Los medio hermanos Michael G. Wilson y Barbara Broccoli manejan la exitosa franquicia de espionaje desde la cinta "007: GoldenEye", de 1995, tras recibirla de manos del padre de Broccoli, Albert.Ellos supervisaron algunas de películas más destacadas de la serie, incluyendo "007: Operación Skyfall" (2012), que acumuló mil millones de dólares en taquilla y en la que Daniel Craig interpretó al seductor espía británico con licencia para matar.El reconocimiento "es un registro de su éxito como productores de la serie de Bond favorita de los fans y su contribución a la industria del cine", dijo la presidenta de la Academia, Janet Yang, en un comunicado. El homenaje llega en un momento crucial para el famoso espía.La última entrega de Bond, "Sin tiempo para morir" (2021), fue la última película protagonizada por Craig, cuyo reemplazo no ha sido aún anunciado. También después de este estreno, Amazon compró MGM, estudio que estaba a cargo de 007.Eon, la compañía de la familia Broccoli que tiene un fuerte control sobre el aspecto creativo de la franquicia, originalmente basada en las novelas de Ian Fleming, continúa en silencio sobre el futuro de la serie.Wilson y Broccoli recibirán su Óscar honorífico en una ceremonia en Los Ángeles en noviembre junto a personalidades como Quincy Jones y Richard Curtis.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Jones fue nominado al Óscar siete veces por su trabajo en películas como "A sangre fría", "El mago" y "El color púrpura", pero nunca ganó. En 1967, fue el primer compositor negro en ser nominado a la categoría de canción original por la película "Cómprame ese hombre".El director británico Richard Curtis, de 67 años, tiene en su catálogo "Notting Hill", "El diario de Bridget Jones", "Realmente amor" y "Cuatro bodas y un funeral". La última le valió su única nominación, por mejor guión.Cofundador de Comic Relief, que recauda dinero para caridad, Curtis será honrado con la estatuilla Jean Hersholt, dedicada al trabajo humanitario de las personalidades del cine.Los Óscar honoríficos se entregan anualmente en los llamados Premios de los Gobernadores, de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, que honra logros de toda una vida, y se convirtieron en un evento independiente en 2009 para descongestionar la premiación principal.La 15ª Ceremonia de los Premios de los Gobernadores se celebrará el 17 de noviembre.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La historia de Max Rockatansky es el origen del mundo distópico que nos propone Mad Max, la saga de películas creada por el cineasta australiano George Miller que ya acumula cinco entregas, todas dirigidas por él, inspirado, en parte, por la Crisis del petróleo de 1973.Aunque inicialmente la trilogía original de Mad Max nos adentra en el camino del policía Rockatansky, encarnado por Mel Gibson, para convertirse en el héroe solitario que busca venganza, las dos últimas películas presentan a Furiosa, la heroína que también es movida por la venganza.Inicialmente interpretada por Charlize Theron, y ahora en su versión más joven por Anya Taylor Joy, Furiosa es una joven que en este mismo futuro caótico se enfrenta a una lucha constante por agua, petróleo y armamento, sin contar la pérdida de sus seres queridos.Hasta este momento, Max y Furiosa comparten no solo el mismo contexto de escasez y violencia, sino también de pérdida y un camino solitario. A continuación, le contamos cuál es el orden cronológico en el que ocurren los eventos contados en esta saga, en qué punto se cruzan las vidas de ambos personajes y dónde ver cada entrega.“Mad Max” (1979)Escrita por los australianos George Miller y Byron Kennedy esta película cuenta el origen de Max y del caos que llegará en las siguientes entregas, siendo el debut de Miller como director. Max es un policía que trabaja en las calles de Australia durante una anarquía que crece día a día.Una banda de motociclistas rebeldes, liderada por Toecutter, funge como antagonista de este mundo. No solo atemorizan a la población, también acaban con la vida del compañero de Max y con su familia, dando inicio al camino de venganza de Max. Disponible en Max.“Mad Max 2: el guerrero de la carretera” (1981)Ya entrados en un mundo desértico, ambientado en Australia, esta secuela muestra muchas más escenas de acción y persecución que su antecesora. De nuevo Mel Gibson encarna a Max, está vez ya no como el policía intrépido, sino como un hombre que deambula solitario por el desierto, en busca de gasolina.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En su camino se encuentra con una comunidad que ha construido una refinería y se enfrenta a los ataques de merodeadores que pretenden apoderarse de esta fuente de gasolina. Esta película, además de ser la más famosa de la trilogía original, determinó la estética y el estilo desolador de las siguientes producciones. Disponible en Max.“Mad Max: más allá de la cúpula del trueno” (1985)La última película de Mel Gibson como Max fue la primera de esta saga en ser nominada a los Globo de Oro. Además, como antagonista cuenta con la participación de la cantante y compositora Tina Turner, quien además aportó a la banda sonora de esta película con la canción We Don't Need Another Hero.Esta producción, mucho más entregada al guion y al desarrollo de las reglas y la cotidianidad en este mundo distópico, fue codirigida por Miller y, el también australiano, George Ogilvie. En la continuación de la historia, Max sigue vagando por el desierto, enfrentándose en peleas y hazañas hasta resultar siendo el protector de un grupo de niños que habitan un oasis. Disponible, con costo adicional, en Apple TV y Prime Video.“Furiosa: de la saga Mad Max” (2024)En paralelo a la historia de Max, en la más reciente entrega de Miller, estrenada en el Festival de Cannes, conocemos el origen de Furiosa, interpretada por Anya Taylor Joy. Una niña, originaria de una región con abundancia de frutos y agua, es raptada por motociclistas que pertenecen al desierto, desolador y marcado por la escasez.Con la esperanza de retornar a su hogar, Furiosa debe evitar que otros saqueadores lleguen a la tierra de abundancia y entre un obstáculo y otro, termina inmersa en las luchas por armas, gasolina y agua a la que se someten tres poblaciones.Con la ventaja tecnológica actual, esta película ofrece grandes secuencias de acción y persecuciones, dándole mayor relevancia a la interpretación corporal de los actores. Disponible en cines y, al ser distribuida por Warner Bros. Pictures, se espera que llegue en los próximos meses a la plataforma Max.