"Estoy celebrando desde que estoy nominada y sigo celebrándolo", dice a EFE en una entrevista cinco días antes de la gala de la 38 edición de los Premios Goya, en la que está nominada en la categoría de actriz revelación por su papel en 'La contadora de películas'.La gala se celebrará en Valladolid (noroeste), una ciudad que ya conoció el año pasado cuando se presentó la película en la Seminci, festival de cine que se celebra en la ciudad. La cinta que opta a tres Goya, a mejor dirección de arte, mejor diseño de vestuario y mejor actriz revelación.Aunque solo tiene 22 años, Becker actúa desde los 9 años y ahora consiguió la nominación al Goya por un papel que obtuvo en un proceso con 250 actrices. "Yo creo que todas las adolescentes chilenas castearon para la peli", afirma con más risas.Interpreta a María Margarita, una joven que vive en un pueblo minero en el desierto de Atacama (norte de Chile) y que se dedica a contar películas a sus vecinos mientras trata de sobrevivir a incontables dramas personales y familiares.Todo el peso de la historia recae en ella en esta película dirigida por la danesa Lone Scherfig, responsable de títulos como 'An Education' (2009) o 'Italiano para principiantes' (2000) y que adapta la novela homónima del chileno Hernán Rivera Letelier."Desde que pude leer el guión me enamoré de María Margarita, de todo lo que significa para Chile la imagen de esta adolescente, de esta mujer tan empoderada" que resiste todas las desgracias que le ocurren gracias al arte y al cine, explica Becker.Con Scherfig hablando inglés y un elenco que mezclaba el español, francés, alemán o catalán, el equipo rodó dos meses y medio en Pedro de Valdivia, una localidad salitrera, abandonada en 1996, pero que sus antiguos habitantes mantienen con una visita anual para arreglar y limpiar las casas.Por eso, para Becker también es importante que esta película enseñe a los chilenos cómo se vivía en estos poblados que se crearon junto a explotaciones mineras de salitre. Permite revisitar esa parte de la historia ahora olvidada y hacerlo de una manera muy realista, ya que parte de la figuración de la película eran antiguos vecinos del lugar.Las condiciones en las que vivían esas personas fueron las mismas en las que vivió todo el equipo de la película durante rodaje, con altas temperaturas durante el día y frío por la noche, el clima habitual de Atacama, el desierto más árido del mundo.La ciudad más cercana quedaba a dos horas, recuerda la actriz, para quien este aislamiento les hizo sentirse casi como dentro de una película, en un ambiente mágico y muy diferente al que están acostumbrados."La mayoría éramos de Santiago, de la capital. Y muchos no conocíamos tanto el desierto. Fue un rodaje muy lindo porque fue muy inspirador estar con toda esa gente", reconoce Becker, que se deshace en elogios con la directora y sus compañeros de reparto."Yo vengo de una industria pequeñita en Chile que cada vez crece más, pero ellos siempre han tenido una gran amabilidad conmigo y se agradece muchísimo", reflexiona la actriz, que también destaca la sensibilidad de Scherfig y la libertad que la realizadora dio a los actores para hacer distintas versiones de las mismas escenas.La película es también todo un homenaje al cine. Una historia de cine dentro del cine en la que aparecen secuencias de películas míticas como 'Spartacus', 'The Apartment' o 'The Man Who Shot Liberty Valance ', todas ellas elegidas cuidadosamente por la realizadora danesa.Estas y otros títulos son las que la joven María Margarita describe a sus hermanos o a sus vecinos. Y conocer más en profundidad el cine clásico es otra de las lecciones que sacó de este proyecto.Anima a ver 'La contadora de películas' a los jóvenes que se aburren con la lentitud del cine en blanco y negro, que buscan la inmediatez y se aburren al leer una novela. "Necesitamos todo ahora ya. Y no, no puede ser", apunta con madurez.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Aspiran al mejor filme debut dentro de la sección Panorama la película brasileña "Betânia", de Marcelo Botta, y "Yo vi tres luces negras", de Santiago Lozano Álvarez, una coproducción entre Colombia, México, Francia y Alemania.Además están nominadas en al sección Forum la cinta española "The Human Hibernation" de Anna Cornudella Castro, y "La piel en primavera", de Yennifer Uribe Alzate, coproducida entre Colombia y Chile.El premio a la mejor ópera prima, con 16 nominados, está dotado con 50.000 euros a repartir entre director y productores, concedidos por GWFF, sociedad que protege los derechos de cine y televisión.Forman el jurado de estos premios la realizadora y guionista estadounidense Eliza Hittman, la comisaria del Festival Internacional de Cine de Toronto y asesora del Festival Internacional de Cine de Marrakech, autora y crítica canadiense Andréa Picard y la productora danesa Katrin Pors.En tanto, aspiran al premio a mejor documental entre un total de viente películas la cinta española "La hojarasca", de Macu Machín, y la chilena "Oasis", de Tamara Uribe y Felipe Morgado, que se proyectan en la sección Panorama.El galardón está dotado con 40.000 euros a repartir entre director y productores, concedidos por la radiotelevisión de Berlín-Brandeburgo rbb.Forman el jurado de estos premios el director de cine, crítico y autor franco-iraquí Abbas Fahdel, el autor y realizador alemán Thomas Heise, y la realizadora, artista y antropóloga francesa Véréna Paravel.