Piotr Ilich Tchaikovsky, uno de los compositores más célebres de la era romántica, dejó una marca indeleble en la historia de la música clásica. Nacido el 7 de mayo de 1840 en Vótkinsk, en el Imperio Ruso, su legado abarca una amplia gama de obras que van desde sinfonías grandiosas hasta obras maestras del ballet. Su música, impregnada de una intensidad emocional sin igual y una habilidad técnica magistral, ha cautivado a audiencias de todo el mundo durante más de un siglo.La vida de TchaikovskyTchaikovsky mostró un talento musical excepcional desde una edad temprana. Su educación musical comenzó en la escuela de jurisprudencia en San Petersburgo, donde estudió música y se graduó como abogado en 1859. Sin embargo, su verdadera pasión siempre fue la música, y en 1863 ingresó en el Conservatorio de San Petersburgo, donde estudió composición con Anton Rubinstein.A pesar de enfrentar numerosos desafíos personales y sociales debido a su orientación sexual, Tchaikovsky perseveró en su carrera musical. Su capacidad para expresar emociones complejas a través de la música lo convirtió en uno de los compositores más influyentes de su tiempo.Algunas obras destacadasSinfonía No. 6 en si menor, Op. 74, "Patética"Esta sinfonía, escrita en los últimos años de la vida de Tchaikovsky, es una obra profundamente emotiva que refleja sus luchas internas y sus sentimientos de melancolía y desesperación. La "Patética" es considerada una de las sinfonías más conmovedoras y poderosas jamás escritas.El CascanuecesEste ballet, compuesto en 1892, es una de las obras más populares y queridas de Tchaikovsky. Con su encantadora música y su cautivadora historia, El Cascanueces ha deleitado a audiencias de todas las edades desde su estreno.Concierto para Piano No. 1 en si bemol menor, Op. 23Este concierto para piano es una obra maestra de virtuosismo y expresión emocional. Con su dramatismo y su brillante escritura para piano, esta obra es una de las más destacadas del repertorio de conciertos para piano.La Bella DurmienteOtro ballet icónico de Tchaikovsky, La Bella Durmiente, es conocido por su música exquisita y su encantadora narrativa. Esta obra maestra del ballet clásico ha sido aclamada por su belleza atemporal y su elegancia.El legado de Tchaikovsky perdura hasta el día de hoy, con su música siendo interpretada en teatros de todo el mundo y su influencia palpable en generaciones posteriores de compositores. Su habilidad para capturar la complejidad de la experiencia humana y transmitirla a través de la música lo sitúa entre los grandes genios de la historia de la música.Piotr Ilich Tchaikovsky falleció el 6 de noviembre de 1893, pero su música sigue viva y continúa inspirando a oyentes y músicos por igual. A través de su obra, Tchaikovsky nos recuerda la capacidad transformadora de la música para conmovernos, inspirarnos y conectarnos con nuestra humanidad más profunda.
El violín, llamado "Il Cannone" (el cañón), era el favorito del célebre violinista y compositor Niccolò Paganini.El músico italiano, oriundo de Génova, lo tocó durante décadas antes de que se convirtiera en propiedad de su ciudad natal tras su muerte en 1840.Actualmente, este instrumento, fabricado por el lutier italiano Giuseppe Bartolomeo Guarneri del Gesù en 1743, solo se saca de vez en cuando para que lo toquen los más virtuosos del mundo.El Laboratorio Europeo de Radiación Sincrotrón (ESRF), centro de investigación que cuenta con un acelerador de partículas en Grenoble -en el sureste de Francia-, escaneó el instrumento hasta la estructura celular de su madera.La idea es crear un modelo 3D del violín, por dentro y por fuera, sobre el cual la gente pueda hacer zoom, hasta una micra, es decir una milésima parte de un milímetro.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."El objetivo principal es la conservación", explicó Paul Tafforeau, del ESRF. "Si alguna vez algún defecto necesita ser reparado, tendremos todos los detalles".Pero también esperan que el "análisis no destructivo" ayude a arrojar algo de luz sobre su bello sonido."Es un instrumento excepcional en términos de sus cualidades sonoras. (...) Con estos datos, esperamos comprender mejor por qué", añadió Tafforeau. El análisis detallado de los rayos X tomará varios meses.Luigi Paolasini, a cargo del proyecto en el ESRF, afirmó que se aseguró el violín por un valor de 30 millones de euros (32 millones de dólares) para viajar de Génova a Grenoble.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El concurso busca fomentar la inclusión de género, equidad y diversidad, por lo que los términos están abiertos a compositoras colombianas residentes dentro y fuera del país, y a extranjeras residentes en Colombia, incluidas las de la comunidad LGTBIQ+ y sin límite de edad.La obra ganadora será seleccionada para ser interpretada por el Coro Nacional de Colombia y debe cumplir con los siguientes requisitos de escritura:• Debe ser una obra coral tipo Suite, con una duración mínima de 10 minutos y máxima de 15 minutos.• Debe incorporar elementos del folclor colombiano, tales como textos, ritmos, aires, temáticas regionales, entre otros.• Debe estar escrita para coro mixto (SATB) de 80 cantantes, con posibilidad de divisis de hasta 3 voces en cada cuerda, y acompañamiento de piano.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.• Debe ser originaria e inédita, sin ser considerada un arreglo musical o versión de una obra ya existente.• Las partituras deben estar editadas digitalmente por un software de edición musical.El plazo de inscripción y entrega de propuestas es desde el 11 de marzo de 2024 al 8 de junio de 2024. Las participantes deben enviar una copia en digital del score de la obra, una breve reseña de esta y una maqueta de audio y/o midi a través del formulario de inscripción proporcionado.El jurado calificador estará compuesto por miembros del comité artístico del Coro Nacional de Colombia y un miembro externo a la ANMS. Los criterios de selección incluyen la creatividad, manejo de estilos compositivos con temáticas regionales, escritura y factibilidad de ejecución, y edición de la partitura.La compositora ganadora recibirá un estímulo económico de 10 millones de pesos m/cte y su obra será estrenada por el Coro Nacional de Colombia dentro de la programación 2024-2025 de la agrupación.Para más detalles sobre los términos y condiciones del concurso, así como para participar, se puede acceder al formulario de inscripción en este enlace.