Las composiciones de Bruno Maderna y su enseñanza desde la dirección de orquesta contribuyeron a difundir las obras maestras de la vanguardia europea. El estilo compositivo de Maderna se basó en el uso de técnicas deterministas precomposicionales, una interpretación personal del concepto de «obra abierta» y un tratamiento melódico que aparece incluso en las más complejas texturas.Bruno Maderna nació el 21 de abril de 1920 en Santa Ana di Chioggia, un pequeño pueblo cercano a Venecia y a los cuatro años empezó a tocar varios instrumentos entre ellos el violín. Puede considerarse a Bruno Maderna como niño prodigio pues con sólo 12 año dirigió a la Orquesta de La Scala en un concierto operístico con repertorio del siglo XIX.Una característica de todas las etapas de Maderna es su gusto por el tratamiento de las partes instrumentales para solista. Otra característica notable, especialmente en sus últimos trabajos fue la escritura orquestal. En obras como Quadrivium, para cuatro percusionistas y cuatro grupos de orquesta los instrumentos se dividen en pequeños grupos, como pequeñas orquestas, pero con un ánimo y resultados muy diferentes.La labor creativa de Bruno Maderna se vio interrumpida durante la Segunda Guerra Mundial pues estuvo en el Ejército entre los años 1942 y 1943 y en febrero de 1945, pocos meses antes de finalizada la guerra, se unió a los partisanos, fue capturado y encarcelado en un campo de concentración.Después de finalizada la guerra Maderna tuvo dificultades para continuar con su carrera musical, ero su amistad con Gian Francesco Malipiero le sirvió para obtener un puesto de profesor de solfeo en el Conservatorio de Venecia. En esos años del Conservatorio estudió en profundidad la música antigua y medieval, estudios que fueron la base para muchos de sus primeras composiciones.En 1963, Maderna se estableció definitivamente en Darmstadt, y allí conoció a los compositores más comprometidos con la nueva música, a Pierre Boulez, Olivier Messiaen, Karlheinz Stockhausen y John Cage (para citar solo algunos) y también a los intérpretes más importantes de música contemporánea.En 1972 Bruno Maderna fue nombrado director de la Orchestra Sinfonica della RAI de Milán y ese mismo año obtuvo el Premio Italia con su obra radiofónica Ages. Pero en abril de 1973 en Ámsterdam, se le diagnosticó un cáncer de pulmón, aun así, continuó componiendo y dirigiendo hasta pocos días antes de su muerte el 13 de noviembre de 1973, hace 50 años.Podrá escuchar una selección de obras maravillosas del maestro Bruno Maderna en la nueva edición de El músico de la semana el lunes 13 de noviembre a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Compuesta por Händel para la temporada de ópera de 1726-1727 de la Royal Academy of Music, fue también un homenaje al recientemente coronado Jorge II y a la nación de la que Händel acababa de recibir la ciudadanía.La versión que presentamos en Canto y Música Coral fue la primera grabación realizada de esta obra por el sello discográfico Decca – The Ópera Company, que tuvo como protagonistas a: Sara Mingardo en el rol de Riccardo I, rey de Inglaterra, Sandrine Piau, como Constanza, hija del rey de Navarra, Olivier Lallouette, interpreta a Berardo primo de Constanza, Roberto Scaltriti, en el papel de Isacio gobernador de Chipre, Claire Brua, como Pulcheria hija de Isacio, Pascal Bertin en el rol de Oronte príncipe de Siria y la Orquesta barroca 'Les Talens Lyriques', bajo la dirección de Christophe Rousset.La acción se desarrolla en la conquista de Chipre por Riccardo Corazón de León en 1191.La princesa Costanza ha sido traída a Chipre para casarse con Riccardo, rey de Inglaterra, a quien nunca conoció. En la costa de Limassol, ve sus barcos naufragar en una violenta tormenta. Ella amenaza con suicidarse, temiendo que Riccardo se haya ahogado, pero Berardo, su primo y tutor, la detiene. Isacio, el tiránico gobernador de Chipre, junto con su hija Pulqueria y su amante Oronte, príncipe de Siria, encuentran a Costanza y Berardo, quienes se hacen pasar por sirvientes de Costanza y dicen llamarse Doride y Narsete, respectivamente.Riccardo llega a salvo a la costa y se entera de que Costanza está en el palacio del gobernador. Oronte corteja a Costanza, despertando los celos de Pulcheria. Isacio también le hace insinuaciones, pero ella lo rechaza. Riccardo se presenta ante Isacio disfrazado de su propio embajador, requiriendo a Constanza y advirtiendo de la presencia de tropas británicas en la isla. Isacio se da cuenta de que Doride es Costanza y se compromete a liberarla, para complacencia de Riccardo.Podrá escuchar esta obra completa el próximo domingo 12 de octubre en la nueva edición de Canto y música Coral a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
“La música ayuda a superar las divisiones en la sociedad. Siempre lo ha hecho. La música une y es un medio universal de comunicación”, asegura el director y compositor búlgaro Emil Tabakov, el ilustre invitado durante esta semana en la Filarmónica de Bogotá.Este talento polifacético estrenará en América su “Sinfonía No. 8”, compuesta entre 2007 y 2009, y que el propio autor ha descrito como una obra que se vale de amplias fuerzas interpretativas para expresar las profundidades del espíritu humano.Con una poderosa orquestación, los dos primeros movimientos van creando un fuerte tensión emocional, vehemente y exaltada, que se libera en el último segmento de esta pieza.Además, Tabakov dirigirá a la Orquesta en el viaje por la “Sinfonía No. 36 en do mayor, K.425”, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), mejor conocida como “Sinfonía Linz”, que el compositor estrenó el 4 de noviembre de 1873. Esta creación, brillante y elegante, revela la influencia de Haydn, pero también presenta aspectos novedosos para la época como el tempo lento con el que inicia la obra o el uso de trompetas y timbales en el segundo movimiento.Emil Tababov y la Filarmónica de Bogotá tendrán dos conciertos en Colombia. El viernes 10 de noviembre a las 7:00 p.m. en el Auditorio Fabio Lozano, de la Universidad Jorge Tadeo Lozano; y el sábado 11 de noviembre a las 5:00 p.m. en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. Este último concierto se realizará en homenaje al gestor cultural Roberto Arias Pérez (1923 – 2018), fundador de la Caja de Compensación Familiar Colsubsidio y exrector de la Universidad del Rosario, entre otros múltiples logros, en el centenario de su natalicio.