En marzo de 1952, una niña de apenas once años era ovacionada con una estruendosa lluvia de aplausos tras interpretar el Concierto en Re Mayor para piano y orquesta de Haydn en el Teatro Ópera de La Candelaria. “La niña pianista” la llamó la prensa en esa ocasión con la misma fuerza que aplaudía el público consagrándola como una joven promesa que habría de revolucionar la música nacional. Y no se equivocaron.Hoy, a sus 81 años, Blanca Uribe recuerda con nostalgia aquel suceso con la misma lucidez con la que interpreta de memoria las notas del concierto de piano de aquel momento que le cambió la vida. “El piano me eligió a mí”, dice. "Nací en una familia de músicos: mi papá, mis tíos y tías, mis abuelos y mi bisabuela, todos eran músicos". Y allí comenzó todo. Su formación musical fue influenciada por las constantes reuniones de su familia que terminaban en interminables conciertos."Mi papá era un gran músico que tocaba la flauta, el clarinete y el saxofón, así como el violín y el chelo. Mis tías en cambio, tocaban piano", recuerda. Sus primeras lecciones formales de piano las tomó al lado de su abuela, María García de Uribe, quien iba a almorzar a su casa una vez a la semana. Y se volvió una tradición. "Para mí era un juego", agrega. Las clases duraron un poco más de un año, hasta que Blanca fue invitada al Conservatorio de Bogotá, ciudad en la que trabajaba su padre.Desde su llegada a la capital, sus primeras cuitas musicales estarían marcadas por tres maestros que le enseñaron el camino que la conduciría a convertirse en una auténtica maestra de piano: Elvira Pardo de Escobar, en Bogotá; el maestro Pietro Mascheroni, en Bellas Artes, una vez se muda a Medellín. Finalmente, en esa academia conoció a Lucía Manighetti, una profesora italiana formada en el Conservatorio Verdi que llevaba varios años en el país. “Ella le dijo a mi papá que había talento”.Después de esa memorable interpretación por primera vez en el Teatro Colón junto al también pianista antioqueño Darío Gómez Arriola, la Orquesta Sinfónica de Antioquia se interesó por su talento y con la que haría varias presentaciones. A sus trece años, tras una corta gira de conciertos, Blanca viajó a Kansas para estudiar piano en un conservatorio y al cabo de tres años y medio, viajó a Viena, donde fue apadrinada por Diego Echavarría Misas, quien le regaló un piano Steinway alemán comprado en Hamburgo e importado a América y que ahora se impone en la sala de su casa.“Mi papá me preguntaba: ‘¿No te da miedo irte por allá?’ Aunque yo me hacía la fuerte, en realidad me moría del susto en el viaje", cuenta entre risas. Aunque no fue fácil su travesía por el viejo mundo, sin embargo logró traer de vuelta a Colombia un par de premios bajo el brazo y el prestigio de llevar una beca de la OEA para seguir especializándose en música en la Escuela Julliard de Nueva York.En 1969, se presentó a una audición en el prestigioso Vassar College. Ganó la plaza como profesora y permaneció en esa institución durante 36 años. "Después de que me dieron el puesto, me gustó mucho la calidad de los alumnos. Todos tenían un nivel intelectual altísimo", recuerda. Pese a que pasó un largo tiempo fuera del país, nunca se sintió en casa. Sus raíces estaban en Colombia. "Aunque los paisas podemos nacer donde nos dé la gana, este ha sido mi lugar y siempre quise volver", dice.Pese a ese deseo, en los años ochenta, las bombas, le narcotráfico y la pelea entre carteles de droga le hicieron saber que no era el momento de volver. No sería hasta 2003, en uno de sus año sabáticos, cuando Blanca finalmente regresó al país para dar un curso de pregrado en Música en la EAFIT dirigido a profesores y estudiantes a través de una invitación que le hizo la maestra Cecilia Espinosa."Esa es quizás una de las mejores decisiones de mi vida", afirma. Desde el 2005, la maestra Blanca pianistas de pregrado y de maestría de la facultad de música y en mayor de 2013, se convierte en la primera profesora emérita de la EAFIT, una distinción que le fue entregada por Juan Luis Mejía, rector de esa institución; desde entonces, este reconocimiento se le otorga a los docentes cuya trayectoria haya sido destacada de manera excepcional por sus contribuciones al progreso académico y prestigio de esa universidad. Con añoranza recuerda que “en ese momento estaba tranquila porque pensaba que la distinción de ser emérito era para varios, hasta que me llamaron al escenario, me dio pena y nervios”.Finalmente, en medio de la conversación, evoca los grandes momentos de su vida en el escenario, como el concierto en la que fue solista junto a la Orquesta de Filadelfia, o cuando en Berlín interpretó el Concierto para piano No. 4 de Ludwig van Beethoven y su gira por Polonia y por los países del Este. Pero el tiempo ha pasado, y con él, las nuevas generaciones de públicos que asisten a sus conciertos donde al terminar la última nota, se alzan en una lluvia de aplausos y vítores. "Mi público en Colombia hoy en día es variado. Hay mucho joven y eso es magnífico. Es un público muy entusiasta. Es maravilloso ver la cantidad de personas con deseos de ser músicos".
