En los cuatro siglos que han pasado desde que Shakespeare escribió la obra escocesa, nunca hubo un Macbeth como Denzel Washington. Dos veces ganador del Óscar, es considerado con frecuencia el gran actor de su generación, y ya ha recibido cada nominación posible por su nueva película "La tragedia de Macbeth", disponible este viernes en la plataforma de Apple TV+.Washington tiene 67 años y su Lady Macbeth es interpretada por la actriz de 64 años Frances McDormand. Lo que significa que la despiadada pareja poco probablemente podría engendrar un heredero para su reinado. "Ellos están cansados y son más viejos", le dijo Washington a la AFP, explicando que el paso del tiempo les dio a sus personajes una motivación diferente, pero igualmente malévola."Ellos son como 'mira, esta es nuestra oportunidad. Nos lo deben'". "Tiempos drásticos exigen medidas drásticas. Y el reloj está andando". ¿Cómo podría Washington, que choca espadas con varios rivales en múltiples y exhaustivos encuentros a lo largo del final de la película, haber interpretado este rol de forma distinta 20 o 30 años atrás?"Probablemente de forma más física. ¡No cediendo a la realidad de cómo mis rodillas están en este punto de mi vida!", dice. Y claro, Washington es negro. Al igual que el actor Corey Hawkins, de 33 años, quien interpreta a su némesis y eventual vencedor Macduff. Este detalle, aunque es un anacronismo histórico para la Escocia del siglo XI, está lejos de ser novedad. Orson Welles dirigió una versión de Macbeth con un elenco negro en 1936."Obviamente somos diferentes, así que creo que es algo bueno", dijo Washington en una mesa redonda con periodistas. "En mi humilde opinión, deberíamos llegar a un punto en el cual la diversidad ni siquiera tenga que ser destacada como algo especial". "Estos jóvenes, negros, blancos, azules, verdes, o lo que sea, son talentosos y calificados, y es por ello que están aquí". Hawkins añadió: "No puedo cambiar esta piel, o este cabello. Pero lo que puedo es ser excelente en algo que la gente podría no estar esperando. No estábamos pensando en blanco y negro".Irónicamente, la película es grabada en blanco y negro, y en formato estrecho, con su minimalistas y elegantes decorados evocando los primeros años de Hollywood. "Macbeth" ha sido trabajada antes en varios formatos en la pantalla grande por directores influyentes, incluyendo Welles, Akira Kurosawa y Roman Polanski. Pero Washington dice que no vio ejecuciones previas de Macbeth, y eligió no buscarlas luego de que el director Joel Coen decidiera el elenco."No quería ver a alguien y preguntarme '¿cómo diablos voy a hacerlo mejor que eso?'", cuenta Washington cuyo Macbeth es inicialmente comedido y sutil, antes de que su rabia, su ambición y su locura se desaten. Aún así, Washington tiene tradición cuando se trata de Shakespeare. Protagonizó en Broadway una versión de "Julio César", y también participó en "Mucho ruido y pocas nueces", de Kenneth Branagh.Hawkins dice que esperaba ver que Washington, él y otros miembros negros del elenco, incluyendo a la hija de Washington, Olivia, que inspirasen con roles menores a jóvenes de minorías a darle una oportunidad a las obras de Shakespeare. "Si hay algún niño o niña que quiera ver esta película, podría abrirles la curiosidad al respecto", dijo. "Sí, los negros aman a Shakespeare. Nosotros probablemente amamos a Shakespeare sin saber que amamos a Shakespeare, porque hay tantas referencias culturales y en canciones que nos gustan". "Es un honor poder hacer esto, y estar lado a lado con estos actores, estos actores negros, porque tenemos tanta propiedad como cualquier otra persona", dijo Hawkins.
Con el inicio de la pandemia en marzo de 2020, la Orquesta Filarmónica de Bogotá se volcó a la innovación. Esta, que tiene como propósito estar presente en las coyunturas de la ciudad y promover el acceso a la música sinfónica, durante las restricciones de pandemia ha realizado más conciertos en promedio que la mayoría de orquestas sinfónicas del continente, presenciales, virtuales y en escenarios no convencionales.La estrategia para hacer presencia contempló iniciativas estratégicas como Filarmónica al Barrio, a través de más de 300 conciertos en todas las localidades de la ciudad. Así mismo, en el espacio público apoyó un llamado a la no violencia durante el paro nacional y ha promovido en flashmobs y actividades públicas, múltiples actividades de cultura ciudadana. Además, mediante todas sus agrupaciones, incluyendo la Orquesta Filarmónica de Mujeres, el Coro de Hijos de la Paz y la Orquesta Filarmónica Prejuvenil Bogotá-Cundinamarca, han estado presente en los principales escenarios de Bogotá y Cundinamarca con su oferta para el público, así como los conciertos virtuales de estreno, emitidos desde la plataforma virtual www.espaciofilarmónico.gov.coCerca de seis millones de personas han disfrutado de la música interpretada por la Orquesta Filarmónica de Bogotá, que tiene 99 músicos, sus agrupaciones juveniles, los niños, niñas y jóvenes del proyecto de formación musical y sus maestros, la Filarmónica de Música Colombiana, la Banda Filarmónica y otras agrupaciones del sistema.Los logros durante la pandemia llevaron a la Orquesta a ganar el Premio Nacional de Alta Gerencia en reconocimiento a su labor durante la coyuntura sanitaria. Así mismo, fue nominada junto con Juanes a Mejor Concierto Virtual en los Latin American Music Awards.
