La historia de Romeo y Julieta, escrita por William Shakespeare en 1597, es una de las más conocidas en el mundo. El mito del amor eterno ha llegado a cada rincón del mundo y también se ha convertido en una fuente de turismo, por ejemplo, en Verona se abrió un museo recreando la casa de los Capuleto y el emblemático balcón donde Julieta le confesó su amor al enemigo de su familia.Así como el balcón, también se hizo una estatua en honor a la romántica Julieta, obra que se volvió blanco del turismo en la ciudad de Verona. El mito popular dice que si se le toca el pecho derecho a Julieta vendrá buena fortuna.Julieta sostiene suavemente su vestido con su mano derecha, su izquierda reposa sobre su pecho, su cara parece tener una expresión de seriedad y un semblante sereno, sin embargo, su cuerpo está manchado con huellas viajeras de todo el mundo que buscan fortuna incierta.Los turistas llegan de todos los mundos buscando desesperadamente el pecho deslumbrante que les traerá riqueza, nadie se acerca con amabilidad o compasión, todos esperan su turno para tocar el bronce frío de color dorado que demuestra tanto tacto oscuro y sediento de poder.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Nereo Constantini creó la estatua de Julieta en 1969, desde ese momento se convirtió en atracción turística y por miedo al desgaste fue reemplazada por una réplica en 2014. El toqueteo y las ganas de suerte han llevado a que un agujero sobresalga del pecho derecho de la escultura, pareciendo el recuerdo de una flecha.A lo largo de los años el mito de la riqueza se fue desplazando por los visitantes de Verona, en Italia, convirtiéndose en una tradición obligatoria para todo el que visite la ciudad. La premisa es tocarle el pecho derecho a Julieta para tener buena suerte, tocarle el pecho derecho, tocarle el pecho, tocar…Por esto me pregunto, ¿el cuerpo femenino está destinado al tacto frío de quien busca fortuna o saciar el deseo? ¿por qué nadie le tiene compasión a la Julieta que lleva más de setenta años siendo tocada? Todo es deseo y ambición. ¿qué hubiera sentido la Julieta de carne y hueso? ¿qué sentimos nosotras ante el toque sin consentimiento? Rabia, solo rabia.El museo Casa de Julieta, donde se encuentra la estatua, también tiene un buzón donde los visitantes dejan sus cartas de amor confesando el sentimiento de algo maravilloso o algo que nunca sucedió. Los turistas le escriben a Julieta esperando una señal, una respuesta del destino que ayude a solucionar el problema amoroso. Decidí escribirle una carta a la propia Julieta, para ella, para su espíritu que puede reposar en ese cuerpo sellado de bronce.Querida Julieta,Me enteré que el tacto amargo te abrió el pecho, las manos extrañas que se posaban sobre tu seno destaparon la llaga del dolor. El hueco minúsculo sangra oro invisible cada que te tocan, la risa y la cámara son protagonistas de tu dolor y tu semblante queda petrificado por la cárcel de bronce.Veo tus lágrimas, mi Julieta, las mismas que derramaste al no poder estar con tu amor verdadero. La compasión de la humanidad se ha opacado por la fuerza de la ambición, tú solo eres una de las maneras que la gente busca para imaginar una vida de riquezas. Siento profundamente el dolor de tu cuerpo inmovil, tan frágil por dentro y como roca por fuera, así como el de muchas de nosotras. Las huellas se han marcado sobre tu vestido dorado, así como las marcas indeseadas sobre nuestro pecho, se han vuelto imborrables a nuestra memoria, permanecen intactas desde el comienzo de los tiempos.Tantas manos extrañas que buscan los senos firmes de bronce (¿o de carne?), tantos que quieren probar la fortuna de tu pecho sin mirarte a los ojos con compasión. Tantos que buscan riqueza sin saber que se te puede salir el corazón, el órgano vital explotado de dolor, de rabia.Julieta, cuánto daría yo por no permitir que nadie te toque (que nadie nos toque), quiero pararme a tu lado y sentir el miedo de la mano extraña acercándose, quiero mirarte a la cara y pedirte perdón por difamar tu cuerpo sagrado, ver en ti a mi madre, a mi hermana, a mis amigas, vernos a todas como tú, expuestas a este mundo hostil y cruel que nos pone los ojos y las manos sobre los pechos.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Durante los últimos diez años hemos empezado a tener una buena conversación pública sobre el racismo estructural, pero no estamos hablando del clasismo. Durante generaciones, haber pertenecido a una familia de clase trabajadora ha significado tener limitaciones de oportunidades y de educación, pero en Estados Unidos no hablamos sobre clase porque se supone que somos la sociedad sin clases, lo que es una gran mentira", afirmó Kingsolver en una entrevista concedida a EFE con motivo de la edición en castellano de su último libro.'Demon Copperhead' (editado en castellano y catalán por Navona), pretende iniciar esta conversación a través de la historia de Demon, un chico de la región de los Apalaches, de donde Kingsolver también es originaria, a quien la crisis de los opiáceos deja huérfano y cuya vida está atravesada por la pobreza, la adicción y el fracaso institucional, pero que consigue sobrevivir y convertir este relato en lo que la autora define como "el viaje de un héroe"."Mi trabajo como apalache es hablar con una voz auténtica sobre mi región, de nuestros problemas y de cómo han sido creados a través de generaciones de explotación, pero también sobre lo que tenemos de bueno", explicó la escritora, que lamenta que sólo se les conozca como "un hazmerreír o a través de documentales sobre pobreza", pero que revindica su relación con la naturaleza y su "sentimiento de comunidad".Kingsolver también tenía el objetivo de mostrar el impacto de la epidemia de los opiáceos en los habitantes de estas zonas, donde asegura que cada comunidad que conoce "ha sido dañada de alguna manera", especialmente en el caso de los niños: "se conoce la historia de los grandes actores, pero me preocupaba que la gente pensase que se ha hecho justicia. Los huérfanos de esta crisis viven con un trauma que los afectará durante toda su vida".La América abandonadaEsta crisis le sirvió como "punto de partida" para hablar de la "pobreza institucional heredada" de las regiones rurales de Norteamérica, donde los servicios públicos y la infraestructura están muy "atrasados" en comparación con los de las zonas urbanas, algo que les hace sentir "abandonados por el gobierno".