Hans Erich Pfitzner (1869 - 1949) es una figura con muchos matices para clasificarlo dentro de la historia de la música. Si bien su obra fue legitimada y admirada por compositores de la talla de Gustav Mahler y Richard Strauss, la prohibición que tuvo sus composiciones a partir de su oposición al régimen nazi, sumado a su postura estética han hecho que la evaluación de su obra y legado aún no sea una conversación generalizada. En la ópera "Palestrina" el propio Pfitzner se retrata en su descomunal lucha contra los intentos de renovación de los vanguardistas, ya que, se autodenominó así mismo como un "antimodernista" dentro de la música. Y lo hizo a partir de la vida del compositor italiano Giovanni Pierluigi da Palestrina quien es conocido por lograr defender la autonomía del arte contra los ataques políticos del Concilio de Trento. Es decir, el período histórico donde la Iglesia se vio fuertemente debilitada por la reforma protestante de Lutero. La ópera de tres actos inicia situándose en una habitación en la casa de Palestrina, Roma, alrededor de 1560, con el alumno del compositor, Silla, ensayando en su violín (donde espera encontrar su propia voz como cantante y compositor) y entra el cardenal Carlo Borromeo, quien censura al maestro por enseñar músicas nuevas, con sabor pecaminoso, a sus discípulos y le explica que, debido al creciente secularismo, el Papa planea desterrar la polifonía de la Misa y otros oficios, quemar las obras maestras polifónicas y volver por completo al canto gregoriano.El cardenal Borromeo quiere que Palestrina se encargue de esto, pero, al carecer de espíritu, Palestrina se niega y Borromeo se va enojado. Palestrina se cuestiona por su pérdida de fe y los espíritus de los grandes maestros de la música de épocas anteriores aparecen y lo rodean. Los espíritus le dicen que debe cumplir con la tarea. En un transporte creativo, la pluma de Palestrina se inspira y, mientras todo se desvanece, se hunde exhausto en el sueño, rodeado de partituras esparcidas por todas partes. Silla e Ighino entran mientras él duerme, y encuentran la música: es una Misa completa, escrita en una noche. Ighino se regocija, pero Silla se muestra escéptico.La historia continuará en el segundo acto en el Gran Salón del Palacio del Obispo Madruscht en Trento, donde precisamente el obispo y el delegado papal Novagerio preparan el salón para el último Congreso General del Concilio de Trento. El Cardenal de Lorena (que ha llegado a un compromiso con el Papa) y el Conde de Luna, representante del Rey de España deben ser tratados por igual. Llega el rumor de que Palestrina ha sido encarcelado por negarse a escribir la Misa. Todos los prelados están preocupados por el ritual de la misa y el cardenal Borromeo trata de calmar los ánimos.Llega Morone, el otro delegado papal, y comienza el Concilio. Morone abre la reunión esperando la unidad entre el Emperador, el Papa y los Príncipes. Se plantea la cuestión de la Misa polifónica, pero Borromeo les dice que está inconclusa. Se desata el caos y se aplaza la reunión hasta la tarde. Los sirvientes españoles, y un grupo de sirvientes alemanes e italianos, se gritan insultos y se produce una batalla con dagas. El cardenal Madruscht aparece con una tropa de soldados y les ordena disparar a matar. Los supervivientes son apresados y llevados para torturarlos. La historia desembocará en la figura de Palestrina componiendo la "Missa Papae Marcelli" (vigente en la tradición hasta la actualidad) como cruzada frente al Concilio, en una defensa magistral del arte por encima incluso de las disputas de los representantes de "Dios" en la tierra. Esta ópera es considerada dentro del repertorio de Pfitzner como su obra maestra. No obstante, en la actualidad no es común que sea representada. Podrá escuchar el domingo a las 9:00 p.m. en Canto y música coral esta ópera interpretada por Karl Ridderbusch, Bernd Weikl, Heribert Steinbach, Dietrich Fischer-Dieskau, Hermann Prey, Nicolai Gedda, Helen Donath, Brigitte Fassbaender, El Coro de la Radiodifusión Bávara; El Coro de Niños de Tolz y la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara bajo la dirección de Rafael Kubelik en nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Orquesta Filarmónica de Bogotá ofrecerá varios conciertos este fin de semana el la ciudad, pasando desde la Orquesta Filarmónica de Mujeres hasta la soprano sueca Ann-Christine Larsson serán protagonistas de estos días acompañadas de la música. Le contamos cuál es la agenda de los conciertos. En primer lugar se ofrecerán tres conciertos junto al Colectivo Colombia y la Orquesta Filarmónica de Mujeres, bajo la dirección de Paola Ávila, y el Colectivo Colombia con la guía de Antonio Arnedo.El Colectivo Colombia nació en 2003 como resultado de las reflexiones de Arnedo sobre el rol y la importancia del desarrollo, la profundización y el crecimiento de las músicas colombianas. Acompañado, en esta ocasión, por Ana María Oramas, Santiago Sandoval, David Cuervo, Jorge Sepúlveda y con la participación de los compositores Carolina Noguera, Leonardo Donado y Juan Diego Valencia, el reconocido saxofonista consolidó un repertorio especial que se aproxima a la perfección a los lenguajes sinfónicos abordados por la Orquesta Filarmónica de Mujeres.Los conciertos, distintos entre sí, pero con un hilo conductor fundamental, se realizarán el jueves 8, viernes 9 y sábado 10 de junio a partir de las 7:30 p.m. en la Sala Delia Zapata (Centro Nacional de las Artes), en Bogotá. El 8 se interpretará la obra “Suite Millera”; el 9 la protagonista será la pieza “Telar, Sonido y Memoria”; mientras que el 10 de junio sonora “Chocó Río, Manigua y Olvido”.Por otro lado, la soprano sueca Ann-Christine Larsson será la encargada de guiar al público en un recorrido por importantes oberturas y arias de ópera. Para la realización de este viaje sensorial, la reconocida artista contará con el respaldo de la Filarmónica de Bogotá, dirigida por el vienés y danés Niels Muus.El viernes 9 de junio a las 6:00 p.m. en la Iglesia San Ambrosio (Cra. 50 # 123 A – 30), con entrada libre, y el sábado 10 de junio a las 4:00 p.m. en el Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, ingreso con boletería, Larsson y la Filarmónica de Bogotá interpretarán obras de Gioacchino Rossini (1792-1868), Richard Wagner (1813 - 1883) y Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791).El concierto comenzará con la “Obertura de la ópera Guillermo Tell”, de Gioacchino Rossini, quien se basó en el relato de Friedrich Schiller, escritor, poeta y dramaturgo alemán del siglo XVIII, para elaborar su creación. En la obertura, una de las piezas más famosas de Rossini, están presentes los principales temas de la ópera y se aprecia la importancia que el compositor italiano dio a la orquesta como elemento dramático fundamental y no solo como acompañamiento de los cantantes.En 1852 Richard Wagner tuvo que huir de Dresde por sus actividades revolucionarias. Se exilió entonces en Suiza. Allí conoció a Otto Wesendonck, un rico comerciante de seda, y a su esposa Mathilde, poeta y dramaturga, quienes quedaron fascinados al escuchar la música del compositor. De ese encantamiento mutuo surgió la idea de la ópera “Tristán e Isolda”, y también los “Cinco poemas para voz femenina” op. 91 sobre poemas de Mathilde, que se conocen como las “Canciones Wesendonck”.En el verano de 1788, Wolfgang Amadeus Mozart escribió en tan solo seis semanas tres sinfonías, n. 39, n. 40 y n. 41, que serían las últimas que compuso en el género. Las sinfonías n. 39 y n. 41 son obras brillantes y optimistas. La “Sinfonía n. 40” en sol menor K 550, en cambio, es más oscura, agitada y hasta melancólica. Desde el comienzo, un pianissimo agitado que pronto llega a una grandiosa sonoridad orquestal, parece reflejar la situación que Mozart vivía en ese momento.