La celebración de la Semana Santa en Mompox, está influenciada por las tradiciones de Sevilla, pues varias familias de esa región española se asentaron allí y trajeron consigo sus tradiciones religiosas. La devoción católica durante la Semana Mayor se remonta a la misma fundación de Mompox en 1537 y desde entonces el municipio se ha consolidado como uno de los destinos turísticos más importantes del país durante las conmemoraciones religiosas.Dentro del municipio resaltan su arquitectura seis iglesias de estilo colonial que hacen de la ciudad un lugar mágico y que durante la Semana Santa son el destino predilecto de miles de feligreses que honran su fe. La conservación del legado arquitectónico de las calles momposinas le valió al municipio ser declarado Monumento Nacional en 1959, hoy Bien de Interés Cultural (BIC) y en 1995, ser declarado por la UNESCO como Patrimonio de la Humanidad.Además de apreciar la arquitectura del Mompox durante Semana Santa, este año la Gobernación de Bolívar a través del Instituto de Cultura y Turismo - ICULTUR, tiene una variada programación religiosa y cultural en alianza con el Hay Festival y el Festival Internacional de Cine de Cartagena, FICCI.Además de una feria cultural y un concierto concierto de música Sacra, a la conmemoración se sumarán invitados como el poeta, ensayista, escritor y político colombiano William Ospina; Pilar Quintana, escritora colombiana; el actor bolivarense Jhon Narváez, director de la película Pepe, ganadora del Oso de Plata a Mejor Dirección en la más reciente edición del Festival Internacional de Cine de Berlín. Así mismo, estarán el director de cine Felipe Aljure y el actual director general del FICCI, Alessandro Basile.De igual forma, los asistentes podrán disfrutar de Expo Mompox, una feria artesanal y gastronómica que cumple 25 años; el concierto de Música Sacra, proyecciones de cine al aire libre y de todas las actividades religiosas que se vivirán en la ciudad fundada hace más de 400 años.“La Semana Mayor en Mompox celebra nuestras tradiciones e idiosincrasia. Hemos diseñado una programación variada para vivir la Semana Santa con los cinco sentidos: viendo imágenes y procesiones únicas, proyecciones de cine; disfrutando del aroma de la palma de vino que adorna las calles; saboreando nuestra gastronomía; escuchando música sacra y por supuesto, participando en una gran conversación cultural”, asegura Lina Rodríguez, directora general de ICULTUR.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Conozca toda la programación aquí:Martes, 26 de marzoConversatorio Alexander Von Humboldt en Colombia. William Ospina en conversación con Cielo Puello🕑 3:00 p. m. | 📍 Claustro San AgustínConversatorio Pensar el Futuro. William Ospina, Pilar Quintana, Jhon Narváez en conversación con Felipe Aljure🕑 5:00 p. m. | 📍 Claustro San AgustínProyección de película FICCI “Crónica de una Muerte Anunciada”🕑 7:00 p. m. | 📍 Plaza Santa BárbaraConversatorio Felipe Aljure – Alessandro Basile sobre la película Crónica de una muerte anunciada🕑 9:30 p. m. | 📍Plaza Santa BárbaraPresentación del tráiler del Documental Mompox, Cine y Memoria de la directora Gracia Ramírez🕑 9:30 p. m. | 📍 Plaza Santa BárbaraMiércoles, 27 de marzoMaestro Carlos Jacanamijoy en conversación con Gustavo Tatis - Sentir, Arte y Neurociencias🕑 11:00 a. m. | 📍 Casa de la CulturaConversatorio Ficcionar la selva, ficcionar la ciudad. Pilar Quintana en conversación con Cielo Puello🕑 3:30 p. m. | 📍 Claustro San AgustínConversatorio El Caribe, cine y cultura. Jhon Narváez en conversación con Alessandro Basile🕑 5:30 p. m. | 📍 Claustro San AgustínProyección de la película infantil FICCI- Raya y el último dragón. Dir. Carlos López y Don Hall🕑 7:00 p.m. | 📍 Plaza Santa BárbaraConcierto de Música Momposina- “Volver a Soñar” VII versión🕑 8:00 p. m. | 📍 Plaza de la Concepción Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Icultur Bolívar (@iculturbolivar) Marzo 27, 28 y 29Feria Artesanal y gastronómica “La magia es Bolívar, Sabor y Tradición”🕑 10:00 a. m. – 6:00 p. m. | 📍 Casa de la CulturaConcierto de Música Sacra - Sound Gospel🕑 28 de marzo 10:00 a.m. | 📍 Iglesia Santa BárbaraConcierto de Música Sacra - Camerata Heroica🕑 29 de marzo 10:00 a.m. | 📍 Iglesia Santo Domingo🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'Redescubrir Van Eyck', presentada este martes, reúne junto al cuadro restaurado otros cinco del pintor, del que solo han llegado a nuestros días una quincena de obras, además de unas 60 piezas, entre pinturas de la época, esculturas y libros iluminados.Pintado hace casi seis siglos, hacia 1430, la obra del Louvre "estaba muy sucia" y tenía "muchas capas" de barniz amarillo y grueso "que impedían apreciar los volúmenes de las figuras, la paleta de colores y la precisión de los detalles", explica a EFE la comisaria de la exposición, Sophie Caron.El proceso de restauración incluyó un cuidadoso análisis, que duró más de seis meses, a través de rayos X e infrarrojos para determinar el estado del panel de madera de roble sobre el que está pintada la obra.Este cuadro tiene la particularidad de que no fue concebido para estar colgado, sino que está pintado también por detrás, con una hábil imitación del mármol veteado verde, ya que estaba pensado como ornamentación de un monumento funerario para ser visto por ambos lados, lo que también explica su formato casi cuadrado (69x71 centímetros), inusual en la época.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Nicolas Rolin, canciller del ducado de Borgoña (entonces una gran entidad cuyos territorios se repartían entre Francia y el Imperio Germánico), encargó la obra para usarla como altar portátil en sus viajes y después incorporarla a la tumba que se construyó en la iglesia de su localidad natal de Autun (norte de Francia).La restauración permitió ver que bajo la pintura había un dibujo sobre el que pintó el autor. Después, los especialistas retiraron las capas de barniz y restauraron la parte trasera.La iglesia de Autun fue destruida durante la Revolución Francesa y el cuadro acabó en el Louvre en 1805, donde se mostraba colgando, lo que impedía ver la parte trasera.Luz, color y atención al detalle'La Virgen del canciller Rolin' que resurge de la restauración es ahora un cuadro que cautiva por su luminosidad y su colorido, pero también por la atención minuciosa del artista por los pequeños detalles, como bordados, joyas o pliegues textiles."Van Eyck es un maestro de