Glenn Gould no estuvo en este mundo sino 50 años, (nació en 1932), muchos para la gente a la que atormentó con sus caprichos, pocos para quienes admiraron su genio.Empezó a los tres años encaramado en un artefacto que lo izaba para llegar a las teclas del piano. Su sufrida madre le vigilaba y le enseñaba a la vez. Un día, a los seis años, escuchó un recital del famoso pianista polaco Joseph Hofmann y quedó en un estado de excitación del cual, aparentemente, nunca se liberó. Siempre recordó esa experiencia que, según sus propias palabras, “lo dejó hechizado.”Muchas cosas pueden decirse sobre la exasperante y sin igual personalidad de Glenn Gould tomando aquí y allá trozos de su vida y conceptos de sus biógrafos. Dentro de ellos, a nuestro juicio el más certero es Harold Charles Schonberg. En su libro “Los grandes pianistas” nos habla sobre el pianista canadiense.Los conceptos de Schonberg comienzan con las siguientes palabras:" quedó sólo un foco de resistencia importante: la respetada Rosalyn Tureck, artista admirable, una mujer que había dedicado su vida a Bach y a la práctica de la interpretación de Bach, una instrumentista con una mano izquierda independiente ideal para el pentagrama de Bach. Sin embargo, hasta a Tureck la miraron con cierta sospecha. Tocaba el piano.Y en 1955 apareció Glenn Gould. Su carrera fue una de las más extrañas en la historia del piano. Uno de los grandes excéntricos de la música, fue sin embargo un instrumentista excelentemente dotado, cuyas ideas cambiaron el enfoque de Bach que tenían los músicos. Su primera grabación, las legendarias Variaciones Goldberg, que apareció en 1955, fue una revelación para muchos. Exhibía una combinación de personalidad, finura, ideas nuevas, ritmo movido, tempos rápidos y seguridad técnica que significó un enfoque nuevo de la interpretación de Bach.Tenía autoridad. Quizá los musicólogos podrían desmenuzarlo. No importa. Lograba que los oyentes creyeran. Sobre todo, estaba la cualidad lineal de la ejecución. Glenn Gould tenía una habilidad extraordinaria para separar las líneas contrapuntísticas, pesarlas, contrastarlas entre sí y tocarlas en tándem”.Para muchos músicos de hoy, Glenn Gould es un símbolo, una especie de Bobby Fischer del piano. Como el excéntrico genio del ajedrez, fue un talento asombroso que se retiró pronto a una vida de reclusión. Como Bobby Fischer, Glenn Gould dictó sus propias leyes, siguió su camino, no le preocupó lo que el mundo pensara de él y terminó por hacer que el mundo aceptara su voluntad. No es de extrañar que representara algo a lo que todos los músicos jóvenes aspiraban.De Ludwig van Beethoven a Glenn Gould le gustaban las primeras obras y algunas de las últimas, en particular la Gran Fuga, que consideraba “no sólo la mayor obra que Beethoven escribió, sino quizá la composición más asombrosa de la literatura musical”. Por lo que concierne a las sinfonías, el Concierto para violín, la Sonata Waldstein, Gould “no podía explicarse” por qué eran tan populares.La música fue la vida de Glenn Gould, ni siquiera terminó la escuela secundaria. Cuando comenzó a dar conciertos, lo hizo como artista ya cabal y con programas muy poco usuales. Tocaba muy poca música romántica. Sus programas naturalmente incluían a Bach. Tocaba algo de Beethoven, en especial las tres últimas sonatas. También les echó una mirada a compositores que generalmente no se asociaban con recitales de piano: Sweelinck y Gibbons, por no mencionar más de dos. Luego daba un gran salto hasta Berg y Webern. Explicó que “tengo una laguna de un siglo delimitada más o menos por El arte de la fuga por un lado y Tristán e Isolda por el otro; todo lo que está en medio es en todo caso motivo de admiración más que de amor.”Además de intérprete, Glenn Gould escribió mucho, tanto como para llenar un grueso libro de 461 páginas que editó Tim Page. Las notas de programa para los discos estaban siempre escritas por él, y colaboró en muchas revistas. Sus escritos ilustran su propia paradoja. Sus observaciones sobre música y sobre la vida en general son una mezcla de profundidad, inteligencia, adolescencia, humor pesado que no divierte y verdaderas tonterías. A Glenn Gould le encantaba asombrar, lanzar ideas sin haberlas trabajado a fondo.A menudo se expresaba en paradojas. De vez en cuando se encuentra una humildad decorosa. En resumen, sus escritos son como el músico Gould: en el mejor de los casos brillan de manera irritante o irritan brillantemente.No es de extrañar que los músicos pusieran el grito en el cielo. ¿Quiso en realidad Gould decir todo lo que dijo? ¿O es que, como dice Lewis Carroll “sólo lo hace para fastidiar porque sabe que irrita”? En una ocasión Rudolf Serkin oyó a Gould hacer comentarios de esta clase en una transmisión de radio. “Dijo ridiculeces que me enfurecieron. Pero al final tocó y todo se arregló.”En la otra cara de la moneda estaban los músicos y críticos que idolatraban a Gould y todo lo que él representaba. Para ellos, era el único pianista joven con cerebro e individualidad verdaderos.Glenn Gould sólo durante nueve años fue pianista de concierto, pero esos nueve años le convirtieron en una superestrella. Solicitado en todas partes, tocó en Europa, Rusia e Israel además de Estados Unidos. Se retiró a los treinta y dos años. Algunos años antes había anunciado que dejaría de tocar en público cuando tuviera treinta, para dedicarse a grabar, y cumplió su palabra. El 28 de marzo de 1964 dio su último concierto, en Chicago. Murió trágicamente joven, en 1982, después de un ataque al corazón. Tenía sólo cincuenta años.Podrá escuchar una selección de obras de Glenn Gould en la nueva edición de El músico de la semana, el lunes 2 de octubre a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Con libreto en francés de Simon-Joseph Pellegrin, basado en la tragedia de Fedra (princesa cretense, hija