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En el caso de los Apalaches, la autora sitúa el origen de esta desigualdad en las compañías dedicadas al carbón, que, en sus palabras, "nos percibían como una colonia interna de Estados Unidos, organizando nuestras estructuras para mantenernos cautivos y pobres"."Somos una cultura de personas que se supone que debemos cuidar de nosotros mismos, ese es el sueño americano, y el mito es que todos podemos hacerlo si trabajamos lo suficiente, que todos partimos de un lugar de igualdad", explica Kingsolver, que opina que la solución "no es exigir que la gente vaya a vivir a otro lugar", sino "entender que la pobreza se hereda y que es necesaria la redistribución de oportunidades".Con las elecciones presidenciales en el horizonte, la autora reflexiona sobre las consecuencias políticas de este desencanto: "entiendo por qué mis vecinos van a votar a Trump y creo que es muy probable que gane, y es porque la mitad del país está tan cansada de que el gobierno les ignore que están dispuestos a que este tipo haga estallar el sistema".De 'David Copperfield' a 'Demon Copperhead'Para escribir esta novela, Kingsolver trabajó "codo con codo" con Charles Dickens y su novela 'David Copperfield' (1850), la obra que le "abrió la puerta" a poder contar esta historia, que inspiró su título y que tuvo siempre cerca durante los tres años que dedicó a la redacción del libro."Tuve un momento de inspiración y vi que podía usar 'David Copperfield' como modelo porque Dickens escribió sobre la misma pobreza estructural, los huérfanos y los niños despreciados por la sociedad", recuerda la autora.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Han pasado 71 años desde que el escritor y periodista británico Ian Fleming le dio vida al agente secreto 007 del MI6 en sus novelas. Carismático, elegante y sagaz, James Bond ha sido un personaje icónico que luego de la literatura se ha tomado las grandes pantallas por más de 60 años.Caracterizado por tener sofisticadas herramientas tecnológicas, autos deportivos, un sinfín de misiones que comprometen la seguridad de un país o del mundo, el universo de Jamen Bond ha dado lugar a una larga tradición de películas, 27, para ser exactos.Desde la primera aparición, en 1962, del actor británico Sean Connery como el agente 007 en la película Dr. No, el estilo de vestir, la forma de hablar y la actitud despreocupada frente al peligro se convirtieron en un sello del personaje, independientemente del actor que lo encarnara.La interpretación de Connery a lo largo de seis películas de Bond, entre 1962 y 1971, marcó el éxito de esta franquicia y dejó una marca indeleble en la cultura popular. Su papel, aún hoy en día, sigue siendo el estándar de comparación y de calidad con el que se referencian las actuaciones de los actores que posteriormente dieron vida al 007.Después de Dr. No, Connery protagonizó Desde Rusia con amor (1963), considerada como la mejor de la franquicia; 007 contra Goldfinger (1964), Operación Trueno (1965) y Sólo se vive dos veces (1967). Con esta última, y tras una serie de desencuentros con la producción, el actor empezó a tomar distancia del personaje.Sin embargo, protagonizó dos películas más: Los diamantes son eternos, en 1971. Connery, tratando de evitar que su carrera quedara encasillada al personaje del agente, dijo en ese entonces que “nunca” volvería a realizar películas de Bond. Contra todo pronóstico, en 1983, retomó por una última vez el personaje en la película, paradójicamente llamada Nunca digas nunca jamás.Durante los años de ausencia de Connery, dos actores encarnaron al agente británico. En una única película, el australiano George Robert Lazenby lo personificó en Al servicio secreto de su majestad de 1969.Luego, entre 1973 y 1985, el británico Roger George Moore realizó siete películas como James Bond, convirtiéndose en el actor que más veces ha personificado al 007. La primera película con este actor fue Vive y deja morir en 1973, un año más tarde protagonizó El hombre del revólver de oro y en 1977 llegó La espía que me amó, la que es considerada la mejor película del agente en la era de Moore.En un esfuerzo por mantener vigente al personaje y que no pierda popularidad, de acuerdo con la época, en 1979 se estrenó Moonraker: 007 misión espacial, una historia en la que James Bond tuvo que viajar al espacio.Aunque parezca extraño, esta aventura intergaláctica surgió en un contexto en el que la tendencia en el cine era la ciencia ficción y las historias espaciales, como Star wars: episodio IV (1977), Encuentros cercanos del tercer tipo (1977), Capricornio uno (1978), o Alien: el octavo pasajero que se estrenó el mismo año que Moonraker.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.De regreso en la Tierra, el también británico Timothy Dalton continuó con las aventuras de Bond a finales de la década de los ochenta. En 1987 le devolvió al personaje un tono más serio y humano, evitando el tono más descomplicado e incluso humorístico que le llegó a dar Moore, en 007: su nombre es peligro. Con un tono todavía más oscuro, en 1989, se estrenó Licencia para matar, en la que el personaje busca venganza por la muerte de un compañero.Con el avance de la tecnología, entre 1995 y 2002 el irlándes Pierce Brosnan protagonizó cuatro películas de la franquicia Bond que se destacaron por el uso de efectos especiales y el aumento de las escenas de acción.GoldenEye, marcó el regreso del mítico personaje después de una pausa de seis años sin películas de James Bond, hasta ahora el mayor lapso sin nuevas entregas. A Brosnan se le atribuye darle al personaje el equilibrio entre la acción intensa y el humor ligero. Las películas El mañana nunca muere (1997), 007: el mundo no basta (1999) y Otro día para morir (2002) completaron la franquicia.El sexto y más reciente actor en protagonizar a Bond fue Daniel Craig, que marcó un nuevo inicio para la franquicia. Hasta 2002, la historia de Bond estuvo enmarcada en aventuras aisladas, y sólo en las primera películas se contó el origen del agente. Es decir, todas las películas mencionadas hasta ahora puede verlas en cualquier orden, cada una es una aventura particular del 007 que no repercute o trae consecuencias para las entregas posteriores.Con la saga de Craig, se reinicia la historia. Además, para darle sentido a la historia, conectar referencias y entender las consecuencias de misiones pasadas es necesario verlas en orden. La interpretación de Craig, que inició con Casino Royale, en 2006, muestra un enfoque más humano y sensible del personaje, incluso más vulnerable, que continuó en Quantum of Solace (2008).Skyfall, estrenada en 2012 es la película más famosa de este ciclo, pues marcó la celebración del aniversario número 50 de la franquicia. Desde ese año se conmemora el Día Internacional de James Bond cada 5 de octubre, misma fecha en que se estrenó la primera película en 1962.La cuarta entrega, Spectre (2015) recibe su nombre por la organización secreta que el espía debe combatir. Finalmente llegamos a No Time to Die, con la que Craig, de forma emotiva, se despidió del personaje.Con la participación siempre de talentosas actrices que interpretaron a la “chica Bond”, como Diana Rigg, Halle Berry, Eva Green o Ana de Armas, la franquicia de James Bond ha hecho parte de la cultura popular por lo mencionado anteriormente y también por la banda sonora que la acompaña.La música de las películas, especialmente el tema principal compuesto por Monty Norman y luego interpretado por artistas como Shirley Bassey, Paul McCartney y Adele, ha sido icónica.