“Mad Max: furia en el camino” (2015)Aclamada por la crítica y por la audiencia, la película que marcó el regreso de la saga obtuvo seis premios Óscar, entre diez nominaciones y cuatro BAFTA, destacándose por el sonido y el diseño de vestuario.Con la actuación protagónica de Charlize Theron, como Furiosa, y de Tom Hardy, como Max, en reemplazo de Gibson, en esta película se cruzan los caminos de los dos personajes centrales de la saga. Max se encuentra con una misteriosa mujer que ha perdido un brazo y que es la protectora de un grupo de mujeres, ambas situaciones descritas en la película anterior. Ambos se enfrentan al ‘Inmortal Joe’, el antagonista que persigue a las jóvenes con el propósito de convertirlas en sus esposas y madres de sus hijos. Disponible en Max.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La película independiente abrió el camino para lo que se conoce como el subgénero "slasher": un psicópata con el rostro cubierto mata uno a uno a jóvenes temerarios o que la están pasando bien. Eso fue lo que hizo "Leatherface" (Cara de cuero, en español), de 1,95 m, con una sierra eléctrica y un martillo."Michael Myers (Halloween, 1978) tiene máscara, Jason (Viernes 13, 1980) tiene máscara. Pero Leatherface fue el primero. Creo que sentó un precedente sobre cómo serían las películas de terror", dice el fanático Josh Hazard, de 40 años, vestido como Leatherface durante el Texas Frightmare Weekend en Irving, noroeste de Dallas, donde se conmemoraron los 50 años de la película y varios de los actores se reencontraron.Ed Neal, hoy de 79 años, interpretó a "Hitchhiker", un hombre perturbado que pide un aventón en la camioneta de los futuros asesinados, y que parece avisar de la masacre que desataría su hermano enmascarado.Cuando Neal leyó el guion y las pocas líneas de su personaje, casi lo descarta. "Pensé que nadie la vería... y aquí estamos", reflexiona. Se estrenó como si estuviese basada en hechos reales y algunos lo creyeron."Los japoneses vinieron y me dijeron: este es un documental sobre gente que vive en Texas. Creyeron que era un video verdadero. Me preguntaron cómo se hizo para meter una cámara allí y por qué no se comieron al camarógrafo. Yo les dije, bueno, tal vez sí se lo comieron", cuenta Neal.Convertida en una franquicia, una decena de películas se han hecho después de aquella de 1974, entre secuelas, precuelas y remakes. Tiene un cómic, videojuegos y muchos seguidores que no habían nacido cuando el filme se estrenó."La gente se cansa de secuela tras secuela, y vimos el crecimiento de los filmes de terror indie o A24, porque la gente quiere algo diferente. Pero hasta ahora no hay una película como The Texas Chainsaw Massacre", considera Ronnie Hobbs, director creativo de Art Interactive, que lanzó un videojuego basado0 en el filme el año pasado. "Ni las secuelas pueden capturar la fiereza y lo desagradable de la película original".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Pudo ser real"Dirigida por Tobe Hooper (1943-2017), la historia ocurre en una casa perdida en la inmensidad de los campos de Texas, en donde Kirk, Pam, Jerry, Franklin y Sally caen en manos de Leatherface, cuya familia vende la carne humana como embutidos y barbacoa. Solo Sally (Marilyn Burns, 1949-2014) logra huir."Pudo haber pasado. Esa es la parte que más miedo da. Se sintió tan real", dice la texana Jeanette Nolen, de 47 años, vestida también con el delantal de carnicero de Leatherface. Huesos de animales, plumas e incluso un esqueleto humano usados en la película fueron reales."La necesidad es madre de la invención", considera Chase Andersen, director de operaciones de Exurbia Films, que tiene los derechos de la franquicia. Una película independiente y de bajo presupuesto no tenía el lujo ni la utilería de ahora, explica Chase.Recuerda que el actor Gunnar Hansen (1947-2015), Leatherface, tuvo que vestir el mismo disfraz durante toda la filmación, y al final de todo apestaba realmente.Los actores vistieron las mismas ropas por semanas. El sudor en la película es real. "El calor y la humedad de Texas son casi personajes en sí mismos. Y algunos de los elementos rurales. Estos paisajes y el calor crean un ambiente único", agrega Chase.Violencia "insinuada"Teri McMinn, hoy de 72 años, fue Pam. La escena donde es seguida por detrás en contrapicado mientras camina hacia la casa en la que será colgada en un gancho para carne, es también emblemática. Pero no hay desmembramientos explícitos ni sangre a borbotones.La película "está en el Museo de Arte Moderno (de NY) y es porque la violencia es insinuada, todo allí es insinuado. La escena más obscena es la mía caminando hacia la casa con la cámara allí, ya saben dónde", detalla Teri, quien más miedo le tuvo a que su madre o su tía la vieran así en la película."En aquellos años no hubo nada como eso. Fue prohibida en Francia por diez años, en Italia, en Suecia", recuerda. "Fue un filme de pérdida (en términos fiscales) para los políticos de Texas o algo así. Fue muy loco, pero es maravilloso. Esta película disparatada me ha llevado por todo el mundo", agrega Ed.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Para ser honestos, no estábamos interesados en hacer dinero, estábamos interesados en hacer películas, era la gran diferencia", explicó sobre la época en la que un "grupo de amigos" -él, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese y Steven Spielberg, entre otros- se abrían paso a finales de los sesenta y comienzos de los setenta, a fuerza de pasión por el cine y pese a los noes de la industria.A sus 80 años y retirado desde hace una década, el creador de Star Wars (La guerra de las galaxias) es uno de los grandes invitados de la edición 77 del Festival de Cannes, que mañana le entregará una la Palma de Oro de Honor durante la ceremonia de clausura del certamen.El sentimiento que tiene es "nostálgico, pero es un gran honor", dijo, porque a pesar de contar con "muchos fans", él no ha hecho "la clase de películas que ganan premios", según expresó este viernes en una charla pública en la que, en conversación con el periodista francés Didier Allouch, repasó toda su carrera.