Richard Wagner, nacido en 1813 en Leipzig, Alemania, es una de las figuras más influyentes en la historia de la música clásica. Su impacto se extiende mucho más allá de sus propias composiciones, influyendo en la estructura, el desarrollo y la percepción de la música en general. Una de las contribuciones más significativas de Wagner fue el desarrollo del leitmotiv, un tema musical recurrente asociado a un personaje, lugar, emoción o idea específica. Este recurso permitió una mayor cohesión narrativa en sus óperas y fue adoptado posteriormente por numerosos compositores, así como por creadores de música para cine y televisión.Wagner promovió la idea del "Gesamtkunstwerk" o "obra de arte total", en la que todas las artes - música, poesía, drama y visuales - se integran perfectamente. Esta visión revolucionaria elevó la ópera a una forma de arte holística, influyendo profundamente en la evolución del género.El compositor expandió las fronteras de la armonía tradicional, utilizando cromatismos y disonancias que desafiaban las convenciones musicales de su tiempo. Su ópera "Tristán e Isolda" es especialmente notable por su uso avanzado de la armonía, anticipando el lenguaje musical del siglo XX.Wagner diseñó el Teatro de Bayreuth específicamente para la representación de sus obras, con innovaciones como el foso de orquesta oculto, que creaba una mejor acústica y una experiencia más inmersiva para el público. Este teatro sigue siendo un importante centro para la interpretación de su obra.Las óperas de Wagner, especialmente su ciclo de cuatro óperas "El anillo del Nibelungo", se caracterizan por su gran escala y duración. Este enfoque monumental desafió las normas de la época y abrió nuevas posibilidades para el desarrollo dramático y musical.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La influencia del compositor alemán se siente en la obra de muchos compositores posteriores. Gustav Mahler, Richard Strauss y Anton Bruckner, entre otros, incorporaron elementos wagnerianos en sus propias composiciones, desde la estructura musical hasta la orquestación y el uso del leitmotiv.Compositores como Arnold Schoenberg y Alban Berg fueron influenciados por las innovaciones armónicas de Wagner, lo que llevó al desarrollo de la música atonal y serial. Incluso compositores que buscaban distanciarse de Wagner, como Claude Debussy, no pudieron evitar responder a su legado de alguna manera.El uso de leitmotivs y la estructuración dramática de la música de Wagner influyeron en la música cinematográfica del siglo XX. Compositores como John Williams, que creó la música para películas como "Star Wars" y "Indiana Jones", han reconocido la deuda que tienen con Wagner.Las ideas de Wagner también resonaron en la filosofía y la literatura. Su amistad y eventual ruptura con Friedrich Nietzsche es bien conocida, y su obra ha sido objeto de extensos análisis filosóficos y literarios.La influencia de Richard Wagner en la música clásica es vasta y profunda. Sus innovaciones en la composición, la estructura operística y la escenografía no solo transformaron la ópera, sino que también dejaron una marca indeleble en la música del siglo XX y en la cultura popular. A través de sus audaces experimentos y su visión artística integral, Wagner redefinió lo que la música podía ser, asegurándose un lugar permanente en la historia de la música.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Filósofos, banqueros, músicos: la familia judía Mendelssohn ha dejado una huella duradera en la vida intelectual, económica y cultural de Berlín desde el siglo XVIII. Su apogeo terminó en 1933, cuando los nacionalsocialistas llegaron al poder en Alemania. Su historia se conmemora ahora en el edificio que una vez sirvió de hogar para esta familia.De vestíbulo a sala de conciertosEl Mendelssohn-Remise, en el centro de la capital alemana, se construyó a modo de vestíbulo de banco y más tarde se utilizó como cochera. En la actualidad, este lugar histórico situado junto a la plaza Gendarmenmarkt, alberga un museo privado que organiza conciertos, recitales y debates.Sin embargo, el espíritu de varias generaciones que perdura en sus paredes solo está asegurado hasta finales de 2024. La razón: el propietario del edificio, una sociedad de fondos financieros, ha aumentado drásticamente el alquiler y presiona para que el contrato pueda rescindirse en un plazo breve. Thomas Lackmann, del Meldessohn-Remise, dice que esas son condiciones incumplibles.Desde hace unos 20 años, esta joya del pasado y el presente judío-alemán se financia principalmente con donativos y cuotas de socios de la Sociedad Mendelssohn. Esta asociación, fundada en 1967, dirige el museo y organiza el programa de la sala de exposiciones.El alquiler subirá un 25 por ciento, hasta unos 80.000 euros anuales. "El plazo de preaviso asociado de doce meses ya no permite un trabajo museístico realista", dice Lackmann. La alternativa que se le ofrece tampoco convence: con un plazo de rescisión de tres años, habría que pagar 28.000 euros más.