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"No hay compañía que se anime a llevarla a escena ni público que lo tolere (...), los espectadores enseguida se levantarían indignados e impedirían que continuara la representación".Fue con estas palabras que, tres años antes de ser fusilado al inicio de la Guerra Civil Española, Lorca (1898-1936) se refirió a la posibilidad de representar una de las tres obras que nunca llevaría a escena. El mundo no estaba preparado.Un poema para silbarlo"No es una obra para representarse; es ¡un poema para silbarlo!", dijo el granadino sobre el drama de cinco cuadros que el elenco de la Comedia Nacional de Montevideo representará con una versión adaptada por su director, Gabriel Calderón, y dirigida por la escenógrafa Marta Pazos."Siempre que haces una obra entraña un misterio a resolver, pero es que esta es ya triple salto mortal", confiesa la española a la que Calderón contactó motivado por su puesta de la inacabada 'Comedia sin título' con el Centro Dramático Nacional en el Teatro María Guerrero de Madrid en 2021.Es que, hermanada con esta y con 'Así que pasen cinco años' como parte de la "trilogía del teatro imposible", 'El público' suponía, para el uruguayo, enfrentarse a la obra "más difícil", "onírica", "desafiante", "loca", "poética", "imposible" e "irrepresentable" de Lorca."La idea de hacer 'El público', de hacer Lorca, es por la propia tradición de la Comedia Nacional, que tuvo como gran directora fundacional a Margarita Xirgu, que realizó varios Lorca por primera vez (...) en Latinoamérica en la Comedia", remarca Calderón, quien aclara que no se buscó "refundar" sino "recuperar" un fuerte vínculo con Lorca que se había "diluido" en la compañía.Con el toque "mágico" de poder hacer un guiño a sus orígenes en el año que también marca el 90 aniversario de la única visita de Lorca a Uruguay, el estreno de este jueves está empapado de expectativas; Pazos y Calderón enfatizan que la obra no estará completa sin aquello que le da nombre: el público.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Quitarse la máscara"Creo que la dificultad mayor que trae es intentar entenderla, porque no es una obra escrita para entender, es una obra escrita para que te atraviese, para sentir, para vivir una experiencia", subraya Pazos, quien dice que la pieza "exige" tanto al espectador como a quienes la realizan "nadar en esas aguas oscuras también"."Si el público viene simplemente a participar, a entender y aplaudir, la obra no va a estar realizada, tiene que hacer justamente un ejercicio revolucionario como el que Federico propone, venir con el ánima, dispuesto a vivir un momento de encuentro poético con un artista", remarca Calderón.Consciente del desafío de montar una obra que "aboga por un teatro que vaya a la entraña" y que "permite a los artistas y al público quitarse la máscara", la española, que reconoce en el color su sello artístico, adelanta que la plástica escénica también seguirá esa línea.Homoerótica y vigenteEscrita en suelo americano, pues sus borradores surgieron en Nueva York, la obra es "un puzle muy complejo, de muchísimas piezas" que Pazos enmarca en un momento creativo en que Lorca buscaba "una nueva piel" y que, dice, hoy mantiene absoluta vigencia."Es la gran obra del siglo XX sobre el homoerotismo y la imposibilidad de amar a un igual y todavía hoy están matando a personas por amar a personas del mismo sexo, del mismo género, entonces es absolutamente vigente trasladar esta problemática y ver que hace casi 100 años mataron a una persona por escribir esto", resalta.Encargado de adaptar el castellano del texto lorquiano al habla del público uruguayo actual, un desafío que, confiesa, le resultó apasionante, Calderón coincide y añade que "en la adaptación siempre se corre el peligro de tratar de explicar" pero es clave "mantener el misterio, la poesía y el interés".En cartel hasta el 21 de abril enmarcada en una temporada 2024 denominada "Otros mundos", Calderón adelanta por último que hay un desafiante plan en proceso para llevar la versión al Teatro Lliure de Barcelona, posiblemente a comienzos de 2025 que "en la confirmación del deseo ya está firmado" pero resta "afinar".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Imagínatelo: Tienes 17 años y nunca has salido de casa. Tu padre y tu tío son comerciantes y han estado ausentes toda tu vida. Acaba de volver a casa y ya preparan el próximo viaje, al que esta vez tú los acompañarás. Será un recorrido de miles de kilómetros, que durará 24 años.Nacido en Venecia en 1254, Marco Polo recorrió la Ruta de la Seda, una ruta comercial medieval que conectaba Europa con Asia, entre 1271 y 1295.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.Al regresar a Italia, Polo colaboró con el escritor Rustichello da Pisa para escribir la crónica de su viaje. El libro, titulado Il Milione (El millón), conocido en español como Los viajes de Marco Polo, se convirtió en un éxito. Fue traducido a muchos idiomas y leído por todas las personas alfabetizadas de la época. Se dice que Cristóbal Colón llevaba consigo un ejemplar.Un relato que "escandalizó" a los europeosPolo no fue el primer europeo que viajó a la China medieval, tampoco el primero que lo documentó. Según Hyunhee Park, profesora de Historia de la City University of New York, ya en los siglos IX y X los viajeros musulmanes documentaban sus viajes a China.Pero en una época en la que Europa estaba encerrada en sí misma, Polo fue el primer europeo en llevar información sobre China a la sociedad. Lo que dijo sobre el país asiático no encajó con las expectativas europeas.Polo describió el Imperio Mongol como una gran civilización con grandes ciudades, explica Park: "Muchos europeos se escandalizaron. Incluso le tacharon de mentiroso".Las descripciones de Polo se desviaban de las convenciones utilizadas por otros occidentales que informaban sobre tierras no europeas, explica Margaret Kim, profesora de la National Tsing Hua University de Taiwán. Kim también