Con tan solo 33 años, una educación autodidacta y un diploma de Biología de la Universidad Nacional de Colombia, se dedica a hacer arte a partir de la muerte de algunos de los miembros de la familia más amados, las mascotas, dándoles una "vida eterna" con sus seres queridos.Su trayectoria en la taxidermia comenzó hace más de diez años mientras terminaba sus estudios y descubría un gran interés por el arte detrás de la inmortalidad de los animales.La palabra taxidermia se deriva del griego taxis, que significa colocación, y derma, que alude a la piel. Y aunque su historia se remonta a la cultura de la cultura chinchorro de Chile entre el 7.000 y 1500 a.C., esta práctica de congelar en el tiempo los cuerpos de animales llegó a Colombia muchos años después, en la década de los 60 del siglo pasado.Lo que históricamente fue una práctica de mantener con vida a animales de gran tamaño como leones o toros y pequeños como colibríes o tortugas para su exposición en hogares y museos se enfrenta a una crisis por una población que cada vez se interesa menos por esto.Vargas explica en una entrevista con EFE que la mayoría de animales que se ven en su estudio son encargos de dueños de mascotas domésticas que "muchas veces se olvidan de recogerlos".Le tiemblan las manos por cansancio: "Yo trabajo como seis horas seguidas en el día, y donde hace años me llegaban alrededor de dos animales al año para disecar, ahora me llegan uno o dos al mes", y especifica que para que luzcan realistas, tiene que proceder en las 24 horas siguientes a la muerte.Mientras agarra el cuerpo abierto de un gato negro que ya está listo para tomar su forma final, lamenta ser el único de la capital colombiana que todavía se dedica a la taxidermia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.De la taxidermia a los esqueletosA pesar de que Vargas empezó disecando animales que encontraba por la calle y luego se pasó a los encargos de una manera más profesional, en este momento de su carrera la técnica que más disfruta es la de organizar los huesos y montar los esqueletos completos de los animales."A mí me gustan más los huesitos", afirma y agrega que no solo es una práctica que disfruta más y le lleva menos tiempo, sino que además es la modalidad que más le suelen pedir.Mientras que un proceso de taxidermia se puede demorar más de 70 horas, en el de los esqueletos, que consiste en manejar más de 200 piezas que tiene que unir para formar la secuencia completa, puede tardar 40 horas.Vargas sujeta entre sus manos el esqueleto completo de una rata, pieza que podría parecer un dinosaurio de un museo arqueológico a ojos de cualquier persona, pero que monta él mismo con la ayuda de un alambre y por el que cobra a sus clientes entre 550.000 y 800.000 pesos (entre 130 y 190 euros; y 140 y 200 dólares).De hecho, explica con ilusión que está empezando a desarrollar un proyecto de museo con unos compañeros de la Universidad Nacional dedicados al avistamiento de aves: "No he visto en ninguna parte de Colombia un museo así".El rechazo socialLa taxidermia se podría asociar con la caza furtiva y prácticas ilegales, pero Vargas afirma que él lo hace por amor a los animales y por su función artística."Es un reto, superar las fobias no es fácil", afirma el biólogo mientras cuenta que en Bogotá él conocía a un señor mayor que este año decidió retirarse del oficio.El joven ofreció en varias ocasiones cursos gratuitos para personas que mostraron interés a través de su página web, pero lamenta que no salió adelante ninguno de ellos: "Hay personas jóvenes que parece que les interesa, pero cuando les digo que no tienen que pagar no se presentan".Justifica que en la actualidad el desconocimiento asociado a este arte "es muy grande" y genera mucho rechazo social, pero él espera que generaciones más jóvenes muestren disposición por aprender.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El presidente de la Junta Constructora de este templo católico, Esteve Camps, afirmó este miércoles que tienen la "ilusión" de terminar la obra en diez años, pero todo dependerá de las negociaciones y permisos de la Administración."Tenemos la ilusión de que en diez años podremos acabar la parte constructiva, la verticalidad", explicó Camps en una rueda de prensa, dejando claro que la finalización de la ornamentación podría demorarse más tiempo."Como herederos" del arquitecto español Antoni Gaudí (1852-1926), considerado uno de los genios del modernismo, que proyectó el templo, su voluntad es seguir el proyecto "tal y como él lo dejó escrito", sin renunciar a elementos como una escalinata que podría implicar algunas expropiaciones que dependen de la Administración."Seguro que si nos sentamos a hablar y hay diálogo, habrá un acuerdo", apuntó Camps frente a un cartel con el lema en catalán "T'acabarem" (Te acabaremos).La Junta Constructora se compromete a que en 2025 habrán terminado los trabajos de la capilla de Asunta y de la Torre de Jesús, para su inauguración oficial en 2026, cuando se cumplirán cien años del fallecimiento del arquitecto.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Patronato de la Sagrada Familia ha remitido al alcalde de Barcelona, Jaume Collboni, una petición para que 2026 sea el año Antoni Gaudí.En 2023 hubo un incremento de visitantes del 24,5 % respecto a 2022, con casi un millón de visitantes más de un total de algo más de 4,7 millones que disfrutaron del templo.La nacionalidad que más visitó el templo fue la estadounidense (19,4 %), por delante de otras como la española (14,6 %).La basílica comenzó a erigirse en 1882 y su construcción se financia con donaciones. La parte que llegó a construir el propio Gaudí fue declarada en 2005 patrimonio de la humanidad por la Unesco.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'Redescubrir Van Eyck', presentada este martes, reúne junto al cuadro restaurado otros cinco del pintor, del que solo han llegado a nuestros días una quincena de obras, además de unas 60 piezas, entre pinturas de la época, esculturas y libros iluminados.Pintado hace casi seis siglos, hacia 1430, la obra del Louvre "estaba muy sucia" y tenía "muchas capas" de barniz amarillo y grueso "que impedían apreciar los volúmenes de las figuras, la paleta de colores y la precisión de los detalles", explica a EFE la comisaria de la exposición, Sophie Caron.El proceso de restauración incluyó un cuidadoso análisis, que duró más de seis meses, a través de rayos X e infrarrojos para determinar el estado del panel de madera de roble sobre el que está pintada la obra.Este cuadro tiene la particularidad de que no fue concebido para estar colgado, sino que está pintado también por detrás, con una hábil imitación del mármol veteado verde, ya que estaba pensado como ornamentación de un monumento funerario para ser visto por ambos lados, lo que también explica su formato casi cuadrado (69x71 centímetros), inusual en la época.