Una historia de superación, rechazo y éxito. En eso se resume la vida de Andrea Bocelli, quien con su persistencia y talento ha logrado vender en las últimas décadas más de ochenta millones de discos alrededor del mundo y convertirse en uno de los cantantes líricos más populares de la actualidad.Bocelli nació con un glaucoma congénito que le provocó una ceguera parcial y a los 12 años, mientras jugaba futbol, sufrió un fuerte golpe en la cabeza que le provocó la pérdida total de la visión. Pero la pasión por la música se despertó en él a muy temprana edad cuando quedó fascinado al escuchar la ópera que sonaba en una habitación cercana a la suya mientras permaneció en una clínica de Turín.Con 14 años, ganó un concurso de jóvenes talentos y trabajó en algunos locales nocturnos para pagar las clases de canto que le impartía el tenor Franco Corelli y que él costeaba por su cuenta. “Nunca en tu puta vida serás un cantante”, le dijo un productor una noche después de una actuación en el cabaret donde solía tocar cuando era apenas estudiante para pagar su carrera de derecho.En 1994, ganó el famoso Festival de la Canción de Sanremo y su popularidad rápidamente creció como la espuma. Desde ese momento comenzó a batir récords de ventas en varios países. Sin embargo, siguió lidiando con el rechazo de los críticos musicales y los productores que a regañadientes, no lo veían como un candidato idóneo para interpretar la ópera. Estas memorias hacen parte de la novela autobiográfica La Música del silencio que el mismo Bocelli escribió en 1999 y que en 2017 el director británico Michael Radford adaptó para llevar a la pantalla grande.En mayo de 2020, Bocelli reveló que él junto a su esposa y dos de sus tres hijos se contagiaron de coronavirus en marzo y que ya habían superado la enfermedad. Ante el hecho, el cantante lírico decidió donar plasma para un estudio que busca un tratamiento experimental para pacientes graves.A sus 63 años, el tenor italiano ha logrado una larga carrera que incluye un repertorio de diez óperas: Andrea Chénier, Carmen de Gerges Bizet, Cavalleria Rusticana de Pietro Mascagni, Il Trovatore de Giuseppe Verdi, La Bohème y Tosca de Giacomo Puccini, Manon Lescaut de Abate Prévost, Pagliacci de Ruggero Leoncavallo, Roméo et Juliette de Charles Gounod y Werther de Jules Massenet.
Del 9 de septiembre al 3 de octubre de 2021, se celebrará en Colombia el X Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá cuyo tema central será el amor. Un evento único en el continente americano que, a pesar de las adversidades de la pandemia, sigue uniendo aliados, artistas, público general, y televidentes a través de las músicas sagradas, espirituales, meditativas, contemplativas, del mundo.El Festival, dedicado a promover la unión, el diálogo, una cultura de paz y la reconciliación entre pueblos, presenta música de diferentes estilos y épocas. Desde música ambrosiana, gregoriana, bizantina, del renacimiento, del barroco –Europeo y Americano-, clásica, del Romanticismo y hasta contemporánea. También tiene una selección de músicas tradicionales espirituales propias de África, Asia, Medio Oriente y América Latina. La imagen oficial de la celebración de los 10 años del Festival, titulada “Clarinete”, fue realizada y donada por el artista colombiano David Manzur. Países invitadosSuiza, Francia, República Checa, Italia, España, Israel, Estado Unidos de América, Alemania, Hungría y Colombia, son los 10 países que son parte del décimo aniversario, una cita cultural imperdible.Los eventosSon 36 eventos los que conforman la programación de este año: 16 Conciertos, 4 clases magistrales y 16 charlas. Los eventos serán presenciales, con aforo limitado, inscripción previa, venta de boletería, presentación del carnet de vacunación o prueba PCR al ingreso, y para los que no quieran perderse el Festival desde sus casas, se transmitirán todos los conciertos por la plataforma digital del Festival www.festivalmusicasacra.com y por televisión a través de Canal Capital todos los viernes, sábados y domingo del 10 de septiembre al 3 de octubre de 2021.Los EscenariosEl Museo Nacional, la Iglesia de San Ignacio, la Iglesia Nuestra Señora de Lourdes, la Capilla del Sagrario, la Iglesia del Voto Nacional, el Auditorio del Centro Cultural y Educativo Reyes Católicos, el Teatro Estudio del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, la Catedral de Sal de Zipaquirá, la Catedral Primada de Colombia, entre otros, serán los escenarios de este encuentro musical en su aniversario N. 10.Los Campanarios de ColombiaEn conmemoración de los 10 años del Festival, la Corporación Cultural InterColombia, entidad organizadora del Festival, adelanta una investigación sobre Los Campanarios de Colombia. Una publicación que tiene como finalidad presentar en fotografía los campanarios más representativos del país, acompañado y documentando información con una perspectiva histórica, culturológica, musicológica, religiosa y arquitectónica. Esta investigación es el aporte que la organización quiere ofrecerle a la Nación en los primeros 10 años del Festival.
