Ludwig van Beethoven, sin duda alguna, es uno de los compositores más influyentes en la historia de la música clásica. Su legado abarca una amplia gama de obras maestras, pero son sus sonatas para piano las que destacan como algunas de las composiciones más icónicas y revolucionarias de su tiempo. En este artículo, exploraremos algunas de las sonatas más famosas de Beethoven, que han dejado una marca indeleble en el mundo de la música clásica.Sonata para Piano No. 14 en Do sostenido menor, Op. 27, No. 2, "Claro de Luna"Conocida comúnmente como la "Claro de Luna", esta sonata es una de las obras más reconocibles de Beethoven. Compuesta en 1801, esta pieza captura la esencia del Romanticismo con su atmósfera evocadora y su melodía conmovedora. El primer movimiento, Adagio sostenuto, presenta un delicado y fluido flujo de notas que establece el tono melancólico de la pieza. La famosa sección de tercer movimiento, Presto agitato, contrasta con la serenidad del primer movimiento, exhibiendo la capacidad de Beethoven para crear dramatismo y emoción en su música.Sonata para Piano No. 8 en Do menor, Op. 13, "Patética"Esta sonata, apodada "Patética", es otra de las obras más conocidas de Beethoven. Compuesta en 1798, esta pieza es un ejemplo temprano del estilo expresivo y poderoso que caracterizaría muchas de las obras posteriores de Beethoven. El primer movimiento, Grave - Allegro di molto e con brio, establece de inmediato un tono sombrío y dramático que continúa a lo largo de la obra. El segundo movimiento, Adagio cantabile, ofrece un respiro de la intensidad del primero, con una melodía lírica y emotiva. El tercer movimiento, Rondo: Allegro, regresa con fuerza y energía, concluyendo la sonata con un final emocionante y triunfante.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sonata para Piano No. 23 en Fa menor, Op. 57, "Apassionata"La "Apassionata" es una de las obras más virtuosísticas y apasionadas de Beethoven. Compuesta en 1804, esta sonata es un ejemplo sobresaliente de la madurez artística de Beethoven y su habilidad para fusionar la expresión emocional con la técnica pianística avanzada. El primer movimiento, Allegro assai, comienza con un tema poderoso y enérgico que establece el tono apasionado de la pieza. El segundo movimiento, Andante con moto, ofrece un momento de calma relativa antes de que el tercer movimiento, Allegro ma non troppo - Presto, regrese con fuerza y vigor, llevando la sonata a una conclusión emocionante y explosiva.Sonata para Piano No. 21 en Do mayor, Op. 53, "Waldstein"La "Waldstein" es una de las sonatas más innovadoras y expansivas de Beethoven. Compuesta en 1804, esta pieza es un ejemplo notable de la capacidad de Beethoven para explorar nuevas formas y estructuras musicales. El primer movimiento, Allegro con brio, presenta un tema brillante y virtuoso que establece el tono optimista de la obra. El segundo movimiento, Introduzione: Adagio molto - Attacca, ofrece un momento de contemplación antes de que el tercer movimiento, Rondo: Allegretto moderato - Prestissimo, regrese con energía y vitalidad, concluyendo la sonata con un final jubiloso y triunfante.Estas son solo algunas de las sonatas más famosas de Beethoven, pero cada una de ellas ofrece una ventana fascinante hacia la mente creativa de uno de los compositores más grandes de todos los tiempos. A través de su música, Beethoven logró trascender las barreras del tiempo y el espacio, dejando un legado perdurable que continúa inspirando e impactando a oyentes de todas las generaciones.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Si el Estado no apoya y contribuye a la cultura, el futuro es realmente peligroso", advirtió Argerich, quien también cuenta con la nacionalidad suiza, país donde reside habitualmente.Las Becas Martha Argerich, creadas en 2021 y otorgadas por el departamento de Cultura del Gobierno argentino, tienen la finalidad de ayudar a jóvenes músicos de las Orquestas Infantiles y Juveniles de los barrios populares.Según Argerich, los docentes forman a estos jóvenes con "indudable seriedad, dedicación y mucho amor"."Lamentablemente, las autoridades del gobierno nacional de mi país decidieron interrumpir las Becas (que debieron comenzar en febrero de este año) y despidieron a esos, y otros profesores de las Orquestas Infantiles (...) Están privando a los jóvenes de la oportunidad de tener un brillante futuro musical", consideró la pianista de 82 años.Argerich, una de las pianistas más reconocidas del mundo y una destacada intérprete del repertorio de compositores como Chopin, Liszt, Bach o Schumann, aseguró que ella misma recibió el apoyo del Estado Argentino en su juventud.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."(El apoyo público) fue fundamental para mi formación y posterior carrera artística", dijo.Además, la pianista lamentó que el Ejecutivo de Milei esté "quitando el apoyo a numerosos espacios de la cultura"."Si no se apoya la cultura, el futuro de los niños y jóvenes, y de todo el pueblo, corre peligro. Confío en que las autoridades vuelvan a pensar en continuar de alguna forma con estos programas", concluyó Argerich.Por su parte, el secretario de Cultura de Argentina, Leonardo Cifelli, se mostró sorprendido por las quejas de Argerich y confirmó a la prensa local que está particularmente interesado en la continuidad del programa de Becas Martha Argerich y que hablaría personalmente con la intérprete para aclarar la situación.