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Friedrich Kuhlau era conocido por sus contemporáneos como el Beethoven de la flauta y, aunque no se puede decir que todas sus sonatas, variaciones, dúos, tríos, cuartetos y quintetos que utilizan la flauta tengan la misma importancia y mérito para compararse con la música de cámara de Beethoven, sin embargo, es cierto que casi ningún otro compositor ha escrito tanta buena música para flauta como Kuhlau.En 1810 Napoleón había conquistado gran parte de Europa y cuando Friedrich Kuhlau supo que su nombre estaba en la lista de reclutamiento para el ejército de Napoleón, huyó a Copenhague, donde se instaló bajo el nombre de Kasper Meier.Kuhlau rápidamente estableció una conexión con la corte y con el Teatro Real y pasó a ejercer una influencia considerable en la vida musical de Copenhague. Los tres quintetos para flauta de Kuhlau probablemente fueron escritos en 1823 y rápidamente fueron publicados por el editor alemán Simrock, con una dedicatoria al amigo del compositor, el flautista Bruun.Friedrich Kuhlau, ciudadano danés desde 1813, sentía, la limitación del provincianismo en la vida musical de Copenhague. Su inquieto temperamento artístico y su sana curiosidad lo llevaron siete veces al extranjero, dos veces al norte, a Suecia y Noruega, y cinco veces a Alemania o Austria. Buscó con entusiasmo la nueva música de sus contemporáneos y presentó las obras de Beethoven y otros al público danés. Además de las más de 60 obras con una o más flautas, Friedrich Kuhlau compuso ocho obras de cámara; cuatro sonatas para violín, un cuarteto de cuerda y tres cuartetos para piano.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.De las muchas obras compuestas por Friedrich Kuhlau para flauta y piano, la Gran Sonata Concertante Op. 85 es sin duda una de las más importantes. No se sabe con certeza cuándo compuso Kuhlau esta obra, pero el comienzo del Adagio sugiere que es poco probable que haya sido escrita antes de 1821.Una de las últimas obras de Friedrich Kuhlau, escrita en 1831, fue su Gran Trío en sol mayor, Op.119. Originalmente era para dos flautas y piano, pero el propio Kuhlau arregló la segunda parte de flauta para violonchelo o fagot. Esto le da al violonchelo o fagot un papel más importante del que normalmente se encuentra en la música de trío de este período, elevándolo a un compañero igual a los otros instrumentos en lugar de apenas más allá de la línea de bajo, como es el caso de la mayoría de los tríos clásicos y románticos tempranos.Friedrich Kuhlau compuso por encargo para un editor musical deseoso de satisfacer la demanda de música nueva, no demasiado difícil ni demasiado exigente para uso doméstico. Kuhlau siempre fue bueno proporcionando lo que se quería y su música, cualquiera que fuera su valor musical, siempre estuvo muy bien escrita. Fue prolífico porque tenía que serlo y sigue siendo el compositor danés con la lista más larga de obras publicadas.Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Friedrich Kuhlau en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 11 de marzo a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Christian Lindberg, quien tiene una trayectoria sólida como compositor, trombonista y director de orquesta, estará al frente de la Filarmónica de Bogotá en dos conciertos que serán memorables en el León de Greiff, de la Universidad Nacional de Colombia. El repertorio no podía ser más apropiado para el encuentro entre este ‘showman’ de la música y nuestra agrupación.Las presentaciones del viernes 1 de marzo (3:00 p.m.) y sábado 2 (4:00 p.m.) comenzarán con “A Night at the Opera”, un diálogo intenso entre el trombón y la orquesta con arreglos de Anders Högstedt (1951 - ). Más adelante, Fredy Romero, destacado tubista de la Filarmónica de Bogotá, será el solista en el “Concierto para tuba y orquesta de cuerdas” del compositor noruego Arild Plau (1920 - 2005).Y para el cierre, continuaremos celebrando los 200 años del nacimiento de Anton Bruckner (1824-1896) con la interpretación de su “Sinfonía No. 1 en Do Menor”, escrita en Linz, entre 1865 y 1866; y revisada en Viena entre 1890 y 1891.¿Quién es Christian Lindberg?Músico, compositor y director de orquesta sueco. Es considerado el solista número uno de trombón en el mundo. Nacido en una familia de artistas, estudió piano desde los diez años y más tarde trompeta y chelo. A los 17 empezó a tocar el trombón, primero con la orquesta de la Opera Real Sueca, y a partir de 1983 figura como solista.Ha perfeccionado la interpretación de su instrumento en Londres y Los Ángeles. En sus conciertos aborda la teatralidad y en numerosas ocasiones se cubre con vestimentas relacionadas con la composición que ejecuta. Sus interpretaciones están llenas de sorpresas, que deben ser no solo escuchadas sino vistas. Gracias a Christian Lindberg el trombón ha sido considerado como un instrumento de expresión masiva. Casi 80 composiciones están dedicadas a él.Sus logros para el trombón solo se pueden comparar con los de Paganini para el violín o Liszt para el piano. Lindberg ha estrenado más de 300 obras para su instrumento y ha grabado más de 70 álbumes como solista.Además de su inigualable carrera como trombonista, Lindberg se ha embarcado en una exitosa carrera como director de orquesta. En 2009, firmó contrato como director principal con la orquesta The Norwegian Arctic Philharmonic Orchestra, luego de haber estado al frente de la Nordic Chamber Orchestra (2004 - 2011) y