Fue estrenada con notable éxito en la Scala de Milán el 20 de enero de 1892 por la célebre soprano rumana Hariclea Darclée que también la estrenó en el Teatro Colón (Buenos Aires) en 1909. En ese coliseo la cantó Claudia Muzio en 1927. Fue estrenada en Estados Unidos en el Metropolitan Opera en 1909 protagonizada por Emmy Destinn y dirigida por Arturo Toscanini, quien bautizó a dos de sus hijos con los nombres de sus protagonistas "Wally" y "Walter".Ha sido interpretada, entre otras, por Magda Olivero, Leyla Gencer, Renata Tebaldi, Anita Cerquetti, Eva Marton, Mara Zampieri y Carol Neblett. La Wally cayó en desuso y no suele representarse con frecuencia actualmente, pero su aria del primer acto es popular en recitales o en disco. Representada con mayor frecuencia en Italia, en 1977 regresó al escenario del Teatro Colón y en 1992 al Teatro de ópera de Berna y Boloña dirigida por la soprano Renata Scotto que hizo su debut en La Scala a los 19 años en el papel de "Walter" durante las funciones protagonizadas por Renata Tebaldi en diciembre de 1953.La ópera reconquistó popularidad en los últimos tiempos gracias al aria Ebben? Ne andró lontana (del acto I), que canta Wally cuando decide marchar de su casa. Esta aria fue utilizada por Jean-Jacques Beineix en su película Diva, el personaje de la diva (Cynthia Hawkins) era interpretado por la cantante Wilhelmenia Fernández. Posteriormente la misma aria fue tema de la película A single man (película de 2009) cantada por la soprano maltesa Miriam Gauci.Sólo existen dos versiones comerciales completas grabadas de la ópera (ver "Discografía") pero el aria "Ebben..." como pieza de concierto o recital también ha sido grabada por distinguidas cantantes como Sarah Brightman, María Callas, Montserrat Caballé, Victoria de los Ángeles, Renata Scotto, Mirella Freni, Katia Ricciarelli, Kiri Te Kanawa, Renée Fleming, Leontyne Price, Anna Netrebko, Angela Gheorghiu. La soprano inglesa Sarah Brightman grabó la versión original como parte de su álbum Time to Say Goodbye, y otra versión titulada Question of Honor para el álbum Fly (1996), en donde intercala partes del aria con una pieza electrónica, de acuerdo al estilo definido por su productor y compañero sentimental Frank Peterson. Esta ópera rara vez se representa en la actualidad; en las estadísticas de Operabaseaparece con sólo 9 representaciones en el período 2005-2010, siendo la primera de Catalani.
Scriabin nació en Moscú, el 6 de enero de 1872. Su madre, pianista también, fue la vida directa a la música. Hijo único del matrimonio de sus padres y huérfano siendo todavía muy pequeño, Alexander Scriabin encontró en la música un camino y en el piano, un puente para seguir cerca a su madre. Musicalmente fue visionario y controvertido, incluso algunos compositores contemporáneos a ´´el lo definieron como un desequilibrado, cuya música fue entrando progresivamente en un callejón sin salida, quedándose en un solipsismo casi total a merced de sus extravagantes ideales.Algunos pianistas, como Vladimir Horowitz, demostraron especial preferencia por su música, aunque no hubo nunca consenso sobre su composición. Scriabin llevaba a los críticos y amantes de la música a los extremos: lo amaban o lo repudiaban, no había punto medio. Buena parte de los músicos de la época, ubican en 1903 el inicio del momento más prolífico de su carrera.Lo cierto es que sobre su imagen recae una idea, ser sectario particularmente en sus últimas creaciones, y quizás, algo obsesivo en sus procesos creativos, en sus tiempos de composición. De ahí que los seguidores de su obra se refieran a él con fascinación y encanto, como si la obsesión fuera el principío básico para apreciar su obra.Alexander Scriabin arranca de una tradición de romanticismo pianístico bien consolidada, teniendo entre sus modelos sobre todo a Chopin y a Liszt; de Chopin toma la extrema dulzura de las melodías, la distinción y el gusto por las sutilezas armónicas, mientras que de Liszt va a tomar el énfasis, la voluntad de expresión, el carácter tremendo y a veces ajeno a toda medida terrena de su música. De las diez sonatas para piano que compuso Alexander Scriabin la N° 3 en fa sostenido menor, Op.23 que compuso entre 1897 y 1898, está llena de una ternura cautivadora. Se dice que Scriabin la llamó inicialmente Sonata Gótica, ya que evocaba la impresión de un castillo en ruinas.Años más tarde, cuando su mente estaba adentrándose en algunos complejos remolinos filosóficos, tituló la Sonata Estados del Alma, con un programa que recogía la evolución del alma a través del sufrimiento y de la lucha, el alivio ilusorio de las flores y la canción, el mar inexpresable de sentimiento y el abismo final de la nada. La Sonata para piano N°5 Op. 53, es una obra escrita por Alexander Scriabin en 1907. Esta fue su primera sonata escrita en un solo movimiento, formato que retuvo desde entonces. Se considera que la obra es una de las composiciones más difíciles de Scriabin, tanto técnica como musicalmente.Sus comienzos estuvieron influidos por Chopin y el Romanticismo tardío, y a ese período inicial pertenecen sus obras para piano hasta el Op. 29, las dos primeras Sinfonías y el Concierto para piano. Pero su búsqueda de una expresión estática y contemplativa, que se corresponde con una concepción religiosa y mística del arte, lo fue aislando de la música de sus contemporáneos; compuso entonces la cuarta Sonata y la tercera Sinfonía.Tras la Primera Guerra Mundial, el estilo musical que practicaba Scriabin cayó en el olvido en favor del de compositores como Stravinsky, que coparon el interés del público; pero años más tarde se realizó una completa revisión de su obra que permitió apreciar con objetividad sus méritos y logros. Entre sus seguidores se hallan Serguéi Prokofiev, Karol Szymanowski y, especialmente, Olivier Messiaen, quien también combinaría de forma exquisita la sensualidad con el misticismo.