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Alberto Ginastera pertenece, culturalmente, al movimiento musical sudamericano moderno. Este hecho marcó toda su obra ya que se le considera el sucesor de Villa-Lobos a la cabeza de dicha corriente cultural.Alberto Ginastera parecía el arquetipo del intelectual latino, con sus cabellos tirados hacia atrás y sus gruesas gafas, y emprende desde su infancia en el Río de la Plata sus estudios musicales.En el año 1941 Alberto Ginastera compuso la música de Estancia, un ballet por encargo del American Ballet Caravan, una compañía estadounidense. Cuando el compositor puso manos a la obra, tenía en mente diversas escenas rústicas de las pampas, y en su momento, no había otro compositor más calificado para tal empresa.Ginastera terminó la obra puntualmente de acuerdo al encargo, pero el American Ballet Caravan se disolvió en 1942, de modo que el ballet tuvo que esperar para ser estrenado. El 12 de mayo de 1943, en el Teatro Colón de Buenos Aires, se tocó la suite de Estancia, y el ballet completo fue estrenado hasta el 19 de agosto de 1952, en el mismo escenario de la capital argentina.Durante sus 67 años de vida y sus cuarenta y cinco años de composición, Alberto Ginastera construyó paciente, obstinada y meticulosamente una obra que no se parece a ninguna otra, aunque las influencias de su tiempo se reflejen.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Una obra que forma un bloque en constante mutación, desde las aparentes facilidades del folclor hasta las audacias controladas de la música contemporánea. Una obra que ha hecho del músico argentino el más conocido de los compositores latinoamericanos del siglo XX.Una beca de la Fundación Guggenheim lleva a Alberto Ginastera a los Estados Unidos, donde reside de 1945 a 1947 y trabaja con Aarón Copland. Cuando vuelve a su país, lo hace para componer y enseñar, como tal, es director de Conservatorios, fundador de un instituto de composición y forma toda una generación de creadores sudamericanos, como el argentino Luis María Serra o el brasileño Jorge Antunes.El estilo de composición de Alberto Ginastera se divide en tres periodos que él mismo bautizó: nacionalismo objetivo (con presencia de elementos folclóricos), nacionalismo subjetivo (música académica con la influencia de sus estudios en Nueva York), y neoexpresionismo (por la técnica dodecafónica). Muchas de las obras de Ginastera se inspiraron en la tradición gauchesca. Esta tradición sostiene que el gaucho, o jinete sin tierra nativo de los llanos, es un símbolo de Argentina.A diferencia de otros compositores nacionalistas, Alberto Ginastera, nuestro Músico de la Semana HJCK.com, quien nació el 11 de abril de 1916, no solo mostró una sensibilidad hacia los aspectos de su cultura local, sino que también se interesó por las corrientes compositivas internacionales del momento. La obra de Ginastera es el reflejo de un músico que se impregna de la historia, el folclore y la literatura de su país natal, al mismo tiempo que encuentra en las técnicas contemporáneas de composición, como el serialismo dodecafónico y la politonalidad, su medio de expresión.Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Alberto Ginastera en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 8 de abril a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Hace 300 años la ciudad de Leipzig en Alemania se vistió de gala para escuchar una de las obras que Johann Sebastian Bach, (quien por aquel entonces sólo llevaba nueve meses activo como cantor de la Iglesia de Santo Tomás) había compuesto para el servicio religioso del Viernes Santo de ese 1724.La Pasión según San Juan BWV 245 que transmitiremos hoy en Canto y Música Coral por HJCK.com, se interpretó por primera vez en la iglesia de San Nicolás de Leipzig el Viernes Santo, 7 de abril de 1724 (aunque parte de la música puede datar de un período anterior).Según las notas del crítico musical Malcolm Boyd, "Bach había planeado estrenar la obra en la iglesia de Santo Tomás, donde había más espacio para acomodar a sus cantantes e intérpretes, pero al final tuvo que ceder. Por lo tanto, repitió la obra, en una versión revisada, en Santo Tomás al año siguiente, y hubo al menos dos representaciones más en Leipzig durante su vida. En cada caso Bach hizo modificaciones, en parte para adaptar la obra a las nuevas condiciones interpretativas, pero quizás también para hacerla más aceptable para las autoridades eclesiásticas.No existe, por tanto, una versión definitiva de la obra; el que normalmente se interpreta (y que escucharemos hoy 300 años después de su estreno) es la que se reúne a partir de la partitura en limpio (de las cuales las primeras 20 páginas están escritas a mano por Bach y datan aproximadamente de 1739, y un conjunto de partes que reflejan una interpretación de los últimos años de la vida de Bach. La secuencia real de movimientos es la misma que en la versión interpretada por Bach en 1724".Según el musicólogo alemán Martin Geck, "en La Pasión según San Juan de Bach no predomina ni la tradición ni lo nuevo, ni la pintura ni el elemento estructural, ni la teología ni la música. Bach pone a su disposición las ideas de su época de diversas formas, fundiéndolas rápidamente en una obra que se caracteriza por el color e incluso la contradicción. La unidad de esta obra no puede calcularse ni contarse como una cantidad abstracta; es la unidad de la vida en toda su diversidad, domesticada por un artista con gran pensamiento e imaginación".💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Bach siguió los capítulos 18 y 19 del Evangelio de Juan en la Biblia de Lutero, y el Evangelista sigue exactamente las palabras de esa biblia. La estructura de la obra se divide en dos partes.La primera nos trae las escenas en el Valle de Cedrón (al noroeste de la ciudad de Jerusalén) y en el palacio del sumo sacerdote Kaifás. La segunda parte muestra tres escenas, una con Poncio Pilato, otra en el Gólgota y la tercera, finalmente, en el lugar del entierro. El coral del comienzo de la segunda parte recuerda al oyente en qué punto de la narración finalizó la primera: Jesús es apresado de noche como un ladrón, según las palabras tomadas del himno Christus, der uns selig macht, escrito en 1531 por el teólogo protestante Michael Weisse.En la nueva versión de Canto y Música Coral que celebra los 300 años del estreno de La Pasión según San Juan BWV 245 de Johann Sebastian Bach, escucharemos la versión que nos ofrecen Nico van der Meel como El Evangelista; Kristinn Sugmundsson, en el papel de Jesús; Jelle Draijer, quien interpreta a Poncio Pilato y David Barick, como Pedro.A estos personajes principales los acompañan Annegeer Stumphius, James Bowman, Christoph Prégardien, Peter Kooy, Michiel ten Houte de Lange, Adinda de Nijs, el Coro de Cámara Neerlandés y la Orquesta Siglo 18, bajo la dirección de Frans Brüggen.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral el próximo domingo 7 de abril a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Fanny Mendelssohn fue una compositora y pianista notable del siglo XIX. Nació el 14 de noviembre de 1805 en Hamburgo, Alemania y aunque a menudo eclipsada por la fama de su hermano, el renombrado compositor Felix Mendelssohn, su genio musical merece ser reconocido y celebrado por derecho propio.Mendelssohn nació en una familia profundamente arraigada en la música y la cultura. Su padre, Abraham Mendelssohn, era un destacado banquero, y su madre, Lea Salomon, era una talentosa pianista y cantante. Desde una edad temprana, Fanny y su hermano Felix fueron expuestos a la música, recibiendo una educación musical rigurosa.Esta compositora mostró un talento excepcional desde muy joven. Aprendió a tocar el piano con su madre y recibió lecciones de los mejores maestros de la época. Su hermano Felix también contribuyó a su educación musical, brindándole apoyo y aliento en su desarrollo como compositora.A pesar de su talento innegable, Fanny Mendelssohn enfrentó numerosos obstáculos en su búsqueda de reconocimiento como compositora. En la sociedad conservadora del siglo XIX, a las mujeres se les negaba frecuentemente la oportunidad de una carrera musical seria. Fanny experimentó estas limitaciones de primera mano, ya que se le desalentaba activamente a seguir una carrera pública como compositora.A pesar de estos desafíos, Fanny continuó componiendo incansablemente, creando un cuerpo significativo de obras que abarcaban una variedad de géneros, incluyendo música de cámara, canciones, música para piano y música coral. Sus composiciones exhiben una notable profundidad emocional y una maestría técnica, lo que refleja su profundo compromiso con el arte musical.La relación entre Fanny y su hermano Felix fue fundamental en su desarrollo como compositora. Felix apoyó y alentó activamente su talento, actuando como su mentor y defensor. Sin embargo, la sombra de su hermano mayor también resultó ser una carga, ya que a menudo se la comparaba desfavorablemente con él.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además de su relación con su hermano, Fanny mantuvo una estrecha conexión con su familia a lo largo de su vida. Se casó con el pintor Wilhelm Hensel en 1829 y tuvo una hija, pero su pasión por la música nunca disminuyó. Continuó componiendo y realizando presentaciones íntimas en su hogar, donde su familia y amigos podían apreciar su talento.A pesar de las dificultades que enfrentó durante su vida, el legado musical de Fanny Mendelssohn perdura hasta el día de hoy. A medida que la sociedad ha evolucionado y ha reconocido cada vez más el talento de las mujeres en el campo de la música, el trabajo de Fanny ha comenzado a recibir la atención y el reconocimiento que merece.Sus composiciones han sido redescubiertas y grabadas por músicos de todo el mundo, y su influencia en el desarrollo de la música del siglo XIX sigue siendo evidente. Su música, imbuida de pasión y expresividad, continúa cautivando a oyentes y músicos por igual, sirviendo como un testimonio perdurable de su genio creativo.Fanny Mendelssohn Bartholdy fue una figura notable en la historia de la música clásica, cuyo talento y dedicación a su arte la distinguen como una de las grandes compositoras del siglo XIX. A pesar de las barreras sociales y culturales que enfrentó, su música trascendió las limitaciones de su tiempo y continúa inspirando a generaciones de músicos y oyentes.A medida que su legado continúa siendo explorado y celebrado, es importante reconocer y honrar el impacto duradero de su contribución a la música clásica. Fanny Mendelssohn, con su pasión, creatividad y determinación inquebrantable, sigue siendo una luz brillante en el firmamento del romanticismo musical.