El presidente de la Junta Constructora de este templo católico, Esteve Camps, afirmó este miércoles que tienen la "ilusión" de terminar la obra en diez años, pero todo dependerá de las negociaciones y permisos de la Administración."Tenemos la ilusión de que en diez años podremos acabar la parte constructiva, la verticalidad", explicó Camps en una rueda de prensa, dejando claro que la finalización de la ornamentación podría demorarse más tiempo."Como herederos" del arquitecto español Antoni Gaudí (1852-1926), considerado uno de los genios del modernismo, que proyectó el templo, su voluntad es seguir el proyecto "tal y como él lo dejó escrito", sin renunciar a elementos como una escalinata que podría implicar algunas expropiaciones que dependen de la Administración."Seguro que si nos sentamos a hablar y hay diálogo, habrá un acuerdo", apuntó Camps frente a un cartel con el lema en catalán "T'acabarem" (Te acabaremos).La Junta Constructora se compromete a que en 2025 habrán terminado los trabajos de la capilla de Asunta y de la Torre de Jesús, para su inauguración oficial en 2026, cuando se cumplirán cien años del fallecimiento del arquitecto.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Patronato de la Sagrada Familia ha remitido al alcalde de Barcelona, Jaume Collboni, una petición para que 2026 sea el año Antoni Gaudí.En 2023 hubo un incremento de visitantes del 24,5 % respecto a 2022, con casi un millón de visitantes más de un total de algo más de 4,7 millones que disfrutaron del templo.La nacionalidad que más visitó el templo fue la estadounidense (19,4 %), por delante de otras como la española (14,6 %).La basílica comenzó a erigirse en 1882 y su construcción se financia con donaciones. La parte que llegó a construir el propio Gaudí fue declarada en 2005 patrimonio de la humanidad por la Unesco.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'Redescubrir Van Eyck', presentada este martes, reúne junto al cuadro restaurado otros cinco del pintor, del que solo han llegado a nuestros días una quincena de obras, además de unas 60 piezas, entre pinturas de la época, esculturas y libros iluminados.Pintado hace casi seis siglos, hacia 1430, la obra del Louvre "estaba muy sucia" y tenía "muchas capas" de barniz amarillo y grueso "que impedían apreciar los volúmenes de las figuras, la paleta de colores y la precisión de los detalles", explica a EFE la comisaria de la exposición, Sophie Caron.El proceso de restauración incluyó un cuidadoso análisis, que duró más de seis meses, a través de rayos X e infrarrojos para determinar el estado del panel de madera de roble sobre el que está pintada la obra.Este cuadro tiene la particularidad de que no fue concebido para estar colgado, sino que está pintado también por detrás, con una hábil imitación del mármol veteado verde, ya que estaba pensado como ornamentación de un monumento funerario para ser visto por ambos lados, lo que también explica su formato casi cuadrado (69x71 centímetros), inusual en la época.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Nicolas Rolin, canciller del ducado de Borgoña (entonces una gran entidad cuyos territorios se repartían entre Francia y el Imperio Germánico), encargó la obra para usarla como altar portátil en sus viajes y después incorporarla a la tumba que se construyó en la iglesia de su localidad natal de Autun (norte de Francia).La restauración permitió ver que bajo la pintura había un dibujo sobre el que pintó el autor. Después, los especialistas retiraron las capas de barniz y restauraron la parte trasera.La iglesia de Autun fue destruida durante la Revolución Francesa y el cuadro acabó en el Louvre en 1805, donde se mostraba colgando, lo que impedía ver la parte trasera.Luz, color y atención al detalle'La Virgen del canciller Rolin' que resurge de la restauración es ahora un cuadro que cautiva por su luminosidad y su colorido, pero también por la atención minuciosa del artista por los pequeños detalles, como bordados, joyas o pliegues textiles."Van Eyck es un maestro de la luz", explica Caron, "y fue admirado por sus contemporáneos por su manera de mostrar cómo la luz reacciona en diferentes superficies y materias", como cristal, terciopelo, pelo animal o piedra.Además, esta pintura muestra, como otros de maestros flamencos o italianos del final de la Edad Media, la superposición de distintos planos, el uso de elementos arquitectónicos, el trabajo de la perspectiva o el inicio de la técnica del 'sfumato'."El agrupamiento de todos estos parámetros condensa en una sola obra muchos temas que se ven en otras de Van Eyck", resume.Pero Caron, que es conservadora de pintura en el Louvre, reconoce que en esta obra Van Eyck no buscó "una construcción matemática a la italiana", ya que algunas perspectivas "no son muy exactas".En este trabajo se muestra "como un maestro de la construcción (de los planos), al tiempo que se libera del aspecto matemático" de la perspectiva, explica.Igualmente, la pintura muestra, igual que otras de sus coétaneos, una creciente preocupación por el realismo, mostrando arrugas o cicatrices de los personajes.La comisaria no descarta que Van Eyck (nacido hacia 1390 y fallecido en 1441, y que tuvo su taller en Brujas, Bélgica), pudiera haberse inspirado en elementos arquitectónicos o paisajísticos que conoció en la península ibérica, ya que acompañó a la comitiva que viajó para solicitar la mano de Isabel de Portugal, casada en 1429 con el duque Felipe el Bueno.La obra maestra de Van Eyck es el retablo de la catedral de Gante (Bélgica), un políptico de doce tablas realizado junto a su hermano Hubert.La muestra, que terminará el 17 de junio, incluye cinco cuadros más de Van Eyck, como 'La Anunciación', prestado por la Galería Nacional de Washington, y también algunos de su paisano y coetáneo Rogier van de Weyden.También hay libros religiosos iluminados, esculturas, capiteles y otros elementos arquitectónicos que ayudan a poner en perspectiva el trabajo de los artistas a comienzos del siglo XV, cuando el arte medieval evolucionaba de forma inexorable hacia el Renacimiento.