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Último telón para el festival "The Last Rose of Summer"?Si el Mendelssohn-Remise tuviera que cerrar sus puertas a finales de año, el tradicional festival "The Last Rose of Summer" ("La última rosa del verano"), que comienza a mediados de agosto, también diría adiós. Este año actuarán estrellas internacionales como Vladimir Stoupel (piano) y Judith Ingolfsson (viola). El programa también incluye un cuarteto para piano de Fanny Hensel, hermana del famoso Felix Mendelssohn Bartholdy, autor de la "Sinfonía Italiana" y el oratorio "Elías". En el idílico patio interior del Mendelssohn-Remise, con su fuente y sus bancos, hay bustos de los hermanos nacidos en Hamburgo.Según Lackmann, las numerosas y apasionantes historias de la muy ramificada familia Mendelssohn son un modelo de cómo implicarse en la sociedad. Pero para poder continuar con el legado, cree que los políticos tienen una responsabilidad. No obstante, aún no se han adquirido compromisos fiables.Sin financiación permanenteUn portavoz de Claudia Roth, comisaria de Cultura y Medios de Comunicación del Gobierno Federal, dijo que "la financiación institucional a través del presupuesto" de la entidad que dirige "no es posible, pero la organización podría solicitar financiación a través del Fondo Cultural de la Capital".Desde el punto de vista de su director, Thomas Lackmann, esto sólo ayudaría al Mendelssohn-Remise temporalmente. Él y su equipo de voluntarios sólo pueden esperar ayuda de otras fuentes, también de donaciones.Hace poco llegó un cheque de Estados Unidos, de los patrocinadores de un teatro de ópera estadounidense. "Creo que desde fuera a veces se ve con mucho más entusiasmo y sensibilidad lo especial que es este lugar", dice Lackmann.No olvides conectarte con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El gran compositor Ludwig van Beethoven (1770-1827) atravesó dificultades económicas durante toda su vida. Hoy probablemente habría sido un hombre muy rico: sólo los derechos de autor de su Novena Sinfonía, que, en su estreno, hace 200 años, parecía el acto de locura de un compositor sordo, lo habrían convertido en uno de los músicos más ricos del mundo.Sólo el final, conocido como la "Oda a la Alegría", habría bastado. Incluso sólo la melodía sin letra: al fin y al cabo, esos 50 compases de música han servido como himno de la Unión Europea, una unión de 27 estados con casi 450 millones de habitantes, desde 1972. Eso sí: sin letra de Friedrich Schiller - la música de Beethoven resuena en el Parlamento Europeo como una especie de "canción sin palabras". Pero, ¿por qué los europeos de la posguerra eligieron a Beethoven?¿Por qué Beethoven?Su génesis se remonta a más de medio siglo. A finales de los años 60, el Consejo de Europa se propuso encontrar un símbolo musical para una Europa que crecía unida."Sabemos que ya antes de la Comunidad Europea existía un movimiento paneuropeo en el que la música de Beethoven se interpretaba una y otra vez", explica Malte Boecker, director de la Casa de Beethoven, en Bonn. La obra de Beethoven encabezaba la lista de finalistas. Pero no salió elegida sin discusión: "Ya había alternativas a Beethoven que se consideraron seriamente", dice Malte Boecker.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Rápidamente se acordó que no se podía elegir una composición contemporánea, por lo cual se descartó la idea de un concurso, y se recurrió a los "viejos maestros". El compositor George Frideric Handel, nacido en Halle pero londinense por adopción, y el compositor francés Marc-Antoine Charpentier fueron algunos de los otros candidatos."Un himno sin palabras"Sin embargo, en 1972 se eligió a Beethoven para el himno: "Beethoven se asocia con una personalidad europea. Y con su obra, algo que está por encima de una perspectiva puramente nacional", analiza las razones Malte Boecker.Según Boecker, la Sinfonía nº 9 es "la esencia de la música utópica. Música que formula una visión tras la cual muchos pueden unirse". En 1985, la versión instrumental fue adoptada por los jefes de Estado y de Gobierno de la Comunidad Europea como himno oficial de la UE. No sustituye a los himnos nacionales de los Estados miembros, pero es una expresión de los valores -libertad, paz y solidaridad- que comparten todos los miembros y una expresión del lema europeo "Unidos en la diversidad".Karajan como controvertido coautorPero un himno no nace simplemente omitiendo el texto. El majestuoso cuarto movimiento de la Novena Sinfonía dura unos 25 minutos, demasiado para los actos oficiales. El maestro Herbert von Karajan, afamado director de orquesta, se encargó de los arreglos de la música de Beethoven para las ceremonias de Estado. El director titular de la Orquesta Filarmónica de Berlín era una de las figuras centrales de la música mundial, y era apodado el "director Musical de Europa". Eligió los compases 140 a 187 y los arregló para instrumentos de viento.En algún momento, la mención del nombre de Karajan desapareció de la web oficial de la UE. Quizá la UE quería distanciarse de Karajan, cuyo pasado nazi salía cada vez más a la luz. En cualquier caso, se encargaron más arreglos, incluido uno del compositor francés Christian Guyard.Beethoven como europeoQueda la pregunta: ¿qué habría dicho Ludwig van Beethoven sobre la idea europea, sobre su "Novena" como himno de una Europa unida?"Beethoven creció en una época en la que había comenzado la era burguesa", analiza Malte Boecker. "Fue uno de los padres fundadores del movimiento burgués emancipador. En esta época, habría sido un europeo convencido, ¡sin duda!". Y seguramente, el compositor tampoco les habría dicho que no a sus derechos de autor.No olvides conectarte con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El próximo miércoles 24 de