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Frida", que llega a Amazon Prime en marzo, recuenta la historia de una de las grandes figuras del siglo XX a través de sus propias palabras, pero en un tono de intimidad, no de narrativa autobiográfica."Teníamos mucho material sobre sus sentimientos, sus emociones y también de sus reacciones a lo que estaba viendo en el mundo. Y entonces eso fue para nosotros una guía", declaró la realizadora peruana Claudia Gutiérrez a la AFP.Frida Kahlo, con sus tocados de flores, cejas tupidas y vestidos huipil, tiene una imagen inconfundible. La pintora surrealista, fallecida en 1954 a los 47 años, vivió marcada por un accidente que castigó su cuerpo por años, así como por la intensidad de sus emociones.Su estilo contestatario ha sido caracterizado en películas, libros y documentales, en tanto que su estética vende prácticamente cualquier objeto imaginable.Pero Gutiérrez, quien aseguró haberse enamorado de su obra cuando era joven, sintió que faltaba traer a la pantalla grande sus palabras. "Hace un par de años comencé a pensar en su historia de nuevo y comencé a ver el material que existía de su propia voz. Y descubrí de que ella podía contar la gran parte de su historia", dijo."Textura""Frida" sigue un orden cronológico, comenzando por la niñez de la artista en su natal barrio de Coyoacán, en Ciudad de México, junto a un padre fotógrafo y una madre conservadora, seguido por su adolescencia rebelde cuando de joven se vestía como un chico.Poco después, tuvo un accidente de tránsito que le generó fracturas serias en todo el cuerpo y la obligó a meses de experimentos médicos y a una vida sufrida por el dolor y uso de corsés y dolor. Luego se aborda su encuentro con Diego Rivera, el popular pintor muralista quien se convirtió en su fascinación y tormento, pasando por sus posiciones políticas, sus amores y sus frustraciones."El tema principal de la película es (...) una mujer que no quiere contener su voz", contó Gutiérrez. "Queríamos hacer esa conexión entre su arte y su experiencia de vida (...) Queríamos inyectar a la película que esté realmente con la textura de su voz, la textura de esos sentimientos".Aunque Gutiérrez ya estaba familiarizada con la obra de Frida, se manifestó gratamente sorprendida con su sarcasmo en esta nueva lectura profesional, así como con su fragilidad."Sabía que tenía sentido del humor, pero lo que no sabía eran las palabras que utilizaba para expresar ese sarcasmo que tenía". "Pero también la vulnerabilidad que tenía, y que en parte no tenía respuestas para todo", comentó. "Era una persona súper compleja, con con muchos miedos, a veces era una persona difícil, tenía una personalidad muy muy fuerte", añadió.La directora espera que su trabajo brinde una nueva luz, más íntima, sobre Frida Kahlo, quien siete décadas después de su muerte sigue cautivando público.Gutiérrez ve en "su honestidad" la clave para entender la fascinación que la pintora despierta al depararse con un trabajo y una escrita que habla sobre temas aún considerados tabúes en algunas sociedades como el aborto, la bisexualidad o el placer sexual."No hablamos de esas cosas (...) Y Frida lo estaba como que gritando abiertamente desde ese dolor y muy gráficamente, ¿no? En esa época, en los años 1930", comentó Gutiérrez. "Generaciones y generaciones van a descubrir eso. Y van a seguir conectándose con eso", opinó.El festival de cine de Sundance se celebra en Park City, en el estado de Utah, hasta el 28 de enero.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La protesta de actores, productores y directores argentinos fue respaldada por figuras como el español Pedro Almodóvar, el mexicano Alejandro González Iñárritu y el finlandés Aki Kaurismäki, quienes suscribieron un comunicado en defensa de "una industria cinematográfica vibrante, heterogénea y dinámica", con apoyo estatal desde 1944.El proyecto inicial de Ley Ómnibus que el gobierno envió al Congreso incluía el recorte de fondos al Instituto Nacional De Cine Y Artes Audiovisuales (Incaa) y la reducción o eliminación de órganos de fomento del teatro, los libros, la música y el arte en general."Argentina es el país que más nominaciones al Oscar tiene de la región, porque hay una Ley de Cine que sostiene y fomenta la existencia de un cine argentino", dijo ante la comisión parlamentaria que analiza el proyecto Santiago Mitre, director de "Argentina 1985" (2022), un exitoso film sobre el juicio a las exjuntas militares.El propio Milei intervino en la polémica, al acusar al popular actor, productor y empresario artístico Adrián Suar de defender "a los que viven de privilegios"."Hablar de la cultura en términos económicos (...) es una mirada que entristece, empobrece", había dicho Suar al criticar el proyecto gubernamental.El gobierno dio parcialmente marcha atrás el lunes con varios de los artículos y aseguró que seguirá "protegiendo los recursos del sector, pero preservando el objetivo de que los gastos administrativos no sean una carga excesiva".Así, la contrapropuesta oficial al Congreso insiste en que los entes que reciban fondos públicos de apoyo al cine y la música dediquen no más del 20% a gastos administrativos y que en caso de coproducciones sólo se financie la parte argentina.Aliados y opositores abiertos a discutir la Ley Ómnibus de recortes y desregulación de la economía discuten estos días un dictamen que pueda ser votado por el plenario de la Cámara de Diputados la próxima semana, y de ser aprobado pase al Senado.