de Minos y de Pasífae), obra del dramaturgo francés Jean Racine que se publicó en 1677, es la primera ópera con música de Jean-Philippe Rameau, que se estrenó con gran controversia en la Académie Royale de Musique de París el 1 de octubre de 1733, hace 290 años.La acción de Hipólito y Aricia se desarrolla en la ciudad de Troczen y sus alrededores, en la costa del Peloponeso. Teseo se ha convertido en rey de Atenas al eliminar a toda la familia de su rival Palas excepto a Aricia, a quien obliga a hacer votos de castidad. Mientras tanto, su esposa Fedra ha desarrollado una pasión incestuosa por su hijastro Hipólito, hijo de Teseo de un matrimonio anterior.La versión que se presentará en Canto y Música Coral por cuenta con el siguiente reparto: Aricia por Véronique Gens, Hipólito por Jean Paul Fouchécourt, Fedra por Bernarda Fink, Teseo por Russell Smythe y Diana diosa de la caza por Thérése Feighan. Acompañados del Conjunto Vocal Sagittarius dirigido por Michel Laplénie y Los Músicos del Louvre bajo la dirección de Marc Minkowski.ACTO IUn templo dedicado a Diana, Aricia se prepara a regañadientes para tomar sus votos. Cuando Hipólito descubre sus intenciones trata de disuadirla. Los dos revelan su amor mutuo y rezan por la protección de Diana. Las sacerdotisas vienen a rendir homenaje a Diana. Su ceremonia es interrumpida por Fedra, quien sospecha que Aricia ha desobedecido a Teseo y ha renunciado a sus votos por amor a Hipólito. La reina, confirmadas sus sospechas, ordena a los guardias que asalten el templo.Las súplicas de las sacerdotisas a los dioses son respondidas por truenos y Diana desciende. Asegura a los enamorados su protección contra Fedra. A solas con Oenone, su confidente, las reflexiones de Fedra se ven interrumpidas por la noticia de que Teseo ha descendido al Hades y ahora debe ser considerado muerto. Oenone señala que la muerte de Teseo hace legítima la pasión de Fedra por su hijastro. Donde Aricia solo puede ofrecerle amor, la reina puede ofrecerle tanto corazón como corona. Fedra es persuadida a regañadientes, pero jura morir si no logra conquistar a Hipólito.Escuche la obra completa en la próxima edición de Canto y Música Coral, el domingo 1 de octubre a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Instalado en Toulouse (sur de Francia) desde 2004, Omar Hasan tuvo una carrera importante en el rugby profesional. Formado en Argentina, jugó sucesivamente en Nueva Zelanda (Wellington), Australia (ACT Brumbies) y luego en tres clubes históricos del sur de Francia: Auch, Agen y Toulouse.En el Mundial de Francia-2007, con compañeros de Los Pumas de la época como Agustín Pichot o Juan Martín Hernández, consiguió ganar a los anfitriones franceses en dos ocasiones, dejando a Argentina en un histórico tercer puesto. "Fue la apoteosis de mi carrera", recuerda. Seis meses después, con 37 años, se retiró.Pasión por la músicaEn un primer momento, pensó que su vida post-rugby iba a dirigirse hacia la industria agroalimentaria o el comercio internacional, entre Francia y Argentina. Pero finalmente decidió dedicarse a su pasión por la música."Soy el único rugbier profesional reconvertido en cantante. Después del rugby sentí la necesidad de tener una actividad artística", afirma mientras toma un mate en su salón para ver por televisión el Argentina-Samoa del pasado viernes en el Mundial de rugby. Sigue como un hincha más todos los partidos de Los Pumas en esta competición.Todo había comenzado para él en los años 1970 en la provincia de Tucumán (norte de Argentina), al pie de los Andes. De niño era muy normal escucharle cantar, tanto en el coro de su escuela como en las reuniones familiares.Sus primeros espectáculos los dio delante de la parada del autocar en la plaza central de Choromoro, el pueblo de sus abuelos, donde pasaba los veranos. Tenía 9 años y entonaba canciones populares. Su público eran los viajeros, que le premiaban con sus aplausos antes de subir al vehículo y abandonar el lugar.Fue por entonces cuando aquel muchacho al que castigaban a menudo en la escuela decidió alejarse del fútbol, el gran deporte nacional, para hacer primero judo y luego rugby, invitado por un amigo a participar en un entrenamiento de Natación y Gimnasia, un club de San Miguel de Tucumán.Proyectos de futuroDurante sus años en el rugby no dejó de cantar y a menudo amenizaba las concentraciones de Argentina por el mundo. "Folclore argentino, Sinatra, Julio Iglesias, arias de ópera, tango o las canciones que gustaran a mis amigos... Siempre he cantado. Me decían que tenía una voz linda, pero no me atrevía a ir más lejos. No pensaba que tuviera una voz lo suficientemente buena", confía Hasan, casado con una mujer argentina y padre de dos niños.En 2002, en una comida después de un partido en Agen, Jean-François Gardeil quedó maravillado. Este profesor de canto lírico detectó que la voz del pilar derecho era un talento bruto que había que pulir. "Unos días después, comenzamos con las clases. Omar es un barítono lírico central con un timbre de voz muy bonito", considera este profesor.Unos meses después, Omar Hasan canta un tango durante un concierto solidario en el Parque de Exposiciones de Agen, donde actúa también Francis Cabrel. "Ese día comprendí que eso era lo que yo quería. Siempre soñé con cantar en un grupo, pero como jugaba los fines de semana era imposible", relata.Una vez en Toulouse, donde jugó de 2004 a 2008, fue dedicando más tiempo a su pasión musical y entró incluso en el conservatorio de canto. "No había que insistir mucho para que se pusiera a cantar, bastaba con decirle que lo hiciera. Ese tipo de reconversión no es frecuente, pero tampoco sorprendente. Ha pasado de una pasión a otra", cuenta uno de sus excompañeros en el Stade Toulousain, Yannick Nyanga.Hoy Oman Hasan recorre el sur de Francia participando en representaciones de su espectáculo "Belcantor", en el que interpreta clásicos latinoamericanos, tangos, arias de ópera o la canción "Toulouse" de Claude Nougaro.Este año cantó también en una adaptación de "Carmen" y ha tenido papeles secundarios en cine. En 2024 será protagonista en un musical sobre Rocky Balboa, el boxeador interpretado en el cine por Sylvester Stallone.