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Tamara de Lempicka, una figura icónica en la historia del arte del siglo XX, dejó una marca indeleble en el movimiento Art Decó con su estilo distintivo y su enfoque audaz hacia la representación visual. Nacida en Polonia el 16 de mayo de 1898 como Maria Górska, adoptó el nombre de Tamara después de casarse con el abogado Tadeusz Lempicki en 1916. Su vida estuvo marcada por una mezcla de escándalo, glamour y creatividad, y su obra se convirtió en sinónimo del espíritu liberado y elegante del período de entreguerras.Tamara de Lempicka vivió una vida de constante transformación. Después de sufrir el trauma de la Revolución Rusa en 1917, escapó con su esposo a París, donde se sumergió en la vibrante escena artística de la época. Fue en París donde su talento como pintora comenzó a florecer, y su estilo único comenzó a llamar la atención.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.El arte de Tamara de Lempicka es inconfundible en su fusión de sensualidad, elegancia y modernidad. Sus pinturas están llenas de figuras alargadas y angulares, con una paleta de colores vibrantes y contrastantes que resaltan la sofisticación y el dinamismo de la era Art Decó. Sus retratos de mujeres son especialmente notables, capturando la feminidad en una luz que desafía las convenciones de la época.Lempicka revolucionó el movimiento Art Decó al infundirle una nueva energía y una perspectiva única. A través de sus obras, llevó el Art Decó más allá de la mera estética y lo convirtió en un medio para explorar la identidad, la sexualidad y el poder femenino en una sociedad en rápida transformación. Sus retratos audaces desafiaron las expectativas tradicionales de la representación femenina en el arte, presentando a mujeres fuertes, seguras de sí mismas y seductoras en un mundo en el que estaban tomando un papel más activo.Sus pinturas se encuentran en importantes colecciones y museos, y su influencia sigue siendo evidente en la moda, el diseño y la cultura popular contemporánea. Su capacidad para capturar la esencia de una época y su visión única continúan inspirando a artistas y admiradores por igual, asegurando su lugar como una de las figuras más importantes del Art Decó y del arte moderno en general.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El enigmático grafitero se atribuyó la autoría en un mensaje colgado en la plataforma Instagram a raíz de la ola de especulaciones suscitadas en torno al mural, ubicado en el bloque de viviendas de la calle Hornsey Road, en el barrio de Finsbury Park.En declaraciones a medios locales, residentes de ese vecindario se mostraron hoy "orgullosos y encantados" de que el artista haya escogido su calle para exhibir su último trabajo.Para esta obra Banksy ha escogido un tono verde brillante que parece representar las hojas de un árbol que está situado justamente al lado de ese muro. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Banksy (@banksy) Junto a las hojas verdes hay pintada una persona que sostiene una manguera de presión. El color elegido es el mismo que utiliza el ayuntamiento del distrito de Islington donde se ubica el edificio, para señalizar las calles de la zona.Banksy normalmente confirma que se encuentra detrás de sus murales callejeros colgando mensajes en su cuenta de Instagram y en su web oficial.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Su último trabajo confirmado anterior a éste apareció el pasado diciembre, cuando dibujó drones militares en lo alto de una señal de tráfico en el barrio del sureste de Londres de Peckham. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Banksy (@banksy) Esa obra fue retirada menos de una hora después de que se confirmara la autoría de Banksy y dos hombres fueron posteriormente detenidos como sospechosos de robo y daño criminal.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella, en Bogotá, fue el escenario cultural en el que el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes decidió presentar el Plan Nacional de Cultura 2024-2038 (PNC). En medio de muestras artísticas de diversas regiones del país, desde hip hop, hasta cantos llaneros, el ministro Juan David Correa dio a conocer esta nueva hoja de ruta que tiene un enfoque étnico y biocultural.Entre los artistas que participaron del encuentro estuvo el cantante y compositor Raúl 'Numerao' González, quién interpretó Cantos de trabajo del Llano, una manifestación tradicional reconocida por la UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad desde 2017.Además, el escenario fue el epicentro de un “cypher” (batalla de danzas urbanas), a cargo de la fundación El Círculo Hip Hop; así como de la presentación del video jockey (VJ) Rafa Puyana y del grupo de San Basilio de Palenque Kombilesa Mí.Durante la presentación, el ministro Correa explicó que el PNC, que se venía gestando desde 2019, tuvo un cambio en su enfoque. “Le hemos dado un nuevo énfasis, un énfasis en economías populares, cultura de paz, formación artística y cultural, infraestructuras culturales para la vida y una serie de proyectos”.Además, explicó que para poderlo poner en marcha a cabalidad hay tres pasos importantes: “Un plan es simplemente un camino que le queremos proponer al país de aquí a 2038, es un plan quindenial, es decir, de quince años, para que la gente pueda, desde la región, asumir algunos de estos retos, pero este plan no sería nada sin la reforma general que queremos hacerle a la Ley general de Cultura el próximo junio”.De acuerdo con lo expresado por el ministro, dicha a reforma a la Ley 397 de 1997, la ley de cultura, no busca “quitarle ningún derecho adquirido a la legislación cultural colombiana, sino profundizar, ampliar e incluir con mayor decisión a la Colombia excluida”.Después de la presentación de la reforma ante el Congreso, para septiembre de este año se espera el fortalecimiento institucional del Ministerio con la creación de, al menos, trescientos nuevos cargos y la instalación de cuatro sedes regionales del Ministerio de Cultura en distintas ciudades del país.