Los manuales de música europea sostienen que el compositor checo del siglo Dieciocho, Jan Dismas Zelenka, fue uno de los más geniales representantes de la música barroca. Su obra fue altamente apreciada por Johann Sebastian Bach, otro grande de la historia. Dismas Zelenka, hijo de un maestro y organista, falleció el 23 de diciembre de 1745 en Dresde, Alemania. Sobre su juventud casi no tenemos antecedentes. Se sabe solamente que antes de iniciar su carrera de músico profesional cambió su nombre Jan Lukás por Jan Dismas.Varios biógrafos registraron que en su juventud vivió un acontecimiento definitivo que afectó su salud menta, a eso se adjudica el uso poco frecuente de tonalidades mayores, prefiriendo otras que ofrece más oportunidades para las meditaciones místicas.Jan Dismas Zelenka realizó sus estudios en el liceo jesuita de Praga, Klementinum. En 1710 se trasladó a la ciudad sajona de Dresde donde obtuvo el puesto de contrabajo en la orquesta de la corte del palatino sajón. En aquel entonces empezó a componer sus primeras obras litúrgicas. En 1719 fijó su residencia definitiva en Dresde, donde fue nombrado en 1721 vicemaestro de capilla en la corte de Augusto II de Polonia, convirtiéndose en ayudante del gran compositor Johann David Heinichen, en 1729 recibió el cargo de director de música de la Iglesia.Zelenka se muestra próximo a los grandes maestros del barroco tardío. Su originalidad en la invención de temas, en las progresiones armónicas, en su uso constante de cromatismo y en la búsqueda de nuevas sonoridades, al igual que su escritura de gran virtuosismo es muy apreciada actualmente y lo acercan considerablemente a Juan Sebastián Bach.A pesar de ser uno de los mayores exponentes del Barroco, murió siendo casi un desconocido el 23 de diciembre de 1745. Compuso música instrumental y vocal, aunque la mayor parte de su obra está dedicada a la música religiosa. La mayor parte de su obra quedó en el olvido después de su muerte y no fue sino hasta finales del siglo XX que algunas de sus obras volvieron a interpretarse.
Durante el mes de diciembre, las calles, casas y edificios de las ciudades del mundo se encienden con luces de color para celebrar las populares fiestas de navidad y fin de año extendidas por todo el mundo. Además de compartirse regalos, prepararse postres y dulces típicos en cada uno de los países, desde el siglo XII se compusieron canciones y melodías con estribillos bastante pegadizos que suelen acompañar la gran mayoría de tradiciones que se realizan en esta época: los villancicos.Aunque inicialmente el origen de los villancicos no estuvo ligado a la Navidad, el origen de la palabra villancico se deriva del latín villanus, que traduce "villa", y que evoca a las canciones populares que se difundieron por España y Portugal durante la alta Edad Media y el Renacimiento. Las letras de estas composiciones, que por lo general estaban inspiradas en historias rurales, se cantaban en grupo con algunos instrumentos rudimentarios que siglos más tarde fueron musicalizados por algunos compositores del renacimiento español como Juan del Encina, Mateo Flecha y Gaspar Fernández.El villancico más antiguo que registra la historia de la música es "Iesus Refulsit Omnium" (Jesús, luz de todas las naciones), que data del siglo IV y cuya letra se le atribuye a san Hilario de Poitiers. Luego de popularizarse con las tradiciones cristianas, los villancicos pasaron a constituir uno de los tres principales géneros de la lírica española junto con las cantigas y las jarchas mozárabes, y recogiéndose en manuscritos y cancioneros. Sin embargo, la iglesia aprovechó la popularidad de estas canciones populares para propagar su mensaje de evangelización alrededor del mundo, componiendo algunos villancicos inspirados en Jesucristo o de la Virgen y sustituyendo sus letras profanas.El éxito de esta estrategia religiosa acabó por oficializar a los villancicos e incluirlos poco a poco en las iglesias como parte de los actos litúrgicos alrededor de la Navidad. Para los siglos XVII y XVIII, los villancicos ya contaban con coros y piezas teatrales que acabarían por mezclarse, al final del siglo, con las tonadillas y la zarzuela. Los villancicos, extendidos por todo el mundo, reciben otros nombres, según la región donde se canten: Koliadki en Ucrania y Rusia, Koleda en Bulgaria y Polonia, Pastorali en Italia, Weihnachtslieder en Alemania, Carols en los países de habla inglesa, Agüinaldo en Venezuela y Posadas en México y Centroamérica. En Italia, por ejemplo, el villancico más conocido es "Tu scendi dalle stelle" (Tu bajas de las estrellas), escrito por San Alfonso María de Ligorio. Mientras que en Francia se popularizó el tema "Il est ne le divin enfat" (Ha nacido el divino niño). En España los villancicos más conocidos actualmente son "Campanas de Belén" y "Los Peces en el Río".El villancico más conocido en todo el mundo es Stille nacht, heilige nacht, nombre original de "Noche de paz". Esta pieza fue creada para la misa de gallo de 1818 por Joseph Mohr, un sacerdote austríaco con el objetivo de tener una canción que se pudiera interpretar sin el acompañamiento del órgano de la iglesia que se había estropeado. Actualmente, el villancico ha sido traducido a 330 idiomas. Otro villancico de gran éxito en todo el mundo es el célebre "Jingle Bells", compuesto por James Pierpont. El tema además fue la primera canción que se transmitió desde el espacio el 16 de diciembre de 1965.En Colombia es muy popular "El burrito sabanero", escrito en 1975 por el compositor venezolano Hugo Blanco y hecho especialmente para incluirse en un álbum de navidad de Topo Gigio que al final no fue incluido. En 1976, Blanco conformó un grupo infantil llamado La Rondallita con niños miembros del Coro de Niños de Venezuela. El villancico fue interpretado por Ricardo Cuenci a los ocho años y a partir de ese momento se volvió un éxito total en muchos países de Latinoamérica.Otro aguinaldo venezolano muy popular en las fiestas de fin de año de Colombia es "¿Dónde están los juguetes?", compuesto por Oswaldo Oropeza e interpretado por Raquel Castaños en 1962. Uno de los villancicos más conocidos en el país es "Tutaina", que significa "fiesta", fue grabado por Saida Ochoa con el apoyo del Coro del Instituto Venezolano de Ciegos para el sello Sonolux en 1946 y para 1950, el gobierno del presidente Eduardo Santos publicó la primera colección de villancicos del país.Con la fiebre discográfica que vivió el país durante los años ochenta, para 1988 Discos Fuentes, el sello musical más antiguo del país, lanzó al mercado el compilado de villancicos más exitoso hasta la fecha y que reunía 16 canciones tradicionales interpretadas por Los Niños Cantores de la Navidad, un proyecto creado por esa casa disquera junto a Julio Ernesto Estrada, "Fruko", quien estuvo a cargo de la dirección musical; por otra parte, el casting de las voces del coro corrió por cuenta de John Jairo Betancur y Evaristo García, después de un riguroso recorrido por algunos colegios de Medellín.