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La película chilena compite con proyectos como 'Four Daughters', 'To Kill a Tiger', 'Bobi Wine: The People’s President' y '20 Days in Mariupol'.Esta es la segunda nominación al óscar que recibe la cineasta de 40 años, quien en 2020 llegó a la celebración de cine más importante de la industria con el documental 'El agente topo', donde contaba la historia de Sergio, un anciano de 80 años, que se convierte en un espía en un hogar de ancianos.En 'La memoria infinita', Alberdi retrata la relación de amor entre el periodista Augusto Góngora y la actriz y exministra de Cultura chilena Paulina Urrutia, marcada por las complicaciones del alzheimer de Góngora, y mientras teje como telón de fondo la historia de un país marcado por la dictadura.En 2023, el documental se destacó como ganador en la categoría de documental internacional en el Festival de Sundance de cine independiente, donde celebró su estreno mundial. Este año, Alberdi volvió a ser parte de este destacado evento cinematográfico, siendo honrada con el premio honorífico Vanguardia.Alberdi ha pasado gran parte de su carrera en el cine contando historias que versan sobre la dignificación de la vejez.En 2014, el documental 'La once' le valió reconocimiento internacional al retratar a un grupo de ancianas amigas de su abuela durante su ritual mensual de tomar el té, una tradición que han mantenido durante más de 60 años.Dos años después, presentó 'Yo no soy de aquí', una obra en la que exploró la demencia senil y el alzhéimer en ancianos inmigrantes.Los ganadores a los Óscar se darán a conocer el 10 de marzo a través de una ceremonia emitida en directo por la cadena ABC desde el teatro Dolby de Los Ángeles.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El filme es uno de los cinco nominados este jueves a mejor película en habla no inglesa en los premios BAFTA de la academia del cine británica.Bayona protagonizó en Zaragoza (España) un encuentro con unas 1.400 personas para reflejar la experiencia de los dieciséis supervivientes y de los otros compañeros que iban en el avión y no superaron los 72 días de frío: "Quería encontrar el denominador común de personalidades diferentes, confiando en el relato y entendiendo aquello por lo que habían pasado".Todo comenzó en 2011, cuando envió un mensaje a los supervivientes tras leer la obra del uruguayo Pablo Vierci: "Quería pedir permiso para hablar sobre esto y compartirles esa culpa de haber vivido una vida que ellos no tuvieron"."Parte del ejercicio es recuperar la memoria de los fallecidos y no cabía la posibilidad de no poder usar los nombres. Eso sí, había como una especie de frontera y separación. Después de hacer el pase el 1 de septiembre con ellos, creo que se mitigó, se unieron y les ayudó a procesar esos duelos de manera particular", indicó.No obstante, aseguró que lo que más le impresionó del libro fue el discurso que tiene sobre el ser humano llevado al límite y de cómo, en ese momento, se une para ayudarse."Estamos rodeados de cierto cinismo y escepticismo y el contar cómo el ser humano en esos momentos se abre al otro y se entrega, ayuda y colabora es un discurso que yo abrazo", resaltó.Aunque considera que él "solo ha ayudado a hacer llegar el mensaje del libro", remarcó que el trabajo fue enfocado en poner en valor "esa decisión tan generosa de entregar tu cuerpo en vida", así que "lo que pueda entenderse como una situación escabrosa se empieza a ver como un momento extremo"."La forma que tuvieron de entregarse unos a otros está en el relato. Hay otra forma de entender el heroísmo desde otros roles que no sea el guerrero que salva a toda la tribu, sino de aquel que posibilita al guerrero o que le da el rol al guerrero", dijo.Sin embargo, uno de sus propósitos fue cambiar el relato, enfocarse en lo espiritual, demostrar "cómo a través de la herida nos curamos" y dar importancia a aquellos que no habían sobrevivido y a la idea de grupo, sin protagonistas ni voces importantes."Es una historia que habla de darse al otro hasta la máxima consecuencia. La muerte de Numa se podía sentir como una estafa, pero para que el público apreciara la vida como los supervivientes tenía que morir por el camino, con él", subrayó.En cuanto a este personaje, Bayona destacó que "siempre provocó mucha curiosidad", porque todos los supervivientes y familias de fallecidos lo recuerdan con "buenas palabras y como la persona que más dio por el grupo", a pesar de no regresar y quedarse en la orilla. "Tenían deudas con los muertos", agregó.En cuanto al 'casting', en el que vio a más de 2.000 actores durante siete meses, destacó que tener la "suerte" de entrevistarse con los supervivientes en 2018 le ayudó a hacerse una idea "aproximada" de la personalidad de cada uno de ellos."Buscaba cierto parecido físico, aunque no era la prioridad, y características similares a la personalidad", añadió.'La sociedad de la nieve', que se rodó durante 140 días en escenarios reales en España para obtener una mayor autenticidad, es una película "dura y difícil" por la historia, la meteorología y la accesibilidad, pero "lo más importante siempre fue conseguir una experiencia inmersiva y demostrar que, al fin y al cabo, todos somos lo mismo".