la luz", explica Caron, "y fue admirado por sus contemporáneos por su manera de mostrar cómo la luz reacciona en diferentes superficies y materias", como cristal, terciopelo, pelo animal o piedra.Además, esta pintura muestra, como otros de maestros flamencos o italianos del final de la Edad Media, la superposición de distintos planos, el uso de elementos arquitectónicos, el trabajo de la perspectiva o el inicio de la técnica del 'sfumato'."El agrupamiento de todos estos parámetros condensa en una sola obra muchos temas que se ven en otras de Van Eyck", resume.Pero Caron, que es conservadora de pintura en el Louvre, reconoce que en esta obra Van Eyck no buscó "una construcción matemática a la italiana", ya que algunas perspectivas "no son muy exactas".En este trabajo se muestra "como un maestro de la construcción (de los planos), al tiempo que se libera del aspecto matemático" de la perspectiva, explica.Igualmente, la pintura muestra, igual que otras de sus coétaneos, una creciente preocupación por el realismo, mostrando arrugas o cicatrices de los personajes.La comisaria no descarta que Van Eyck (nacido hacia 1390 y fallecido en 1441, y que tuvo su taller en Brujas, Bélgica), pudiera haberse inspirado en elementos arquitectónicos o paisajísticos que conoció en la península ibérica, ya que acompañó a la comitiva que viajó para solicitar la mano de Isabel de Portugal, casada en 1429 con el duque Felipe el Bueno.La obra maestra de Van Eyck es el retablo de la catedral de Gante (Bélgica), un políptico de doce tablas realizado junto a su hermano Hubert.La muestra, que terminará el 17 de junio, incluye cinco cuadros más de Van Eyck, como 'La Anunciación', prestado por la Galería Nacional de Washington, y también algunos de su paisano y coetáneo Rogier van de Weyden.También hay libros religiosos iluminados, esculturas, capiteles y otros elementos arquitectónicos que ayudan a poner en perspectiva el trabajo de los artistas a comienzos del siglo XV, cuando el arte medieval evolucionaba de forma inexorable hacia el Renacimiento.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El aporte de mujeres como la poetisa Adela Zamudio a las artes y al pensamiento social en Bolivia, sobre el que muy poco se ha investigado, fue plasmado en siete ensayos incluidos en el catálogo Creadoras. Mujeres artistas en Bolivia, que busca "revelar" la invisibilizada producción artística femenina en el país.El catálogo, que corresponde a la muestra artística con el mismo nombre, fue presentado en La Paz como un "documento histórico" que será la base para "estimular nuevas investigaciones y seguir ahondando en el aporte que da la mujer artista al país", dijo a EFE la directora del Museo Nacional de Arte (MNA), Jackeline Rojas."Es importante visibilizar ese aporte porque siempre hemos estado desde todas las áreas, en lo artístico, histórico y social, invisibilizadas", sostuvo.Las protagonistas de la publicación son las más de cien artistas cuyas obras se lucen en la exposición, inaugurada en octubre pasado en el MNA, pero además las "grandes investigadoras" encargadas de los ensayos, explicó.Una de ellas es la historiadora Margarita Vila, quien hace un recorrido por la creación artística de las mujeres en Bolivia desde fines del siglo XIX hasta la actualidad.Vila recuerda en su texto que las mujeres han participado en la creación del arte "desde los albores de la historia humana", pero hubo que esperar al desarrollo del movimiento feminista en la década de 1970 para que su público "se haga consciente de ello".En el caso de Bolivia, esa historia tiene una pionera, Elisa Rocha de Ballivián (Cochabamba, 1865), quien estudió en una academia de bellas artes en Chile cuando el acceso de las mujeres a la formación académica aún era limitado, señala Vila y agrega que antes de cumplir 30 años ya "era una reconocida retratista".Precisamente el cuadro más antiguo de la muestra 'Creadoras' es el 'Retrato de la Señora Esslinder', pintado por Rocha en 1893.Las "maestras del siglo XX" como Marina Núñez del Prado, Inés Córdova o María Esther Ballivián, junto a otras destacadas en los últimos 50 años, como Cecilia Lampo, Ejti Stih, Guiomar Mesa, y otras más nóveles como Mónica Rina Mamani o Rosmery Mamani, también se mencionan en la investigación.Adela, Josefina y GloriaLa investigadora Montserrat Fernández resalta en su ensayo el aporte pedagógico y literario de la célebre poetisa Adela Zamudio, considerada una de las precursoras del feminismo en Bolivia.La investigación va acompañada con las imágenes de un par de cuadros pintados por Zamudio, revelando así su faceta de pintora, de la que poco se sabe.La antropóloga Gabriela Behoteguy ofrece una semblanza de Josefina 'Fifina' Reynolds, pintora, ceramista e investigadora costumbrista que interpeló el "orden de género establecido" en una sociedad conservadora, pero que no tuvo el reconocimiento que se merece.La investigadora Daniela Franco escribe sobre María Rosenda Caballero, conocida más por su seudónimo, Gloria Serrano, una escritora que fue "precursora del arte y de la escritura indigenista" y cuyo aporte tampoco ha sido valorado.Zamudio, Reynolds y Serrano son homenajeadas en una sala inmersiva en la muestra donde se destaca su aporte a la historia del pensamiento social en Bolivia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Tejidos y arte urbanoEl catálogo también incluye un ensayo de la socióloga Verónica Auza sobre la importancia de la iconografía textil indígena "como fuente de inspiración para otras creaciones", mencionó Rojas.La antropóloga María Soledad Fernández ofrece un acercamiento al arte urbano con una perspectiva feminista, realizado a partir de las experiencias de diez artistas, entre grafiteras, muralistas y fotógrafas.El documento base escrito por Rojas para diseñar el guion museológico de la exposición también es parte del catálogo, con un acercamiento al arte en Bolivia y una explicación detallada de los objetivos y líneas de Creadoras, una muestra cuya importancia radica en "revelar esa producción" artística femenina."Las mujeres siempre hemos estado en todo el proceso histórico de construcción de este país y de construcción también de la historia de la humanidad, pero muy pocas veces se reconoce el trabajo artístico de una mujer", indicó.El MNA y el Centro de la Cultura Plurinacional en Santa Cruz convocaron recientemente a artistas de esa región oriental y de las amazónicas Beni y Pando a postular para replicar en abril próximo la muestra 'Creadoras' en el lado este del país.Las obras participantes serán creaciones actuales en distintas técnicas, obras que narran la lucha de las mujeres por el ejercicio de sus derechos y otras donde se perciba la influencia de las naciones indígenas.