Johan Julius Christian Sibelius nació en Hämeenlina, Finlandia, el 8 de diciembre de 1865. A sus tres años perdió a su padre, Christian Gustaf Sibelius, lo cual significó una época dura para su familia, pues su madre, Maria Charlotta Sibelius, debió vender su propiedad y ser acogida por su madre.Así, el futuro músico se crio en un entorno marcadamente femenino, donde su única influencia masculina provino de su tío Pehr Ferdinand Sibelius, quien lo introdujo en el mundo de la música en una primera instancia. Sus primeros años estuvieron acompañados de mucha música debido a que hacía interpretaciones con su hermana mayor, Linda, con el piano, y su hermano Christian, quien tocaba el violonchelo. Empezó entonces a tener contacto con la música de cámara de esta forma. Para 1881 tomaba clases de violín con el director de orquesta local Gustavo Levander, y se convirtió en un gran intérprete con este instrumento. Sin embargo, prefirió convertirse en compositor.En 1878 entró a estudiar en el Liceo finlandés de Hämeenlina, aprendió el idioma natal de su país y se empezó a interesar por su cultura. Siendo un alumno distraído pero aplicado, logró pasar el examen de admisión para seguir con su educación. Su tío falleció en 1860 en La Habana, y como homenaje a este, se presentó ante la sociedad como Jean Sibelius. Para 1885 entró a la Universidad Imperial Alejandro, en Finlandia, en donde inició una carrera en Derecho. Un año más tarde abandonó esa carrera y se dedicó enteramente a la música, estudiando en el conservatorio de Helsinki.Durante sus años de estudiante fue enteramente apoyado por Martin Wegelius, su maestro. Es este mismo quien lo animó a tomar una beca para seguir con sus estudios en Berlín en 1889. Allí fue instruido por Albert Becker, y para la fecha ya tenía compuesto un trío para piano en Do mayor y una sonata para violín en Fa mayor. Luego, en 1890, viajó a Viena donde se formó con Robert Fuchs y Karl Goldmark, y se empezó a dedicar a la escritura para orquestas. En la capital de Austria trabajó en la Obertura en Mi mayor y la Scéne de Ballete. Además de esto, empezó a trabajar en Kullervo, una obra inspirada en la epopeya finlandesa Kalervala, donde muestra sus primeros tintes nacionalistas.En 1892 se hizo el estreno de Kullervo en Helsinki y Sibelius se unió al Movimiento Carelianista, conformado por personas interesadas en profundizar en las raíces de la cultura finlandesa. Para ese mismo año contrajo matrimonio con Aino Järnefelt, y viajó a la provincia de Carelina, en donde tuvo la oportunidad de transcribir melodías populares de la zona y encontró la inspiración para componer tres poemas sinfónicos: En saga, Las leyendas de Lemminkäinen y la Suite Karelia. Debido a problemas económicos, Sibelius empezó a dictar algunas clases en el Instituto Musical de Helsinki.Tras el estreno de la obra teatral Kung Kristian II de Adolf Paul, para la cual Sibelius había compuesto la música, al artista le llegaban ofertas para publicar su obra, tanto en su país como en Alemania. Finalmente, firmó con la prestigiosa editorial Breitkopf e hizo una gira por toda Europa en 1900, en la que adquirió gran prestigio. Luego de este gran avance, Sibelius empezó a presentar problemas con el alcohol. Su esposa, preocupada, decidió trasladar a toda la familia a su casa campestre en Järvenpää.Gracias a la firma con la editorial alemana Schlesinger, se publicó su primera obra: Pélleas y Mélisande, una partitura de música incidental. Ese mismo año hizo un viaje a Inglaterra, donde obtuvo gran fama y prestigio. Siguió componiendo y en 1907 terminó su Tercera Sinfonía en Do mayor, obra más recatada que sus dos sinfonías anteriores. Este gran éxito que venía presentando Sibelius no evitó que se sumergiera en una crisis personal y económica entre 1908 y 1911.Así, en 1912, empezó su decadencia en Europa central debido a la aparición de importantes figuras que planteaban melodías más estilísticas y avanzadas, acorde a las nuevas tendencias que estaban llegando. Sibelius, obstinado, se mantuvo con sus características melodías sombrías y armonías conservadoras. Su carrera tomó un giro de 180 grados cuando realizó un viaje a Estados Unidos, invitado por el compositor Horatio Parker. Allí estrenó su poema sinfónico Las Oceánidas en el Festival de Música de Norfolk, y recibió un doctorado honorífico de Yale.Para 1923 su problema de alcoholismo, creciendo cada vez más, lo llevó a dirigir ebrio su Sexta Sinfonía en un concierto celebrado en Göteborg, Suecia, durante la primavera. Al año siguiente concluyó su Séptima Sinfonía, catalogada como toda una obra maestra de un solo movimiento. En 1926, por encargo de la Sociedad Filarmónica de Nueva York, acabó el poema sinfónico Tapiola, basado en un personaje mitológico finés llamado Tapio. Luego de terminar esta obra, el compositor se sumió en una grave depresión que no lo dejó componer grandes obras, y finalmente murió de una hemorragia cerebral el 23 de septiembre de 1957.Este gran compositor, caracterizado por su amor hacia la naturaleza y su afición por la cultura finlandesa, es ampliamente reconocido como el mejor compositor de su país y, a través de su música, a menudo se le atribuye haber ayudado a Finlandia a desarrollar una identidad nacional durante su lucha por la independencia de Rusia. Compuso en total siete sinfonías, trece poemas sinfónicos y varias obras pequeñas. Sus composiciones más conocidas son Finlandia, la Suite Karelia, Valse triste, el Concierto para violín, la sinfonía coral Kullervo, y El cisne de Tuonela (de la Suite Lemminkäinen).Se destacan también piezas inspiradas en Kalervala y la mitología nórdica, las cuales sirvieron para acompañar grandes obras de teatro. Además, fue uno de los miembros fundadores de la logia Suomi Nº 1 en 1922, y más tarde se convirtió en el organista titular de la Gran Logia de Finlandia. Compuso la música ritual utilizada en Finlandia (Op. 113) en 1927 y añadió dos nuevas piezas compuestas en 1946. La nueva revisión de la música ritual de 1948 es una de sus últimas obras.