julio, en el Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella, la Orquesta Sinfónica Binacional Colombia-Venezuela conmemorará el natalicio del Libertador Simón Bolívar -24 de julio de 1783 en Caracas, Venezuela. A partir de las 7:30 p.m., el público podrá disfrutar de un repertorio que incluye obras maestras de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Dmitri Shostakovich y Franz von Suppé, además, de interpretaciones de música tradicional colombiana y venezolana. La entrada al concierto es libre y con inscripción previa en este enlace.La Orquesta, compuesta por más de 80 músicos profesionales y estudiantes, abrirá el concierto con la Obertura Solemne 1812 de Tchaikovsky, una pieza romántica conocida por su majestuosidad y emotividad, con la que se conmemoró la victoria de la resistencia rusa en 1812 frente al avance de Napoleón Bonaparte. Seguirá la Obertura Festiva de Shostakovich, una composición que fue encargada para la celebración del 37º aniversario de la denominada Revolución de Octubre que terminó con el zarismo en Rusia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Y luego tendrá lugar la Obertura Caballería Ligera de Suppé, una opereta ambientada en el siglo XVIII, en medio del embrollo de la corte del barón von Bredereck y su amante la condesa Ilonka Csikos.Además de esta demostración de la la riqueza y diversidad del repertorio sinfónico clásico, el evento también, contará con interpretaciones de música tradicional de Colombia y Venezuela, destacando los ritmos y melodías que hermanan a ambos países y que resaltan esa herencia cultural compartida. El concierto, además de su variada selección musical, tendrá una sorpresa para los asistentes.La Orquesta Sinfónica Binacional es una iniciativa sociocultural y artística del maestro Eduardo Ortiz, fundada el 11 de abril de 2019, en medio de la coyuntura migratoria entre Colombia y Venezuela. Su misión es promover la integración social y la inclusión a través de la música, brindando una plataforma para músicos migrantes venezolanos, colombianos retornados y residentes en ambos países.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Un compositor me parece como un jardinero al que le dan un terreno de menor o mayor tamaño para cultivar. Tiene la tarea de recoger lo que crece en su tierra, al menos de ordenarlo, de formar un ramo, a lo sumo de convertirlo en un jardín. A este jardinero le corresponde agarrar y dar forma a lo que está al alcance de sus ojos, de sus brazos (su particularidad)".Ferruccio Busoni escribió estas palabras para el diario Melos el 8 de junio de 1924. Unas semanas más tarde, el 27 de julio, el compositor de cincuenta y ocho años murió en Berlín.Busoni había expuesto esta idea en numerosos escritos, sabiendo muy bien durante toda su vida que tal perfección artística era inalcanzable. Y así fue a pesar de que la parcela de tierra que le dieron para el cultivo era del mismo tamaño considerable que sus dotes musicales. Ya a los ocho años, el hijo del virtuoso del clarinete Ferdinando Busoni y de la pianista Anna Weiß-Busoni dio su primer recital de piano en público en Trieste. A la edad de diez años apareció en Viena y agradó tanto a Eduard Hanslick que el crítico estricto se inspiró para escribir las palabras más halagadoras: Sin sentimentalismo precoz ni extravagancia inverosímil, sino alegría ingenua al hacer música. Viniendo de la pluma del todopoderoso Hanslick, este fue el elogio de los elogios.Ferruccio Busoni trabajó desde el principio como compositor y director de orquesta, por lo que ya en 1881 fue nombrado miembro de la Real Academia Filarmónica de Bolonia.Fue aquí donde se publicó en 1883 su oratorio II Sábato del Villaggio. Mientras tanto, la familia Busoni se había mudado a Graz y el joven músico comenzó a sentir la atracción de las ciudades más al norte. Residió un tiempo en Viena y luego se trasladó a Leipzig donde publicó su Cuarteto de cuerda N° 1 en do menor Op. 19. Tres años más tarde le siguió el Cuarteto de cuerda N° 22 en re menor Op. 26. También publicó el primero de sus controvertidos arreglos de Bach en Leipzig. Aunque estos arreglos le generaron muchas críticas, han mantenido vivo su nombre entre el público de conciertos hasta el día de hoy.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Ferruccio Busoni y su esposa se establecieron en Berlín en 1894. Aparte del tiempo que pasó en sus numerosas giras por el extranjero y los años de la Primera Guerra Mundial, la capital alemana siguió siendo el centro artístico de Busoni durante el resto de su vida. Era una casa en el sentido más estricto de la palabra, un lugar donde el jardinero dedicaba su tiempo al cultivo y un punto de encuentro, sobre todo, para los colegas más jóvenes de Busoni, que se beneficiaban de su inaudita variedad de intereses, de sus fuentes musicales de fortaleza y de sus múltiples sugerencias. Busoni fue un hombre cuya influencia en las generaciones posteriores de compositores e intérpretes aún no se ha explorado en profundidad.La música de Ferruccio Busoni es de una complejidad típicamente contrapuntística. A pesar de que sus composiciones no sean nunca completamente atonales, sus obras tardías se distinguen a menudo por una tonalidad indeterminada. Entre los compositores que se citan habitualmente como que tuvieron una influencia decisiva sobre su obra se encuentran Johann Sebastian Bach y Franz Liszt, si bien su música