Swedish Wind Ensemble (2005 -2012).Ha compuesto más de 50 obras por encargo para The Chicago Symphony Orchestra, The Rotterdam Philharmonic Orchestra, Hessische Rundfunk, Scottish Chamber Orchestra, Swedish Chamber Orchestra, Verdi Orchestra Milano, Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, Trondheim Soloists, Sion Musik Festival y Nordland Musikfestuke, entre otras agrupaciones de reconocimiento mundial.Lo acompañará Fredy Romero quien en 2002 se graduó de la Universidad Nacional de Colombia, con el maestro Carlos Aponte. En 2007 recibió clases con Patricio Cosentino. En 2009 viajó a Alemania donde recibió su diploma como tubista con Walter Hilgers, reconocido músico de la German Brass y de la Orquesta Filarmónica de Viena.Ha sido solista en varias ocasiones con la Filarmónica de Bogotá, con la que ha estrenado varios conciertos para tuba, en su país. Es el creador del Festival Colombia Tubas. Además, es profesor de la cátedra de su instrumento en la Universidad Nacional de Colombia y ha sido docente en instituciones como la Universidad Javeriana y la Universidad de los Andes.En 2019, junto al pianista Leonardo Escobar, lanzó el trabajo discográfico “Tuba Forte & Piano”, que recibió el reconocimiento para producciones musicales discográficas del Programa Nacional de Estímulos del Ministerio de Cultura. Desde 2003 se desempeña como tubista de la Orquesta Filarmónica de Bogotá.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Georg Muffat de familia de origen escocés establecida en Saboya desde principios del siglo XVII, entre los 10 y los trece años estudió música con Lully, en París y dos años más tarde se convirtió en organista de la catedral de Estrasburgo. A los 16 años Georg Muffat dividió su tiempo entre las dos ciudades alsacianas de Séléstat y Molsheim, y fue nombrado organista de la iglesia parroquial de Molsheim en 1671.Las sonatas de Georg Muffat, ciclo de sonatas de cinco partes a las que llamó "Armonico tributo" fueron compuestas con motivo del 1100 aniversario de la fundación del Arzobispado de Salzburgo. Aprovechó la ocasión para agradecer a su mecenas el haberle permitido viajar a Italia, donde pudo estudiar la técnica del concerto grosso con Corelli. Muffat no tardó en poner en práctica lo aprendido.Entre los veintiocho y los veintinueve años Georg Muffat fue a estudiar a Roma con Bernardo Pasquini, que era entonces el mayor virtuoso del órgano y del clavecín de Italia, igualando a Arcangelo Corelli en el dominio del violín. Al igual que sus contemporáneos, Pasquini brilló especialmente a través de sus improvisaciones públicas, y el repertorio que se conserva de él sólo da una imagen parcial de lo que pudo haber sido. Es leyendo entre líneas el tratado manuscrito de Muffat Regulae concentuum partiturae de 1699 que podemos entender que la improvisación del bajo continuo en Italia a finales del siglo XVII era un arte impresionante.Georg Muffat fue, como Johann Jakob Froberger antes que él, y Handel después, un compositor cosmopolita que desempeñó un papel importante en los intercambios entre las tradiciones musicales europeas.Georg Muffat jugó un papel muy importante al establecer el vínculo entre dos estilos muy importantes de finales del siglo XVII: Lully y Corelli. Difundió su fama en Alemania y Austria, lo que explica en parte por qué tuvo que añadir prefacios bastante largos a sus obras. Era necesario ofrecer a los intérpretes una introducción a la interpretación de estos estilos, aún poco conocidos en estos países.Todas las sonatas de Georg Muffat del ciclo "Armonico tributo", (excepto la N° 5), comienzan con una pieza introductoria que a su vez lleva la denominación Sonata. A esto le sigue una serie de movimientos contrastantes con diferentes tempos y ritmos, movimientos de danza y no danza que se alternan entre sí. La fuga de la Sonata N° 5 muestra la influencia de la tradición organista alemana.Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Georg Muffat en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 26 de febrero a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Armida es una ópera en tres actos de Joseph Haydn, la cual cuenta con un libreto basado en el poema de Torquato Tasso Gerusalemmeliberata (Jerusalén liberada). La primera representación de esta ópera tuvo lugar el 26 de febrero de 1784, hace 240 años, en el teatro del palacio de Eszterháza en Hungría.Para la celebración de esta efeméride, presentaremos la versión de este ‘drama heroico’, como lo subtituló su compositor en la interpretación que nos ofrecen: Jessye Norman en el rol de Armida, una hechicera, Claes Ahnsjö como Rinaldo, un caballero,Norma Burrowes, interpreta a Zelmira, cómplice de Armida, Samuel Ramey representa a Idreno, rey de los sarracenos, Robin Leggate en el rol de Ubaldo, amigo de Rinaldo y Anthony Rolfe-Johnson en el papel de Cotlarco,un caballero. Los acompaña la Orquesta de Cámara de Lausana bajo la dirección de Antal Dorati.La obra consiste en lo siguiente: Para evitar la captura de Jerusalén por parte de los caballeros de la Primera Cruzada, El Príncipe de las Tinieblas ha enviado a la hechicera Armida al mundo para seducir a los héroes cristianos y hacer que abandonen su deber. El más valiente de estos, Rinaldo, cae bajo el hechizo de Armida. Ella llega a amarlo tan profundamente que no puede destruirlo.Aquí el argumento y primer acto de la obra: El ejército cristiano acaba de penetrar en territorio del Rey pagano y sarraceno Idreno, quien, en compañía de su sobrina Armida y de los pícaros, planea los medios para contrarrestar el ataque Cruzado y defender la ciudad de Damas y su palacio Real.Rinaldo desatendiendo las obligaciones que le ligaban a sus primeros compañeros de armas, los cruzados, decide complacer a su bien amada y ponerse a la cabeza del ejército pagano que debe enfrentar a los cristianos. Es entonces cuando Idreno le promete como premio a la victoria, la mano de Armida y la herencia de su reino.Después que Rinaldo