La tradicional velada inaugural de la Scala de Milán, que abre la temporada musical 2021-2022, estará a cargo de una audaz representación contemporánea de "Macbeth", la ópera de Giuseppe Verdi, sobre los tormentos frente a la búsqueda del poder. "Tenemos mucha suerte porque hemos podido estar abiertos. Es un milagro. Muchos teatros de Europa han tenido que permanecer cerrados" por la Covid, reconoció Dominique Meyer, director de La Scala. Tras seis meses de silencio, el teatro pudo reabrir sus puertas al público en mayo, con un reducido número de espectadores confinados en los balcones.Ansia de poderLa nueva versión de "Macbeth", inspirada en la tragedia homónima de William Shakespeare (1564-1616), una intriga de amor, odio y sed de poder, es una versión llena de efectos especiales gracias a la puesta en escena de Davide Livermore y la dirección musical de Riccardo Chailly. "Queríamos mostrar la modernidad de Macbeth, su frescura, su teatralidad, que a veces resulta alarmante", explicó el director. Lady Macbeth "empuja a su marido a cometer múltiples asesinatos para obtener la corona. La inescrupulosa heroína de Shakespeare está encarnada por la diva rusa Anna Netrebko, una habitual de La Scala. "Es una de las representaciones más complicadas que he conocido", admite la soprano. La narración transcurre entre pantallas, con ir y venir del decorado, que en ocasiones se eleva a alturas vertiginosas. En el papel de Macbeth, el barítono Luca Salsi, reconoce que cuenta "una historia contemporánea de poder y sangre", interpretada con "ropas de hoy en día", pero con "armas antiguas" como "la espada enorme" que blande en el escenario. Y el escenario es monumental, con rascacielos típicos de las grandes ciudades norteamericanas pero también con laberintos gigantescos, una metáfora de los tortuosos caminos por los que vagan las mentes de los protagonistas.Ilusión y realidadLas perspectivas son múltiples, las fronteras entre lo real y lo irreal se esfuman, como en la película "Inception" de Christopher Nolan, un thriller de ciencia ficción en el que Leonardo DiCaprio se sumerge en el subconsciente de sus víctimas para robar o implantar recuerdos. "Este drama universal" sobre una "tiranía bárbara" podría desarrollarse "en Nueva York, Singapur o Milán, porque frente a la dictadura, los seres humanos estamos todos en el mismo barco", explica David Livermore. La ópera será transmitida por la televisión pública italiana así como por emisoras, teatros y salas de cine.
La jurista Kristina Hammer sucederá a Helga Rabl-Stadler, que llevaba 27 años en el cargo, para dirigir el festival de Salzburgo en Austria, informó el consejo de administración de este evento musical. "Hemos elegido a Kristina Hammer como presidenta por unanimidad", indicó en una rueda de prensa Wilfried Haslauer, miembro del consejo de administración del festival.Hammer, que asumirá su cargo por cinco años el 1 de enero, forma actualmente parte de los consejos de administración de la Ópera de Zúrich y del Festival de Lucerna. Desde 2010, es directora de una empresa de consultoría. Antes, ocupó cargos de dirección en relaciones públicas en varios países.Haslauer homenajeó a Rabl-Stadler, que fue la primera mujer en ocupar el cargo y que "dirigió con mucho éxito" durante un cuarto de siglo el festival de Salburgo. Un total de 32 candidatos se presentaron para sucederle. Bajo la dirección de esta antigua periodista, diputada y empresaria, nacida en 1948 y que ha trabajado con seis directores diferentes, desde Gérard Mortier hasta Markus Hinterhäuser, su presupuesto pasó de 38 a 60 millones de euros (USD 43 millones a 67 millones).Nacido como un proyecto de paz tras la Primera Guerra Mundial, el Festival de Salzburgo es un acontecimiento anual de primer orden en el mundo de la ópera. Desde 1920, propone cada verano una programación de ópera, música clásica y teatro. En la ciudad donde se desarrollan las festividades nació Wolfgang Amadeus Mozart en 1756.