cuenta que, a diferencia de Polo, muchos viajeros europeos transmitían lecciones morales y doctrinas religiosas al escribir sobre el extranjero. Marco Polo, no. Es un escritor secular.La "mirada imperial"Por otro lado, el punto de vista empleado por Polo lo diferencia de otros relatos de viajes de europeos, que estaban impulsados por un espíritu de conquista y superioridad.Zhang Longxi, profesor de la Academia Yenching en la Universidad de Pekín, explica que las futuras descripciones de China tacharían el país asiático de "atrasado" y "estancado", lejos de la "grandeza" europea.En China, Polo se convirtió en una figura muy respetada en la corte de Khan. Aunque su cargo exacto sigue siendo objeto de debate, existe consenso en que era un destacado funcionario con responsabilidades diplomáticas. Por tanto, no contempló el imperio mongol como un extranjero, sino como un miembro más.Según Kim, al pasar tantos años de su formación en Asia, Polo desarrolló una forma de pensar que no puede calificarse como occidental. Sin embargo, el ilustre viajero si tenía lo que Kim llama, una 'mirada imperial'. ¨Para él, el mundo estaba dividido entre pueblos más o menos civilizados. De modo que, para Marco Polo, o eras muy civilizado o poco civilizado o un salvaje".Y para él, tal como señala Kim, el centro de la civilización no era el que los europeos esperaban, sino el Imperio Mongol de Kublai Khan.Los múltiples viajes de Marco PoloEl hecho de que no exista un único manuscrito oficial y los debates sobre el rol que cumplió Rustichello en la producción del libro, ha originado diferentes opiniones de los historiadores sobre su contenido.Las omisiones de información esperada sobre China y la supuesta falta de fuentes que la corroboraran también llevaron a algunos historiadores, como la destacada sinóloga Frances Wood, a cuestionar la autenticidad de las observaciones de Polo.Hoy los historiadores suelen coincidir en que las principales observaciones de Polo son reales.Marco Polo, un personaje actualHoy, 700 años después de su muerte, Marco Polo sigue siendo un personaje muy conocido, incluso para los no eruditos.Para Kim, Polo demuestra que el mundo contiene cosas que van más allá de lo que imaginamos y que esto nos puede inquietar y perturbar, pero que podemos adaptarnos a ello. Por lo tanto, la 'mirada imperial' no es propia de ninguna cultura o civilización.Según Zhang, "Marco Polo ofrece un modelo alternativo de encuentros e interrelaciones entre Oriente y Occidente muy valioso para nosotros en el mundo actual. Es un modelo de entendimiento mutuo y cooperación, en lugar de rivalidad feroz y conflicto".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Acompañada por sus editoras de Alfaguara y Angle, María Fasce y Rosa Rey, respectivamente, en su primera visita a España, la novelista habló este lunes en Barcelona de la novela que ahora se publica en castellano y catalán, 'McGlue', la primera que escribió y que en Estados Unidos se editó en 2014.En rueda de prensa, abordó cuestiones como que cuando hay "algo de potente en el lenguaje, incluso algo que provoque asco o incomodidad, la relación del lector con el texto se vuelve más personal, aunque el sentimiento no sea positivo". "Es una relación que se vuelve más interesante", apostilló.Justamente, de 'McGlue' la editorial destaca que se trata de una obra a medio camino entre un cuento de piratas y un western, que huele a "vómito, sangre, pólvora y whisky", que transcurre en 1851, protagonizada por un marinero rudo y tramposo, siempre en estado de embriaguez, que es posible que haya matado a su mejor amigo.Empezó a pergeñar esta historia en 2009, aunque al terminarla la tuvo unos años en un cajón, después de leer una noticia en un diario de Nueva Inglaterra de mediados del siglo XIX sobre el marinero McGlue, absuelto de un delito de asesinato en el puerto de Zanzíbar, al estar en un estado inconsciente de borrachera en el momento de apuñalar a su mejor amigo.Si mira hacia atrás, la escritora dice estar contenta de haber asumido, en su treintena, un proyecto "tan difícil para una primera novela", siempre preocupada por el lenguaje y la voz, sintiéndose en ese caso como una médium de aquel marinero.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Una novela exigente"Es una novela exigente, un reto para el lector medio, quizá sea esta la belleza y la originalidad de la obra. Tienes que dejarte arrastrar por ella, no intentar ni interpretarla ni entenderla. Es un poco como una pieza musical", argumentó.Sobre el actuar como una médium, tenía que entrar en la cabeza de McGlue y que él hablara. "Mis procesos de escritura no son siempre así -confesó- pero él era un hombre que había vivido y muerto con una historia interesante y era así como tenía que hablar a través mío".A la vez, necesitaba trabajar sin ideas preconcebidas, más allá de los hechos narrados en el artículo de 1851. "Lo que descubrí al final de la novela es que, en realidad, estaba escribiendo una historia de amor, la historia de un personaje reprimido por sus recuerdos. Alguien que llega a matar al hombre que quiere", precisó.Como en otros libros suyos, desde el que la hizo mundialmente conocida, 'Mi año de descanso y relajación', a 'La muerte en sus manos' o 'Lapvona', ya trataba sobre lo que significa existir, sobre tener un "alma atrapada en un cuerpo".Nacida en Boston en 1981, hija de padre iraní y madre croata, dice no tener la experiencia de un emigrante de primera generación, ni se identifica como emigrante.Sus progenitores le hablaron siempre en inglés y ella, mirando de pequeña mucha televisión y escuchando mucha música, se ha interesado más por la cultura estadounidense que por la de los países de origen de sus padres.La autora se encuentra escribiendo una nueva novela, ambientada en los años noventa y con un adolescente de protagonista.Aunque no sabe todavía hacia dónde derivará la historia, tiene claro que este joven será alejado de su padre durante un año por un juez. "Creo que irá sobre la inmadurez respecto a la relación con los padres, que hace que siempre seamos criaturas", agregó.Además, trabaja en la adaptación al cine de algunas novelas suyas, algo "liberador", porque no se trata tanto de duplicar la obra, sino de "reproducirla en un nuevo lenguaje, concentrándote más en la trama y los personajes que en los elementos más estéticos de la escritura".