Dirigido por la chilena Maite Alberdi, la producción aborda el alzhéimer a través de una pareja que trabaja a diario para recordar el amor que los unió durante más de 20 años, en un país que se esfuerza por no olvidar su violento pasado."La película usaba una gran metáfora sobre la pérdida de memoria, pero de un país, a través de lo que le va pasando a él [a Góngora]", dijo Alberdi a AFP. "Pero también es una gran lección de que cuando se pierde la memoria racional (...) existe una memoria emocional que trasciende, y que los dolores históricos quedan, incluso cuando pierdes la memoria".El documental sigue durante cinco años la cotidianidad de Góngora, diagnosticado con alzhéimer, y su esposa Paulina Urrutia, actriz y exministra de la Cultura, quien se convirtió en su cuidadora.Alberdi, de 40 años, buscaba traer una perspectiva diferente sobre el impacto de la devastadora enfermedad. "Vi una forma muy especial de lidiar con el alzhéimer desde el amor", dijo. "Sin ver el alzheimer como una tragedia, sino sólo como un contexto y entendiendo que la fragilidad es parte de la vida".Para la directora, quien también fue nominada en 2021 al Óscar por su documental sobre la soledad en la vejez "El agente topo", la experiencia fue agridulce."Me afectó porque fui viviendo el deterioro, pero al mismo tiempo era una pareja que yo lo pasaba muy bien de estar con ellos", dijo. "Para mí no fue un rodaje doloroso, sino que fue un gran una gran lección de amor"."Yo ya no soy"Augusto Góngora construyó una carrera frente a las cámaras. En los años del sangriento gobierno de Augusto Pinochet, el periodista formó parte de un servicio de noticias clandestino.Después fue coautor del libro "Chile: la memoria prohibida", que narra los primeros años del régimen militar (1973-1990), y trabajó en la televisión nacional.Tras décadas entrando a las casas de los demás para contar sus vidas, Góngora abrazó el proyecto de Alberdi que implicaba abrir su intimidad en un momento vulnerable."Él sobre todo entendió que quería hacer esta crónica, que quería hacer el relato de su fragilidad", dijo Alberdi. "Se entregaron y se fueron acostumbrando a la presencia de la cámara", cuenta.La cinta intercala escenas del matrimonio en su rutina tras el diagnóstico, con imágenes del pasado en viajes y celebraciones, así como clips de sus carreras.En una escena, Urrutia le lee a su marido la dedicatoria que él le firmó en su libro en los años 1990 y que ahora adquiere un significado más personal: "Sin memoria no sabemos quiénes somos (...) Sin memoria no hay identidad".Alberdi tuvo que adaptarse a situaciones fuera de su control, como la llegada de la pandemia, cuando debido al aislamiento decidió enviarle una cámara a Urrutia para que continuara grabando escenas para el proyecto. "Yo pensé que era material que no iba a poder usar", recuerda la directora."Pero finalmente es un material tan profundo, tan íntimo, tan lleno de emoción, que solo puede tener una pareja cuando está sola, que este problema que era la pandemia, se transformó en un gran regalo".Otra decisión tomada sobre la marcha fue cuándo terminar el rodaje. "Es una escena que se ve en la película, que él dice 'yo ya no soy'", comentó Alberdi. "Fue la primera vez en cinco años que yo sentí que él se sentía incómodo consigo mismo. Y para mí, cuando él sintió que estaba perdiendo su identidad, para mí, ese fue el límite".Góngora falleció en mayo de 2023, cuatro meses después del estreno de "La memoria infinita" en el festival de Sundance, donde recibió el premio del jurado en la categoría documental.La cinta, que viene de ganar el Goya a la mejor película iberoamericana, pelea el Óscar con piezas políticas como "20 Days in Mariupol" y "Bobi Wine: The People's President", además de "Four Daughters" y "To Kill a Tiger". La 96ª gala de los Óscar se celebrará en Hollywood el 10 de marzo.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"La revolución femenina, de alguna manera, es la revolución del deseo, como que el deseo en nosotras ha sido algo invisibilizado, ha sido negado, ha sido narrado por hombres, por otros, por otras miradas", afirma la realizadora en entrevista con EFE.Además, agrega, "el deseo femenino se asocia mucho con la perversión".Y justamente la madre -esa imagen de la madre, tan pulcra, la mujer buena, la madre que cuida, que protege- "es también una mujer que desea, que siente placer, que busca placer, que tiene una vida íntima", subraya.En el filme, Sandra viaja en el autobús 243 a través de Medellín par ir a trabajar; no quedan asientos libres y la protagonista se concentra en la parada en la que tiene que bajar para llegar a su nuevo trabajo.En la rutina de tomar cada día el mismo autobús conoce y estrecha su relación con Javier, el conductor; mientras, en su nuevo trabajo como guardia de seguridad en un centro comercial, sus compañeras se convierten en amigas.Durante quince años, la vida de Sandra ha girado únicamente en torno a su hijo y ahora es el momento de empezar algo nuevo.Uribe retrata desde la vida cotidiana de Sandra una transformación interior del personaje, "pero a partir de esa misma intimidad, a partir de su propio erotismo", señala.Más que madres, mujeres, con todas sus dimensionesSegún la cineasta, no sólo la sociedad, sino la mujer misma se encasilla en este rol de mujeres que sacan adelante a sus hijos y que muchas veces están solas, sobre todo en este tipo de ciudad latinoamericana, "y que muchas veces olvidan que más que madres, son mujeres", con todas sus dimensiones y la complejidad que tienen, agrega.La directora afirma que desde las grandes instituciones que rigen la vida -la familia, la educación, la religión-, en el sistema en el que estamos insertos, a las mujeres se les