sale a cumplir su misión, Armida evoca el conflicto que existe en su fuero interno del deber y el amor. Es entonces cuando suplica a los dioses para que le devuelvan sano y salvo a su amado Rinaldo.Bajo el comando de Ubaldo y de Clotarco, las fuerzas cruzadas se aprestan para dar el asalto final a la fortaleza pagana. Entretanto los encantos mágicos de Armida han servido para debilitar el ánimo de la mayoría de los combatientes cristianos.Cuando asciende hacia la fortaleza Clotarco se encuentra con Zelmira, la hermosa hija del Sultán de Egipto, quien, influenciada por Armida, tiene como misión seducir a los jefes cristianos para conducirlos a su perdición. Pero la joven al verse frente a frente con Clotarco, olvida las órdenes recibidas y, por el contrario, lo conduce, evitándole todo peligro, hasta el propio castillo de Armida donde se encuentra Rinaldo, su antiguo compañero de armas.Es entonces cuando el Rey Idreno se da cuenta que ni el poder de las armas ni el de las artes mágicas ha podido neutralizar a los ejércitos cristianos. Armida sabe que una fuerza especial protege a los soldados. Aconseja entonces a Idreno que aplique la astucia y reciba al jefe enemigo con toda cortesía fingiendo ser su amigo. Ello para dar tiempo y planear nuevos maleficios destructores.Armida, simultáneamente, hace prometer a Rinaldo que evitará todo contacto con los cruzados. Ello no se produce porque en ese momento llega Ubaldo, quien le reclama por su traición y le recuerda los deberes que le corresponden como Cruzado. Ello sirve para que el sentimiento de la realidad se haga presente en el espíritu de Rinaldo, quien queda abrumado ante lo sucedido.Sin embargo Ubaldo no logra romper los lazos de traición y deslealtad y no hace más que ayudar a reafirmar el amor y la decisión de Rinaldo de no volver a las filas cristianas.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral el próximo domingo 25 de febrero a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Franz Liszt, el virtuoso pianista y compositor húngaro del siglo XIX, es reconocido por su impactante innovación en la música clásica. Sus obras no solo deslumbran por su virtuosismo técnico, sino también por su profundidad emocional y su capacidad para expandir los límites del lenguaje musical. Aquí presentamos una selección de las cinco mejores obras de este genio del Romanticismo.Sonata en Si Menor, S.178Compuesta en 1853, la Sonata en Si Menor de Liszt es una de sus obras más emblemáticas y desafiantes tanto para intérpretes como para oyentes. Esta monumental obra consta de un único movimiento que abarca una amplia gama de emociones, desde la tormenta y la pasión hasta la introspección melancólica. Con una estructura innovadora y un virtuosismo técnico sin igual, esta sonata representa la culminación del estilo pianístico de Liszt.Años de PeregrinaciónEsta serie de piezas para piano, compuesta en tres libros entre 1848 y 1877, refleja las experiencias y viajes de Liszt por Europa. Desde los paisajes alpinos hasta las vistas italianas, estas piezas capturan la diversidad cultural y geográfica del continente con una mezcla de virtuosismo pianístico y lirismo poético. Destacan obras como "Les jeux d'eaux à la Villa d'Este" y "Après une lecture du Dante".Transcripciones para piano de obras de otros compositoresLiszt fue un maestro en la transcripción, transformando obras de otros compositores para adaptarlas al piano y añadirles su propio estilo único. Sus transcripciones de obras de Wagner, Schubert, Berlioz y otros son ejemplos sobresalientes de su genio pianístico y su profunda comprensión del material original. Destacan obras como "Réminiscences de Don Juan" y "Liebesträume".Concierto para Piano No. 1 en Mi bemol mayor, S.124Este concierto para piano, compuesto en 1853, es una obra monumental que combina virtuosismo pianístico con una riqueza emocional y una orquestación magistral. Con su famoso tema inicial y su estructura innovadora de un solo movimiento, este concierto es una de las piezas más destacadas del repertorio para piano y orquesta del siglo XIX.Mephisto WaltzesLas "Mephisto Waltzes" son una serie de cuatro piezas para piano inspiradas en el personaje de Mefistófeles de la obra de Goethe, "Fausto". Estas piezas capturan la esencia del mal y la seducción a través de la música, con pasajes virtuosísticos y atmósferas oscilantes entre lo diabólico y lo encantador. La tercera waltz, en particular, es conocida por su frenético virtuosismo y su dramatismo desenfrenado.Estas cinco obras destacadas de Franz Liszt encapsulan su genio creativo y su impacto duradero en la música clásica. Su innovación técnica, su expresividad emocional y su capacidad para desafiar las convenciones musicales continúan inspirando a oyentes y músicos en todo el mundo hasta el día de hoy.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Escuchar música relajante mientras trabajas puede ofrecer una serie de beneficios que pueden mejorar tu productividad y bienestar general. La música relajante tiene el poder de reducir los niveles de estrés y ansiedad. Al escuchar melodías suaves y tranquilas, tu cuerpo tiende a relajarse, lo que puede ayudarte a mantener la calma incluso en situaciones estresantes.Algunas personas encuentran que escuchar música suave y armoniosa les ayuda a encontrar soluciones creativas a problemas o a pensar de manera más innovadora.Por eso, le dejamos a continuación algunas recomendaciones de música relajante para trabajar:Música ambiental: La música ambiental es perfecta para crear un ambiente tranquilo y propicio para concentrarse. Busca artistas como Brian Eno, Stars of the Lid, o Harold Budd.Música clásica: Piezas instrumentales de compositores clásicos como Johann Sebastian Bach, Ludwig van Beethoven, y Wolfgang Amadeus Mozart pueden ser muy relajantes y estimulantes para la concentración. Por ejemplo, la "Suite para violonchelo solo No. 1 en sol mayor" de Bach.Música de piano: La música de piano suele ser suave