una investigación que le permita contar la historia desde su punto de vista"."La historia siempre la han contado otros, gente de afuera: desde España, Europa, Estados Unidos, el norte global. Incluso aquí mismo los historiadores señalan que la historia la construyen y la escriben los ganadores de la historia. Tal vez necesitamos otras perspectivas, otro punto de vista", afirma.Nueva hipótesisUno de los resultados de la expedición científica 'Hacia el corazón del galeón San José' es una nueva hipótesis sobre el hundimiento del barco.Según la investigación, el galeón español no fue hundido por una explosión en el siglo XVIII, al ser atacado en el mar Caribe por corsarios ingleses, sino que pudo ser por otras razones, como una "mala reparación".La versión "oficial" del hundimiento proviene de tres capitanes ingleses que fueron juzgados por una corte marcial de Port Royal (que en la época era la sede del Gobierno británico en Jamaica) quienes aseguraron que el San José explotó repentinamente, esto con el objetivo de librarse de responsabilidades por no poder robar el cargamento del galeón.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Esa ha sido la historia y esa fue la versión que prosperó en el tiempo, que nos llegó a nosotros y básicamente la que se ha pensado que es la verdadera. ¿Qué pasa con esa versión de la historia? resulta que lo que han encontrado los historiadores es que es una versión construida, básicamente a partir de testimonios ingleses", explica Caicedo.Sin embargo, los investigadores colombianos han revisado este año más de 250 expedientes y señalan que hay testimonios que desmienten a los ingleses, como el del marinero Pedro García de Asarta, que dijo haber escuchado el ruido del hundimiento de una nave, pero no oyó ninguna explosión.Este marinero de la época señaló que "el hundimiento se dio por una mala reparación del Galeón San José, derivada de un accidente que se dio en el viaje de Cartagena a Portobelo (Panamá)"."Un poco lo que han hecho los historiadores es revisitar esa idea y contrastar otro tipo de fuentes que habían sido consultadas efectivamente por investigadores, pero a las que no se les había dado el peso que en este caso se les está dando", precisa la directora del ICANH.Postura novedosaEl San José, que pertenecía a la Armada española, fue hundido, según crónicas de la época, con cerca de 11 millones de monedas de ocho escudos en oro y plata que había recogido en la feria de Portobelo.Luego del anuncio del hallazgo del pecio surgieron disputas entre Colombia y España, ya que ese país aduce que por tratarse de "un barco de Estado", con su bandera, le amparan las normas de la Unesco para reclamar su titularidad.El Gobierno del presidente colombiano, Gustavo Petro, decidió tratar el galeón como patrimonio cultural y "objeto de investigación científica", cuyo primer resultado, explica Caicedo, fue establecer que "el pecio que está a 600 metros de profundidad no había tenido ninguna intervención ni nadie lo había saqueado y no había sido parte de un complot para destruirlo ni nada por el estilo, está integral"."Este proyecto de investigación es complejo y por lo tanto tiene una larga duración. Esto no se va a resolver en un año y es un proyecto de investigación que además tiene diferentes fases. Nosotros estamos en la primera fase", afirma la funcionaria.Esta iniciativa, cree Caicedo, permite "abrir una veta nueva de la investigación científica en Colombia, en lo que tiene que ver con patrimonio cultural sumergido"."Estamos abriendo un campo de investigación que había sido súper marginal y muy poco explorado en Colombia, y en general en América, y hablar de patrimonio cultural sumergido tiene que ver con volver los ojos sobre el agua, los mares, los ríos, las lagunas y entender también qué información podemos tener ahí sobre el pasado del territorio", concluye.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La serie será fruto de un acuerdo de Amazon con King y con el cineasta (también especializado en terror) Mike Flanagan, que ya han colaborado juntos en otros proyectos como Gerald's Game (2017) y Doctor Sueño (2019).Aunque las novelas de King se han llevado al cine en numerosas ocasiones y con gran éxito -baste recordar El Resplandor, Misery, It o Los chicos del maíz-, no han sido muchas las series basadas en novelas del reputado escritor, hoy declarado enemigo de Donald Trump.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El caso de Carrie es especial teniendo en cuenta que tanto la novela, de 1974, como la adaptación de tono 'gore' que hizo Brian de Palma en 1976, se convirtieron ambas en clásicos respectivos de la novela y del cine de terror, tanto que el filme de De Palma tuvo una secuela para el cine, un 'remake' para televisión y una nueva versión en 2013, con diferente fortuna.Carrie, escrita cuando King tenía 27 años, contiene todos los elementos del universo del escritor: una adolescente inadaptada hija de una madre fanática religiosa, que posee el don de la telequinesia (traslado de objetos con la mente) y que es víctima del 'bullying' en un instituto de una ciudad estadounidense donde los muchachos viven la explosión hormonal. Todo termina en una monumental tragedia llena de sangre.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.