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Nicolas Rolin, canciller del ducado de Borgoña (entonces una gran entidad cuyos territorios se repartían entre Francia y el Imperio Germánico), encargó la obra para usarla como altar portátil en sus viajes y después incorporarla a la tumba que se construyó en la iglesia de su localidad natal de Autun (norte de Francia).La restauración permitió ver que bajo la pintura había un dibujo sobre el que pintó el autor. Después, los especialistas retiraron las capas de barniz y restauraron la parte trasera.La iglesia de Autun fue destruida durante la Revolución Francesa y el cuadro acabó en el Louvre en 1805, donde se mostraba colgando, lo que impedía ver la parte trasera.Luz, color y atención al detalle'La Virgen del canciller Rolin' que resurge de la restauración es ahora un cuadro que cautiva por su luminosidad y su colorido, pero también por la atención minuciosa del artista por los pequeños detalles, como bordados, joyas o pliegues textiles."Van Eyck es un maestro de la luz", explica Caron, "y fue admirado por sus contemporáneos por su manera de mostrar cómo la luz reacciona en diferentes superficies y materias", como cristal, terciopelo, pelo animal o piedra.Además, esta pintura muestra, como otros de maestros flamencos o italianos del final de la Edad Media, la superposición de distintos planos, el uso de elementos arquitectónicos, el trabajo de la perspectiva o el inicio de la técnica del 'sfumato'."El agrupamiento de todos estos parámetros condensa en una sola obra muchos temas que se ven en otras de Van Eyck", resume.Pero Caron, que es conservadora de pintura en el Louvre, reconoce que en esta obra Van Eyck no buscó "una construcción matemática a la italiana", ya que algunas perspectivas "no son muy exactas".En este trabajo se muestra "como un maestro de la construcción (de los planos), al tiempo que se libera del aspecto matemático" de la perspectiva, explica.Igualmente, la pintura muestra, igual que otras de sus coétaneos, una creciente preocupación por el realismo, mostrando arrugas o cicatrices de los personajes.La comisaria no descarta que Van Eyck (nacido hacia 1390 y fallecido en 1441, y que tuvo su taller en Brujas, Bélgica), pudiera haberse inspirado en elementos arquitectónicos o paisajísticos que conoció en la península ibérica, ya que acompañó a la comitiva que viajó para solicitar la mano de Isabel de Portugal, casada en 1429 con el duque Felipe el Bueno.La obra maestra de Van Eyck es el retablo de la catedral de Gante (Bélgica), un políptico de doce tablas realizado junto a su hermano Hubert.La muestra, que terminará el 17 de junio, incluye cinco cuadros más de Van Eyck, como 'La Anunciación', prestado por la Galería Nacional de Washington, y también algunos de su paisano y coetáneo Rogier van de Weyden.También hay libros religiosos iluminados, esculturas, capiteles y otros elementos arquitectónicos que ayudan a poner en perspectiva el trabajo de los artistas a comienzos del siglo XV, cuando el arte medieval evolucionaba de forma inexorable hacia el Renacimiento.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Tamara de Lempicka, una figura icónica en la historia del arte del siglo XX, dejó una marca indeleble en el movimiento Art Decó con su estilo distintivo y su enfoque audaz hacia la representación visual. Nacida en Polonia el 16 de mayo de 1898 como Maria Górska, adoptó el nombre de Tamara después de casarse con el abogado Tadeusz Lempicki en 1916. Su vida estuvo marcada por una mezcla de escándalo, glamour y creatividad, y su obra se convirtió en sinónimo del espíritu liberado y elegante del período de entreguerras.Tamara de Lempicka vivió una vida de constante transformación. Después de sufrir el trauma de la Revolución Rusa en 1917, escapó con su esposo a París, donde se sumergió en la vibrante escena artística de la época. Fue en París donde su talento como pintora comenzó a florecer, y su estilo único comenzó a llamar la atención.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.El arte de Tamara de Lempicka es inconfundible en su fusión de sensualidad, elegancia y modernidad. Sus pinturas están llenas de figuras alargadas y angulares, con una paleta de colores vibrantes y contrastantes que resaltan la sofisticación y el dinamismo de la era Art Decó. Sus retratos de mujeres son especialmente notables, capturando la feminidad en una luz que desafía las convenciones de la época.Lempicka revolucionó el movimiento Art Decó al infundirle una nueva energía y una perspectiva única. A través de sus obras, llevó el Art Decó más allá de la mera estética y lo convirtió en un medio para explorar la identidad, la sexualidad y el poder femenino en una sociedad en rápida transformación. Sus retratos audaces desafiaron las expectativas tradicionales de la representación femenina en el arte, presentando a mujeres fuertes, seguras de sí mismas y seductoras en un mundo en el que estaban tomando un papel más activo.Sus pinturas se encuentran en importantes colecciones y museos, y su influencia sigue siendo evidente en la moda, el diseño y la cultura popular contemporánea. Su capacidad para capturar la esencia de una época y su visión única continúan inspirando a artistas y admiradores por igual, asegurando su lugar como una de las figuras más importantes del Art Decó y del arte moderno en general.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El enigmático grafitero se atribuyó la autoría en un mensaje colgado en la plataforma Instagram a raíz de la ola de especulaciones suscitadas en torno al mural, ubicado en el bloque de viviendas de la calle Hornsey Road, en el barrio de Finsbury Park.En declaraciones a medios locales, residentes de ese vecindario se mostraron hoy "orgullosos y encantados" de que el artista haya escogido su calle para exhibir su último trabajo.Para esta obra Banksy ha escogido un tono verde brillante que parece representar las hojas de un árbol que está situado justamente al lado de ese muro. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Banksy (@banksy) Junto a las hojas verdes hay pintada una persona que sostiene una manguera de presión. El color elegido es el mismo que utiliza el ayuntamiento del distrito de Islington donde se ubica el edificio, para señalizar las calles de la zona.Banksy normalmente confirma que se encuentra detrás de sus murales callejeros colgando mensajes en su cuenta de Instagram y en su web oficial.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Su último trabajo confirmado anterior a éste apareció el pasado diciembre, cuando dibujó drones militares en lo alto de una señal de tráfico en el barrio del sureste de Londres de Peckham. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Banksy (@banksy) Esa obra fue retirada menos de una hora después de que se confirmara la autoría de Banksy y dos hombres fueron posteriormente detenidos como sospechosos de robo y daño criminal.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella, en Bogotá, fue el escenario cultural en el que el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes decidió presentar el Plan Nacional de Cultura 2024-2038 (PNC). En medio de muestras artísticas de diversas regiones del país, desde hip hop, hasta cantos llaneros, el ministro Juan David Correa dio a conocer esta nueva hoja de ruta que tiene un enfoque étnico y biocultural.Entre los artistas que participaron del encuentro estuvo el cantante y compositor Raúl 'Numerao' González, quién interpretó Cantos de trabajo del Llano, una manifestación tradicional reconocida por la UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad desde 2017.Además, el escenario fue el epicentro de un “cypher” (batalla de danzas urbanas), a cargo de la fundación El Círculo Hip Hop; así como de la presentación del video jockey (VJ) Rafa Puyana y del grupo de San Basilio de Palenque Kombilesa Mí.Durante la presentación, el ministro Correa explicó que el PNC, que se venía gestando desde 2019, tuvo un cambio en su enfoque. “Le hemos dado un nuevo énfasis, un énfasis en economías populares, cultura de paz, formación artística y cultural, infraestructuras culturales para la vida y una serie de proyectos”.Además, explicó que para poderlo poner en marcha a cabalidad hay tres pasos importantes: “Un plan es simplemente un camino que le queremos proponer al país de aquí a 2038, es un plan quindenial, es decir, de quince años, para que la gente pueda, desde la región, asumir algunos de estos retos, pero este plan no sería nada sin la reforma general que queremos hacerle a la Ley general de Cultura el próximo junio”.De acuerdo con lo expresado por el ministro, dicha a reforma a la Ley 397 de 1997, la ley de cultura, no busca “quitarle ningún derecho adquirido a la legislación cultural colombiana, sino profundizar, ampliar e incluir con mayor decisión a la Colombia excluida”.Después de la presentación de la reforma ante el Congreso, para septiembre de este año se espera el fortalecimiento institucional del Ministerio con la creación de, al menos, trescientos nuevos cargos y la instalación de cuatro sedes regionales del Ministerio de Cultura en distintas ciudades del país.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Un enfoque étnico, el distintivo del Plan Nacional de CulturaUn total de 94.310 personas participaron en la construcción del Plan Nacional de Cultura, que se enfoca en tres pilares de trabajo: diversidad y diálogo intercultural, memoria y creación cultural y gobernanza y sostenibilidad cultural.Marcela Nossa, consejera Nacional de Cultura, dijo que este plan evidencia que hoy hay una mayor concientización de lo que representa la cultura para el país. “La cultura es el eje fundamental para construir la paz, mejorar la calidad de vida y dignificar al artista”, subrayó.Por primera vez, el Plan Nacional de Cultura contará con capítulos específicos para los pueblos indígenas, comunidades negras, afrocolombianas, raizales y palenqueras y el pueblo Rrom. Esta medida busca que las culturas, las artes y los saberes sean prioridades en las agendas públicas, privadas y sectoriales, nacionales y territoriales, para que se reconozca y se impulse su contribución esencial en la transformación social del país.Sobre la implementación, el ministro aseguró que ya hay reuniones con varias de las organizaciones indígenas colombianas y está “la decisión indeclinable de incluir, por supuesto, las poblaciones afro, palenqueras y negras y a las rrom también”. “Eso es un proceso de construcción, ustedes saben que tiene que haber una consulta previa, tiene que haber instancias de negociación, pero nosotros estamos abiertos a eso”, agregó.Por su parte, Leonidas Valencia, músico y gestor cultural, destacó que el plan insta a la articulación y corresponsabilidad entre el sector privado, público y la sociedad civil en diferentes vías. “Esta iniciativa es importante por ser una apuesta con carácter participativo, que promueve el desarrollo del sector cultural de nuestro país".En cuanto a medidas concretas en las que se verá reflejada la implementación del PNC, el ministro dijo, por mencionar algunas, que se pondrá en marcha el museo afro, “hay una inversión histórica en el departamento del Chocó por primera vez; me comprometí con su gobernadora, habrá acciones también para la gente afro del Caribe"."Hay gente afro en el Caquetá que tenemos que fortalecer, las comunidades indígenas necesitan ser fortalecidas en sus planes de lenguas y planes de salvaguardias, y eso es lo que queremos proponer a través de este plan quindenial de cultura y de la reforma a la Ley general de 1997”, aseguró.