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Un enfoque étnico, el distintivo del Plan Nacional de CulturaUn total de 94.310 personas participaron en la construcción del Plan Nacional de Cultura, que se enfoca en tres pilares de trabajo: diversidad y diálogo intercultural, memoria y creación cultural y gobernanza y sostenibilidad cultural.Marcela Nossa, consejera Nacional de Cultura, dijo que este plan evidencia que hoy hay una mayor concientización de lo que representa la cultura para el país. “La cultura es el eje fundamental para construir la paz, mejorar la calidad de vida y dignificar al artista”, subrayó.Por primera vez, el Plan Nacional de Cultura contará con capítulos específicos para los pueblos indígenas, comunidades negras, afrocolombianas, raizales y palenqueras y el pueblo Rrom. Esta medida busca que las culturas, las artes y los saberes sean prioridades en las agendas públicas, privadas y sectoriales, nacionales y territoriales, para que se reconozca y se impulse su contribución esencial en la transformación social del país.Sobre la implementación, el ministro aseguró que ya hay reuniones con varias de las organizaciones indígenas colombianas y está “la decisión indeclinable de incluir, por supuesto, las poblaciones afro, palenqueras y negras y a las rrom también”. “Eso es un proceso de construcción, ustedes saben que tiene que haber una consulta previa, tiene que haber instancias de negociación, pero nosotros estamos abiertos a eso”, agregó.Por su parte, Leonidas Valencia, músico y gestor cultural, destacó que el plan insta a la articulación y corresponsabilidad entre el sector privado, público y la sociedad civil en diferentes vías. “Esta iniciativa es importante por ser una apuesta con carácter participativo, que promueve el desarrollo del sector cultural de nuestro país".En cuanto a medidas concretas en las que se verá reflejada la implementación del PNC, el ministro dijo, por mencionar algunas, que se pondrá en marcha el museo afro, “hay una inversión histórica en el departamento del Chocó por primera vez; me comprometí con su gobernadora, habrá acciones también para la gente afro del Caribe"."Hay gente afro en el Caquetá que tenemos que fortalecer, las comunidades indígenas necesitan ser fortalecidas en sus planes de lenguas y planes de salvaguardias, y eso es lo que queremos proponer a través de este plan quindenial de cultura y de la reforma a la Ley general de 1997”, aseguró.“Esperaríamos ver en los territorios la puesta en marcha del plan, desearía que cada día fueran reconocidos los saberes empíricos, los saberes artesanales, los saberes artesanales, tradicionales, que fueran reconocidos por la academia”, dijo Diana Abella, exponente del rap en Colombia.La artista agregó que “ese diálogo entre la academia y las bases culturales va a generar un gran camino de nuevos aprendizajes para las nuevas generaciones; es una gran solución al divorcio que ha existido históricamente entre la academia y las bases cultural y social”.Sobre la financiación del PNC, Nossa explicó que el potencial de esta hoja de ruta, siempre abierta a actualizaciones a cambios y ajustes, puede ir más allá de los quince años. Sin embargo, el ministro aclaró que asegurar el financiamiento no puede quedar estipulado desde ya. “Nosotros tenemos que hacer política pública, pero también tenemos que tener un horizonte de posibilidades, y en el horizonte de posibilidades hay cosas que se pueden transformar, cambiar, nos lo ha demostrado el país”.Por otro lado, el ministro también explicó la asignación y priorización de los recursos del sector cultura para este 2024. “El 70 % del presupuesto total del Ministerio de Cultura será invertido en el litoral Pacífico, en el Chocó, Cauca, Nariño, la Amazonía, Catatumbo, los sures del Caribe, sur de Bolívar, Sucre, Córdoba, por supuesto La Guajira”. Agregó que “esa es la decisión del presidente y en eso lo acompañamos, el país debe ser incluido con mucha mayor decisión y la inversión tiene que llegar a estos territorios”.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La "Normativa para la Regulación de Productores, Promotores y Organizadores de Actividades, Eventos o Espectáculos Artísticos Públicos" fue aprobada por la ministra nicaragüense del Interior, María Amelia Coronel Kinloch, y publicada en el Diario Oficial La Gaceta, en Managua.Esa cartera explicó que es facultad del Ministerio del Interior implementar, mantener y ejecutar las medidas necesarias para garantizar la seguridad ciudadana y humana, así como el orden interno en el territorio nacional,"La Normativa para la Regulación de Productores, Promotores y Organizadores de Actividades, Eventos o Espectáculos Artísticos Públicos, es el marco regulatorio aplicable a las personas naturales o jurídicas nacionales o de otra nacionalidad que se dediquen a la realización de actividades, eventos o espectáculos artísticos públicos en territorio nacional", indicó.Por tanto, agregó, esa cartera aprobó esa normativa "a fin de garantizar la seguridad ciudadana, del Estado y el orden interno en el territorio nacional" y la misma entró en vigencia a partir de hoy.Por su lado, la Policía Nacional mantiene prohibidas las manifestaciones en las calles desde septiembre de 2018 con el argumento de evitar disturbios, incluyendo las que se realizan en ocasión del Día Internacional de la Mujer o para conmemorar el Día Internacional de los Derechos Humanos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Gobierno de Nicaragua, a través de la Policía Nacional, también ha prohibido a la Iglesia católica sacar a los santos a las calles desde hace más de un año, cuando no les autorizó celebrar las procesiones de viacrucis durante la Cuaresma de 2023 ni después en Semana Santa.La orden policial fue adoptada después de que el presidente de Nicaragua, Daniel Ortega, en el poder desde 2007, tildara de "mafia" a sacerdotes, obispos, cardenales y al papa Francisco.Nicaragua atraviesa una crisis política y social desde abril de 2018, que se ha acentuado tras las controvertidas elecciones generales del 7 de noviembre de 2021, en las que Ortega fue reelegido para un quinto mandato y cuarto consecutivo, con sus principales contendientes en prisión o en el exilio.