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Corredor de carreras frustradoLucas venía de una "pequeña ciudad del centro de California" (Modesto) en la que solo había dos cines -tenía que conducir hasta San Francisco para ver las películas artísticas que le interesaban-, y no le había ido muy bien en el instituto.Llegó a la universidad en un momento en el que apenas había escuelas de cine y empezó a estudiar la rama de la fotografía tras haber renunciado, según rememoró, a su pasión por las carreras de coches que luego plasmaría en American Graffiti (1973)."Mi primer pensamiento fue 'quiero hacer eso, carreras'", compartió en Cannes, pero su sueño se truncó con un grave accidente a una semana de terminar el instituto."Ahí es cuando me di cuenta -señaló- de que no era tan buen conductor y, en las carreras, si no eres bueno, es mejor dejarlo".Pero el realizador habló sobre todo de cine y de cómo peleó para lograr terminar sus primeras películas, incluidas las de Star Wars, y sin renunciar a hacerlas como él quería.Una buena muestra fue American Graffiti (1973), un filme sobre el que en la primera previsualización le dijeron que era "horrible" y que no daba la talla para ser mostrada en los cines, a pesar de que en las butacas el público se volvía loco con ella como si estuvieran en un concierto de rock.A base de persistencia, el factor que él considera más importante en su carrera, acabó logrando que subiera a la cartelera y solo el primer fin de semana consiguió una taquilla de 25 millones de dólares, un grandísimo éxito en la época. Luego "se quedó en los cines por un año", recordó."La gente que fundó Hollywood y los estudios se estaban retirando porque eran los sesenta. Se estaban yendo y los estudios estaban siendo comprados por empresas como Coca-Cola", evocó, y como no sabían cómo hacer películas empezaron a contratar a los jóvenes apasionados que empezaban a salir de las escuelas de cine. "Poco sabían ellos...", bromeó.'Star Wars', una película para niñosEl éxito de American Graffiti le abrió las puertas para hacer otra historia que tenía en cartera: una odisea espacial fantástica que no solo se convertiría en historia del cine, sino en parte de la vida de legiones de admiradores en todo el mundo."Es una película para niños, siempre ha sido una película para niños", puntualizó Lucas, tras haber recordado como él mismo y su abogado redactaron un contrato visionario que les permitió quedarse con los derechos de las licencias para productos de promoción.Era algo que no se hacía entonces, explicó, porque se tardaba más en hacer un juguete que una película y los estudios ni siquiera pensaban en ello.Pero en Star Wars no solo se convirtió en una mina de oro. Los carteles y camisetas que su equipo se dedicó a repartir por convenciones de admiradores de la ciencia ficción (por ejemplo, de 'Star Trek'), fueron cruciales para el éxito de la saga, ya que el estudio (20th Century Fox) apenas la promocionó.Sobre la venta de su compañía, Lucasfilm, a Disney en 2012, el realizador habló sin remordimientos aunque en las nuevas películas de Star Wars se hayan perdido algunas de sus ideas originales: "Es lo que pasa cuando lo dejas ir, si renuncias a ello, renuncias a ello".También habló sobre su faceta como productor -en filmes como la saga Indiana Jones o Kagemusha (Akira Kurosawa)- y de su primer paso por Cannes, con 'THX 1138' (en 1971, en la Quincena de Realizadores). Fue un viaje costeado de su propio bolsillo, recordó, en el que se perdió su propia rueda de prensa porque nadie le contó que tenía una programada.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Protagonizada por Pierre Ninney, los realizadores y guionistas reconocen que tuvieron que hacer muchas elecciones sobre qué incluir o no en el filme porque la novela de Alexandre Dumas tiene 1.400 páginas. "Y el guion 300", apuntó Delaporte en una rueda de prensa.Un proyecto "loco" en palabras de De la Patelliere, que encontró en Niney el perfecto actor para encarnar las diversas caras que querían mostrar de Montecristo, el personaje en el que se centraron para realizar esta nueva adaptación, dejando un tanto de lado muchos otros que aparecen en la novela de Dumas.Para Niney recibir la propuesta "fue un gran regalo" porque le permitió trabajar con un personaje que "pasa de la inocencia al sentimiento de traición terrible por parte de su entorno y de la sociedad".Un personaje lleno de sufrimiento y locura, que se transforma "de un héroe en monstruo".En esta interpretación, el actor trató de olvidarse del peso que supone encarnar a una figura popular de la literatura y en ese aspecto le ayudó su formación en la Comédie Française, la institución dedicada al teatro de la que han salido muchos de los grandes nombres del cine francés."Vengo del teatro, donde la gente ya tiene una gran obsesión por obras de Molière y otros autores, por lo que estaba preparado para hacer una nueva y moderna versión, más negra y trágica" del libro de Dumas.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Al respecto, Anaïs Demoustier, que interpreta a Mercedes, el amor de Edmundo Dantés antes de convertirse en el conde de Montecristo, reconoció que con una obra universal como esta, que todo el mundo conoce, "es más difícil encontrar tu propio camino" para construir el personaje, porque hay que enfrentarse "a todo el imaginario y las expectativas de la gente".Una película con una espectacular y cuidada producción, que altera detalles de las historia original de Dumas pero que ofrece todos los elementos del texto original, esa mezcla de aventuras, amor, emoción, risas o venganza. "Nos hemos permitido soñar sin confrontarnos a la realidad", afirmó el productor, Dimitri Rassam.Tanto los directores como los actores -en la rueda de prensa estaban también Laurent Lafitte, Bastien Bouillon, Anamaria Vartolome y Julien de Saint-Jean- señalaron que no vieron las numerosas versiones de la novela que se han hecho anteriormente para no estar condicionados y poder hacer su propia historia.Y en esta nueva adaptación han tratado de aportar toda la veracidad posible en las escenas de acción, como en la huida de Dantes de la prisión situada en una isla frente a la costa de Marsella.Niney se entrenó con el campeón de mundo de apena, capaz de estar más de 11 minutos bajo el agua sin respirar, y consiguió pasar de 1.45 a 3.45 minutos, suficientes para interpretar la escena, en la que tenía que salir de un saco atado con cuerdas. Una "sensación claustrofóbica" que merece la pena haber pasado para interpretar "una de las grandes aventuras del cine".Un personaje muy diferente a otros que ha hecho, que es lo que el actor busca realmente en el cine. A Niney le gusta combinar comedia, drama, aventuras... cualquier género que le permita "contar una emoción".