enseña desde pequeñas a complacer, a cuidad, a proteger, lo que de alguna manera provoca un "desplazamiento del amor"."Lo que más nos ha faltado como sociedad es el amor propio, y sobre todo a las mujeres", afirma. En este sentido, la protagonista finalmente lo suelta todo y "se regala un momento para ella misma", señala.La realizadora quería construir además a partir de las diferentes mujeres con las que ha hablado y los diferentes caracteres y físicos que aparecen en el filme la idea de que "somos muchas, y somos muy diversas" y, al mismo tiempo que "una sola mujer tiene en sí misma la historia de muchas mujeres".Respecto a Jaime, Uribe señala que "es un medio, no un fin" en este despertar erótico de Sandra, en el sentido de que la protagonista no buscando una relación y "volverse la mujer de alguien".En tanto, entre madre e hijo, otra de las figuras masculinas del filme, Uribe quería construir una relación de complicidad. Se trata, agrega, de una relación con un adolescente que crece en una sociedad occidental muy machista, pero al mismo tiempo es criado por una mujer, solo por una mujer por lo que, dice, tiene que haber algo distinto en este chico.El hijo tiene momentos en lo que es grosero con su madre, pero en lugar de regañarle o castigarle, Sandra se encarga de enseñarle que la violencia verbal no resuelve nada y ese es su modo de acercarse a él desde la complicidad, señala."La piel en primavera", que se proyecta en la Berlinale dentro de la sección Forum, está nominada además a mejor ópera prima.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En entrevista con EFE, el cineasta explica que le pareció "fascinante" la historia de los hipopótamos -tres hembras y un macho- que el líder del cartel de Medellín hizo introducir ilegalmente en los años 80 y trasladar hasta su Hacienda Nápoles, cerca del río Magdalena, y en particular la de un ejemplar en concreto, Pepe.Tras la muerte de Escobar, los conocidos como "hipopótamos de la cocaína fueron abandonados a su suerte en la hacienda y Pepe abandonó en algún momento la manada al ser derrotado por otro ejemplar y escapó junto a su pareja río abajo.Ante el avistamiento por parte de pescadores de este animal que les era desconocido, las autoridades decretaron la caza y abatimiento debido a la peligrosidad de esta especie una vez supieron que se trataba de un hipopótamo, Pepe, cuyo fantasma regresa en el filme para buscar respuestas sobre su pasado, su identidad y sus raíces. La película abre con un universo sonoro nuevo para Pepe, su propia voz, que no sabe de dónde sale."Este animal, este fantasma, que no sabe qué idioma hablar o que no sabe qué hacer (...) es la vida misma de cada uno de nosotros. Esa heterogeneidad que está allí, que si la vemos como tal, entonces lo que pasa es que no tenemos una identidad, es que tenemos identidades", dice el cineasta. Así, Pepe "no sabe quién es, pero a la misma vez, no deja de ser", agrega. La identidad como concepto heterogéneoSobre todo al pensar en Latinoamérica, "la idea de identidad atada a una idea de territorio no existe, excepto en los grupos indígenas", allí donde quedan, señala. "El Caribe en específico, siempre ha tenido ese problema, que nosotros no sabemos quiénes somos, que nosotros no tenemos cultura. Estoy escuchando desde chamaquito eso", dice.Pero "eso es una mentira, porque el problema es que no existe la identidad del uno. Existe una identidad que siempre es heterogénea. La identidad es una parte de la subjetividad y la subjetividad es un tema heterogéneo", afirma.Al mismo tiempo, agrega, "Pepe es el otro, Pepe, es eso que no se conoce" y, en algún momento de la película "dice algo muy político" -"mi historia solo tiene sentido porque se convirtió en la historia de ellos"-, algo que, según el cineasta, se puede trasponer a la historia del ser humano. "Un proceso de criollismo siempre es más tolerante que la idea de la pureza, de la identidad pura, del uno", indica.Ese animal que está ahí, que se incorporará en ese ecosistema, "es la pregunta de Colombia hoy", y "es la pregunta de los emigrantes (...), es la pregunta de cómo nos convertimos en un nosotros y dejamos este ellos constante", afirma."Mientras el otro sea eso que no se puede entender, se vuelve algo mítico, se vuelve algo imposible, se vuelve el enemigo, se vuelve el bárbaro (...) Una vez que uno desvela y quita todos los prejuicios, quita la intolerancia", resulta que es un hipopótamo, es un animal, dice.Ahí es donde comienza la "convivencia hermosa", y hoy los pescadores son los primeros que prohíben que alguien mate a los hipopótamos, asegura."Es la única solución que tenemos en el mundo, claro, respetando la diferencia, porque el nosotros no quiere decir que nos vamos a volver homogéneos" afirma.El colonialismo, una prisión circularEl filme habla asimismo de "esa histórica migración de la América y del África, a través los procesos migratorios coloniales, y su circularidad, metafóricamente hablando"."El eurocentrismo y la colonización de alguna otra forma es una prisión circular en donde no se puede salir. Sólo la muerte a lo mejor nos salvaría", señala, y agrega que quizás el fantasma de Pepe "es un ser liberado".Cada colonización fue diferente y "hay algo de la colonización protestante que difiere un poco de otra forma de colonizar", por ejemplo, en cuanto a que el racismo pasa por una "infantilización" del colonizado, de tratarlo como a un niño, dice al referirse a la excolonia África del Sudoeste Alemana, hoy Namibia, donde Pepe también encuentra sus orígenes.La muerte de ese hipopótamo fue, además, una excusa para adentrarse en algo que le parece "sumamente político", que es, indica, el problema en la teoría política o en la filosofía de "una falta de imaginación de pensar nuevos mundos".