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Mayuko Kashiwazaki, vestida de quimono, pronuncia sus líneas en tono gutural y baila con gracia sobre un escenario en el papel principal de una obra de teatro japonés Noh, en el que, extrañamente, la mayoría de los artistas son mujeres.El Noh, con sus trajes elaborados y máscaras hechas a mano, es un estilo teatral que data del siglo VIII, uno de los más antiguos del mundo aún vigentes.A diferencia del kabuki, otro estilo de teatro clásico japonés, o la lucha sumo -ambos firmemente masculinos- el Noh ha estado abierto a artistas de ambos géneros por más de un siglo.Pero la presencia de mujeres sigue siendo raro en el mundo tradicional Noh, donde los padres a menudo pasan la vocación a sus hijos. Las mujeres representan solo 15 % de los 1.039 actores y músicos registrados con la Asociación de Artistas Nogaku. Y sus oportunidades de aparecer en el escenario son "relativamente limitadas", dijo Kashiwazaki, de 43 años, a AFP. "Una razón es que el público del Noh suele ser mayor, y suele verlo como una forma de arte masculino", comentó.Pero ahora es tiempo "de que las mujeres reflexionen sobre su futuro en el Noh y tengan un papel en la construcción de ese futuro".Kashiwazaki interpretó el personaje principal en Dojoji, un célebre drama sobre la venganza de una mujer traicionada, el fin de semana pasado en el Teatro Nacional Noh de Tokio.Con un quimono bordado con motivos de grullas, la artista enmascarada pronuncia sus líneas en un canturreo arcaico. Tras ocultarse detrás de una campana de templo budista de utilería, emerge transformada en un personaje demoníaco en forma de serpiente con mechones salvajes y ardientes de cabello rojo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Dramas líricosKashiwazaki, impulsada por su mentor, intentó hallar tantas mujeres como fuera posible para la producción. "Dojoji es una pieza sumamente importante para los actores Noh", explicó Kashiwazaki, y "tienes que tener mucha suerte de poder interpretarlo aunque sea una vez en tu vida"."Como tuve la suerte de tener esta oportunidad, pensé que sería genial montarla con otras mujeres artistas", dijo. Yoko Oyama, quien tocó un tambor de mano en la pieza, dijo que era raro ver "tantas mujeres en el coro y entre los músicos en el escenario".Pero para algunos personajes, incluido el actor de apoyo o "waki" en el Noh -a menudo un personaje de monje o sacerdote- no había mujeres disponibles, así que lo interpretó un hombre."Las mujeres no interpretan el 'waki' (...) Siempre tiene que ser así", comentó a AFP el mentor de Kashiwazaki, Yasuaki Komparu de 72 años.Komparu, descendiente de una de las cinco familias de las que han salido generaciones de actores Noh, descubrió a Kashiwazaki cuando estudiaba Noh. A ella le encantaban los dramas líricos y la actuación estilizada en escenarios minimalistas."Me fascinaba lo genial que se veía esta forma artística japonesa, y pensé que solo lo podría entender si yo misma participaba", comentó.Círculo viciosoLa primera mentora de Kashiwazaki intentó disuadirla de hacer Noh, tras sufrir las dificultades que viven las mujeres en este arte antiguo.Reconocido por la Unesco como "patrimonio cultural inmaterial", el Noh desarrolló su forma actual en la era Muromachi, 1336-1573, un período en el que había mujeres entre sus artistas.En la era Edo, de 1603 a 1868, el apoyo de los shogun permitió aumentar la popularidad del Noh. Pero las mujeres tenían prohibido aparecer en el escenario por las reglas oficiales de moralidad que reprimían las libertades individuales.Solo al final del siglo XIX es que las mujeres volvieron a ser admitidas en el Noh, pero debieron esperar hasta 1948 para ser reconocidas como profesionales."Hay actores no extraordinarios, hombres y mujeres, pero el público tiende a buscar cierto tipo de Noh, con una idea fija de lo que debe ser", indicó Kashiwazaki.Esa falta de oportunidades crea un "círculo vicioso" porque no pueden acumular experiencia para avanzar sus carreras, explicó. Después de la presentación del sábado, el espectador Kazuaki Ieda, de 40 años, dijo estar "muy interesado y emocionado" con la presentación."Creo que este puede ser el futuro del Noh en Japón", opinó Ieda.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Esta disminución en los ingresos oculta un récord absoluto de transacciones (763.000), un aumento del 5 %", detalló el texto.Lo que aumentó especialmente fueron las ventas de menos de 1.000 dólares, (423.000 en total) y las ventas en línea."Solo el segmento de [ventas de] alta gama se ralentiza, con una disminución del 25 % en aquellas superiores a diez millones de dólares", explicó Thierry Ehrmann, director de esta empresa, líder mundial en información sobre el mercado del arte, a AFP."Tres años después del inicio de la crisis de Covid, el mercado de subastas de Bellas Artes (pintura, escultura, dibujo, fotografía, grabados, videos, instalaciones, tapices, NFT) se está recuperando fuertemente en Asia pero está disminuyendo en Occidente", agregó.El mercado estadounidense sigue siendo líder con 5.200 millones de dólares en ventas (-28 %), seguido de China, que retoma sus actuaciones pre-Covid, con 4.900 millones (+4 %).