🔴No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Cuando llevas" una galería de "arte contemporáneo a una favela, creas un acceso (popular) a lo que antes era el arte de la burguesía, algo exclusivo", afirma Maxwell Alexandre, que abrió su espacio Pavilhão 2 en la agitada Via Ápia de Rocinha, la segunda favela más grande de Brasil.Alexandre, de 33 años, expone desde el año pasado en su barrio natal su obra, con algunas piezas que formaron parte de la muestra "Entrega: one planet. one health", inaugurada en París.Su mensaje está ligado a la vida de este barrio popular: así, tres cuadros con niños vestidos con uniforme de la escuela pública llevan mochilas de una empresa de entrega de comida, una forma de denunciar el trabajo antes de acabar la escolaridad.Pero la iniciativa de Alexandre, que también ha expuesto en España y Estados Unidos, va más allá de exponer en Rocinha. También quiere tener un impacto en el mercado del arte, al vender -exitosamente- láminas originales a precios más asequibles (1.000 reales, USD 200)."Quiero que otros coleccionistas que viven en la favela tengan acceso a mi obra, no solo de forma contemplativa (...), sino dentro de su casa", resalta.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Necesidades vs arteMientras Alexandre conversa con la AFP, la profesora Mariana Furloni, de 45 años, ingresa curiosa en la galería. Ya conocía el trabajo de Alexandre y apoya su causa: "Es genial, porque el arte es generalmente muy elitista" y en Rio suele encontrase solo en los barrios de la Zona Sur, la parte rica, explica.Pero los desafíos persisten para Alexandre, puesto que reconoce que muchos visitantes todavía vienen de fuera de la favela, cuyos habitantes tienen otras prioridades, esto es, cubrir sus necesidades básicas.La idea de que las galerías son "un lugar de gozo estético, sin finalidad práctica, todavía está muy establecida", dijo el artista el año pasado en una entrevista a la revista Forbes. A pesar de los consejos de quedarse en ciudades como Berlín o Nueva York, el brasileño considera que Río es el mejor lugar para crear, debido a la urgencia creada a partir de factores como la violencia y la pobreza.Nuevo sentido a las armasA unos 30 kilómetros del Pavilhão 2, en la Zona Norte de Río, la Galería 5 Bocas fue inaugurada en 2020 por el artista Allan Weber, conocido por sus obras de fotografía y escultura, como las exhibidas recientemente en la feria "Art Basel", de Miami.Weber, de 31 años, dedica ese espacio ubicado en su favela 5 Bocas a presentar a artistas que admira. La galería es "un lugar de intercambio con la comunidad y con los de fuera", dice.La suya surgió de la falta de acceso de sus amigos del barrio a museos de la Zona Sur, pero también para acercar a los amigos de otros lugares reticentes a visitar la favela, escenario habitual de operaciones policiales contra el narcotráfico."Me pasé toda la infancia mirando armas y, gracias al arte, pude darles un nuevo significado a través del objetivo", dice Weber, que creó por ejemplo un "fusil de asalto" a partir de piezas de una cámara fotográfica."Casi nada como esto"Desde septiembre de 2023, Weber expone la muestra "Tô de Pé" (Estoy en pie), del artista Cassio Luis Brito da Silva, de 22 años, conocido como Malvo. La galería exhibe fotos de bailes "funk" - estilo musical nacido en las favelas cariocas - y esculturas de cigarrillos.Brito dice que el espacio es esencial para su carrera y que le "dio una buena sensación" que otros artistas como él "expusieran en el mismo sitio". La galería es también un proyecto social, con el que Weber busca acercar el arte a los jóvenes. Patrocina al equipo de fútbol local y organiza actividades artísticas.La manicurista Cintia Santos de Lima, de 35 años, afirma que se ha beneficiado de los proyectos: "Tengo un hijo autista que antes ni siquiera salía a la calle. Es muy bueno para nosotros, porque en la comunidad no hay casi nada como esto".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este fin de semana la agenda cultural en Colombia está llena de actividades y planes para hacer. Descubra los conciertos, conversatorios y exposiciones que hay en distintas ciudades del país. Planes en BogotáConcierto de la Orquesta Filarmónica de Bogotá Luis Fernando Madrid, destacado director de orquesta colombiano radicado en el exterior desde hace varias temporadas, estará al frente de la Filarmónica de Bogotá en dos conciertos imperdibles con un repertorio vibrante y novedoso.La jornada musical comienza con el sonido local de la obra “Tierras olvidadas (seis narraciones rítmicas para orquesta)”, de Andrés Sánchez Angarita (1960-), pieza originalmente escrita para grupo de percusión con piano y, más adelante, el compositor se encargó de ampliar el formato instrumental.“Mi madre, la oca”, cinco piezas infantiles creadas por Maurice Ravel (1875-1937) en 1910, ocupará el segundo turno en esta serie de conciertos. El compositor francés tomó el nombre de una popular colección de antiguos cuentos de hadas, recopilada por Charles Perrault, para gestar una propuesta lúdica caracterizada por una atmósfera fantástica y una orquestación impecable.Y para el cierre se escuchará la “Sinfonía Nº 1 en Do mayor”, que Georges Bizet (1838-1875) comenzó a componer el 29 de octubre de 1855 y la terminó en un mes. Tenía 17 años y aún no era reconocido por el público, que más tarde se dejó deslumbrar por obras como “Carmen” y “La arlesiana”.📆 Viernes, 15 de marzo📍 Auditorio León de Greiff - Avenida Carrera 30 #45-3🕒 3:00 p. m.Entrada gratuita📆 Domingo, 17 de marzo📍 Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo - Cl. 170 #67-51🕒 5:00 p. m.Entrada con boletería💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Ciclo expositivo del Museo de Arte Moderno de Bogotá Tres artistas pondrán en escena el auge y ocaso del sueño moderno latinoamericano en el primer ciclo expositivo del 2024 en el Museo de Arte Moderno de Bogotá - MAMBO. Mientras que la obra de Carlos Cruz-Diez, especialmente en su dimensión pública y urbana, simboliza la curiosidad y el optimismo de América Latina en los años del boom económico venezolano, la de Alexander Apóstol reflexiona acerca del pasado glorioso y el deterioro de este sueño, cuestionando el modelo de modernidad que una vez fue celebrado en el continente sudamericano. Adicionalmente, la investigación de Carlos Castro Arias se centra en la apropiación y recontextualización de imágenes históricas relacionadas a hechos y mitos colombianos y latinoamericanos.