contiene elementos del neoclasicismo y contiene melodías que nos recuerdan a las de Wolfgang Amadeus Mozart.Franz Liszt, maestro para Ferruccio Busoni fue uno de los autores que de forma más sistemática y fructífera se apropió de material sonoro ajeno. Fantasías, variaciones, reminiscencias y rapsodias basadas en temas de ópera encontramos en su catálogo. Liszt atribuía una enorme importancia al piano, explicada de forma muy clara en las siguientes afirmaciones: El piano abarca la extensión de una orquesta; y los diez dedos de un solo hombre bastan para conseguir las armonías producidas por la interacción de más de cien músicos.Podrá escuchar obras maravillosas de Ferryccio Busoni en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 22 de julio a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Para acercarnos a la génesis de esta monumental composición tomaremos apartes de las notas de Christoph Wolff, musicólogo alemán, conocido por sus obras sobre la música, vida y época de Johann Sebastian Bach, que escribió para el sello discográfico Archiv Produktion, tituladas: Música de cantor, estilo de maestro de capilla y arte erudito: consideraciones sobre la historia y la práctica interpretativa de la Missa en si menor de Bach.Dice Christoph Wolff:"… en 1817, el compositor y editor musical suizo Hans-Georg Nägeli calificó la Missa en si menor de Bach como "la obra musical más grande de todos los tiempos y de todos los pueblos".Una declaración sorprendente, por decir lo menos, en una época en la que las obras de Mozart ya eran parte integral de la vida musical y cuando Beethoven estaba en la cima de su gloria. La idea que se tenía de Johann Sebastian Bach era, a principios del siglo XIX, relativamente vaga y, sobre todo, la de un maestro inimitable de la fuga. Conocimos especialmente al compositor de Clave bien temperado, el de los motetes y un gran número de obras para órgano. Pero el Bach de las grandes obras vocales e instrumentales, en particular el de las Pasiones y la Misa en si menor, no lo conocíamos en absoluto. Esta Missa nació a principios de 1733, durante el luto nacional impuesto por el Estado de Sajonia tras la muerte del elector Augusto II. Como toda actividad musical había sido prohibida durante un período de cinco meses, Bach tuvo algo de tiempo libre que aprovechó inmediatamente. Beneficio también en el sentido de que quería rendir homenaje al sucesor al trono, y que al mismo tiempo debía realzar su propio estatus en Leipzig. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Circunscribamos los hechos un poco más de cerca, mirando la Missa de 1733, es decir, el Kyrie y el Gloria de lo que más tarde se convirtió en la Misa en si menor. Durante las fiestas importantes, correspondía al cantor de Santo Tomás interpretar, además de las cantatas, una misa polifónica. Durante sus primeros años en Leipzig, Bach cumplió con este deber interpretando misas menores compuestas por otros maestros. Con la Missa de 1733 se despertó en él un “instinto de maestro de capilla” que lo impulsó a esbozar una composición que establecía nuevas exigencias en relación con un género largamente respetado. Y esto se manifiesta tanto en la inusual distribución vocal, porque tiene cinco voces, como en la particularmente extensa distribución instrumental, pero también y sobre todo, en la importancia de las dimensiones: ¡la ejecución del Kyrie y el Gloria requiere una hora!".Carlos Tarín en la revista de música clásica melomanodigital.com se refiere en estos términos a la ‘culminación’ de la Missa BWV 232 de Bach:"Después de no pocos estudios, parece que se ha fijado la fecha de composición y agrupamiento de las restantes partes entre 1747 y 1749; es decir, al final de la vida de Bach, un dato nada desdeñable para una visión de conjunto, y una sensación que puede alejarnos de una concepción puramente funcional (escrita para algo o alguien), o que respondiese a un ejercicio teórico, como también se ha sugerido. Fue el momento de reunir viejas piezas queridas, como el Sanctus en Re mayor (aunque no completo), interpretado por primera vez en el día de Navidad de 1724, la mencionada Missa a Augusto III y el Symbolum Nicenum (Credo), y números de distintas cantatas. Y también es ahora cuando adquiere verdadera forma la colosal obra, al enlazarse y cobrar sentido cada una de sus partes, que por fin forman un todo, original en la medida en que cobran nueva vida al unirse".La versión que se presentará de esta monumental obra estuvo a cargo de: Nancy Argenta, Lynne Dawson, Jane Fairfield, Jean Knibbs, Patrizia Kwella, Michael Chance, Patrick Collin, Ashley Stafford, Wynford Evan, Howard Milner, Andrew Murgatroyd, Richard Lloyd Morgan y Stephen Varcoe, acompañados por el Coro Monteverdi y la Orquesta de Cámara The English Baroque Soloists bajo la dirección de John Eliot Gardiner.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 21 de julio a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La Orquesta Filarmónica Prejuvenil de Bogotá abre sus convocatorias para el segundo semestre, dirigida a jóvenes entre 10 y 17 años, con el objetivo de encontrar violinistas y trombonistas con talento excepcional que deseen unirse a la filarmónica.Los interesados deben ingresar a la página filarmonicabogota.gov.co, dirigirse a la pestaña de noticias, buscar la sección de convocatorias y localizar la oferta correspondiente. En este apartado, encontrarán todos los requisitos necesarios para la convocatoria, entre los que se encuentran realizar un video con la audición.Quienes sean seleccionados, deberán tener en cuenta que es fundamental contar con disponibilidad de tiempo para los ensayos que se realizan los martes, miércoles y jueves a partir de las 5:30 p.m., y los sábados de 8:00 a.m. a 12:00 m.