Deutsche Grammophon, el prestigioso sello alemán de música clásica, trae este mes algunas novedades dentro de su repertorio musical, entre las que se cuentan nuevos lanzamientos de artistas, reediciones y lanzamientos de colecciones especiales con material restaurado de alta calidad.Sofia Gubaidulina - Andris Nelson · Vadim RepinSe cumplen 90 cumpleaños de Sofia Gubaidulina, una de las principales compositoras de la actualidad, con tres obras orquestales profundas y espirituales, todas ellas grabadas por primera vez. Andris Nelsons dirige la Gewandhausorchester Lepzig, con el solista Vadim Repin.Bach: The Art of Life - Daniil TrifonovDaniil Trifonov regresa con un álbum dedicado a Johann Sebastian Bach, explorando las dimensiones científicas, emocionales y espirituales del cosmos de Johann Sebastian Bach, su fe, su familia y su mundo. El álbum, que se lanzará el 8 de octubre de 2021, estará disponible en CD, vinilo LP y para descargar, incluida la nueva experiencia de escucha espacial de alta calidad de Dolby Atmos.Piano Concertos - Géza AndaCon motivo del centenario de Géza Anda en noviembre, su grabación de los Conciertos para piano números 21 y 17 de Mozart de 1968 se reedita en vinilo con la obra de arte original.Mozart & Contemporaries - Víkingur ÓlafssonPara su último álbum, Ólafsson presenta algunas de sus obras de teclado de Mozart favoritas en compañía de piezas de una selección de los principales contemporáneos del compositor. Yuxtaponiendo obras de Mozart, Haydn y CPE Bach con Galuppi y Cimarosa, raramente grabados, Mozart & Contemporaries disipa la imagen de Mozart como el sabio angelical y prodigioso, en lugar de presentar a un compositor maduro a través de la música que data principalmente de la década de 1780: un ingenioso trabajador que había llegado a conocer la adversidad.Symphonies No. 1 & 3 - Yannick Nézet-SéguinEn 1933, la Sinfonía n. ° 1 de Florence Price fue la primera obra sinfónica de una mujer negra interpretada por una importante orquesta estadounidense, y la tercera fue compuesta en medio del Renacimiento de Chicago. Las dos sinfonías, interpretadas por la Orquesta de Filadelfia y dirigidas por Yannick Nézet-Séguin, se estrenarán el 24 de septiembre de 2021.Dvorak - Cello Concerto - Anja ThauerAnja Thauer, nacida en 1945 y considerada “la Jacqueline du Pré alemana”, asombró al mundo musical con su grabación de 1968 del Concierto para violonchelo de Dvořák.Chopin, Piano Concerto No. 1 - Maria João PiresComo parte de The Chopin Masters , Deutsche Grammophon presenta el primer lanzamiento de la grabación de 1991 dela pianista portuguesa Maria João Pires del Concierto para piano n. ° 1 del compositor polaco Frédéric Chopin con la Royal Philharmonic Orchestra y André Previn.Enargeia - Emily D'AngeloDesafiando las convenciones y superando los límites, Emily D'Angelo es una nueva fuerza musical a tener en cuenta. La mezzosoprano ítalo-canadiense de 26 años ya tiene una gran demanda en los principales teatros de ópera y salas de conciertos del mundo. La semana pasada hizo un papel muy aclamado y debutó en el house como Sesto en La clemenza di Tito en la Royal Opera House, Covent Garden, en una nueva producción dirigida por Richard Jones y dirigida por Mark Wigglesworth. Este, su álbum debut, incluye piezas originales de Mazzoli y Snider, así como dos impresionantes obras vocales de la ganadora del Oscar Hildur Guðnadóttir. Amata Dalle Tenebre - Anna NetrebkoAnna Netrebko presenta una deslumbrante variedad de arias de soprano icónicas de Verdi, Wagner, Strauss, Puccini, Cilea y Purcell en su primer álbum en solitario en 5 años, un nuevo proyecto visual y de grabación que presenta algunas de las arias más poderosas y conmovedoras de la ópera. También está disponible la Edición Deluxe que presenta una película musical en Blu-ray sobre Anna Netrebko con imágenes detrás de escena y entrevistas exclusivas filmadas principalmente en el Teatro alla Scala de Milán justo después de la grabación del álbum, explora las prácticas performativas de Anna para encarnar a diferentes heroínas y sus historias. Enmarcada por una entrevista genuina en la que Anna comparte ideas poco comunes sobre sí misma, así como sobre la música, la película sigue las cuatro arias a medida que se traducen a la pantalla, cada una con un lenguaje y estilo visual únicos. Aida, Lisa, Dido e Isolde cobran vida en una serie de experimentaciones visuales.Complete Orchestral Recordings on DG - Karl BöhmComplementando el set de 70 CD de Karl Böhm Opera & Vocal y marcando el 40 aniversario de su fallecimiento, se publica sus Complete Orchestral Recordings hechas en Deutsche Grammophon.
Por más de dos siglos, músicos, historiadores y restauradores han estudiado detenidamente este misterio que hasta hoy, la ciencia no acaba de develar: el sonido del violín Stradivarius. Y no es necesario ser un experto en música para haber escuchado alguna vez que estos instrumentos son los mejores violines que jamás se hayan construido en la historia, pues su sonido es incomparable.En la actualidad, la ciencia aún no ha comprendido cómo estos instrumentos creados entre el siglo XVII y XVIII (hoy son muy escasos) son mucho mejores que los que se manufacturan en el mercado. Alrededor de esta hipótesis se han creado muchas teorías, algunas mucho más verosímiles que otras.Una de ellas es que se cree que la madera utilizada para crearlos proviene del abeto alpino que creció durante un periodo de clima inusualmente frío, lo que provocó que los anillos de crecimiento anuales estuvieran más juntos, haciendo que la madera fuera anormalmente más densa que la de los demás.Otra teoría que prevalece tiene que ver con el barniz que Antonio Stradivari utilizó, y que mezclaba un ingenioso cóctel de miel, clara de huevo y goma arábiga de árboles subsaharianos. Pero entre todas las teorías, hay una que tiene más aceptación entre la comunidad científica: el secreto está en los productos químicos utilizados para empapar la madera: bórax, zinc, cobre, alumbre y agua de cal.En 2017, un grupo de investigadores taiwaneses comparó el arce utilizado por Stradivarius con la madera de arce moderna de alta calidad. El resultado del análisis arrojó la evidencia de tratamientos químicos en forma de aluminio, calcio y cobre, entre otros elementos. Con el paso del tiempo, la descomposición de la hemicelulosa, un componente de la madera, los instrumentos de Stradivari y Guarneri utilizados en el estudio tenían un 25% menos de agua que los instrumentos modernos.El resultado de dicha investigación es contundente: entre menos humedad, más brillante es el sonido. Esta conclusión se pudo comprobar al analizar las trazas químicas conservadas en la madera de arce utilizada para fabricar las cajas de resonancia de los instrumentos de Stradivari y Guarneri. En la investigación se utilizó una rara colección de muestras de madera cremonense de abeto y arce. Ahí encontraron rastros de bórax y varios sulfatos metálicos con más de 300 años de antigüedad.