y relajante. Puedes buscar obras de Ludovico Einaudi, Yiruma, o Erik Satie. "Una Mattina" de Ludovico Einaudi es una excelente opción.Música instrumental moderna: Existen muchos artistas contemporáneos que crean música instrumental relajante. Algunos ejemplos incluyen a Ólafur Arnalds, Nils Frahm, y Max Richter. La pieza "Re: Stacks" de Bon Iver en versión instrumental es también muy recomendada.Música de naturaleza: A menudo, los sonidos de la naturaleza, como el canto de los pájaros, el sonido del mar o el susurro de las hojas, pueden ser muy relajantes y ayudar a concentrarse. Hay muchas grabaciones disponibles en línea que ofrecen este tipo de sonidos para acompañar tu trabajo.Obviamente, en la HJCK preparamos esta playlist con música relajante para trabajar:Y si quiere escuchar buena música todo el día, no olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Las composiciones de Bruno Maderna y su enseñanza desde la dirección de orquesta contribuyeron a difundir las obras maestras de la vanguardia europea. El estilo compositivo de Maderna se basó en el uso de técnicas deterministas precomposicionales, una interpretación personal del concepto de «obra abierta» y un tratamiento melódico que aparece incluso en las más complejas texturas.Bruno Maderna nació el 21 de abril de 1920 en Santa Ana di Chioggia, un pequeño pueblo cercano a Venecia y a los cuatro años empezó a tocar varios instrumentos entre ellos el violín. Puede considerarse a Bruno Maderna como niño prodigio pues con sólo 12 año dirigió a la Orquesta de La Scala en un concierto operístico con repertorio del siglo XIX.Una característica de todas las etapas de Maderna es su gusto por el tratamiento de las partes instrumentales para solista. Otra característica notable, especialmente en sus últimos trabajos fue la escritura orquestal. En obras como Quadrivium, para cuatro percusionistas y cuatro grupos de orquesta los instrumentos se dividen en pequeños grupos, como pequeñas orquestas, pero con un ánimo y resultados muy diferentes.La labor creativa de Bruno Maderna se vio interrumpida durante la Segunda Guerra Mundial pues estuvo en el Ejército entre los años 1942 y 1943 y en febrero de 1945, pocos meses antes de finalizada la guerra, se unió a los partisanos, fue capturado y encarcelado en un campo de concentración.Después de finalizada la guerra Maderna tuvo dificultades para continuar con su carrera musical, ero su amistad con Gian Francesco Malipiero le sirvió para obtener un puesto de profesor de solfeo en el Conservatorio de Venecia. En esos años del Conservatorio estudió en profundidad la música antigua y medieval, estudios que fueron la base para muchos de sus primeras composiciones.En 1963, Maderna se estableció definitivamente en Darmstadt, y allí conoció a los compositores más comprometidos con la nueva música, a Pierre Boulez, Olivier Messiaen, Karlheinz Stockhausen y John Cage (para citar solo algunos) y también a los intérpretes más importantes de música contemporánea.En 1972 Bruno Maderna fue nombrado director de la Orchestra Sinfonica della RAI de Milán y ese mismo año obtuvo el Premio Italia con su obra radiofónica Ages. Pero en abril de 1973 en Ámsterdam, se le diagnosticó un cáncer de pulmón, aun así, continuó componiendo y dirigiendo hasta pocos días antes de su muerte el 13 de noviembre de 1973, hace 50 años.Podrá escuchar una selección de obras maravillosas del maestro Bruno Maderna en la nueva edición de El músico de la semana el lunes 13 de noviembre a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Nacido el 9 de agosto de 1949 en Buenos Aires, Argentina, la vida personal y profesional de Guillermo Coppola se ha visto marcada por su estrecha relación con Diego Armando Maradona, el mítico jugador argentino. Además de ser su cliente más importante, como representante de jugadores, Coppola también fue amigo cercano y prácticamente la sombra del “Pelusa”, como fue conocido Maradona.Igual que muchos niños de Sudamérica, Guillote, como le dirían a Coppola, soñaba con ser futbolista; jugó en las inferiores de Racing, no duró mucho ese sueño, pero su relación con el fútbol no murió. Con una formación como administrador y un trabajo en el Banco Federal Argentino, Coppola se fue acercando al mundo transaccional del fútbol.Encontró su talento en la compra y venta de jugadores de fútbol. A lo largo de su carrera representó alrededor de 183 futbolistas, entre ellos a Vicente Pernía, en 1975 y de ahí en adelante a Nery Pumpido, Vicente Pernía, Mario Alberto Kempes, Alberto Tarantini, Oscar Ruggeri, Hugo Gatti y Reinaldo Merlo. En lo más alto de su carrera llegó a representar aproximadamente a 43 jugadores al tiempo, convirtiéndolo en una de las principales figuras de la industria del fútbol argentino.Era buscado por los jugadores para encontrarles los mejores equipos, o incluso llegar más rápido a las principales ligas del fútbol europeo. Una de las transferencias que catapultaron su reputación como representante fue el traspaso, en 1978, de Alberto “El Conejo” Tarantini de Boca Juniors al Birmingham de Inglaterra, uno de los primeros argentinos en jugar en ese país.Sin embargo, la vida de Guillote también tuvo momentos de inflexión que truncaron su carrera como mánager. En 1994 fue acusado por el asesinato del empresario Leopoldo “Poli” Armentano, quien también fue amigo suyo. “Guillote” siempre negó las versiones que lo implicaban y al final, años más tarde, el caso fue cerrado.Apenas dos años después, pasó 97 días en prisión. Una bolsa con cocaína fue encontrada en su casa tras un allanamiento en octubre de 1996. En ese entonces, el mánager denunció que se trataba de una persecución; varias irregularidades se encontraron en el proceso, hasta que en 1999 Coppola quedó libre de todos los cargos. Estas historias y su relación con Maradona están contadas por él mismo en “Guillote. Acá está, esta es mi vida” su autobiografía publicada en el 2009.Su relación con Diego Aramando Maradona, su vida privada con múltiples escándalos y la representación de muchos otros futbolistas han hecho de Coppola una de las figuras públicas más destacadas y controversiales de Argentina. Ha hecho parte del mundo del espectáculo de su país y también se ha desempeñado como comentarista deportivo en televisión y en la emisora argentina La 100.