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El director y cellista finlandés Klaus Mäkelä asumirá, con apenas 28 años, el cargo de director de la Orquesta Filarmónica de Chicago, una de las más importantes del mundo, lo que representa el punto máximo, al menos de momento, de una carrera en la que la que ha seguido las huellas de una familia de músicos.El padre del nuevo director de la Filarmónica de Chicago es el celista Sami Mäkelä, su madre la pianista Taru Myöhanen-Mäkelä y su abuelo Tapio Myöhanen es violinista.La hermana menor de Mäkelä, además, es bailarina del Ballet Nacional de Finlandia.Mäkelä estudió en la Academia Sibelius. Su profesor de dirección fue Jorma Pamula y sus profesores de cello Marko Ylönen, Timo Hanhinen y Hannu Kiiski.Desde los 12 años Mäkelä formó parte del coro de la Opera Nacional de Finlandia y ya entonces se empezó a interesar por la dirección. Según dijo en una entrevista publicada por la Filarmónica de Berlín, durante una representación de "Carmen" se sintió "completamente arrebatado por la fuerza de la música" y pensó en el trabajo del director en el foso de la orquesta."Quería ser capaz de hacer lo mismo. Durante cinco años soñé con ser director hasta que al fin fui admitido en la clase de Jorma Panula", dijo entonces.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."La gente puede decir que a los 12 años el cerebro musical no está todavía completamente desarrollado. Pero cuando empiezas pronto, dirigir se convierte en algo completamente natural", agregó.Panula, nacido en 1930, es una leyenda como formador de directores de orquesta y siempre se interesó mucho por jóvenes talentos.Una de las cosas clave que le enseñó fue que tenía que ser la misma persona, independientemente de si estaba dirigiendo o no."Si tratas de ser alguien distinto cuando tienes una batuta en la mano la cosas no funcionan", explicó.Mäkelä dirige ya la Orquesta Real del Concertgebouw de Ámsterdam y ha sido director jefe de la Filarmónica de Oslo y de la Filarmónica de París y ha dirigido como director invitado diversas orquestas como la Orquesta Nacional de España, la Filarmónica de Berlín o la Filarmónica de Londres.Cuando, en una entrevista con la emisora alemana BR, se le preguntó acerca de cómo afectaba su juventud su trabajo como director respondió en la música la edad no tiene papel ninguno."Desde el punto de vista musical la edad no existe. Piense en Herbert Bloomstedt que a los noventa y tanto años sigue abriendo cada partitura como si fuera la primera vez", dijo.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Cada año la HJCK selecciona obras de grandes compositores que han escrito acerca de estos días santos basados en los textos de la Biblia, esta programación especial es una mezcla entre las melodías clásicas y el dolor de Jesús en su pasión.La emisora se ha caracterizado por presentar obras especiales creadas específicamente para estas fechas hace siglos, la HJCK vuelve a traer la música clásica en el contexto de la Semana Santa y presenta su nueva programación para este año.Aquí presentamos la programación de Semana Santa en la HJCK:Jueves santo, 28 de marzoMúsica para comenzar el Día (6:00 a.m.): Herr Jesu Christ, du höchstes Gut (Señor Jesucristo, oh bien supremo), BWV 113, cantata de iglesia, de Johann Sebastian Bach.Sala de Conciertos (8:00 a.m.): Oratorio de la Pasión, de Johann David Heinichen y las Variaciones en Sol mayor sobre un tema de la ópera 'Moisés' de Rossini, de Niccoló Paganini.Aniversarios HJCK (11:00 a.m.): Pathodia sacra, de Constantijn Huygens.Concierto Barroco (2:00 p.m.): Lamentaciones para el jueves Santo (Primera lección), de Joseph Hector Fiocco, Herr, deine Augen sehen nach dem Glauben (Señor, tus ojos buscan la fe), BWV 102, cantata de iglesia, de Johann Sebastian Bach y las Lamentaciones del profeta Jeremías, para el jueves Santo, de Jan Dimas Zelenka.Concierto de la Tarde (3:00 p.m.): Misa de Réquiem, de Giuseppe Verdi.Carrusel musical (7:00 p.m.): Variaciones sobre la Sinfonía de la cantata ('Cristo yacía amortajado', BWV 4), Op. 64, de Anton van der Horst.Música antigua y del barroco (9:00 p.m.): Membra Jesu Nostri, BuxWV 75 - Ciclo de siete cantatas (cada una de las siete partes en que se divide está dedicada a una parte del cuerpo crucificado de Jesucristo: pies, rodillas, manos, costado, pecho, corazón y cabeza), de Dietrich Buxtehude; Lamentaciones para el jueves Santo (Segunda lección), de Joseph Hector Fiocco y Recollectio Festorum Beate Marie Virginis (El recuerdo de las fiestas de la Virgen), de Guillaume Dufay.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Viernes santo, 29 de marzoSala de Conciertos (8:00 a.m.): Lamentaciones del profeta Jeremías, para el viernes Santo, de Jan Dimas Zelenka.Concierto de la mañana (9:00 a.m.): Missa in tempore belli, (Misa en tiempo de guerra) 'Paukenmesse' Hob. XXII / 9 en Do mayor, de Franz Joseph Haydn.Concierto de la Tarde (3:00 p.m.): Lamentaciones para el viernes Santo (Tercera lección - La oración del profeta Jeremías), de Joseph Hector Fiocco; Passio per il Venerdi Santo (Pasión para el Viernes Santo), de Giuseppe Giordani y las Lamentaciones (Lección I para el Viernes Santo), de Estêvão de Brito.Música Selecta (6:00 p.m.): Via Crucis (obra para coro mixto a cuatro voces, solistas y piano, armonio u órgano), de Franz Liszt.Carrusel musical (7:00 p.m.): Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz, de Franz Joseph Haydn y La Pasión de Nuestro Señor Jesucristo, según el evangelio de San Mateo, de Johann Theile.Música antigua y del barroco (9:00 p.m.): Cantata 'Die letzten Leiden des Erlösers' (Los últimos sufrimientos del Salvador), Wq 233, de Carl Philipp Emanuel Bach.Sábado santo, 30 de marzoMúsica a la carta (7:00 a.m.): Sinfonía N° 3, Op. 36 'Sinfonía de las lamentaciones', para soprano y orquesta, de Henryk Górecky y Lamentaciones para el Sábado Santo, de Carlo Gesualdo.Música Selecta (10:00 a.m.): Cantata 'Christ lag in Todesbaden' (Cristo estaba en lazos de muerte), BWV 4, de Johann Sebastian Bach y Sinfonía N° 44 en mi menor 'Fúnebre', de Franz Joseph Haydn.Música Concertante (12:30 p.m.): La