Las bodas de FígaroLa popular ópera bufa compuesta entre 1785 y 1786 en cuatro actos y musicalizada por Wolfgang Amadeus Mozart basada en un libreto de Pierre Augustin Caron de Beaumarchais hace parte de nuestro acervo musical. Una de las ediciones más preciadas que tenemos es esta, prensada bajo el sello de la RCA, donde Sir Colins Davis dirige a la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, y donde Alan Titus, Helen Donath, Iulia Várady, Ferruccio Furlanetto y Marilyn Schmiege interpretan la obra. FaustoPrensado en 1979 bajo el sello EMI, esta obra compuesta por Charles Gounod e inspirada en la leyenda de Fausto narrada por Goethe, constituye una de las composiciones francesas más relevantes del siglo XIX. Esta joya es interpretada por la Orquesta Nacional de la Ópera de París y dirigida por Georges Prêtre. En esta edición participa un jóven Plácido Domingo en el papel estelar de Fausto junto a Mirella Freni, Nicolai Ghiaurov, Thomas Allen, Michèle Command y Marc Vento.Madama ButterflyDirigida por el legendario Herbert von Karajan en 1974 e interpretada por el tenor Luciano Pavarotti y la soprano Mirella Freni junto al barítono Robert Kerns y la mezzo soprano Christa Ludwig con la Orquesta Filarmónica de Viena, esta obra maestra de Puccini hace parte de nuestro gran catálogo musical que supera los 6.000 ejemplares. La obra, que fue escrita cuatro veces, hoy es considerada uno de los hitos más importantes del repertorio operístico, siendo la octava más interpretada.Die Zauberflöte (The Magic Flute)Grabado originalmente en formato de acetato en 1964 bajo el sello Deutsche Grammophon, este es uno de los primeros ejemplares de reedición en formato CD que llegaron a nuestra colección en 1983. En esta ocasión, la Orquesta Filarmónica de Berlín dirigida por el prestigioso Karl Böhm, interpreta la última obra que en vida, compuso y dirigió Wolfgang Amadeus Mozart, dos meses antes de morir. La edición especial viene en una presentación de tres discos apilados dentro de un cofre.ToscaLos coros de la radio-televisión húngara hacen parte de nuestra colección musical desde 1990. Una de las producciones que más atesoramos es la interpretación de Tosca, la ópera en tres actos de Giacomo Puccini grabada bajo la línea clásica de Sony y donde el tenor español José Carreras junto a Michael Tilson Thomas, Éva Marton, Juan Pons, István Gáti e Italo Tajo componen el grupo de intérpretes. Colección Completa de BeethovenUna de las colecciones más completas que existen de las composiciones de Ludwig van Beethoven reposan en nuestra fonoteca. Con 87 discos compactos divididos en 20 volúmenes, entre las que se cuentan los géneros pianísticos (treinta y dos sonatas para piano), de cámara (incluyendo numerosas obras para conjuntos instrumentales de entre ocho y dos miembros), concertante (conciertos para piano, para violín y triple), sacra (dos misas, un oratorio), lieder, música incidental (la ópera Fidelio, un ballet, músicas para teatro), y orquestal, en la que ocupan lugar preponderante nueve sinfonías.Colección de Lied de Robert SchumannPresentados en un cofre de madera con letras doradas, está una de las ediciones más significativas de la HJCK: la colección completa de composiciones lied (obra musical inspirada a partir de un poema) de Robert Schumann editada en seis discos de vinilo en el año 1994 por Deutsche Grammophon e inspirada en obras de Lord Byron, Nikolaus Lenau y Johann Wolfgang von Goethe, interpretadas por el barítono Dietrich Fischer-Dieskau acompañado por el piano de Christoph Eschenbach.La Gazza LadraGrabada en el Teatro Rossini durante el Festival de Ópera Rossini en agosto de 1989, poseemos la edición de lujo de La Urraca Ladrona, compuesta por el italiano Gioachino Rossini en 1817. En dicha edición, se cuenta con la interpretación de la Orquesta Sinfónica de la Radio Italiana de Torino dirigida por Gianluigi Gelmetti, acompañada por el Coro Filarmónico de Praga.Sansón y DalilaUna de las ediciones más antiguas que posee la fonoteca de la HJCK es la interpretación de Sansón y Dalila, la ópera del compositor Camille Saint-Saëns compuesta en 1877 e interpretada para la RCA Víctor por la Orquesta del Teatro Nacional de la Ópera de París en 1963, dirigida por Georges Prêtre junto a la compañía de Coros René Duclos. Es una de las primeras óperas en transmitirse en HJCK.
Hace 35 años, la banda británica Queen publicó Who Wants to Live Forever, una balada compuesta por el guitarrista Brian May interpretada al estilo de rock sinfónico que estaba incluída de su álbum A Kind of Magic y era parte de la banda sonora de la película Highlander (Los inmortales). La canción, que fue lanzada el 15 de septiembre de 1986, alcanzó el número 24 en las listas del Reino Unido y se mantuvo por varias semanas en el ranking de las más escuchadas en la radio. En 1991, tras la muerte de Freddie Mercury, la canción formó parte del lanzamiento del disco de grandes éxitos.Según lo ha mencionado en varias entrevistas, Brian May escribió la canción en el asiento trasero de su automóvil luego de ver un primer corte de la película en la cual sería incluida. Por otra parte, el vídeo fue dirigido por David Mallet y filmado en un almacén en Tobacco Wharf en el East End de Londres en septiembre de ese mismo año. En la interpretación se presentaba a la National Philharmonic Orchestra con cuarenta coros y cientos y cientos de velas que permanecen encendidas durante la filmación mientras que aparece en escena Freddie Mercury con un traje de esmoquin.El nombre de la canción proviene de una expresión dicha por Brian Blessed interpretando al Príncipe Vultan en la película Flash Gordon (película para la cual Queen también hizo su banda sonora), cuando el héroe de la película decide pilotar la nave capturada al ejército del malvado Ming.Desde su lanzamiento, Who Wants to Live Forever ha sido versionada en varias ocasiones por distintos artistas, entre ellos Seal en el concierto en tributo a Freddie Mercury en 1992. El tema es recordado como una de las canciones predilectas entre sus fans e incluida en la revista Rolling Stone como la quinta mejor canción de la banda, tras una encuesta que lanzó en 2014.