Los manuales de música europea sostienen que el compositor checo del siglo Dieciocho, Jan Dismas Zelenka, fue uno de los más geniales representantes de la música barroca. Su obra fue altamente apreciada por Johann Sebastian Bach, otro grande de la historia. Dismas Zelenka, hijo de un maestro y organista, falleció el 23 de diciembre de 1745 en Dresde, Alemania. Sobre su juventud casi no tenemos antecedentes. Se sabe solamente que antes de iniciar su carrera de músico profesional cambió su nombre Jan Lukás por Jan Dismas.Varios biógrafos registraron que en su juventud vivió un acontecimiento definitivo que afectó su salud menta, a eso se adjudica el uso poco frecuente de tonalidades mayores, prefiriendo otras que ofrece más oportunidades para las meditaciones místicas.Jan Dismas Zelenka realizó sus estudios en el liceo jesuita de Praga, Klementinum. En 1710 se trasladó a la ciudad sajona de Dresde donde obtuvo el puesto de contrabajo en la orquesta de la corte del palatino sajón. En aquel entonces empezó a componer sus primeras obras litúrgicas. En 1719 fijó su residencia definitiva en Dresde, donde fue nombrado en 1721 vicemaestro de capilla en la corte de Augusto II de Polonia, convirtiéndose en ayudante del gran compositor Johann David Heinichen, en 1729 recibió el cargo de director de música de la Iglesia.Zelenka se muestra próximo a los grandes maestros del barroco tardío. Su originalidad en la invención de temas, en las progresiones armónicas, en su uso constante de cromatismo y en la búsqueda de nuevas sonoridades, al igual que su escritura de gran virtuosismo es muy apreciada actualmente y lo acercan considerablemente a Juan Sebastián Bach.A pesar de ser uno de los mayores exponentes del Barroco, murió siendo casi un desconocido el 23 de diciembre de 1745. Compuso música instrumental y vocal, aunque la mayor parte de su obra está dedicada a la música religiosa. La mayor parte de su obra quedó en el olvido después de su muerte y no fue sino hasta finales del siglo XX que algunas de sus obras volvieron a interpretarse.
León Ferro estudió en Bogotá y posteriormente en Nueva York. Pianista, director de orquesta, pedagogo y compositor, supo moverse entre las aulas y los escenarios con maestría, la misma lo llevó a la dirección de la Orquesta del American Ballet Theatre de Nueva York.Regresó a Colombia para convertirse en el director de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, director del Teatro Colón, director musical de la Ópera de Colombia, director asistente de la Orquesta Sinfónica de Colombia y asesor musical del Instituto Colombiano de Cultura.Junto a la música, la poesía fue otra de sus grande pasiones y estuvo estrechamente ligada a sus formas de composición. No en vano, algunas de sus más importantes composiciones, obedecen al formato del “lied” o canción para piano y voz, con versos de poemas de Luis Carlos López, Eduardo Carranza, Daniel Lemaitre y José Asunción Silva. El compositor falleció a los 93 años. El 11 de mayo del 2015, el Bogotá, se apagó el corazón de Jaime león, pero su música sigue encontrando oídos y lugares para hacer que su legado perdure en el tiempo.
Bajo la premisa "El color del sonido", regresa el Cartagena Festival de Música de manera presencial y en el mes en el que se ha celebrado siempre, enero. Para la decimoquinta edición, la inspiración musical transportará a los asistentes hasta el Siglo XIX, con el fin de recordar a las figuras que marcaron la historia de música de cámara, caracterizada por una interpretación íntima y cercana que tenía en la corte.La música de cámara tomó fuerza durante los siglos XVII y XVIII, en Italia y Alemania, pero en la segunda mitad del siglo XIX, mutó a una formación de cuartetos de cuerda, tríos con piano, quintetos de instrumentos de viento se convirtió en algo habitual. Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn y Schumann se convirtieron en los más importantes exponentes. El objetivo de esta edición del festival es ofrecer al público un panorama amplio de las formas y principales tendencias de la música de cámara del siglo XIX, producida luego de la enorme contribución al género por parte de Beethoven. Se presentarán obras memorables de compositores como Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms, Franck y Dvorak que destacan las diferentes características técnico-estilísticas de las distintas escuelas europeas, provenientes de Alemania-Austria, Francia, Rusia, Europa del Este e Italia.De cada compositor se han elegido piezas de particular importancia histórica y artística. Algunas son obras maestras conocidas por el público de la música culta y otras son menos conocidas, pero poseen gran interés en muchos aspectos, como la búsqueda del timbre, nuevas sonoridades y colores del sonido, y la exploración de las características técnico-sonoras de los instrumentos. También esta edición del Festival ofrecerá una mirada general a la música de cámara escrita por autores colombianos en los siglos XIX y principios del XX. Aquí pueden consultar la programación musical completa.