Pequeña Misa Solemne, para cuatro voces solistas, coro, piano y armonio, de Gioachino Rossini.Concierto clásico (4:00 p.m.): Misa en Mi bemol mayor, D 950 para solistas, coro mixto y orquesta, de Franz Schubert.Domingo de resurrección, 31 de marzoMúsica para comenzar el día (6:00 a.m.): Oratorio para el día de la ascención 'Alaba a Dios en sus reinos', BWV 11, de Johann Sebastian Bach.Barrocos y clásicos (7:00 a.m.): Historia de la Resurrección, SWV 50, de Heinrich Schütz.Concierto Dominical de la Mañana (8:00 a.m.): La Ascención - Cuatro Meditaciones Sinfónicas para Orquesta, de Olivier Messiaen.Concierto Clásico (10:00 a.m.): Resurrection, Preludio Sinfónico, Op. 4, de Albert Roussel.Carrusel musical (12:00 p.m.): Sinfonía Nº 2 en do menor, 'Resurrección', de Gustav Mahler.Canto y Música coral (9:00 p.m.): La Resurrección y la Ascención de Jesús, de Carl Philipp Emanuel Bach.¿Qué es un oratorio?Un oratorio es una forma de música vocal similar a una ópera, pero que se presenta sin vestuario, escenografía o actuaciones dramáticas. Suele estar compuesto para coro, solistas y orquesta. Los oratorios a menudo se basan en temas religiosos o históricos, y pueden incluir elementos narrativos, como recitativos, arias y coros.A diferencia de la ópera, que se representa en un teatro con actores, disfraces y escenografía, los oratorios se interpretan en concierto, con los cantantes y músicos situados en el escenario o en un púlpito, enfocando la atención en la música y el texto.Uno de los oratorios más famosos es "El Mesías" de Georg Friedrich Händel, que narra la vida de Jesucristo y es una obra fundamental en el repertorio de música coral. Otros compositores famosos de oratorios incluyen a Johann Sebastian Bach, con obras como "La Pasión según San Mateo", y Franz Joseph Haydn, con su "Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz".Esta programación especial será transmitida por la señal en vivo de la HJCK desde el próximo 28 de marzo.
Piotr Ilich Tchaikovsky, uno de los compositores más célebres de la era romántica, dejó una marca indeleble en la historia de la música clásica. Nacido el 7 de mayo de 1840 en Vótkinsk, en el Imperio Ruso, su legado abarca una amplia gama de obras que van desde sinfonías grandiosas hasta obras maestras del ballet. Su música, impregnada de una intensidad emocional sin igual y una habilidad técnica magistral, ha cautivado a audiencias de todo el mundo durante más de un siglo.La vida de TchaikovskyTchaikovsky mostró un talento musical excepcional desde una edad temprana. Su educación musical comenzó en la escuela de jurisprudencia en San Petersburgo, donde estudió música y se graduó como abogado en 1859. Sin embargo, su verdadera pasión siempre fue la música, y en 1863 ingresó en el Conservatorio de San Petersburgo, donde estudió composición con Anton Rubinstein.A pesar de enfrentar numerosos desafíos personales y sociales debido a su orientación sexual, Tchaikovsky perseveró en su carrera musical. Su capacidad para expresar emociones complejas a través de la música lo convirtió en uno de los compositores más influyentes de su tiempo.Algunas obras destacadasSinfonía No. 6 en si menor, Op. 74, "Patética"Esta sinfonía, escrita en los últimos años de la vida de Tchaikovsky, es una obra profundamente emotiva que refleja sus luchas internas y sus sentimientos de melancolía y desesperación. La "Patética" es considerada una de las sinfonías más conmovedoras y poderosas jamás escritas.El CascanuecesEste ballet, compuesto en 1892, es una de las obras más populares y queridas de Tchaikovsky. Con su encantadora música y su cautivadora historia, El Cascanueces ha deleitado a audiencias de todas las edades desde su estreno.Concierto para Piano No. 1 en si bemol menor, Op. 23Este concierto para piano es una obra maestra de virtuosismo y expresión emocional. Con su dramatismo y su brillante escritura para piano, esta obra es una de las más destacadas del repertorio de conciertos para piano.La Bella DurmienteOtro ballet icónico de Tchaikovsky, La Bella Durmiente, es conocido por su música exquisita y su encantadora narrativa. Esta obra maestra del ballet clásico ha sido aclamada por su belleza atemporal y su elegancia.El legado de Tchaikovsky perdura hasta el día de hoy, con su música siendo interpretada en teatros de todo el mundo y su influencia palpable en generaciones posteriores de compositores. Su habilidad para capturar la complejidad de la experiencia humana y transmitirla a través de la música lo sitúa entre los grandes genios de la historia de la música.Piotr Ilich Tchaikovsky falleció el 6 de noviembre de 1893, pero su música sigue viva y continúa inspirando a oyentes y músicos por igual. A través de su obra, Tchaikovsky nos recuerda la capacidad transformadora de la música para conmovernos, inspirarnos y conectarnos con nuestra humanidad más profunda.