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Este programa ofrece una oportunidad única para que los niños, niñas y jóvenes músicos socialicen en torno a intereses comunes, potencien sus capacidades y fortalezcan mucho más sus aptitudes.David García, Director General de la Filarmónica de Bogotá, resaltó la importancia de esta agrupación en los procesos de formación, y señaló que: “La Orquesta Filarmónica Prejuvenil no solo contribuye al crecimiento musical de nuestros niños, niñas, jóvenes y adolescentes, sino que también es un espacio esencial para su desarrollo personal. Aquí, adquieren disciplina, trabajo en equipo y confianza en sí mismos, habilidades que les serán útiles en todos los aspectos de su vida.”Finalmente, es importante señalar que quienes integren la Orquesta Filarmónica Prejuvenil de Bogotá podrán presentarse en algunos de los escenarios más importantes de la ciudad, llevando su talento al público capitalino.Las convocatorias estarán abiertas hasta el 22 de julio de 2024.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
De entre todos los descubrimientos relacionados con la vida musical de la ciudad de Dresde, no cabe duda que el de Johann David Heinichen ha sido el que ha tenido mayor repercusión en los últimos años. Heinichen, maestro de capilla en la corte desde 1717, compuso numerosas piezas religiosas y profanas.Johann David Heinichen desde muy niño mostró considerable habilidad musical e ingresó en la escuela de Santo Tomás de Leipzig en 1705, donde su educación incluía lecciones de clavecín y órgano con Johann Kuhnau, a quien impresionó tan favorablemente que lo nombró su asistente, con la responsabilidad de copiar y corregir los propios manuscritos de Kuhnau.Su actividad musical se desarrolló entre la composición y el oficio de teórico. En el primer campo su obra abarca casi todas las formas populares de su época, a excepción de la música para clavecín.El estilo de Johann David Heinichen es una mezcla de idiomas musicales de Alemania, Francia e Italia, por esta razón su carácter se acerca más al estilo galante o al preclásico, que a la reminiscencia de las complejidades contrapuntísticas del Barroco.El violinista y director de orquesta alemán Reinhard Goebel escribió sobre Johann David Heinichen lo siguiente:💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Heinichen embelleció acústicamente la "década dorada" de Augusto el Fuerte. Al principio demostró sus habilidades en la música que escribía para festivales seculares, incluidas tres serenatas para los Príncipes Herederos, pero después de una famosa disputa con el castrato Senesino por una ópera destinada a la temporada de carnaval en 1720, parece haberse dedicado a se dedica exclusivamente a la música sacra. Éste no era un campo nuevo, ya que había tenido cierto éxito en él antes de su viaje a Italia.Las dieciséis cantatas "alemanas" supervivientes lo muestran como el alumno experto de Kuhnau y, además, uno que había cogido el virus de la italianità que llegaba desde Dresde en una etapa temprana de su carrera.Belleza, proporción, refinamiento formal y vocalità apropiada se encuentran entre las cualidades que deben admirarse en la música sacra de Heinichen para Dresde. Cada una de las tres Lamentationes Jeremiae que compuso en 1724 comienza con una breve y emblemática vocalización de una letra diferente del alfabeto hebreo: aleph, waw y yodh; la carta en cuestión va seguida de recitativos silábicos o arias expansivas y melismáticas que establecen versos de Jeremías".El Oratorio tedesco al sepolcro santo de Johann David Heinichen se estrenó en Dresde el mismo Viernes Santo en el que se estrenó, en Leipzig, la Pasión según San Juan de Bach. En este Heinichen muestra la habilidad para manipular los medios musicales y formales a su disposición, al tiempo que aprovecha el contenido afectivo y emocional del texto.Podrá escuchar obras maravillosas de Johann David Heinichen en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 15 de julio a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Acis y Galatea HWV 49 es una obra musical de Händel, con texto en inglés de John Gay. La obra se ha descrito de diversas maneras: como una serenata, una pastoral u ópera pastoral, una pequeña ópera, un oratorio, o como la describió el propio compositor en una carta mientras la escribía, un entretenimiento, una mascarada, la forma de entretenimiento cortesano que floreció en Europa a finales del siglo XVI y principio del XVII.Acis y Galatea de Händel se estrenó en 1718 en base a un texto del dramaturgo y poeta inglés John Gay, que basó su historia en Las metamorfosis de Ovidio.Acis y Galatea son dos jóvenes amantes que celebran su amor. El gigante Polifemo también está enamorado de Galatea y se muestra celoso y agresivo con la pareja. Polifemo mata a Acis con una piedra, pero Galatea, al ser una diosa, transforma a Acis en una fuente.En Canto y Música Coral escucharemos la versión de 1718 de Acis y Galatea (en un acto), que cuenta con el siguiente reparto: Galatea: Norma Burrowes, Acis: Anthony Rolfe Johnson, Damon: Martyn Hill y Polifemo: Willard White junto a los Coros y Orquesta de Cámara English Baroque Soloists bajo la dirección de John Eliot Gardiner.