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los castrati, también conocidos como castrados, eran cantantes masculinos que habían sido castrados antes de la pubertad para conservar sus voces agudas. Esta práctica, que se llevó a cabo principalmente en Europa durante los siglos XVII y XVIII, tenía como objetivo permitir que los jóvenes desarrollaran voces excepcionalmente agudas y poderosas que eran muy valoradas en la música vocal de la época.Algunos de los castrati más famosos incluyen a Farinelli, Caffarelli (Gaetano Majorano), Senesino (Francesco Bernardi), y muchos otros. Estos cantantes alcanzaron una gran fama y éxito en su época.Carlo Broschi, Farinelli Farinelli fue el nombre artístico de Carlo Broschi, un famoso castrato italiano del siglo XVIII. Nació el 24 de enero de 1705 en Andria, Italia, y murió el 16 de septiembre de 1782 en Bolonia. Farinelli es conocido por su excepcional talento como cantante, y su voz de soprano castrato lo llevó a la fama en la ópera y la música vocal de la época barroca.Farinelli alcanzó gran éxito en la ópera y se presentó en los principales teatros de ópera de Europa, incluyendo Londres, París, Madrid y Viena. Su voz y habilidades vocales eran tan excepcionales que se convirtió en una de las figuras más destacadas en la historia de la ópera barroca. Fue conocido por su colaboración con el famoso compositor Georg Friedrich Händel y también por su interpretación en la corte española del rey Felipe V.Además de su carrera como cantante, también se destacó como profesor de canto y asesor vocal. Su legado perdura en la historia de la música como uno de los castrati más famosos y talentosos de su época. Su vida y carrera han sido tema de varias películas y obras literarias que exploran la fascinante historia de los castrati en la música europea del siglo XVIII.Farinelli, el castradoFarinelli es una película de 1994 dirigida por Gérard Corbiau. En 1995 obtuvo el Globo de Oro a Mejor Película Extranjera. Combina elementos históricos y dramáticos para contar la historia de Farinelli, uno delos artistas más destacados de su época. La película es notable por su impresionante recreación de la vida y la música de la Europa del siglo XVIII, así como su enfoque en la vida personal y emocional de Farinelli. No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
Como en una película de ciencia ficción, Frank Rubio protagonizó su “Odisea espacial”. Francisco Carlos Rubio estableció el récord como el astronauta estadounidense con el vuelo espacial individual más largo, al pasar 371 días en la Estación Espacial Internacional (EEI) sin poder regresar a la Tierra. En septiembre de 2022, Rubio ascendió a la Estación Espacial Internacional (EEI) a bordo de una nave rusa para completar una misión de seis meses. Un fallo en su vehículo impidió su regreso. Rubio retornó al planeta a bordo de la nave espacial rusa Soyuz MS-23, en compañía de los cosmonautas rusos de la agencia espacial Roscosmos, Sergey Prokopyev y Dmitri Petelin."2001: Una odisea en el espacio" es una película de ciencia ficción dirigida por Stanley Kubrick. Estrenada en 1968, esta película se ha convertido en un clásico del género. Kubrick inmortalizó a Richard Strauss al emplear el movimiento “Amanecer” de “Así habló a Zaratrusta” en una de las escenas más icónicas del cine.La composición de Richard Strauss, "Así habló Zaratustra", fue completada en 1896 y se basa en la poesía filosófica de Nietzsche, aunque su enfoque es principalmente musical y no filosófico. Esta obra es una de las más famosas de Strauss y es conocida por su influencia en la música clásica del siglo XX y por estar presente en "2011: Odisea en el espacio" de Stanley Kubrick. Ahora, podemos imaginar la "Odisea en el espacio" de Frank Rubio al ritmo de Richard Strauss.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
La sala Teatro Colón del Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella se prepara para presentar ‘El castillo de Barbazul’ de Béla Bartók, los días 26, 27 y 28 de octubre de 2023. Un montaje que representa un hito para la historia de la ópera en Colombia ya que es la primera vez que se presenta en el país y es una colaboración excepcional con la Ópera Nacional de Hungría.Esta es una de las óperas más importantes del Siglo XX que combina la música del húngaro Béla Bartók, una producción de gran formato y una historia que explora la condición humana y sus deseos.‘El castillo de Barbazul’ se estrenó el 24 de mayo de 1918, tiene una duración de aproximadamente una hora, se desarrolla con la apertura sucesiva de siete puertas y cuenta con la participación de dos personajes: Barbazul y Judith, interpretados en esta ocasión por Valeriano Lanchas y la cantante húngara Andrea Szántó. Lanchas, bajo-barítono nacido en Bogotá en 1976, ha dejado su huella en escenarios internacionales, desde el Metropolitan Opera House de Nueva York hasta el Palau de les Arts de Valencia. Su voz ha resonado junto a nombres legendarios como Plácido Domingo y Luciano Pavarotti. Por su parte, Andrea Szántó, mezzo-soprano y Chamber Singer de la Ópera Estatal Húngara, se ha presentado en festivales y ciudades como Viena, Graz, Tokio y Edimburgo, interpretando una variedad de roles operáticos.El libreto, inspirado en el cuento de Charles Perrault y escrito por Béla Balázs, ahonda en la psicología humana. Es un viaje al fondo del deseo, el poder, la destrucción. Cada puerta abierta tiene su propia historia, orquestación y dinámica para lograr diversos matices