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El maestro Carlos Villa fue un violinista y director excepcional, acompañó a la Orquesta Filarmónica de Bogotá por décadas y en los últimos años su misión era guiar a los integrantes de las agrupaciones juveniles, además de estimular a los talentos nacientes, le interesaba compartir conceptos como afinación y estilo.Al recurrir a estos dos principios fundamentales de la música, Villa se acercaba con intuición a las expectativas de sus dirigidos y lograba sintonizarse con sus emociones, aplacando sus inseguridades y multiplicando sus ganas de sobresalir en un ámbito en el que él se destacó desde sus inicios.Su encuentro con el violín se gestó en Cartagena en plena década del 40. “Cuando yo era niño se hacían festivales internacionales auspiciados por la sociedad Proarte Musical. En los años 40 venían los mejores artistas del mundo. Por ejemplo, en La Heroica supe de la existencia de un violinista llamado Yehudi Menuhin, aunque yo en ese tiempo estaba en clases de piano”, aseguró Carlos Villa en una charla informal en el marco del Cartagena IX Festival de Música, en 2015.Después de sus estudios en Filadelfia (EE. UU.) se estableció en Suiza, donde conoció a Menuhin, quien ya se había convertido en uno de sus personajes favoritos en la música. Con la ayuda de este maestro, un apasionado del yoga, Carlos Villa supo cómo controlar los músculos y los nervios. De él también aprendió que la parte técnica es fundamental en la tarima, pero no es lo único y sobre eso hacía énfasis cuando hablaba con quienes hacían parte de las agrupaciones juveniles de la Filarmónica de Bogotá.Carlos Villa fue pionero en muchos aspectos del arte en nuestro país. Abrió el camino para que otros músicos clásicos pudiera alternar con figuras rutilantes de la escena académica; durante cinco años fue el concertino de la orquesta Philharmonia, de Londres; y fue el primer músico colombiano (y el único) en compartir jornadas de grabación con los Beatles.“Yo estaba recién llegado a Londres y allí conocí a la escritora Penelope Mortimer. Ella me invitó a una fiesta en 1963 y me dijo que también había invitado a unos jóvenes talentosos del rock. En ese lugar conversé con Paul McCartney y John Lennon y ellos me contaron que querían hacer una fusión entre su propuesta y algunos instrumentos clásicos. Pasado el tiempo, me llamó el representante de los Beatles para citarme en los estudios. Siempre grabamos de noche y de ahí salieron ‘Eleanor Rigby’ y ‘A Day In The Life’, entre otros temas”, recordó Carlos Villa en los momentos previos a uno de sus homenajes.Como intérprete, Carlos Villa demostró que su violín podía cantar; como director de orquesta confirmó que el liderazgo se ejerce desde la generosidad y el respeto; y como ser humano ratificó que la edad es una anécdota y por eso mantuvo su espíritu joven hasta su último día.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el marco de la celebración de los 40 años de la Orquesta Filarmónica de Medellín (Filarmed), se realizarán en todo el mes de junio una serie de conciertos y presentaciones en los barrios de la ciudad de Medellín en "escenarios para que la música llegue a cada persona para cautivar, enamorar o inspirar", según el comunicado oficial. La programación incluye una iglesia, un parque, una biblioteca y hasta una plazoleta Metro de los barrios Campo Valdés, Boston, Sucre y El bosque como escenarios para disfrutar de la música de Tchaikovsky, cuentos de hadas y hasta de serenatas filarmónicas. La agenda comenzará el próximo 9 de Junio en la Parroquia El Calvario con el concierto "Tchaikovsky en Campo Valdés" del programa Filarmed en las comunas, donde se interpretará la Sinfonía n° 4 del compositor ruso. "La música de Tchaikovsky fue el reflejo de un corazón complejo y atormentado que encontró en la melancolía un sentimiento que tomaba, casi siempre, forma de sinfonía. Su personalidad fue compleja; desde un temperamento depresivo, el rechazó por sus tendencias homosexuales hasta relaciones afectivas con mujeres que serían todas fracasos. Pero su ascenso artístico no se vio afectado por sus miedos. La música de Tchaikovsky es resultado de su gran creatividad, diversidad y emocionalidad", agrega el comunicado de Filarmed. Continuará el 11 de junio en el Teatro Pablo Tobón Uribe con el evento "Do Re Mingo Favorito" y el concierto narrado “Había una vez una orquesta” para acercar a las familias al mundo de la fantasía y el juego de la imaginación. El concierto presenta la música del francés Maurice Ravel y cuentos clásicos universales de Charles Perrault como La bella durmiente, La bella y la bestia y Pulgarcito, entre otros.Perrault es considerado como uno de los grandes creadores de fantasías para niños. El compositor Maurice Ravel eligió algunos momentos mágicos de estos cuentos para inspirar su obra Mi madre la oca, dedicada a los niños y niñas de todo el mundo. Este es el único evento con boletería que puede adquirir a través de www.boletaenmano.com desde los $37.500. Por su parte, en el marco de las reconocidas "Serenatas filarmónicas", el 23 de junio en la Plazoleta Metro del Parque Explora interpretarán la versión de cámara de la Sinfonía n° 1 “Titán” de Mahler, que debido a su gran riqueza melódica es una de las obras más conocidas e interpretadas del compositor bohemio-austriaco. Mahler expresa en esta música diversas emociones, tanto relativas a su vivencia de la naturaleza como a ciertos contenidos autobiográficos.Y el 30 de junio en el Centro Cultural ITM Fraternidad Campus Fraternidad, considerado como uno de los mejores centros para la investigación, el desarrollo y la innovación de la ciudad, y que ha sido, durante muchos años, lugar de ensayos, conciertos y presentaciones inolvidables de la Orquesta Filarmónica de Medellín. En palabras de María Catalina Prieto, directora ejecutiva Filarmed “con esta serenata queremos agradecer al Campus Fraternidad por participar en el crecimiento de la orquesta, por acogernos y permitir que en sus espacios la música se viva de cerca. En este concierto el público podrá disfrutar un diverso repertorio que incluye música colombiana, clásicos universales de Beethoven, Vivaldi y Debussy, hasta tangos de Carlos Gardel”.Para conocer más sobre toda la programación de la Filarmed puede visitar su página web. Estos eventos se realizan con el patrocinio y apoyo de EPM, Sura, Ministerio de Cultura y la Alcaldía de Medellín. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Cuando Gabriela Ortiz era estudiante en México, ansiaba escuchar una obra suya interpretada por una orquesta, el sueño de todo joven compositor. Ni corta ni perezosa, se presentó sin cita en la sede de la Filarmónica de la Ciudad de México para hablar con su director, el maestro Luis Herrera de la Fuente, y proponerle que programara su música.Dos horas lo esperó hasta que finalmente logró hablar con él: "Escribí esta pieza y tengo una necesidad imperiosa de escucharla, porque la única manera de que un compositor avance y aprenda es escuchando su obra", le espetó. El maestro hizo realidad ese deseo: meses después, Gabriela Ortiz por fin fue testigo de cómo sus trazos sobre el pentagrama se convertían en sonidos."Un largo camino"En aquel momento, no podía imaginar que, décadas más tarde, los días 11,12 y 13 de mayo de 2023, una de sus obras, Téenek-Invenciones de Territorio, iba a sonar, dirigida por el director venezolano Gustavo Dudamel, en el auditorio de la mítica Filarmónica de Berlín. "Pensaba que algo así era inalcanzable", dice Ortiz a DW. Las obras de músicos latinoamericanos se programan poco en los conciertos de las orquestas alemanas, y la Filarmónica de Berlín no es una excepción."Como compositora mexicana, este ha sido un largo camino", reconoce Gabriela Ortiz. "Mi música se ha tocado mucho más en Estados Unidos. En Europa ha sido más difícil. Países como Alemania o Francia han decidido, de alguna manera, cuál es el futuro de la música contemporánea. Y han cometido el error de olvidarse de otras latitudes y otras geografías", prosigue.Gabriela Ortiz se desmarcó de las directrices europeas y apostó por tejer una voz propia en la que caben géneros como la ópera, el ballet y la música puramente orquestal inspirada por diversos temas: "Una vez, un compositor me dijo que mi música nunca se iba a poder tocar en Europa porque mi estética no les interesaba. Y, de pronto, me doy cuenta de que ahora se está tocando muchísimo más, que me programan en los Proms, que me acaba de programar la Filarmónica de Berlín, y creo que es una señal de que esto está cambiando".México en los atriles de la Filarmónica de BerlínUna constante en la obra de Gabriela Ortiz es México. Medioambiente, migración, drogas, feminicidios y pueblos originarios tienen cabida en una música que se sirve de elementos del folclore mexicano y latinoamericano para integrarse con marcada exuberancia en la orquesta sinfónica. "El arte también es un espacio de reflexión y de denuncia", dice Ortiz. "Es un espacio para hablar de cosas que, a veces, son incómodas".