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Después del 2001 -cuando volaron las Torres Gemelas- explotó el cine de terror. Cada vez hay más guerra en el mundo y el terror se aprovecha y se pone a flote", considera en una entrevista con EFE, con motivo del estreno de la cinta este viernes en salas españolas.El cineasta no esconde que 'Cuando la maldad acecha' surge de lo que él mismo absorbe de la realidad. "Me nutro del crecimiento del odio en las redes sociales, del auge del fascismo, y de cómo los medios de comunicación pueden cambiarte la forma de pensar y alienarte. Y estudio cómo eso puede contagiar una locura social", reflexiona.Porque "cuando el mal se mete en la cabeza, genera locura y terror", lanza como explicación a este relato de posesiones demoníacas donde no se trata de que "un cura llegue a salvar a alguien", porque en estos escenarios argentinos donde ocurre la película "los campesinos están olvidados por todos, nadie los viene a salvar: se tienen que salvar ellos".Tensa y turbadora, no escatima en imágenes repulsivas -como la representación del 'encarnado', o 'embichado'-, o extremadamente violentas, como la escena de la mujer incapaz de evitar abrirse a sí misma la cabeza de un hachazo."Pues lo más difícil de rodar de esa secuencia del hachazo fue que había cabras, estaban locas, no había manera", se ríe a tiro pasado el argentino.Ezequiel Rodríguez, Demián Salomón, Silvia Sabater, Luis Ziembrowski y Marcelo Michinaux dan vida a unos personajes sólidos y tremendos, que Rugna crea desde la nada, según confiesa a EFE."Les voy dando forma a partir de los diálogos que escribo: intento colisionar dos ideas que no tienen que ver entre sí y me siento rápido a escribir. Cuando empiezo, nunca sé cómo va a terminar, eso es lo que me apasiona, no saber hacia dónde voy, por eso a veces asesino a los protagonistas", señala.En el caso de 'Cuando la maldad acecha', "cada uno de los paisanos tiene un conflicto y una culpa. Todos tienen eso en común. Y me gusta hacerlos verosímiles", concluye.La historia comienza en un pueblo remoto donde dos hermanos descubren a un hombre infectado por fuerzas malignas que está a punto de dejar salir al demonio que lleva dentro, un poder sobrenatural que se mete en los cerebros y los manipula, infectando hasta los más puros e inocentes.Hay un niño autista, varias madres y ancianas con una profunda conexión con sus hijos y una declaración de intenciones: "A los niños les gusta el mal y al mal le gustan los niños"."Se puede decir que en este caso el demonio arraiga en los más violentos, pero también en los más frágiles", resume.Tras ganar en Sitges -la primera vez en 56 años de historia del festival que se reconocía una producción latina-, la película se estrenó en Argentina donde fue una de las más vistas.Hoy, opina, "con el auge de las plataformas, hay un montón de géneros que puedes ver en tu casa con una pantalla hermosa, pero el terror se privilegia de la sala más que otros, es de los que puede sobrevivir, porque, cuando vas al cine, o eliges una superproducción o una de terror".Rugna está preocupado por el futuro del cine en Argentina: "Es un hecho que el presidente ya decidió eliminar la financiación de la cultura, sobre todo del cine. Siempre pasa con los gobiernos de derechas, que atacan a la cultura porque es la que intenta ayudarte a pensar y ser sensible a ciertas injusticias"."Tengo mucha bronca con Milei -dice-, porque el cine argentino siempre fue un modelo a seguir y estoy seguro de que con este presidente las películas argentinas tal y como las conocemos van a desaparecer".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El programa Generation o Generación fue dado a conocer hoy con 32 filmes, siete de ellos debuts y 22 estrenos mundiales.En diciembre la organización ya adelantó que habría en el programa una coproducción argentino-española y dos cortometrajes, uno español y otro brasileño en esta sección, filmes a los que se suman varios otros filmes de América Latina, desde México, Brasil y Colombia, a Cuba, Perú y Chile.En la cinta mexicana "Aguacuario", que se proyecta en la categoría Generation Kplus, de cine infantil, José Eduardo Castilla Ponce refleja en este corto, que celebrará su estreno europeo, el dilema de un niño de diez años en México que debe decidir si quiere estar a la altura de sus responsabilidades o desafiar a su hermano.En el cortometraje español "Cura sana", de Lucía G. Romero, que se proyecta en la categoría Generation 14plus, de cine juvenil y celebra su estreno mundial, dos hermanas, Jessica y Alma, expuestas a la violencia paterna, encuentran una vía de escapar de esa espiral y acercarse la una a la otra.En el corto brasileño "Lapso", de Caroline Cavalcanti, incluida también en la sección de cine juvenil y que celebrará su estreno europeo, dos jóvenes de las afueras de Belo Horizonte se conocen mientras realizan servicios comunitarios y hallan ternura y solidaridad frente su experiencia común de abandono y represión del estatal.El corto colombo-cubano "Un pájaro voló", de Leinad Pájaro de la Hoz, será estrenado a nivel mundial en la Berlinale en la categoría Generation 14plus. Relata el sufrimiento de Boloy por el recuerdo de un amigo que ya no está. El protagonista juega en la selección cubana de voleibol y, a pesar del dolor, intenta retomar su entrenamiento matutino.El estreno mundial de "Raíz", una coproducción peruano-chilena de Franco García Becerra, también tendrá lugar en Berlín, en la categoría GenerationKplus.El largometraje se centra en Feliciano, un pastor de alpacas de ocho años, que está eufórico porque Perú tiene la posibilidad de clasificarse para el Mundial de fútbol. Sin embargo, las maquinaciones de una empresa minera ponen en peligro el pueblo de Feliciano y amenazan su mundo y sus sueños."Reinas" es una coproducción entre España, Perú y Suiza de la helvética Klaudia Reynicke, que lleva al espectador a 1992, una época turbulenta en Lima.Lucía, Aurora y su madre Elena deciden mudarse a Estados Unidos, pero