Johan Julius Christian Sibelius nació en Hämeenlina, Finlandia, el 8 de diciembre de 1865. A sus tres años perdió a su padre, Christian Gustaf Sibelius, lo cual significó una época dura para su familia, pues su madre, Maria Charlotta Sibelius, debió vender su propiedad y ser acogida por su madre.Así, el futuro músico se crio en un entorno marcadamente femenino, donde su única influencia masculina provino de su tío Pehr Ferdinand Sibelius, quien lo introdujo en el mundo de la música en una primera instancia. Sus primeros años estuvieron acompañados de mucha música debido a que hacía interpretaciones con su hermana mayor, Linda, con el piano, y su hermano Christian, quien tocaba el violonchelo. Empezó entonces a tener contacto con la música de cámara de esta forma. Para 1881 tomaba clases de violín con el director de orquesta local Gustavo Levander, y se convirtió en un gran intérprete con este instrumento. Sin embargo, prefirió convertirse en compositor.En 1878 entró a estudiar en el Liceo finlandés de Hämeenlina, aprendió el idioma natal de su país y se empezó a interesar por su cultura. Siendo un alumno distraído pero aplicado, logró pasar el examen de admisión para seguir con su educación. Su tío falleció en 1860 en La Habana, y como homenaje a este, se presentó ante la sociedad como Jean Sibelius. Para 1885 entró a la Universidad Imperial Alejandro, en Finlandia, en donde inició una carrera en Derecho. Un año más tarde abandonó esa carrera y se dedicó enteramente a la música, estudiando en el conservatorio de Helsinki.Durante sus años de estudiante fue enteramente apoyado por Martin Wegelius, su maestro. Es este mismo quien lo animó a tomar una beca para seguir con sus estudios en Berlín en 1889. Allí fue instruido por Albert Becker, y para la fecha ya tenía compuesto un trío para piano en Do mayor y una sonata para violín en Fa mayor. Luego, en 1890, viajó a Viena donde se formó con Robert Fuchs y Karl Goldmark, y se empezó a dedicar a la escritura para orquestas. En la capital de Austria trabajó en la Obertura en Mi mayor y la Scéne de Ballete. Además de esto, empezó a trabajar en Kullervo, una obra inspirada en la epopeya finlandesa Kalervala, donde muestra sus primeros tintes nacionalistas.En 1892 se hizo el estreno de Kullervo en Helsinki y Sibelius se unió al Movimiento Carelianista, conformado por personas interesadas en profundizar en las raíces de la cultura finlandesa. Para ese mismo año contrajo matrimonio con Aino Järnefelt, y viajó a la provincia de Carelina, en donde tuvo la oportunidad de transcribir melodías populares de la zona y encontró la inspiración para componer tres poemas sinfónicos: En saga, Las leyendas de Lemminkäinen y la Suite Karelia. Debido a problemas económicos, Sibelius empezó a dictar algunas clases en el Instituto Musical de Helsinki.Tras el estreno de la obra teatral Kung Kristian II de Adolf Paul, para la cual Sibelius había compuesto la música, al artista le llegaban ofertas para publicar su obra, tanto en su país como en Alemania. Finalmente, firmó con la prestigiosa editorial Breitkopf e hizo una gira por toda Europa en 1900, en la que adquirió gran prestigio. Luego de este gran avance, Sibelius empezó a presentar problemas con el alcohol. Su esposa, preocupada, decidió trasladar a toda la familia a su casa campestre en Järvenpää.Gracias a la firma con la editorial alemana Schlesinger, se publicó su primera obra: Pélleas y Mélisande, una partitura de música incidental. Ese mismo año hizo un viaje a Inglaterra, donde obtuvo gran fama y prestigio. Siguió componiendo y en 1907 terminó su Tercera Sinfonía en Do mayor, obra más recatada que sus dos sinfonías anteriores. Este gran éxito que venía presentando Sibelius no evitó que se sumergiera en una crisis personal y económica entre 1908 y 1911.Así, en 1912, empezó su decadencia en Europa central debido a la aparición de importantes figuras que planteaban melodías más estilísticas y avanzadas, acorde a las nuevas tendencias que estaban llegando. Sibelius, obstinado, se mantuvo con sus características melodías sombrías y armonías conservadoras. Su carrera tomó un giro de 180 grados cuando realizó un viaje a Estados Unidos, invitado por el compositor Horatio Parker. Allí estrenó su poema sinfónico Las Oceánidas en el Festival de Música de Norfolk, y recibió un doctorado honorífico de Yale.Para 1923 su problema de alcoholismo, creciendo cada vez más, lo llevó a dirigir ebrio su Sexta Sinfonía en un concierto celebrado en Göteborg, Suecia, durante la primavera. Al año siguiente concluyó su Séptima Sinfonía, catalogada como toda una obra maestra de un solo movimiento. En 1926, por encargo de la Sociedad Filarmónica de Nueva York, acabó el poema sinfónico Tapiola, basado en un personaje mitológico finés llamado Tapio. Luego de terminar esta obra, el compositor se sumió en una grave depresión que no lo dejó componer grandes obras, y finalmente murió de una hemorragia cerebral el 23 de septiembre de 1957.Este gran compositor, caracterizado por su amor hacia la naturaleza y su afición por la cultura finlandesa, es ampliamente reconocido como el mejor compositor de su país y, a través de su música, a menudo se le atribuye haber ayudado a Finlandia a desarrollar una identidad nacional durante su lucha por la independencia de Rusia. Compuso en total siete sinfonías, trece poemas sinfónicos y varias obras pequeñas. Sus composiciones más conocidas son Finlandia, la Suite Karelia, Valse triste, el Concierto para violín, la sinfonía coral Kullervo, y El cisne de Tuonela (de la Suite Lemminkäinen).Se destacan también piezas inspiradas en Kalervala y la mitología nórdica, las cuales sirvieron para acompañar grandes obras de teatro. Además, fue uno de los miembros fundadores de la logia Suomi Nº 1 en 1922, y más tarde se convirtió en el organista titular de la Gran Logia de Finlandia. Compuso la música ritual utilizada en Finlandia (Op. 113) en 1927 y añadió dos nuevas piezas compuestas en 1946. La nueva revisión de la música ritual de 1948 es una de sus últimas obras.