📆 Desde el 15 de marzo📍 Museo de Arte Moderno de Bogotá - Calle 24 #6-00🕒 Viernes y sábados: 10:00 a.m. a 6:00 p.m. y domingos: 12:00 p.m. a 5:00 p. m.Valor del museoRecorrido del Cementerio de PobresDurante esta nueva edición de Hallazgos se realizarán recorridos, laboratorios creativos y exposiciones que reforzarán la investigación y la activación que dio como resultado la publicación del libro ‘La Bogotá de los muertos. Borraduras y permanencias en el Antiguo Cementerio de Pobres’, en donde se ahonda en la función de este lugar, quiénes fueron enterrados y enterradas, y cómo este espacio ha transitado por el tiempo de la ciudad.📆 Sábado, 16 de marzo📍 Centro de Memoria Paz y Reconciliación - Carrera 19B #24-86🕒 10:00 a.m. -1:00 p.m.Entrada con inscripción previa aquí.Agéndese en MalokaCazadores de agujeros negros: Búsqueda de agujeros negros en el universo, proyección de una película reveladora seguida de una sesión de preguntas y respuestas con expertos en astronomía. La entrada es gratuita, pero asegure la inscripción aquí.📅 viernes 15 de marzo🕓 4:30 pm a 6:30 p.m.📍 Cine Domo - MalokaActividad gratuitaPlanes en MedellínSoy músico fest, de la Filarmónica de Medellín“Soy Músico Fest” es una invitación con entrada libre para toda la ciudad, en la que los asistentes podrán disfrutar desde un taller de música, bazar de artesanías, deliciosa gastronomía, hasta una fiesta filarmónica al ritmo de cumbias y porros.📅 sábado 16 de marzo 🕓 3:30 p. m. a 6:30 p. m. 📍 Parqueadero nueva sede de ensayos Filarmed Carrera 66 B #32D 36 (Antiguo Éxito La 33) El amargo sabor de las mandarinasEsta propuesta creativa parte del interés de dar a conocer desde lo teatral el papel de la mujer en el conflicto armado de los últimos 60 años en Colombia. Una mirada poética que no busca repetir la historia por la historia en la escena, busca mostrar lo humano de lo humano como seres sociales donde el dolor se comparte y la esperanza también.📅15 y 16 de marzo🕓7:30 p. m.📍Teatro Popular de MedellínCosto: General $30.000 COP | Tarifas Comfama: $9.000 - B $17.000 COP - C $27.500 COPNo olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Paolo Roversi es conocido por sus fotos con polaroid y la superposición de colores, un estilo onírico que evoca, a menudo con imágenes borrosas, la ropa, los cuerpos o los rostros de los modelos."Sé que vivo en la duda, pero me gusta dudar. Estimo que las dudas son creadoras. Las certezas son puertas cerradas, lo bloquean todo", explicó Roversi, de 76 años, en entrevista con la AFP.Su estilo se fue desarrollando a través de tanteos, e incluso de errores de revelado. "Algunos diseñadores quieren ver sus ropas de manera nítida, por supuesto. Pero otros aceptaron mi imprecisión como algo poético e interesante, algo que le da otro perfume a los vestidos", añadió.Entre esos diseñadores que se rindieron a la magia de Roversi están algunas de las marcas más prestigiosas del mundo de la moda, como el japonés Yohji Yamamamoto, Dior o Comme des Garçons, con los que ha trabajado durante décadas. O estrellas como el modisto John Galliano, o Catalina, la princesa de Gales, en 2021."Me sorprendió la resonancia mundial de esa foto (...) Fue muy agradable trabajar con ella, una persona muy simpática y disponible", recuerda. "Hasta la hice bailar en un momento. Bailaba y fue muy bonito, se sentía libre", añadió el fotógrafo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Roversi es un admirador declarado de los pioneros de la fotografía del siglo XIX. Retratistas que hacían posar durante largos segundos, incluso minutos, a las personas que se ponían delante de su cámara."Una pose larga le da tiempo al alma para surgir. Y le da al azar el tiempo de intervenir" explica el fotógrafo en una de las paredes de la exposición.Es la primera vez que el Palacio Galliera, sede del Museo de la Moda de París, abre sus puertas para exponer a un fotógrafo vivo. En total son cerca de 140 obras en color y blanco y negro y color de Roversi, que empezó su carrera profesional en París en 1973.La exposición, abierta hasta el 14 de julio, se abre con una diminuta foto, la primera que tomó Paolo Roversi, con 10 años, a su hermana en vestido de gala, que cumplía 18 años.Y se cierra con una serie de desnudos en blanco y negro de conocidas modelos, como Inès de la Fresange. O Guinevere, una modelo que ha trabajado durante más de 20 años con Roversi dijo a la prensa: "Cuando posas para él tienes la sensación de que te está pintando".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Se trata de Niño y Niña sentada con rebozo, ambos de 1929, que formaron parte de la exposición de 1931 que el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) dedicó al modernista mexicano y también se incluyeron en su gran retrospectiva en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México, en 1949.En los cuadros, Rivera atrae la atención hacia el gesto triste de los niños de ojos grandes y piel oscura que posan en entornos rústicos: el primero, sobre una sábana y con turbante rosa, se lleva la mano a la boca, y la segunda, sobre una alfombra, mira fijamente con las comisuras de los labios hacia abajo.Según explicó a EFE la directora de la galería, Alana Ricca, las obras fueron adquiridas a principios de la década de 1930 por los galeristas Erhart Weyhe y Carl Zigrosser, que llevaban la prominente galería Weyhe de Nueva York, dado el "gran interés" que había en la época por el modernismo mexicano.El experto en arte James Oles, autor del texto de la exposición en la Schoelkopf, señala que los niños son de familias obreras e indígenas y que "representan a los futuros beneficiarios de la Revolución" con una "solemnidad que quizás subraya la dificultad de la vida trabajadora en la que han nacido"."Para Rivera, estos niños vinculaban el pasado distante de México con su futuro proletario", señala, recordando que el muralista realizó en total unos 70 cuadros de niños mexicanos, solos, en pares, con sus madres o con familiares ancianas, y que tuvieron "gran demanda" en el mercado.