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Qué relación tenía Guillermo Coppola con Diego Maradona?Considerado la sombra de Maradona, Coppola estuvo en los años de gloria y también en la decadencia de la carrera del 10. En 1985, Maradona terminaba la relación con su primer representante, Jorge Cyterszpiler, para firmar un contrato con Coppola, quien lo había conocido cuando el jugador apenas tenía 17 años.Los cientos de jugadores representados se redujeron a uno: Maradona, que le pidió exclusividad para representarlo. Desde entonces, por años, la vida de Coppola estuvo en función de Diego. Además de una relación laboral, se convirtieron en amigos cercanos.Coppola estuvo en los mejores años del 10 en Napoli, lo acompañó en el Mundial de México 86, donde Maradona y Argentina se consagraron campeones, pero también estuvo en las noches de fiesta, en los excesos, en el tránsito del jugador por la drogadicción, en su reuniones con La Camorra y en un círculo vicioso que marcó la decadencia del jugador. Incuso, la prensa italiana y argentina lo acusaba de ser una mala influencia para Maradona, de acolitar y facilitar sus extravagancias.“Con Diego fuimos un matrimonio sin sexo, tuvimos tres años prácticamente solos, mano a mano. Yo de al lado de Diego me fui pato, porque no me interesaba lo material y perdí todo. La relación se fue desgastando y yo sentía que ya no le llegaba”, explicó “Guillote” en agosto de 2023 durante el programa Confesiones TNT Sports Argentina durante una conversación con el exjugador Ricardo Gareca, quien también fue representado por Coppola. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Guillermo Coppola (@guillermocoppola) En 2003, tras 18 años de trabajo juntos, la relación Coppola - Maradona se fracturó. Maradona y Coppola vivían en Cuba por invitación de Fidel Castro. Era parte del proceso de recuperación del 10 de su adicción a las drogas, hasta que Coppola decidió tomar distancia y dejar de representar al jugador. Por años se especuló sobre las razones, se dijo que fue cuestión de dinero, que fue por una mujer, entre otros rumores.En 2022, “Guillote” abordó el tema en entrevista con LAM, donde recordó el punto exacto en el que decidieron separarse. “Me querés cagar el cumpleaños” le dijo Maradona el 30 de octubre. “Yo no quería cagarle el cumple, yo quería las cosas un poquito más prolijas en esa noche. Me encerré en el cuarto, a él le molestó. Cosas de amigos. Nos amábamos, nos amábamos. Al otro día le pedí hablar. Y el primero de noviembre nos encontramos en el campo de golf y nos separamos”, contó.Pasaron más de diez años para que esa novela entre los dos tuviera un nuevo capítulo; se distanciaron y no fue hasta 2015 que retomaron el contacto, cuando los acercó el fallecimiento de Don Diego, el padre de Maradona. Desde entonces estuvieron en contacto, pero nunca como antes.“Cuando nos encontramos en Rusia (Mundial 2018) me dijo ‘nunca dejé de amarte’ y yo le dije lo mismo. Afortunadamente, con encuentros, fuimos puliendo eso”, detalló Coppola sobre el final de su relación con Maradona en TNT Sports Argentina.¿De qué se trata “Coppola, el representante”?Maradona fue protagonista en la vida de Coppola, pero no lo es en esta serie, o por lo menos no lo vemos, a pesar de las muchas referencias a él. A lo largo de seis capítulos, el actor y director argentino Juan Minujín personifica a Coppola en el hilarante drama cómico del representante.La serie narra la vida del argentino desde 1985, cuando inicia la ardua tarea de representar al entonces mejor jugador del mundo, hasta 2001, cuando planea organizar el partido de despedida de Maradona. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Star+ Latinoamérica (@starplusla) En el intermedio, el espectador se encontrará con momentos clave de la carrera al lado del “Pelusa”; lidiar con la vida privada del jugador, cumplir con sus exigencias, su propia vida privada, sus amores, la muerte de su amigo y su paso por la cárcel.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Tamara de Lempicka, una figura icónica en la historia del arte del siglo XX, dejó una marca indeleble en el movimiento Art Decó con su estilo distintivo y su enfoque audaz hacia la representación visual. Nacida en Polonia el 16 de mayo de 1898 como Maria Górska, adoptó el nombre de Tamara después de casarse con el abogado Tadeusz Lempicki en 1916. Su vida estuvo marcada por una mezcla de escándalo, glamour y creatividad, y su obra se convirtió en sinónimo del espíritu liberado y elegante del período de entreguerras.Tamara de Lempicka vivió una vida de constante transformación. Después de sufrir el trauma de la Revolución Rusa en 1917, escapó con su esposo a París, donde se sumergió en la vibrante escena artística de la época. Fue en París donde su talento como pintora comenzó a florecer, y su estilo único comenzó a llamar la atención.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.El arte de Tamara de Lempicka es inconfundible en su fusión de sensualidad, elegancia y modernidad. Sus pinturas están llenas de figuras alargadas y angulares, con una paleta de colores vibrantes y contrastantes que resaltan la sofisticación y el dinamismo de la era Art Decó. Sus retratos de mujeres son especialmente notables, capturando la feminidad en una luz que desafía las convenciones de la época.Lempicka revolucionó el movimiento Art Decó al infundirle una nueva energía y una perspectiva única. A través de sus obras, llevó el Art Decó más allá de la mera estética y lo convirtió en un medio para explorar la identidad, la sexualidad y el poder femenino en una sociedad en rápida transformación. Sus retratos audaces desafiaron las expectativas tradicionales de la representación femenina en el arte, presentando a mujeres fuertes, seguras de sí mismas y seductoras en un mundo en el que estaban tomando un papel más activo.Sus pinturas se encuentran en importantes colecciones y museos, y su influencia sigue siendo evidente en la moda, el diseño y la cultura popular contemporánea. Su capacidad para capturar la esencia de una época y su visión única continúan inspirando a artistas y admiradores por igual, asegurando su lugar como una de las figuras más importantes del Art Decó y del arte moderno en general.