La tradicional velada inaugural de la Scala de Milán, que abre la temporada musical 2021-2022, estará a cargo de una audaz representación contemporánea de "Macbeth", la ópera de Giuseppe Verdi, sobre los tormentos frente a la búsqueda del poder. "Tenemos mucha suerte porque hemos podido estar abiertos. Es un milagro. Muchos teatros de Europa han tenido que permanecer cerrados" por la Covid, reconoció Dominique Meyer, director de La Scala. Tras seis meses de silencio, el teatro pudo reabrir sus puertas al público en mayo, con un reducido número de espectadores confinados en los balcones.Ansia de poderLa nueva versión de "Macbeth", inspirada en la tragedia homónima de William Shakespeare (1564-1616), una intriga de amor, odio y sed de poder, es una versión llena de efectos especiales gracias a la puesta en escena de Davide Livermore y la dirección musical de Riccardo Chailly. "Queríamos mostrar la modernidad de Macbeth, su frescura, su teatralidad, que a veces resulta alarmante", explicó el director. Lady Macbeth "empuja a su marido a cometer múltiples asesinatos para obtener la corona. La inescrupulosa heroína de Shakespeare está encarnada por la diva rusa Anna Netrebko, una habitual de La Scala. "Es una de las representaciones más complicadas que he conocido", admite la soprano. La narración transcurre entre pantallas, con ir y venir del decorado, que en ocasiones se eleva a alturas vertiginosas. En el papel de Macbeth, el barítono Luca Salsi, reconoce que cuenta "una historia contemporánea de poder y sangre", interpretada con "ropas de hoy en día", pero con "armas antiguas" como "la espada enorme" que blande en el escenario. Y el escenario es monumental, con rascacielos típicos de las grandes ciudades norteamericanas pero también con laberintos gigantescos, una metáfora de los tortuosos caminos por los que vagan las mentes de los protagonistas.Ilusión y realidadLas perspectivas son múltiples, las fronteras entre lo real y lo irreal se esfuman, como en la película "Inception" de Christopher Nolan, un thriller de ciencia ficción en el que Leonardo DiCaprio se sumerge en el subconsciente de sus víctimas para robar o implantar recuerdos. "Este drama universal" sobre una "tiranía bárbara" podría desarrollarse "en Nueva York, Singapur o Milán, porque frente a la dictadura, los seres humanos estamos todos en el mismo barco", explica David Livermore. La ópera será transmitida por la televisión pública italiana así como por emisoras, teatros y salas de cine.
La jurista Kristina Hammer sucederá a Helga Rabl-Stadler, que llevaba 27 años en el cargo, para dirigir el festival de Salzburgo en Austria, informó el consejo de administración de este evento musical. "Hemos elegido a Kristina Hammer como presidenta por unanimidad", indicó en una rueda de prensa Wilfried Haslauer, miembro del consejo de administración del festival.Hammer, que asumirá su cargo por cinco años el 1 de enero, forma actualmente parte de los consejos de administración de la Ópera de Zúrich y del Festival de Lucerna. Desde 2010, es directora de una empresa de consultoría. Antes, ocupó cargos de dirección en relaciones públicas en varios países.Haslauer homenajeó a Rabl-Stadler, que fue la primera mujer en ocupar el cargo y que "dirigió con mucho éxito" durante un cuarto de siglo el festival de Salburgo. Un total de 32 candidatos se presentaron para sucederle. Bajo la dirección de esta antigua periodista, diputada y empresaria, nacida en 1948 y que ha trabajado con seis directores diferentes, desde Gérard Mortier hasta Markus Hinterhäuser, su presupuesto pasó de 38 a 60 millones de euros (USD 43 millones a 67 millones).Nacido como un proyecto de paz tras la Primera Guerra Mundial, el Festival de Salzburgo es un acontecimiento anual de primer orden en el mundo de la ópera. Desde 1920, propone cada verano una programación de ópera, música clásica y teatro. En la ciudad donde se desarrollan las festividades nació Wolfgang Amadeus Mozart en 1756.