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En otros países de Asia, las disparidades son marcadas: Japón pierde un 22 % de ventas y Corea del Sur un 49 %, mientras que la India muestra un récord con 152 millones (+76 %).Con 1.800 millones (-15 %), el Reino Unido sigue siendo el tercero, seguido de Francia, que totaliza 875 millones en ventas (-11 %).El año 2023 también marca el ascenso de las mujeres, con cinco de ellas en el Top 50 mundial de artistas más valoradas y un número de transacciones relacionadas con ellas que se ha duplicado en cinco años.También es el año de consolidación de los NFT, certificados de autenticidad digital para contenido en línea, en los museos.Esos NFT habían causado sensación cuando llegaron al mercado del arte a finales de la década de 2010, con un auge en 2021, antes de registrar una caída espectacular en 2022 tras el colapso de las criptomonedas.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Para un artista, cuando trabajar con las manos no es una opción para sujetar la brocha, la pasión gana la batalla y se buscan los medios para seguir creando obras de arte con la misma maestría que artistas sin los mismos obstáculos físicos, incluso usando la boca y los pies.Es el caso de los cincuenta artistas plásticos colombianos que vieron en la Asociación de Pintores con la Boca y con el Pie una vía de escape a sus obstáculos y una motivación para seguir puliendo su talento y aprender nuevas técnicas.Román Luna Rojas, uno de esos artistas, se sitúa de pie frente al lienzo en blanco y esboza un dibujo de dos girasoles moviendo la cabeza para darle vida al lapicero, pero no tarda en cambiar de técnica y dar color a las flores intercambiando varios pinceles que deposita en un vaso con agua.Este artista explica a EFE que perdió sus dos brazos en un accidente, pero asegura que "cuando uno tiene las ganas y el deseo de superarse, siempre ve en aquello que muchas veces puede ser una pequeña desventaja, una ventaja".Gracias a la oportunidad que la asociación le brindó, pudo formarse en artes y actualmente cuenta orgulloso que es docente universitario y 'coach' motivacional: "Me encanta contar mi experiencia".La sede de la asociación en Bogotá huele a pintura y está enmarcada con decenas de impresionantes y coloridos lienzos de fincas cafeteras, estampas marinas del caribe, flores y animales, todos con una etiqueta que marca el importe que reciben íntegramente los artistas.Sobre una mesa, las personas que asisten a los pintores les ayudan a abrir los estuches con los pinceles y a mezclar los óleos sobre paletas y placas, que sitúan al alcance de la boca o los pies de los artistas para que puedan empezar a dar vida a los lienzos.💬 Síganos a la HJCK en nuestro canal de WhatsApp aquí y entérese de la actualidad cultural.Vivir del arteUnos eligen las pinturas en óleo y otros el acrílico, pero todos ellos, desde su silla de ruedas o un taburete, empuñan sus pinceles y destapan el arte detrás del lienzo en blanco con la seguridad de que, a pesar de que algunos tengan otros empleos, pueden sustentarse económicamente con el salario mensual que les da la asociación y los cuadros vendidos.La directora de la asociación para Colombia, Fabiola Navas, dice a EFE que se financian con los calendarios y postales que anualmente diseñan para las campañas de Navidad y primavera."Algunas familias y empresas llevan más de veinte años comprando los calendarios", dice Navas mientras celebra que las personas en Colombia colaboran mucho "porque es espectacular ver a un artista pintar con la boca o con el pie casi igual que a un artista que pinta con sus manitos, da respeto".Luz Angélica García es una de las más jóvenes de la asociación que con solo 22 años y su síndrome de Roberts pinta con los pies. Ella explica a EFE que cuando empezó a pintar no fue fácil, pero con dedicación y la ayuda de un profesor aprendió a cómo usar bien el pincel."Desde pequeña siempre he tenido esa habilidad (de utilizar los pies) y una compañera de mi colegio me fue enseñando y a pesar de que fue complejo, con el tiempo ya lo veo factible", recuerda Luz con una sonrisa.Es así como, sentada en un pequeño taburete, sujeta magistralmente los pinceles entre los dedos de los pies y combina colores par dibujar y pintar animales o flores en el lienzo apoyado sobre un pequeño caballete en el suelo.Implicación internacionalArtistas como Luz Angélica o Román se suman a los más de 800 con discapacidad becados que tiene esta asociación internacional, con sede en Suiza, distribuidos entre 75 países.Desde Suiza, un tribunal de esta organización admite a nuevos becarios. Para entrar a esta familia de pintores, los participantes tienen que enviar 15 obras y los documentos personales: "Los únicos requisitos son saber algo de pintura y tener ganas", aseguran.La directora para Colombia cuenta que por la pandemia y por falta de implicación de la gente en algunos países tuvieron que cerrar cuatro de las sedes internacionales de la Asociación; "la gente ya no aporta tanto como hace años", justifica Navas.Sin embargo, el personal del local de Bogotá, ubicado en el barrio de Teusaquillo, se enorgullece de no sólo poder mantener a los artistas que están ya en plantilla, sino de además tener a cuatro personas más esperando para ser admitidas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Y uno de los grandes virtuosos en esa faena fue Gerardus Mercator, un genio de la cartografía que nació pobre el 5 de marzo de 1512 en la ciudad flamenca de Rupelmonde con el nombre de Geert de Kremer, que más tarde latinizaría.Mercator tendrá un nuevo museo en Bélgica en 2025 y se convertirá también en reclamo turístico del pueblo en la margen del río Escalda donde nació, que se dispone a restaurar la torre donde estuvo encerrado por hereje.Rupelmonde habilitará también el molino del antiguo castillo, que