¿Cómo fue el encuentro de los músicos de la Filarmónica de Berlín con una obra de carácter mexicano como Téenek, tan distante de la música que interpretan habitualmente? "Lo hicieron increíble", asegura la compositora, que confiaba plenamente en la batuta de Dudamel. "Durante la emisión del concierto en su plataforma digital, se percibe que los músicos lo están gozando, que se están divirtiendo, que están disfrutando, que están sintiendo la música". Incluso los elementos rítmicos, muy distintivos en la obra de Ortiz, fueron interpretados a la perfección. "Fue muy emocionante", confiesa. "Y creo que la reacción del público fue muy cálida".Apoyo a los jóvenes compositores latinoamericanosAunque la música de concierto mexicana cuenta con compositores importantes, ninguno de ellos ha logrado posicionarse a nivel internacional de la misma manera en que lo han conseguido sus pares de la pintura, la literatura o el cine mexicanos. Gabriela Ortiz trasladó esta inquietud a Gustavo Dudamel, quien le propuso hacer algo para impulsar la música de los compositores latinoamericanos."Yo creo que él es alguien que ha roto también cualquier estereotipo. Pensar que un chiquillo de Barquisimeto, en Venezuela, ha llegado tan lejos… Eso es también algo inédito. El trabajo de Gustavo nos abre puertas a todos", reconoce Gabriela Ortiz.En ese contexto, surgió el proyecto Iniciativa Panamericana, que comisiona obras de jóvenes creadores del continente. "Las oportunidades no son las mismas para los latinoamericanos que para los estudiantes de música en EE. UU. o en Europa. Hay que ayudar, hay que empujar, porque a nosotros nos cuesta mucho más trabajo llegar", argumenta Ortiz, comisaria del proyecto. Ella sabe mejor que nadie que, para que los compositores aprendan y avancen, necesitan escuchar, convertidos en sonidos, sus trazos sobre el pentagrama.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Las primeras experiencias musicales de Carl Nielsen consistieron en escuchar cantar a su madre, a su padre interpretar el violín y la corneta de pistones; y estudiar tres grandes clásicos de la música europea: Bach Mozart y Beethoven.A pesar de su pobreza, los padres de Carl Nielsen le encaminaron y le inscribieron en el Conservatorio de Copenhague. Allí comenzó a componer con su innato sentido de la armonía.Su cultura general incluía las mitologías, escandinava y griega, Shakespeare y Goethe. A los cinco años de estar allí, en 1889 ya se ganaba la vida como violinista de la orquesta Real.Carl Nielsen compuso música de género diverso; el catálogo de sus obras incluye óperas, música incidental y seis sinfonías. Su estilo, aunque original, tiene mucho en común con el de los compositores románticos de la segunda mitad del siglo Diecinueve, pero el sabor de su música es marcadamente nacionalista. Lo mismo se puede decir de su música de cámara, reconocida en su poderosa originalidad.Carl Nielsen, nuestro invitado a esta audición del Músico de la Semana, escribió su primera sinfonía en 1892 y la segunda casi diez años después. Los Cuatro Temperamentos, como así título a su obra, muestra las razones por las cuales las seis sinfonías de Nielsen constituyen uno de los más grandes tesoros del desarrollo de la forma en el siglo XX.Esta sinfonía no se atiene a ninguna clase de programa, como fue usual entre los contemporáneos de Nielsen. El título no es más que una indicación general, y cada movimiento evoca un carácter de la personalidad humana.El primer movimiento, es Allegro colérico; el segundo, Allegro cómodo y flemático; el tercero, Andante melancólico y el cuarto Allegro sanguíneo.Fuera de su labor como compositor Carl Nielsen llevó una activa vida musical; hasta 1914 fue director de la Real Orquesta Danesa, y más tarde ocupó la misma posición en el Conservatorio. Entre los compositores daneses del siglo XX, Nielsen es quizás el único cuyo nombre tuvo una amplia divulgación fuera de su país natal.La primera obra de Carl Nielsen compuesta específicamente para orquesta fue la inmediatamente exitosa Suite para cuerdas (en 1888), que evocaba el romanticismo escandinavo expresado por Grieg y Svendsen. La obra marcó un hito importante en la carrera de Nielsen, ya que no solo fue su primer éxito real, sino que también fue la primera de sus piezas que él mismo dirigió cuando se representó en Odense un mes después.Podrá escuchar más acerca de la vida del compositor francés y apreciar algunas de sus obras en la nueva edición de El músico de la semana, el lunes 5 de junio a las 3:00 p.m. por nuestra señal en vivo.
El músico vienés con raíces danesas y estadounidenses Niels Muus estará al frente de la Filarmónica de Bogotá, en calidad de director invitado, en dos conciertos en los que esta agrupación en gran formato explorará creaciones destacadas de Franz Schubert (1797-1828) y Anton Bruckner (1824-1896).Este repaso por Franz Schubert y Anton Bruckner desde la batuta de Niels Muus se realizará el viernes 2 de junio a las 5:00 p.m. en la Iglesia San José Obrero, en la localidad de Rafael Uribe Uribe (entrada libre), y el sábado 3 de junio a las 4:00 p.m. en el Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano (ingreso con boletería).Franz Schubert compuso siete óperas completas y dejó once sin terminar. Solo dos se representaron en vida del compositor, una de ellas fue El arpa mágica, que interpretará la Filarmónica de Bogotá, para la que el autor mismo escribió el libreto a partir de un texto de Georg von Hofmann. La obra se estrenó el 19 de agosto de 1820 en Viena.El libreto de esta pieza desapareció y la música no se volvió a interpretar. Por mucho tiempo se pensó equivocadamente que Schubert utilizó la obertura tres años más tarde cuando compuso la música incidental para Rosamunda, obra de Helmina von Chézy. El error llevó a la publicación de la obra, tras la muerte del compositor, como Obertura Rosamunda.La obertura para El arpa mágica es una pieza de gran riqueza melódica, ingeniosa orquestación y temperamento enérgico que muestra la influencia de Rossini, quien causaba furor en Viena cuando se escribió esta obra. Schubert fue uno de los referentes para Anton Bruckner, un nombre fundamental en la historia de la sinfonía. El compositor austriaco creó un novedoso lenguaje que nace del conocimiento de la tradición.La Sinfonía n. 7 en mi mayor la compuso entre 1881 y 1883. Cuando estaba terminando el segundo movimiento, Wagner murió y en su honor, Bruckner introdujo una marcha fúnebre que recuerda la de Sigfrido, una de las óperas del autor alemán, e introdujo la llamada tuba Wagner, un instrumento que se gestó para el ciclo El anillo del nibelungo.El director invitado Niels Muus se graduó en la Real Academia de Música de Dinamarca. Continuó sus estudios en el Conservatorio San Martino (Bolonia), el Mozarteum (Salzburgo) y la Ecole Normale de Musique (París), así como con los maestros Franco Ferrara, Carlo Zecchi, Tatjana Nikolajewna y Jakob Gimpel.Entre 1992 y 1999 fue director principal en el Tiroler Landestheater, Innsbruck, y entre 1999 y 2003, se desempeñó como director de orquesta y director de casting en la Volksoper Wien. Reconocido como un experto en el campo de la ópera, Muus ha dirigido algunas producciones importantes para televisión como “L'Elisir d'amore” de Donizetti del MacerataOpera Festival, "L`Assedio di Corinto" de Rossini para las Olimpiadas de la Cultura en Grecia, y “Rusalka" de Dvorak para el Año Internacional HC Andersen en Moscú y Dinamarca.Niels Muus es un especialista de renombre internacional para la música de W.A. Mozart, por eso ha sido codirector del “Proyecto Mozart”, una colaboración anual con la Orquesta Filarmónica de Viena. También ha sido docente en instituciones como el Conservatorio Monteverdi (Bolzano), el Estudio de la Ópera de los Países Bajos (Ámsterdam), el Estudio de la Ópera, el Nuevo Teatro Nacional de Tokio y la Opera Academy of California (San Francisco).Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