el reencuentro con su distanciado padre Carlos les provoca sentimientos encontrados.En el largometraje argentino-español "Los tonos mayores", que se proyecta en la categoría Generation Kplus, la cineasta Ingrid Pokropek envía a la joven protagonista de su ópera prima a una búsqueda emocional.Comienza con un misterioso mensaje en código morse que la chica parece recibir a través de un implante en el brazo que lleva desde que tuvo un accidente; al final, aprende que el significado de las cosas es algo que tenemos que ir (re)descubriendo siempre de nuevo.Por último, el corto colombiano "Uli", de Mariana Gil Ríos, muestra cómo Rafaela acompaña a su hermana a visitar a un niño.Mientras los dos mayores se retiran, Rafa comienza a explorar la casa. Conoce a la queer Uli, su mascota y la oportunidad de encontrar la libertad en un lugar desconocido.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Considerado uno de los eventos cinematográficos más reputados de los Estados Unidos, el encuentro se lleva a cabo del 18 al 28 de enero de forma presencial con un apartado virtual disponible dentro del país del 25 al 28 del mismo mes.Como es usual, el programa brilla por su diversidad de temas y por reunir los proyectos de renombrados cineastas como Richard Linklater ('Before Midnight', 1995), uno de los directores favoritos del festival y quien presenta su filme 'Hit Man'; o del realizador Steven Soderbergh ('Sex, Lies and Videotape', 1989) con el estreno de 'Presence'.Este año, los trabajos de ambos se colaron en la selecta lista de las diez mejores películas que se han estrenado en la historia del festival, junto a nombres como el de Quentin Tarantino, o Christopher Nolan, quien asiste a esta edición como uno de los homenajeados de la ceremonia inaugural en la que se le condecorará con el premio honorífico de Pionero del Instituto Sundance.Pero la 40 entrega del festival también recibe a talentos con carreras más cortas, como Lana Wilson ('Miss Americana', 2020) que regresa para estrenar 'Look Into My Eyes', después de que el año pasado acaparase los focos con el documental 'Pretty Baby: Brooke Shields', o la directora marroquí Asmae ElMoudir, quien presenta la muy esperada 'The Mother Of All Lies'.Además, algunos actores distinguidos mostrarán su faceta menos conocida como directores, como el trabajo de Jesse Eisenberg ('The Social Network', 2010) en la cinta 'A Real Pain', o el segundo largometraje de Chiwetel Ejiofor ('12 Years a Slave', 2013), 'Rob Peace', que cuenta con Camila Cabello y Mary J. Blige en su elenco.Kristen Stewart, quien será honrada con el premio Visionario 2024, protagoniza 'Love Me', de Sam y Andy Zuchero, y 'Love Lies Bleeding', de Ross Glass, dos de las películas más esperadas del programa que contempla al menos 82 largometrajes de 24 países.El popular actor chileno Pedro Pascal, uno de los protagonistas de la actual temporada de premios, desfilará por la alfombra roja de Sundance para hablar de la cinta 'Freaky Tales', de Anna Boden y Ryan Fleck, que tiene su estreno el primer día de celebración. Historias hispanas y latinasEl festival también contará con una amplia participación de historias latinas tan esperadas como la segunda película de las mexicanas Astrid Rondero y Fernanda Valadez, quienes regresan después de dos años con 'Sujo', o la coproducción suiza-peruana-española 'Reinas', de la directora Klaudia Reynicke.Ambas historias ambientadas en Latinoamérica versan sobre la paternidad ausente, sus repercusiones en la infancia y la migración desde una perspectiva poco explorada.Los directores españoles Javier Ambrossi y Javier Calvo, conocidos popularmente como "Los Javis", se hicieron con un lugar en el evento gracias a su serie 'La Mesías', que expondrán en la sección de Episodios Piloto.Y el cantante puertorriqueño Residente mostrará sus capacidades actorales junto a Sasha Calle en la historia de la directora colombiana-estadounidense Alessandra Lacorazza Samudio 'In the Summers'.Asmismo, la chilena Maite Alberdi, cuyos proyectos han sido ampliamente impulsados por el festival en el pasado, recibirá el premio de Vanguardia para no ficción.La directora de documentales es conocida por explorar la dignidad en la vejez en 'The Mole Agent' o 'The Eternal Memory', ambos estrenados en Sundance y este último seleccionado en las llamadas "shortlist" (listas de corte) de los Óscar, rumbo a las nominaciones de la edición 2024.Sundance también hará un repaso de su historia proyectando algunos de los filmes más icónicos que se estrenaron a lo largo de sus 40 años tales como 'Napoleon Dynamite', de Jared Hess; 'Go Fish', de Rose Troche; o 'Mississippi Masala', de Mira Nair.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El guionista de películas como 'Carancho' o 'La patota', Santiago Mitre, aprovechó su intervención en el inicio de la segunda semana de debate del proyecto de ley remitido al Congreso para desmentir "las insistentes falsedades que se dicen" acerca del cine y su relación con el presupuesto nacional: "Se autoabastece. El cine no pide plata (dinero), pide que se mantenga la ley que le permite seguir autofinanciándose"."Durante todo el recorrido que implicó promocionar esta película ('Argentina, 1985'), pude ver la admiración que genera nuestra cinematografía y nuestro país en el mundo. Es, y no voy a ser modesto, una de las cinematografías más respetadas del mundo", apuntó el realizador, quien agregó que, sin la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual (o Ley de Cine), no existirían los filmes de Ricardo Darín, Cecilia