Benjamin Britten fue un caso de genio musical precoz, compositor, pianista y director de orquesta. Discípulo de composición de Frank Bridge y John Ireland, y de piano bajo de Arthur Benjamin. En su abundante obra fusionó la vanguardia con la tradición. Su espíritu pacifista lo llevó a exiliarse en los Estados Unidos al comienzo de la guerra, pero en 1942 regresó a su país, para aportar su apoyo como civil. Compuso y estrenó su ópera "Peter Grimes" en una sala destruida por las bombas nazis, que mereció los más encendidos elogios del público asistente y le dió fama internacional.La fama de Britten está fuertemente ligada al cuerpo central de su obra: la ópera. Muchas de las tramas de sus óperas involucran a jóvenes solitarios, forasteros e inadaptados en comunidades decididas a señalarlos con el dedo, como "Muerte en Venecia" y "Billy Budd", entre otras.La sexualidad de Britten siempre fue un secreto a voces, se ha escrito largo y tendido sobre su relación con el poeta W.H. Auden, coautor de la ópera "Paul Bunyan". Por un lado, hay una tendencia a criminalizar su vida personal, haciendo alusión a una preferencia a menores de edad, supuestamente confirmada por los protagonistas de sus óperas (especialmente "Muerte en Venecia") y su vida romántica con el tenor Peter Pears, catalogado frecuentemente como su “musa”.El análisis sobre la “obsesión de Britten por los niños” es completamente válido en términos de teoría literaria; no obstante, no hay ninguna pericia, ni hecho que confirme esta denuncia. Sectores homofóbicos han utilizado esta acusación de manera deshonesta para justificar su odio. La operación es conocida y bastante popular entre estas facciones: igualar homosexualidad con la pederastia. Es importante entender que para el Estado británico, hasta 1967, Britten era un delincuente. La homosexualidad era considerada un delito y por lo tanto, es un tanto ingenuo no pretender que este hecho no haya tenido impacto en su corpus de trabajo y en la invisibilización de su obra.Las primeras composiciones de su autoría que llamaron la atención fueron la Sinfonietta (Op.1) y una selección de variaciones corales, A Boy was born para los cantores de la BBC. Al año siguiente conoció al escritor W. H. Auden, con quien colaboró en el ciclo de canciones Our Hunting Fathers, composición radical en su tratamiento musical y en el sentido político, y en otras obras. Relevancia más profunda tuvo su encuentro en 1936 con el tenor Peter Pears, con el que mantuvo una relación de pareja hasta su muerte, y que pasó a ser su colaborador musical e inspirador.Entre los críticos existe unanimidad en considerar a Britten como uno de los grandes compositores ingleses del siglo XX. En la década de 1930, sin embargo, el compositor realizó importantes esfuerzos para apartarse de la corriente principal de la música de su país, que le parecía complaciente, insular y amateur. Muchos críticos de aquella época, devolviendo gentilezas, se quejaban de su facilismo, espíritu cosmopolita y de su admiración por compositores como Mahler, Berg, y Stravinsky.
10. Carlo Maria Giulini (1914-2005)Carlo Maria Giulini nació en el seno de una familia amante de la música que procedía del norte de Italia. Con sólo cinco años de edad inició su formación musical en la Academia de Santa Cecilia de Roma, decantándose por el violín y la viola, para más tarde estudiar composición.Durante estos años Giulini constituyó un cuarteto de cuerdas. Con dieciocho años ganó una plaza de viola en la Orquesta de la Ópera de Roma y ello le permitió trabajar bajo las órdenes de las mejores batutas del momento como Walter, Klemperer, Furtwängler, Strauss o Stravinski, la generación a la que estaba llamado a suceder. Luego estudió dirección de orquesta con Bernardino Molinari.9. Pierre Boulez (1925-2016)Inició estudios de matemáticas en el Politécnico de Lyon, antes de ingresar en 1944 en las clases de armonía de Olivier Messiaenen el Conservatorio de París. También estudió contrapunto con Andrée Vaurabourg, esposa del compositor suizo Arthur Honegger, y la técnica dodecafónica con René Leibowitz. Comenzó cultivando una música atonal dentro de un estilo serial post-weberniano.Este serialismo, a diferencia del dodecafonismo, no sólo aplicaba el concepto de serie a la altura de las notas, sino también a otras variables del sonido: ritmos, dinámicas, ataques, etc. Esto daría lugar al llamado serialismo integral, corriente estética de la que fue uno de los principales representantes. Junto a compositores como Karlheinz Stockhausen, Luigi Nono, Ernst Krenek y Milton Babbitt.8. Arturo Toscanini (1867-1957)Considerado por muchos de sus contemporáneos y por muchos críticos de la actualidad como el más grande director de orquesta de su época y del siglo XX. Era célebre por su brillante intensidad, su incansable perfeccionismo, su prodigioso oído y su memoria fotográfica, que le permitía corregir errores de los miembros de la orquesta que habían sido inadvertidos durante décadas por sus colegas.7. Wilhelm Furtwängler (1896-1954)Gustav Heinrich Ernst Martin Wilhelm Furtwängler nació en la casa del 25 Maassenstrasse en el distrito de Schöneberg, Berlín, en el seno de una eminente familia de intelectuales y científicos originaria de la Selva negra. Su padre Adolf Furtwängler era un importante arqueólogo y Adelheid Wendt su madre fue pintora y muy ligada a la música (su padre fue amigo de Johannes Brahms).Pasó su infancia en Schwabing en Múnich, donde su padre enseñaba en la universidad. Recibió educación musical desde muy pequeño con Josef Rheinberger, Max von Schillings, Conrad Ansorge y Felix Mottl desarrollando un temprano amor por la