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Manuel Rodríguez Lozano, el "artista melancólico"También se pueden ver dos cuadros de un pintor menos conocido, Manuel Rodríguez Lozano, de temática similar: Maternidad, el que una mujer amamanta a su bebé, de 1927, y ‘El corrido’, en el que un grupo de personas cantan, de 1926, una de sus obras más complejas entre las pocas que se conocen.El artista, que guardó distancias con Rivera en la vida y en el arte, y a quien se atribuye un estilo melancólico más que político, aborda en esa obra "temas clave posrevolucionarios" con referencias a la historia, antropología y cultura popular, de las que hace una "abstracción elegante y modernista", comenta Oles.Rodríguez Lozano (1896-1971), que no recibió formación académica artística, produjo menos de 40 obras -la mayoría en paradero desconocido- pero eso no impidió que cautivara al galerista Zigrosser, que visitó su estudio, compró varias y dejó escrito que estaban "entre las más interesantes de México".Para Ricca, el "redescubrimiento" de estos tesoros del modernismo mexicano se produce en el momento justo: "Ciertamente, muchos de los temas que trataban estos artistas tienen repercusión hoy, especialmente la feminidad, la maternidad o la comunidad, y los problemas sociales también son relevantes"."Decimos que (estas obras) han sido redescubiertas porque han estado con los descendientes de la familia compradora desde entonces", señaló la directora de la Schoelkopf, quien agregó que "es la primera vez que el público puede ver" los dos cuadros de Rodríguez Lozano.Los cuadros, desgranó, varían en precio desde unos 225.000 dólares hasta 1 millón de dólares.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Entre el 7 y el 30 de marzo, el Centro Cultural Gabriel García Márquez, sede del Fondo de Cultura Económica ofrecerá al público la exposición “Qhapaq Ñan: el gran camino inca”. Organizada por la Embajada de Perú en Colombia, esta exhibición ofrece un detallado y fascinante recorrido visual por el Qhapaq Ñan.Durante todo el mes, la exposición estará abierta al público desde las nueve de la mañana hasta las seis de la tarde en la Sala Débora Arango Fondo de Cultura Económica. El recorrido brindará a los asistentes la oportunidad de descubrir las diversas expresiones culturales de los pueblos incas a lo largo de este antiguo camino.“Conocer el Qhapaq Ñan es comprender gran parte de nuestra historia y la magnitud de nuestra herencia andina. Es entender lo bien organizados que se encontraban nuestros antepasados y cómo a partir de esta red vial, los pueblos contemporáneos todavía pueden seguir tejiendo un futuro de esperanza”, destaca el Ministerio de Cultura de Perú en su promoción de esta ruta histórica. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Fondo de Cultura Económica Colombia (@fcecolombia) ¿Qué es el Qhapaq Ñan?A lo largo de 30.000 kilómetros, esta compleja red de caminos conectó a los incas con seis países de la región sudamericana, abarcando las cumbres nevadas de los Andes y la costa del Pacífico.Si bien las rutas iniciales de este sistema vial datan de hace más de 500 años, fueron los incas, durante el siglo XV quienes unificaron y construyeron las rutas como parte de un gran proyecto político, militar, ideológico y administrativo que se conoció como Tawantinsuyu. Estos caminos les permitieron articular política, económica y socialmente a pueblos, regiones y recursos del extenso territorio andino con la capital del Tahuantinsuyo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Las cuatro rutas principales desde las cuales se forjó el Qhapaq Ñan se desprenden desde lo que hoy en día conocemos como la Plaza de Armas de Cusco, de allí se originaron otras rutas menores, pero que abarcan extensos territorios de Sudamérica. Además de Perú, estos caminos están en Colombia, Ecuador, Bolivia, Argentina y Chile.Dada la importancia de esta red, el 21 de junio de 2014 fue declarado por la Unesco como Patrimonio Mundial de la Humanidad. “El nuevo sitio del patrimonio mundial, que consta de 274 componentes y se extiende a lo largo de más de 5.000 kilómetros. Los componentes se han seleccionado para poner de relieve la importante función social y política de la red viaria; las obras maestras de arquitectura e ingeniería y las infraestructuras conexas dedicadas a las actividades mercantiles, el alojamiento y el almacenamiento de mercancías; y los sitios con un significado religioso”, dijo entonces la Unesco.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Esta disminución en los ingresos oculta un récord absoluto de transacciones (763.000), un aumento del 5 %", detalló el texto.Lo que aumentó especialmente fueron las ventas de menos de 1.000 dólares, (423.000 en total) y las ventas en línea."Solo el segmento de [ventas de] alta gama se ralentiza, con una disminución del 25 % en aquellas superiores a diez millones de dólares", explicó Thierry Ehrmann, director de esta empresa, líder mundial en información sobre el mercado del arte, a AFP."Tres años después del inicio de la crisis de Covid, el mercado de subastas de Bellas Artes (pintura, escultura, dibujo, fotografía, grabados, videos, instalaciones, tapices, NFT) se está recuperando fuertemente en Asia pero está disminuyendo en Occidente", agregó.El mercado estadounidense sigue siendo líder con 5.200 millones de dólares en ventas (-28 %), seguido de China, que retoma sus actuaciones pre-Covid, con 4.900 millones (+4 %).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En otros países de Asia, las disparidades son marcadas: Japón pierde un 22 % de ventas y Corea del Sur un 49 %, mientras que la India muestra un récord con 152 millones (+76 %).Con 1.800 millones (-15 %), el Reino Unido sigue siendo el tercero, seguido de Francia, que totaliza 875 millones en ventas (-11 %).El año 2023 también marca el ascenso de las mujeres, con cinco de ellas en el Top 50 mundial de artistas más valoradas y un número de transacciones relacionadas con ellas que se ha duplicado en cinco años.También es el año de consolidación de los NFT, certificados de autenticidad digital para contenido en línea, en los museos.Esos NFT habían causado sensación cuando llegaron al mercado del arte a finales de la década de 2010, con un auge en 2021, antes de registrar una caída espectacular en 2022 tras el colapso de las criptomonedas.