“Esperaríamos ver en los territorios la puesta en marcha del plan, desearía que cada día fueran reconocidos los saberes empíricos, los saberes artesanales, los saberes artesanales, tradicionales, que fueran reconocidos por la academia”, dijo Diana Abella, exponente del rap en Colombia.La artista agregó que “ese diálogo entre la academia y las bases culturales va a generar un gran camino de nuevos aprendizajes para las nuevas generaciones; es una gran solución al divorcio que ha existido históricamente entre la academia y las bases cultural y social”.Sobre la financiación del PNC, Nossa explicó que el potencial de esta hoja de ruta, siempre abierta a actualizaciones a cambios y ajustes, puede ir más allá de los quince años. Sin embargo, el ministro aclaró que asegurar el financiamiento no puede quedar estipulado desde ya. “Nosotros tenemos que hacer política pública, pero también tenemos que tener un horizonte de posibilidades, y en el horizonte de posibilidades hay cosas que se pueden transformar, cambiar, nos lo ha demostrado el país”.Por otro lado, el ministro también explicó la asignación y priorización de los recursos del sector cultura para este 2024. “El 70 % del presupuesto total del Ministerio de Cultura será invertido en el litoral Pacífico, en el Chocó, Cauca, Nariño, la Amazonía, Catatumbo, los sures del Caribe, sur de Bolívar, Sucre, Córdoba, por supuesto La Guajira”. Agregó que “esa es la decisión del presidente y en eso lo acompañamos, el país debe ser incluido con mucha mayor decisión y la inversión tiene que llegar a estos territorios”.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La "Normativa para la Regulación de Productores, Promotores y Organizadores de Actividades, Eventos o Espectáculos Artísticos Públicos" fue aprobada por la ministra nicaragüense del Interior, María Amelia Coronel Kinloch, y publicada en el Diario Oficial La Gaceta, en Managua.Esa cartera explicó que es facultad del Ministerio del Interior implementar, mantener y ejecutar las medidas necesarias para garantizar la seguridad ciudadana y humana, así como el orden interno en el territorio nacional,"La Normativa para la Regulación de Productores, Promotores y Organizadores de Actividades, Eventos o Espectáculos Artísticos Públicos, es el marco regulatorio aplicable a las personas naturales o jurídicas nacionales o de otra nacionalidad que se dediquen a la realización de actividades, eventos o espectáculos artísticos públicos en territorio nacional", indicó.Por tanto, agregó, esa cartera aprobó esa normativa "a fin de garantizar la seguridad ciudadana, del Estado y el orden interno en el territorio nacional" y la misma entró en vigencia a partir de hoy.Por su lado, la Policía Nacional mantiene prohibidas las manifestaciones en las calles desde septiembre de 2018 con el argumento de evitar disturbios, incluyendo las que se realizan en ocasión del Día Internacional de la Mujer o para conmemorar el Día Internacional de los Derechos Humanos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Gobierno de Nicaragua, a través de la Policía Nacional, también ha prohibido a la Iglesia católica sacar a los santos a las calles desde hace más de un año, cuando no les autorizó celebrar las procesiones de viacrucis durante la Cuaresma de 2023 ni después en Semana Santa.La orden policial fue adoptada después de que el presidente de Nicaragua, Daniel Ortega, en el poder desde 2007, tildara de "mafia" a sacerdotes, obispos, cardenales y al papa Francisco.Nicaragua atraviesa una crisis política y social desde abril de 2018, que se ha acentuado tras las controvertidas elecciones generales del 7 de noviembre de 2021, en las que Ortega fue reelegido para un quinto mandato y cuarto consecutivo, con sus principales contendientes en prisión o en el exilio.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Mayuko Kashiwazaki, vestida de quimono, pronuncia sus líneas en tono gutural y baila con gracia sobre un escenario en el papel principal de una obra de teatro japonés Noh, en el que, extrañamente, la mayoría de los artistas son mujeres.El Noh, con sus trajes elaborados y máscaras hechas a mano, es un estilo teatral que data del siglo VIII, uno de los más antiguos del mundo aún vigentes.A diferencia del kabuki, otro estilo de teatro clásico japonés, o la lucha sumo -ambos firmemente masculinos- el Noh ha estado abierto a artistas de ambos géneros por más de un siglo.Pero la presencia de mujeres sigue siendo raro en el mundo tradicional Noh, donde los padres a menudo pasan la vocación a sus hijos. Las mujeres representan solo 15 % de los 1.039 actores y músicos registrados con la Asociación de Artistas Nogaku. Y sus oportunidades de aparecer en el escenario son "relativamente limitadas", dijo Kashiwazaki, de 43 años, a AFP. "Una razón es que el público del Noh suele ser mayor, y suele verlo como una forma de arte masculino", comentó.Pero ahora es tiempo "de que las mujeres reflexionen sobre su futuro en el Noh y tengan un papel en la construcción de ese futuro".Kashiwazaki interpretó el personaje principal en Dojoji, un célebre drama sobre la venganza de una mujer traicionada, el fin de semana pasado en el Teatro Nacional Noh de Tokio.Con un quimono bordado con motivos de grullas, la artista enmascarada pronuncia sus líneas en un canturreo arcaico. Tras ocultarse detrás de una campana de templo budista de utilería, emerge transformada en un personaje demoníaco en forma de serpiente con mechones salvajes y ardientes de cabello rojo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Dramas líricosKashiwazaki, impulsada por su mentor, intentó hallar tantas mujeres como fuera posible para la producción. "Dojoji es una pieza sumamente importante para los actores Noh", explicó Kashiwazaki, y "tienes que tener mucha suerte de poder interpretarlo aunque sea una vez en tu vida"."Como tuve la suerte de tener esta oportunidad, pensé que sería genial montarla con otras mujeres artistas", dijo. Yoko Oyama, quien tocó un tambor de mano en la pieza, dijo que era raro ver "tantas mujeres en el coro y entre los músicos en el escenario".Pero para algunos personajes, incluido el actor de apoyo o "waki" en el Noh -a menudo un personaje de monje o sacerdote- no había mujeres disponibles, así que lo interpretó un hombre."Las mujeres no interpretan el 'waki' (...) Siempre tiene que ser así", comentó a AFP el mentor de Kashiwazaki, Yasuaki Komparu de 72 años.Komparu, descendiente de una de las cinco familias de las que han salido generaciones de actores Noh, descubrió a Kashiwazaki cuando estudiaba Noh. A ella le encantaban los dramas líricos y la actuación estilizada en escenarios minimalistas."Me fascinaba lo genial que se veía esta forma artística japonesa, y pensé que solo lo podría entender si