En el marco de la celebración de los 40 años de la Orquesta Filarmónica de Medellín (Filarmed), el próximo sábado 3 de junio en el Teatro Metropolitano de Medellín se realizará el concierto “De América a Europa”, que será un recorrido por "el poder de la música latinoamericana y el virtuosismo de la época romántica", según el comunicado oficial. El concierto tendrá la dirección de Christian Vásquez, reconocido por sus poderosas interpretaciones, trabajando con numerosas orquestas del mundo. Ha sido director musical de la Orquesta Juvenil Teresa Carreño con la que hizo numerosas giras por Europa y Asia, además de ser director invitado de muchas orquestas y director asistente del maestro Gustavo Dudamel en la Ópera de París temporada 2022."Es un concierto que nos conectará no solo con nuestro aquí y nuestro ahora, sino con lugares, pensamientos y épocas que de otra manera no alcanzaríamos", agrega el comunicado. El recorrido musical que plantea el evento inicia en nuestro continente con Musas y resuello de Pacho Flores, un compositor venezolano de nuestro tiempo que creó la obra en homenaje a Astor Piazzolla. En la pieza se combinan sonoridades de tango con otros ritmos latinoamericanos. Se estrenó en 2021 en la versión para ensamble de metales y percusión, más adelante Flores hizo una versión orquestal que se escuchará en estreno para América en este concierto.Enseguida nos iremos al romanticismo con dos compositores virtuosos, Paganini y Bruch, uno italiano y otro alemán, que también mostraron interés en la viola, un instrumento que sería el equivalente a la voz de contralto en un coro, y que brilla con luz propia.“Paganini compuso Sonata para la gran viola para mostrar la virtuosidad y la increíble capacidad sonora del instrumento. El material musical está basado en la ópera italiana de la época, especialmente en Rossini. Su estilo es inmediatamente reconocible y muy cercano a la música popular de la época. Por otro lado, Romance para viola de Bruch es simplemente encantador: canta, te conmueve, también tiene melodías memorables, es emocionante de escuchar”, explicó Milan Milisavljević, violista invitado.Milisavljević, ha sido aclamado internacionalmente por su álbum en solitario Sonata-Song, calificado por la revista Strad como "tonalmente atractivo". El violista se ha presentado en todo el mundo, con orquestas como la Filarmónica de Belgrado, New York Classical Players y Filarmónica de Boca del Río, entre muchas más. Ha ganado premios en concursos como ARD, Lionel Tertis y As-pen Lower Strings y se ha presentado en los festivales de música Marlboro, Mainly Mozart, Classical Tahoe, Agassiz y Aspen. Además será la primera vez que visite nuestro país. Por último, el concierto finalizará en Rusia con la Sinfonía n° 4 de Tchaikovsky, una explosión de colores instrumentales y de emociones con uno de los compositores que define el sentimiento romántico en música.La boletería para el evento tiene un valor desde los $36.500, y pueden adquirirse en la página web de La Tiquetera con precios especiales para afiliados Comfama y 25% de descuento con tarjetas Bancolombia. Este concierto es posible gracias a la Alianza Filarmed - Comfama, con el patrocinio de Bancolombia, Sura, Mineros, Premex, Londoño Gómez, Grupo Bios, Grupo Argos y Cámara de Comercio y con el apoyo de la Fundación MUV, la Alcaldía de Medellín y el Ministerio de Cultura. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Con gran pesar, y tras una profunda reflexión, anunció mi dimisión del puesto de director musical de la Ópera de París para pasar más tiempo con mi familia", dijo en un comunicado el reconocido artista, que llegó a la institución parisina en 2021 para un contrato de seis años."Vivimos una época que, creo, ha transformado profunda e íntimamente nuestros seres", añadió. "No tengo otros proyectos que estar con mis familiares", aseguró el maestro, de 42 años, casado con la actriz española María Valverde y padre de un niño con su anterior pareja, la exbailarina venezolana Eloísa Maturén.En febrero, la Filarmónica de Nueva York lo nombró como su futuro director artístico y musical a partir de 2026.Dudamel, uno de los directores de orquesta mejor pagados del mundo y más conocidos, también dirige la Filarmónica de Los Ángeles desde 2009."Le doy las gracias a Gustavo Dudamel, cuya pasión e inmenso talento tanto aportaron al repertorio de nuestra casa", reaccionó el director general de la Ópera de París, Alexander Neef, en el comunicado."Gustavo Dudamel es un inmenso músico. Le expreso mi profundo reconocimiento por el trabajo realizado durante su mandato, y respeto plenamente su decisión", agregó.Desde muy joven, Dudamel fue tildado de prodigio y se ha ganado aplausos y fama en todo el mundo por su expresiva gestualidad al dirigir, moviéndose con emoción, cerrando los ojos, saltando y blandiendo la batuta de un lado a otro, mientras su frondosa y rebelde cabellera, le sigue el ritmo."Trabajar con los jóvenes"A propósito de la fama, el renombrado músico parece no darle demasiada importancia. "No me considero una superestrella. Tengo la oportunidad, evidentemente, de trabajar con grandes artistas pop. Pero para mí es un privilegio", dijo en una entrevista con AFP en septiembre.Dudamel nació en Barquisimeto (Lara, oeste) el 26 de enero de 1981, hijo de un trombonista y una profesora de canto. Él mismo cuenta que de niño dirigía una imaginaria orquesta de juguetes antes de tomar el violín como instrumento.Ferviente defensor de un amplio acceso a la cultura, el músico venezolano es el más claro producto e ilustre representante de "El Sistema", el célebre Sistema de Orquestas Infantiles y Juveniles de Venezuela, un proyecto de educación musical para niños de clases populares fundado en 1975."Parte de mi ADN es trabajar con los jóvenes, llevar la orquesta a las comunidades" porque la música debe ser una "herramienta de transformación social", afirmó a finales de febrero, en la presentación oficial para su puesto en la Filarmónica de Nueva York, con la que tiene un contrato por cinco años a partir de 2026.El músico siempre ha intentado mantenerse al margen de la polarizada política venezolana. Sin embargo, tras recorrer el mundo con la orquesta Simón Bolívar, era frecuente verlo dirigir en grandes actos del gobierno, incluido el funeral de Hugo Chávez. El hechizo terminó cuando en 2017 fijó posición contra el presidente Nicolás Maduro.Criticó entonces la brutal represión contra protestas que dejaron unos 200 muertos. Poco después, se canceló una gira con la Orquesta Juvenil venezolana y Dudamel no volvió a aparecer en actos oficiales. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Gustav Leonhardt está considerado uno de los pioneros en el movimiento historicista, iniciado en la década de 1960 y basado en la interpretación de música renacentista, barroca y clásica siguiendo criterios historicistas y utilizando instrumentos de época. En alguna oportunidad expresó:“Como organista y clavecinista, dispongo de un repertorio de increíble diversidad. Creo que no se puede tocar todo porque el intérprete debe identificarse con los ideales de los compositores. Mi proximidad a lo que denominamos Barroco va paralela a la lejanía con la que veo los siglos XIX y XX. A lo mejor otros pueden, pero a mí me resulta imposible servir a tantos señores a la vez”. En plena Segunda Guerra Mundial, cuando Holanda se paralizó, Leonhardt vivió en una casa alejada de los horrores y el hambre en la ciudad, un periodo de su infancia que llamó un año maravilloso sin escuela en el que comenzó a ver con ojos frescos el viejo clavecín de la familia.Como parte de su pasión por la música de Bach lo incitó en 1967 a representar al autor alemán en la película El diario de Anna Magdalena Bach, dirigida por Daniele Huilet y Jean-Marie Straube.Durante los años que estudió en la Schola Cantorum Basiliensis, Gustav Leonhardt aprendió sobre ornamentación y cantos gregorianos, pero también descubrió el gran vacío que había en el estudio de teclados antiguos, como el órgano, el clavicordio y el clavecín.Deslumbró en su primera aparición en Viena con El arte de la fuga de Bach. En la capital austriaca siguió estudiando y rápidamente se constituyó en un notable maestro, labor que ejerció hasta 1955, aunque un año antes había ganado su plaza de docente en Ámsterdam.Por aquella época