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En su día, Alemania llamó eufemísticamente "protectorados" a sus colonias, que estuvieron "bajo su posesión" desde 1884 hasta el final de la Primera Guerra Mundial. A diferencia de países como Francia, Gran Bretaña u Holanda, Alemania no era una de las superpotencias coloniales. Sin embargo, su trato a las colonias de África y Asia no fue nada escrupuloso. Así lo atestiguan los numerosos restos humanos que aún se conservan en las colecciones de museos y universidades alemanas.En la jerga museística, a esos restos se los denomina "sujetos". Con ello se pretende expresar respeto y estima por las personas cuyos cráneos o huesos se guardan en los sótanos y almacenes de las colecciones de los museos y universidades alemanes. El término pretende minimizar la brutalidad con la que fueron saqueados durante la época colonial y llevados a Alemania.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.Los colonialistas cometieron crímenes atrocesMuchos cráneos y huesos proceden de personas ejecutadas, y fueron cortados, limpiados y enviados a Alemania como trofeos. Sólo el Museo de HIstoria Médica Charité, en Berlín, tiene en sus depósitos 106 de estos "restos humanos", provenientes de África, Oceanía, Asia y Norteamérica. Cada vez son más los que se examinan de cerca en el marco de la investigación de procedencia, documentando su origen.Entre 2011 y 2019, sin embargo, solo nueve de estas piezas fueron devueltas en el marco de dichas investigaciones, según informó el Museo de Historia Médica Charité de Berlín. A diferencia de los museos, algunos de los cuales documentan en línea sus exposiciones de contextos coloniales, los depósitos de la Charité de Berlín siguen siendo una caja negra. "No proporcionamos ninguna fotografía a menos que sepamos de dónde proceden los restos humanos", respondió Judith Hahn, una de las empleadas.Berlín era considerada la capital de los "coleccionistas de cráneos"Esa es precisamente la cuestión: ¿cómo llegaron los "sujetos" a Berlín? La capital alemana se convirtió en el centro de la investigación antropológica a finales del siglo XIX y principios del XX, "simplemente porque algunos de los coleccionistas más locos trabajaban aquí", afirma Andreas Eckert, africanista y profesor de la Universidad Humboldt, en una entrevista con DW. Los científicos Rudolf Virchow y Felix von Luschan examinaron los restos en Berlín con el fin de sacar conclusiones para su "ciencia de las razas"."Había listas de pedidos; si estaba claro que alguien iba a viajar a la región, por ejemplo, al suroeste de África alemana (ahora Namibia), recibía un pedido", dice Eckert. Estos pedidos eran similares a una lista de la compra para el supermercado, con cantidades concretas. Los cráneos eran las partes del cuerpo más solicitadas", explica el experto.Los científicos alemanes querían utilizar el tamaño de la cabeza para demostrar que las personas de origen no europeo pertenecían a una "raza" inferior. No solo África, sino también otros continentes no europeos, se consideraban "terra nullius", tierra de nadie. Esta abstrusa idea de África como continente sin historia surgió en el siglo XVII con el inicio de la esclavitud, y apenas cambió con el paso de las décadas. Incluso un gran escritor alemán como el poeta Friedrich Wilhelm Schiller habló en términos generales de zonas "incivilizadas" fuera de Europa, en su discurso inaugural de la Universidad de Jena, en 1789.El africanista Andreas Eckert no es el único que sospecha que hay muchos más restos humanos en las instituciones alemanas: "Se calcula que hay unas 20.000 osamentas. A esos se suman los que han quedado enterrados en el camino con el paso del tiempo. Así es posible imaginar la enorme cantidad de estos huesos que fueron traídos aquí, a Alemania, en un período de tiempo relativamente corto". Además de la dificultad de determinar la procedencia exacta de los restos humanos, hay otro problema, dice Andeas Eckert. "En algunas regiones del mundo, hay gente que se queja y dice: 'Ahora quieren deshacerse de esto, pero, en realidad, nosotros no necesariamente lo queremos'". Algunos incluso temen que con las osamentas regrese algún "mal espíritu", una reminiscencia de aquellos oscuros días de la época colonial.📻 No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Imagínatelo: Tienes 17 años y nunca has salido de casa. Tu padre y tu tío son comerciantes y han estado ausentes toda tu vida. Acaba de volver a casa y ya preparan el próximo viaje, al que esta vez tú los acompañarás. Será un recorrido de miles de kilómetros, que durará 24 años.Nacido en Venecia en 1254, Marco Polo recorrió la Ruta de la Seda, una ruta comercial medieval que conectaba Europa con Asia, entre 1271 y 1295.