yo misma participaba", comentó.Círculo viciosoLa primera mentora de Kashiwazaki intentó disuadirla de hacer Noh, tras sufrir las dificultades que viven las mujeres en este arte antiguo.Reconocido por la Unesco como "patrimonio cultural inmaterial", el Noh desarrolló su forma actual en la era Muromachi, 1336-1573, un período en el que había mujeres entre sus artistas.En la era Edo, de 1603 a 1868, el apoyo de los shogun permitió aumentar la popularidad del Noh. Pero las mujeres tenían prohibido aparecer en el escenario por las reglas oficiales de moralidad que reprimían las libertades individuales.Solo al final del siglo XIX es que las mujeres volvieron a ser admitidas en el Noh, pero debieron esperar hasta 1948 para ser reconocidas como profesionales."Hay actores no extraordinarios, hombres y mujeres, pero el público tiende a buscar cierto tipo de Noh, con una idea fija de lo que debe ser", indicó Kashiwazaki.Esa falta de oportunidades crea un "círculo vicioso" porque no pueden acumular experiencia para avanzar sus carreras, explicó. Después de la presentación del sábado, el espectador Kazuaki Ieda, de 40 años, dijo estar "muy interesado y emocionado" con la presentación."Creo que este puede ser el futuro del Noh en Japón", opinó Ieda.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Esta disminución en los ingresos oculta un récord absoluto de transacciones (763.000), un aumento del 5 %", detalló el texto.Lo que aumentó especialmente fueron las ventas de menos de 1.000 dólares, (423.000 en total) y las ventas en línea."Solo el segmento de [ventas de] alta gama se ralentiza, con una disminución del 25 % en aquellas superiores a diez millones de dólares", explicó Thierry Ehrmann, director de esta empresa, líder mundial en información sobre el mercado del arte, a AFP."Tres años después del inicio de la crisis de Covid, el mercado de subastas de Bellas Artes (pintura, escultura, dibujo, fotografía, grabados, videos, instalaciones, tapices, NFT) se está recuperando fuertemente en Asia pero está disminuyendo en Occidente", agregó.El mercado estadounidense sigue siendo líder con 5.200 millones de dólares en ventas (-28 %), seguido de China, que retoma sus actuaciones pre-Covid, con 4.900 millones (+4 %).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En otros países de Asia, las disparidades son marcadas: Japón pierde un 22 % de ventas y Corea del Sur un 49 %, mientras que la India muestra un récord con 152 millones (+76 %).Con 1.800 millones (-15 %), el Reino Unido sigue siendo el tercero, seguido de Francia, que totaliza 875 millones en ventas (-11 %).El año 2023 también marca el ascenso de las mujeres, con cinco de ellas en el Top 50 mundial de artistas más valoradas y un número de transacciones relacionadas con ellas que se ha duplicado en cinco años.También es el año de consolidación de los NFT, certificados de autenticidad digital para contenido en línea, en los museos.Esos NFT habían causado sensación cuando llegaron al mercado del arte a finales de la década de 2010, con un auge en 2021, antes de registrar una caída espectacular en 2022 tras el colapso de las criptomonedas.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Para un artista, cuando trabajar con las manos no es una opción para sujetar la brocha, la pasión gana la batalla y se buscan los medios para seguir creando obras de arte con la misma maestría que artistas sin los mismos obstáculos físicos, incluso usando la boca y los pies.Es el caso de los cincuenta artistas plásticos colombianos que vieron en la Asociación de Pintores con la Boca y con el Pie una vía de escape a sus obstáculos y una motivación para seguir puliendo su talento y aprender nuevas técnicas.Román Luna Rojas, uno de esos artistas, se sitúa de pie frente al lienzo en blanco y esboza un dibujo de dos girasoles moviendo la cabeza para darle vida al lapicero, pero no tarda en cambiar de técnica y dar color a las flores intercambiando varios pinceles que deposita en un vaso con agua.Este artista explica a EFE que perdió sus dos brazos en un accidente, pero asegura que "cuando uno tiene las ganas y el deseo de superarse, siempre ve en aquello que muchas veces puede ser una pequeña desventaja, una ventaja".Gracias a la oportunidad que la asociación le brindó, pudo formarse en artes y actualmente cuenta orgulloso que es docente universitario y 'coach' motivacional: "Me encanta contar mi experiencia".La sede de la asociación en Bogotá huele a pintura y está enmarcada con decenas de impresionantes y coloridos lienzos de fincas cafeteras, estampas marinas del caribe, flores y animales, todos con una etiqueta que marca el importe que reciben íntegramente los artistas.Sobre una mesa, las personas que asisten a los pintores les ayudan a abrir los estuches con los pinceles y a mezclar los óleos sobre paletas y placas, que sitúan al alcance de la boca o los pies de los artistas para que puedan empezar a dar vida a los lienzos.💬 Síganos a la HJCK en nuestro canal de WhatsApp aquí y entérese de la actualidad cultural.Vivir del arteUnos eligen las pinturas en óleo y otros el acrílico, pero todos ellos, desde su silla de ruedas o un taburete, empuñan sus pinceles y destapan el arte detrás del lienzo en blanco con la seguridad de que, a pesar de que algunos tengan otros empleos, pueden sustentarse económicamente con el salario mensual que les da la asociación y los cuadros vendidos.La directora de la asociación para Colombia, Fabiola Navas, dice a EFE que se financian con los calendarios y postales que anualmente diseñan para las campañas de Navidad y primavera."Algunas familias y empresas llevan más de veinte años comprando los calendarios", dice Navas mientras celebra que las personas en Colombia colaboran mucho "porque es espectacular ver a un artista pintar con la boca o con el pie casi igual que a un artista que pinta con sus manitos, da respeto".Luz Angélica García es una de las más jóvenes de la asociación que con solo 22 años y su síndrome de Roberts pinta con los pies. Ella explica a EFE que cuando empezó a pintar no fue fácil, pero con dedicación y la ayuda de un profesor aprendió a cómo usar bien el pincel."Desde pequeña siempre he tenido esa habilidad (de utilizar los pies) y una compañera de mi colegio me fue enseñando y a pesar de que fue complejo, con el tiempo ya lo