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En una rueda de prensa junto a Adam Driver, Giancarlo Esposito, Aubrey Plaza y otros miembros del equipo del filme más esperado de esta edición 77 del Festival de Cannes, Coppola reflexionó sobre la idea original que tuvo a finales de los setenta, cuando rodaba 'Apocalypse Now', y que empezó a escribir en los ochenta: hacer una historia épica romana, pero que suceda en el Estados Unidos moderno."Pero no sabía que la política de hoy la haría tan relevante", opinó el responsable de títulos emblemáticos de la historia del cine, como la saga 'The Godfather'.La tendencia en el mundo actual, argumentó Coppola, es la de ir hacia a una "neoderecha", incluso "fascista", y eso es algo que "da miedo"."Cualquiera que estuviera vivo en Segunda Guerra Mundial y vio los horrores que ocurrieron no quiere que se repitan", recalcó.Él siempre tuvo claro el paralelismo entre la era de los romanos y su país -que precisamente es el argumento central de 'Megalópolis'-, ya que los Estados Unidos están basados en "la idea de República de los romanos".Al igual que ellos, expuso el realizador de 85 años, los padres fundadores estadounidenses no querían un rey y se inventaron una nueva forma de Gobierno.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En ese contexto, para Coppola, el papel de los artistas es "iluminar lo que está pasando" y permitir a la gente verlo. Y eso puede ser así incluso colaborando con personas que tienen ideologías opuestas."Jon, tú tienes ideas políticas diferentes", apuntó Coppola en la conferencia de prensa en dirección al reconocido conservador Jon Voight, otro de los actores del elenco de 'Megalópolis', antes de preguntarle cómo haría él mejor el mundo, a pesar de que "políticamente" viva en un mundo diferente al suyo."Tú contribuyes a ello haciendo este filme", le contestó Voight, en línea con la admiración por la visión de Coppola que demostraron también el resto de figuras del reparto, a pesar de que 'Megalópolis' solo ha convencido a los admiradores más acérrimos del realizador y de que muchos otros tachan incluso el filme de experimento totalmente fallido.Voight compartió también que, como ya es "mayor" (85 años, igual que Coppola), todos los días se pregunta hacia dónde estamos yendo y qué podemos hacer para mejorar el mundo, una disyuntiva que es también otra de las ideas centrales del alma de 'Megalópolis'.La película es una fábula futurista sobre la visión utópica que el idolatrado arquitecto Caesar Catalina (Adam Driver) quiere para su ciudad -llamada Nueva Roma aunque es, en realidad, Nueva York-, a fin de evitar el colapso social en un mundo en absoluta decadencia.Pero sus ideas colisionan con la postura más pragmática del político sin escrúpulos Franklyn Cicero, al que interpreta Giancarlo Esposito.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El aclamado cineasta, de 85 años, lleva cuatro décadas tratando de sacar adelante este proyecto épico de ciencia ficción, que a lo largo de los años ha sufrido innumerables retrasos y diferentes versiones en el guion, recuerda el diario británico, que señala que Coppola tuvo que vender parte de su viñedo para sufragar los gastos de la cinta.Aunque miembros del elenco de actores, como Adam Driver, han hablado de manera positiva de su experiencia durante ese rodaje, que duró cuatro meses, según otras fuentes no identificadas por el periódico, la realización del filme fue casi tan "caótica" como en su día lo fue la de 'Apocalypse Now'.Entre las muchas críticas, se malgastó mucho tiempo y esfuerzo en el set y algunos integrantes "cruciales" del equipo de grabación abandonaron el proyecto a medio camino, mientras que Coppola "complicó" mucho más las cosas al embarcarse al mismo tiempo en un proyecto de rehabilitación de una propiedad (al renovar un hotel para alojar a miembros de su familia)."Fue como ver cómo un tren se destroza día tras día, semana tras semana, sabiendo que todo el mundo que estaba allí había dado lo mejor de sí mismo para ayudar a que esto se evitara", indicó un miembro del equipo al diario.Según algunos de estos testimonios, la grabación se convirtió en un "choque" entre la manera "a la vieja escuela" de dirigir de Coppola y los métodos tecnológicos digitales más modernos: "Creo que Coppola vive en un mundo en el que, como autor, él es el único que sabe lo que está ocurriendo y el resto está ahí para hacer solo lo que se les pide que hagan", apuntó uno de esos trabajadores.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Los miembros del rodaje encontraron, además, en ocasiones, "exasperante" la manera de enfocar el trabajo del director por sus cambios de parecer.Entre los reproches, una de esas fuentes anónimas comentó que "todos eran conscientes de que estaban participando en lo que podría ser un final muy triste de su carrera", mientras que algunos sintieron que el director "estaba siendo muy desagradable con muchísimas personas que intentaban ayudar a facilitar el proceso y ayudar a mejorar la película".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En conversación con algunos medios internacionales, Knobloch argumentó que, aunque la selección de películas para el festival debe mantenerse "ciega a las nacionalidades", el certamen tiene una vocación muy internacional y la región latinoamericana es un espacio donde hay margen para tener más intercambio.Puso como ejemplo la iniciativa desarrollada junto al Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) de Argentina para celebrar en Buenos Aires, en noviembre del año pasado, una Semana de Cine del Festival de Cannes 2023, en paralelo a la edición número 15 del mercado audiovisual Ventana Sur."Nadie sabe lo que pasará con eso", apuntó con pesimismo respecto a la continuidad del proyecto argentino, debido a los recortes de financiación al cine aplicados por el Gobierno del presidente de Argentina, Javier Milei.Argentina estará representada este año fuera de competición con la comedia de Daniel Burman 'Transmitzvah', pero a nivel de los largometrajes la selección oficial solo cuenta con otra obra latinoamericana, la película 'Motel Destino', con la que el brasileño Karim Aïnouz competirá por la Palma de Oro por segundo año consecutivo.Al margen de eso, México también estará presente con 'Emilia Pérez', aunque la película tenga pasaporte francés, ya que el galo Jacques Audiard se ha embarcado en un musical sobre los cárteles de ese país junto a estrellas como Selena Gomez, Zoe Saldaña y Karla Sofía Gascón.