10. Carlo Maria Giulini (1914-2005)Carlo Maria Giulini nació en el seno de una familia amante de la música que procedía del norte de Italia. Con sólo cinco años de edad inició su formación musical en la Academia de Santa Cecilia de Roma, decantándose por el violín y la viola, para más tarde estudiar composición.Durante estos años Giulini constituyó un cuarteto de cuerdas. Con dieciocho años ganó una plaza de viola en la Orquesta de la Ópera de Roma y ello le permitió trabajar bajo las órdenes de las mejores batutas del momento como Walter, Klemperer, Furtwängler, Strauss o Stravinski, la generación a la que estaba llamado a suceder. Luego estudió dirección de orquesta con Bernardino Molinari.9. Pierre Boulez (1925-2016)Inició estudios de matemáticas en el Politécnico de Lyon, antes de ingresar en 1944 en las clases de armonía de Olivier Messiaenen el Conservatorio de París. También estudió contrapunto con Andrée Vaurabourg, esposa del compositor suizo Arthur Honegger, y la técnica dodecafónica con René Leibowitz. Comenzó cultivando una música atonal dentro de un estilo serial post-weberniano.Este serialismo, a diferencia del dodecafonismo, no sólo aplicaba el concepto de serie a la altura de las notas, sino también a otras variables del sonido: ritmos, dinámicas, ataques, etc. Esto daría lugar al llamado serialismo integral, corriente estética de la que fue uno de los principales representantes. Junto a compositores como Karlheinz Stockhausen, Luigi Nono, Ernst Krenek y Milton Babbitt.8. Arturo Toscanini (1867-1957)Considerado por muchos de sus contemporáneos y por muchos críticos de la actualidad como el más grande director de orquesta de su época y del siglo XX. Era célebre por su brillante intensidad, su incansable perfeccionismo, su prodigioso oído y su memoria fotográfica, que le permitía corregir errores de los miembros de la orquesta que habían sido inadvertidos durante décadas por sus colegas.7. Wilhelm Furtwängler (1896-1954)Gustav Heinrich Ernst Martin Wilhelm Furtwängler nació en la casa del 25 Maassenstrasse en el distrito de Schöneberg, Berlín, en el seno de una eminente familia de intelectuales y científicos originaria de la Selva negra. Su padre Adolf Furtwängler era un importante arqueólogo y Adelheid Wendt su madre fue pintora y muy ligada a la música (su padre fue amigo de Johannes Brahms).Pasó su infancia en Schwabing en Múnich, donde su padre enseñaba en la universidad. Recibió educación musical desde muy pequeño con Josef Rheinberger, Max von Schillings, Conrad Ansorge y Felix Mottl desarrollando un temprano amor por la música de Beethoven.6. Simon Rattle (1955)Adquirió preeminencia como director de la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham, actualmente es el director principal de la Orquesta Filarmónica de Berlín (BPO) y desde 2017 será Director Musical de la Orquesta Sinfónica de Londres. Ha recibido la Orden del Imperio Británico.Rattle nació en Liverpool y estudió en el Liverpool College. Aprendió piano y violín, pero sus primeras participaciones y trabajos en la orquesta sinfónica fueron como percusionista. Ingresó a la Royal Academy of Music de Londres en 1971. Ahí dirigió asiduamente, y en 1974, el año de su graduación, ganó el Concurso de Dirección John Player. Después de organizar y dirigir una impresionante versión de la Sinfonía nº 2 de Gustav Mahler mientras todavía estudiaba en la Academia, su talento llamó la atención del agente musical Martin Campell-White.5. Nikolaus Harnoncourt (1929-2016)Uno de los pioneros en la interpretación con instrumentos originales (o réplicas fieles) y criterios musicológicos de las obras del periodo barroco y clásico. Obtuvo el doctorado honoris causa en música por las universidades de Universidad del Mozarteum, Salzburgo (Austria) 2008, Universidad de la Música y de la Danza de Colonia, Colonia (Alemania) 2011 y la Universidad de Edimburgo.En 1994 recibió el Polar Music Prize, un premio concedido por la Real Academia de Suecia de Música y en el 2001 el Premio Kioto, que otorga la Fundación Inamori, de Kioto. Después recibió la Leipzig Bach medal (2007; Lipsia). En 2012, recibió la Medalla de Oro de la Royal Philharmonic Society.4. Karl Kleiber (1930-2004)Hijo del director de orquesta austríaco Erich Kleiber y de la estadounidense de origen esloveno Ruth Goodrich, el pequeño Carlos demostró desde muy temprana edad aptitudes innatas para la música. Debido a las tensiones existentes entre Erich Kleiber y el régimen del III Reich, el director renunció a su puesto al frente de la Ópera Alemana de Berlín y se exilió en Buenos Aires, Argentina, país que ya había visitado durante varias de sus giras por el continente americano (1926, 1927, 1928) y donde conoció a su futura esposa, la madre de sus hijos Karl y Verónica.3. Claudio Abbado (1933-2014)Considerado uno de los grandes del podio orquestal y lírico de la posguerra. Junto a Riccardo Muti está considerado uno de los sucesores de la tradición italiana encarnada por Arturo Toscanini y Victor de Sabata. Descendiente de una familia de músicos, nació en Milán. Estudió piano en el Conservatorio de Milán con su padre, Michelangelo Abbado y Carlo Maria Giulini. En 1958 fue distinguido en Estados Unidos con el Premio del Concurso de Dirección Orquestal Serguéi Kusevitski (1958), a lo que siguió su debut al frente de la orquesta del teatro de La Scala de su ciudad natal, en 1960, con motivo de la conmemoración del tercer centenario del nacimiento de Alessandro Scarlatti.2. Leonard Bernstein (1918-1990)Fue el primer director de orquesta nacido en los Estados Unidos que obtuvo fama mundial, célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión de la década de 1960 y por sus múltiples composiciones, entre ellas West Side Story (1957).1. Herbert von Karajan (1908-1989)Fue el más destacado director de orquesta del periodo de la posguerra y posiblemente del siglo XX. Dirigió la Orquesta Filarmónica de Berlín durante treinta y cinco años. Nació en Salzburgo, en 1908. En 1929, realizó su debut oficial dirigiendo "Salomé" en el Festspielhaus de Salzburgo, y entre 1929 y 1934, Karajan fue primer Kapellmeister en la Ópera Estatal de Ulm, Alemania. En 1933, Karajan hizo su debut en el Festival de Salzburgo con la Walpurgisnacht Scene en una producción de Fausto de Max Reinhardt. Al año siguiente, Karajan dirigió la Orquesta Filarmónica de Viena por primera vez, y entre 1934 y 1941, Karajan dirigió óperas y conciertos sinfónicos en el Teatro de Ópera de Aquisgrán.