¿Quién es Emil Tabakov?Es mundialmente conocido como director invitado en países como Alemania, Inglaterra, Dinamarca, Suecia, Polonia, Francia, Italia, Rusia, España, Rumania, Austria, Suiza, Bélgica, Estados Unidos, Australia, Canadá, Japón, Corea del Sur, Singapur, Taiwán, Brasil, Israel, Países Bajos, República de Sudáfrica, Cuba, Ecuador y Colombia.Dirigió representaciones de ópera en Teatro “La Fenice” y el Teatro Reggio-Torino, y ha realizado conciertos al frente de agrupaciones como la Orquesta Nacional de Francia, la Orquesta Filarmónica de Radio Francia, la Orquesta Nacional de Lille, la Orquesta Nacional de Lorena, la Orquesta de Aviñón, la Orquesta Sinfónica Tchaikovsky de Radio Moscú, la Orquesta Sinfónica de Monterrey, la Orquesta Filarmónica ”George Enescu” Bucureshti y la Orquesta Sinfónica de Bourusan (Estambul), entre muchos otros nombres.El repertorio de Tabakov es enorme y muestra una variedad de estilos, desde géneros clásicos y románticos hasta propuestas contemporáneas. Su producción discográfica es considerable, incluida la versión completa de las Sinfonías de Mahler, las sinfonías completas de Brahms, los conciertos completos para piano de Beethoven y el Réquiem de Verdi.Emil Tabakov es poseedor de prestigiosos premios musicales como Músico del Año de la Radio Nacional de Bulgaria en 1992, "Crystal Lyre" (2009), de la Unión de Músicos de Bulgaria. Fue nominado a Hombre del Año (1992) por el Centro Bibliográfico Internacional de Cambridge. Fue clasificado entre los 100 mejores profesionales del año 2012 por el Centro Biográfico Internacional, en Inglaterra.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
En su decimoctava edición, que se realizará del 5 al 13 de enero, el Cartagena Festival de Música abordará la relación entre música y naturaleza y, en particular, cómo esta combinación fue fundamental en la historia de la música y la cultura del siglo XIX. El tema de esta nueva edición será ‘La sinfonía de la naturaleza’ y se centrará en creaciones icónicas que nacieron gracias a este fenómeno.“Es un tema muy apasionante en la historia de la música, casi todos los compositores han tratado la relación entre música y naturaleza, desde el barroco, con muchas arias de Georg Friedrich Händel y composiciones de Antonio Vivaldi, hasta autores como Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven”, explica Antonio Miscenà, director general del Cartagena Festival de Música.Los repertorios de los conciertos tendrán como protagonista a la música de compositores como Edvar Grieg (Noruega), Jean Sibelius (Finlandia) y Carl Nielsen (Dinamarca), quienes se inspiraron en las tradiciones folclóricas, los paisajes y la naturaleza de las zonas del norte de Europa.El programa se complementará con obras que tienen relación con la naturaleza y que fueron creadas por compositores canónicos de la historia de la música, entre los que sobresalen Antonio Vivaldi, Felix Mendelssohn, Ludwig van Beethoven y Robert Schumann, entre otros.Durante los nueve días de programación, los espectadores podrán disfrutar de célebres composiciones como el Concierto para piano en la menor y Peer Gynt de Edvard Grieg, Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi, Escenas del bosque de Robert Schumann, el Concierto para violonchelo en do mayor de Joseph Haydn y la Sonata para violín y piano en sol menor de Claude Debussy.“Es fascinante la manera en que cada músico y cada época entró en relación con este fenómeno. Algunos trataron aspectos de la naturaleza en manera directa, mientras que otros como Debussy no la imitaron, sino que buscaron un mecanismo más complejo”, añade Miscenà.La orquesta residente de esta edición del festival será el Ensamble Allegria de Noruega, compuesto por 23 músicos y que en Cartagena será dirigido por el también noruego Ingar Bergby. El ensamble, considerado uno de los principales conjuntos musicales del país nórdico, es reconocido por combinar una gran calidad artística con espontaneidad y flexibilidad.En el grupo de solistas invitados sobresalen la violinista noruega Eldbjörg Hemsing, la mezzosoprano noruega Marianne Beate Kielland y los pianistas Olli Mustonen (Finlandia), Lukas Geniušas (Rusia/Lituania), Peter Jablonski (Suecia) y Georgy Tchaidze (Rusia) además del Cuarteto de Cuerdas Nórdico de Dinamarca.Como es su tradición, el Cartagena Festival de Música reservará dos jornadas para las composiciones de autores colombianos cuyas creaciones también se inspiraron en los paisajes y naturaleza nacionales. Los repertorios de los seis conciertos que se realizarán el 12 y el 13 de enero incluirán piezas de Guillermo Uribe Holguín, Antonio María Valencia, José Rozo Contreras y Gentil Montaña, entre otros.El 12 de enero, con el concierto Miniaturas poéticas del Cauca y del Caribe, se le rendirá un homenaje al compositor caleño Luis Carlos Figueroa, que el pasado 12 de octubre cumplió cien años. A lo anterior se suma el estreno mundial de la Suite de la naturaleza en cinco tiempos, obra comisionada por el festival al compositor Jorge Pinzón.Entre los invitados colombianos se destacan la soprano Julieth Lozano, el pianista y director Alejandro Roca, el violonchelista Santiago Cañón Valencia, el Cuarteto Q-Arte, el Bogotá Piano Cuarteto, la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá y la Orquesta Sinfónica de Cartagena, entre otros.