data del siglo XVI, cuando "Mercator correteaba por aquí con cinco años", y que aún está en funcionamiento, explica a EFE el responsable de la oficina turística de Flandes Sam Versele."Si abres un mapa en una aplicación como Google maps, todavía están basados en la proyección de Mercator", agrega.El cartógrafo repartió su vida entre las ciudades pre-belgas de Rupelmunde, Lovaina y Amberes y la germana Duisburgo. Estudió, viajó, chocó con la Inquisición, fabricó globos terrestres, inventó el concepto de atlas, fue profesor universitario y tiene un cráter en la Luna con su nombre.Pero su obra más notable, la que le ha valido que desde 1935 un cráter de la Luna lleve su nombre, fue la Proyección de Mercator de 1569, la primera que permitía desplegar el globo terráqueo en las cartas náuticas.El archiconocido mapa consiste en una proyección cilíndrica donde todas las líneas que representan la dirección entre dos puntos son rectas (líneas laxodrómicas), de forma que los marinos podían además trazar un rumbo entre dos puntos manteniendo un ángulo constante con respecto a los meridianos.El mapamundi del geógrafo flamenco resultó especialmente útil en una época de apogeo del comercio marítimo tras el descubrimiento de América y de esplendor para la industria de los mapas, gracias al impulso de la imprenta y al interés de los poderosos reyes Carlos V y Felipe II en las matemáticas y en la cartografía, cercanos al cartógrafo flameco.La proyección de Mercator fue dominante hasta el siglo XIX y ha perdurado hasta nuestros días en ámbitos como la navegación, pero además contribuye a un debate sociológico.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Cómo vemos el mundo?Mercator ofrece una representación distorsionada del planeta Tierra, igual que los mapamundis del romano Ptolomeo en el siglo II o del español Beato de Liébana en el siglo VIII y los de Winkel (1921), Kavrayskiy (1939), McBryde-Thomas (1949) o Hobo-Dyer (2002), porque no se puede desplegar una esfera sobre un plano sin sacrificar algún aspecto de la realidad tridimensional.Y eso afecta a la manera en que se piensa el mundo. Basta mirar al revés un mapa conocido para sentir que el planeta está patas arriba.A Mercator se le reprocha que Europa y Norteamérica resulten desproporcionadamente grandes en su mapa y se muestren en posiciones dominantes en relación con otras regiones del mundo, un sesgo eurocentrista que reforzaría una visión imperialista.Los críticos con Mercator suelen proponer como alternativa la proyección de Gall-Peters, descrita por el clérigo escocés James Gall en el siglo XIX y popularizada por el alemán Arno Peters en 1974.Con formas extrañas a golpe de vista, se considera más equitativa y más justa que la de Mercator, pero aún así contiene imprecisiones, pues alarga las masas de tierra hacia los polos y altera las direcciones.En la televisiónEn la cultura popular, el dilema entre Peters y Mercator cuenta con una célebre escena en la serie de televisión 'El ala oeste de la Casa Blanca' ('The West Wing'), cuando dos asesores del presidente de Estados Unidos reciben a la minoritaria Asociación de Cartógrafos por la Igualdad Social, que pretende que los colegios adopten el mapamundi de Gall-Peters.Los bienintencionados cartógrafos muestran dos mapas de Groenlandia y de África extraídos de la proyección de Mercator, y todos coinciden en que ambas masas de tierra aparentan tener una superficie equivalente.Los académicos revelan entonces que África es en realidad catorce veces más grande que Groenlandia, Sudamérica el doble que Europa, México más amplio que Alaska y que Alemania debería mostrarse escorada al norte y no centrada como proyectó el cartógrafo belgo-germano."Se preguntará usted qué tiene todo esto que ver con la igualdad social, supongo", dice uno de los cartógrafos."No. Me pregunto dónde está de verdad Francia", contesta atónita la asesora.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Orquesta Filarmónica de Medellín presenta un concierto que une el arte callejero de la ciudad y la música sinfónica bajo la dirección de Paolo Bortolameolli, quien representa la nueva generación latina de directores y es uno de los nombres claves de la música clásica actual.El concierto se presenta en dos momentos. Primero un momento de conexión con los artistas callejeros de la ciudad, en el que el público podrá disfrutar diversas disciplinas artísticas como clown, acrobacia y malabares en varios espacios del teatro. Luego, bajo la dirección de Paolo Bortolameolli, se presenta un concierto de orquestas unidas junto a Filarmed y la Sinfónica EAFIT con el estreno en Colombia de Estallido de M. Farías y la Sinfonía n°. 6 de G. Mahler. "Para la Orquesta Filarmónica de Medellín ha sido muy importante en los últimos siete años ser cercanos a la comunidad y representar a una nueva generación de músicos, en ese sentido siempre estamos buscando directores que personifiquen ese propósito. Paolo es uno de ellos, es cercano, utiliza el concepto de poder hablar de la música clásica en términos coloquiales con la gente y entiende que no es solo para unos pocos. Además, nos complace invitarlo por su manera de dirigir y acoger los proyectos sociales. Desde antes de pandemia quisimos convocarlo a dirigir Mahler, y por fin este año estará por primera vez con nuestra orquesta. Estamos muy felices porque él personifica lo que esperamos en un director invitado y la música clásica", comenta María Catalina Prieto V., directora ejecutiva de Filarmed.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Más de 120 músicos en escena presentan el estreno en Colombia de Estallido de M. Farías y la Sinfonía n°. 