El violín, llamado "Il Cannone" (el cañón), era el favorito del célebre violinista y compositor Niccolò Paganini.El músico italiano, oriundo de Génova, lo tocó durante décadas antes de que se convirtiera en propiedad de su ciudad natal tras su muerte en 1840.Actualmente, este instrumento, fabricado por el lutier italiano Giuseppe Bartolomeo Guarneri del Gesù en 1743, solo se saca de vez en cuando para que lo toquen los más virtuosos del mundo.El Laboratorio Europeo de Radiación Sincrotrón (ESRF), centro de investigación que cuenta con un acelerador de partículas en Grenoble -en el sureste de Francia-, escaneó el instrumento hasta la estructura celular de su madera.La idea es crear un modelo 3D del violín, por dentro y por fuera, sobre el cual la gente pueda hacer zoom, hasta una micra, es decir una milésima parte de un milímetro.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."El objetivo principal es la conservación", explicó Paul Tafforeau, del ESRF. "Si alguna vez algún defecto necesita ser reparado, tendremos todos los detalles".Pero también esperan que el "análisis no destructivo" ayude a arrojar algo de luz sobre su bello sonido."Es un instrumento excepcional en términos de sus cualidades sonoras. (...) Con estos datos, esperamos comprender mejor por qué", añadió Tafforeau. El análisis detallado de los rayos X tomará varios meses.Luigi Paolasini, a cargo del proyecto en el ESRF, afirmó que se aseguró el violín por un valor de 30 millones de euros (32 millones de dólares) para viajar de Génova a Grenoble.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El concurso busca fomentar la inclusión de género, equidad y diversidad, por lo que los términos están abiertos a compositoras colombianas residentes dentro y fuera del país, y a extranjeras residentes en Colombia, incluidas las de la comunidad LGTBIQ+ y sin límite de edad.La obra ganadora será seleccionada para ser interpretada por el Coro Nacional de Colombia y debe cumplir con los siguientes requisitos de escritura:• Debe ser una obra coral tipo Suite, con una duración mínima de 10 minutos y máxima de 15 minutos.• Debe incorporar elementos del folclor colombiano, tales como textos, ritmos, aires, temáticas regionales, entre otros.• Debe estar escrita para coro mixto (SATB) de 80 cantantes, con posibilidad de divisis de hasta 3 voces en cada cuerda, y acompañamiento de piano.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.• Debe ser originaria e inédita, sin ser considerada un arreglo musical o versión de una obra ya existente.• Las partituras deben estar editadas digitalmente por un software de edición musical.El plazo de inscripción y entrega de propuestas es desde el 11 de marzo de 2024 al 8 de junio de 2024. Las participantes deben enviar una copia en digital del score de la obra, una breve reseña de esta y una maqueta de audio y/o midi a través del formulario de inscripción proporcionado.El jurado calificador estará compuesto por miembros del comité artístico del Coro Nacional de Colombia y un miembro externo a la ANMS. Los criterios de selección incluyen la creatividad, manejo de estilos compositivos con temáticas regionales, escritura y factibilidad de ejecución, y edición de la partitura.La compositora ganadora recibirá un estímulo económico de 10 millones de pesos m/cte y su obra será estrenada por el Coro Nacional de Colombia dentro de la programación 2024-2025 de la agrupación.Para más detalles sobre los términos y condiciones del concurso, así como para participar, se puede acceder al formulario de inscripción en este enlace.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Con libros y pancartas cientos de miles de estudiantes y ciudadanos de Argentina salieron a las calles de Buenos Aires, y al menos catorce provincias, para exigir el derecho a la educación y protestar frente a los recortes presupuestales a la educación superior del Gobierno presidido por Javier Milei.“Hasta mayo o junio podemos funcionar con muchos recaudos y cuidando el dinero”, dijo Ricardo Gelpi, rector de la Universidad Buenos Aires, una de las más prestigiosas de ese país durante una entrevista en la emisora local Radio Mitre el 29 de marzo.Estas declaraciones se enmarcan en la crisis financiera que vive el sector de la educación superior argentina tras el anuncio del Gobierno en el que les asignó el mismo presupuesto que en 2023.Aunque no suene una medida “extrema”, si se tiene en cuenta la inflación de ese país, el anuncio significa una reducción de más del 60 % en el presupuesto de las universidades públicas del país.Las calles de Buenos Aires al unísono de "La UBA no se vende, la UBA se defiende" nos recuerda parte de la historia del país de Mercedes Sosa. Episodios oscuros de violencia y represión que marcaron a la Argentina, como la dictadura militar que se instauró en 1976, rememoran el poder que ha tenido el arte y la música para resistir, antes, frente a la violencia estatal, violencia física y ahora, frente al riesgo que se manifiesta en medidas políticas.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En enero de este año, se dio a conocer una carta titulada “La cultura está en peligro”, en la que Charly García, Fito Páez, León Gieco, Cecilia Roth, Claudia Piñeiro y Leonardo Sbaraglia y más de 20.000 argentinos rechazan las reformas en el sector cultural impulsadas por Milei, otro de los sectores afectados por su política presupuestal de “motosierra”."La cultura es identidad. La cultura es lo único que no se puede importar. La hacen los pueblos. Queremos seguir teniendo una identidad propia como Nación. De otro modo solo nos quedará el destino triste de no ser. De eso se trata esta lucha. Un país es tan grande o tan pequeño como la medida de su proyecto cultural", se lee en la misiva.Ese pedido por preservar su identidad a través de la cultura, de hacer memoria y de ser también lo han manifestado en su arte y en sus canciones. Piero, María Elena Walsh y Charly García son solo algunos de los artistas que han entregado mensajes que se oponen a la violencia y represión, que recuerdan su historia y que la gente ha adoptado como suyas. Sus letras son himnos a través de los que Argentina ha construido una memoria colectiva, estas son algunas de las más representativas.