emocionales de la historia. Balázs describió el castillo como el reflejo del alma de Barbazul, oscura y solitaria.La música de Béla Bartók es el corazón de esta historia, se despliega en un estilo llamado ‘parlando rubato’, que se encuentra al servicio del texto y será interpretada en el Teatro Colón por 90 músicos de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia bajo la dirección de Alejandro Posada. La escenografía futurista diseñada por Julián Hoyos crea un castillo laberíntico que llora y sangra, reflejando la oscuridad y los deseos ocultos de la historia. La tecnología multimedia, a cargo de Carmen Gil, sumerge al público en este mundo onírico.Sobre el montaje, el director escénico Pedro Salazar expresa: “los intérpretes van a viajar en cápsulas y en una especie de módulos movibles que a veces se encuentran, a veces se separan, con escaleras, con niveles, a veces se apoyan con video, a veces están arriba, a veces están abajo. Estamos utilizando toda la tecnología del Teatro Colón para llevar a cabo este espectáculo. La historia parte de una tradición en la que estaban interesados en cómo operan los sueños, el deseo, más allá de la razón, de la realidad objetiva y yo creo que eso está claro en la música. El reto es contar la historia de Judith y Barbazul de manera que sea relevante”.Detrás de todo el esplendor artístico de ‘El castillo de Barbazul’ se encuentra Pedro Salazar, quien ha consolidado su trabajo como director y productor de teatro y ópera. Dirige el área de artes escénicas en la Universidad de los Andes, ha llevado a cabo producciones como 'El Barbero de Sevilla' de Gioachino Rossini, 'Dido y Eneas', 'Florencia en el Amazonas', 'La flauta mágica' de Mozart, 'La Boheme' de Puccini y 'Don Pasquale' de Gaetano Donizetti.“Este cuento de hadas es un viaje al fondo del deseo. En la música de Bartók podemos ver unas fuerzas que están en choque. Transitar por el castillo de Barbazul es como caminar por un castillo de terror. Este trabajo nunca se ha montado como ópera en Colombia, es un esfuerzo de muchas personas, un espectáculo sobre el escenario, esperamos que sea un deleite visual. Es una ópera corta, agradable, extraña. Pensamos que es un regalo para Bogotá poderla hacer acá, es una colaboración con la Ópera Nacional de Hungría, y una forma de celebrar la música en todas sus formas aquí en el Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella”, concluye Salazar.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
“Todo lo que he escrito hasta hoy, y que ustedes desafortunadamente han publicado, puede ser destruido. Con Carmina Burana comienza mi obra”, aseguró el compositor alemán Carl Orff (1895 - 1982) después del estreno, el 8 de junio de 1937, de la que sería su creación cumbre. Una versión muy especial de esta enigmática cantata escénica será presentada por la Filarmónica de Bogotá, bajo la guía de su director titular, Joachim Gustafsson, y con la participación de la Compañía de Danza L'Explose y el talento vocal del Coro Filarmónico Infantil, el Coro Filarmónico Juvenil y algunos integrantes del Coro de la Ópera de Colombia. Esta función agotó ya todas sus entradas.El nombre Codex Buranus o Carmina Burana hace referencia al Monasterio de Beuren en Alemania, lugar donde Johann Christoph von Aretin encontró el manuscrito en 1803 por durante la secularización de Baviera. El documento recoge unos 250 poemas, en latín secular, provenzal y alemán medieval, en los que se consignan poemas satíricos, dramas litúrgicos, danzas y canciones, muchos de ellos con música en una notación especial. La autoría de estos poemas se atribuye a los goliardos, clérigos que abandonaron la iglesia y con el conocimiento del latín y de la teología, se dedicaron a criticar las instituciones, incluida la iglesia, y a burlarse de todo su entorno.Este fascinante manuscrito llamó la atención del alemán Carl Orff en 1934. En ese momento, era reconocido más como especialista en música antigua y pedagogo que como compositor. A partir del documento, Orff concibió la obra Carmina Burana - Cantiones profanae cantoribus et choris cantandae comitantibus instrumentis atque imaginibus magicis, cuya traducción sería: ‘Cantos de Beuern: Canciones profanas para solistas y coros para ser cantadas con instrumentos e imágenes mágicas’. En pocas palabras, una cantata escénica.Carl Orff escogió 24 poemas del manuscrito, para los que creo las partituras (en ningún momento utilizó la música original) y los organizó en tres partes: La primera se titula Primo vere (Primavera), tiene que ver con la llegada de la estación y la exaltación de la naturaleza. La segunda, In Taberna (En la taberna) es una oda al vino; y la tercera, Cours d’amour (La corte de amor) canta las penas y placeres del amor.Para Carmina Burana, el autor alemán utilizó formas como sencillas canciones estróficas, otras que evocan el canto gregoriano o la forma de las letanías en una sonoridad orquestal con una presencia importante de la percusión, influencia por la obra de Ígor Stravinsky (1882 – 1971). “No es música sofisticada ni intelectual, y los temas son los que todo el mundo conoce”. explicó en su momento Carl Orff.Esta coproducción del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y la Filarmónica de Bogotá, tiene a nuestra agrupación principal guiada por su director titular Joachim Gustafsson, como eje central; y participan también la Compañía de Danza L’Explose, dirigida por Juliana Reyes; así como la figuración de la soprano Eliana Piedrahíta, el tenor Santiago Burgi y el bajo Juan David González. También intervienen el Coro Filarmónico Infantil, dirigido por Sandra Rodríguez; el Coro Filarmónico Juvenil, bajo la batuta Johanna Molano; y algunos integrantes del Coro de la Ópera de Colombia.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK y escuchar lo mejor de la música clásica.