fundó el Ensemble Barroco Leonhardt, que después fue el Conjunto Leonhardt.Gustav Leonhardt fue uno de los que se aproximaron con mayor seriedad a las partituras de esa época. Su estilo se caracterizaba por su angulosa exposición de los acontecimientos sonoros, ofrecidos con una claridad y construcción esenciales.Si bien las versiones que Gustav Leonhardt hizo de las Cantatas de Bach son insuperables, interpretó maravillosamente a otros maestros del barroco no sólo con su Leonhardt Ensemble, sino que mantuvo constante colaboración con las principales agrupaciones de instrumentos originales, de las que fue, tras su etapa inicial, un constante inspirador, entre ellas La Petite Bande, La Orquesta del Siglo de las Luces y La Orquesta Barroca de Friburgo.Uno de los logros más impactantes en la carrera de Gusta Leonhardt fue la grabación integral de las cantatas de Bach, que realizó junto con Nikolaus Harnoncourt, entre 1970 y 1990.Pero también es magnífica su labor como pedagogo en la Academia de música de Viena y en el Conservatorio de Ámsterdam, instituciones en las que puso en práctica su pensamiento acerca de su enfoque pedagógico.Escuche algunas piezas e interpretaciones del maestro Gustav Leonhardt en nuestra edición de El músico de la semana el lunes 29 de mayo a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
—Diez... Veinte... Treinta... Aquí tiene su semana, maestro Flores.—Diez... Veinte... Treinta... —contó pausadamente el viejo, estirando con fuerza los billetes que luego lió y guardó en una cartera de cuero negruzco—. Conforme, patrón, muchas gracias y hasta el lunes.—Oiga, maestro, ¿no sería posible que mañana saliera a trabajar? Quisiera que me arreglara unos estantitos en el escritorio.—Yo no trabajo en domingo.—Lo sé, don Flores, pero un día es un día... Ya está, diga que sí.—Yo trabajo toa la semana, es mi deber, es mi obligación, pero el domingo descanso. Pa eso hizo Dios el domingo; pa descansar.—Convenido. Pero por esta vez no podría...—Ya fijé que no —atajó el viejo firmemente.—Se tendrá en cuenta su buena voluntad —dijo molesto el joven.Hablaban el patrón —o sea el administrador de la hacienda— y don Santos Flores, a través de la ventana del escritorio del primero que, protegida por una reja de hierro, abría sobre el corredor.Llegaba la noche con un silencio hondo, con una paz de vida que se aquieta, buscando en el reposo pujanza para la brega del siguiente día. Diversos rumores, al turbarlo, hacían luego más profundo ese silencio: un último aletear de pájaros en busca del nido; el paso de un gañán que horqueta al hombro caminaba- hacia su puebla; el trote brioso de un caballo; relinchando por la piara; el grito de una mujer que decía: "Vení, condenao", con estridencias broncíneas en-1a voz; el ulular de una lechuza anunciadora de la noche.Con todas las gamas del azul desvanecíase el paisaje en una especie de niebla: azul verdoso los prados; azul sombra los montes; azul negro, cordilleras; azul ópalo el cielo; azul plata las estrellas.— ¿Mi güena voluntá pa servir a l'hacienda desde que nací? Bien puee tomarse en cuenta... Sesenta años tengo y ni un día e trabajo hei faltao a mi obligación. Usté lo sabe y los patrones lo saben mejor que usté hablaba don Santos sin reproche, pero con una voz íntegra que no admitía discusión.—Bueno, bueno —contestó el joven conciliadoramente—, allá usted con sus razones. Hasta el lunes.—Hasta el lunes, patrón.Era interesante el viejo carpintero, recia figura hecha en músculos que los años iban enjutando. Sólo eso y blanquear los cabellos había conseguido el tiempo, porque el cuerpo se alzaba de un firme trazo único. A hachazos parecía haber sido hecha la fisonomía resuelta, de empecinado: cuadrada la barbilla, filudas como aristas las quijadas, delgados los labios descoloridos, recta la nariz, horizontales casi las cejas, rectangular la frente amplia, cerrados de expresión los grandes ojos de iris gris acero que iban derechos en busca de la mirada del interlocutor. La voz acordaba con el resto: fría, sin modulaciones, lenta, iba buscando con tino las palabras que mejor tradujeran su pensamiento."Es como un peñasco —pensó el administrador al verlo fundirse al azul de la noche en el fondo de la alameda—. ¡Y que vaya a casarse!"2Venido de varias generaciones que nacieran y murieran en la hacienda, Santos Flores —como todos los hombres de su familia fue carpintero.Muy niño aún, ayudaba a- su padre en cuanto sus fuerzas le permitían. Las horas de solaz que para los otros chiquillos eran correrías locas a través de los potreros en busca de nidos y frutas, para Santos eran paciente trabajo de carpintería que daba por resultado una cajita, una repisa, un banco. A los diez años entro a formar, parte del personal de la hacienda como ayudante de carpintero, bajo las órdenes de su, padre.Desde entonces no se le conoció otro goce que el trabajo, ni otra distracción que salir los domingos a dar una vuelta a caballo por los caminos comunales, ni otro afecto que el cariño a sus progenitores.En la austeridad de una vida hecha de deber cumplido pasaron lentos y monótonos los años. Murió el viejo maestro carpintero y Santos lo reemplazó en el puesto.Entre los montañeses aislados de la ciudad por enormes distanciar, se conserva íntegra la tradición casi feudal del vivir de nuestros abuelos. El patrón es el señor omnipotente del cual se soporta todo sumisamente, aunque en lo hondo se lo reconozca injusto. Ese sentimiento es mudo. La primacía del señor sobre el inquilinaje la ejerce en la puebla el padre, el marido o el hermano mayor sobre el resto de la familia. Así como el patrón lega al morir cuanto posee a sus descendientes, el montañés deja a los suyos el oficio que tuviera, con algo que más aún semeja su idiosincrasia a la del señor de otros tiempos: es el hijo mayor quien lo sucede.Santos Flores reemplazó a su padre en la carpintería y en el hogar.Tenía un carácter de hierro. Los principios morales y religiosos que la madre le inculcara se modelaron en ese metal, y nunca, nada ni nadie pudo borrarlos. Mientras vivió el padre fue un obediente a su mandar, luego tomó la dirección de la familia, reducida solamente a la mama Rosario, y bien supo ésta que era el hijo tan despótico como fuera el marido.— ¿Por qué no te casai? —preguntaba a veces, tímidamente, mama Rosario.—Porque aún hay tiempo pa tener un hijo.—La Juana del molino me gusta hartazo. Es limpia y comedida y de cara no es naíta e pior. Es l'única que me gustaría pa nuera.—Entoavía no pienso en casarme.Recién cumplía Santos Flores cuarenta años cuando la mama Rosario, de una gripe, fuese al otro mundo en busca de "su finao" que según ella la esperaba en la puerta del cielo.Este golpe rompió el equilibrio de sus hábitos. Por volver a ellos, inmediatamente, Santos Flores resolvió casarse.Eligió a Juana —la que tanto le- gustaba a su madre—, una mujercita bondadosa que sólo se ocupaba en bruñir el hogar modesto, plegándose humilde a cuanto Santos decía. Siempre taciturno, jamás contrariado, adivinado en sus menores deseos, el hombre fue bueno con ella y. la hizo feliz a su modo.Lo que no podía perdonarle, y en sus raras y frías cóleras le reprochaba como falta propia, era que en vez de un Santos Segundo Flores que siguiera la tradición de maestros Flores en la hacienda, le hubiera dado, con do años de diferencia de una a otra, tres hijas que se llamaban María Juana, María, Mercedes y María del Tránsito.Cuatro años después, al dar a luz un hijo varón que nació muerto, Juana murió, sumiendo a. Santos en un dolor silencioso, tanto más hondo persistente cuanto menos se deshacía en palabras y gestos.Junto al dolor —superándolo a ratos— estaba el sentimiento de humillación que el no tener un hijo le producía. En esos momentos pensaba en casarse nuevamente. Pero la recta visión de sus deberes paternales lo hacía desistir de ese, propósito, por no darles madrastra a las niñas. Cuando estuvieran mayores...Sí, entonces, ¿por qué, no casarse y lograr el ansia del hijo?La madre de Juana quiso reclamar el cuidado de las nietas. Santos Flores cortó todo proyecto de la molinera con esta frase sin vuelta:—Mis hijas son mías y. naiden más .que yo las criará.María Juana —que tenía a la sazón diez años— tomó el trabajo de la casa. Don Santos y ella se levantaban al amanecer, aseaban