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"La Cocina", una coproducción entre México y Estados Unidos, retrata la vida de migrantes en la cocina de un restaurante de Nueva York donde se mezclan culturas de todo el mundo durante la hora punta del almuerzo y supone el regreso por tercera vez a la sección a competición de la Berlinale, tras "Museo" en 2018 y "Una película de policías", en 2021."Pepe", una coproducción entre República Dominicana, Namibia, Alemania y Francia, se centra en un joven hipopótamo asesinado en la selva de Colombia y que regresa en forma de fantasma.En tanto, García Bernal, protagonista precisamente de la cinta de Ruizpalacios "Museo", regresa a la sección en competición este año en el papel principal junto a la actriz franco-argentina Bérénice Bejo, en "Anoter End", del italiano Piero Messina, un filme que habla de dos personas que se han amado y se siguen amando, incluso después de la muerte de una de ellas.También son candidatos a Oso los cortometrajes chileno "Al sol, lejos del centro", de Luciana Merino y Pascal Viveros, y argentino "Un movimiento extraño", de Francisco Lezama.La sección a competición Encounters, creada para apoyar a las nuevas voces del cine y dar un mayor espacio a las diversas formas narrativas y documentales en el programa oficial, celebra el regreso al festival del actor argentino Nahuel Pérez Biscayart en "Dormir de olhos abertos" ("Sleep With Your Eyes Open"), del la cineasta alemana Nele Wohlatz en una coproducción de Brasil, Taiwán, Argentina y Alemania.Biscayart llega al festival por partida doble, ya que protagoniza asimismo el filme "Les gens d'à côté", del francés André Téchiné, que se proyectará dentro de la sección Panorama.Todavía dentro de Encounters podrá verse otra cinta brasileña, "Cidade; Campo", de Juliana Rojas, coproducida con Alemania y Francia, y "Tú me abrasas", del argentino Matías Piñeiro, coproducida con España.Entre las películas nominadas a mejor ópera prima figuran dentro de la sección Panorama la película brasileña "Betânia", de Marcelo Botta, y "Yo vi tres luces negras", de Santiago Lozano Álvarez, una coproducción entre Colombia, México, Francia y Alemania.Además están nominadas en al sección Forum la cinta española "The Human Hibernation" de Anna Cornudella Castro, y "La piel en primavera", de Yennifer Uribe Alzate, coproducida entre Colombia y Chile.En tanto, aspiran al premio a mejor documental la cinta española "La hojarasca", de Macu Machín, y la chilena "Oasis", de Tamara Uribe y Felipe Morgado, en la sección Panorama.En esta misma sección se presentarán, además, "Alle die Du bist ("Every You Every Me"), de Michael Fetter Nathansky (Alemania, España) y "Memorias de un cuerpo que arde", de Antonella Sudasassi Furniss (Costa Rica, España).Dentro de la sección Forum, dedicada al cine experimental, se proyectará, además, "Reas", de la argentina Lola Arias, coproducida con Alemania y Suiza.En Forum Expanded, sección dedicada a explorar los límites entre el cine y las artes visuales, podrán verse lo filmes "Barrunto", de Emilia Beatriz (Reino Unido, Puerto Rico) y "QUEBRANTE", de Janaina Wagner (Brasil), además de la performance "Nanacatepec", de Elena Pardo y Azucena Losana (México, España).Dentro de la sección Generation, en el apartado Kplus, dedicado al cine infantil, se proyectarán además los filmes "Raíz", de Franco García Becerra (Perú, Chile), "Reinas", de Klaudia Reynicke (Suiza, Perú, España), y "Los tonos mayores", de Ingrid Pokropek (Argentina, España), además de los cortos "Aguacuario", de Jose Eduardo Castilla Ponce (México) y "Uli", de Mariana Gil Ríos (Argentina).También en Generation, en el apartado 14plus, dedicado al cine juvenil, se podrán ver los cortometrajes "Cura sana", de Lucía G. Romero (España), "Lapso", de Caroline Cavalcanti (Brasil) y "Un pájaro voló", de Leinad Pájaro De la Hoz (Colombia, Cuba).La sección Berlinale Classics incluye en su programa "Deprisa, deprisa", de Carlos Saura (España, Francia) y "Batalla en el cielo", de Carlos Reygadas (México, Alemania, Bélgica, Francia), y la sección Berlinale Special, "Shikun", de Amos Gitai (Israel, Francia, Suiza, Brasil, Reino Unido.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El escritor y periodista uruguayo es amigo desde su juventud de muchos de los que viajaban en aquel avión que el 13 de octubre de 1972 se estrelló en los Andes, ya que había estudiado junto con ellos e incluso jugado en el club de rugby con el que el equipo viajaba a Chile a jugar un partido.Treinta y seis años después, los dieciséis sobrevivientes contaron sus experiencias a Vierci en el libro 'La sociedad de la nieve', una novela "coral" que la editorial Alrevés publica en España días después de que la adaptación cinematográfica de J.A. Bayona haya ganado 12 premios Goya, una cinta que es también candidata a mejor película extranjera en los Óscar."Hay 16 vivos porque hay 29 muertos, porque ofrecieron su cuerpo para que los demás pudieran sobrevivir", ha asegurado en una entrevista con EFE Vierci, que destaca que ese ofrecimiento fue el "ejemplo de generosidad más extremo" que conoce.Para demostrarlo están ahí sus testimonios, tanto los de los supervivientes como los que dejaron en cartas varios de los que no regresaron y que son "indelebles y eternos".Y destaca el hecho de que la película de Bayona se cuente desde el punto de vista de Numa Turcatti, que murió sólo 11 días antes de que fueran rescatados, porque el foco se puso en los supervivientes, pero "¿y los 29?", se pregunta Vierci.Cree que los supervivientes "crecieron muchos años" en esos 72 días que estuvieron en condiciones infrahumanas y que la sociedad de entonces dio "un paso gigante" porque