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Uniformes a rayas de Auschwitz, botones tomados de la ropa arrancada al llegar al campo de la muerte de Sobibor, emotivas cartas y fotos: el museo exhibe 2.500 objetos, muchos de ellos nunca antes vistos por el público.Antes de la guerra y la ocupación nazi, Países Bajos albergaba una vibrante comunidad judía de unas 140.000 personas, principalmente en Ámsterdam. Pero para cuando terminó el Holocausto, 75% de ellas -102.000 personas- habían sido asesinadas.El edificio donde se ubica el museo, un antiguo jardín infantil en el histórico barrio judío de Ámsterdam, tuvo un papel crucial en la historia neerlandesa del Holocausto.Al frente se encuentra un teatro donde las familias judías eran llevadas a esperar la deportación a los campos de la muerte. Los niños eran separados y llevados al jardín infantil para su deportación.Unos 600 niños fueron sacados ocultos, a menudo en cajas o cestas bajo las narices de los guardas nazis, y llevados a sitios seguros por la resistencia neerlandesa.Los visitantes pueden caminar por el "corredor de escape", por donde sacaban a los niños, que en su mayoría nunca volvieron a ver a su familia o amigos.Fotos de niños que no tuvieron la misma suerte adornan los muros, todos muertos en los campos de exterminio."En unos centenares de metros cuadrados del centro de Ámsterdam tienes la historia de la deportación, la colaboración, la parte oscura de la historia", comentó a AFP la curadora Annemiek Gringold."Y del otro lado, tienes un edificio que representa a la humanidad, la solidaridad y el tremendo coraje de los rescatistas gentiles que se arriesgaron para salvar vidas judías", agregó.En los muros del museo colgaron textos de las leyes antijudías que impusieron los nazis, incluyendo un requerimiento de 1942 para llevar una Estrella de David amarilla.Las leyes relatan una historia brutal de persecución, en que los judíos tenían prohibido ir a los parques y se ofrecían recompensas por "denunciar" judíos a las autoridades.Para darle un rostro a algunos de los miles de judíos asesinados, el museo presenta el retrato de algunas víctimas con un breve texto sobre sus vidas."Contamos la historia de la humillación extrema y dignificamos a las víctimas al presentar sus objetos de manera muy especial", indicó Gringold.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.ExclusiónEl museo será inaugurado el domingo por el rey Guillermo Alejandro, y su apertura se da en momentos de creciente antisemitismo en Países Bajos.El número de incidentes antisemitas se duplicó en 2023, informó en febrero el coordinador gubernamental contra el antisemitismo. En un caso, vándalos pintaron esvásticas en una sinagoga de la localidad sureña de Middelburg.Ámsterdam destinó 900.000 euros (976.000 dólares) a la seguridad del museo, que tiene grandes rocas al frente para impedir una arremetida con coche.La asociación Barrio Cultural Judío Neerlandés, que administra el museo, dijo que estar "seriamente preocupada" con el impacto de la guerra en Gaza sobre Países Bajos, donde dijo que ha habido un repunte del antisemitismo, la islamofobia y la polarización."Es lamentable que la apertura del Museo Nacional del Holocausto coincida con esta guerra. Hace que nuestra misión sea más urgente", indicó la asociación en un comunicado.Según Gringold, el museo exhibe varias advertencias aplicables a la actualidad, algunas sobre la propaganda, el nacionalismo y el debilitamiento del imperio de la ley."Creo que cada pueblo necesita conocer su historia, estar consciente de lo que los seres humanos son capaces de hacer a otros y con otros", afirmó.Roosje Steenhart-Drukker, una sobreviviente del Holocausto de 82 años, aportó los zapatos que usaba a los dos años de edad cuando sus padres judíos la dejaron, con la esperanza de que fuera encontrada."Estoy sumamente feliz de que nuestra historia no se haya perdido después de tanta tragedia, tanta tristeza", declaró a AFP.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
¿Qué haría Harry Potter? Esa fue la pregunta que se hicieron el comediante Andrew Slack y la banda de wizard rock Harry and the Potters cuando se juntaron en 2005 para crear la Harry Potter Alliance (HPA), una organización sin ánimo de lucro que convocó a varios grupos de fans de Harry y a otras bandas de wizard rock inspiradas en los personajes de los libros para llamar la atención sobre la violación de derechos humanos en el conflicto étnico y militar de Darfur, Sudán.Durante esa primera campaña, cuyo lema era “¿Qué haría Harry Potter?”, recaudaron 14.000 euros que fueron destinados a las víctimas del genocidio.Este texto aparece también en la guía del BIME 2024. Sobre estos temas y más de la industria se habla en el BIME: acá encuentran toda la información.La organización cambió su nombre por “Fandom Forward” en 2021 aduciendo que el “movimiento es para cualquiera que crea en el poder de las historias y las comunidades que las aman para cambiar el mundo”, pero no ha parado desde entonces.Fandom Forward ejecuta acciones recurrentes asociadas a causas como la equidad de género, la igualdad de los derechos de las personas LGBTIQ+, la justicia económica y el cuidado ambiental.La obra de J.K Rowling los impulsó indirectamente, no solo a crear bandas de música y blogs en los que analizan problemas sociales a través de la ficción, sino a formar comunidad e involucrarse en la vida social y política.Idols y swiftiesLa existencia y la misión del Fandom Forward (“creer en el poder de las historias para cambiar el mundo”) es solo uno de muchos ejemplos en los que las obras de la cultura pop crean nuevas comunidades de consumo que se involucran con lo que les interesa en un nivel más profundo. Y este mismo fenómeno, ahora, se puede identificar más fácilmente en la música.En especial, si nos fijamos en dos casos: los seguidores de los idols del K Pop y las swifties (seguidoras de Taylor Swift). Estamos en la era de los fandoms.