Una ópera es una obra de teatro musical que se caracteriza por contar una historia a través del canto de los personajes y la música de fondo interpretada por una orquesta. A diferencia de otras formas de música vocal, en la ópera, la música y la narrativa se entrelazan de manera inseparable para transmitir la trama y las emociones de los personajes.Elementos de una óperaMúsica: La música es un componente fundamental de la ópera. Compositores famosos como Giuseppe Verdi, Wolfgang Amadeus Mozart y Richard Wagner han creado algunas de las obras más icónicas en este género. La música varía desde arias emotivas y duetos apasionados hasta coros majestuosos y oberturas grandiosas.Canto: Los cantantes de ópera, conocidos como "voces", desempeñan un papel central en una ópera. Sus interpretaciones vocales expresan las emociones y personalidades de los personajes. Los roles principales suelen ser desempeñados por sopranos, mezzosopranos, tenores y bajos, cada uno con su propia gama vocal distintiva.Libreto: El libreto es el texto hablado y cantado de la ópera. Está escrito en el idioma en el que se presenta la obra y proporciona la historia y los diálogos que los cantantes interpretan. El libreto a menudo se basa en obras literarias existentes o en historias originales creadas para la ópera.Escenografía y vestuario: La puesta en escena y el diseño de vestuario son elementos esenciales para dar vida a la historia. Los decorados, los trajes y la iluminación ayudan a crear la atmósfera y a transportar al espectador a la época y el lugar en que se desarrolla la trama.Orquesta: Una orquesta en vivo proporciona la música que acompaña a los cantantes y realza la experiencia auditiva de la ópera. La orquesta es dirigida por un director de orquesta, quien coordina la música con la acción en el escenario.A continuación, algunas de las óperas más famosas de diferentes épocas y estilos:"La Traviata" de Giuseppe Verdi: Esta ópera, basada en la novela "La Dama de las Camelias" de Alexandre Dumas hijo, es una de las obras más conocidas de Verdi. Narra la trágica historia de amor entre Violetta, una cortesana, y Alfredo Germont. Su emotiva música y arias como "Sempre libera" la han convertido en una de las óperas más populares."Carmen" de Georges Bizet: Esta ópera francesa es conocida por su pasión y sensualidad. La historia gira en torno a Carmen, una gitana, y su relación con el soldado Don José. La Habanera y la Seguidilla son algunas de las arias más destacadas de esta obra."La Flauta Mágica" de Wolfgang Amadeus Mozart: Esta ópera cómica es una de las obras más queridas de Mozart. Combina elementos de fantasía y masonería en su trama y presenta algunas de las arias más memorables, como "Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen"."Madama Butterfly" de Giacomo Puccini: Puccini es conocido por sus óperas emocionales y melódicas, y "Madama Butterfly" no es una excepción. Narra la desgarradora historia de Cio-Cio-San, una joven japonesa, y su amor por un oficial estadounidense. "Un bel dì vedremo" es una de las arias más conmovedoras de la ópera."Tosca" de Giacomo Puccini: Otra obra maestra de Puccini, "Tosca" es una ópera llena de pasión y tragedia. Sigue a la cantante Floria Tosca mientras lucha por salvar a su amante, Cavaradossi, de las garras del malvado barón Scarpia. "Vissi d'arte" es una de las arias más emblemáticas de la obra."El Anillo del Nibelungo" de Richard Wagner: Esta es una tetralogía de óperas que incluye "El Oro del Rin," "La Valquiria," "Siegfried" y "El Ocaso de los Dioses." Es una epopeya operística que se extiende por más de 15 horas en total y es conocida por su complejidad musical y temática."Don Giovanni" de Wolfgang Amadeus Mozart: Esta ópera se basa en las aventuras del legendario seductor Don Juan. Mozart combina música dramática y cómica en esta obra maestra."Rigoletto" de Giuseppe Verdi: Esta ópera cuenta la trágica historia de Rigoletto, el bufón de la corte del Duque de Mantua. "La donna è mobile" es una de las arias más famosas de la ópera.No olvide sincronizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
El pasado enero, el pianista y director de orquesta de 80 años anunció su dimisión de la Ópera de Berlín, después de tres décadas.El aclamado músico, nacido en Argentina y también de nacionalidad israelí y española, dijo previamente estar aquejado de una "enfermedad neurológica grave".El responsable de Cultura de la ciudad, Joe Chialo, indicó así que Christian Thielemann, que dirigió regularmente la Staatskapell -la orquesta de la ópera estatal de Berlín- sucederá a Barenboim a partir de septiembre de 2024.La Staatsoper de Berlín, situada en la gran avenida Unter den Linden, es una de las tres óperas de la ciudad.Nacido en Berlín, Thielemann, estrella de la música clásica, es conocido por su amor por Johannes Brahms, Richard Strauss y Richard Wagner.Su producción en la Staatsoper el año pasado, la famosa tetralogía de Richard Wagner, conocida también como el Anillo del Nibelungo, fue "unánimemente descrita como fenomenal", según el diario alemán Berliner Zeitung.El director de orquesta alemán, de 64 años, está bajo contrato hasta el próximo año con la Staatskapelle de Dresde.Protegido del legendario Herbert von Karajan, Thielemann fue director musical general de la Deutsche Ópera de Berlín, pero había dimitido en 2004 debido a una disputa financiera con la ciudad.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