El brasileño Nelson Freire, uno de los pianistas más reconocidos en el mundo, falleció en su casa de Rio de Janeiro a los 77 años. "Nos entristece mucho saber que Nelson Freire ha muerto a los 77 años", escribió en Twitter Decca Classics. "Fue un pianista y músico con un talento único, uno de los mejores intérpretes tanto en concierto como en estudio.", agregó el sello discográfico.Según los principales periódicos brasileños, el artista murió en su casa. Las causas no fueron reveladas. Freire será velado este martes en el Teatro Municipal de Rio. Freire era considerado el mayor pianista de Brasil y se destacó especialmente por sus interpretaciones de Chopin.Niño prodigio que comenzó a tocar a los tres años y a presentarse en público a los cinco, Nelson Freire nació en Minas Gerais (sudeste de Brasil) el 18 de octubre de 1944. Construyó una carrera internacional que lo proyectó como uno de los mejores intérpretes de su generación, sobre todo en el repertorio romántico. Era amigo cercano de la célebre pianista argentina Martha Argerich.Un pianista "emocionante"Freire, recibió varios premios y fue solista con la Filarmónica de Berlín, la Sinfónica de Londres, la Sinfónica de Viena, además de colaborar con directores como Pierre Boulez, Eugen Jochum, Lorin Maazel, Kurt Masur y Andre Previn. "Es uno de los pianistas más emocionantes de todos los tiempos", escribió la revista Time, después de su primer concierto en Nueva York. El crítico musical brasileño Mauro Ferreira destacó "la combinación exacta de virtuosismo y sensibilidad" de Freire, un pianista "de manos ágiles y de toque delicado". "Quien escuchó a Freire tocando piezas de compositores como Bach, Beethoven, Brahms, Chopin, Liszt, Mozart y Schumann probablemente se convenció de que el talento soberano de Nelson Freire era cosa de Dios", escribió.El pianista tenía una casa en Joatinga, una playa rodeada de mansiones cerca de Barra de Tijuca, en la zona oeste de Rio. A fines de 2019 se fracturó el brazo derecho al caer mientras paseaba en la rambla de Rio de Janeiro y fue sometido a una cirugía en el hombro, tras lo cual, según informaron varios allegados a la prensa local, entró en una depresión. Su regreso a los escenarios estaba previsto para el año pasado, pero fue postergado debido a la pandemia de covid.
Hans Werner Henze creó un cuerpo excepcional de obras musicales con dimensiones teatrales y literarias en la ópera, la sala de conciertos y más allá. Nacido en Alemania el 01 de julio de 1926, pero residente durante mucho tiempo en Italia, fue el principal compositor de óperas de Europa continental en el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, durante y más allá de las décadas en las que Benjamin Britten ocupó el puesto equivalente en la vida musical británica.Werner Henze es uno de los exponentes más prolíficos del género: compuso dos docenas en total, algunas en versiones radicalmente diferentes, abarcando la gran ópera a gran escala, la ópera de cámara, la ópera cómica, un triple cartel de un solo acto, obras de concierto, obras de radio y híbridos con otras formas teatrales como la musical (La Cubana, 1973) y el ballet (Venus y Adonis, 1997). Su última ópera, ¡Gisela! O The Strange and Memorable Ways of Happiness, se estrenó en 2010.También compuso una docena de ballets, incluido el Ondine de toda la noche con Frederick Ashton para Covent Garden (1958, revivido más recientemente en 2008), y Orpheus, en un escenario del dramaturgo Edward Bond (1979), así como música incidental para obras de teatro y películas. Su producción para la sala de conciertos abarcó más de 200 obras independientes, incluidas 10 sinfonías , numerosos conciertos y otras obras orquestales , cinco cuartetos de cuerda y otras piezas de cámara.El hilo conductor de este vasto conjunto de obras de tantos géneros dispares fue la política, un compromiso que nunca abandonó, aunque varió en grado a lo largo del tiempo. Henze se adhirió durante toda su vida a ideologías de izquierda, una reacción a su juventud en la Alemania nazi, que dejó una huella indeleble en su psique creativa. Durante la década de 1930, Franz fue seducido gradualmente por la causa nazi, para consternación de su hijo, quien 40 años después escribió sobre cómo escuchó a su padre "con su uniforme nazi, vagando borracho por el bosque con sus compinches del partido, gritando repulsivos canciones como When Jewish Blood Splashes Off Your Knife.Cruzando la frontera italiana en 1953, siguió conduciendo hasta llegar a Venecia. Finalmente, estableció su hogar en Marino, al sureste de Roma, con su socio de más de 40 años, Fausto Moroni, cuya tranquila fortaleza ayudó a Henze a sobrellevar las crisis personales de principios de 1970. Una de las primeras obras de su exilio que dejó su huella fue el concierto para violonchelo Ode to the West Wind (1953), después del famoso poema de Shelley inspirado en la masacre de Peterloo de 1819.Sin embargo, la obra principal de sus primeros años en Italia fue la ópera König Hirsch (King Stag, 1956), con libreto de Heinz von Cramer después de la obra de Carlo Gozzi. La partitura significaba mucho para Henze; de hecho, ha escrito que se trataba de un "diario, una autobiografía, que cuenta cómo descubrí la música", y volvió a ella una y otra vez para hacer revisiones o extractos para conciertos, incluyendo su Cuarta Sinfonía (1955). El estreno de la ópera en Berlín fue muy controvertido. Su director, Hermann Scherchen, conocido por los músicos orquestales como "el dictador rojo" y una fuerza dominante en la escena musical contemporánea, hizo muchos cortes de secciones que consideró reaccionarias. La inteligibilidad de la ópera se vio comprometida, y el público protestó durante media hora después del estreno, culpando a Henze y Scherchen.A pesar de esta decepción, la demanda de la música de Henze continuó intensificándose y disfrutó de colaboraciones con muchos artistas destacados, incluido el cineasta Luchino Visconti, que proporcionó el libreto para el ballet de jazz Maratona (1957), y WH Auden y Chester Kallman, libretistas de las óperas Elegy for Young Lovers (1961) y The Bassarids (1966). Hans Werner falleció a los 86 años el 27 de octubre de 2012 y compuso en otros países como forma de rechazo a Alemania. En Cuba también escribió su Sexta Sinfonía, los Compases para Preguntas Ensimismadas, obras inspiradas en algunos autores cubanos y también en Bertolt Brecht y Ho Chi Minh.