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Se sabe que Vivaldi escribió cuatro oratorios: uno sobre temas del Papa Pío V en 1713, Moisés en 1714 en Juditha Triumphans en 1716 y La Adoración de los Magos en 1722. El segundo y el tercero con textos latinos y los otros dos con textos vernáculos. Aunque trabajaba en el Ospedale della Pietà (una de las cuatro instituciones residenciales venecianas en las que las niñas recibían instrucción musical experta) como profesor de violín desde 1703, con frecuencia sustituyó al maestro de coro Francesco Gasparini después de que este último se ausentara por enfermedad en 1713.Los libretos del oratorio -el de Juditha Trumpans es de un tal Giacomo Cassetti- vuelven a contar las historias bíblicas a su manera, eliminando y añadiendo detalles con algo de libertad.La historia de Judith de los apócrifos era un tema de oratorio popular, quizás porque los dos personajes centrales podían identificarse tan fácilmente con los tipos operísticos comunes: la propia Judith con la heroína virtuosa pero astuta, y Holofernes con el tirano fanfarrón domesticado por el poder del amor.En 1714 Venecia había entrado en su sexta guerra con los turcos. Al equiparar a Venecia con Judith y al poder turco con Holofernes, Cassetti convierte el oratorio en una oración por la victoria. La victoria, por desgracia, no iba a ser, porque, aunque el Tratado de Passarowitz de 1718 consolidó las posesiones venecianas en Dalmacia, reconoció la pérdida de prácticamente todo el Peloponeso, ganado a Turquía 19 años antes.Compuesto en Venecia por Antonio Vivaldi el año 1716 y presentado al público por primera vez en noviembre del mismo año, el oratorio Juditha Triumphans está estructurado en dos partes.En Canto y Música Coral se presentará la versión Juditha Triumphans de Antonio Vivaldi interpretada por: Birgit Finnila en el papel de Juditha que representa a la ciudad de Venecia, Ingeborg Springer en el rol de Abra que es la personificación de la fe cristiana, Julia Hamari como Holofernes la personificación del sultán turco, recién derrotado, Elly Ameling interpreta a Vagaus quien simboliza al comandante del ejército otomano, Annelies Burmeister en el papel de Ozias que es la encarnación del Papa.Los acompaña el Coro 'Asociación de Solistas de Radio Berlin', dirigidos por Dietrich Knothe y la Orquesta de Cámara de Berlín bajo la dirección de Vittorio Negri.La primera parte del oratorio presenta la acción durante el asedio asirio a la ciudad irreal de Betulia (una metáfora de la propia Iglesia).La viuda Juditha y su fiel Abra acuden al campamento asirio. Recibidas por Bagoas, el eunuco comandante, éste informa al general Holofernes de que una judía viene como mensajera de la paz. Holofernes se enamora de ella y el general ordena a Bagoas organizar un banquete en su tienda, al que asistirán él y Juditha.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y música Coral, el domingo 5 de noviembre a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La Orquesta Sinfónica de Cartagena (OSC) culmina su temporada de exploración de los Sonidos de la naturaleza este 16 de octubre con el concierto ‘Sinfonía del aire’, última presentación de la tercera residencia de la agrupación en este 2023.El programa del concierto tiene como hilo conductor el tema del aire, entendido en un sentido amplio. El aire es un elemento al que se le han atribuido propiedades de espíritu y pureza. Su importancia, para numerosas tradiciones de pensamiento, consiste en permitir respirar y, por tanto, posibilitar la vida e infundir el alma.El aire también está asociado a la inmensidad del espacio, al viento, al fuego, y es el medio por el que viajan las mágicas partículas sonoras que nos permiten escuchar palabras y música.Luego de abordar repertorios inspirados en los sonidos de la Tierra (primer concierto del año, en mayo) y el Agua (segundo concierto, en julio), la Orquesta Sinfónica de Cartagena, bajo la batuta de su directora titular, Paola Ávila, interpretará piezas en las que el aire tiene un papel evocador determinante.En el Teatro Adolfo Mejía se escucharán composiciones para las que el aire y el espacio vacío no sólo fueron una fuente de inspiración, sino que fueron determinantes para generar sus atmósferas y entornos.El repertorio incluye piezas como ‘Los planetas’, la suite orquestal del compositor británico Gustav Holst, e ‘Interestelar’, compuesta por Hans Zimmer, Alex Gibson y Ryan Romeyn Rubin como parte de la banda sonora de la película de Christopher Nolan.La Orquesta Sinfónica de Cartagena también interpretará ‘Danza del ritual del fuego’, uno de los movimientos del célebre ballet ‘El amor brujo’ del español Manuel de Falla, y la ‘Conga del fuego nuevo’, del mexicano Arturo Márquez, inspirada en un baile de carnaval cubano, entre otras obras.¿Qué es la Orquesta Sinfónica de Cartagena?Es un proyecto de ciudad que busca entregar oportunidades de movilidad e integración social desde una experiencia sinfónica dirigida a jóvenes habitantes de Cartagena vinculados a un proceso de educación musical. Nació en 2016 como una iniciativa de la Fundación Salvi que busca que jóvenes instrumentistas sinfónicos complementen su educación musical, expandan sus horizontes profesionales y aporten a la transformación social de su comunidad, a través de una inmersión artística y formativa integral desde una experiencia orquestal.Actualmente cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura, de la Alcaldía de Cartagena a través del Instituto de Patrimonio y Cultura de Cartagena -IPCC, la Universidad de Cartagena, Cowork, Brigard & Urrutia, El Universal, Emisora Universitaria de la Universidad de Cartagena, Amigos de la OSC, y demás entidades, maestros, familiares y amigos que apoyan incondicionalmente el proyecto Orquesta Sinfónica de Cartagena.Recuerde que el concierto se llevará a cabo en el Teatro Adolfo Mejía el lunes 16 de octubre a las 6:30 p.m. con entrada libre hasta completar aforo. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Glenn Gould no estuvo en este mundo sino 50 años, (nació en 1932), muchos para la gente a la que atormentó con sus caprichos, pocos para quienes admiraron su genio.Empezó a los tres años encaramado en un artefacto que lo izaba para llegar a las teclas del piano. Su sufrida madre le vigilaba y le enseñaba a la vez. Un día, a los seis años, escuchó un recital del famoso pianista polaco Joseph Hofmann y quedó en un estado de excitación del cual, aparentemente, nunca se liberó. Siempre recordó esa experiencia que, según sus propias palabras, “lo dejó hechizado.”Muchas cosas pueden decirse sobre la exasperante y sin igual personalidad de Glenn Gould tomando aquí y allá trozos de su vida y conceptos de sus biógrafos. Dentro de ellos, a nuestro juicio el más certero es Harold Charles Schonberg. En su libro “Los grandes pianistas” nos habla sobre el pianista canadiense.Los conceptos de Schonberg comienzan con las siguientes palabras:" quedó sólo un foco de resistencia importante: la respetada Rosalyn Tureck, artista admirable, una mujer que había dedicado su vida a Bach y a la práctica de la interpretación de Bach, una instrumentista con una mano izquierda independiente ideal para el pentagrama de Bach. Sin embargo, hasta a Tureck la miraron con cierta sospecha. Tocaba el piano.Y en 1955 apareció Glenn Gould. Su carrera fue una de las más extrañas en la historia del piano. Uno de los grandes excéntricos de la música, fue sin embargo un instrumentista excelentemente dotado, cuyas ideas cambiaron el enfoque de Bach que tenían los músicos. Su primera grabación, las legendarias Variaciones Goldberg, que apareció en 1955, fue una revelación para muchos. Exhibía una combinación de personalidad, finura, ideas nuevas, ritmo movido, tempos rápidos y seguridad técnica que significó un enfoque nuevo de la interpretación de Bach.Tenía autoridad. Quizá los musicólogos podrían desmenuzarlo. No importa. Lograba que los oyentes creyeran. Sobre todo, estaba la cualidad lineal de la ejecución. Glenn Gould tenía una habilidad extraordinaria para separar las líneas contrapuntísticas, pesarlas, contrastarlas entre sí y tocarlas en tándem”.Para muchos músicos de hoy, Glenn Gould es un símbolo, una especie de Bobby Fischer del piano. Como el excéntrico genio del ajedrez, fue un talento asombroso que se retiró pronto a una vida de reclusión. Como Bobby Fischer, Glenn Gould dictó sus propias leyes, siguió su camino, no le preocupó lo que el mundo pensara de él y terminó por hacer que el mundo aceptara su voluntad. No es de extrañar que representara algo a lo que todos los músicos jóvenes aspiraban.De Ludwig van Beethoven a Glenn Gould le gustaban las primeras obras y algunas de las últimas, en particular la Gran Fuga, que consideraba “no sólo la mayor obra que Beethoven escribió, sino quizá la composición más asombrosa de la literatura musical”. Por lo que concierne a las sinfonías, el Concierto para violín, la Sonata Waldstein, Gould “no podía explicarse” por qué eran tan populares.La música fue la vida de Glenn Gould, ni siquiera terminó la escuela secundaria. Cuando comenzó a dar conciertos, lo hizo como artista ya cabal y con programas muy poco usuales. Tocaba muy poca música romántica. Sus programas naturalmente incluían a Bach. Tocaba algo de Beethoven, en especial las tres últimas sonatas. También les echó una mirada a compositores que generalmente no se asociaban con recitales de piano: Sweelinck y Gibbons, por no mencionar más de dos. Luego daba un gran salto hasta Berg y Webern. Explicó que “tengo una laguna de un siglo delimitada más o menos por El arte de la fuga por un lado y Tristán e Isolda por el otro; todo lo que está en medio es en todo caso motivo de admiración más que de amor.”Además de intérprete, Glenn Gould escribió mucho, tanto como para llenar un grueso libro de 461 páginas que editó Tim Page. Las notas de programa para los discos estaban siempre escritas por él, y colaboró en muchas revistas. Sus escritos ilustran su propia paradoja. Sus observaciones sobre música y sobre la vida en general son una mezcla de profundidad, inteligencia, adolescencia, humor pesado que no divierte y verdaderas tonterías. A Glenn Gould le encantaba asombrar, lanzar ideas sin haberlas trabajado a fondo.A menudo se expresaba en paradojas. De vez en cuando se encuentra una humildad decorosa. En resumen, sus escritos son como el músico Gould: en el mejor de los casos brillan de manera irritante o irritan brillantemente.No es de extrañar que los músicos pusieran el grito en el cielo. ¿Quiso en realidad Gould decir todo lo que dijo? ¿O es que, como dice Lewis Carroll “sólo lo hace para fastidiar porque sabe que irrita”? En una ocasión Rudolf Serkin oyó a Gould hacer comentarios de esta clase en una transmisión de radio. “Dijo ridiculeces que me enfurecieron. Pero al final tocó y todo se arregló.”En la otra cara de la moneda estaban los músicos y críticos que idolatraban a Gould y todo lo que él representaba. Para ellos, era el único pianista joven con cerebro e individualidad verdaderos.Glenn Gould sólo durante nueve años fue pianista de concierto, pero esos nueve años le convirtieron en una superestrella. Solicitado en todas partes, tocó en Europa, Rusia e Israel además de