la -puebla; ordeñaban la vaca, preparaban el desayuno. Cuando el padre se iba, María Juana vestía a, las pequeñas y toda la mañana se le pasaba cuidándolas juiciosamente, al par que vigilaba la olla con los porotos y tenía lista la leche para el ulpo.A mediodía llegaba don Santos. Almorzaba de prisa y al pitar la sirena volvía el hombre a su trabajo. A eso de las cinco la mujer del campero Silva venía a lavar, a tostar, a moler trigo, a hacer, en fin, todos los trabajos que María Juana no podía realizar.Y la niña se esmeraba en su papel de madrecita que a sus propios años le daba importancia y —alma de servidumbre— vivía pendiente de los deseos de los demás, tratando de imitar en todo "el modo de los grandes", seria y razonable por naturaleza, obsesionada como su padre por el cumplimiento del deber.María Mercedes —Meche familiarmente—, era en lo físico idéntica a don Santos, pero en cuanto a carácter, el polo opuesto. Risueña, parlanchina, impulsiva, caprichosa, vivía en perpetua movimiento que impacientaba al padre. Y cuanto más crecía la niña, más rudos eran los choques de ambos caracteres. El padre exigía sumisión y obediencia pasiva; la hija quería libertad y obedecer sólo a su idea. A veces la discusión subía de tono, y el padre —exasperado— le pegaba. Pero ni razones ni golpes conseguían hacerla obedecer.—Sos pior que macho —decía don Santos:—Pior que yo es usté. ¿Por qué no m'eja ir a jugar con los chiquillos e don Silva?—Ya t'ije que no.—Es que yo l'igo que voy no más...—Vos m'andái buscando las manos.—Si quere pegarme aquí me tiene —y se lo quedaba mirando, desafiadora, con sus ojos de acero tan semejantes a los del padre, que unos parecían reflejo de los otros.Eran luchas que sumían a María Juana en un mar de estupores. Para ella, llevarle la contraria a don Santos era algo horrendo y, aunque le dolieran como recibidos en carne propia los golpes dados a Meche, encontraba muy naturales aquellas palizas.María del Tránsito —la Tatito— era un pobre ser de timidez que vivía en perpetuo sobresalto de desagradar, un ser de recogimiento únicamente se encontraba tranquila al estar sola, y que en presencia de don Santos transpiraba de angustia, no sabiendo qué hacer de su persona para disimularse. Las riñas de su padre con Meche la aterrorizaban hasta el punto de desmayarse cuando llegaban a hechos.Ya más grandes, empezaron a asistir a la escuela: juiciosa y aprovechada María Juana; díscola, pero admirable de comprensión, cuando se interesaba por el tema, Meche; opaca en su medianía Tatito, que sólo cobraba vida e inteligencia en la clase de religión.Al correr el tiempo se acentuaron en ellas sus diferentes personalidades, y al cumplir dieciocho años, María Juana era una agradable muchacha, atrayente por la bondad que emanaba de ella, óptima dueña de casa, hábil tejedora de lamas y choapinos, seria, humilde y, como su padre, rígida en sus principios y aferrada al deber.Meche seguía siendo la desesperación de todos, pues a sus características de niña agregaba ahora una coquetería endiablada que traía locos a los mozos de la hacienda. Mas tenían que contentarse con mirarla de lejos al pasar frente a la casita: conociéndola a fondo y temiendo una aventura que le costara la honra, tanto don Santos como María Juana la vigilaban estrechamente.—El que venga a las derechas que hable conmigo —decía don Santos.La pequeña vivía en éxtasis desde que hiciera la primera comunión en Curacautín. La religión fue un sedante para su angustia. Suave y opacamente desprendida de toda pasión humana, se le iban los días rezando, arreglando altares, mirando estampas.La pubertad le trajo innumerables trastornos físicos. La anemia roía su pobre cuerpecillo endeble, desmayos y vértigos la asediaban periódicamente y a tanto llegó su flacura que don Santos se asustó y, acompañado por la abuela molinera, fue con la niña a Victoria a consultar médico. .Siguiendo un régimen alimenticio muy nutritivo alternado con remedios, sin hacer otra cosa que hilar, pasaba Tatito días enteros sentada en un sillón, tirando de la hebra mecánicamente, muy delgada, muy blanca, señoril en su pose arcaica, toda ojos visionarios la cara comida por la enfermedad, extraña en aquel medio de rostros rudos, de figuras recias, de almas roqueñas.Una mañana don Santos las llamó a su pieza luego de desayunar, y pausadamente, con voz resuelta y expresión cerrada, dijo:—Ustedes ya están grandes y una madrastra no las irá hacer sufrir. Yo quero casarme y ya tengo palabreá a la Chabela Rojas. Ya está too arreglao. A mediados del otro mes será el casorio.Las muchachas lo oían estupefactas y un mismo impulso las hizo protestar.—Pero... —alcanzó a decir Tatito, abriendo enormes los ojos.— ¿Se quere casar? ¿Usté se quere casar? —dijo María Juana.— ¡Ja! ¡Ja! —rió Meche, insultante—. Se quere casar con la Chabela... El veterano templándose y mientras las hijas encerrás a canidao pa que naiden las vea. ¡Ja! ¡Ja!—Cállate —ordenó el viejo.—No quero. ¿Por qué voy a callarme? Si es pa morirse e la risa. ¡La Chabela es de la mesma edá que la María Juana!—Ya t'ije que te callaras.—Y yo dije que no quería callarme na... La Chabela Rojas e madrastra e nosotras. ¡Qu'irrisión más grande!—Ustedes serán las honrás. Ella es muy señorita y muy güena y. too se lo merece.— ¿La Chabela se lo merece too? ¿Usté está malo e la cabeza? Bien pue ser que le haigan hecho tomar alguna cosa... La Chabela Rojas muy señorita... Predúnteselo al patroncito... él le pegaría el señorío...—Eso sí que no te lo aguanto. Cállate o te costará caro.—No me callo... aunque me pegue... Predúnteselo tamién a don Fanor, el sobrino del señor Rodríguez. Predúnteselo... ¡Ay!... ¡Ayayaycito!— ¿No te querís callar? ¿No te querís callar?—Predúnteselo a los dos. ¡Ay! ¡Ay! ¡Ayayay!—Toma... Toma...Mala bestia...—Taitita lindo... ¡Por Diosito! —gentil, implorando, María Juana— Mi Señor, la va a matar... ¡Ay! Creo en Dios Padre... —musitaba Tato, alba como un lienzo y a punto de desmayarse.—Mala bestia la Chabela, qu'es una perdía —un bofetón más fuerte alcanzó a Meche en la boca y dando un traspié cayó de lado, sangrando abundantemente por la nariz.—Me vis acriminar —dijo el viejo, pesaroso.María Juana acudía a la otra, a Tatito, que había caído desmayada sobre la cama.—Vos tenis la culpa —prosiguió don Santos, dirigiéndose a Meche, que en el suelo, arrodillada, sollozaba convulsa—, me volvís loco con tus porfías. Con ésta creo que no quedrás más leución. El casorio es pa media-dos del otro mes. No hay güelta. Y no pongan malas caras y prepárense p'arreglar la casa. Hay mucho qui'acomodar pa recebir a la nueva señora. Ya lo saben.Cuando el viejo salía, Meche se irguió y dijo frenética:—Si usté se casa con la Chabela me voy puerta afuera. ¡Por ésta sé lo juro! Ya lo sabe.No contestó don Santos. Bien sabía que la última palabra era siempre de la rebelde. Pero mala hasta el punto de inventar una calumnia no la imaginaba. ¿De dónde sacaría las feas historias que achacaba a Chabela? Le amargó el día el saetazo de la frase: "Predúnteselo al patroncito. Predúnteselo..." Tanto le hería, tanto lo hacía sufrir, que en la tarde, al ir a ver a Chabela al despacho donde vivía con sus padres, le contó el incidente, taladrándola con sus ojos de acero.La muchacha lo oyó tranquila, sonrió mimosa y dijo:—Puras envidias. Cosas piores ha d'inventar la Meche pa que no se case conmigo.Y el viejo volvió a la confianza por obra de los ojos que tan serenos y verídicos parecían. Además su amor —un amor que llegara callado, tomándolo íntegro y sin vuelta— no pedía sino que le adormecieran recelos.Meche trató en otra ocasión —cuando tuvieron que dejar a la novia el dormitorio que ellas ocupaban, la pieza más espaciosa de la casita— de volver a su protesta de macho taimado que se niega a dar vueltas a la noria, por el solo placer doloroso de recibir una paliza que lo haga más consciente de su esclavitud.Fue su último grito de rebelión. Desde entonces hasta el día del matrimonio cosió, hiló, tejió, ayudó en todo a la par que las otras, en los preparativos que se hacían rumbosamente.Don Santos parecía haberlas olvidado. Absorto en sus pensamientos, sólo salía de su mutismo para dar breves órdenes. Además, lo veían poco. Almorzaba y comía en el despacho. Llegaba a acostarse. Se levantaba al alba, desayunaba servido por María Juana; revisaba la labor hecha por las muchachas el día anterior, hacía algunas hacía algunas indicaciones y se iba, tras de mirarlas muy fijo con sus ojos agudos como puñales.