La 64ª edición de los premios Grammy se celebrará el 3 de abril en Las Vegas, tras haber sido pospuesta debido al avance de la variante ómicron, anunciaron los organizadores de la gala este martes. El comediante Trevor Noah - a cargo del programa "The Daily Show" - será el anfitrión de la prestigiosa ceremonia que premia lo mejor de la música y que será realizada en el MGM Grand Garden Arena.La Academia de la Grabación pospuso hace dos semanas el evento previsto originalmente para el 31 de enero "en medio de crecientes preocupaciones por la variante ómicron". La altamente contagiosa variante representa casi la totalidad de los nuevos casos registrados en Estados Unidos.En California, el estado más poblado del país, las autoridades sanitarias anunciaron este martes que fueron contabilizados más de un millón de nuevos contagios en la última semana, totalizando siete millones desde que comenzó la pandemia. Esta explosión de casos alteró la temporada de premios de Hollywood, posponiendo algunos eventos y llevando otros de vuelta al formato virtual.La ceremonia de los Grammy volvió a su formato presencial el 14 de marzo del año pasado, luego de ser pospuesta en 2021 por la pandemia de coronavirus. Se espera que este año la premiación marque el regreso al glamour de la celebración tradicionalmente realizada en el Staples Center, en Los Ángeles, y que consagre a artistas como Justin Bieber, Billie Eilish y Olivia Rodrigo, así como al músico de jazz y rhythm and blues (R&B) Jon Batiste, que tiene once nominaciones."Estamos emocionados de llevar los premios Grammy a Las Vegas por primera vez y de poner un espectáculo de primera línea", dijo en un comunicado Harvey Mason Jr., director ejecutivo de la Academia de la Grabación.
Se trata de un espacio de consulta, disponible de manera libre y gratuita, donde se tiene acceso a obras audiovisuales, libros, revistas, carteles, fotografías, pressbooks, catálogos de festivales, programaciones, archivos de prensa, y publicaciones especializadas, entre otros. Porque el cine se ve, se lee y se investiga, la Cinemateca de Bogotá ha dispuesto este espacio para todos los amantes del cine de la ciudad.Les contamos cuáles son los pasos que deben seguir para consultar el catálogo de la BECMA.El horario de atención es de martes a viernes de 9:00 a.m. a 5:00 p.m. y los sábados, a partir del mes de Noviembre, de 9:00 a.m. a 1:00 p.m. Hay un aforo del 50%, por la contingencia el ingreso a la BECMA dependerá del aforo diario permitido. Se debe realizar búsqueda previa en el catálogo bibliográfico disponible en línea y solicitar el acceso a los materiales al personal de la biblioteca. Al ingresar se debe haber pasado por los controles del personal logístico en el punto de acceso a la Cinemateca de Bogotá.En la Cinemateca de Bogotá hay servicio de casillero. Para evitar un posible contagio de COVID -19, durante la visita a la biblioteca, es obligatorio portar tapabocas, así como mantener la distancia de un metro con los demás asistentes. Para visualizar material audiovisual se deben traer audífonos propios. Evitar tocar los libros y materiales que se encuentren en las estanterías. El material que se consulte estará en aislamiento durante las 48 horas siguientes. Es indispensable cumplir con los protocolos de bioseguridad estipulados por el escenario.Los visitantes pueden acceder a los siguientes servicios: Atención y asesoría profesional para la búsqueda y recuperación de información especializada en cine y medios audiovisuales, consulta del catálogo bibliográfico disponible en línea, acceso en línea a las publicaciones de la Cinemateca por medio del portal web, Idartes se muda a tu casa, donde se pueden descargar los Cuadernos de Cine Colombiano, la Revista Cinemateca y los Catálogos Razonados entre otros.Acceso a la sala de lectura para consulta de material impreso sobre diferentes temáticas que abarcan las artes audiovisuales, acceso a las estaciones de visionado para consulta de las obras cinematográficas de diversos países que conforman nuestra colección audiovisual, acceso a las salas de consulta para investigadores, acceso a los equipos de cómputo necesarios para apoyar el proceso de investigación y finalmente, quienes pertenezcan a grupos de población de riesgo o no puedan asistir al espacio físico pueden acceder a los servicios de asesoría virtual disponibles.
Obras surrealistas de Alberto Giacometti, inspiradas en su amistad con los artistas de este movimiento y más particularmente con el poeta André Breton, se exponen a partir del miércoles y hasta abril en el instituto Giacometti en París.Tres esculturas muy diferentes de "El hombre que camina", están en el centro de esta exposición, que pone de relieve los estrechos vínculos que mantenían los dos artistas y sus influencias recíprocas a través de su correspondencia y de cuadernos de dibujo de Giacometti.También se exponen una decena de cuadros (Miro, Arp, Dalí, Ernst...), procedentes de museos franceses y extranjeros y de colecciones privadas, así como una serie de fotografías que ponen de relieve a varias artistas mujeres de la época: Dora Maar, Leonora Carrington y Meret Oppenheim.Esta última realizó especialmente "La oreja de Giacometti", sorprendente pequeña escultura de bronce de 10 cm de altura, presentada en la exposición. En el corazón de este universo se encuentra la "Bola suspendida" (metal y yeso), una jaula dentro de la cual una esfera suspendida parece poder deslizarse sobre la arista de una medialuna, adquirida en 1930 por André Breton, líder del grupo surrealista.A su lado, el "Cubo" -poliedro irregular de doce caras, vinculado a la muerte y a la melancolía-, realizado por Giacometti a la muerte de su padre, y "El objeto invisible", una mujer semisentada que sostiene en sus manos un objeto invisible, inspirada por una semimáscara de metal, descubierta por los dos amigos en el mercado de pulgas en 1934.Compartiendo el gusto de los surrealistas por el automatismo, la irracionalidad, el onirismo o el juego del amor cruel, Giacommetti integrará el grupo durante cinco años (1930-1935) antes de alejarse, debido a divergencias de puntos de vista políticos y estéticos, entablando fuertes relaciones de amistad que conservará con varios de sus integrantes, en particular Breton.