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Asia también es otro territorio donde Knobloch ve margen para expandir la influencia del festival, aprovechando la "oportunidad" de tender puentes que supone el cine, ya que "lo bonito de las películas es que no tienen fronteras".De hecho, Knobloch apuntó que, si como presidenta del festival de cine más grande del mundo hubiera algo que pudiera cambiar idealmente, sería que el certamen en Cannes pudiera dar cabida a más personas aún para ver las películas y que, además, el festival continuara vivo durante el resto del año con eventos a través del globo.La 77 edición del Festival de Cannes arrancará esta noche con la entrega de la Palma de Honor a Meryl Streep y el estreno de la comedia francesa 'Le Deuxième Acte'.Finalizará el 25 de mayo con la entrega de la Palma de Oro, por la que este año compiten nombres como Francis Ford Coppola, Paolo Sorrentino o Yorgos Lanthimos.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
A sus 74 años Streep ha acumulado un récord de premios y ha construido una filmografía de clásicos modernos que abarca seis décadas, desde dramas como El cazador, La mujer del teniente francés y Kramer contra Kramer, hasta éxitos más familiares como el musical Mamma Mia! o la comedia El diablo se viste de Prada.Son sus habilidades vocales las que a menudo han marcado la diferencia, desde el acento danés en Memoria de África hasta su perfecta imitación de Margaret Thatcher en La Dama de Hierro.Su acento polaco impecable en La decisión de Sophie confundió incluso a los vecinos en el lugar del rodaje, que creían que era una compatriota suya.A lo largo del camino ha adquirido otras habilidades, como cuando practicó el violín seis horas al día durante ocho semanas para Música del corazón. Streep ha admitido que sus esfuerzos a veces podían llevarla demasiado lejos.Su método de actuación para personificar a una jefa de una revista de moda en El diablo se viste a la moda le ganó grandes elogios, pero su exigencia le llevó a mantener su fachada gélida incluso fuera de cámara, una experiencia "horrible" que prometió no volver a intentar.Esa devoción por la carrera artística le ha dado frutos una y otra vez.Tiene un récord de 21 nominaciones al Óscar y tres victorias, un récord de ocho Globos de Oro, dos BAFTAs (premios del cine británico) y muchos otros premios.Y a diferencia de muchos de sus contemporáneos, tiene sorprendentemente pocas películas fallidas entre sus más de 60 apariciones en pantalla.Sus apariciones recientes en películas como Don't look up han vuelto a provocar grandes alabanzas.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.'La familia es lo primero'Streep nunca ha sido una persona que se deje llevar por las trampas de la fama, prefiriendo vivir de la manera más anónima posible en su hogar, donde ha criado a sus cuatro hijos."Ser famosa se interpone en muchas cosas", dijo en una ocasión. "Mi familia realmente es lo primero. Siempre lo fue y siempre lo será".Nacida como Mary Louise Streep en junio de 1949, hija de un ejecutivo farmacéutico de Nueva Jersey y una madre artista comercial, Streep asistió a una escuela elitista, donde animaba al equipo local al mismo tiempo que empezaba a actuar en obras de teatro.Continuó esa trayectoria artística en la prestigiosa escuela universitaria de artes Vassar. Estudió inglés y teatro, antes de ganar una beca de teatro en Yale, donde se graduó en 1975.Ese mismo año debutó en Broadway con Trelawny of the Wells, por la que recibió excelentes críticas. Dos años después se estrenaba en la gran pantalla con un drama de la Segunda Guerra Mundial, Julia.Su carrera se disparó. En dos años fue aclamada en tres películas distintas: El cazador, Kramer contra Kramer y Manhattan de Woody Allen.Ausente de Cannes durante décadasSorprendentemente, solo ha estado en Cannes una vez antes, cuando ganó el premio a la mejor actriz por Un grito en la oscuridad en 1989."Debido a que ha abarcado casi 50 años de cine y ha encarnado innumerables obras maestras, Meryl Streep es parte de nuestro imaginario colectivo, de nuestro amor compartido por el cine", dijeron los organizadores del festival en un comunicado.Streep dijo en un comunicado que se sentía "inmensamente honrada" de recibir la Palma de Oro honorífica en la ceremonia de apertura del festival."Estar a la sombra de quienes han sido honrados previamente es una experiencia tan humilde como emocionante", dijo en un comunicado.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Cuarenta y cinco años después de "Apocalypse Now", que le valió su segunda Palma de Oro, el director estadounidense será una de las principales atracciones del festival francés que se celebrará del 14 al 25 de mayo, ya que no dirige un largometraje desde "Twixt", estrenado en 2011.El día elegido para dar a conocer este avance no fue escogido al azar: el 4 de mayo habría sido el 88 cumpleaños de la esposa del cineasta, Eleanor Coppola.""Megalópolis" siempre fue una película dedicada a mi querida esposa, Eleanor. Realmente esperaba celebrar su cumpleaños con ella este 4 de mayo. Pero, lamentablemente, no es el caso, así que permítanme compartir con todos un regalo de su parte", escribió el cineasta, de 85 años, en su cuenta de Instagram.