6 de G. Mahler. La primera es una obra muy rítmica, con mucha energía, una explosión musical que tiene que ver con la revuelta social que inició en Chile el 18 de octubre de 2019. “Sin darme cuenta estaba describiendo lo que me tocó presenciar desde el lugar donde vivo, comuna de Santiago...los artistas, de cierta manera, somos un reflejo de lo que es nuestro contexto...”, expresó el compositor.Por otro lado, la Sexta de Mahler, expresa la sensibilidad del compositor. A lo largo de sus movimientos, la sinfonía refleja la lucha interna, la tragedia, la esperanza y la belleza. Mahler mismo describió esta sinfonía como "trágica" debido a su intensidad emocional y su representación de la lucha humana.El concierto se llevará a cabo el sábado 25 de mayo en el Teatro Metropolitano a las 6:00 p.m., ya puede adquirir las entradas en latiquetera.com, Premium Plaza, Plazoleta Central La Tiquetera Itagüí.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En la HJCK estrenamos nuestro especial llamado Los ecos de su voz: Gabriel García Márquez vive, allí creamos una nueva sección en la que se encuentra una memoria construida a través del paso del escritor por nuestros micrófonos que han sido testigos de su vida. Este especial está siendo alimentado constantemente por materiales que hacen parte de la historia de García Márquez y la nuestra. Agregamos cinco nuevos audios de archivo con la voz del Nobel en entrevistas y leyendo su propia obra.Por ejemplo, tenemos la lectura de García Márquez de su cuento Un día de estos que hace parte del libro Los funerales de la mamá grande, grabado para la HJCK en abril de 1967. En esta grabación está, además, su voz leyendo De la mala hora, uno de sus relatos más emblemáticos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.También contamos con las palabras de Gabriel García Márquez en el homenaje al poeta y escritor Álvaro Mutis en el Palacio de Nariño, en la celebración de sus 70 años de vida. Mutis y Gracía Márquez sostuvieron una amistad durante años. Ambos eran sus lectores más críticos y, al mismo tiempo, sus compañeros de cruzadas literarias.Dentro de esta selección de audios está la entrevista que le realizó de Patricia Castaño en La Habana, Cuba, aquí habla sobre la música popular en la literatura. Hace referencia también a sus talleres de cine y televisión en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de Lo Baños en Cuba. Además, define el concepto de cine, televisión y el origen del vallenato. Una conversación en 1989 que deja ver los pensamientos claros que tenía García Márquez sobre su obra y el cine.El especial tiene una línea gráfica única de Felipe Cifuentes y música compuesta exclusivamente para ello por Diego Santamaría y Alejandro Santamaría.🦋 Visite el especial"Los ecos de su voz: Gabriel García Márquez vive" haciendo clic aquíy descubra textos inéditos, entrevistas, fragmentos de su obra en su propia voz y más detalles de la vida y obra de nuestro Nobel de Literatura.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Una parte de la música clásica mexicana ha quedado en el olvido, pues aunque tiene piezas con composiciones de alto nivel, muchos músicos prefieren interpretar a los clásicos europeos, dijo la pianista mexicana Argentina Durán.“Me di cuenta que hay muchas obras que no se conocen, que casi ni las quieren tocar por alguna razón, el mexicano como que no se adentra tanto en su repertorio o lo hace un poco menos al compararlo con compositores europeos, pienso que es nuestra responsabilidad difundir nuestro arte a la par de esos compositores”, dijo la música originaria del sureño estado de Veracruz.En una visita a Guadalajara (oeste de México), previa al concierto que ofrecerá el 25 de mayo con la Orquesta Solistas de América, Durán aseguró que hay muchas composiciones mexicanas de calidad que no son conocidas.En su más reciente álbum Rapsodia mexicana, la música rescató una pieza inédita del compositor de origen indígena Jesús Corona, cuyas partituras las encontró en la Fonoteca Nacional y le sorprendieron por su complejidad.“En una época donde todos los compositores eran criollos y españoles, él se destaca por esta composición parecida a la de (Franz) Liszt, o sea, con tanta dificultad técnica, arpegios, escalas por doquier, es una obra muy complicada, por lo cual yo creo que no se había grabado antes”, detalló.En el álbum incluyó también canciones de autores variados como José Rolón, Manuel M. Ponce, Alfredo Carrasco y los también veracruzanos, Alejandro Corona y Mario Ruiz Armengol.Además del repertorio, el disco es especial, pues es el primero de música clásica mexicana en ser diseñado y grabado en Dolby Atmos, una tecnología de sonido inmersivo que hará que quien escucha se sienta como si estuviera al lado del piano, detalló Durán.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Música clásica para jóvenesLa mexicana, quien es pianista principal de la Orquesta Sinfónica Nacional, no solo ha difundido las obras de su país y de otras latitudes en conciertos y producciones discográficas, sino también en sus redes sociales, en la que es considerada una 'influencer' y ha logrado reunir a casi medio millón de seguidores en la plataforma de videos TikTok.Su idea de difundir la música clásica nació en pandemia y fue creciendo gracias a la interacción con sus seguidores, principalmente jóvenes, quienes ahora la siguen en sus conciertos.“Rompió muchos estereotipos, muchos prejuicios, sí me considero pionera cuando menos en México y en Latinoamérica de haber llevado la música clásica a las redes sociales, eso generó mucho movimiento cultural porque llegaban jóvenes masivamente a los conciertos en Bellas Artes y agotaban los boletos en 20 minutos, cosa que nunca se ve en música clásica”, declaró.La pianista consideró que las redes sociales son un buen vehículo para popularizar la música clásica, que por mucho tiempo ha sido considerada como un arte para conocedores o para personas con un alto nivel socioeconómico.