El programa se desarrollará durante todo octubre, coincidiendo con el mes de fundación de la compañía, informaron este martes en rueda de prensa sus responsables."(Será) un mes completo con actuaciones todos los fines de semanas y (con) programas diferentes", explicó Viengsay Valdés, directora general y bailarina del BNC.Las funciones se realizarán en el Salón Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba, con la excepción del 28 de octubre, último día del jubileo por los 75 años, en el que se realizará una gran gala. De igual forma, sostuvo Valdés, se efectuarán distintas actividades de la compañía en lugares públicos, cines y escuelas con el fin de "despertar aún más esa sensibilidad por el arte de la danza".Las diferentes actuaciones contarán con la presencia de bailarines cubanos y extranjeros de otras compañías, según contaron sus organizadores. Y una de las figuras que estará en el centro será Alicia Alonso, su directora, principal fundadora y primera figura.El programa incluye Rara avis, La cenicienta, Coppelia, Don Quijote, Carmen, Giselle, Canto Vital, Séptima sinfonía, Trilogía Clásica (Coppelia, primer acto/El lago de los cisnes, segundo acto/Don Quijote, tercer acto), Alfonsina, Leda y el cisne, Rítmicas, Dionaea, Majísimo y Bodas de Sangre.El Ballet Nacional de Cuba es la compañía de danza clásica más importante de la isla, surgida en 1948 bajo el nombre de Alicia Alonso, destacada internacionalmente por el rigor artístico-técnico de sus bailarines y una línea con predominio de la tradición romántica y clásica.En 2018 fue declarado Patrimonio Cultural de la Nación por ser "máxima expresión de la escuela cubana de ballet", condición extendida al repertorio de la compañía, su archivo de imágenes, los objetos y documentos relacionados con la institución.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
La historia de Elly Kedward, también conocida como "La Bruja de Blair", es un elemento central en la leyenda urbana que sirvió como base para la película de terror "The Blair Witch Project" (Proyecto de la Bruja de Blair) lanzada en 1999. A pesar de su carácter ficticio, esta historia ha intrigado y asustado a muchas personas, llevándolas a creer que podría tener raíces en la realidad. Sin embargo, es importante destacar que la historia de Elly Kedward es una creación de los cineastas y no tiene una base histórica verificable.La trama se desarrolla en Burkittsville, Maryland, y se centra en la historia de una mujer llamada Elly Kedward, quien supuestamente vivió en el siglo XVIII. Según la leyenda ficticia, Kedward fue acusada de brujería y desterrada del pueblo. Se dice que pasó los últimos días de su vida sola en el bosque, donde se rumorea que realizó rituales oscuros y cometió actos horribles.A medida que la leyenda se desarrolla, Elly Kedward se convierte en la figura central de una serie de desapariciones y eventos inexplicables que han ocurrido en Burkittsville a lo largo de los años. La película "The Blair Witch Project" se presenta como un documental falso, utilizando supuestas grabaciones de video encontradas para contar la historia de tres cineastas que se adentran en el bosque de Black Hills en busca de respuestas sobre la leyenda de la Bruja de Blair. La película utiliza un estilo de metraje encontrado para crear un ambiente de realismo y suspenso.Es importante resaltar que la historia de Elly Kedward y la Bruja de Blair es una invención cinematográfica creada por los cineastas Daniel Myrick y Eduardo Sánchez para promover su película. No existe evidencia histórica de la existencia de Elly Kedward ni de la Bruja de Blair en la vida real. A lo largo de los años, la historia de la Bruja de Blair ha influido en la cultura popular y ha sido referenciada en varias obras de terror y medios relacionados. Algunos ejemplos de referencias incluyen: Videojuegos: "Blair Witch" es un videojuego de terror basado en la franquicia que fue lanzado en 2019. El juego sigue a un personaje en busca de un niño desaparecido en el bosque de Black Hills.Libros: Se han publicado libros que expanden la mitología de la Bruja de Blair, ofreciendo más detalles ficticios sobre su historia y los eventos en Burkittsville.Secuelas cinematográficas: Además de la película original, se han lanzado secuelas y spin-offs de la franquicia, aunque no todas han tenido el mismo impacto que la película original.En resumen, la historia de Elly Kedward, la Bruja de Blair, es una creación ficticia que se originó en la película "The Blair Witch Project". Aunque ha influido en la cultura popular y ha sido referenciada en otros medios, no tiene una base histórica real.