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Este ambicioso filme de ciencia ficción, con un presupuesto de más de 100 millones de dólares según la prensa estadounidense, gira entorno de la reconstrucción de una ciudad con aires de Nueva York.Francis Ford Coppola, que también se alzó con el máximo galardón del Festival de Cannes en 1974 por "La conversación", se enfrenta este año a otras 21 películas, que serán valoradas por un jurado presidido por Greta Gerwig ("Barbie").No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Drácula" (1897)Iniciamos esta lista con Drácula, la obra más famosa de Bram Stoker y la encargada de definir el terror gótico y el arquetipo del vampiro en la cultura popular. La historia sigue a varios personajes, pero principalmente a Jonathan Harker, un joven abogado inglés que viaja a Transilvania para ayudar al misterioso Conde Drácula con una transacción inmobiliaria. Al llegar al castillo, Harker descubre que Drácula es un ser sobrenatural, un vampiro que ha aterrorizado a la región durante siglos. Harker queda atrapado en el castillo, donde es testigo de los poderes y el hambre insaciable del conde por la sangre humana.Aunque esta es apenas la premisa de la historia, esta obra fue un paso hacia la modernidad para la Europa victoriana y, apegado al terror y a lo gótico, también se acercó a temas como la constante lucha entre el bien y el mal, la sexualidad y el sacrificio. Además, claro, de crear a personajes que han sido representados en la pantalla en series y televisión, como Igor y Van Helsing. “La joya de las siete estrellas” (1903)De la bruma de Rumania, pasamos al desértico clima de Egipto con la siguiente novela de Stoker. En esta ocasión, el escritor se adentra en la relación de vivos y muertos. Esta vez, su personaje central es una antigua hechicera Egipcia momificada, Tera, quien ansía regresar a la vida.Para ello, la novela lleva al lector por el camino escabroso de lo sobrenatural, pero también de la aventura al acompañar a su personaje Malcolm Ross, quien se ve envuelto en la travesía de un reconocido arqueólogo coleccionista que tiene entre sus joyas el cuerpo momificado de Tera. La hija del arqueólogo y un misterioso talismán, el mismo que le da el título a esta novela, están aparentemente conectados con Tera y serán clave para revivirla.Esta obra, aunque no hace parte de las obras representativas de Stoker, sí influiría años más tarde en la proliferación de libros, cuentos y películas sobre el terror y la aventura asociados al antiguo Egipto, ritos y maldiciones que popularizaron a las momias como personajes de terror.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí“La dama del sudario” (1909) Después de Drácula, esta es la siguiente novela más reconocida del autor irlandés y al igual que en esa novela con Lucy o Mina o Tera en La joya de las siete estrellas, la figura de la mujer no solo es la encarnación de lo gótico y místico, sino que se convierte en la protagonista de la relación entre vivos y muertos.Sin saber si es un espíritu, una vampira o una mujer encantada, un joven inglés se muda a un castillo misterioso, heredado de su tío en la península balcánica, allí, ve cada noche Teuta, esa misteriosa mujer, rondando su nuevo hogar.Estos encuentros llevan la historia a explorar el amor romántico y el sacrificio, similar a lo acontecido en Drácula, así como el contexto europeo de inicios de siglo.“La guarida del Gusano Blanco” (1911)Publicado un año antes de su muerte, este libro se lee como una versión más costumbrista del terror, fiel a lo gótico y acompañada por leyendas y mitos locales. Además, el escritor a través de seres fantásticos y misteriosos hace una crítica de la monstruosidad que puede habitar en los seres humanos.La trama se desarrolla en una mansión rural de Inglaterra, donde el joven Adam Salton llega desde Australia para conocer a su tío, con quien descubre que ha heredado tierras. Pronto se ve atrapado en una serie de eventos misteriosos y aterradores relacionados con una antigua leyenda de un gusano blanco gigantesco, una criatura demoníaca y ancestral que habita en una guarida subterránea cerca de la mansión.La criatura de esta historia está conectada con Lady Arabella March, una aristócrata enigmática y manipuladora que ejerce una influencia casi hipnótica sobre quienes la rodean y parece resguardar un oscuro secreto.“El invitado de Drácula y otras historias de terror” (1914)Terminamos esta lista con una publicación póstuma que reúne nueve relatos de terror encabezados por el cuento homónimo del libro que se ha llegado a considerar como un capítulo independiente de Drácula. Esta recopilación la completan La casa del juez (1891), La mujer india (1893), Gipsy Prophecy (1885), El regreso de Abel Behenna (1893), El entierro de las ratas, El sueño de las manos rojas (1894), Crooken Sands (1914) y El secreto del oro que crece (1892), muchos de ellos publicados por primera vez en medios ingleses.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Según explicó en un comunicado la casa editora del libro, Penguin Random House Grupo Editorial, es una escritora contemporánea quien narra y publica una biografía sobre la emblemática y controversial Julia de Burgos.Lo que empieza como un simple encargo terminará siendo una manera de entender mejor al personaje y su obra, pero también un mapa para entender la vida de tantas autoras latinoamericanas, incluso la de la propia autora, resalta la nota.Con su libro, la narradora recorre diferentes ciudades, asiste a presentaciones y da conferencias, mientras intenta mantener su familia a flote.Entrelanzando su propia vida junto a la de la narradora y la de Julia, Santos-Febres construye un relato apasionante sobre las vidas difíciles de escritoras afrocaribeñas que se abren paso en los elitistas círculos literarios de su país.Julia de Burgos, además de ser poeta y escritora, fue periodista y maestra durante sus 39 años de vida y en cuyo tiempo tuvo la oportunidad de conocer a otros destacados escritores como el chileno Pablo Neruda y el dominicano Juan Bosch.