veo factible", recuerda Luz con una sonrisa.Es así como, sentada en un pequeño taburete, sujeta magistralmente los pinceles entre los dedos de los pies y combina colores par dibujar y pintar animales o flores en el lienzo apoyado sobre un pequeño caballete en el suelo.Implicación internacionalArtistas como Luz Angélica o Román se suman a los más de 800 con discapacidad becados que tiene esta asociación internacional, con sede en Suiza, distribuidos entre 75 países.Desde Suiza, un tribunal de esta organización admite a nuevos becarios. Para entrar a esta familia de pintores, los participantes tienen que enviar 15 obras y los documentos personales: "Los únicos requisitos son saber algo de pintura y tener ganas", aseguran.La directora para Colombia cuenta que por la pandemia y por falta de implicación de la gente en algunos países tuvieron que cerrar cuatro de las sedes internacionales de la Asociación; "la gente ya no aporta tanto como hace años", justifica Navas.Sin embargo, el personal del local de Bogotá, ubicado en el barrio de Teusaquillo, se enorgullece de no sólo poder mantener a los artistas que están ya en plantilla, sino de además tener a cuatro personas más esperando para ser admitidas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este lunes Disney presentó el primer tráiler de Mufasa, una precuela en live action que narrará la historia de origen del mítico personaje de El Rey León. Mufasa además de ser el padre de Simba, nos dio una de las escenas más tristes del cine hace ya treinta años, en 1994, y en 2019 fue recreada en la película, también de live action, dirigida por Jon Favreau.Entre historias de drama, acción, superhéroes y ciencia ficción, le contamos cuáles son los próximos estrenos en cine y televisión, los tráilers, curiosidades y fechas de estreno.‘Mufasa’“Un león que cambiaría nuestras vidas para siempre”, así Rafiki, el sabio babuino que acompañó a Simba en El Rey León, narra ahora los orígenes del rey Mufasa, a quien vemos como un cachorro en esta historia.La épica historia que será contada a Kiara, la hija de Simba, ya tiene fecha de estreno. El próximo 20 de diciembre veremos el origen de una historia que nació hace tres décadas, está vez, dirigida por el cineasta Barry Jenkins, quien se consagró con el Óscar a Mejor película en 2016 por Moonlight. Como si no fuera suficiente para acrecentar las expectativas por está producción, Lin-Manuel Miranda estará a cargo de la música que contará con la participación de Beyoncé y su hija Blue Ivy.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.‘Blink Twice’ (‘Parpadea dos veces’)Zoë Kravitz debuta como directora con una inquietante película que, apenas en su tráiler, promete misterio, intriga, un elenco de alto nivel y un toque de comedia. Adria Arjona, Haley Joel Osment, Naomi Ackie y Simon Rex hacen parte de la historia que protagoniza Channing Tatum, quien encarna a Slater Kink, un excéntrico millonario, dueño de la isla donde cada evento desvela un misterio. Aunque no tiene fecha de estreno en Colombia, la cinta será lanzada en Estados Unidos el 23 de agosto.‘Deadpool & Wolverine’Acción, sangre e irreverencia, todo a lo que nos tiene acostumbrados la saga del antihéroe Deadpool vuelve, pero esta vez acompañado del icónico Wolverine encarnado por el australiano Hugh Jackman, quien le dio vida a este personaje de Marvel por primera vez hace 24 años, en la primera entrega de X-Men.Una de las películas más esperadas del año, llegará a los cines el 25 de julio, después de meses de grabación, especulaciones y filtraciones. En esta tercera entrega de Deadpool, dirigida por Shawn Levy, veremos a Logan, como también se conoce a Wolverine, hacer equipo con el curioso personaje interpretado por Ryan Reynolds, Vea el tráiler y encuentre simpáticas referencias a otras películas de ‘supers’ y incluso, un guiño al estilo Mad Max.‘Furiosa’En estrenos más cercanos, llegamos a Furiosa, la precuela de la distópica Mad Max, que se estrenará el 24 de mayo, pero que además es tendencia por estos días pues será exhibida durante el Festival de Cannes.La película, protagonizada por Anya Taylor-Joy y Chris Hemsworth, estará dirigida por George Miller, quien también estuvo a cargo de las clásicas películas de Mad Max, con Mel Gibson, y de la última película donde Charlize Theron encarnó al personaje al que ahora Taylor-Joy le dará vida.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Lola Vendetta. Katanazo al amor romántico (Planeta Cómic) es la nueva aventura de este personaje que en esta ocasión cuenta las consecuencias de ser maltratada a través del shock postraumático, cuya sintomatología es el aturdimiento mental, falta de memoria y lagunas mentales, dismorfia corporal, normalización de la situación para no sufrir más e incluso la justificación del maltrato para sobrevivir."Nos cuesta poco imaginarnos que un presidente como Putin tiene una personalidad así, pero luego no nos creemos que alguien de nuestro círculo cercano pueda tenerla", explica en una entrevista Riba Rossy con motivo de su participación en la Feria Internacional del Libro de Bogotá (FILBo).Ha sido un libro "incómodo" y "difícil" de escribir porque Riba Rossy no sabía si iba a lograr "explicar bien un tema tan delicado que en un cómic no se había tratado nunca", aunque lo logró y ya tiene preparada la segunda parte en la que Lola, ya habiendo recuperado su katana, contará su proceso de recuperación.El shock"Necesité entender todo lo que le estaba pasando al cuerpo de Lola Vendetta, científicamente y psicológicamente, cómo son los patrones de conducta de una persona que ha sobrevivido a algo así", para lo que estuvo dos años investigando y hablando con profesionales para "evitar a toda costa la foto de contrastes de sombras súper 'heavy' con un moratón gigante en la cara".Esto porque "ya hemos entendido que si te pegan un golpe en la cara es maltrato", pero era importante resaltar que la división entre maltrato físico y psicológico "no es cierta", ya que "el maltrato acaba siendo siempre físico porque si te machacan el cerebro, el cuerpo se afecta"."Cuantísimas mujeres me han escrito durante estos últimos meses diciéndome: 'terminé en el hospital sin poder respirar y no me puso una mano encima, pero me pasé tres años bajo una situación de estrés tan elevada que mi cuerpo explotó'. Esa división de cuerpo-mente tan loca que hacemos tenemos que empezar a difuminarla", insiste la escritora.La historia de Lola, que está acompañada por una banda sonora escrita e interpretada por su escritora a la que se puede acceder a través de un código QR, es la de millones de mujeres que viven situaciones de maltrato.