El Festival Internacional de Títeres Manuelucho"consta de 25 funciones a cargo de cinco compañías internacionales provenientes de España, México, Argentina, Bolivia y Venezuela. Por Colombia se harán presentes agrupaciones de Medellín, Bogotá y Tunja, del 6 al 29 de octubre en la sala de la Libélula Dorada. Además, este año se suma La sala Gaitán y la red de escenarios del distrito, permitiendo que más público pueda vivir una experiencia inolvidable.El Festival Internacional de Títeres Manuelucho de la Libélula Dorada, es una ventana que revela la diversidad y riqueza cultural de diferentes partes del mundo. Cada obra promete ser una experiencia inolvidable para los asistentes, quienes podrán disfrutar de lo mejor del teatro de muñecos y descubrir el encanto, la creatividad y la magia inherente a esta ancestral forma de expresión artística. “Las obras más interesantes y seductoras son aquellas que logran contar algo que valga la pena descubrir y conocer. Eso implica contarlas desde una forma que ojalá no se le haya ocurrido ni imaginado a nadie. Esto significa potenciar la imaginación para escapar de los lugares comunes”, afirma Iván Álvarez, titiritero y cofundador de La Libélula Dorada, que año tras año se preocupa por incluir dentro de la programación del evento nuevos montajes y propuestas.Es así, como este año llega desde España, el grupo La Sonrisa del Lagarto, una compañía teatral hispano-brasileña creada por dos actrices, directoras y dramaturgas con la obra La mona Simona. Un espectáculo inspirado en la amistad y el amor a la naturaleza. Innovador al mezclar técnicas del teatro de sombras chinescas, títeres, la narración e interpretación. México estará presente con La carpa de los 2 colores del grupo Guiñoleros UAS y El día en que el mundo se llenó de tortugas del colectivo Mano y contramano, bajo la dirección de Carlos Converso. La primera es la historia de dos circos que buscan instalarse en un pueblo ante la oposición de un vecino gruñón. La segunda obra es un cuento a manera de parábola con animales que habla sobre el obstinado deseo de vivir muchos años. Ambos grupos con propuestas artísticas enfocadas en fortalecer la función social del teatro de títeres.Paralamano, representa a Bolivia desde hace veintitrés años y se hace presente en el Festival con Una ratita presumida, la historia de Tita, quien espera encontrar a alguien que le invite a tomar té, para su desgracia lo único que consigue es la invitación de un ratón a pasear en bicicleta. Cuentos del sombrero y del viento desde Venezuela, un grupo con amplia experiencia que ha presentado sus trabajos en diferentes países trae una propuesta que combina actuación, títeres y narración escénica en Los amigos del río.Por Colombia hace parte de la programación El que nada sabe como que no ve, de la agrupación colombiana El Carriel, fundada en el año 1980 por Julio César Quecán, en Tunja. Obra que resalta el valor de la amistad y su importancia al momento de desarrollar cómo individuos el sentido de pertenencia con la comunidad. Desde Medellín, Jabrú Teatro de títeres presenta Navegante de papel, donde una titiritera y un titiritero a través del papel construyen al protagonista de esta historia quien con sus pequeñas máscaras pintadas con marcador regala a los observadores distintas emociones. Jabrú, apuesta por una dramaturgia que genera una experiencia artística a través de la estimulación de la capacidad de imaginar.De Bogotá, Teatro Comunidad presenta Macondo, El cuento que se llevó el viento, un acercamiento al realismo mágico de la obra del Nobel Gabriel García Márquez; con música y títeres los comediantes cuentan, cantan, narran, actúan, ilustran y maromean la historia de Macondo y de la familia Buendía. Los anfitriones, La Libélula Dorada con César e Iván Álvarez en el escenario presentarán: La rebelión de los títeres y los héroes que vencieron todo menos el miedo y La increíble historia de la nariz del Dr. Freud.Además, en esta edición, se rendirá homenaje al maestro, director, dramaturgo, gestor y titiritero Julio Quecán, director del Grupo el Carriel de Tunja, por cincuenta años de vida artística. Este reconocimiento busca visibilizar y exaltar la trayectoria de quienes con su labor han contribuido al desarrollo del teatro de títeres en Colombia. Además, a la par de las funciones tendrá lugar la clase magistral a cargo de Iván Darío Álvarez: ¿Cómo abordar desde la escritura los procesos creadores? y el taller El trabajo del director en el teatro de títeres con el maestro internacional Carlos Converso.Es así como año, tras año, El Festival rinde homenaje al personaje Manuelucho Sepúlveda, creado en 1916 por Sergio Londoño en Manizales, con el fin de retornar a esa magia que tienen los títeres, tal como explica Iván Álvarez: “Escapar del mundo de lo real, hacernos sentir en otra dimensión. El títere es por eso una creatura fantástica que va más allá de lo humano, siempre convoca a la imaginación, a realizar lo imposible, a subvertir lo unidimensional. El simple hecho de que un muñeco se convierta en imagen, que hable o se mueva con gracia ya encanta y embruja”.Cabe resaltar que El Festival Internacional de Títeres Manuelucho es un evento que cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura, Idartes y Bibliored; Además es reconocido como evento de impacto metropolitano por La Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte del Distrito.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
Bayona (Barcelona, 1975), cuya última película, "La sociedad de la nieve", fue preseleccionada para representar a España en los Oscar, defendió la tarea del arte y su valor humanista durante su lección inaugural del curso de la Universidad de Barcelona (UB)."Crear es ponerte a prueba y no hay inteligencia artificial que lo pueda hacer", defendió el director, quien explicó que desde niño la ficción le pareció "más interesante que la realidad" y también más veraz a la hora de retratar tanto al mundo como a uno mismo."El arte me dio herramientas para manejarme mejor en la vida, es lo que nos diferencia de los demás, lo que cada uno lleva dentro. Espero que los estudiantes mantengáis viva la búsqueda de esa humanidad", añadió el director de filmes como "Lo imposible", "El orfanato" o "Un monstruo viene a verme".Durante el acto del inauguración del curso en el paraninfo de la UB, también el consejero de Universidades de Cataluña, Joaquim Nadal, quiso poner en valor "las artes y las humanidades" en un contexto de "desarrollo imparable de la inteligencia artificial", al tiempo que reafirmó el compromiso con la ciencia y la tecnología.Con el lema "La Universidad es arte", la UB conmemora este 2023 los cincuenta años de la muerte del músico catalán Pau Casals, el centenario del nacimiento de la también música catalana Victoria dels Àngels y el del pintor y escultor barcelonés Antoni Tàpies.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