Este mes la programación del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo estará llena de conciertos y obras magníficas, entre estos dos espectáculos imperdibles, la obra Juguetes Rotos de la directora argentina Carolina Román y el concierto de la Sinfónica Nacional de Colombia junto al Tambuco Ensamble de Percusión.En primer lugar, la directora y dramaturga argentina Carolina Román presenta su obra Juguetes Rotos por Producciones Rokamboleskas, una compañía de teatro española. Estas funciones hacen parte de la programación de España país invitado de honor en el Teatro Mayor. Juguetes Rotos narra la historia de una amistad entre Mario, un joven que abandona su pueblo, y Dorin, una transexual del mundo del espectáculo. Mario trabaja en una peluquería y Dorin lo lleva a enfrentarse a sus sueños de ser mujer. En este espejo en el que Mario se mira también se refleja un mundo de purpurina peligroso y revelador.Este proyecto propone una reflexión sobre la identidad sexual y sobre el mundo no-binario de España de las décadas de 1960 y 1970, en contrapunto con el del presente. En este entramado social muchas personas se vieron gravemente afectadas por un sistema que no los admitía ni reconocía más allá de los escenarios y la prostitución.Producciones Rokamboleskas nace de la mano de Fabián Ojeda (Premio Max 2017) y Nacho Guerreros, dos profesionales con una amplia trayectoria en las artes escénicas. Desde 2017 su actividad principal es la producción, coproducción y producción en gira de obras teatrales, apostando por la profesionalización del sector escénico en España y la calidad de los espectáculos.Carolina Román es dramaturga, actriz y directora. En Buenos Aires cabalgó entre sus estudios de periodismo en la Universidad de Buenos Aires y el teatro. Sus maestros más influyentes fueron Raúl Serrano, Alberto Félix Alberto y Augusto Fernández, entre otros. Junto a sus hermanas creó el Videoclub del Ángel, un proyecto especializado en cine de autor con el que organizaron modestos ciclos por el territorio.Las funciones serán el viernes 16 y sábado 17 de junio a las 8:00 p.m., la boletería está entre $55.000 y $80.000, la puede adquirir en la página web del teatro.Por otro lado, la Orquesta Sinfónica Nacional estará junto a Tambuco, uno de los ensambles de percusión más reconocidos en México (y el mundo) y a la directora inglesa Catherine Larsen Maguire.Tambuco interpretará junto a la Orquesta la pieza Metal de tréboles del también mexicano Javier Álvarez, una obra que a través de su discurso sonoro evoca a la naturaleza e impulsa a los músicos a explorar formas alternativas de tocar sus instrumentos. Esta obra y las otras tres que componen el programa, serán dirigidas por Catherine Larsen-Maguire, quien durante 10 años se desempeñó como Principal de fagot de la Komische Oper en Berlín, para después dedicarse de lleno a la dirección.Para abrir y cerrar la noche, la Orquesta interpretará dos obras del compositor estadounidense Aaron Copland, compositor clásico norteamericano por excelencia, quien además tenía un particular atractivo por la música latinoamericana. Para iniciar la velada, Three Latin American Sketches, una obra que se caracteriza, en palabras del compositor, “por sus melodías, ritmos y temperamento espontáneo y jovial”, y Rodeo: Four Dance Episodes, la versión sinfónica construida por el mismo compositor del ballet bajo el mismo nombre, en la que presenta fragmentos inalterados de conocidas melodías americanas. Completa el repertorio, Huapango, de José Pablo Moncayo, obra muy reconocida y de gran colorido que retrata la música popular de la zona de Veracruz en el Golfo de México.El concierto será el miércoles 28 de junio a las 8:00 p.m., la boletería va desde los $25.000 hasta los $80.000 y está disponible en la página del Teatro Mayor.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
En "Bramidos de agua dulce" (Escarabajo, 2020), la poeta conversa con el río Sinú, cuyas aguas serpentean a lo largo de la ciudad de Montería, en el Caribe colombiano; en su obra, el río adquiere vida propia y se convierte en un personaje central que, con cada corriente, lleva consigo los lamentos de la muerte y la violencia que asolan a las mujeres trans de esa urbe.A través de sus versos, la autora plasma algunas "experiencias aterradoras", pero también la resiliencia y lucha que vivieron estas mujeres hace más de 40 años: "Ante el temor de ser arrestadas y torturadas por la Policía, las mujeres trans que ejercían la prostitución en la época (...) preferían lanzarse al río Sinú"."Contar estas experiencias de vida desde una voz travesti, que es mi propuesta política, es controlar la narrativa de lo que se dice de nosotras", declara enfática a EFE Bárcenas, quien asegura que históricamente han sido interpretadas por personas cisgénero, heterosexuales y blancas que "terminan perpetuando lo que significa ser trans".Poesía en "clave travesti"Según la poeta, su "propuesta política" permite asumir el dominio de la narrativa en torno a las mujeres trans, que ha sido relegada al ámbito de la marginación, el sufrimiento y el trabajo sexual: "Me parece injusto" y, en su lugar, aboga por reivindicar nuevas perspectivas de "ser travesti"."La 'clave travesti' trata de posicionar la experiencia de vida de una mujer negra trans en la poesía", explica la escritora de 25 años, quien asegura que esta inclusión "no suele suceder en la literatura" porque "el canon literario es racista y transfóbico".En este contexto, Bárcenas reconoce que dichas experiencias se están convirtiendo en un nicho altamente lucrativo en la actualidad. A pesar de ello, la autora destaca que el reconocimiento y valoración de sus palabras y obras literarias son el mayor obstáculo que ha tenido que enfrentar.Escritura que abre horizontesEl contexto familiar y el entorno conservador en el que creció la poeta "no estaban preparados para comprender y aceptar" su identidad, lo cual generaba miradas opresoras y prejuiciosas hacia su persona y su cuerpo. Por lo que la colombiana encontró, desde temprana edad, un refugio íntimo y seguro en la escritura que le permitía plasmar sus sensaciones, experiencias y dar voz a su cuerpo en tránsito que ella describe, metafóricamente, como "florecer".La escritura también le dio conciencia del poder de la palabra y la expresión poética; fue una herramienta que le permitió forjar otro futuro, alejándose de los estereotipos limitantes que la sociedad asigna a las personas trans como "la prostitución, la peluquería o la calle". "La poesía me salvó porque me pude agenciar otro destino", explica Bárcenas, quien señala que no le parece negativo que sean prostitutas o peluqueras, sino que eso "sea lo único que la sociedad quiera que seamos".Dignificación y reconocimiento permanenteA propósito del Día Internacional del Orgullo LGBTI, que se celebra el 28 de junio, Bárcenas destaca que "la dignificación de las vidas trans va más allá de una celebración temporal y requiere cambios estructurales en diversos ámbitos".La activista enfatiza en la importancia de contratar a personas trans y brindarles espacios de manera continua: "Una verdadera inclusión implica tener en cuenta a las personas trans todo el tiempo, lo cual les proporcionaría la estabilidad económica tan necesaria en sus vidas porque aún enfrentan obstáculos para acceder a empleos, espacios culturales y académicos que no han sido diseñados con su inclusión en mente".La monteriana señala que durante esta celebración se percibe como "la cuota trans" y reflexiona sobre cómo muchas instituciones instrumentalizan la imagen de las personas trans en lugar de brindarles una participación genuina.Aunque le genera conflicto, también reconoce que esta situación puede ser una oportunidad para abrir camino a otras mujeres trans y ampliar su representación en diversos escenarios. "Ser reconocida como una travesti que pudo transformar su realidad y abrir nuevos horizontes para otras mujeres", así le gustaría a Flor ser recordada por sus hermanas travestis y por la sociedad.