“Como la cigarra” (1973), María Elena WalshEsta obra es una de las canciones más icónicas de la reconocida compositora, escritora y cantante argentina María Elena Walsh. Su letra está cargada de metáforas poéticas que hablan sobre la fuerza del espíritu humano y la capacidad de renacer a pesar de las adversidades.Pese a que fue publicada en 1973, no fue popular de inmediato, durante la dictadura militar argentina fue prohibida y a la par que la represión crecía, el significado de esta canción cambiaba para representar la situación del país. Walsh fue exiliada, al igual que Mercedes Sosa, quien la grabó en 1978, convirtiéndola en un himno.“Para el pueblo lo que es del pueblo” (1973), PieroLa letra de está canción es una crítica a la injusticia social, la opresión y la desigualdad. Piero habla de la pobreza, la represión política y la lucha de clases, instando a la población a levantarse contra la injusticia y reclamar lo que legítimamente les pertenece. Al igual que el álbum homónimo del que hace parte, fue prohibido durante la dictadura militar, y al igual que muchos artistas, tuvo que exiliarse. Solo hasta 1983, cuando regresó la democracia a Argentina, el disco fue reeditado.“Los dinosaurios” (1983), Charly GarcíaUna metáfora, en los años en los que Argentina vivió los últimos días oscuros de la dictadura militar, García hablaba de la desaparición de los dinosaurios, también de la desaparición de seres queridos, de los amigos del barrio o de los cantores de radio. Todo está dicho.“Sobreviviendo” (1984), Victor HerediaLa letra de esta canción relata la experiencia de un pueblo que ha sufrido la opresión y la violencia, pero que aún así encuentra la fuerza para resistir y seguir adelante. La canción es un testimonio de la lucha y la perseverancia del pueblo argentino en tiempos de adversidad, y al igual que varias de las canciones de esta lista, solo pudo ver la luz una vez terminaron los años de censura.“Nunca más” (2005), Teresa ParodiLa necesidad de seguir alzando la voz y manifestarse, en la calles, en la academia, o en la música la manifestó acertadamente Teresa Parodi, cantante y la primera ministra de Cultura de Argentina en una entrevista con el medio uruguayo Brecha, en octubre de 2023:“Quizás nosotros nos creímos que había cosas sobre las que ya no había necesidad de seguir hablando. Es muy ahora lo que nos pasa como para pensarlo en perspectiva, y quizás tenga que pasar un poco de tiempo para mirar más de lejos esta situación, pero creo que tiene que ver con que, a lo mejor, dejamos de repetir algunas cosas. Que existieron las torturas, los centros clandestinos. Que la democracia, si bien tiene 40 años, es algo nuevo. Y aunque estén las madres y las abuelas, aunque aparezcan los nietos recuperados, la militancia no debe parar nunca”.“Desapariciones” (1992), Los Fabulosos CadillacsQue alguien me diga si ha visto a mi hijoEs estudiante de pre medicinaSe llama Agustín y es un buen muchachoA veces es terco cuando opinaLo han detenido, no sé qué fuerzaPantalón blanco, camisa a rayasPasó anteayerEn 1984 Rubén Blades presentó Desapariciones, una canción habla del dolor de los secuestros, las desapariciones y los asesinatos extrajudiciales que aún hoy siguen siendo una realidad de muchos de los países sudamericanos.Caso tras caso, la letra de esta canción habla del dolor de las personas buscadoras, y en la voz de Vicentico y los Fabulosos Cadillacs, quienes hicieron su versión en 1992, nos remonta a la lucha incansable de las Madres de Plaza de Mayo por recuperar a los desaparecidos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este martes, 23 de abril, miles de personas de toda Argentina salieron a las calles a marchar por la propuesta de reducir el presupuesto para la educación superior pública en el país. El presidente Javier Milei desea implantar la política de la “motosierra” para reducir la participación del Estado en áreas públicas, como la educación, para estabilizar la economía argentina.El presupuesto destinado para la educación será el mismo del 2023 son contar que Argentina tiene una inflación del 290%, esto implica reducir costos en salarios, despido de funcionarios y afectaciones en la calidad de la educación.“ ‘Vamos a tener que dejar de funcionar’, dijo a una emisora local Ricardo Gelpi, el rector de la Universidad de Buenos Aires (UBA), la institución pública que cuenta con más de 300.000 alumnos y que está catalogada entre las mejores de América Latina”, según la BBC.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Según el rector ese recorte de presupuesto tendría repercusiones en los salarios, en la calidad de la educación y en los cinco hospitales que están bajo el cargo de la Universidad de Buenos Aires."Al ritmo al que nos están dando dinero, solo podremos funcionar entre dos y tres meses", aseguró el rector de la Universidad de Buenos Aires (UBA), a la agencia AFP. En Argentina, alrededor de 2,2 millones de jóvenes estudian en universidades públicas como la de Buenos Aires, la Universidad de La Plata o la Universidad Nacional de Rosario.El estudiante Pablo Vicenti, de 22 años y en tercer año de Medicina en la UBA, se dijo indignado por "el ataque brutal del gobierno" a la universidad pública. "Quieren desfinanciarla con un cuento falso de que no hay plata. Sí tienen, pero eligen no gastarla en la educación pública", declaró a la AFP.El rector de la Universidad Nacional de San Luis, Víctor Moriñigo le mencionó lo siguiente a la AFP: "de las cuatro categorías docentes, tres han caído bajo la línea de pobreza", al dar cuenta de una escala salarial docente cuyo piso es de 100.000 pesos