no hubo "ningún reproche": hubo una "aceptación universal" de lo que habían vivido en la nieve, de cómo se habían "ofrecido en vida" a sus compañeros para que pudieran sobrevivir, en una época anterior a la existencia siquiera de la donación de órganos. Porque, dice, "hay que mirarlo al revés: no como 'yo me alimento del cuerpo de un muerto', sino como 'yo te ofrezco mi cuerpo para que tú sigas'".El escritor recibió en 2011 un correo electrónico de J.A. Bayona en el que le decía que su libro era "uno de los relatos más impresionantes, inspiradores y reveladores" que había leído nunca y que aquello que había leído o visto anteriormente sobre el tema no era "más que la punta del iceberg de lo que realmente sucedió allí" por lo que creía que su viaje "debería ser contado en la gran pantalla con la misma intensidad".Para Vierci, esta carta fue como "un meteorito trasatlántico" que le hizo el efecto de un "torpedo emocional" y aunque tenían otras propuestas para la adaptación audiovisual, comenzó con Bayona una colaboración para la puesta en marcha de esta película en cuyo rodaje ha acompañado al director.Trabajaron muchos años en la versión que Bayona quería hacer y entrevistaron a los sobrevivientes y amigos y familiares con los que no volvieron y estos depositaron su confianza en ellos sin que nunca pidieran conocer nada de antemano, recuerda.Vierci dice que Bayona le describe como "el guardián y custodio de la historia" y él lo es, asegura el autor, de que todo esto "fuera absolutamente auténtico", porque entonces así "se llega a la esencia y si se llega ahí, es universal".Y para que fuera auténtico, debía de rodarse en español, "en uruguayo", dice Vierci, que recuerda cómo Bayona luchó para que así fuera. Además de la película, ha explicado, han rodado una "postpelícula" con entrevistas de Bayona a los 16 supervivientes sobre el efecto que les produjo ver la cinta.Sobre la gran acogida de 'La sociedad de la nieve' que él siempre ha sido el "optimista", quizá por ignorancia de los procesos de las academias de cine y que sostuvo desde el principio que era una película ganadora: "juega en una liga de que es distinta, no mejor ni peor, pero es la liga emocional, la liga transformadora, es como una experiencia", aunque reconoce que en Hollywood "hay otro tema", que es que esté rodada en español.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Es la primera vez que un filme de Bayona se lleva el Goya a mejor película, algo que no había conseguido con 'Un monstruo viene a verme' (2017) ni con 'Lo imposible' (2013), con las que sí se había llevado los de mejor dirección.Mientras que '20.000 especies de abejas', ópera prima de Estibaliz Urresola, que llegó a la gala como la más nominada con 15 candidaturas, se va de Valladolid, donde se ha celebrado la gala, con 3 premios -mejor dirección novel, guion original y actriz de reparto para Ane Gabarain-.Y 'Robot Dreams', la historia de animación de Pablo Berger, ganó dos premios, el de su categoría de animación, y el de mejor guion adaptado, el único que perdió la película de Bayona.Ese premio impidió a Bayona lograr el pleno de todas las nominaciones, algo que no ha conseguido hasta ahora ninguna película en la historia de los Goya.Pero se va como la gran triunfadora de la edición con los premios a mejor filme, dirección, vestuario, efectos especiales, maquillaje y peluquería, actor revelación (Matías Recalt), fotografía, sonido, dirección artística, dirección de producción, música y montaje.Basada en el libro homónimo de Pablo Vierci, 'La sociedad de la nieve' recoge los testimonios de los 16 supervivientes del accidente del avión estrellado el 13 de octubre de 1972 en la cordillera de Los Andes y que trasladaba a un equipo de rugby desde Montevideo a Chile.De sus 45 ocupantes, 12 murieron en el impacto y otros 17 no sobrevivieron a las duras condiciones climatológicas, la falta de alimentos y las heridas a lo largo de los 72 días que pasaron en la nieve antes de ser rescatados.La película, coproducida por Netflix, relata las dificultades y profundos dilemas a los que se enfrentaron aquellos jóvenes uruguayos para sobrevivir, incluida la antropofagia, y contó con la implicación en el proyecto de los verdaderos protagonistas.Nominada al Oscar a mejor película internacional, supone el regreso de Bayona al castellano quince años después de "El orfanato" (2007), su aclamada opera prima.Entre medias el catalán rodó "Lo imposible" (2012), con Naomi Watts y Tom Holland, "Un monstruo viene a verme" (2016), con Sigourney Weaver y Felicity Jones y "Jurassic Woorld: el reino caído" (2018), además de series como "Penny Dreadful" (2014) y "El señor de los anillos: los anillos del poder" (2022).No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Estas son las claves de la gala.De Urresola a Bayona, sin olvidar a Erice, Trueba y Coixet'20.000 especies de abejas', un drama sobre la infancia trans que supone el debut de Urresola, suma quince nominaciones, frente a las trece de 'La sociedad de la nieve', la épica y a la vez intimista visión de J.A. Bayona sobre la tragedia aérea de Los Andes de 1972.Las otras candidatas a mejor película son 'Cerrar los ojos', el regreso al cine de Víctor Erice después de 30 años, 'Saben aquell', un filme sobre la vida del humorista Eugenio dirigido por David Trueba y 'Un amor', la adaptación de la novela de Sara Mesa dirigida por Isabel Coixet.Los Javis y Ana Belén, un encuentro internacional Los creadores de series como 'Paquita Salas' y 'La Mesías', Javier Calvo y Javier Ambrossi, símbolos de la renovación generacional en el sector audiovisual español, ejercerán de presentadores de la gala junto a una veterana y Goya de Honor 2017, la cantante y actriz Ana Belén.Más