música de Beethoven.6. Simon Rattle (1955)Adquirió preeminencia como director de la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham, actualmente es el director principal de la Orquesta Filarmónica de Berlín (BPO) y desde 2017 será Director Musical de la Orquesta Sinfónica de Londres. Ha recibido la Orden del Imperio Británico.Rattle nació en Liverpool y estudió en el Liverpool College. Aprendió piano y violín, pero sus primeras participaciones y trabajos en la orquesta sinfónica fueron como percusionista. Ingresó a la Royal Academy of Music de Londres en 1971. Ahí dirigió asiduamente, y en 1974, el año de su graduación, ganó el Concurso de Dirección John Player. Después de organizar y dirigir una impresionante versión de la Sinfonía nº 2 de Gustav Mahler mientras todavía estudiaba en la Academia, su talento llamó la atención del agente musical Martin Campell-White.5. Nikolaus Harnoncourt (1929-2016)Uno de los pioneros en la interpretación con instrumentos originales (o réplicas fieles) y criterios musicológicos de las obras del periodo barroco y clásico. Obtuvo el doctorado honoris causa en música por las universidades de Universidad del Mozarteum, Salzburgo (Austria) 2008, Universidad de la Música y de la Danza de Colonia, Colonia (Alemania) 2011 y la Universidad de Edimburgo.En 1994 recibió el Polar Music Prize, un premio concedido por la Real Academia de Suecia de Música y en el 2001 el Premio Kioto, que otorga la Fundación Inamori, de Kioto. Después recibió la Leipzig Bach medal (2007; Lipsia). En 2012, recibió la Medalla de Oro de la Royal Philharmonic Society.4. Karl Kleiber (1930-2004)Hijo del director de orquesta austríaco Erich Kleiber y de la estadounidense de origen esloveno Ruth Goodrich, el pequeño Carlos demostró desde muy temprana edad aptitudes innatas para la música. Debido a las tensiones existentes entre Erich Kleiber y el régimen del III Reich, el director renunció a su puesto al frente de la Ópera Alemana de Berlín y se exilió en Buenos Aires, Argentina, país que ya había visitado durante varias de sus giras por el continente americano (1926, 1927, 1928) y donde conoció a su futura esposa, la madre de sus hijos Karl y Verónica.3. Claudio Abbado (1933-2014)Considerado uno de los grandes del podio orquestal y lírico de la posguerra. Junto a Riccardo Muti está considerado uno de los sucesores de la tradición italiana encarnada por Arturo Toscanini y Victor de Sabata. Descendiente de una familia de músicos, nació en Milán. Estudió piano en el Conservatorio de Milán con su padre, Michelangelo Abbado y Carlo Maria Giulini. En 1958 fue distinguido en Estados Unidos con el Premio del Concurso de Dirección Orquestal Serguéi Kusevitski (1958), a lo que siguió su debut al frente de la orquesta del teatro de La Scala de su ciudad natal, en 1960, con motivo de la conmemoración del tercer centenario del nacimiento de Alessandro Scarlatti.2. Leonard Bernstein (1918-1990)Fue el primer director de orquesta nacido en los Estados Unidos que obtuvo fama mundial, célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión de la década de 1960 y por sus múltiples composiciones, entre ellas West Side Story (1957).1. Herbert von Karajan (1908-1989)Fue el más destacado director de orquesta del periodo de la posguerra y posiblemente del siglo XX. Dirigió la Orquesta Filarmónica de Berlín durante treinta y cinco años. Nació en Salzburgo, en 1908. En 1929, realizó su debut oficial dirigiendo "Salomé" en el Festspielhaus de Salzburgo, y entre 1929 y 1934, Karajan fue primer Kapellmeister en la Ópera Estatal de Ulm, Alemania. En 1933, Karajan hizo su debut en el Festival de Salzburgo con la Walpurgisnacht Scene en una producción de Fausto de Max Reinhardt. Al año siguiente, Karajan dirigió la Orquesta Filarmónica de Viena por primera vez, y entre 1934 y 1941, Karajan dirigió óperas y conciertos sinfónicos en el Teatro de Ópera de Aquisgrán.
La 64ª edición de los premios Grammy se celebrará el 3 de abril en Las Vegas, tras haber sido pospuesta debido al avance de la variante ómicron, anunciaron los organizadores de la gala este martes. El comediante Trevor Noah - a cargo del programa "The Daily Show" - será el anfitrión de la prestigiosa ceremonia que premia lo mejor de la música y que será realizada en el MGM Grand Garden Arena.La Academia de la Grabación pospuso hace dos semanas el evento previsto originalmente para el 31 de enero "en medio de crecientes preocupaciones por la variante ómicron". La altamente contagiosa variante representa casi la totalidad de los nuevos casos registrados en Estados Unidos.En California, el estado más poblado del país, las autoridades sanitarias anunciaron este martes que fueron contabilizados más de un millón de nuevos contagios en la última semana, totalizando siete millones desde que comenzó la pandemia. Esta explosión de casos alteró la temporada de premios de Hollywood, posponiendo algunos eventos y llevando otros de vuelta al formato virtual.La ceremonia de los Grammy volvió a su formato presencial el 14 de marzo del año pasado, luego de ser pospuesta en 2021 por la pandemia de coronavirus. Se espera que este año la premiación marque el regreso al glamour de la celebración tradicionalmente realizada en el Staples Center, en Los Ángeles, y que consagre a artistas como Justin Bieber, Billie Eilish y Olivia Rodrigo, así como al músico de jazz y rhythm and blues (R&B) Jon Batiste, que tiene once nominaciones."Estamos emocionados de llevar los premios Grammy a Las Vegas por primera vez y de poner un espectáculo de primera línea", dijo en un comunicado Harvey Mason Jr., director ejecutivo de la Academia de la Grabación.