Estados Unidos. Se retiró a los treinta y dos años. Algunos años antes había anunciado que dejaría de tocar en público cuando tuviera treinta, para dedicarse a grabar, y cumplió su palabra. El 28 de marzo de 1964 dio su último concierto, en Chicago. Murió trágicamente joven, en 1982, después de un ataque al corazón. Tenía sólo cincuenta años.Podrá escuchar una selección de obras de Glenn Gould en la nueva edición de El músico de la semana, el lunes 2 de octubre a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Con libreto en francés de Simon-Joseph Pellegrin, basado en la tragedia de Fedra (princesa cretense, hija de Minos y de Pasífae), obra del dramaturgo francés Jean Racine que se publicó en 1677, es la primera ópera con música de Jean-Philippe Rameau, que se estrenó con gran controversia en la Académie Royale de Musique de París el 1 de octubre de 1733, hace 290 años.La acción de Hipólito y Aricia se desarrolla en la ciudad de Troczen y sus alrededores, en la costa del Peloponeso. Teseo se ha convertido en rey de Atenas al eliminar a toda la familia de su rival Palas excepto a Aricia, a quien obliga a hacer votos de castidad. Mientras tanto, su esposa Fedra ha desarrollado una pasión incestuosa por su hijastro Hipólito, hijo de Teseo de un matrimonio anterior.La versión que se presentará en Canto y Música Coral por cuenta con el siguiente reparto: Aricia por Véronique Gens, Hipólito por Jean Paul Fouchécourt, Fedra por Bernarda Fink, Teseo por Russell Smythe y Diana diosa de la caza por Thérése Feighan. Acompañados del Conjunto Vocal Sagittarius dirigido por Michel Laplénie y Los Músicos del Louvre bajo la dirección de Marc Minkowski.ACTO IUn templo dedicado a Diana, Aricia se prepara a regañadientes para tomar sus votos. Cuando Hipólito descubre sus intenciones trata de disuadirla. Los dos revelan su amor mutuo y rezan por la protección de Diana. Las sacerdotisas vienen a rendir homenaje a Diana. Su ceremonia es interrumpida por Fedra, quien sospecha que Aricia ha desobedecido a Teseo y ha renunciado a sus votos por amor a Hipólito. La reina, confirmadas sus sospechas, ordena a los guardias que asalten el templo.Las súplicas de las sacerdotisas a los dioses son respondidas por truenos y Diana desciende. Asegura a los enamorados su protección contra Fedra. A solas con Oenone, su confidente, las reflexiones de Fedra se ven interrumpidas por la noticia de que Teseo ha descendido al Hades y ahora debe ser considerado muerto. Oenone señala que la muerte de Teseo hace legítima la pasión de Fedra por su hijastro. Donde Aricia solo puede ofrecerle amor, la reina puede ofrecerle tanto corazón como corona. Fedra es persuadida a regañadientes, pero jura morir si no logra conquistar a Hipólito.Escuche la obra completa en la próxima edición de Canto y Música Coral, el domingo 1 de octubre a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
“Todo lo que he escrito hasta hoy, y que ustedes desafortunadamente han publicado, puede ser destruido. Con Carmina Burana comienza mi obra”, aseguró el compositor alemán Carl Orff (1895 - 1982) después del estreno, el 8 de junio de 1937, de la que sería su creación cumbre. Una versión muy especial de esta enigmática cantata escénica será presentada por la Filarmónica de Bogotá, bajo la guía de su director titular, Joachim Gustafsson, y con la participación de la Compañía de Danza L'Explose y el talento vocal del Coro Filarmónico Infantil, el Coro Filarmónico Juvenil y algunos integrantes del Coro de la Ópera de Colombia. Esta función agotó ya todas sus entradas.El nombre Codex Buranus o Carmina Burana hace referencia al Monasterio de Beuren en Alemania, lugar donde Johann Christoph von Aretin encontró el manuscrito en 1803 por durante la secularización de Baviera. El documento recoge unos 250 poemas, en latín secular, provenzal y alemán medieval, en los que se consignan poemas satíricos, dramas litúrgicos, danzas y canciones, muchos de ellos con música en una notación especial. La autoría de estos poemas se atribuye a los goliardos, clérigos que abandonaron la iglesia y con el conocimiento del latín y de la teología, se dedicaron a criticar las instituciones, incluida la iglesia, y a burlarse de todo su entorno.Este fascinante manuscrito llamó la atención del alemán Carl Orff en 1934. En ese momento, era reconocido más como especialista en música antigua y pedagogo que como compositor. A partir del documento, Orff concibió la obra Carmina Burana - Cantiones profanae cantoribus et choris cantandae comitantibus instrumentis atque imaginibus magicis, cuya traducción sería: ‘Cantos de Beuern: Canciones profanas para solistas y coros para ser cantadas con instrumentos e imágenes mágicas’. En pocas palabras, una cantata escénica.Carl Orff escogió 24 poemas del manuscrito, para los que creo las partituras (en ningún momento utilizó la música original) y los organizó en tres partes: La primera se titula Primo vere (Primavera), tiene que ver con la llegada de la estación y la exaltación de la naturaleza. La segunda, In Taberna (En la taberna) es una oda al vino; y la tercera, Cours d’amour (La corte de amor) canta las penas y placeres del amor.Para Carmina Burana, el autor alemán utilizó formas como sencillas canciones estróficas, otras que evocan el canto gregoriano o la forma de las letanías en una sonoridad orquestal con una presencia importante de la percusión, influencia por la obra de Ígor Stravinsky (1882 – 1971). “No es música sofisticada ni intelectual, y los temas son los que todo el mundo conoce”. explicó en su momento Carl Orff.Esta coproducción del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo y la Filarmónica de Bogotá, tiene a nuestra agrupación principal guiada por su director titular Joachim Gustafsson, como eje central; y participan también la Compañía de Danza L’Explose, dirigida por Juliana Reyes; así como la figuración de la soprano Eliana Piedrahíta, el tenor Santiago Burgi y el bajo Juan David González. También intervienen el Coro Filarmónico Infantil, dirigido por Sandra Rodríguez; el Coro Filarmónico Juvenil, bajo la batuta Johanna Molano; y algunos integrantes del Coro de la Ópera de Colombia.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK y escuchar lo mejor de la música clásica.