diversidad que nunca en las nominacionesPor primera vez en la historia, más de la mitad de las nominaciones (61%) incluyen mujeres. En dirección hay dos de cinco: Elena Martín por 'Creatura' y Coixet por 'Un amor' y otras dos en dirección novel: Urresola por '20.000 especies de abejas' e Itsaso Arana por 'Las chicas están bien'.Además, por primera vez está nominado un actor no binario, La Dani, candidato al Goya a mejor actor revelación por 'Te estoy amando locamente' y, en la misma categoría, el 'youtuber' Brianeitor, con discapacidad severa.Un cambio de guion inesperado por la violencia sexualLa publicación, a finales de enero, de una investigación que acusaba al director Carlos Vermut de violencia sexual causó un gran impacto en el mundo del cine y los Goya no serán ajenos a ello. Según avanzó a EFE Ana Belén, habrá un momento al principio de la gala para solidarizarse con las víctimas.Además, la Academia anunció que "visibilizará la reivindicación del fin de los abusos en el cine" en la gala.Sigourney Weaver y Juan Mariné, los premios internacionalesLa actriz y productora estadounidense Sigourney Weaver recibirá el Goya Internacional 2024 por una carrera marcada por personajes como la Teniente Ripley de 'Alien'.El otro gran homenajeado será el histórico director de fotografía, restaurador e investigador Juan Mariné, que a sus 103 años recibirá el Goya de Honor, con hitos en su trayectoria como haber filmado el entierro del anarquista Buenaventura Durruti en 1936 o haber fotografiado la primera película española en color, 'La gata'.Malena Alterio, la favorita a mejor actrizTras llevarse el premio Forqué y el Feroz, Malena Alterio llega como favorita al Goya a mejor actriz protagonista por 'Que nadie duerma', una película basada en la novela de Juan José Millás y dirigida por Antonio Méndez Esparza.Sus rivales son Patricia López Arnaiz, nominada por '20.000 especies de abejas', María Vázquez por 'Matria', Carolina Yuste por 'Saben aquell' y Laia Costa por 'Un amor'.David Verdaguer, favorito a mejor actorEn la categoría masculina, también hay un claro favorito, David Verdaguer, por su papel de Eugenio en 'Saben aquell'. El intérprete ya tiene un Goya como mejor actor de reparto por "Verano 1993" (2017).Los otros aspirantes son Manolo Solo por 'Cerrar los ojos', Enric Auquer por 'El maestro que prometió el mar', Hovik Keuchkerian por 'Un amor' y Alberto Amman por 'Upon entry'.De Amaia a Bisbal, más música que nuncaMás musical que nunca, la gala de los Goya contará con actuaciones de Amaia, David Bisbal, Estopa, María José Llergo, India Martínez, Niña Pastori, Silvia Pérez Cruz y Salvador Sobral.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Estoy celebrando desde que estoy nominada y sigo celebrándolo", dice a EFE en una entrevista cinco días antes de la gala de la 38 edición de los Premios Goya, en la que está nominada en la categoría de actriz revelación por su papel en 'La contadora de películas'.La gala se celebrará en Valladolid (noroeste), una ciudad que ya conoció el año pasado cuando se presentó la película en la Seminci, festival de cine que se celebra en la ciudad. La cinta que opta a tres Goya, a mejor dirección de arte, mejor diseño de vestuario y mejor actriz revelación.Aunque solo tiene 22 años, Becker actúa desde los 9 años y ahora consiguió la nominación al Goya por un papel que obtuvo en un proceso con 250 actrices. "Yo creo que todas las adolescentes chilenas castearon para la peli", afirma con más risas.Interpreta a María Margarita, una joven que vive en un pueblo minero en el desierto de Atacama (norte de Chile) y que se dedica a contar películas a sus vecinos mientras trata de sobrevivir a incontables dramas personales y familiares.Todo el peso de la historia recae en ella en esta película dirigida por la danesa Lone Scherfig, responsable de títulos como 'An Education' (2009) o 'Italiano para principiantes' (2000) y que adapta la novela homónima del chileno Hernán Rivera Letelier."Desde que pude leer el guión me enamoré de María Margarita, de todo lo que significa para Chile la imagen de esta adolescente, de esta mujer tan empoderada" que resiste todas las desgracias que le ocurren gracias al arte y al cine, explica Becker.Con Scherfig hablando inglés y un elenco que mezclaba el español, francés, alemán o catalán, el equipo rodó dos meses y medio en Pedro de Valdivia, una localidad salitrera, abandonada en 1996, pero que sus antiguos habitantes mantienen con una visita anual para arreglar y limpiar las casas.Por eso, para Becker también es importante que esta película enseñe a los chilenos cómo se vivía en estos poblados que se crearon junto a explotaciones mineras de salitre. Permite revisitar esa parte de la historia ahora olvidada y hacerlo de una manera muy realista, ya que parte de la figuración de la película eran antiguos vecinos del lugar.Las condiciones en las que vivían esas personas fueron las mismas en las que vivió todo el equipo de la película durante rodaje, con altas temperaturas durante el día y frío por la noche, el clima habitual de Atacama, el desierto más árido del mundo.La ciudad más cercana quedaba a dos horas, recuerda la actriz, para quien este aislamiento les hizo sentirse casi como dentro de una película, en un ambiente mágico y muy diferente al que están acostumbrados."La mayoría éramos de Santiago, de la capital. Y muchos no conocíamos tanto el desierto. Fue un rodaje muy lindo porque fue muy inspirador estar con toda esa gente", reconoce Becker, que se deshace en elogios con la directora y sus compañeros de reparto."Yo vengo de una industria pequeñita en Chile que cada vez crece más, pero ellos siempre han tenido una gran amabilidad conmigo y se agradece muchísimo", reflexiona