¿Qué es un fandom?La palabra fandom es la contracción de fan y kingdom [reino]. Como vimos, fue utilizada en principio para designar a los consumidores de historias de ficción (plasmadas en series, libros o cómics) que organizaron comunidades propias para estudiar, reinventar y reapropiarse de esas historias. Pero desde que los artistas entraron en el juego de mercadear su personalidad en redes sociales como una especie de telerrealidad, el término se extendió al campo de la música. La proliferación de los fandoms nos habla de un cambio crucial en la forma en que los consumidores se implican con la música y con los artistas que aman. Ese cambio supone una superación de las acusaciones patologizantes de la idea de “fan” que lo asocian, por lo general, al exceso o a una supuesta religiosidad irreflexiva.Una de las características de los fandoms es que hacen uso de lo que el investigador Henry Jenkins llamó la imaginación cívica: es decir, llevan los valores de una obra (película, álbum, libro) a su vida como ciudadano. El espacio libre para la especulación, la imaginación o la acción en “la vida real” es el que separa al miembro del fandom del fanático “religioso” que no cuestiona su creencia.En el campo de la música, el giro apunta a que, en el reino de los fans, la vida entera del artista se consume como una obra, una historia de fantasía que debe ser apropiada y reinterpretada en el contexto propio.En 2023, Paula Ricciulli entrevistó para Shock a una de las líderes swifties que intentaron frenar la campaña del hoy presidente Javier Milei en Argentina. Esto dijo del modo en el que utilizaron las canciones de Taylor para hablar de su contexto:De esto también hablamos en este capítulo de Nuestro podcast de música para Canal CapitalEl vínculo entre gusto e ideología que menciona la swiftie entrevistada en ese momento es el núcleo del fandom. La novedad de estas comunidades versus la idea del fan “pasivo” o “extremista” es la relación que se establece entre el consumidor y la obra, entendida como una extensión de la vida de su autor: un paquete completo que incluye tanto las canciones como las declaraciones de valores propios. Va incluso más allá de la relación parasocial del fan con el artista a través de las redes sociales.Como señala el investigador Mark Duffett, esa relación entre fan y artista involucra una negociación identitaria más compleja en la que se analiza la compatibilidad en valores. Los artistas son, para el fandom, una guía ética, un modelo de virtud equiparable al que proveen los superhéroes en los cómics.La obra de una artista como Taylor Swift puede ser utilizada en el contexto de una mujer joven en Argentina, antes de las elecciones presidenciales, pero también en la vida diaria y las relaciones amorosas. Los artistas entraron en el inevitable juego de mercadear su personalidad y sus valores individuales. Su obra es, en cierta forma, un subproducto de eso. Y, por extensión, el mismo principio funciona para la audiencia de modo inverso.Sabemos que se ha fandomizado el consumo de la música cuando se puede desplazar hacia los artistas la pregunta que se hacía la Harry Potter Alliance cuando quiso tomar partido en el conflicto en Sudán: ¿Qué haría Harry Potter? Hoy, las swifties se preguntan: ¿Qué haría Taylor?***Recomendaciones:Quizá el personaje más reconocido en la teoría de los fandoms es Henry Jenkins, autor del libro célebre Cultura de la convergencia. Hoy, Jenkins está retirado de la academia, pero tiene un podcast recomendadísimo en el que también habla de estos temas: How do you like it so far. Además de Jenkins, Mark Duffett ha estudiado más detalladamente a los fans en la música y ha compilado muchos de los ensayos escritos al respecto por otros investigadores. Recomendado leer su libro Understanding Fandom. ***Este artículo hace parte la serie Estudios de caso, la sección de artículos de análisis de industria industria cultural en Shock.
“Mi hermana (Karina Milei, secretaria general de Presidencia) está llevando a cabo esa negociación y hay un nivel de hostilidad hacia mi persona y nuestra gente. Nos hace sospechar de que hay intención de sabotear la presentación, al estilo kirchnerista”, dijo Milei en declaraciones a la radio El Observador.El mandatario ultraliberal tenía previsto hablar de “Capitalismo, socialismo y la trampa neoclásica”, una recopilación de artículos que habría escrito durante sus giras como jefe de Estado, para el 12 de mayo, último día de la feria, en la pista central del predio con capacidad para 6.000 personas.Sin embargo, Milei indicó que si se presentaba “amenazaron hacer cosas, son tipos de comportamientos no propios de la cultura, no podemos exponernos a que nos hagan un bloqueo”.También apuntó contra las autoridades del evento al afirmar que “tomaron acciones propias de alguien que quiere sabotear la presentación”.Durante la inauguración de la feria, el presidente de la Fundación El Libro -a cargo del evento-, Alejandro Vaccaro, ironizó sobre la participación del mandatario para criticar la falta de recursos que el Estado argentino destinó a la cultura local.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Su participación implica una serie de erogaciones que la Fundación no puede afrontar. Señor presidente, lo digo con la mano en el corazón: no hay plata”, dijo Vaccaro, usando la frase de cabecera de Milei para justificar sus políticas de ajuste económico.Vaccaro, también había afirmado que los gastos asociados a la presentación y seguridad de Milei correrán por cuenta del mandatario y aprovechó para advertir que la supervivencia de la feria está en riesgo “por las medidas económicas que arrastran (al sector del libro) a un mundo muy lejano al paraíso que imaginaba (Jorge Luis) Borges”.En este sentido, Milei le respondió al presidente de la Fundación por sus palabras durante la apertura, las cuales consideró como “un discurso violento” y remarcó que Vaccaro se manifestó de esa forma “sus claras preferencia kirchneristas”.El jefe de Estado mantiene intenciones de presentar su libro, pero todavía no hay una fecha o lugar para llevar a cabo la presentación, aunque confirmó que lo hará junto al diputado José Luis Espert, que en las últimas semanas pasó de la centroderecha Juntos Por el Cambio a integrar las filas de La Libertad Avanza.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Después de 16 días de feria, de actividades, libros y de “leer la naturaleza”, Corferias se despide de otra edición de la Feria Internacional del Libro de Bogotá, FilBo, con un balance de la participación y asistencia a este evento cultural. Además, en el último día de feria también se presentó a España como el país invitado de honor para el 2025.En 1992, durante la quinta edición de la FilBo, España fue el país invitado de honor a la feria por primera vez bajo el lema del “encuentro de dos culturas”. Treinta y cuatro años después, el país europeo que comparte con Colombia la lengua y una amplia historia regresará con la construcción de cultura de la paz y la lengua en común como temas centrales.