Como uno de los mejores violinistas de su generación en la actualidad, así es catalogado el maestro Svetlin Roussev, de Bulgaria, solista del próximo concierto de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. El maestro Roussev interpretará “Habanera Op. 83” e “Introducción y Rondo caprichoso”, obras del compositor frances Camille Saint-Saëns conmemorando sus 100 años de fallecimiento.Svetlin Roussev interpreta un amplio repertorio, que abarca desde la música barroca a la contemporánea, es reconocido por sus interpretaciones de compositores eslavos y promueve la música búlgara por todo el mundo. Destacado como Músico Búlgaro del Año en 2006, el gobierno de su país le reconoció nuevamente en 2007 y 2016 con la distinción Lira de Cristal que otorga el Ministerio de Cultura. En 2018 fue distinguido como Hijo Predilecto de su ciudad natal, Ruse.Roussev es el solista de un concierto que será dirigido por el maestro Carlos Prazeres de Brasil, uno de los directores más solicitados hoy en día. Los dos estarán por primera vez junto a la Orquesta Filarmónica de Bogotá, con un repertorio inigualable desde el Teatro El Ensueño, un escenario que promete ser epicentro de la cultura y la música en la capital y más específicamente en la localidad de Ciudad bolívar.La Orquesta Filarmónica de Bogotá sigue con su compromiso de llevar a la ciudad y el mundo los mejores repertorios y artistas, además de todo el rigor musical de la orquesta que recordemos, desde el mes de Julio, cuenta con su nuevo Director Titular, el maestro Joachim Gustafsson de Suecia.
Nació el 13 de septiembre de 1874 en Viena (Austria) y se crió en el seno de una familia de comerciantes judíos. Tras la muerte de su padre en 1890 comienza a trabajar en un banco, pero sin abandonar nunca sus estudios musicales bajo la tutela de Oskar Adler. Si bien no era judío practicante, la herencia judía de Arnold Schoenberg tuvo un gran impacto sobre su vida personal y sus composiciones musicales. En sus ensayos de composición, habitualmente describía la música como una expresión de Dios, el infinito o un acto de la creación divina.Comenzó a destacar en el mundo de la composición en sus años de estudiante, cuando su obra sobresale por el virtuosismo contrapuntístico, siendo la composición más representativa de esta época el Cuarteto en re menor. Se encuentra en 1893 con el compositor Alexander von Zemlinsky, que se convierte en su mentor musical. Desde 1900 alternó la composición y la docencia.En 1901, se casó con la hija de Zemlinsk, comenzando un año después a trabajar en el Conservatorio Stern de Berlín como Profesor de Composición. En 1918 funda la Sociedad de Interpretaciones Musicales Privadas. En 1923 fallece Mathilde Zemlinsky y un año después contrae matrimonio con Gertrud Kolisch. A partir de 1925 comienza a trabajar en la Academia de Artes de Berlín.En los años subsiguientes, Schönberg incluyó temas relacionados con el judaísmo tanto en sus ensayos como en sus composiciones musicales. En 1938, publicó su ensayo más sionista, “Programa de cuatro puntos para el pueblo judío”, que pedía la creación de un estado judío independiente. También hizo los arreglos de la oración Kol Nidre. En 1940, a pesar de su débil salud, continuó ocupándose de temas específicamente judíos en tres obras: Die Jakobsleiter (1922; edición sin terminar); Moisés y Aarón (no finalizada); y El sobreviviente de Varsovia (1947).La revolucionaria técnica musical dodecafónica de Schönberg, que utiliza una serie ordenada de los doce tonos cromáticos como base para una obra musical, fue creación suya. Habitualmente presumía con que su estructura moderna aseguraría “la hegemonía de la música alemana en el próximo siglo”.
La Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB) anunció la apertura de su oferta dentro del Portafolio Distrital de Estímulos para la Cultura 2021, correspondientes a 21 convocatorias, con 102 estímulos por un valor de $645 millones de pesos. Con estas nuevas convocatorias y becas, la OFB busca vincular a: músicos sinfónicos, académicos, cantantes líricos, gestores, productores, generadores de contenidos, entre otros.Los interesados encontrarán ofertas en: Beca Cultura Filarmónica, Beca Videoclip, Beca de Producción Musical, Beca Herramientas Digitales, entre otras. Para ello, podrán consultar la información en www.filarmonicabogota.gov.co o a través del correo convocatorias@ofb.gov.co.Además, la OFB dispondrá de sus redes, canales digitales y puntos de información para orientar a la ciudadanía sobre estas convocatorias. Invitamos a los interesados a seguir las redes sociales para informarse sobre novedades, fechas, y demás información de interés.“Debido a los retos que nos planteó el 2020 con la contingencia sanitaria, hemos creado nuevas becas que permita brindarles herramientas a nuestro músicos y agrupaciones, ya que ellos actualmente tienen grandes desafíos los cuales implica tener herramientas que les permita gestionar, producir y circular más fácilmente” afirmó David García, director de la Orquesta Filarmónica de Bogotá.A pesar de la pandemia y sus consecuencias, la entidad entrego $543 millones en estímulos y becas, logrando impactar a más de 40.000 personas de manera directa e indirecta. La OFB pasó de llegar a una audiencia de 4 millones de personas en un cuatrenio a 6.5 millones de personas en un solo año, gracias a las nuevas herramientas de tecnología a las que se le apuesta este año.