la actriz, que también destaca la sensibilidad de Scherfig y la libertad que la realizadora dio a los actores para hacer distintas versiones de las mismas escenas.La película es también todo un homenaje al cine. Una historia de cine dentro del cine en la que aparecen secuencias de películas míticas como 'Spartacus', 'The Apartment' o 'The Man Who Shot Liberty Valance ', todas ellas elegidas cuidadosamente por la realizadora danesa.Estas y otros títulos son las que la joven María Margarita describe a sus hermanos o a sus vecinos. Y conocer más en profundidad el cine clásico es otra de las lecciones que sacó de este proyecto.Anima a ver 'La contadora de películas' a los jóvenes que se aburren con la lentitud del cine en blanco y negro, que buscan la inmediatez y se aburren al leer una novela. "Necesitamos todo ahora ya. Y no, no puede ser", apunta con madurez.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Aspiran al mejor filme debut dentro de la sección Panorama la película brasileña "Betânia", de Marcelo Botta, y "Yo vi tres luces negras", de Santiago Lozano Álvarez, una coproducción entre Colombia, México, Francia y Alemania.Además están nominadas en al sección Forum la cinta española "The Human Hibernation" de Anna Cornudella Castro, y "La piel en primavera", de Yennifer Uribe Alzate, coproducida entre Colombia y Chile.El premio a la mejor ópera prima, con 16 nominados, está dotado con 50.000 euros a repartir entre director y productores, concedidos por GWFF, sociedad que protege los derechos de cine y televisión.Forman el jurado de estos premios la realizadora y guionista estadounidense Eliza Hittman, la comisaria del Festival Internacional de Cine de Toronto y asesora del Festival Internacional de Cine de Marrakech, autora y crítica canadiense Andréa Picard y la productora danesa Katrin Pors.En tanto, aspiran al premio a mejor documental entre un total de viente películas la cinta española "La hojarasca", de Macu Machín, y la chilena "Oasis", de Tamara Uribe y Felipe Morgado, que se proyectan en la sección Panorama.El galardón está dotado con 40.000 euros a repartir entre director y productores, concedidos por la radiotelevisión de Berlín-Brandeburgo rbb.Forman el jurado de estos premios el director de cine, crítico y autor franco-iraquí Abbas Fahdel, el autor y realizador alemán Thomas Heise, y la realizadora, artista y antropóloga francesa Véréna Paravel.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Frida", que llega a Amazon Prime en marzo, recuenta la historia de una de las grandes figuras del siglo XX a través de sus propias palabras, pero en un tono de intimidad, no de narrativa autobiográfica."Teníamos mucho material sobre sus sentimientos, sus emociones y también de sus reacciones a lo que estaba viendo en el mundo. Y entonces eso fue para nosotros una guía", declaró la realizadora peruana Claudia Gutiérrez a la AFP.Frida Kahlo, con sus tocados de flores, cejas tupidas y vestidos huipil, tiene una imagen inconfundible. La pintora surrealista, fallecida en 1954 a los 47 años, vivió marcada por un accidente que castigó su cuerpo por años, así como por la intensidad de sus emociones.Su estilo contestatario ha sido caracterizado en películas, libros y documentales, en tanto que su estética vende prácticamente cualquier objeto imaginable.Pero Gutiérrez, quien aseguró haberse enamorado de su obra cuando era joven, sintió que faltaba traer a la pantalla grande sus palabras. "Hace un par de años comencé a pensar en su historia de nuevo y comencé a ver el material que existía de su propia voz. Y descubrí de que ella podía contar la gran parte de su historia", dijo."Textura""Frida" sigue un orden cronológico, comenzando por la niñez de la artista en su natal barrio de Coyoacán, en Ciudad de México, junto a un padre fotógrafo y una madre conservadora, seguido por su adolescencia rebelde cuando de joven se vestía como un chico.Poco después, tuvo un accidente de tránsito que le generó fracturas serias en todo el cuerpo y la obligó a meses de experimentos médicos y a una vida sufrida por el dolor y uso de corsés y dolor. Luego se aborda su encuentro con Diego Rivera, el popular pintor muralista quien se convirtió en su fascinación y tormento, pasando por sus posiciones políticas, sus amores y sus frustraciones."El tema principal de la película es (...) una mujer que no quiere contener su voz", contó Gutiérrez. "Queríamos hacer esa conexión entre su arte y su experiencia de vida (...) Queríamos inyectar a la película que esté realmente con la textura de su voz, la textura de esos sentimientos".Aunque Gutiérrez ya estaba familiarizada con la obra de Frida, se manifestó gratamente sorprendida con su sarcasmo en esta nueva lectura profesional, así como con su fragilidad."Sabía que tenía sentido del humor, pero lo que no sabía eran las palabras que utilizaba para expresar ese sarcasmo que tenía". "Pero también la vulnerabilidad que tenía, y que en parte no tenía respuestas para todo", comentó. "Era una persona súper compleja, con con muchos miedos, a veces era una persona difícil, tenía una personalidad muy muy fuerte", añadió.La directora espera que su trabajo brinde una nueva luz, más íntima, sobre Frida Kahlo, quien siete décadas después de su muerte sigue cautivando público.Gutiérrez ve en "su honestidad" la clave para entender la fascinación que la pintora despierta al depararse con un trabajo y una escrita que habla sobre temas aún considerados tabúes en algunas sociedades como el aborto, la bisexualidad o el placer sexual."No hablamos de esas cosas (...) Y Frida lo estaba como que gritando abiertamente desde ese dolor y muy gráficamente, ¿no? En esa época, en los años 1930", comentó Gutiérrez. "Generaciones y generaciones van a descubrir eso. Y van a seguir conectándose con eso", opinó.El festival de cine de Sundance se celebra en Park City, en el estado de Utah, hasta el 28 de enero.