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde la creación en el año 2001, el Ciclo Rosa se reafirma cada año como la apuesta por la diversidad, como el puente para una transformación en las estéticas y narrativas de la creación audiovisual, que se mueven entre los distintos géneros cinematográficos, los múltiples formatos estéticos y las diversas maneras de narrar y representar el cuerpo, la sexualidad y el género mediante lo audiovisual.El Ciclo Rosa se ha convertido en un espacio alternativo para la muestra audiovisual y la discusión alrededor de la visibilidad LGBTIQ+. Por el Ciclo han pasado figuras significativas de la creación e investigación audiovisual nacional e internacional y se ha promovido la emergencia de nuevas formas de representación de los géneros y las sexualidades en su diversidad y complejidad.La edición del 2023 está conformada por una Muestra Internacional curada por Cédric Succivalli, crítico de cine y programador italiano, ha sido jurado en festivales como San Sebastián y el Festival de Cannes (jurado de la Palma Queer), entre otros. Succivalli propone 5 programas con un rango ecléctico de voces queer que lo han impresionado profundamente durante los últimos años. Esta muestra estará acompañada por su curador y presentará títulos: Lobo y perro, Fire at the Lake, The Lost Boys, Errante corazón, Exalted Mars, entre otros.La Muestra Nacional es resultado, por primera vez, de una convocatoria pública donde se recibieron más de 60 obras audiovisuales de todos los formatos y duraciones, provenientes de todo el territorio nacional. La muestra se compone de un largometraje: Clara y tres programas de cortometrajes: Fuerza salvaje, Afectos disidentes y Feminidades construidas.Además, el Programa Furia presentará películas que suspendan momentáneamente las convenciones sociales y permitirá que se avive la pasión por encima de la razón. Los personajes de Furia son complicados, difíciles de entender, rabiosos e inmorales, en esencia, queer. Por otro lado, en el Foco Jorge Cadena, intimidad y rebeldía, un recorrido entre lo personal y lo colectivo, lo introspectivo y lo político de este cineasta colombiano radicado en Suiza, los asistentes podrán ver una serie de cortometrajes que ha realizado en la última década, en un ir y venir constante entre su origen en el Caribe colombiano y su mirada extranjera en el mundo. Presentado por Swiss Films.Para complementar la agenda de películas se tendrán dos estrenos Internacionales: Medusa Deluxe de Thomas Hardiman y Lingua Franca de Isabel Sandoval. En estrenos nacionales: Wërapara de Claudia Fischer, Petit mal de Ruth Caudeli y Anhell69 de Theo Montoya.Esta edición tendrá la segunda versión de la Toma Rosa que se llevará a cabo del 9 de junio hasta el 1 de julio en la Galería de la Cinemateca de Bogotá, los días jueves, viernes y sábados. La Toma Rosa es un espacio para la juntanza y la circulación de propuestas interdisciplinarias vinculadas a diferentes prácticas artísticas en el marco del Ciclo Rosa, como una forma de apropiación de la Cinemateca por parte de todos los ciudadanos. Esta versión reunirá 13 artistas que fueron seleccionados a través de una invitación pública, quienes proponen un viaje por actividades literarias, audiovisuales, escénicas (circo, música, teatro, performance) de diseño gráfico, de artes plásticas y de Artes vivas.Ricardo Cantor, gerente de Artes Audiovisuales del Idartes, comenta “el Ciclo Rosa llega a su edición 22, y se ha convertido -como un rito- en un lugar de encuentro y conversación alrededor de las narrativas de representación y autorepresentación queer a través del cine y el audiovisual y su encuentro con otras prácticas artísticas y culturales como el performance, la literatura, la música, las artes visuales y la danza. En 2023, con un panorama internacional, el programa furia, el foco de Jorge Cadena, estrenos nacionales e internacionales sumado a 3 componentes convocados por invitaciones públicas: muestra nacional, la toma rosa y diálogos ciclo rosa junto con la exposición GenIA, El Cine & Yo con Daniela Maldonado y el Laboratorio Cuerpo Cyborg-Tecnogénero ensamblamos -como en un collage- una amalgama de lenguajes, estéticas y relatos que indagan en la expresión y las disidencias del género, del afecto y del amor.”Este año en la Sala E se realizará la Exposición GenIA: exploraciones inmersivas y con inteligencia artificial en clave de género, esta se basa en las posibilidades de intersección entre la tecnología y la identidad de género. Las obras realizadas y presentadas por la ciudadanía exploran estos temas desde una perspectiva descolonial, transfeminista, transterritorial, que reflexionan sobre la ética, la autonomía, la justicia y la dignidad; utilizando herramientas de inteligencia artificial para crear experiencias particulares. La exposición contará con visitas guiadas en inglés y español.Del 15 junio al 3 de agosto se realizará Laboratorio cuerpo cyborg-tecnogénero, en la Cinemateca de Bogotá y en el Castillo de las Artes, un encuentro de 16 sesiones los días lunes y jueves, el ingreso es libre con inscripción previa. El 28 de junio para participar en Lecturas de película - Reflejos de violetas en el turbio estanque: Inventario personal del cine homosexual debe hacer inscripción previa.El Ciclo Rosa tendrá una sesión especial de El Cine & Yo con Daniela Maldonado, lideresa comunitaria y activista social del sector poblacional trans de la ciudad de Bogotá, esta actividad de entrada libre, será el 21 de junio a las 7:00 p.m.Del 21 al 28 de junio se llevarán a cabo los Diálogos Ciclo Rosa, un espacio que abre y amplía conversaciones colectivas en torno a narrativas y disidencias del afecto. La selección de estos encuentros llegaron a través de invitación pública, en la que se recibieron propuestas con múltiples formas y formatos (talleres, ponencias, estudios de caso, material de archivo, mesas redondas, proyección y conversación, lecturas performativas, conversatorios, paneles, testimonios, entre otros)Durante los días del Ciclo Rosa se lanzarán las convocatorias para el Premio Dunkel Rosa 2023 y el 4° Laboratorio de Escrituras Audiovisuales Queer.Para más información puede consultar toda la agenda del Ciclo en la página web de la Cinemateca de Bogotá. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK.
Bautizada la estatua imposible, "es una obra creada por cinco maestros diferentes que nunca habrían podido colaborar en la vida real", afirma a la AFP Paulina Lunde, portavoz de Sandvik, la empresa que diseñó esta escultura gracias a tres programas diferentes de IA.De acero inoxidable, mide 150 centímetros de alto y pesa 500 kilos. Esta expuesta por el museo de Tecnología de Estocolmo y representa a una mujer, cuya mitad del cuerpo debajo del busto está cubierta por una especie de túnica y lleva un globo -hecho de bronce- en su mano izquierda.La idea era crear una mezcla entre los estilos de cinco escultores que marcaron cada uno su época: Miguel Ángel (Italia, 1475-1564), Auguste Rodin (Francia, 1840-1917), Kathe Kollwitz (Alemania, 1867-1945), Kotaro Takamura (Japón, 1883-1956) y Augusta (Estados Unidos, 1892-1962)."Algo en su apariencia hace sentir que no fue creada por un ser humano", señala Julia Olderius, una responsable de innovación dentro del museo.El espectador puede percibir la musculatura inspirada en Miguel Ángel, mientras que la mano recuerda a las creadas por Takamura.Para lograrlo, los ingenieros de Sandvik alimentaron el programa con abundantes imágenes de esculturas creadas por estos artistas. La inteligencia artificial propuso luego varias imágenes en 2D que, según ella, reflejaban el sello de cada uno de estos escultores."Estas imágenes en 2D fueron incorporadas por nuestros ingenieros en un modelado 3D y, a partir de ahí, nos concentramos en la fabricación", destaca Lunde.¿Pero es arte, o más bien una hazaña técnica? "Creo que es arte", afirma Olderius, que considera que esta apreciación le corresponde al público.Sobre la cuestión más general de la irrupción de la IA en este campo, muestra el mismo optimismo. "No hay que tener miedo de lo que la IA hace con la creatividad, el concepto, el arte y el diseño", juzga. "Simplemente hay que adaptarse a un nuevo futuro", donde la tecnología tiene un lugar de pleno derecho en la creación y el diseño, añade. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