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Aquí el argumento y acción de Acis y Galatea, de Georg Friedrich Händel.El cíclope Polifemo regresa a Trinacria (Sicilia) y descubre, para su enojo, que los antaño fieles súbditos rinden culto ahora a Galatea, deidad marítima. Consigue Polifemo, perdonándolos, que los habitantes de Trinacria vuelvan a sus antiguos hábitos y creencias. Acis, un pastor que al ver a Galatea quedó prendado de su belleza, lamentando estar comprometido con Doris, quien le recrimina y le devuelve el pequeño retrato que el pastor le había obsequiado. Éste lo arroja al mar poco antes de irrumpir en escena Galatea con su hermano Glauco —enamorado de Doris y no correspondido— y su corte de ninfas. Glauco encuentra el retrato de Acis y lo entrega a Galatea, que, a pesar de enorgullecerse de ser inmune al amor, se enamora al instante del retratado. Polifemo contempla oculto la escena y, cuando Galatea ha quedado sola, piensa en darle muerte, para impedir que su pueblo tenga nuevas tentaciones de venerarla. En el momento de levantar una piedra para asesinarla, Galatea se vuelve hacia Polifemo, el cual contempla la belleza de la diosa marítima y se enamora en el acto. Rendido, él mismo encabeza a los trinacrios en sus actos de pleitesía a Galatea.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 14 de julio a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Querido en la capital catalana desde hace más de tres lustros, el director venezolano Gustavo Dudamel recibió este miércoles el título de 'Amigo de Barcelona', reconocimiento honorífico a una figura que cree en el "poder transformador" de la música y que ha hecho de ella "un instrumento de transformación social".Dudamel fue distinguido por su "defensa de los valores de la igualdad y la lucha contra la pobreza, la excelencia musical y su vínculo con la ciudad de Barcelona", y se une a un listado que incluye, desde los años noventa, a personalidades como la guatemalteca Rigoberta Menchu o el chileno Ricardo Lagos.El alcalde de la ciudad, el socialista Jaume Collboni, destacó en su discurso la "contribución" del músico en la consolidación de Barcelona como una de las capitales de la música clásica, además de destacar los valores que comparte con la ciudad, como son los de la "cultura de la paz y el sentido de la justicia social, la lucha por un mundo más respetuoso".El alcalde recordó que Dudamel es hijo del Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, una obra social y cultural de su país, fundado en 1975 por el maestro venezolano José Antonio Abreu.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sentirse en Barcelona como en casaEl homenajeado, acompañado por parte de su familia, como sus padres y su hijo, mostró su agradecimiento por el reconocimiento, y resaltó que en Barcelona siempre se ha sentido como en casa, desde que actuara por primera vez en 2008.Dudamel agradeció todo lo aprendido gracias al Sistema creado por Abreu, hasta el punto de proclamar que es el "resultado de ese sueño, de hacer que la música sea algo accesible para todos, de su poder transformador de la sociedad".Citando al escritor español Miguel de Unamuno, el venezolano incidió que la identidad que hay que darle al pueblo es la de la cultura y abogó en pro de que el arte sea siempre "transgresor"."Estoy infinitamente agradecido de llamarlos mis queridísimos amigos, de ser llamado amigo de esta extraordinaria ciudad, así como de poder compartir la belleza con todos ustedes y también el amor, la alegría, la esperanza que la cultura, la música y el arte nos ofrecen", concluyó.Al acabar su discurso, y para sorpresa de todos, Dudamel no dudó en acompañar al violín a los niños de la asociación musical Vozes, que interpretaron dos temas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El monasterio de San Hilarión, ubicado en el sur de Gaza, fue inscrito como Patrimonio de la Humanidad e inmediatamente incluido en la lista de lugares en peligro "en vista de las amenazas que suponen para este sitio el conflicto en curso", indicó la Unesco en un comunicado.Fundado en el siglo III pero en ruinas desde que fue destruido en el año 614, su nuevo estatus le permitirá "un mayor acceso a los mecanismos de asistencia financiera y técnica internacionales".Durante la reunión anual del organismo de la ONU, que se celebra en Nueva Delhi, también se decidió incluir en la lista de Patrimonio de la Humanidad al brasileño Parque Nacional de Lençóis Maranhenses. Se trata del mayor campo de dunas de Sudamérica, con 155.000 hectáreas de extensión y que alberga una amplia biodiversidad."Este es el 24º sitio brasileño inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial de la Unesco. Me gustaría felicitar a Brasil por su firme compromiso con la protección de su patrimonio cultural y natural”, declaró la Directora General de la Unesco, Audrey Azoulay, tras la inscripción de la propiedad.En total, la Unesco reconoció trece localizaciones por su excepcional valor.