Roth o Mercedes Morán que tanto se conocen.La Ley de Bases y Puntos de Partida para la Libertad de los Argentinos, conocida popularmente como 'ley ómnibus', propone la eliminación de la financiación que el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) obtiene del Estado por medio del Ente Nacional de Comunicaciones."No sé si lo sabían, pero Argentina es el país que más nominaciones al Óscar tiene de la región. ¿Por qué sucede eso? Porque hay una Ley de Cine que sostiene y fomenta la existencia de un cine argentino. Las películas argentinas se exportan a todo el mundo, son reconocidas en todo el mundo, generan divisas, trabajo de calidad y valor agregado, le dan visibilidad a nuestro país, generan admiración", expuso Mitre.El realizador explicó que "los últimos 30 años han sido, fuera de cualquier duda, los mejores del cine argentino de su historia", ya que se trató de "la primera vez que el cine argentino ocupó un lugar importante y sostenido a nivel internacional".Mitre intervino en la sesión de este lunes junto a la productora Vanessa Ragone, responsable de 'El secreto de sus ojos', ganadora del Óscar en 2010 como Mejor Película Extranjera.La 'ley ómnibus' continúa su camino en las comisiones del Congreso con vistas a su futuro debate en Cámara. El Ejecutivo espera que su proyecto estrella quede aprobado antes de fines de enero.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El realizador argentino Hernán Rosselli, que estrenó este jueves su película Algo viejo, algo nuevo, algo prestado en la Quincena de Cineastas de Cannes, asegura que el sector está "en estado de completa alarma" por los recortes del Gobierno de Javier Milei, que "ataca" al cine todo el tiempo."Estamos todos en estado de completa alarma. En principio porque el INCAA (el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina) está paralizado desde diciembre y desde el Gobierno de Javier Milei se ataca todo el tiempo al sector de la cultura y del cine", lamentó Rosselli."Da la sensación -prosiguió- de que entendieron que ahí había una batalla, una batalla cultural por dar, como que sintieron que había mucha gente de izquierda de repente en el cine. Y la verdad que es bastante desalentador el panorama".Con el INCAA ya paralizado en la primera mitad del año, "la industria "ya cree que este es un año perdido", advierte Rosselli, dado que "ya no va a haber más rodajes" al margen de algunas películas de grandes plataformas este año."Los técnicos se van a disputar por trabajar y es la pérdida de miles y miles de puestos de trabajo", denuncia más allá del aspecto puramente artístico este cineasta, que acude por primera vez a Cannes gracias al tercer largometraje de su carrera.Pese a todo, la ofensiva contra la industria cinematográfica lo que ha logrado es "unir al sector", considera el Rosseli, algo que no es fácil normalmente.Y es que el cine argentino es "único en la región", sostiene Rosselli, y "probablemente el más diverso de Latinoamérica", con grandes películas industriales, mucho cine independiente, revistas y cineclubes, que demuestran que es "un pueblo muy cinéfilo".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Una matriarca del juego clandestinoAlgo viejo, algo nuevo, algo prestado cuenta la historia de los Felpeto, una familia que regenta un negocio clandestino de lotería y apuestas en los suburbios de Buenos Aires.Tras la muerte del padre, es la matriarca la que debe hacerse cargo de las quinielas ilegales, las cuentas y las relaciones con otros corredores.Pero la película, que utiliza metraje antiguo de los verdaderos Felpeto que participan en la película y que usa un estilo muy documental, se asemeja más a una inmersión en la vida real -con tintes de cine de mafia- de una familia verdadera."Evidentemente es una ficción, porque yo estoy accediendo a momentos de intimidad muy grandes que en un documental no sería posible", matiza.Lo que busca Rosselli es que la audiencia "se esté un poco preguntando todo el tiempo por la naturaleza del material", y sobre si las personas que está viendo en la pantalla son actores interpretándose a sí mismos o si por el contrario son personas reales."Eso me parece interesante", detalla el cineasta, que ve en esa propuesta diferente una de las claves por las que su obra fue seleccionada para la Quincena de Cineastas (antes Quincena de Realizadores)."La gente que está acostumbrada y trabaja de ver películas se vuelven como una especie de taxistas audiovisuales, donde están acostumbrados a ver lo mismo, incluso los tópicos del cine de autor, que a veces es más pesado. Es preferible ver una buena película industrial que una mala película de autor", opina."Y creo que cuando aparece algo que un poco se desvía en la lógica de dar la información de siempre y te logra cautivar a pesar de que trabajas bien 200 películas, como que ahí, según me dijeron, eso les atrapó", concluye.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este sábado, 18 de mayo, la música y el talento afro será el tema de encuentro durante la cuarta edición del festival Top Show Colombo, un espacio artístico que le apuesta a resaltar la riqueza de la cultura musical de Colombia y Estados Unidos.El concierto de este sábado será la segunda entrega de este festival, que como primer gran evento tuvo un concierto en el teatro El Ensueño, al sur de Bogotá el pasado 4 de mayo. Yoky Barrios, Alexis Play, Los Dioses del Ritmo y la banda de jazz estadounidense Moods of her fueron los artistas invitados.El segundo escenario en el que el Centro Colombo Americano de Bogotá, en alianza con la Embajada de Estados Unidos en Colombia e IDARTES, traerán a reconocidos artistas afrocolombianos será el teatro al aire libre, la Media Torta, en el centro de la ciudad.