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Muchas veces este síndrome de la mujer maltratada también está asociado a adicciones para aturdir todavía más y no sentir esa sensación horrible y a trastornos de la conducta alimentaria", y también a ideas suicidas: "cuando llevas tantísimo tiempo sometida a una situación de presión, encierro y aislamiento de la que tienes la sensación de que no vas a salir, la sensación de indefensión aprendida es brutal", continúa la ilustradora.El objetivo principal de los maltratadores, prosigue, es el control, por eso "de repente te das cuenta que las vejaciones más bestias son antes de mi cumpleaños o de una reunión importante en el trabajo". Es decir, que lentamente va afectando todas las áreas de tu vida, una vez identifica tus vulnerabilidades.Lola y ColombiaEl éxito que ahora es Lola Vendetta en muchos países arrancó, curiosamente, en Colombia, cuenta Riba Rossy, donde desde 2016 su personaje conectó con las colombianas."Colombia fue el primer país donde Lola Vendetta fue acogida a lo bestia, y luego vino México y luego vino España", en palabras de la ilustradora.Precisamente, el personaje de Rosa, una de las amigas de Lola, es colombiana porque Riba Rossy recibió, muy al comienzo de las aventuras del personaje, un mensaje de una niña de 7 años del departamento del Chocó en el que le pedía crear un personaje que se pareciera a ella.Casi diez años después, Riba Rossy sigue escribiendo de y desde el feminismo porque lo tiene claro: "es una carrera de fondo, nunca fue un 'petardazo' en medio de la historia".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Antonín Leopold Dvořák fue un compositor posromántico natural de Bohemia (territorio entonces perteneciente al Imperio austríaco), uno de los primeros compositores checos en lograr el reconocimiento mundial y uno de los grandes compositores de la segunda mitad del siglo XIX.Anton Dvořák estudió con Antonín Liehmann en la Escuela de Órgano de Praga entre 1857 y 1859, luego se unió como intérprete de viola al grupo que llegaría a ser el núcleo de la orquesta del nuevo Teatro Provisional, que Smetana dirigió desde 1866. La enseñanza privada y sobretodo la composición ocuparon su tiempo a partir de 1873, luego ganó una beca del gobierno austriaco en tres oportunidades (y llamó la atención de Brahms).El autor germano gestionó la edición de algunas obras suyas con Simrock en 1878. Se multiplicaron las interpretaciones en el extranjero, especialmente de las Danzas Eslavas, la Sexta Sinfonía y el Stabat Mater, y con ello importantes encargos.En Inglaterra encontró una especial acogida. Allí estrenó algunas composiciones y recibió un doctorado honorario de Cambridge. En 1890 continuó editando nuevas obras en Praga y en Londres, visitó Rusia y en 1891 comenzó a enseñar en el Conservatorio de Praga. Antes de viajar a Estados Unidos realizó una gira por Bohemia tocando su nuevo Trío Dumky.Entre 1892 y 1895 fue director del Conservatorio Nacional en Nueva York, enseñó composición y produjo obras tan famosas como la Novena Sinfonía (Del Nuevo Mundo), el Cuarteto de cuerdas en fa mayor (Americano), el Quinteto en mi bemol mayor y el Concierto para violoncello. Dificultades financieras y la nostalgia motivaron su retorno a Praga, donde comenzó a escribir poemas sinfónicos y, finalmente, vio recompensados sus esfuerzos en la música dramática con el éxito de su ópera Rusalka.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La sombra de la muerte rondó sobre la primera gran obra religiosa de Anton Dvořák, de quien conmemoramos los 120 años de su fallecimiento. Mientras estuvo dedicado a la composición del Stabat Mater (esbozado en la primavera de 1876 y puesto en limpio a finales del otoño de 1877), perdió a sus tres primeros hijos a causa de enfermedad y accidentes.Son varias las circunstancias que indujeron a Dvořák a abordar el Stabat Mater en forma de amplia cantata: la devoción a la Virgen María, que a finales del siglo XIX alcanzó un punto culminante, y el hecho que, desde Rossini, nadie había vuelto a poner con autenticidad en música la secuencia latina escrita hacia el año 1300 por el franciscano Jacopone da Todi. A estos dos hechos hay que agregar la veneración de María como Madre Dolorosa que se extendió en forma especial en los territorios católicos de lengua eslava de donde procedía Dvořák.La primera representación del Stabat Mater de Dvořák tuvo lugar el 23 de diciembre de 1880 en el concierto de la Asociación de Artistas Musicales, en Praga.La obertura de concierto Carnaval, Op. 92, fue escrita por Anton Dvořák en 1891. Es parte de la trilogía Naturaleza, Vida y Amor de oberturas escritas por Dvořák. La primera de estas oberturas, la Op. 91 corresponde a la Naturaleza, la segunda (la obertura Carnaval) a la Vida y la tercera, la Op. 93 lleva por título Otelo y corresponde al Amor.La obertura de concierto Op 92, Carnaval que escucharemos en unos instantes, está orquestada para dos flautas, flautín, dos oboes, corno inglés, dos clarinetes, dos fagotes, cuatro trompas, dos trompetas, tres trombones, tuba, timbales, triángulo, platillos, pandereta, arpa y cuerdas.El 25 de marzo de 1904 Anton Dvořák al terminar el estreno de su ópera Armida en el Teatro Naciona de Praga, abandonó el escenario debido a una enfermedad. El 18 de abril sufrió un ataque de gripe y falleció el 1° de mayo de 1904 de una causa no determinada, a los 62 años, dejando muchas obras sin terminar.Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Anton Dvorak en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 29 de abril a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Homero dio la primera pista, al mencionar en su Ilíada que la isla griega de Kasos aportó barcos para la guerra de Troya. Tirando de ese hilo, un equipo de arqueólogos ha localizado ocho barcos hundidos frente a sus costas en los últimos 5.000 años y demostrado la importancia que tuvo ese rincón del Egeo."Algunos de los hallazgos que tenemos en Kasos son únicos y se encuentran por primera vez en el mar Egeo", dice Xanthí Argiri, arqueóloga de la Fundación Nacional de Investigación (ΕΙΕ) de Grecia y responsable de la exploración que se llevó a cabo entre 2019 y 2023.Los pecios, de épocas muy diferentes, se localizaron a profundidades de entre 20 y 50 metros. El más antiguo data del 3000 a. C, mientras que los demás son del período clásico (460 a. C.), helenístico (100 a. C. a 100 d. C.), la época romana (200 a. C. – 300 d. C.) y el período bizantino (800 – 900 d. C.).Además de estos barcos, durante la investigación, en la que ha participado el Ministerio de Cultura griego, se encontraron los restos de un buque que se hundió a inicios del siglo XIX y otro de la primera mitad del siglo XX.En uno de los dos pecios de la época romana, los arqueólogos hallaron cerámica de tipo terra sigilata, originaria de África, y ánforas españolas del tipo Dressel 20 de la zona del río Guadalquivir, entre las que destaca una con un sello que ha sido fechada entre el 150 y el 170 a.C.Aunque se han encontrado "quizás millones" de estas ánforas de aceite en Europa y el Mediterráneo occidental, ya que eran unas de las más difundidas durante los tres primeros siglos d.C, "hasta ahora no se había encontrado un naufragio que confirmara su comercio marítimo en el Egeo", señala Olga Marinaki, también arqueóloga de EIE."La carga mixta confirma además que África, España y el Egeo estuvieron conectados por intensas relaciones comerciales en la época romana", añade.Los investigadores descubrieron en los pecios también tesoros únicos originarios de Italia y Asia Menor.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Durante la exploración se hallaron cañones, anclas -una de ellas de piedra, del período arcaico- y centenares de vasijas y otros objetos cerámicos.Con la ayuda de HomeroLa búsqueda empezó con la segunda rapsodia de la Ilíada de Homero, cuenta Argiri.En ese pasaje, el poeta enumera todos los barcos que las diferentes ciudades griegas aportaron para la guerra contra Troya, entre las que cita también Kasos y a la contigua isla de Kárpatos.Partiendo de esta antigua referencia a la tradición marítima de Kasos, se empezó a indagar más sobre la isla, señala la arqueóloga.Los investigadores consultaron después otras fuentes históricas que mencionaban que Kasos ofreció barcos también para la guerra de la independencia griega contra el imperio otomano, que comenzó en 1821.Aunque entre estas dos referencias históricas había un vacío de varios siglos, el equipo de arqueólogos submarinos decidió iniciar la investigación.La amplia horquilla cronológica de los objetos encontrados, que datan desde la Prehistoria, pasando por los periodos clásico, helenístico, romano, bizantino y otomano, dio la razón a los investigadores.Argiri y Marinaki coinciden en que los hallazgos demuestran que Kasos fue un "enclave fundamental" en las rutas marítimas de la Antigüedad, especialmente las que unían el norte de África con el Egeo y, más concretamente, Egipto con Constantinopla, la capital del Imperio Bizantino.A lo largo de este año el equipo seguirá la exploración en la contigua isla de Kárpatos, mientras se realiza un proyecto de conservación in situ de los hallazgos encontrados en Kasos.Financiación limitadaPese al importante papel que jugó el sureste del Mar Egeo, y sobre todo el archipiélago del Dodecaneso, en el comercio marítimo antiguo, este es el primer estudio sistemático del fondo marino en la zona.La larga distancia que separa estas islas de Atenas y la falta de infraestructura local para la investigación arqueológica subacuática, hace que los proyectos sean más costosos, ya que todo el equipo tiene que trasladarse desde la capital griega.Según Argiri, la mayoría de los casi treinta investigadores que trabajaron en el proyecto de Kasos lo hicieron de manera voluntaria, mientras que los demás gastos fueron pagados por patrocinadores privados."Es obvio que hay muchas cosas que no podemos hacer porque no tenemos los suficientes recursos", se lamenta la arqueóloga quien, sin embargo, mantiene la esperanza de que en un futuro se puedan construir en Kasos las infraestructuras necesarias para que la isla se convierta en un destino de turismo cultural submarino.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El festival anunció este lunes en un comunicado la composición del jurado que decidirá la atribución de la Palma de Oro a uno de los 22 filmes en competición, cuatro meses y medio después de haber informado de la elección de Gerwig.También integrarán el jurado de la 77 edición del Festival de Cannes la directora y fotógrafa turca Ebru Ceylan, la actriz estadounidense Lily Glandstone, la actriz francesa Eva Green, la directora libanesa Nadine Labaki, el actor italiano Pierfrancesco Favino, el cineasta japonés Kore-Eda Hirokazu y el actor y productor francés Omar Sy.Sobre Bayona, los organizadores destacaron que se ha impuesto como "uno de los cineastas españoles más aclamados" por el público y los críticos "del mundo entero".Recordaron que su primera película, El orfanato, fue presentada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes en 2007, donde "fue ovacionado y que con Lo imposible en 2012 obtuvo cinco Goyas, incluido el de mejor director, además de la nominación de Naomi Watts para los Oscar y los Golden Globe en la categoría de mejor actriz.Igual que su última película, La sociedad de la nieve, que fue la gran ganadora en los Goya con doce estatuillas, "ha sido celebrada por su profundo humanismo y sus proezas técnicas".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre los otros miembros del jurado hay figuras muy conocidas del séptimo arte como Omar Sy, que consiguió una gran proyección a partir del César que logró en su país como mejor actor en 2011 por Intouchables, de Éric Toledano y Olivier Nakache.También Lily Glandstone, que con su papel en Killers of the Flower Moon, de Martin Scorsese, además de ser nominada a los Oscar, recibió el Golden Globe de 2023, el Screen Actors Guild Award de 2024 y el título de mejor actriz del New York Film Critics Circle y del National Board of Review.El palmarés de la próxima edición del Festival de Cannes se hará público el 25 de mayo durante la jornada de clausura.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.