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La anfitriona India vio incluido en la lista el sistema de túmulos funerarios de la dinastía Ahom, en el estado nororiental de Assam. Los Tai-Ahom crearon túmulos funerarios durante 600 años acompañados por banianos y otros árboles, además de crear masas de agua artificiales."Este reconocimiento subraya los esfuerzos del Servicio Arqueológico de la India (ASI) y del Gobierno de Assam a la hora de preservar estos tesoros históricos", afirmó el viceministro de Cultura y Turismo del país asiático, Gajendra Singh Shekhawat, en un comunicado.China vio inscritas en la lista dos localizaciones: los santuarios de aves migratorias en el litoral del Mar Amarillo y del Golfo de Bohai, así como el desierto de Badain Jaran, el tercero mayor del país.El asentamiento rural del siglo quinto Umm Al-Jimal en el norte de Jordania, la cueva de Vjetrenica en Bosnia Herzegovina, o los yacimientos arqueológicos que documentan la aparición de la humanidad moderna en Sudáfrica fueron otros de los lugares registrados como Patrimonio de la Humanidad.Francia, el Reino Unido, Etiopía y Burkina Faso también vieron reconocidos lugares en la lista de la Unesco, que extendió la inclusión de las colonias de la iglesia morava a tres municipios fundados en el siglo XVIII en Alemania, Estados Unidos y el Reino Unido.Está previsto que las deliberaciones para inscribir nuevos bienes continúen en Nueva Delhi hasta el domingo, con la inclusión de más de una veintena de sitios a debate.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este viernes 26 de julio llega al centro de Bogotá la tercera edición de ‘Tardeando el centro’ una iniciativa liderada por la Fundación Gilberto Alzate que una amplia oferta cultural en más de 35 establecimientos entre teatros, galerías, museos, bares, librerías, espacios culturales independientes, hostales, hoteles, cafés y restaurantes de la zona.Las actividades, que irán desde la 1:00 p. m. hasta las 11:00 p. m., están enmarcadas además en la estrategia distrital ‘El Centro Vive’, en alianza con ‘I Love la Candelaria’, con la que se busca promover la asistencia masiva de la ciudadanía a actividades artísticas y culturales por medio de cooperaciones con diferentes organizaciones y agentes del ecosistema cultural y creativo del corazón de Bogotá.“En la FUGA venimos trabajando de manera articulada con universidades, salas de teatro y de exposiciones, entidades públicas y privadas y establecimientos comerciales del sector, con el fin de consolidar una oferta artística y cultural robusta que permita a todos los ciudadanos vivir el Centro desde su multiculturalidad. Los invitamos a todos a ‘tardear’ el Centro con nosotros”, expresó Blanca Andrea Sánchez, directora de la FUGA, en le marco del estreno de esta actividad el pasado 31 de mayo.Además de la agenda cultural, en esta edición también se realizará el lanzamiento de la estrategia “Fúgate al Centro y Camina Seguro”, proyecto que busca revitalizar y resignificar el espacio público, haciendo especial énfasis en la Plaza la Concordia, el Parque Santander y la Media Torta Girardot.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Al evento, que tendrá lugar en la Plaza La Concordia a las 5:00 p. m., asistirá el alcalde de Bogotá, Carlos Fernando Galán y se expondrán los pilares del proyecto: recuperación y resignificación del espacio público, inclusión y participación comunitaria, y fortalecimiento del capital social.“Queremos que la integración de estos lugares en la cotidianidad de los residentes y visitantes promueva entre la comunidad la vigilancia natural, la reducción de violencias y la mejora de las percepciones generales en estos sectores de Bogotá, nuestra ciudad, nuestra casa”, señaló Sánchez.Por otro lado, entre las actividades destacadas de esta jornada, I Love Candelaria presentará una tarde a bordo del emblemático Tranvía de Bogotá, mientras que en CityU, la ciudadanía podrá disfrutar del Coro Filarmónico Prejuvenil.Para los interesados en el emprendimiento, la Feria del Distrito ARCU abre sus puertas. La oferta musical en vivo incluye a Sergio Arias con MalAlma en el Hostal Fátima y a Lady Arias en el Hostal El Botánico. El Restaurante Temático ofrecerá un espectáculo de Pop Art, Rock and Roll y Circo, mientras que en La Kzona se podrá disfrutar de "Arrullo con Marimbas" con artistas del Pacífico. Además, el restaurante "Casa de Citas" presentará al grupo musical "Los Cuatro de Belén de Cuba".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'Sauce ciego, mujer dormida' incorpora seis relatos cortos de tres recopilatorios de Murakami y se proyectará en 43 cines del archipiélago japonés, la gran mayoría en la región de Kanto (este), donde se encuentra la capital del país, y en la región de Kansai (oeste), donde se ubican importantes ciudades como Osaka o Kioto.El filme llega a las salas japonesas con el visto bueno de Murakami, que el pasado junio se unió a Foldes para dialogar en directo tras una proyección de la película en un festival literario de su alma mater, la Universidad de Waseda, organizado por la Casa Internacional de la Literatura, biblioteca construida en su honor.El escritor elogió allí la adaptación cinematográfica de Foldes y señaló la aparición por primera vez en la gran pantalla de Frog, un personaje reconocido entre sus lectores.El filme de Foldes es una de varias adaptaciones al cine de relatos del autor nipón que han cobrado cierto protagonismo, como 'Burning' (2018), del director surcoreano Lee Chang-dong (adaptación del relato 'Barn Burning'); o 'Drive My Car' (2021), del japonés Ryusuke Hamaguchi, ambas galardonadas con prestigiosos premios, esta última con el Oscar a mejor largometraje internacional en 2022.