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Este año vamos a gozar de nuestro poder afro en dos escenarios muy especiales de la ciudad de Bogotá”, anunciaron los organizadores del festival. En el concierto podrán ver a artistas como la cantante y compositora Mabiland, Tostao ft. exótico pal mundo, al salsero Mauro Castillo, y a Herencia de Timbiquí.La entrada al concierto, que inicia a las 2:00 de la tarde, estará habilitada desde la 1:00 p.m., procure llegar con tiempo pues el ingreso será en orden de llegada. Además, les recordamos que es un evento gratuito y un espacio amigable con las mascotas.Para entrar en ambiente, compartimos la playlist del evento:🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El próximo sábado tendrá lugar en el auditorio León de Greiff, la casa habitual de la Filarmónica de Bogotá, un homenaje a las y los docentes de la Universidad Nacional de Colombia. En total, esta institución educativa tiene en sus sedes de todo el país cerca de 3.000 educadores que se encargan de formar alrededor de 60 mil estudiantes, de los cuales el 87% son de pregrado. “Para la Filarmónica es un orgullo hacer parte de este merecido homenaje a los educadores de la Universidad Nacional a través de la música que, como la educación, es un importante vehículo de transformación social”, asegura David García Rodríguez, director general de la Filarmónica de Bogotá. Con esta presentación musical, que hemos llamado “Tejiendo futuro”, la Filarmónica de Bogotá se une a la tradicional celebración preparada junto a Bienestar y Patrimonio Cultural de la institución educativa. En homenaje a las y los docentes, la Orquesta interpretará una obra memorable del colombiano Jesús Pinzón Urrea, un concierto para violonchelo de Antonín Dvořák, y una impactante sinfonía de Leoš Janáček. El 29 de octubre de 1974, la Filarmónica de Bogotá estrenó la obra “Gráfico I”, de Jesús Pinzón Urrea (1928-2016), una propuesta musical en la que el compositor reemplazó los signos tradicionales del pentagrama por líneas, puntos, jeroglíficos y figuras geométricas que debían ser descifrados por el director y los intérpretes. Cinco décadas más tarde, la Orquesta se reencuentra con esta pieza y lo hace en una versión especial dirigida por Rubián Zuluaga.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí. José David Márquez, músico de nuestra agrupación principal, será el solista en la ejecución del “Concierto para chelo”, de Antonín Dvořák (1841-1904). El compositor checo creó esta obra durante el tiempo comprendido entre 1894 y 1895, cuando aún se encontraba en Estados Unidos, país al que llegó en 1892 para desempeñarse por tres años como director de una escuela de música en Nueva York. Muchos expertos consideran a Leoš Janáček (1854-1928) como uno de los compositores nacidos a mediados del siglo XIX que asumieron el reto del cambio y la actualización del lenguaje musical. Una muestra de ello es su obra “Taras Bulba”, creada en 1918, con la que la Filarmónica de Bogotá finalizará el homenaje a los educadores de la Universidad Nacional de Colombia este sábado 18 de mayo (4:00 p.m.) en el León de Greiff, con entrada libre hasta completar aforo.El repertorio de este concierto se interpretará también el viernes 17 de mayo (7:00 p.m.) en el Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Ellas empezaron a hacer preguntas difíciles y me di cuenta de que esa era la definición de crecer: ese momento en el que sientes que tienes que dejar de ser un niño para entrar al mundo real y por eso quise escribir esta película, para decirles que no tienen que hacer esa elección, que siempre pueden tener un poco de ambos", explica en una entrevista con EFE.Durante la pandemia de covid-19, el también actor, más conocido por su papel de Jim Halpert en la serie 'The Office', comenzó a darse cuenta de hecho de que "el mundo real" estaba "entrando demasiado" en los juegos imaginarios de sus hijas.El filme de Paramount escrito, producido y dirigido por él, que se estrena este viernes, sigue la historia de Bea, una niña de 12 años que perdió a su madre cuando era más pequeña y que ahora teme por la salud de su padre, quien pasa los días en el hospital a la espera de una complicada cirugía.Mientras la operación llega, Bea (Cailey Fleming) se da cuenta de que tiene el superpoder de ver a los amigos imaginarios que han sido olvidados por las personas y junto a Cal, un hombre misterioso encarnado por Ryan Reynolds, luchará para que estos sean recordados.A lo largo de la película la pequeña se debate entre rechazar la infancia por la que aún atraviesa o aceptar lo dura que es la vida, pero su padre, interpretado por Krasinski, no deja de impulsarla a seguir soñando."Cuando llegué a la sala de edición me di cuenta de lo que se parecía la situación a mi vida. Esta niña está a punto de dejar de serlo y vi que ese día le llegará muy pronto a mis hijas", comenta el actor de 44 años, quien junto a la también actriz Emily Blunt es padre de dos niñas llamadas Hazel y Violet.