El artista estadounidense Kaws instaló este martes sus pinturas pop y esculturas de colores en la Serpentine Gallery de Londres pero también en la réplica virtual del museo, situada dentro de Fortnite, el videojuego con cientos de millones de seguidores.En medio del césped helado de Hyde Park, en el centro de Londres, los espectadores apuntan con sus teléfonos al techo de la Serpentine Gallery. Pero no para tomar fotos del edificio de ladrillos rojos y columnas blancas sino porque, gracias a sus teléfonos móviles, aparece en realidad aumentada una gran escultura de un hombre azul sentado en el tejado, invisible a simple vista.La escultura es del neoyorquino, en cuya exposición, "Kaws: New Fiction", se entrelazan lo virtual y lo real. La exposición se compone de "tres capas", explica a la AFP el director artístico Hans Ulrich Obrist. "Está la exposición física en la Serpentine Gallery con pinturas y esculturas, luego los elementos de realidad aumentada y también la Serpentine Gallery en Fortnite", uno de los videojuegos más populares del mundo.Durante una semana, los 400 millones de seguidores del juego de Epic Games tienen acceso a una réplica exacta del museo dentro del videogame, que pueden recorrer con su avatar para ver las obras. Epic Games ha colaborado de forma similar con cantantes de renombre internacional para que den conciertos dentro del juego."Pero es la primera vez que Fortnite colabora con las artes visuales, con una galería pública", dice Obrist. Aunque considera que es "muy diferente" ver una exposición en un juego o físicamente, cree que las experiencias son "complementarias", sobre todo porque muchos visitantes no familiarizados con el mundo de los videojuegos pueden interesarse por ellos, y viceversa. "Para nosotros, se trata de llegar a públicos muy diferentes" y crear "un diálogo transgeneracional", añade el director artístico."La edad media de los jugadores de Fortnite", muy popular entre los adolescentes, "es mucho más joven que el visitante medio del museo", subraya Hans Ulrich Obrist, que "espera que toda una nueva generación se acerque a la galería". Sobre todo porque este proyecto "llegará a un público que probablemente sea diez veces mayor que el de la Bienal de Venecia", afirma el comisario de la exposición, Daniel Birnbaum. También para el artista, Brian Donnelly (su nombre real), el interés radica en hacer más accesible su obra.Sus estilizados personajes con cabeza de calavera ya se han visto en todo el mundo, en instalaciones gigantes y productos promocionales. Y ahora podrán atraer al público más joven de Fortnite con su aspecto pop, accesible y colorido. Kaws, que colabora por segunda vez con Fortnite, explica que sus obras se expondrán en el "creative hub", un modo específico del juego alejado de las partidas donde los jugadores luchan por ser el último superviviente. "No habrá tiroteos en la exposición", bromea, asegurando que la comunidad de jugadores es "diferente a lo que pensamos".En cuanto a si los jugadores se detendrán realmente a contemplar sus obras en el juego, "es difícil de decir", reconoce el artista. "Si llevas a un niño de once años a un museo tradicional, no sabes si va a mirar las obras. Es lo mismo", asegura.
La subasta de la residencia romana de los príncipes Ludovisi Boncompagni, con un excepcional mural de Caravaggio, fue declarada desierta, informó este martes a la AFP el notario encargado. "Nadie participó en la subasta", aseguró Camilo Verde, quien precisó que la próxima subasta tendrá lugar el 7 de abril y partirá de un valor reducido en cerca de un 20%.El monumental Casino de la Aurora, más conocido como Villa Ludovisi, un imponente palacio de 2.800 metros cuadrados, repartido en seis plantas con un suntuoso jardín, ubicado en el corazón de Roma, a pocos de pasos de la célebre Vía Veneto y de Villa Borghese, se encuentra en uno de los sectores más elegantes de la capital.La residencia campestre de una de las familias aristocráticas más ricas y poderosas de Italia conserva además del Caravaggio, frescos de Guercino (1591-1666), reconocido pintor barroco de Bolonia, así como antiguas estatuas. Se estimaba que el Casino de la Aurora, una verdadera joya del barroco romano, tenía un valor de 471 millones de euros (537 millones de dólares), pero esa estimación bajó a 376 millones de euros para la próxima subasta.Si la residencia se vende a un precio cercano al fijado como inicio por la subasta, sería una de las ventas de bienes raíces registradas públicamente más caras de la historia. La subasta fue decidida por un tribunal de Roma para poner fin a las disputas entre los herederos del príncipe Niccolo Ludovisi Boncompagni, quien falleció en 2018 a los 77 años.El enfrentamiento familiar entre la tercera esposa del príncipe, Rita Jenrette Boncompagni Ludovisi, una pintora estadounidense de 72 años que posó para Playboy, y los hijos nacidos del primer matrimonio, obligó a los jueces a subastar la villa debido a que ninguno ha podido hacer frente a la hipoteca por los altos gastos de mantenimiento.Una petición lanzada por la página change.org ha recaudado más de 35.000 firmas para pedir que el Estado intervenga. Los firmantes piden que Italia ejerza su derecho de compra y conviertan el lugar en un museo y centro cultural. Según la ley italiana, el gobierno puede ejercer su derecho sólo después de que haya sido efectivamente adquirida por un particular, dentro de un plazo de 60 días de la conclusión de la venta y ofreciendo el mismo precio de compra.