mensuales (112 dólares).Portavoces de la Universidad de Buenos Aires anunciaron que el martes se reunió medio millón de personas en la capital argentina para exigir una educación pública digna para toda la comunidad educativa.El presidente Javier Milei anunció en la red social X que no cerrarán las universidades y proclamó una carta en contra de la oposición que salió a marchar el día martes: “En ningún momento el gobierno nacional insinuó la intención de cerrar las universidades nacionales. Lejos de eso, ya el día anterior a la manifestación de ayer estaban hechos los giros de recursos para los gastos de funcionamiento de todas las universidades nacionales. Pero como la clase política no deja pasar ninguna oportunidad para defender sus privilegios, montaron sobre una consigna justa un acto netamente político de oposición al gobierno”.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Luego del reciente anuncio de la gira de conciertos de Coldplay por toda Europa, la Fundación 1+1 y la Orquesta Filarmónica de Medellín se unen en una noche de color, amigos y britpop para cantar los grandes éxitos de la banda británica en tributo sinfónico. Esta será una oportunidad de vivir la música de Coldplay en una nueva experiencia, un viaje sonoro y emocional.En Coldplay tributo sinfónico se escucharán canciones como A sky full of stars, Clocks, Viva la vida y The scientist, entre otros grandes éxitos, este evento presenta en escena a más de 100 músicos de la Orquesta Filarmónica de Medellín y la Banda 1+1. Cuenta con arreglos musicales de Julio César Sierra y Juan David Osorio, director del concierto.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“...se tributará a una banda icónica que sigue vigente en la actualidad, que ha marcado un camino, no sólo sonoro, sino también con su postura social y ambiental. Además del poderoso sonido de Filarmed, vamos a tener la participación de la Banda 1+1 integrada por artistas colombianos con voces y talentos impresionantes”, menciona Juan David Osorio, director de la banda. La Orquesta estará acompañada por la Banda 1+1, integrada por los cantantes Alejandro Cuevas, Carlos Andrés Agudelo y Eliana Piedrahíta; los guitarristas Pablo Castaño y David Escobar; el baterista Diego Vásquez, el bajista David Sánchez y en el teclado Cristian Hernández y Adelaida Oesch.El concierto será el próximo sábado 27 de abril a las 8:00 p.m. en el Teatro Metropolitano de Medellín, la boletería se divide en $107.000 y $154.000 y están disponibles en tuboleta.com y taquilla del Teatro. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Una banda y un artista que han marcado el nuevo tropicalismo latinoamericano de los últimos 20 años. Cultura Profética y Vicente García compartirán tarima el próximo 14 de diciembre en el Movistar Arena de Bogotá. Cultura Profética y Vicente García se han consolidado como dos de los actos favoritos del público bogotano y su concierto en conjunto será un encuentro definitivo con el destino, una muestra de fanatismo y romanticismo tropical como ninguna en 2024.“Mi balcón” fue esa primera colaboración entre Cultura Profética y Vicente García, una canción que en 2011 nos mostró la química musical entre el cuarteto puertorriqueños y el cantautor dominicano. Trece años después, se encontrarán, en vivo, en un único concierto para celebrar las canciones, los momentos sonoros y las voces de dos monstruos latinoamericanos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La dulzura y Camino al sol, que ganó el Latin Grammy 2023 a Mejor Álbum Folklórico, son los últimos discos de estos artistas.“Nos emociona confirmar el show de una de las bandas de reggae más importantes de Latinoamérica. Una vez más, gracias a Experiencias Aval, los clientes de los bancos Aval y dale! podrán acceder a la preventa exclusiva pagando con sus tarjetas débito y crédito.” expresó María Fernanda Sánchez, Gerente de Mercadeo & ESG de Grupo Aval en un comunicado.La venta para el público general está abierta desde el 24 de abril a las 10:00 a.m., a través de TuBoleta.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Filarmónica de Viena anunció este miércoles que el director alemán Christian Thielemann ha sido reconocido como "miembro de honor" por su vinculación con la orquesta desde hace 24 años.Thielemann ha dirigido el prestigioso concierto de Año Nuevo en dos ocasiones, 2019 y 2024, y ha sido una presencia constante en los últimos años tanto en los conciertos de los filarmónicos en el Musikverein como en el Festival de Salzburgo, además de liderar giras por Japón, China, Europa y Estados Unidos."Christian Thielemann nos ha acompañado durante muchos años en una profunda colaboración artística, especialmente destacada en el repertorio sinfónico", señaló Daniel Froschauer, presidente de la Filarmónica, en un comunicado."Es uno de los directores que más se identifica con nuestra orquesta", agregó Froschauer.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Con Thielemann, la orquesta grabó varias sinfonías de Beethoven y, durante la pandemia, inició el trabajo en estudio para un ciclo de sinfonías del compositor austríaco Anton Bruckner.En 2024, coincidiendo con el 200 aniversario de Anton Bruckner, se lanzó por primera vez en la historia de la orquesta el ciclo completo de 11 sinfonías del compositor.Thielemann es uno de los directores de orquesta más importantes de la actualidad. Desde 2012 ha sido director musical de la Staatskapelle de Dresden, cargo que también tuvo en el Festival de Bayreuth de 2015 a 2020.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.