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Agatha Christie, nacida el 15 de septiembre de 1890 en Torquay, Devon, Inglaterra, es reconocida como una de las autoras más destacadas en la historia de la literatura criminal. Conocida como "La Reina del Crimen", sus ingeniosas tramas y personajes cautivaron a millones de lectores en todo el mundo.La infancia de Christie estuvo marcada por una rica imaginación y una profunda curiosidad por el comportamiento humano. Estas cualidades se reflejarían más tarde en su habilidad para crear complejos rompecabezas de misterio. Su interés por la escritura se desarrolló desde una edad temprana, y su primer relato, escrito a los once años, ya mostraba destellos de su talento por la narrativa.Después de una breve educación en casa, Agatha asistió a una serie de escuelas, donde adquirió conocimientos que luego utilizaría en sus obras. Además, su trabajo como enfermera durante la Primera Guerra Mundial le brindó una comprensión más profunda de la psicología humana y del crimen, aspectos que se reflejarían en sus novelas futuras.El Estilo de Agatha ChristieLa escritura de Christie se caracteriza por su precisión, su capacidad para desarrollar intrincadas tramas y su habilidad para crear personajes memorables. Sus historias suelen situarse en entornos pintorescos, como grandes mansiones, trenes o pueblos ingleses, lo que añade un encanto adicional a sus relatos.Uno de los aspectos más destacados de su estilo es su capacidad para tejer pistas sutiles a lo largo de la narrativa, desafiando a los lectores a resolver el misterio antes del revelador desenlace. Sus tramas están meticulosamente construidas, con giros inesperados que mantienen al lector en vilo hasta la última página.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Algunas obras recomendadasEntre las obras más destacadas de Agatha Christie se encuentran:"Asesinato en el Orient Express" (1934): Esta novela presenta al célebre detective Hercule Poirot, quien se encuentra a bordo del lujoso tren Orient Express cuando ocurre un asesinato. La trama intrincada y el sorprendente giro final la convierten en una de las obras más populares de Christie."Y no quedó ninguno" (1939): Esta novela es considerada uno de los mejores ejemplos del talento de Christie para crear suspenso. Diez extraños son invitados a una isla remota, donde comienzan a morir uno por uno siguiendo una macabra rima infantil."El asesinato de Roger Ackroyd" (1926): Esta novela es famosa por su sorprendente giro final, que desafió las convenciones del género detectivesco. La historia sigue al Dr. Sheppard mientras investiga el asesinato de su vecino, Roger Ackroyd, y revela un desenlace inesperado.La obra de Agatha Christie ha dejado un legado perdurable en la literatura criminal, influyendo en generaciones de escritores y lectores. Sus libros siguen siendo populares en todo el mundo, y muchas de sus obras han sido adaptadas al cine, la televisión y el teatro.Christie recibió numerosos premios y reconocimientos a lo largo de su carrera, incluido el título de Dama del Imperio Británico en 1971. Su contribución al género del misterio ha sido ampliamente celebrada, y su legado perdura como un referente indiscutible en la literatura criminal.Agatha Christie es una autora cuya habilidad para crear intrigantes rompecabezas y personajes inolvidables la convierte en una de las figuras más influyentes en la historia de la literatura criminal. Su legado perdura como testimonio de su genio narrativo y su capacidad para mantener a los lectores en vilo hasta la última página.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En un diálogo celebrado en Pekín con su compañero y también Nobel de Literatura Abdulrazak Gurnah, Mo recordó los temores surgidos en la década de 1980 con la llegada de la televisión e Internet, que presagiaban un oscuro futuro para la literatura, recogió en las últimas horas el diario local Global Times."La literatura ha demostrado ser resistente y capaz de evolucionar con los tiempos. La emergencia de la IA no provocará una gran crisis en la literatura, y la profesión del escritor no terminará aquí", aseguró el escritor.Mo, cuyo nombre verdadero es Guan Moye, sostuvo que el "pensamiento único y vívido" de los escritores seguirá siendo "insustituible" por la IA, y que la obra de un autor experimentado es difícil de imitar para una computadora: "Gurnah y yo no deberíamos perder nuestros trabajos en nuestra vida", comentó.El autor, considerado el padre del "realismo alucinatorio" y que se inspiró en sus inicios en el realismo mágico de Gabriel García Márquez, instó a los escritores a buscar recursos "irreemplazables" en su propia herencia nacional y tradicional y animó a los novelistas a "aceptar y absorber los logros creativos de escritores de otros países".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El pasado mayo, Mo reveló haber recurrido a la inteligencia artificial, en concreto a ChatGPT, para redactar un discurso en honor del también escritor Yu Hua.El nobel, tras varios intentos fallidos, decidió buscar la ayuda de la inteligencia artificial y solicitó a un estudiante de doctorado que utilizara ChatGPT, un chatbot de última generación, para redactar la mención del premio en su nombre.Al proporcionar palabras clave como "Vivir", "extraer un diente" y "Ciudad perdida" que representaban aspectos significativos de la vida y la obra de Yu Hua, el chatbot generó rápidamente un discurso de más de 1.000 palabras, con un estilo literario que recordaba a las obras de Shakespeare.El uso de inteligencia artificial en la escritura literaria ha generado debates entre críticos y escritores, cuestionando la autenticidad y creatividad en el proceso.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Publicada en español por Tusquets, la última novela de Murakami es una historia sobre un amor perdido, la identidad y el autodescubrimiento.Haruki Murakami (Kioto, 1949) debutó en la literatura con 'Escucha la canción del viento' (1979).En español se publicaron sus novelas 'Tokio blues' ('Norwegian Wood'), 'Crónica del pájaro que da cuerda al mundo', '1Q84' y 'La muerte del comendador', entre otras, además de libros de relatos y ensayos como 'Underground', 'De qué hablo cuando hablo de correr', 'De qué hablo cuando hablo de escribir' o 'Música, solo música', además de dos relatos ilustrados, 'La chica del cumpleaños' y 'Tony Takitani'.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El escritor japonés recibió numerosos premios, entre ellos el Noma, el Tanizaki, el Yomiuri, el Franz Kafka, el Jerusalem Prize o el Hans Christian Andersen, y su nombre suele barajarse reiteradamente como candidato al Nobel de Literatura, que aún no ha logrado.En España mereció el Premio de narrativa Arcebispo Juan de San Clemente, la Orden de las Artes y las Letras (concedida por el Gobierno español), el Premi Internacional Catalunya 2011 y, recientemente, el Premio Princesa de Asturias de las Letras 2023.