Bajo el título "El eco de Picasso", junto a este se encuentran artistas como Willem de Kooning, Jean-Michel Basquiat, Louise Bourgeois, Jeff Koons, Francis Bacon, Martin Kippenberger, Maria Lassnig, Miquel Barceló, Georg Baselitz, Richard Prince o Antonio Saura, entre otros muchos, dentro de los actos conmemorativos del 50 aniversario de la muerte del pintor.Su comisario, Eric Troncy, precisó este lunes en la presentación que no se trata de una exposición de Picasso, sino que es "una exposición de arte contemporáneo", pese a que también cuenta con piezas del malagueño."Es un viaje salvaje por las relaciones existentes entre la obra de Picasso y de los artistas vivos durante su vida y tras su muerte", apuntó Troncy.A su juicio, "cualquier cosa podría haber tenido cabida en esta exposición, porque el ámbito es muy amplio", y finalmente define el resultado como una "fantasía" propia que Troncy quiere "compartir con el visitante"."Es una exposición sobre el placer, porque es imposible no estar emocionados al tener delante una obra de Picasso y otra de Bourgeois al lado. Hay obras que se han unido y que nunca habían estado juntas, porque siempre intento que las obras no se aburran de mostrarse siempre igual", aseguró.Según el comisario, Picasso dio "soluciones para representar las cosas" y todavía hoy "celebramos esas invenciones", al ser por ejemplo uno de los primeros artistas que hicieron collages o que trabajaron con el bronce soldado, el bronce pintado o la cerámica."Soy alguien que está obsesionado con Picasso y que ve a Picasso por todas partes", reconoció Troncy, que en esta exposición intentó "no mostrar cosas ya mostradas antes".Bernard Ruiz-Picasso, nieto del artista y presidente del Consejo Ejecutivo del Museo Picasso, declaró que la exposición "es una posibilidad de ver cómo nuestro mundo cultural y artístico se ha liberado de todo un peso y de las luchas de los artistas en el siglo XX".Su esposa, Almine, copresidenta de la Fundación que lleva el nombre de ambos, FABA, consideró que esta exposición muestra "cómo Picasso sigue vivo y está ahora en el ADN del siglo XXI, a pesar de que falleció hace cincuenta años, y esto es algo extraordinario"."Algunas de las obras seleccionadas son de artistas coetáneos de Picasso, que le desafiaron porque debían retarle. Hoy la historia es distinta, porque los artistas beben de muchas fuentes", añadió Almine Ruiz-Picasso, que considera "maravilloso" cómo el malagueño "forma parte del día de hoy y obras suyas parecen de anteayer".No olvide escuchar la señal en radio de la HJCK, el arte de escuchar
Caliwood. Calicalabozo. La sucursal del cielo. La capital mundial de la salsa. Cali. La Feria de Cali tuvo su origen en el propósito de revitalizar económicamente la ciudad capital, luego del trágico incidente ocurrido el 7 de agosto de 1956. Es día, siete camiones militares, cargados con 42 toneladas de dinamita, estallaron en las proximidades del centro urbano. Esta devastadora explosión destruyó 41 manzanas de la ciudad y sumió a la región en una recesión económica. Como respuesta a esta crisis, las autoridades tomaron la decisión de organizar una feria que ofreciera productos como artesanías, calzado y marroquinería, con el fin de estimular la economía local. En la actualidad, Cali es una de las ciudades turísticas de Colombia.Museo CaliwoodEl pionero Museo de la Cinematografía en la historia de Colombia, fue establecido el 22 de octubre de 2008 por Hugo Suárez Fiat, originario de Cali. Este museo se encuentra situado en la Avenida Belalcázar, específicamente en la Carrera 2ª. Oeste, número 5-A-55 Oeste, en la Urbanización Arboleda de Santiago de Cali.Teatro experimental de Cali, Enrique BuenaventuraEl TEC (Teatro Experimental de Cali) se estableció en 1955 en la Escuela Departamental de Teatro de Cali, que forma parte del Departamento del Valle del Cauca en Colombia. Aunque la dirección oficial de la institución recayó en Enrique Buenaventura al año siguiente, su nombre y su obra están intrínsecamente vinculados al TEC. Nacido en Cali en 1925, Enrique Buenaventura es ampliamente reconocido como uno de los principales impulsores de la renovación teatral de Colombia. Ubicado en la Cl. 7 # 8 – 63 Barrio Santa Rosa.La Linterna Cali LtdaEs un taller de impresión tipográfica dedicado desde 1934 a la impresión artesanal de cárteles el uso de tipos móviles y la técnica en linóleo. Allí, cada cartel es una obra de arte. En el 2016 tras una crisis económica cerró, sin embargo, gestores culturales y artistas lograron su reapertura en el 2017. Cuenta con cinco máquinas impresoras antiguas de diferentes lugares del mundo. Se encuentra en el barrio de San Antonio, Cra. 5 #2-70.Museo de la Salsa en el barrio ObreroAquí podrá encontrar la memoria histórica del movimiento salsero. En sus paredes se encuentran cerca de 40.000 fotografías tomadas por Carlos Molina, fundador del museo, que dan cuenta del paso de más de 200 músicos nacionales e internacionales que pasaron por el lugar. Se encuentra en Cra. 11b # 24 -44.La Topa TolondraCon los años se ha consolidado como un templo de la salsa ubicado en la mítica Calle Quinta. Además, cuenta con una librería musical que reúne artista como Frankie Dante, la Sonora Ponceña, la Flamboyan y, los Hermanos Lebron. Está en la Cl. 5 #13-27, Comuna 3.Museo de la TertuliaUn tempo griego en la capital del Valle del Cauca. Es considerado como el primer museo de arte moderno de Colombia. Cuenta con una cinemateca y una exhibición permanente de arte moderno y contemporáneo colombiano. Está ubicado en la Cra. 1 #5-105.Museo del Oro CalimaDentro del Centro Cultural del Banco del República en Cali se encuentra el Museo del Oro Calima, un espacio arqueológico que alberga una rica colección de 615 objetos prehispánicos. Estos objetos incluyen piezas de orfebrería, cerámica, piedra, madera, concha y otros elementos etnográficos, todos ellos pertenecientes a las civilizaciones que poblaron la región conocida en términos arqueológicos como la "Región Calima". Ubicado en Cl. 7 #4-69. No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