El fútbol europeo y suramericano no se detiene. Por eso, la presencia de colombianos será grande en los partidos hoy, donde habrá acción en España, Italia, Inglaterra, Argentina y Brasil. Por supuesto, la liga local también tendrá juegos imperdibles para los amantes de este deporte.Acá le presentamos la programación de los partidos de hoy televisados o por plataformas digitales en nuestro país.Partidos domingo, 26 septiembre - 2021EQUIPOSHORA/CANALJuventus vs Sampdoria5:30 | Serie A Italiana | ESPNBordeaux vs Rennes6:00 | Francia Ligue 1 | ESPN 2Mallorca vs Osasuna7:00 | La Liga | DIRECTV SportsUdinese vs Fiorentina8:00 | Serie A Italiana | Star+Sassuolo vs Salernitana8:00 | Serie A Italiana | Star+Empoli vs Bologna8:00 | Serie A Italiana | Star+Southampton vs Wolves8:00 | Premier League | ESPNBochum vs Stuttgart8:30 | Bundesliga | ESPN 3América vs Flamengo9:00 | Serie A Brasil | FanatizClermont vs AS Monaco10:00 | Francia Ligue 1 | Star+Freiburg vs Augsburg10:30 | Bundesliga | Star+Arsenal vs Tottenham10:30 | Premier League | ESPNLazio vs AS Roma11:00 | Serie A Italiana | Star+Real Oviedo vs Girona11:15 | La Liga B | DIRECTV SportsUnión Santa Fe vs Patronato11:30 | Primera División Argentina | FanatizRayo Vallecano vs Cádiz CF11:30 | La Liga | Star+Real Sociedad vs Elche11:30 | La Liga | Star+Toluca vs Atlético San Luis12:00 | Liga MX | DIRECTV SportsMelgar vs Sport Boys A13:15 | Liga 1 Perú | GolTV PlayBoston River vs Peñarol13:30 | Campeonato Uruguayo | GolTV PlayNapoli vs Cagliari13:45 | Serie A Italiana | Star+San Lorenzo vs Defensa y Justicia13:45 | Primera División Argentina | FanatizO. Marseille vs Lens13:45 | Francia Ligue 1 | ESPNPatriotas vs Deportes Tolima14:00 | Liga BetPlay | TV CerradaReal Betis vs Getafe14:00 | La Liga | DIRECTV SportsJuventude vs Santos14:00 | Serie A Brasil | FanatizDeportivo Cuenca vs Olmedo14:00 | Liga Pro Ecuador | GolTVFluminense vs RB Bragantino14:00 | Serie A Brasil | FanatizInternacional vs Bahía14:00 | Serie A Brasil | FanatizSport Huancayo vs Universitario15:30 | Liga 1 Perú | FanatizMontevideo Wanderers vs Rentistas15:45 | Campeonato Uruguayo | GolTV PlayIndependiente vs Godoy Cruz16:00 | Primera División Argentina | FanatizJaguares vs Millonarios16:00 | Liga BetPlay | TV CerradaSport Recife vs Fortaleza SC16:15 | Serie A Brasil | FanatizAt. Paranaense vs Grêmio16:15 | Serie A Brasil | FanatizMacará vs Delfín SC16:30 | Liga Pro Ecuador | GolTV PlayAlianza Universidad vs Sporting Cristal18:00 | Liga 1 Perú | GolTV PlayBoca Juniors vs Colón18:15 | Primera División Argentina | ESPNAtlético vs Cuiabá6:30 | Serie A Brasil | FanatizEmelec vs U. Católica19:00 | Liga Pro Ecuador | GolTVQuindio vs Medellín20:10 | Liga BetPlay | TV Cerrada
Sucede algo con la salsa y es que está absolutamente hermanada a la pista de baile, a la fiesta. Así llegó a Roberto Roena a la salsa, como un espejo ardiente que se levantaba del piso y funcionó como motor de sus mejores pasos, cuando a los 9 años soñó con ser bailarín y fue haciendo de su cuerpo un elástico lleno de ritmo, hasta convertirse en “El Gran Bailarín”. Así empezó en la música, desde la seducción del cuerpo y el impulso incontrolable, el quiebre inevitable de la cadera al ritmo de la clave. Su hermano, Francisco “Cuqui” Roena fue su dupla. Ambos bailaban justo al lado del otro, ambos como sombras de una misma luz que nadie sabía bien de donde venía, pero tenía la capacidad de llenar todo de resplandor cuando bailaban.El mambo y el cha cha chá construyeron un camino lleno de cadencia en la vida de Roena, hasta conducirlo a Nueva York en compañía de sus hermanos y buena parte de su familia que solo sabían vivir de bailar. Así pasó la adolescencia y esa primera adultez, a mediados de los años 50, ya hecho un hombrecito de cuerpo atlético y cabello rizado —un negrito chévere como diría Maelo y a quien conoció allí— que dejaba sin aire a los televidentes. Al cumplir 16, el Combo de Rafael Cortijo lo cambió todo. Empezó como bailarín y corista de la orquesta, mientras recibía sus primeras lecciones de percusión. Así se entrenó e hizo del bongo una extensión de su propio cuerpo. Un mundo de espectáculo se abría ante Roena y él solo se disponía a moverse por el escenario, siempre con ese brillo particular de verdadero showman. Pisó y dejó huella en espacios como el salón de baile El Palladium y el Teatro Puerto Rico, hasta llegar para quedarse en Nueva York. La música fue encontrándolo con los más grandes y ya para 1960 no solo había grabado álbumes, sino que lo había hecho en compañía de quien siempre se mereció para Roena el primer lugar: el sonoro mayor, Ismael Rivera. Del Cortijo pasó al Gran Combo de Puerto Rico y durante una década diseñó el sonido que quería para su propia orquesta. Sabía dirigir músicos y llevar un show, se movía en esa línea movediza de ser un increíble frontman y a la vez, no descuidar nunca la forma de cantar, no sobrepasar los silencios que siempre le hacen bien a las canciones. Luego vino la Apollo Sound, una agrupación que como buen augurio de la época de su creación y primer ensayo —20 de julio de 1969, día del lanzamiento del cohete Apollo 11— elevó el legado de Roena hasta los lugares más insospechados, convirtiéndolo hasta el presente en un referente obligado al momento de hablar, y bailar, claro, salsa brava. A esa aventura se sumaron compañeros de épocas pasadas, como Mario Álvarez Cora, Elías López, “Cuchón” Núñez, Al Albreu y Piro Mantilla, quienes como relojes nuevos, sabían de la precisión y la entrega que siempre caracterizó a Roberto Roena. Una historia extensa y llena de éxitos empezó en ese momento. Quizás, para 1969, "Tu Loco