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Con sus orígenes alrededor del siglo VIII a.C. en la Antigua Grecia, la Ilíada es una obra de la poesía épica que ha ejercido una profunda influencia en la literatura universal a lo largo de los siglos.Compuesta por 24 cantos, se enfoca en el décimo y último año de la guerra de Troya. A través de personajes complejos como el legendario Aquiles, Héctor, Príamo o Ulises, este poema le presenta al lector un conflicto épico entre griegos y troyanos.Además, a la riqueza literaria de esta obra escrita en versos hexámetros dactílicos, la acompaña la exploración de temas complejos como el honor, la ira, el destino, la gloria y la intervención divina en los asuntos humanos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Qué epopeyas antiguas han sido inspiradas en la "Ilíada"?La gloria, el honor, dilemas éticos, viajes épicos, hazañas inimaginables y héroes inmortalizados son solo algunas de las características que la Ilíada le dio como legado a la literatura universal. Cientos de años ha seguido inspirando a escritores, poetas, cineastas e incluso músicos.El poema de la Ilíada ha inspirado innumerables obras a lo largo de la historia en diferentes culturas. Estas son algunas de las historias clásicas, de las epopeyas que vieron en la Ilíada una fuente de inspiración para contar nuevas historias.La Eneida: Escrito por el poeta romano Virgilio, es una de las epopeyas más famosas de la literatura y sigue las hazañas de Eneas, un héroe troyano, después de la caída de Troya. No solo está inspirado y comparte características con la Ilíada, sino que llega a ser considerada la continuación de la tradición épica de la obra de Homero. Se estima que fue escrito en el siglo uno antes de Cristo.El Cantar de Roldán: Esta epopeya medieval francesa es una de las obras más antiguas del país europeo y data del siglo XI; se basa en gran medida en la tradición épica establecida por la Ilíada. También a modo de poema épico, narra la historia del militar francés Roldán y sus hazañas en la Batalla del Paso de Roncesvalles en el año 778 durante la invasión de Carlomagno a España.La Tebaida: Escrito en el siglo I después de Cristo por el poeta latino, oriundo de Nápoles, Estacio, cuenta los mitos y eventos que rodean la guerra de los Siete contra Tebas. Estacio se inspiró en la Ilíada y la Odisea para crear su propia obra épica, que se convirtió en una de las principales epopeyas latinas.La Jerusalén Liberada: El también poeta italiano Torquato Tasso narra con la épica clásica de la Ilíada la historia de la Primera Cruzada donde caballeros cristianos luchan contra los musulmanes para conquistar Jerusalén. Esta obra fue publicada en 1581.La Araucana: Esta obra narra la conquista de Chile por parte de los españoles y la resistencia de los indígenas mapuches. El español Alonso de Ercilla y Zúñiga escribió en el siglo XVI una de las principales epopeyas épicas españolas.La Divina Comedia: Aunque la obra del italiano Dante Alighieri es conocida como una obra épica religiosa y alegórica, también contiene elementos de la tradición épica inspirada en la Ilíada. Se basa en la estructura y los temas épicos para narrar el viaje a través del Infierno, el Purgatorio y el Paraíso.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Lola Vendetta. Katanazo al amor romántico (Planeta Cómic) es la nueva aventura de este personaje que en esta ocasión cuenta las consecuencias de ser maltratada a través del shock postraumático, cuya sintomatología es el aturdimiento mental, falta de memoria y lagunas mentales, dismorfia corporal, normalización de la situación para no sufrir más e incluso la justificación del maltrato para sobrevivir."Nos cuesta poco imaginarnos que un presidente como Putin tiene una personalidad así, pero luego no nos creemos que alguien de nuestro círculo cercano pueda tenerla", explica en una entrevista Riba Rossy con motivo de su participación en la Feria Internacional del Libro de Bogotá (FILBo).Ha sido un libro "incómodo" y "difícil" de escribir porque Riba Rossy no sabía si iba a lograr "explicar bien un tema tan delicado que en un cómic no se había tratado nunca", aunque lo logró y ya tiene preparada la segunda parte en la que Lola, ya habiendo recuperado su katana, contará su proceso de recuperación.El shock"Necesité entender todo lo que le estaba pasando al cuerpo de Lola Vendetta, científicamente y psicológicamente, cómo son los patrones de conducta de una persona que ha sobrevivido a algo así", para lo que estuvo dos años investigando y hablando con profesionales para "evitar a toda costa la foto de contrastes de sombras súper 'heavy' con un moratón gigante en la cara".Esto porque "ya hemos entendido que si te pegan un golpe en la cara es maltrato", pero era importante resaltar que la división entre maltrato físico y psicológico "no es cierta", ya que "el maltrato acaba siendo siempre físico porque si te machacan el cerebro, el cuerpo se afecta"."Cuantísimas mujeres me han escrito durante estos últimos meses diciéndome: 'terminé en el hospital sin poder respirar y no me puso una mano encima, pero me pasé tres años bajo una situación de estrés tan elevada que mi cuerpo explotó'. Esa división de cuerpo-mente tan loca que hacemos tenemos que empezar a difuminarla", insiste la escritora.La historia de Lola, que está acompañada por una banda sonora escrita e interpretada por su escritora a la que se puede acceder a través de un código QR, es la de millones de mujeres que viven situaciones de maltrato.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Muchas veces este síndrome de la mujer maltratada también está asociado a adicciones para aturdir todavía más y no sentir esa sensación horrible y a trastornos de la conducta alimentaria", y también a ideas suicidas: "cuando llevas tantísimo tiempo sometida a una situación de presión, encierro y aislamiento de la que tienes la sensación de que no vas a salir, la sensación de indefensión aprendida es brutal", continúa la ilustradora.El objetivo principal de los maltratadores, prosigue, es el control, por eso "de repente te das cuenta que las vejaciones más bestias son antes de mi cumpleaños o de una reunión importante en el trabajo". Es decir, que lentamente va afectando todas las áreas de tu vida, una vez identifica tus vulnerabilidades.Lola y ColombiaEl éxito que ahora es Lola Vendetta en muchos países arrancó, curiosamente, en Colombia, cuenta Riba Rossy, donde desde 2016 su personaje conectó con las colombianas."Colombia fue el primer país donde Lola Vendetta fue acogida a lo bestia, y luego vino México y luego vino España", en palabras de la ilustradora.Precisamente, el personaje de Rosa, una de las amigas de Lola, es colombiana porque Riba Rossy recibió, muy al comienzo de las aventuras del personaje, un mensaje de una niña de 7 años del departamento del Chocó en el que le pedía crear un personaje que se pareciera a ella.Casi diez años después, Riba Rossy sigue escribiendo de y desde el feminismo porque lo tiene claro: "es una carrera de fondo, nunca fue un 'petardazo' en medio de la historia".