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La película animada, de 108 minutos de duración, se estrenó en 2022 y su lanzamiento japonés llega este mes de julio con especial interés por ser la primera adaptación a la animación de una obra de Murakami, uno de los novelistas japoneses más prestigiosos a nivel global y que cuenta con libros reconocidos como 'Tokio Blues' (1987), 'Sputnik, mi amor' (1999) o 'Kafka en la orilla' (2002).Murakami, eterno nombre en las quinielas del Premio Nobel de Literatura, posee otros importantes galardones como el Frank Kafka o el Yomiuri de Literatura, y en 2023 recibió el Premio Princesa de Asturias de las Letras de España, que se sumó a la Orden de las Artes y las Letras y al Premio Internacional de Cataluña que recibió por parte del Estado español en 2009 y 2011, respectivamente.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La inscripción del parque nacional en el listado de la Unesco se aprobó durante la reunión anual del organismo que se celebra en Nueva Delhi. Esta decisión llega siete años después de que Brasil nominase el parque para entrar en la ansiada lista, que le confiere un mayor grado de protección y facilita el acceso a apoyo financiero.Ubicado en el estado de Maranhao, la ficha del parque elaborada por Brasil lo describe como "uno de los destinos más bellos del país" y "un paisaje que no se encuentra en ningún otro lugar del planeta"."Este es el 24º sitio brasileño inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial de la Unesco. Me gustaría felicitar a Brasil por su firme compromiso con la protección de su patrimonio cultural y natural”, declaró la Directora General de la Unesco, Audrey Azoulay, tras la inscripción de la propiedadGracias a la entrada a la lista, "este impresionante paisaje de dunas y lagunas, modelado por condiciones climáticas y geológicas excepcionales, se beneficiará del más alto nivel de protección internacional", aseguró.El órgano de áreas protegidas ya había destacado su importancia estética, la biodiversidad que acoge y su valor por representar etapas importantes de la historia de la Tierra.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El parque está compuesto por alrededor de 90.000 hectáreas de dunas móviles que van desde los diez a los treinta metros de altura, y que dan lugar a un fenómeno inusual cuando llueve y el agua queda atrapada en la parte baja de las dunas, sin filtrarse al subsuelo por la presencia de una capa de roca, lo que crea lagunas de varios colores.Además, acoge 133 especies de plantas y 112 especies de aves, algunas de ellas endémicas o amenazadas. El lugar obtuvo la calificación de parque nacional en 1981.Las deliberaciones para inscribir nuevos bienes está previsto que continúen hasta el domingo. En total, la Unesco debatirá la inclusión de más de una veintena de sitios en su listado.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Se acerca el estreno en Colombia de una de las películas más aclamadas en la edición número 77 del Festival de Cine de Cannes, La sustancia (The substance). Bajo la dirección de la cineasta francesa Coralie Fargeat, está película obtuvo el premio al Mejor guion durante el festival tras su estreno.Ahora, el 26 de septiembre llegará a los cines del país con una apuesta espeluznante que le da la vuelta a la cultura de la belleza tóxica, centrada en el consumo excesivo, la superficialidad y el control sobre el cuerpo de la mujer a través de la fábula de “cuidado con lo que deseas”.Protagonizada por las estrellas de Hollywood, Demi Moore, Margaret Qualley y Dennis Quaid esta provocadora película ofrece una visión única de la belleza desde la perspectiva de la directora.“The Substance es una película sobre el cuerpo de las mujeres. Sobre cómo los cuerpos de las mujeres son escrutados, fantaseados y criticados en el espacio público. Sobre lo mucho que, como mujeres, se nos hace creer que no tenemos más remedio que ser perfectas/sexys/sonrientes/delgadas/jóvenes/bellas para ser valoradas en la sociedad. Y lo imposible que es para las mujeres escapar de esto, por muy educadas, fuertes de mente e independientes que seamos”, comenta Fargeat sobre su película.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En la cinta, Demi Moore interpreta a Elisabeth Sparkle, una antigua estrella que ya pasó por la cúspide de su carrera y a la que Harvey (Dennis Quaid), el repelente jefe del estudio, despide repentinamente de su programa de fitness. Ante el panorama desolador se ve atraída por la oportunidad que le brinda una nueva y misteriosa droga: la sustancia.Al acceder a la sustancia logra renacer temporalmente como la atractiva Sue (Margaret Qualley), de nuevo joven, en la llamada ‘flor de la vida’, perfecta. Sin embargo, para lograrlo debe ceder al punto de habitar cada cuerpo, el joven y el suyo, durante una semana cada uno.“Creo firmemente que esta es nuestra cárcel. Una cárcel que la sociedad ha construido a nuestro alrededor y que se ha convertido en un instrumento masivo de control y dominación. Una cárcel que creemos que queremos para nosotros. Y esta película está diciendo: ya es hora de mandar a volar todo esto por los aires”, comenta la directora sobre los cánones de belleza y la crítica que plantea esta historia.Vea aquí el primer tráiler de ‘La sustancia’:🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.