Se trata de un espacio de consulta, disponible de manera libre y gratuita, donde se tiene acceso a obras audiovisuales, libros, revistas, carteles, fotografías, pressbooks, catálogos de festivales, programaciones, archivos de prensa, y publicaciones especializadas, entre otros. Porque el cine se ve, se lee y se investiga, la Cinemateca de Bogotá ha dispuesto este espacio para todos los amantes del cine de la ciudad.Les contamos cuáles son los pasos que deben seguir para consultar el catálogo de la BECMA.El horario de atención es de martes a viernes de 9:00 a.m. a 5:00 p.m. y los sábados, a partir del mes de Noviembre, de 9:00 a.m. a 1:00 p.m. Hay un aforo del 50%, por la contingencia el ingreso a la BECMA dependerá del aforo diario permitido. Se debe realizar búsqueda previa en el catálogo bibliográfico disponible en línea y solicitar el acceso a los materiales al personal de la biblioteca. Al ingresar se debe haber pasado por los controles del personal logístico en el punto de acceso a la Cinemateca de Bogotá.En la Cinemateca de Bogotá hay servicio de casillero. Para evitar un posible contagio de COVID -19, durante la visita a la biblioteca, es obligatorio portar tapabocas, así como mantener la distancia de un metro con los demás asistentes. Para visualizar material audiovisual se deben traer audífonos propios. Evitar tocar los libros y materiales que se encuentren en las estanterías. El material que se consulte estará en aislamiento durante las 48 horas siguientes. Es indispensable cumplir con los protocolos de bioseguridad estipulados por el escenario.Los visitantes pueden acceder a los siguientes servicios: Atención y asesoría profesional para la búsqueda y recuperación de información especializada en cine y medios audiovisuales, consulta del catálogo bibliográfico disponible en línea, acceso en línea a las publicaciones de la Cinemateca por medio del portal web, Idartes se muda a tu casa, donde se pueden descargar los Cuadernos de Cine Colombiano, la Revista Cinemateca y los Catálogos Razonados entre otros.Acceso a la sala de lectura para consulta de material impreso sobre diferentes temáticas que abarcan las artes audiovisuales, acceso a las estaciones de visionado para consulta de las obras cinematográficas de diversos países que conforman nuestra colección audiovisual, acceso a las salas de consulta para investigadores, acceso a los equipos de cómputo necesarios para apoyar el proceso de investigación y finalmente, quienes pertenezcan a grupos de población de riesgo o no puedan asistir al espacio físico pueden acceder a los servicios de asesoría virtual disponibles.
Obras surrealistas de Alberto Giacometti, inspiradas en su amistad con los artistas de este movimiento y más particularmente con el poeta André Breton, se exponen a partir del miércoles y hasta abril en el instituto Giacometti en París.Tres esculturas muy diferentes de "El hombre que camina", están en el centro de esta exposición, que pone de relieve los estrechos vínculos que mantenían los dos artistas y sus influencias recíprocas a través de su correspondencia y de cuadernos de dibujo de Giacometti.También se exponen una decena de cuadros (Miro, Arp, Dalí, Ernst...), procedentes de museos franceses y extranjeros y de colecciones privadas, así como una serie de fotografías que ponen de relieve a varias artistas mujeres de la época: Dora Maar, Leonora Carrington y Meret Oppenheim.Esta última realizó especialmente "La oreja de Giacometti", sorprendente pequeña escultura de bronce de 10 cm de altura, presentada en la exposición. En el corazón de este universo se encuentra la "Bola suspendida" (metal y yeso), una jaula dentro de la cual una esfera suspendida parece poder deslizarse sobre la arista de una medialuna, adquirida en 1930 por André Breton, líder del grupo surrealista.A su lado, el "Cubo" -poliedro irregular de doce caras, vinculado a la muerte y a la melancolía-, realizado por Giacometti a la muerte de su padre, y "El objeto invisible", una mujer semisentada que sostiene en sus manos un objeto invisible, inspirada por una semimáscara de metal, descubierta por los dos amigos en el mercado de pulgas en 1934.Compartiendo el gusto de los surrealistas por el automatismo, la irracionalidad, el onirismo o el juego del amor cruel, Giacommetti integrará el grupo durante cinco años (1930-1935) antes de alejarse, debido a divergencias de puntos de vista políticos y estéticos, entablando fuertes relaciones de amistad que conservará con varios de sus integrantes, en particular Breton.