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Antonín Leopold Dvořák fue un compositor posromántico natural de Bohemia (territorio entonces perteneciente al Imperio austríaco), uno de los primeros compositores checos en lograr el reconocimiento mundial y uno de los grandes compositores de la segunda mitad del siglo XIX.Anton Dvořák estudió con Antonín Liehmann en la Escuela de Órgano de Praga entre 1857 y 1859, luego se unió como intérprete de viola al grupo que llegaría a ser el núcleo de la orquesta del nuevo Teatro Provisional, que Smetana dirigió desde 1866. La enseñanza privada y sobretodo la composición ocuparon su tiempo a partir de 1873, luego ganó una beca del gobierno austriaco en tres oportunidades (y llamó la atención de Brahms).El autor germano gestionó la edición de algunas obras suyas con Simrock en 1878. Se multiplicaron las interpretaciones en el extranjero, especialmente de las Danzas Eslavas, la Sexta Sinfonía y el Stabat Mater, y con ello importantes encargos.En Inglaterra encontró una especial acogida. Allí estrenó algunas composiciones y recibió un doctorado honorario de Cambridge. En 1890 continuó editando nuevas obras en Praga y en Londres, visitó Rusia y en 1891 comenzó a enseñar en el Conservatorio de Praga. Antes de viajar a Estados Unidos realizó una gira por Bohemia tocando su nuevo Trío Dumky.Entre 1892 y 1895 fue director del Conservatorio Nacional en Nueva York, enseñó composición y produjo obras tan famosas como la Novena Sinfonía (Del Nuevo Mundo), el Cuarteto de cuerdas en fa mayor (Americano), el Quinteto en mi bemol mayor y el Concierto para violoncello. Dificultades financieras y la nostalgia motivaron su retorno a Praga, donde comenzó a escribir poemas sinfónicos y, finalmente, vio recompensados sus esfuerzos en la música dramática con el éxito de su ópera Rusalka.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La sombra de la muerte rondó sobre la primera gran obra religiosa de Anton Dvořák, de quien conmemoramos los 120 años de su fallecimiento. Mientras estuvo dedicado a la composición del Stabat Mater (esbozado en la primavera de 1876 y puesto en limpio a finales del otoño de 1877), perdió a sus tres primeros hijos a causa de enfermedad y accidentes.Son varias las circunstancias que indujeron a Dvořák a abordar el Stabat Mater en forma de amplia cantata: la devoción a la Virgen María, que a finales del siglo XIX alcanzó un punto culminante, y el hecho que, desde Rossini, nadie había vuelto a poner con autenticidad en música la secuencia latina escrita hacia el año 1300 por el franciscano Jacopone da Todi. A estos dos hechos hay que agregar la veneración de María como Madre Dolorosa que se extendió en forma especial en los territorios católicos de lengua eslava de donde procedía Dvořák.La primera representación del Stabat Mater de Dvořák tuvo lugar el 23 de diciembre de 1880 en el concierto de la Asociación de Artistas Musicales, en Praga.La obertura de concierto Carnaval, Op. 92, fue escrita por Anton Dvořák en 1891. Es parte de la trilogía Naturaleza, Vida y Amor de oberturas escritas por Dvořák. La primera de estas oberturas, la Op. 91 corresponde a la Naturaleza, la segunda (la obertura Carnaval) a la Vida y la tercera, la Op. 93 lleva por título Otelo y corresponde al Amor.La obertura de concierto Op 92, Carnaval que escucharemos en unos instantes, está orquestada para dos flautas, flautín, dos oboes, corno inglés, dos clarinetes, dos fagotes, cuatro trompas, dos trompetas, tres trombones, tuba, timbales, triángulo, platillos, pandereta, arpa y cuerdas.El 25 de marzo de 1904 Anton Dvořák al terminar el estreno de su ópera Armida en el Teatro Naciona de Praga, abandonó el escenario debido a una enfermedad. El 18 de abril sufrió un ataque de gripe y falleció el 1° de mayo de 1904 de una causa no determinada, a los 62 años, dejando muchas obras sin terminar.Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Anton Dvorak en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 29 de abril a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Homero dio la primera pista, al mencionar en su Ilíada que la isla griega de Kasos aportó barcos para la guerra de Troya. Tirando de ese hilo, un equipo de arqueólogos ha localizado ocho barcos hundidos frente a sus costas en los últimos 5.000 años y demostrado la importancia que tuvo ese rincón del Egeo."Algunos de los hallazgos que tenemos en Kasos son únicos y se encuentran por primera vez en el mar Egeo", dice Xanthí Argiri, arqueóloga de la Fundación Nacional de Investigación (ΕΙΕ) de Grecia y responsable de la exploración que se llevó a cabo entre 2019 y 2023.Los pecios, de épocas muy diferentes, se localizaron a profundidades de entre 20 y 50 metros. El más antiguo data del 3000 a. C, mientras que los demás son del período clásico (460 a. C.), helenístico (100 a. C. a 100 d. C.), la época romana (200 a. C. – 300 d. C.) y el período bizantino (800 – 900 d. C.).Además de estos barcos, durante la investigación, en la que ha participado el Ministerio de Cultura griego, se encontraron los restos de un buque que se hundió a inicios del siglo XIX y otro de la primera mitad del siglo XX.En uno de los dos pecios de la época romana, los arqueólogos hallaron cerámica de tipo terra sigilata, originaria de África, y ánforas españolas del tipo Dressel 20 de la zona del río Guadalquivir, entre las que destaca una con un sello que ha sido fechada entre el 150 y el 170 a.C.Aunque se han encontrado "quizás millones" de estas ánforas de aceite en Europa y el Mediterráneo occidental, ya que eran unas de las más difundidas durante los tres primeros siglos d.C, "hasta ahora no se había encontrado un naufragio que confirmara su comercio marítimo en el Egeo", señala Olga Marinaki, también arqueóloga de EIE."La carga mixta confirma además que África, España y el Egeo estuvieron conectados por intensas relaciones comerciales en la época romana", añade.Los investigadores descubrieron en los pecios también tesoros únicos originarios de Italia y Asia Menor.