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Yo tenía ocho años. En aquel momento de mi vida, nada me importaba más que el béisbol. Mi equipo era el New York Giants, y seguía las actividades de aquellos hombres de gorra naranja y negra con la devoción de un verdadero creyente. Incluso ahora, al recordar ese equipo que ya no existe, que jugaba en un estadio que ya no existe, soy capaz de recitar los nombres de casi todos los jugadores. Alvin Dark, Whitey Lockman, Don Mueller, Johnny Antonelli, Monte Irvin, Hoyt Wilhelm. Pero ninguno era tan grande, tan perfecto ni tan digno de veneración como Willie Mays, el incandescente Say-Hey Kid.Aquella primavera me llevaron a mi primer partido de liga. Unos amigos de mi padre tenían asientos de tribuna en el Polo Grounds, y una noche de abril fui con mis padres y sus amigos a ver a los Giants contra los Milwaukee Braves. No sé quién ganó, no recuerdo un solo detalle del partido, pero sí recuerdo que, cuando acabó, mis padres y sus amigos se quedaron charlando en sus asientos hasta que todos los espectadores se hubieron marchado. Se nos hizo tan tarde que tuvimos que cruzar el campo y salir por una de las puertas centrales, que era la única que estaba abierta. Y dio la casualidad de que esa salida estaba justo debajo de los vestuarios de los jugadores.En el momento en que nos acercamos a la puerta, atisbé a Willie Mays. No había duda alguna de que era él. Se trataba de Willie Mays en persona, ya sin el uniforme del equipo, vestido con ropa de calle a menos de tres metros de mí. Conseguí que mis piernas me llevaran hacia él, y a continuación, haciendo acopio de todo mi valor, hice que las palabras me salieran de la boca:—Señor Mays —le dije—, ¿podría firmarme un autógrafo?Mays debía de tener unos veinticuatro años, pero fui incapaz de llamarle por su nombre de pila.Su respuesta a mi pregunta fue brusca pero amigable.—Claro, chaval —dijo—. ¿Tienes un lápiz?Recuerdo que estaba tan lleno de vida, hasta tal punto rebosaba juventud y energía, que no dejaba de dar saltitos mientras hablaba.💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Pero yo no llevaba lápiz, de modo que le pedí a mi padre si podía prestarme el suyo. El tampoco llevaba. Ni mi madre. Y resultó que los demás adultos tampoco.El gran Willie Mays seguía allí, mirándome en silencio. Cuando quedó claro que no había nadie en el grupo que llevara nada con lo que escribir, se volvió hacia mí y se encogió de hombros.—Lo siento, chaval —dijo—. Si no tienes lápiz, no puedo firmarte un autógrafo.Y salió del estadio perdiéndose en la noche.No quería llorar, pero las lágrimas empezaron a caerme por las mejillas, y no pude hacer nada para impedirlo. Y lo peor fue que seguí llorando en el coche hasta que llegamos a casa. Sí, estaba abatido, decepcionado, pero también irritado conmigo mismo por no ser capaz de controlar las lágrimas. No era ningún crío. Tenía ocho años, y se suponía que un muchacho de esa edad no debía llorar por algo así. No sólo no tenia el autógrafo de Willie Mays, sino que tampoco tenía nada más. La vida me había puesto a prueba, y yo no había sabido dar la talla.Después de aquella noche, comencé a llevar un lápiz conmigo allí donde iba. Adquirí la costumbre de no salir de casa sin antes asegurarme de que llevaba un lápiz en el bolsillo. No es que planeara hacer nada con él, pero no quería que me cogieran otra vez desprevenido. En una ocasión ya me habían pillado con las manos vacías, y no iba a permitir que eso volviera a pasarme.Cuando menos, los años me han enseñado esto: si llevas un lápiz en el bolsillo, hay bastantes posibilidades de que algún día te sientas tentado a utilizarlo.Como me gusta decirles a mis hijos, así es como me hice escritor.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Paul Auster, nacido el 3 de febrero de 1947 en Newark, Nueva Jersey, fue un autor estadounidense cuyo trabajo significó uno de los paradigmas de la literatura norteamericana contemporánea. A lo largo de su carrera, Auster fue aclamado por su habilidad para explorar temas complejos como la identidad, el azar y la soledad a través de una prosa distintiva y evocadora.💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Uno de los aspectos más destacados de la obra de Paul Auster fue su famosa "Trilogía de Nueva York", compuesta por las novelas "Ciudad de cristal" (1985), "Fantasmas" (1986) y "La habitación cerrada" (1986). Esta trilogía, considerada una obra maestra del género posmodernista, fusionó elementos del thriller, la metaficción y la filosofía existencialista para crear una narrativa absorbente que desafió las convenciones literarias tradicionales.Auster fue conocido por su estilo de escritura conciso y reflexivo, así como por su uso magistral de la estructura narrativa fragmentada y la voz narrativa ambigua. Sus personajes a menudo se encontraban en mundos enigmáticos y laberínticos donde la realidad se entrelazaba con la fantasía, lo que invitaba al lector a reflexionar sobre cuestiones fundamentales de la vida y la experiencia humana.Además de su trilogía más famosa, Auster produjo una amplia gama de obras que abarcaban novelas, ensayos, poesía y memorias. Entre sus obras más destacadas se encontraban "El libro de las ilusiones" (2002), "Brooklyn Follies" (2005), "4 3 2 1" (2017) y "Diario de invierno" (2012). En cada una de estas obras, Auster demostró su maestría para tejer historias complejas y profundamente humanas que resonaban con los lectores a nivel emocional e intelectual.El trabajo de Auster fue destacable por su capacidad para capturar la esencia de la condición humana en todas sus complejidades y contradicciones. Su enfoque introspectivo y su exploración de temas universales como el destino, el azar y la búsqueda de significado consolidaron su lugar como uno de los escritores más influyentes de su generación.Auster falleció el martes 30 de abril a los 77 años después de padecer cáncer de pulmón. A lo largo de su carrera, fue galardonado con numerosos premios y reconocimientos, incluyendo el Premio Príncipe de Asturias de las Letras en 2006. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El martes 30 de abril del 2024 será recordado por el día en el que murió Paul Auster, el renombrado escritor estadounidense conocido por sus obras literarias que cautivaron a lectores de todo el mundo. Auster, de 77 años, partió tras padecer cáncer de pulmón, según lo reportado por el diario The New York Times el martes.Nacido con un don para la narrativa, Auster dejó una huella indeleble en la literatura contemporánea con obras que exploran las complejidades de la existencia humana y la condición moderna. Su famosa "Trilogía de Nueva York", que incluye obras emblemáticas como "Ciudad de cristal", "Fantasmas" y "La habitación cerrada", se ha ganado un lugar destacado en el canon literario.Más allá de su genio creativo, Auster será recordado por su carácter afable y su profundo compromiso con la escritura. Amigo y mentor para muchos, su legado trasciende las páginas de sus libros, dejando una marca perdurable en la comunidad literaria.
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La campaña “Donar un libro es un Hecho de Paz”, liderada por la Misión de Apoyo al Proceso de Paz en Colombia (MAPP/OEA), que cumple veinte años de presencia en Colombia y la Cámara Colombiana del Libro, llega a su quinta edición.Esta iniciativa, que desde 2019, ha entregado más de 17.500 libros en los territorios más afectados por el conflicto armado, la criminalidad y la inequidad, y en diferentes centros carcelarios del país, está pensada principalmente en niñas, niños y adolescentes para incentivar la lectura y su capacidad para transformar realidades sociales en pro de la construcción de paz en sus municipios y comunidades.“Este 2024, la MAPP/OEA cumple 20 años de trabajo ininterrumpido en Colombia acompañando a las comunidades y a las instituciones en los territorios, y con su despliegue territorial en más de 100 municipios de 18 departamentos, a través de 14 oficinas regionales permanentes, está a disposición del país para llevar la lectura como un hecho de paz a aquellos lugares que más lo necesitan”, señaló Roberto Menéndez, Jefe de la MAPP/OEA.Hasta ahora esta campaña ha entregado ejemplares en más de 80 iniciativas locales en todas las regiones del país, como escuelas, organizaciones sociales y de líderes, asociaciones de educadores, consejos comunitarios, colectivos juveniles, centros comunales y bibliotecas en zonas rurales y urbanas de departamentos como La Guajira, Antioquia, Arauca, Norte de Santander, Valle del Cauca, Caquetá, Cauca, Córdoba, Guaviare, Meta, Cesar, Putumayo y Nariño, entre otros.También han estado presentes en centros penitenciarios de Jamundí, Valle del Cauca; La Dorada, Caldas; Apartadó, Antioquia; y el Buen Pastor de Bogotá, como parte del programa “Cultura Para La Libertad” de los Ministerios de Justicia y de Cultura, que con apoyo del INPEC y la MAPP/OEA, impulsan una iniciativa de resocialización e integración para personas privadas de la libertad, a partir del fomento a la lectura, la escritura y la educación.“Como representantes del sector editorial colombiano, es fundamental continuar fortaleciendo los vínculos entre los libros y sus lectores, así como articular las distintas iniciativas que se gestan alrededor de la promoción de la lectura en el país. Esta campaña, que ya llega a su quinta edición, evidencia el interés genuino de los y las ciudadanas, para que las palabras lleguen a todos los rincones del país”, afirma Adriana Ángel Forero, directora de la FILBo, espacio en el que también los interesados podrán hacer donaciones de libros."Desde la Misión celebramos la participación de Brasil, país miembro de la Organización de los Estados Americanos, como invitado de honor a la Feria este año. También, agradecemos el apoyo de la Cámara Colombiana del Libro, Servientrega y las embajadas de países socios y amigos de la MAPP/OEA como Suecia, Países Bajos, España, Reino Unido e India; de entidades como el Centro Nacional de Memoria Histórica; y a miles de colombianas y colombianos que se han querido sumar a esta iniciativa a lo largo de sus distintas ediciones”, agregó Menéndez.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Cómo donar libros? Quienes deseen contribuir a esta campaña deben tener en cuenta que los libros donados deben estar en perfecto estado y abordar temáticas como literatura infantil, juvenil y universal; derechos humanos; niñez, convivencia y diálogo; Paz, equidad y reconciliación; y medio ambiente.Durante los días de la FilBo, podrán entregar los libros en los stands de Servientrega en Corferias o en la oficina de la Cámara Colombiana del Libro, en el segundo piso del pabellón 23.También hay espacios distintos a Corferias para hacer las donaciones: pueden acercarse a la Biblioteca Fundadores Colegio Gimnasio Moderno, ubicada en la carrera 9 #74-99 en Bogotá, o revisar uno de los 65 puntos de recepción de libros dispuestos por Servientrega en todo el país aquí.En la edición 2023 de “Donar un Libro es un Hecho de Paz” se recogieron más de 2.800 libros en todo el país. Este año, con el apoyo de Servientrega, la MAPP/OEA y la FILBo se encargarán de entregar los libros recolectados.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.