El artista estadounidense Kaws instaló este martes sus pinturas pop y esculturas de colores en la Serpentine Gallery de Londres pero también en la réplica virtual del museo, situada dentro de Fortnite, el videojuego con cientos de millones de seguidores.En medio del césped helado de Hyde Park, en el centro de Londres, los espectadores apuntan con sus teléfonos al techo de la Serpentine Gallery. Pero no para tomar fotos del edificio de ladrillos rojos y columnas blancas sino porque, gracias a sus teléfonos móviles, aparece en realidad aumentada una gran escultura de un hombre azul sentado en el tejado, invisible a simple vista.La escultura es del neoyorquino, en cuya exposición, "Kaws: New Fiction", se entrelazan lo virtual y lo real. La exposición se compone de "tres capas", explica a la AFP el director artístico Hans Ulrich Obrist. "Está la exposición física en la Serpentine Gallery con pinturas y esculturas, luego los elementos de realidad aumentada y también la Serpentine Gallery en Fortnite", uno de los videojuegos más populares del mundo.Durante una semana, los 400 millones de seguidores del juego de Epic Games tienen acceso a una réplica exacta del museo dentro del videogame, que pueden recorrer con su avatar para ver las obras. Epic Games ha colaborado de forma similar con cantantes de renombre internacional para que den conciertos dentro del juego."Pero es la primera vez que Fortnite colabora con las artes visuales, con una galería pública", dice Obrist. Aunque considera que es "muy diferente" ver una exposición en un juego o físicamente, cree que las experiencias son "complementarias", sobre todo porque muchos visitantes no familiarizados con el mundo de los videojuegos pueden interesarse por ellos, y viceversa. "Para nosotros, se trata de llegar a públicos muy diferentes" y crear "un diálogo transgeneracional", añade el director artístico."La edad media de los jugadores de Fortnite", muy popular entre los adolescentes, "es mucho más joven que el visitante medio del museo", subraya Hans Ulrich Obrist, que "espera que toda una nueva generación se acerque a la galería". Sobre todo porque este proyecto "llegará a un público que probablemente sea diez veces mayor que el de la Bienal de Venecia", afirma el comisario de la exposición, Daniel Birnbaum. También para el artista, Brian Donnelly (su nombre real), el interés radica en hacer más accesible su obra.Sus estilizados personajes con cabeza de calavera ya se han visto en todo el mundo, en instalaciones gigantes y productos promocionales. Y ahora podrán atraer al público más joven de Fortnite con su aspecto pop, accesible y colorido. Kaws, que colabora por segunda vez con Fortnite, explica que sus obras se expondrán en el "creative hub", un modo específico del juego alejado de las partidas donde los jugadores luchan por ser el último superviviente. "No habrá tiroteos en la exposición", bromea, asegurando que la comunidad de jugadores es "diferente a lo que pensamos".En cuanto a si los jugadores se detendrán realmente a contemplar sus obras en el juego, "es difícil de decir", reconoce el artista. "Si llevas a un niño de once años a un museo tradicional, no sabes si va a mirar las obras. Es lo mismo", asegura.
La subasta de la residencia romana de los príncipes Ludovisi Boncompagni, con un excepcional mural de Caravaggio, fue declarada desierta, informó este martes a la AFP el notario encargado. "Nadie participó en la subasta", aseguró Camilo Verde, quien precisó que la próxima subasta tendrá lugar el 7 de abril y partirá de un valor reducido en cerca de un 20%.El monumental Casino de la Aurora, más conocido como Villa Ludovisi, un imponente palacio de 2.800 metros cuadrados, repartido en seis plantas con un suntuoso jardín, ubicado en el corazón de Roma, a pocos de pasos de la célebre Vía Veneto y de Villa Borghese, se encuentra en uno de los sectores más elegantes de la capital.La residencia campestre de una de las familias aristocráticas más ricas y poderosas de Italia conserva además del Caravaggio, frescos de Guercino (1591-1666), reconocido pintor barroco de Bolonia, así como antiguas estatuas. Se estimaba que el Casino de la Aurora, una verdadera joya del barroco romano, tenía un valor de 471 millones de euros (537 millones de dólares), pero esa estimación bajó a 376 millones de euros para la próxima subasta.Si la residencia se vende a un precio cercano al fijado como inicio por la subasta, sería una de las ventas de bienes raíces registradas públicamente más caras de la historia. La subasta fue decidida por un tribunal de Roma para poner fin a las disputas entre los herederos del príncipe Niccolo Ludovisi Boncompagni, quien falleció en 2018 a los 77 años.El enfrentamiento familiar entre la tercera esposa del príncipe, Rita Jenrette Boncompagni Ludovisi, una pintora estadounidense de 72 años que posó para Playboy, y los hijos nacidos del primer matrimonio, obligó a los jueces a subastar la villa debido a que ninguno ha podido hacer frente a la hipoteca por los altos gastos de mantenimiento.Una petición lanzada por la página change.org ha recaudado más de 35.000 firmas para pedir que el Estado intervenga. Los firmantes piden que Italia ejerza su derecho de compra y conviertan el lugar en un museo y centro cultural. Según la ley italiana, el gobierno puede ejercer su derecho sólo después de que haya sido efectivamente adquirida por un particular, dentro de un plazo de 60 días de la conclusión de la venta y ofreciendo el mismo precio de compra.