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Aunque la cinta está enfocada a un público jóven, Krasinski espera que los espectadores puedan mirar hacia atrás y recordar los momentos felices de la infancia en la que los problemas carecían del peso y no existían las apariencias impuestas de la adultez."Parece sencillo, pero como adulto es muy difícil recordar que hubo un tiempo en el que no te importaba que la gente te viera disfrazado de pirata o con alas de mariposa", comenta.El filme cuenta con un gran número de personajes inspirados en los propios amigos imaginarios de sus hijas, como Marshmallow, a quien Krasinski prestó su voz. Otros fueron inspirados en la personalidad de sus amigos.Por ejemplo Bleu, a quien escribió pensando en su coestrella de 'The Office' Steve Carrell; Blossom, creado para Phoebe Waller-Bridge, o el oso Lewis, para Louis Gossett Jr.."Lo más conmovedor para mí con este reparto fue que todos firmaron por la misma razón: dijeron que les encantaba el mensaje de conectar con tu niño interior", relata.Krasinski debutó como escritor y director en 2009 con 'Brief Interviews with Hideous Man' y repitió sus habilidades multitarea en la saga de ciencia ficción 'A Quiet Place', protagonizada por él mismo y Blunt y que tuvo gran aceptación por la crítica especializada.Según el actor, llevar las riendas de todo un proyecto "es más fácil de lo que parece", y asegura que después de haber hecho un proyecto tan "oscuro" como 'A Quiet Place', 'IF' fue como estar sumergido "en una burbuja de felicidad"."La clave para mí es intentar no pensar demasiado en lo que voy a hacer a continuación ni analizarlo en exceso. Sólo tienes que esperar a que se te ocurra una idea que te guste tanto que tengas que hacerla", expone.Actualmente Krasinski se encuentra rodando como actor 'Fountain of Youth', película del británico Guy Ritchie que también tendrá en su elenco a la mexicana Eiza González y a la estadounidense Natalie Portman.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Principalmente porque para contar la historia de 'Fury Road' (2015), teníamos que conocer la historia detrás de Furiosa", explicó en una rueda de prensa sobre cómo decidieron poner en marcha 'Furiosa', precuela de la película de hace nueve años que protagonizó Charlize Theron.Cada película abre las puertas de otra historia de la saga, pero el realizador australiano afirmó que esperara a ver cómo funciona 'Furiosa', presentada fuera de competición en el festival, "antes de pensar" en nuevas entregas.En 'Furiosa', más allá de las brutales escenas de acción, que funcionan casi como una coreografía, el mayor acierto está en la elección de sus protagonistas, con un Hemsworth tan divertido como cruel como el villano Dementus, y Taylor-Joy con la expresividad necesaria tan solo con sus ojos para interpretar a una Furiosa con muy poco diálogo en la cinta.Hemsworth, al que gustó una descripción de su personaje hecha por un periodista que dijo que es una mezcla de Darth Vader y Looney Tunes, resaltó que trabajó mucho con Miller para encontrar la humanidad en Dementus."Para George y para mí era importante encontrar la humanidad en el personaje y agregarle momentos de vulnerabilidad" para comprender que había sufrido mucho.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El actor no quiso justificar las acciones de su personaje, que simplemente responden a la lucha "por sobrevivir en un espacio brutal" y destacó la inclusión de algunos toques de humor, algo ausente en las películas anteriores de Mad Max. "He disfrutado cada segundo de esta experiencia", agregó.Mientras que para Taylor-Joy lo más complicado de su experiencia fue la parte física. La actriz de origen español y argentino se preparó mucho físicamente par encarnar a la guerrera Furiosa, tanto que desarrolló una gran amistad con la especialista que la ayudó, Hayley Wright."Ella es ahora una de mis mejores amigas en todo el mundo. En lugar de ser un ambiente de agresión, me decía: 'Te quiero, creo en ti, vas a poder hacerlo'". Y eso le dio la fuerza necesaria para realizar las complicadas escenas de acción. "Fue maravilloso", aseguró.'Furiosa' llega 45 años después del original protagonizado por Mel Gibson, una primera entrega que fracasó en Estados Unidos y que contaba con una mezcla de acentos en inglés que no gustó nada al director.Ahora está satisfecho de que 'Furiosa' sea finalmente "un 'Mad Max' con todos los acentos australianos". Y recordó divertido que cuando llegó a Estados Unidos a presentar aquel primer filme les preguntaban si eran austríacos porque no entendían su inglés.Una saga que ha ido evolucionando con el tiempo y que en cada película ha cambiado en el estilo y en los personajes, algo necesario para Miller. "Si te dedicas a repetir lo que ya has hecho, no hay ganas para hacer nada más (...) siempre me he dejado llevar por mi curiosidad".Esas ganas de aprender le llevan a estar más interesado en la forma de contar una historia que en la historia en sí misma, algo que queda claro en 'Furiosa', con una atención a cada detalle formal, lo que da como resultado una película que visualmente está muy por encima de un guion flojo.Miller reconoció esa obsesión por el más mínimo detalle para que todo lo que aparezca en cada imagen de la película ayude a contar la historia. "Hay una fuerte conexión entre la estética de los vehículos y de los personajes", apuntó el realizador como ejemplo.A lo que Taylor-Joy añadió que en cada personaje tenían que saber "exacta y detalladamente cada cosa que lleva" porque "no hay nada que esté ahí por accidente".Un equipo satisfecho con una película que para algunos ha sido más que un simple trabajo, como Hemsworth. "La saga de 'Mad Max' tiene un lugar en mi corazón", dijo el actor, que agradeció a Miller el haberle llevado a este proyecto y a los espectadores su pasión por la historia.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.