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa autora publicó legendarios poemas como Río Grande de Loíza, Íntima y Ay, ay, ay de la grifa negra, Desde el Puente Martín Peña, Sobre la claridad, Himno de sangre a Trujillo y Adiós en Wellfare Island.Además, escribió tres libros: Poema en 20 surcos, Canción de la verdad sencilla y El mar y tú, que trabajó en Cuba.Santos-Febres, por su parte, ha ganado premios como el Juan Rulfo, de Radio Francia Internacional; el Letras de Oro, de España; el Premio de Novela del Instituto de Literatura Puertorriqueña y el Premio Primavera de Novela.Es creadora del Programa de Escritura Creativa de la Universidad de Puerto Rico, así como fundadora y directora del Festival de la Palabra (2009-2018) y del Programa #Quenoseacabenlaspalabras.En 2016 fundó el Colectivo de Mujeres Escritoras Las Ancestras, que ofrece talleres de escritura creativa en cárceles de mujeres, albergues de niñas y adolescentes, y apoya proyectos de memoria y escritura.En el 2023 se convirtió en investigadora principal del Centro de Investigación de Estudios en Afrodescendencia y Racialización y Archivo Virtual Afro.Ha impartido clases en Harvard, Universidad Complutense, Universidad de Houston Rutgers, Baltimore, Universidad Autónoma de Yucatán, entre otras, y sus obras han sido traducidas al inglés, francés, italiano, portugués, coreano y rumano.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"La primera temporada hablaba del jugador 456 y su supervivencia, mientras que en la segunda se centra en su recuerdos durante el juego y sus experiencias, así como en una especie de regreso para parar este juego absurdo", aclaró Hwang en una conferencia de prensa.La segunda temporada de esta famosa serie surcoreana de Netflix estará disponible en la plataforma desde el próximo 26 de diciembre y la tercera y última se estrenará en 2025.Se trata de una serie distópica protagonizada por concursantes con problemas de dinero que aceptan una extraña invitación para competir en juegos infantiles. Dentro les esperan un tentador premio y desafíos letales.El protagonista en la segunda temporada se tiñe el pelo de rojo en señal de "coraje" y de que "ya no es normal después de esa experiencia", aseguró el actor que lo interpreta, Lee Jung-jae, en el 'Lucca Comics & Games', el festival más relevante de Europa dedicado al cómic, la animación, los juegos de mesa y de rol.El director señaló que para esta idea se inspiró en el protagonista de uno de sus comics favoritos, 'Slam Dunk', y reveló que dos canciones italianas formarán parte de la segunda temporada de la serie, ya en el primer episodio sonará una composición de Giacomo Puccini, de cuyo fallecimiento se celebra el centenario este año.Además, a lo largo de la serie se escuchará 'Con te partiró" ('Time to say goodbye'), un tema que popularizó en medio mundo el cantante italiano Andrea Boccelli en 1995.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLos espectadores verán "escenarios familiares, pero nuevos y frescos, como el dormitorio o las escaleras de colores, pero con otros juegos", adelantó el director de la serie.'EL juego del calamar' es una crítica a "la sociedad capitalista que promueve un sistema competitivo", señaló Hwang, cuyo objetivo es "mostrar un reflejo de nuestra sociedad y hacer reflexionar sobre el mundo en el que vivimos y cómo poder cambiarlo".Aunque afirmó ser consciente de una paradoja: "Es una crítica al capitalismo creada dentro de él"."En la sociedad de hoy en día, debemos esforzarnos mucho para crear un mundo mejor, para ello lo más importante es respetarnos unos a otros y ayudarnos mutuamente, también a los más débiles. Espero que tras la segunda temporada el público reflexione sobre ello", señaló Jung-jae.Según el actor Wi Ha-joon, que interpreta a uno de los protagonistas de la segunda temporada, "no trata solo de cómo sobreviven los personajes, también explora qué significa ser un ser humano, la naturaleza del mismo y ahonda sobre la mentalidad de estas personas que habían tocado fondo y sobre términos como el egoísmo la avaricia y la dignidad humana".'El Juego del calamar' ocupa el primer puesto histórico entre las series de Netflix, independientemente del idioma, tanto en visionados (265,2 millones, medidos por el total de visionados dividido por el tiempo de emisión) como en tiempo total de visionado (2.200 millones de horas) durante sus primeras 13 semanas de estreno."A veces me pregunto si estoy soñando, es una experiencia irreal", confesó el director de la serie, que asegura que no se esperaba su enorme éxito mundial.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El género de terror en la literatura, tan antiguo como las narrativas orales de mitos y leyendas, ha mutado con el tiempo para reflejar los miedos inherentes de cada época. Desde los primeros experimentos góticos en el siglo XVIII hasta las narrativas contemporáneas de América Latina, el terror literario no solo busca asustar al lector, sino confrontarlo con lo oscuro, lo reprimido y lo inenarrable de la experiencia humana.Los orígenes del terror: del gótico al psicoanálisisEl nacimiento del terror como género literario suele situarse en el siglo XVIII, con obras como El castillo de Otranto de Horace Walpole (1764), reconocida como la primera novela gótica. Esta obra, marcada por elementos sobrenaturales y escenarios tenebrosos, sentó las bases de lo que sería el terror gótico: mansiones antiguas, secretos familiares y fuerzas oscuras. La atmósfera de claustrofobia y decadencia se convirtió en el marco idóneo para explorar el miedo irracional y lo sobrenatural.Con el tiempo, otros autores ampliaron y perfeccionaron el género. Mary Shelley, con Frankenstein (1818), transformó el terror al introducir la figura de un monstruo que no era simplemente una abominación, sino un reflejo del conflicto interno humano, de la soledad, el rechazo y la responsabilidad ética de la ciencia. También en el siglo XIX, Edgar Allan Poe exploró los abismos de la mente humana en relatos cortos como El corazón delator y La caída de la Casa Usher, sentando las bases de un terror psicológico que miraba hacia el interior, hacia las profundidades de la psique humana.Por su parte, Bram Stoker inmortalizó a Drácula en 1897, encarnando en el vampiro la representación de lo reprimido y lo erótico en la sociedad victoriana. Su figura atravesaría las fronteras del género literario para establecerse en el imaginario colectivo como el emblema de la muerte, la seducción y la inmortalidad. Estos autores del siglo XIX forjaron un lenguaje literario del horror que reflejaba las ansiedades de su tiempo, en un contexto marcado por la industrialización, el avance de la ciencia y la represión moral.El terror en el siglo XX: Lovecraft y el horror cósmicoCon el siglo XX llegó una transformación en la concepción del terror. Howard Phillips Lovecraft, quien publicó entre los años 20 y 30, llevó el género hacia un tipo de horror que trascendía lo humano. En