La flauta travesera es un instrumento musical que ha cautivado a oyentes y músicos durante siglos. Su historia es rica y fascinante, llena de innovación, adaptación y belleza musical. Desde sus humildes comienzos en la antigüedad hasta su prominencia en la música clásica y su versatilidad en géneros contemporáneos, la flauta travesera ha dejado una huella indeleble en la historia de la música. En este artículo, exploraremos la historia de este instrumento querido.Orígenes AntiguosLa flauta travesera tiene sus raíces en la antigüedad, y los primeros ejemplos de flautas traversas se remontan a la Edad de Piedra, hace más de 35,000 años. Estos instrumentos primitivos estaban hechos de hueso y madera y eran utilizados por culturas de todo el mundo, desde los aborígenes australianos hasta los nativos americanos.Sin embargo, el antepasado directo de la flauta travesera moderna se desarrolló en Europa durante la Edad Media. Las flautas traversas medievales eran cilíndricas y generalmente estaban hechas de madera, con seis agujeros para los dedos. A medida que avanzaba el tiempo, se realizaron mejoras en el diseño y la técnica de fabricación, lo que llevó a la flauta travesera renacentista y, posteriormente, a la flauta barroca.La era Barroca y la transformación del diseñoLa flauta travesera barroca, que floreció en los siglos XVII y XVIII, experimentó una serie de cambios significativos en su diseño. Uno de los avances más notables fue la adición de llaves, que permitieron a los músicos tocar notas que de otra manera serían inaccesibles. Esto llevó a un mayor rango y una mayor facilidad de ejecución.Uno de los fabricantes de flautas más influyentes de la época fue Theobald Boehm, un alemán que vivió en el siglo XIX. Boehm diseñó una flauta travesera completamente nueva, con llaves y un sistema de agujeros cónicos que mejoró significativamente la afinación y la calidad del sonido. Su diseño, conocido como la "flauta Boehm", se convirtió en el estándar para la flauta travesera moderna y sigue siendo utilizado en la actualidad.La flauta travesera en la música clásicaLa flauta travesera desempeñó un papel importante en la música clásica durante los siglos XVIII y XIX. Compositores como Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Claude Debussy escribieron piezas destacadas para el instrumento, que se convirtieron en parte integral del repertorio clásico. La flauta travesera a menudo se asociaba con la belleza y la expresión lírica en la música de la época.Uno de los momentos más icónicos para la flauta travesera en la música clásica es el solo de flauta en la ópera "El Pájaro de Fuego" de Igor Stravinsky, una pieza que ha cautivado a audiencias de todo el mundo.El siglo XX y más alláA medida que avanzaba el siglo XX, la flauta travesera se diversificó aún más en términos de estilos y géneros musicales. Músicos de jazz, rock y música contemporánea comenzaron a incorporar la flauta travesera en sus composiciones, lo que amplió su versatilidad y la hizo aún más popular.Hoy en día, la flauta travesera es un instrumento versátil y apreciado en todo el mundo. Se utiliza en una variedad de géneros musicales, desde música clásica hasta jazz, música folclórica y música contemporánea. Su sonido claro y melodioso sigue siendo un elemento crucial en muchas composiciones y grabaciones.La historia de la flauta travesera es un testimonio de la capacidad humana para innovar y perfeccionar un instrumento a lo largo de los siglos. Desde sus inicios, la flauta travesera ha sido un instrumento querido y duradero. Su capacidad para evolucionar y adaptarse a lo largo del tiempo es un reflejo de su belleza y versatilidad musical, y su legado perdurará en la música durante generaciones venideras.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Heliogábalo fue un emperador romano perteneciente a la dinastía Severa, reconocido tanto por su papel como sacerdote y su nobleza. Gobernó desde el año 218 hasta el 222 bajo el nombre de Marco Aurelio Antonino Augusto, aunque pasó a la historia como Heliogábalo (Elagabalus en latín) mucho después de su fallecimiento.Nacido de Sexto Vario Marcelo y Julia Soemia Basiana, desde su juventud sirvió como sacerdote del dios El-Gabal en Emesa, su ciudad natal que hoy corresponde a Homs en Siria. En el año 217, tras el asesinato del emperador Caracalla, su prefecto del pretorio, Marco Opelio Macrino, tomó el poder. Julia Mesa, tía materna de Caracalla, provocó una exitosa rebelión dentro de la Legio III Gallica para instalar a su nieto mayor, Heliogábalo, como emperador en su lugar. La derrota de Macrino el 8 de junio de 218 en la batalla de Antioquía llevó a Heliogábalo, con tan solo 14 años, al trono imperial, iniciando así un reinado lleno de controversias.Durante su mandato, desafió las tradiciones religiosas y las restricciones sexuales de Roma. Reemplazó a Júpiter, la principal deidad del panteón romano, por su dios asimilado, Sol Invictus (Deus Sol Invictus), e incluso obligó a altos funcionarios del gobierno a participar en rituales en honor a esta deidad, de la cual él era el sumo sacerdote.En medio de una creciente oposición, a la edad de apenas 18 años, fue asesinado el 11 de marzo del 222 y su primo, Alejandro Severo, tomó su lugar en un complot urdido por su abuela, Julia