Loco, Y Yo Tranquilo" los enfrentó a una multitud deseosa de salsa, y de manos de Catalino Tite Curet Alonso, el compositor de la canción, vinieron nuevos himnos como "Consolación", "El Escapulario" y "El Barrio Sin Guapo". Una lista extensa y seguramente inacabada podría reunir las mejores canciones de Roberto Roena, pero no hay virtud en los conteos, porque podrían limitar un sonido extenso y tibio que Roena supo mantener en el fogón hasta hoy. Sin embargo, es innegable la fuerza que produjo en su carrera las canciones publicadas en 1976, particularmente "Mi Desengaño", una canción infaltable en cualquier episodio de ruptura para todo amante de la salsa. Justo un año después, publicó “Roberto Roena y su Apollo Sound 9”, y la primera canción de ese álbum Marejada feliz, registra una de las imágenes más bellas sobre el amor, el tiempo y la espera: "Por eso ahora me voy, junto a la orilla del mar, a preguntarle a las olas si han visto a mi amor pasar". "Potente cual marejada" fue la vida de un hombre que se fugó de la candela, pero que ardía en cada respiro. Hace falta, también, explorar el lenguaje para poder nombrar ese sentimiento —que es, sobretodo, un hueco en el pecho— de ver morir a los músicos que han ayudado a formar el corazón con el que amamos. Todas las claves fueron de Roberto Roena y ahora, solo le queda al mundo escucharlo, brindar y bailar en su honor. Recordaremos el 23 de septiembre del 2021, como el día que ya nadie contestó en el 722 3126 en Puertorro, ni el 541 7950 al otro lado, en "Niuyol". Gracias Roena, no hay Guaguanco que pueda con tu partida.
El legendario bongosero Roberto Roena ha fallecido en la noche de este jueves a los 81 años de edad, víctima de un fulminante paro respiratorio. Su obra musical comenzó a muy temprana edad, cuando se unió al grupo de Rafael Cortijo, Cortijo y su Combo, junto a Ismael Rivera, y más tarde, tras su desintegración, hizo parte de las filas del Gran Combo de Puerto Rico del pianista Rafael Ithier.Mi desengaño (1976)Uno de los aportes más significativos que Roberto Roena hizo, fue experimentar la salsa para darle otra sonoridad: una más sofisticada y progresiva. Como su orquesta, la Apollo Sound, ninguna otra agrupación supo mezclar el jazz y la salsa de una manera magistral. Mi desengaño hizo parte de Lucky 7 y fue escrita por los músicos y arreglistas Julio Merced y Pucho Soufront.Marejada Feliz (1977)Tras su breve paso por la orquesta de Cortijo y el Gran Combo, en 1969 fundó su orquesta: la Apollo Sound. La llamó así porque el día en que la creó, se llevó a cabo el lanzamiento de la misión espacial que llevaría al hombre a la luna, mientras él llevó al bailador a la pista. Marejada Feliz fue compuesta por Catalino Curet Alonso e interpretada en la voz de Pappo Sánchez en 1977.Guaguancó Del Adiós (1978)Tras el éxito que desencadenó Marejada Feliz en 1977, Catalino Curet Alonso vuelve a entregar a Roberto Roena un tema de su autoría para que sea interpretado por la Apollo Sound: Guaguancó del Adiós, incluido en El Progreso y quizás uno de los éxitos más destacados de su larga discografía.Estás Equivocado (1987)En un género lleno virtuosos soneros, Roberto Roena, que encontró inspiración en la samba y la bossa nova, en el frenético funk y en la psicodelia, fue fuertemente criticado por los más puristas de su época. De allí surge uno de sus temas más clásicos: Estás Equivocado.Cui Cui (1973)En 1973, el lanzamiento de Roberto Roena Y Su Apollo Sound 5 encontró al líder de la banda expandiendo los límites de su sonido. El tema de apertura del álbum fue el contagioso Cui Cui, un trozo de pop tropical que comparaba las lágrimas de una mujer con la lluvia que caía del cielo.Mandingore (1970)Las pistas latinas del álbum fueron seleccionadas como sus tres sencillos. El primero combinó Chotorro con El Barrio Sin Guapo, seguido de Te Le Voy A Jurar / Yo Soy Candelón y Mandigore / Tani. La banda estaba comenzando a llamar la atención de la prensa en Puerto Rico y ganaron atención en los Estados Unidos cuando comenzaron a actuar allí con regularidad. Aunque se seguirían empleando ritmos no latinos en las grabaciones posteriores de Apollo Sound.Tú Loco, Loco Y Yo Tranquilo (1970)Tú Loco Loco, Y Yo Tranquilo es el éxito por excelencia de Roena y el auspicioso tema de apertura del álbum debut de la banda, escrito expresamente para la ocasión por el compositor puertorriqueño Tite Curet Alonso, marcado por su talante alegre y rumbero, melodías melodiosas y un ferviente mensaje patriótico. El orgullo boricua es uno los temas recurrentes en la discografía de Roena.El Progreso (1978)La canción principal de El Progreso es una versión salsificada del pop brasileño compuesta por Roberto Carlos y su antiguo compañero de composición Erasmo Carlos. La melodía pegadiza del original, junto con el arreglo supremamente elegante de Elías López, presagia el advenimiento del estilo más ligero y altamente comercial conocido más tarde como salsa romántica.Ponte Duro (1973)Apollo Sound 5 llega a una conclusión atronadora con una versión de nueve minutos de Ponte Duro, la jam session escrita por Johnny Pacheco que Roena había grabado en 1971 con Fania All Stars para el segundo volumen del LP Live At The Cheetah. Esta nueva versión es apropiadamente explosiva, con largos solos de las secciones de metales y percusión.Cómo Te Hago Entender (1997)En el apogeo de la salsa romántica durante la década de los años noventa, la orquesta de Roberto Roena supo incursionar en el mercado con un clásico: Como te hago entender, interpretado por Héctor "Tempo" Alomar incluido en el álbum Mi Música. Es quizás el último éxito de su carrera.