su visión, el universo estaba poblado de deidades antiguas y monstruos cósmicos indiferentes a la existencia humana. La insignificancia del ser humano ante el cosmos se convirtió en el núcleo de lo que hoy conocemos como horror cósmico. Su estilo, denso y obsesivo, inspiró a generaciones de autores que veían en sus relatos una respuesta a la crisis de identidad y la pérdida de sentido provocada por las guerras y el desencanto con la modernidad.Nuevas voces en el terror: la irrupción de América LatinaEn el siglo XXI, la literatura de terror ha encontrado nuevas expresiones en América Latina, donde las narrativas exploran los horrores cotidianos de sociedades marcadas por la desigualdad, la violencia y el peso de una historia opresiva. Autoras como Mariana Enriquez, Mónica Ojeda y María Fernanda Ampuero han capturado el interés mundial, llevando el género de terror a un terreno distinto, donde lo sobrenatural se entremezcla con el realismo social y la denuncia.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíMariana Enriquez: (Argentina) es conocida por explorar la violencia y la marginación en su obra, especialmente en su colección de relatos Las cosas que perdimos en el fuego y Nuestra parte de noche. Enriquez aborda temas como la pobreza, el abuso y la desaparición de personas, colocando el horror en un contexto de tensiones sociales y conflictos internos. Sus historias tienen un tono visceral, que se aleja de los clichés del género al retratar el terror de la vida cotidiana y sus heridas abiertas en una Argentina postdictadura.Mónica Ojeda: (Ecuador) representa una voz única en el terror latinoamericano contemporáneo. Su obra Mandíbula explora los temores de la adolescencia y la violencia en la familia a través de un lenguaje cargado de erotismo, simbolismo y psicoanálisis. La autora expone las fronteras del miedo y la atracción, utilizando las dinámicas entre sus personajes para explorar temas como la obsesión, el dolor y las relaciones de poder. Ojeda convierte a sus personajes en catalizadores de lo grotesco y lo subliminal, revelando los miedos inconscientes de la juventud latinoamericana.María Fernanda Ampuero: (Ecuador), en su libro Pelea de gallos, utiliza el género del terror para dar voz a las experiencias de las mujeres en una sociedad patriarcal. Ampuero confronta temas como la violencia doméstica, el abuso sexual y las desigualdades de género con una honestidad descarnada. Su estilo directo y sin concesiones convierte al horror en una herramienta para visibilizar lo que generalmente se esconde. A través de su obra, el terror se convierte en una denuncia de las injusticias y en un reflejo del trauma y la opresión.El contexto social y político del nuevo terror latinoamericanoEn América Latina, el género del terror está íntimamente ligado a los contextos sociales y políticos de la región. La violencia estructural, los traumas colectivos y el legado de dictaduras y conflictos armados impregnan estas narrativas de un realismo crudo que amplía los límites del género. Las nuevas autoras del terror exploran no solo el miedo, sino también el dolor y la injusticia, fusionando el realismo social con el horror y acercando a los lectores a una experiencia que va más allá de lo macabro: es una experiencia de catarsis y reflexión sobre el presente.Este resurgir del terror literario en América Latina responde a una necesidad de confrontar los miedos actuales desde una perspectiva que se aleja del terror escapista. En lugar de presentar fantasmas o criaturas sobrenaturales, estas narrativas exploran las pesadillas de la vida cotidiana, el impacto de la violencia, la desigualdad y la opresión. Así, el terror en la literatura latinoamericana contemporánea se convierte en un espejo de las luchas sociales y en una voz que denuncia lo que persiste en las sombras.Un futuro incierto pero prometedor para el géneroLa literatura de terror sigue evolucionando, y las nuevas voces que emergen en América Latina aportan una riqueza y una complejidad que le dan al género una nueva relevancia. En un mundo marcado por crisis políticas, desigualdad y amenazas ambientales, el terror literario continuará siendo un vehículo para expresar los miedos y ansiedades de nuestra era. La obra de Enriquez, Ojeda y Ampuero abre una puerta a una visión contemporánea del terror, donde el verdadero monstruo no es el que emerge de la oscuridad, sino el que vive en los resquicios de nuestra realidad cotidiana.Este nuevo terror no solo cautiva, sino que desafía. Nos obliga a mirar de frente, a no apartar la vista de aquello que normalmente relegamos a las sombras.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Según ha informado la organización del certamen en un comunicado, el protagonista, entre otras de la serie de películas de Piratas del Caribe, llegará a la capital andaluza tras su paso por los festivales de San Sebastián para presentar el largometraje en el que aborda la vida del artista bohemio Amedeo Modigliani, conocido como Modi por sus amigos.Está previsto que llegue acompañado de la protagonista femenina de la película, la francesa Antonia Desplat, que da vida en la cinta a la escritora, poeta y crítica literaria inglesa Beatrice Hastings.Sin concretar aún la fecha exacta, se espera que esté en Sevilla en el primer fin de semana del festival, los días 9 y 10 de noviembre.El protagonista de películas icónicas como Eduardo Manostijeras (Tim Burton, 1990) y Miedo y asco en Las Vegas (Terry Gilliam, 1998) se encuentra promocionando una película escrita por Jerzy Kromolowski y Mary Kromolowski, en la que Riccardo Scamarcio da vida a Modi.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEl filme se desarrolla durante un torbellino de 72 horas en las que Modi vive una caótica serie de acontecimientos en las calles del París desgarrado por la guerra en 1916.En estos días, el actor y director ha sido también noticia por el anuncio por parte de Lionsgate de la cuarta colaboración de Johnny Depp con Penélope Cruz.Tras compartir escenas en Blow (Ted Demme, 2001), Piratas del Caribe: En mareas misteriosas (Rob Marshall, 2011) y Asesinato en el Orient Express (Kenneth Branagh, 2017), la pareja artística protagonizará el ‘thriller’ Day drinker, dirigido por Marc Webb y ambientado en un crucero.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