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.Al regresar a Italia, Polo colaboró con el escritor Rustichello da Pisa para escribir la crónica de su viaje. El libro, titulado Il Milione (El millón), conocido en español como Los viajes de Marco Polo, se convirtió en un éxito. Fue traducido a muchos idiomas y leído por todas las personas alfabetizadas de la época. Se dice que Cristóbal Colón llevaba consigo un ejemplar.Un relato que "escandalizó" a los europeosPolo no fue el primer europeo que viajó a la China medieval, tampoco el primero que lo documentó. Según Hyunhee Park, profesora de Historia de la City University of New York, ya en los siglos IX y X los viajeros musulmanes documentaban sus viajes a China.Pero en una época en la que Europa estaba encerrada en sí misma, Polo fue el primer europeo en llevar información sobre China a la sociedad. Lo que dijo sobre el país asiático no encajó con las expectativas europeas.Polo describió el Imperio Mongol como una gran civilización con grandes ciudades, explica Park: "Muchos europeos se escandalizaron. Incluso le tacharon de mentiroso".Las descripciones de Polo se desviaban de las convenciones utilizadas por otros occidentales que informaban sobre tierras no europeas, explica Margaret Kim, profesora de la National Tsing Hua University de Taiwán. Kim también cuenta que, a diferencia de Polo, muchos viajeros europeos transmitían lecciones morales y doctrinas religiosas al escribir sobre el extranjero. Marco Polo, no. Es un escritor secular.La "mirada imperial"Por otro lado, el punto de vista empleado por Polo lo diferencia de otros relatos de viajes de europeos, que estaban impulsados por un espíritu de conquista y superioridad.Zhang Longxi, profesor de la Academia Yenching en la Universidad de Pekín, explica que las futuras descripciones de China tacharían el país asiático de "atrasado" y "estancado", lejos de la "grandeza" europea.En China, Polo se convirtió en una figura muy respetada en la corte de Khan. Aunque su cargo exacto sigue siendo objeto de debate, existe consenso en que era un destacado funcionario con responsabilidades diplomáticas. Por tanto, no contempló el imperio mongol como un extranjero, sino como un miembro más.Según Kim, al pasar tantos años de su formación en Asia, Polo desarrolló una forma de pensar que no puede calificarse como occidental. Sin embargo, el ilustre viajero si tenía lo que Kim llama, una 'mirada imperial'. ¨Para él, el mundo estaba dividido entre pueblos más o menos civilizados. De modo que, para Marco Polo, o eras muy civilizado o poco civilizado o un salvaje".Y para él, tal como señala Kim, el centro de la civilización no era el que los europeos esperaban, sino el Imperio Mongol de Kublai Khan.Los múltiples viajes de Marco PoloEl hecho de que no exista un único manuscrito oficial y los debates sobre el rol que cumplió Rustichello en la producción del libro, ha originado diferentes opiniones de los historiadores sobre su contenido.Las omisiones de información esperada sobre China y la supuesta falta de fuentes que la corroboraran también llevaron a algunos historiadores, como la destacada sinóloga Frances Wood, a cuestionar la autenticidad de las observaciones de Polo.Hoy los historiadores suelen coincidir en que las principales observaciones de Polo son reales.Marco Polo, un personaje actualHoy, 700 años después de su muerte, Marco Polo sigue siendo un personaje muy conocido, incluso para los no eruditos.Para Kim, Polo demuestra que el mundo contiene cosas que van más allá de lo que imaginamos y que esto nos puede inquietar y perturbar, pero que podemos adaptarnos a ello. Por lo tanto, la 'mirada imperial' no es propia de ninguna cultura o civilización.Según Zhang, "Marco Polo ofrece un modelo alternativo de encuentros e interrelaciones entre Oriente y Occidente muy valioso para nosotros en el mundo actual. Es un modelo de entendimiento mutuo y cooperación, en lugar de rivalidad feroz y conflicto".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Alexander von Humboldt, un nombre que resuena en los anales de la ciencia, emerge como una figura clave en la historia de la exploración y la comprensión del mundo natural. Nacido el 14 de septiembre de 1769 en Berlín, Alemania, Humboldt fue mucho más que un simple naturalista; fue un visionario cuyas contribuciones abarcaron una amplia gama de disciplinas, desde la geografía y la geología hasta la botánica y la climatología.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí Exploraciones pioneras:La reputación de Humboldt como explorador se cimentó con su legendaria expedición científica a América Latina entre 1799 y 1804. Acompañado por el botánico francés Aimé Bonpland, Humboldt exploró vastas regiones que abarcan desde Venezuela hasta Perú. Durante su travesía, documentó meticulosamente la flora, la fauna, la geología y el clima de las tierras que visitó, recopilando una cantidad impresionante de datos que más tarde formarían la base de sus escritos y descubrimientos.Contribuciones a la botánica:La pasión de Humboldt por la botánica se refleja en su extenso trabajo de recolección y clasificación de plantas durante sus expediciones. Se estima que durante su viaje a América Latina, Humboldt y Bonpland recolectaron más de 60,000 especímenes botánicos, muchos de los cuales eran desconocidos para la ciencia occidental en ese momento. Sus contribuciones botánicas no se limitaron solo a la recopilación de especímenes; Humboldt también describió y catalogó numerosas especies nuevas, ampliando así el conocimiento botánico de la época.Concepto de naturaleza interconectada:Uno de los aspectos más destacados del legado de Humboldt es su visión de la naturaleza como un sistema interconectado y global. A través de sus escritos y estudios, Humboldt articuló la idea de que cada elemento del medio ambiente, desde las montañas hasta los ríos y los microorganismos, está intrínsecamente ligado y afecta a los demás. Este concepto precursor de la ecología moderna sigue siendo relevante en la comprensión contemporánea de los ecosistemas y la conservación de la biodiversidad.Sus escritos, que incluyen obras como "Viaje a las regiones equinocciales del Nuevo Continente" y "Cosmos: Ensayo sobre la geografía física del mundo", siguen siendo referencias fundamentales en una variedad de disciplinas científicas. Además, su influencia se extiende a través de una multitud de lugares, especies y conceptos que llevan su nombre, asegurando que su contribución a la ciencia y la exploración nunca sea olvidada.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.