La huella Bond aparece desde el primer filme de la saga, "El satánico Dr. No" (1962), con un tema de apertura que oscila entre la calma y la adrenalina. "Sin música, James Bond no habría alcanzado el nivel de culto que tiene", explica a la AFP Cyril Roux, editor de la casa de vinilos Diggers Factory.La historia recuerda el nombre del británico John Barry, compositor ganador de cinco premios Óscar por bandas sonoras como "África mía" y "Danza con lobos". Pero el esbozo original pertenece a Monty Norman, un autor menos conocido. Los productores de la película le pidieron a Barry que retocara el trabajo de Norman.En total, Barry firmará el "tema de James Bond" en doce películas (entre 1962 y 1987). John Barry, que comparte iniciales con James Bond, "es la base musical de la saga", resume a la AFP Stéphane Lerouge, que trabajó con el maestro británico. Un paso más allá y un golpe de gracia fue cuando los productores decidieron ponerle letra a la canción de la película. "Goldfinger" (1964) propulsó a la cantante Shirley Bassey a la cima de la lista de ventas. La británica es la única intérprete que ha participado en tres filmes de Bond: además de "Goldfinger", "Los diamantes son eternos" (1971) y "Moonraker" (1979).Para Barry, "Bassey pega perfectamente con el estilo de la música de Bond". En "Goldfinger", el maestro le pidió que mantuviera lo más alto posible la nota final: "Cuando terminamos pensé que iba a morir (risas)", recuerda Bassey, un esfuerzo que le valió su primer éxito. En "Moonraker", Bassey no era la primera opción, pero lo "hice por John Barry", explicó. Los otros candidatos nunca verían la luz.Tras una primera época bajo la batuta de Barry, el destino de la música de Bond estará ligado a otra "B", junto a las estrellas de la galaxia Beatles. George Martin, productor histórico del cuarteto de Liverpool, toma el relevo de John Barry en "Vive y deja morir" (1973) y Paul McCartney, con su esposa y su nueva banda, Wings, firman la canción principal."Live And Let Die", que luego sería versionada por Guns N'Roses, supone una "cesura", en palabras de Stéphane Lerouge, porque representa la separación entre el compositor del tema de apertura de la película y de la canción principal.Un cambio que cerrará para siempre la presencia de Barry en la saga (doce películas después). Barry había previsto una última participación en "El mañana nunca muere" (1997), pero abandonó el barco antes "ya que contractualmente no le garantizaban hacer el tema principal", afirma Lerouge.Ya entrados en el siglo XXI, la cantante británica Adele causó sensación con su impronta soul en "Skyfall" (2012), Óscar a la mejor canción original. "Fue un choque", subraya Cyril Roux. "Soy fan de Daniel Craig, que tiene ese lado animal de Sean Connery, y esta música le va a la perfección"."Barry forjó los canones de Bond, su espectro (juego de palabras con el nombre de la organización enemiga de 007, SPECTRE, ndlr) sobrevuela toda la música: la canción 'Skyfall' es el mejor y más reciente homenaje, en un estilo neobarriano", profundiza Stéphane Lerouge. Y para la última aparición de Daniel Craig, en "Sin tiempo para morir" (2021) los productores escogieron a Billie Eilish, plebiscitada por Shirley Bassey: "hizo un buen trabajo".
El fútbol europeo y suramericano se mantiene en competencia con varias de las ligas donde juegan futbolistas colombianos. Los partidos hoy más interesantes se verán en Colombia, Alemania y Portugal.Acá le presentamos la programación de los partidos de hoy televisados o por plataformas digitales en nuestro país.EQUIPOSHORA/CANALSporting CP vs Marítimo13:00 | Liga portuguesa | GolTVGreuther Fürth vs FC Bayern13:30 | Bundesliga | Star+UD Almería vs Tenerife14:00 | LaLiga SmartBank | DIRECTV SportsReal Santander vs Atlético FC15:15 | Torneo BetPlay DIMAYOR | Tv. cerradaGil Vicente vs FC Porto15:15 | Liga portuguesa | GolTVSarmiento vs Vélez Sarsfield17:00 | Primera División Argentina |FanatizDeportivo Cali vs Pereira18:00 | Liga BetPlay | Tv. cerradaTemperley vs Chacarita Juniors19:10 | Primera Nacional Argentina | TyC SportsEstudiantes LP vs Platense19:15 | Primera División Argentina | FanatizOnce Caldas vs Alianza Petrolera20:00 | Liga BetPlay | Tv. cerrada