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Durante la exploración se hallaron cañones, anclas -una de ellas de piedra, del período arcaico- y centenares de vasijas y otros objetos cerámicos.Con la ayuda de HomeroLa búsqueda empezó con la segunda rapsodia de la Ilíada de Homero, cuenta Argiri.En ese pasaje, el poeta enumera todos los barcos que las diferentes ciudades griegas aportaron para la guerra contra Troya, entre las que cita también Kasos y a la contigua isla de Kárpatos.Partiendo de esta antigua referencia a la tradición marítima de Kasos, se empezó a indagar más sobre la isla, señala la arqueóloga.Los investigadores consultaron después otras fuentes históricas que mencionaban que Kasos ofreció barcos también para la guerra de la independencia griega contra el imperio otomano, que comenzó en 1821.Aunque entre estas dos referencias históricas había un vacío de varios siglos, el equipo de arqueólogos submarinos decidió iniciar la investigación.La amplia horquilla cronológica de los objetos encontrados, que datan desde la Prehistoria, pasando por los periodos clásico, helenístico, romano, bizantino y otomano, dio la razón a los investigadores.Argiri y Marinaki coinciden en que los hallazgos demuestran que Kasos fue un "enclave fundamental" en las rutas marítimas de la Antigüedad, especialmente las que unían el norte de África con el Egeo y, más concretamente, Egipto con Constantinopla, la capital del Imperio Bizantino.A lo largo de este año el equipo seguirá la exploración en la contigua isla de Kárpatos, mientras se realiza un proyecto de conservación in situ de los hallazgos encontrados en Kasos.Financiación limitadaPese al importante papel que jugó el sureste del Mar Egeo, y sobre todo el archipiélago del Dodecaneso, en el comercio marítimo antiguo, este es el primer estudio sistemático del fondo marino en la zona.La larga distancia que separa estas islas de Atenas y la falta de infraestructura local para la investigación arqueológica subacuática, hace que los proyectos sean más costosos, ya que todo el equipo tiene que trasladarse desde la capital griega.Según Argiri, la mayoría de los casi treinta investigadores que trabajaron en el proyecto de Kasos lo hicieron de manera voluntaria, mientras que los demás gastos fueron pagados por patrocinadores privados."Es obvio que hay muchas cosas que no podemos hacer porque no tenemos los suficientes recursos", se lamenta la arqueóloga quien, sin embargo, mantiene la esperanza de que en un futuro se puedan construir en Kasos las infraestructuras necesarias para que la isla se convierta en un destino de turismo cultural submarino.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El festival anunció este lunes en un comunicado la composición del jurado que decidirá la atribución de la Palma de Oro a uno de los 22 filmes en competición, cuatro meses y medio después de haber informado de la elección de Gerwig.También integrarán el jurado de la 77 edición del Festival de Cannes la directora y fotógrafa turca Ebru Ceylan, la actriz estadounidense Lily Glandstone, la actriz francesa Eva Green, la directora libanesa Nadine Labaki, el actor italiano Pierfrancesco Favino, el cineasta japonés Kore-Eda Hirokazu y el actor y productor francés Omar Sy.Sobre Bayona, los organizadores destacaron que se ha impuesto como "uno de los cineastas españoles más aclamados" por el público y los críticos "del mundo entero".Recordaron que su primera película, El orfanato, fue presentada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes en 2007, donde "fue ovacionado y que con Lo imposible en 2012 obtuvo cinco Goyas, incluido el de mejor director, además de la nominación de Naomi Watts para los Oscar y los Golden Globe en la categoría de mejor actriz.Igual que su última película, La sociedad de la nieve, que fue la gran ganadora en los Goya con doce estatuillas, "ha sido celebrada por su profundo humanismo y sus proezas técnicas".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre los otros miembros del jurado hay figuras muy conocidas del séptimo arte como Omar Sy, que consiguió una gran proyección a partir del César que logró en su país como mejor actor en 2011 por Intouchables, de Éric Toledano y Olivier Nakache.También Lily Glandstone, que con su papel en Killers of the Flower Moon, de Martin Scorsese, además de ser nominada a los Oscar, recibió el Golden Globe de 2023, el Screen Actors Guild Award de 2024 y el título de mejor actriz del New York Film Critics Circle y del National Board of Review.El palmarés de la próxima edición del Festival de Cannes se hará público el 25 de mayo durante la jornada de clausura.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La composición de Todo tranquilo en el frente occidental se inició en 1989, pero solo se completó diez años más tarde. La compositora, Nancy Jean Van de Vate, adaptó el libreto de la famosa novela acerca de la Primera Guerra Mundial Im Westen nichts Neues (Sin novedad en el frente) de Erich Maria Remarque, con alguna referencia al guion cinematográfico de 1929. Aunque la novela se ha utilizado tres veces como base de una película, nunca antes se le había puesto música.La composición de la ópera ya estaba en marcha cuando, a finales de 1990, la compositora, Nancy van de Vate, recibió el encargo de crear la música para la ópera romántica en cuatro actos, Nemo: Jenseits von Vulkania, con libreto de Allen Cortés. Años más tarde, regresó a la composición de Todo tranquilo en el frente occidental, en 1996, completando al fin la ópera en 1999.Estilística e ideológicamente, esta ópera pertenece a varias de las otras grandes obras de Van de Vate de finales de los años 1980 que también se basaban en temas sociales y políticos, en particular Chernobyl para orquesta y Katyn para orquesta y coro. Al igual que Todo tranquilo en el frente occidental, el ambiente de estas obras también es sombrío, y la disonancia extrema se alterna con un lirismo trágico.Aunque la ópera se desarrolla en medio de los terribles acontecimientos de la Primera Guerra Mundial, particularmente la vida en las trincheras se centra en las relaciones humanas y las respuestas de sus personajes más que en actos de batalla o incidentes específicos de heroísmo.Hace 25 años la compositora Nancy van de Vate presentó esta, su ópera Todo tranquilo en el frente occidental, que adaptó de la novela de Erich Maria Remarque Sin novedad en el frente.En la versión que transmitiremos en la señal en vivo de la HJCK podrá escuchar en el reparto a Michael Polscer, Josef Krenmair, Steven Scheschareg, Dominic Natoli, Marek Olbrzymek, Josef Krenmair, Linda Healy-Steck, Martha Jane Howe, Evelyn Petros, Linda Healy-Steck, acompañados por la Orquesta Filarmónica de Moravia, dirigida por el estadounidense, nacido en Japón, Toshiyuki Shimada.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 28 de abril a las 9:00 p. m. por la señal en vivo de la HJCK.