Mesa, y miembros de la Guardia Pretoriana.Heliogábalo ganó una reputación entre sus contemporáneos por su excentricidad, estilo de vida decadente y fanatismo, aspectos que probablemente fueron exagerados por sus sucesores y rivales políticos. Esta imagen negativa se perpetuó en la historia, convirtiendo a Heliogábalo en uno de los emperadores romanos más denostados por los historiadores antiguos. Por ejemplo, Edward Gibbon escribió que Heliogábalo "se entregó a los placeres más viles y a una descontrolada furia". B.G. Niebuhr lo recordó en la historia debido a su "vida indescriptiblemente desagradable".Según Dion Casio, historiador romano del siglo III d.C., relata un encuentro donde un hombre atractivo se dirigió al emperador Heliogábalo como "mi señor emperador", a lo que este último respondió: "No me llames señor, pues soy una dama".Durante siglos, la especulación sobre la identidad de género de quien estuvo al frente de uno de los imperios más poderosos de la antigüedad ha sido motivo de curiosidad y estudio.Sin embargo, el Museo de North Hertfordshire, en Reino Unido, ha anunciado que su exposición sobre Heliogábalo reconocerá su identidad como mujer trans y utilizará los pronombres "ella" y "ellas" al referirse a esta figura histórica.Un portavoz del museo expresó que el uso cuidadoso de los pronombres al identificar a personas del pasado es un gesto de cortesía y respeto hacia ellas.Shushma Malik, profesor de la Universidad de Cambridge, le dijo a la BBC: "Los historiadores que utilizamos para tratar de comprender la vida de Heliogábalo son extremadamente hostiles hacia él y, por lo tanto, no pueden tomarse al pie de la letra. No tenemos ninguna evidencia directa que venga de la mano de Heliogábalo mismo, de sus propias palabras”.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El impresionismo fue un movimiento artístico revolucionario que emergió en la segunda mitad del siglo XIX en Francia. Si bien históricamente se ha asociado principalmente con artistas masculinos como Monet, Renoir y Degas, las mujeres jugaron un papel fundamental en este movimiento, desafiando las normas sociales y culturales de la época para dejar una huella perdurable en la historia del arte.Entre estas destacadas pioneras del arte femenino del impresionismo se encuentra Berthe Morisot. Su obra deslumbrante y su influencia en el movimiento impresionista son innegables. Morisot desafió las expectativas sociales al perseguir una carrera artística exitosa en un momento en que las mujeres artistas enfrentaban barreras significativas. Sus obras, como "Un día de verano", de 1879 y "Mujer en su baño" de 1880, reflejan la maestría en la captura de la luz y la vida cotidiana, elementos característicos del impresionismo.Otra figura destacada es Mary Cassatt, una artista estadounidense que se unió al círculo impresionista en París. Cassatt es conocida por sus conmovedores retratos de la vida familiar y la intimidad materna, como "Niñita en un sillón azul", 1878, y "Maternidad", de 1897. Su técnica magistral y su enfoque en temas íntimos la establecieron como una figura prominente en el movimiento.Además, otras mujeres como Eva Gonzalès, discípula de Manet, y Marie Bracquemond, reconocida por sus paisajes y naturalezas muertas, contribuyeron significativamente al desarrollo y la difusión del impresionismo.Estas mujeres desafiaron los prejuicios de su tiempo y su legado perdura como testimonio de su talento y determinación. A pesar de las dificultades, dejaron una marca indeleble en la historia del arte, enriqueciendo el movimiento impresionista con su visión única y su extraordinario talento artístico.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Cada vez falta menos para la decimoctava edición del Cartagena Festival de Música, que se realizará entre el 5 y el 13 de enero de 2024 y tendrá como temática central la ‘Sinfonía de la Naturaleza’.Los 24 conciertos de esta edición explorarán la relación entre la música y la naturaleza, que produjo obras fundamentales de compositores como Antonio Vivaldi, Edvard Grieg, Ludwig van Beethoven, Claude Debussy y Jean Sibelius, entre otros.Como es su tradición, el Cartagena Festival de Música tendrá en esta edición una orquesta residente, que protagonizará los conciertos sinfónicos que se llevarán a cabo en el Teatro Adolfo Mejía. En esta ocasión, la agrupación seleccionada es el Ensamble Allegria de Noruega, que nació 2007 y está conformado por las primeras cuerdas de las orquestas más importantes de su país.El ensamble, que en Cartagena tendrá como director al también noruego Ingar Bergby, protagonizará seis conciertos en los que interpretará reconocidas piezas como Las cuatro estaciones de Vivaldi, la Sinfonía no. 6 ‘Pastoral’ de Beethoven y Peer Gynt de Grieg.El festival convocará de nuevo a destacados solistas internacionales y nacionales, que son expertos en el repertorio seleccionado. Uno de ellos es el pianista finlandés Olli Mustonen, quien también es compositor y director de orquesta.Mustonen es un amplio conocedor de la música de los compositores del norte de Europa, especialmente Grieg, de quien en Cartagena interpretará el famoso Concierto para piano y orquesta.El grupo de pianistas internacionales se complementa con el ruso-lituano Lukas Geniušas, medalla de plata de los concursos Chopin y Tchaikovsky; el ruso Georgy Tchaidze y el sueco Peter Jablonski, que en su país recibió el reconocimiento Årets Svensk i Världen antes que la célebre agrupación de pop ABBA.Los violinistas invitados serán la noruega Eldbjörg Hemsing, quien se ha presentado en eventos tan importantes como la ceremonia de entrega del Premio Nobel de Paz en Oslo, y el ruso Nikita Boriso-Glebsky, que ha compartido escenario con prestigiosos directores como Valery