“Muchos de los músicos tal vez no han sabido aprovechar y utilizar las tecnologías que tenemos en este momento, creo que sí estamos ante una oportunidad histórica de darle difusión a nuestro género que tal vez ha estado dentro de un prejuicio de que sólo es para ciertos estratos sociales, o personas de cierta edad o que es aburrido”, señaló.La música se presentará el 25 de mayo en el Conjunto de Artes Escénicas de Guadalajara junto a la Orquesta Solistas de América.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En un emocionante anuncio para los amantes de la animación y el cine de autor, Cinetopia en alianza con Sony Pictures Classic presentan el estreno de La vida de Jagna en Colombia el próximo jueves 6 de junio de 2024. De los creadores de Loving Vincent , esta nueva obra ofrece una experiencia visual llevando al público a un viaje fascinante a través del tiempo y el arte.La vida de Jagna es la nueva producción de los creadores de Loving Vincent , la película animada arthouse que se convirtió en un éxito global con 42 millones de USD recaudados en todo el mundo. En esta ocasión, la técnica animada basada en cuadros pintados al óleo vuelve a sorprender por su belleza y originalidad.La película sigue la historia de Jagna, una joven de familia humilde en un pueblo polaco de finales del siglo XIX. Decidida a forjar su propio destino en una comunidad atrapada en chismes y disputas, Jagna se enfrenta a las presiones de un patriarcado arraigado. Obligada a casarse con el terrateniente más rico del pueblo, mucho mayor que ella, Jagna mantiene un romance secreto con su hijo Antek. Su espíritu libre y su lucha por la independencia la convierten en el centro de envidias y odio en la comunidad.La vida de Jagna debutó en el Festival de Cine de Toronto -TIFF- en septiembre de 2023, donde críticos y audiencias celebraron su innovadora técnica visual y profunda historia. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Dirigida por los animadores polacos DK Welchman y Hugh Welchman, quienes trabajaron durante 10 años en esta obra, la película también tuvo un exitoso paso por el London Film Festival en octubre de 2023 y recientemente se presentó con funciones agotadas en el Festival de Cine de Anima, de Bruselas.Producida por el estudio Breakthru Productions , responsable de éxitos como Loving Vincent , La vida de Jagna marca un nuevo hito en la animación por su combinación única de técnica pictórica y narrativa envolvente. Más de 100 animadores trabajaron en estudios ubicados en Polonia, Serbia, Lituania y Ucrania, llevando a la pantalla una historia inspirada en las obras de pintores del período de la Joven Polonia y las escuelas de Barbizon y La Haya.Vea el tráiler de "La vida de Jagna" aquí:No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El escritor británico-estadounidense de origen indio (Mumbai, 1947) participó este lunes en un acto en el Ateneo de Madrid, donde conversó con el escritor Javier Cercas y la periodista Montserrat Domínguez con motivo de la promoción en España de su último libro de memorias 'Cuchillo (Meditaciones tras un intento de asesinato)'.Un obra donde describe su intento de asesinato, el 12 de agosto de 2022, cuando participaba en una conferencia en el estado de Nueva York y 35 años después de que el ayatolá Ruhollah Jomeini, difunto líder iraní, emitiera una 'fatwa' o edicto pidiendo su muerte tras haber escrito 'Los versos satánicos' en 1988."Cambiar el mundo a través de la literatura no se puede (...). Es muy raro que un libro tenga un efecto directo en el hombre (...) Cuando nos vemos ante el horror y la atrocidad, ¿cómo puede la literatura afrontrarlo?", cuestionó.Según el autor, ésto es "muy difícil" y lamentó que ante "estas guerras (Ucrania y Palestina)" son muy "pocas las cosas útiles" que los creadores pueden hacer: "en Ucrania sí que se puede dar voz a aquellos que padecen la guerra, amplificar esas voces y eso es algo que los escritores pueden hacer para apoyar las víctimas"."Putin dice que los ucranianos son nazis, y tenemos a Trump diciendo que las elecciones anteriores fueron un fraude, y hay muchos americanos que piensan que fue así y que le robaron las elecciones pasadas, y es una situación muy peligrosa", afirmó.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Nos vemos en un mundo de falsas narrativas que se nos presentan y se nos inculcan, si te dedicas al relato hay que hacer algo al respecto y los novelistas a menudo acaban diciendo la verdad extrañamente", expresó entre risas Rushdie, a quien Javier Cercas calificó de "ironista".Y Rushdie confirmó que, para él, "el fanatismo excluye el humor", por eso decidió utilizarlo en esta obra: "El humor es una respuesta frente al fanatismo porque es algo que el fanatismo no posee. Este libro, que surgió a partir de un acto de fanatismo horrible y es un libro bastante divertido, no debería serlo, pero lo es. (...), es ligero, lleno de comedia, no son chistes ni bromas, sino humor".Durante su intervención, repasó el tiempo que pasó en el hospital, al igual que lo hace en el libro, y recordó cómo cuando fue acuchillado por un hombre que estaba entre el público de un acto que protagonizaba, escuchó una "voz" que le decía "no mueras, no te mueras"."Creo que esa fuerza vital que me hablaba me hizo superar la situación, es algo que quizá tengamos todos, un instinto de supervivencia del que quizá no seamos conscientes", añadió.Con una vida "normal", aunque rodeado de grandes medidas de seguridad, el escritor explicó que se ha negado a hablar con el autor de su ataque porque pensó que le iba a contestar "una banalidad", así que optó por usar sus "dotes novelísticas".Durante su intervención, confesó su adoración por Gabriel García Márquez, a quien no conoció, pero con quien mantuvo una conversación telefónica; "García Márquez decía que no entendía inglés, pero yo creo que sí, y mi español era bastante malo, hablamos como pudimos, pero fue muy divertida", concluyó este amante de la literatura en español.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.