Gergiev y Krzysztof Penderecki.En la ‘Sinfonía de la Naturaleza’ también participarán el Cuarteto de Cuerdas Nórdico, la mezzosoprano noruega Marianne Beate Kielland, nominada al premio Grammy en 2012, y los italianos Maurizio Leoni (barítono), Stefano Malferrari (piano), Antonello Farulli (viola), Guido Corti (corno) y Aurelio Zarelli (dirección).Además, como se ha vuelto costumbre en cada edición del Cartagena Festival de Música, el musicólogo y pianista italiano Giovanni Bietti protagonizará una serie de conversatorios-conciertos en los que introducirá los repertorios de cada jornada.Estos son los invitados nacionalesEn 2024, el Cartagena Festival de Música reunirá de nuevo a algunos de los más sobresalientes músicos colombianos, como el violonchelista bogotano Santiago Cañón-Valencia y la soprano Julieth Lozano, que ganó este año el premio del público en el concurso BBC Cardiff Singer of the World.A ellos se sumarán la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá, dirigida por Manuel López-Gómez, y la Orquesta Sinfónica de Cartagena, que bajo la batuta de Paola Ávila protagonizará el concierto de cierre.La nómina de artistas colombianos se complementará con el Bogotá Piano Cuarteto, el Cuarteto Q-Arte, la violinista Laura Hoyos y los pianistas Alejandro Roca y Andrés Roa.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El autor nacido en Barcelona dejó de lado los protocolos que reinan en esta feria para montarse en una mesa y conversar de tú a tú con los adolescentes que se acercaron al auditorio Juan Rulfo para escuchar su experiencia con los libros y la literatura.Serra i Fabra aconsejó al público asistente que el tiempo es un cheque en blanco que deben cuidar y “no perder en cosas aburridas”, sino que deben seguir su pasión y lo que les hace ilusionarse.Señaló que para dedicarse a las artes primero deben sentir amor por sí mismos para transmitir la pasión en una obra de arte o un texto.“No puedes transmitir amor si no lo sientes, ni transmitir pasión si no la sientes, un artista explota por dentro para que el que lo lea o vea sienta esa intensidad, tienes que ser capaz de comunicar el calor que llevas dentro”, explicó.El autor de ‘Campos de fresas’ dijo que la lectura lo ayudó a vivir su infancia en una casa con violencia y en una escuela con acoso escolar debido a su tartamudez; la escritura hizo que superara ese defecto del lenguaje porque se dio cuenta que ahí podía narrar a su ritmo y “vomitar” todas las ideas que se le ocurrían.“Leer me salvó la vida, pero escribir me dio un sentido, porque tengo ideas a reventar y porque me encanta hacerlo”, expresó.Aconsejó a los escritores nóveles a mantenerse atentos a todo lo que pasa a su alrededor como si fueran “antenas parabólicas con patas”, pues las historias llegan desde los detalles más mínimos de la vida cotidiana.A pregunta de un asistente, Serra i Fabra recordó su etapa en la música, un mundo que le ayudó a comenzar a escribir de manera profesional como crítico y luego como corresponsal de revistas.Reveló que la música lo acompaña todo el tiempo y que escucha diferentes géneros según el tipo de texto que está escribiendo, aunque confesó que no le gusta la música actual.“Hoy en día echo en falta la melodía en la música, hay patrones rítmicos básicos, gente rapeando con ritmo pero me falta la melodía, además no me gustan las letras de los reguetones contra las mujeres”, concluyó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Estas obras constituyen títulos fundamentales para entender la literatura peruana en el contexto hispanoamericano y mundial del vanguardismo del siglo XX", afirmó la Biblioteca Nacional en un comunicado.Los ocho ejemplares son primeras ediciones, seis de ellas fueron publicadas en vida por el "poeta universal", como llaman en Perú a Vallejo, y dos son obras póstumas, publicadas a partir de manuscritos y borradores conservados por su viuda, Georgette Philippart.Las obras son 'Los heraldos negros' (Lima, 1918. Fondo Antiguo de la BNP); 'Trilce' (Lima, 1922. Fondo Antiguo de la BNP); 'Escalas' (Lima, 1923. Fondo Antiguo de la BNP), 'Fabla salvaje' (Lima, 1923. Colección Raúl Porras Barrenechea de la BNP), 'El Tungsteno' (Madrid, 1931. Colección Aurelio Miró Quesada de la BNP).También 'Rusia en 1931: reflexiones al pie del Kremlin' (Madrid, 1931. Colección Aurelio Miró Quesada de la BNP), 'Poemas Humanos: 1923-1938' (París, 1939. Fondo Intermedio de la BNP) y 'Rusia ante el segundo plan quinquenal' (Lima, 1965. Colección Ricardo Angulo Basombrio de la BNP).La BNP indicó que en términos materiales, estos ejemplares de Vallejo (1892-1938) "presentan singularidades que permiten conocer su historia y procedencia".El ingreso de los libros del peruano en dicho programa se decidió en el Comité Regional de América Latina y el Caribe del Programa Memoria del Mundo de la Unesco, realizada en Santiago de Chile, donde se analizaron 32 postulaciones presentadas por Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Cuba, México, Panamá, Perú, Uruguay y Venezuela.Además, la BNP añadió que el Tratado Preliminar de Paz, Amistad, Comercio y Navegación entre el Perú y el Japón, firmado en 1873 en la ciudad de Edo (actual Tokio), custodiado por el Ministerio de Relaciones Exteriores peruano, también ingresó a este archivo por ser el vínculo más antiguo que une América Latina y AsiaLa Unesco creó el Programa Memoria del Mundo en 1992 para promover la conservación y el acceso al patrimonio documental de la humanidad, ya que diversos factores como la falta de recursos, saqueos, guerras y el comercio ilegal hacen del patrimonio documental un material sensible de ser destruido o extraviado, por lo que radica la importancia de salvaguardarlo.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