“Sabemos que tenemos mucho que aprender, pero también que es una relación de ida y vuelta.En los últimos años hemos fortalecido nuestras relaciones editoriales con España, para lograr que los autores colombianos sean leídos en ese país, y que aquí se lean también a los escritores y escritoras españoles”, explicó Adriana Ángel, directora de la FilBo.Además, aclaró que aunque en esta edición de la feria, en la que Brasil fue el país invitado de honor, hubo una contundente presencia de escritores españoles, como Sergio del Molino, e Irene Vallejo quien dio el discurso inaugural el pasado 17 de abril, todavía hay mucho de la literatura por explorar.Por su parte, el secretario de Estado de Cultura de España, Jordi Marti Grau, en representación del país europeo mostró interés porque las actividades de la próxima feria que incluyen la participación de España no se limiten al pabellón, sino que la cultura española y los temas en común de ambas culturas sean transversales a la agenda de la feria.“Se trata de lanzar un mensaje, me gustaría que fuera un conjunto de actos y actividades conjuntas, me gustaría que autores colombianos que residen en España puedan acompañarnos en la feria”, puntualizó sobre los planes que desde ya preparan.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Este año tuvimos una participación contundente de autores españoles, pero el próximo año también le vamos a apostar a una presencia muy fuerte de libreros, editores, ilustradores y todos los actores de la cadena del libro en la feria y en la ciudad”, aclaró Ángel haciendo referencia a las novedades que se esperan el próximo año.Con su participación en la Feria del libro de Colombia, España culminará una gira por latinoamérica donde también será el país invitado a las ferias del libro de Panamá, en agosto, y de Guadalajara, el próximo diciembre.Además de este anunció, la FilBo también celebró la asistencia a Corferias el primero de mayo, cuando registraron 103 mil visitantes. En los 16 días de feria estiman que asistieron alrededor de 600 mil personas, de acuerdo con Mario Cajiao, vicepresidente de planeación y asuntos corporativos de Corferias.Por parte de los 548 expositores, Corferias registró 1.150 compradores y una expectativa de negocio por alrededor de 6 millones de dólares, “lo que representa un crecimiento del 32 % en relación con el año anterior”, sentenció Cajiao.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Treinta y cinco años después de ganar el premio a la mejor actriz por 'Evil Angels' (Un grito en la oscuridad', 1988), su única aparición en el Festival de Cannes hasta la fecha, hará su esperado regreso a la Croisette", celebró el certamen francés en el mensaje.Meryl Streep se declaró "extremadamente honrada" de recibir la Palma de Honor, un homenaje que en esta edición también se concederá al realizador George Lucas y al Estudio Ghibli."Para la comunidad internacional de artistas ganar un premio en Cannes siempre ha representado la máxima distinción en el arte cinematográfico. Estar a la sombra de los que ya han ganado es a la vez humilde y emocionante. Estoy impaciente por ir a Francia este mayo para dar las gracias a todos en persona", dijo Streep, según el comunicado.La protagonista de títulos como 'Out of Africa' ('Memorias de África'), 'The Bridges of Madison County' ('Los puentes de Madison') o 'Sophie's Choice' ('La decisión de Sophie') fue elegida por su presencia en "innumerables obras maestras" a lo largo de cinco décadas de cine, en palabras de Iris Knobloch y Thierry Frémaux, la presidenta y el director artístico del Festival, y por formar parte "del imaginario colectivo".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Con tres premios Oscar y una cifra récord de 21 nominaciones, Streep "utiliza su intuición y su trabajo duro para reinventarse con cada aparición" en pantalla, destacó también el Festival al hacer un repaso de su extenso currículum, que incluye igualmente películas como 'Mamma Mia!', 'Kramer vs. Kramer' ('Kramer contra Kramer') o 'The Devil Wears Prada' ('El diablo viste de Prada').Además, "a lo largo de toda su carrera", Meryl Streep "no ha temido denunciar públicamente la precariedad de las mujeres en la industria del cine" y ha sido consciente de los desafíos que rodean a la "representación de las mujeres en el cine", añadieron las fuentes.Es por eso que ella ha encarnado, "deseosa" de retratar a las mujeres en "toda su complejidad y fragilidad", papeles en todo tipo de registros y géneros cinematográficos, desde el drama al musical o la comedia.Recientemente lo hizo en la vertiente más familiar y de época en la adaptación de 'Little Women' ('Mujercitas', 2019) dirigida por Greta Gerwig, quien será precisamente la presidenta del jurado de la competición oficial de Cannes, donde este año se medirán figuras como Francis Ford Coppola, Yórgos Lánthimos, Paolo Sorrentino o David Cronenberg."Dos mujeres, dos generaciones, dos exigencias y una misma pasión por el Séptimo Arte reunidas en el escenario del Gran Teatro Lumière", indicó el Festival en referencia a la gran gala de apertura del 14 de mayo, en la que también se estrenará la película 'Le deuxième acte' ('El segundo acto'), del director francés Quentin Dupieux.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Era ingenua, pero había imaginado que yo sería la persona que anunciaría la muerte de mi marido, Paul Auster. Murió en casa, en una habitación que le encantaba, la biblioteca, una habitación con libros en todas las paredes desde el suelo hasta el techo, pero también con altas ventanas que dejaban entrar la luz. Murió con nosotros, su familia, a su alrededor el 30 de abril de 2024 a las 18:58. Algún tiempo después, descubrí que incluso antes de que se llevaran su cuerpo de nuestra casa, la noticia de su muerte circulaba por los medios de comunicación y se habían publicado obituarios. Ni yo, ni nuestra hija Sophie, ni nuestro yerno Spencer, ni mis hermanas, a las que Paul quería como a sus propias hermanas y que fueron testigos de su muerte, tuvimos tiempo de asimilar nuestra dolorosa pérdida. Ninguno de nosotros pudo llamar o enviar un correo electrónico a sus seres queridos antes de que empezaran los gritos en línea. Nos robaron esa dignidad. No conozco la historia completa de lo sucedido, pero sé una cosa: Está mal.Paul nunca abandonó Cancerlandia. Resultó ser, en palabras de Kierkegaard, la enfermedad de la muerte. Tras el fracaso de los tratamientos, su oncólogo le ofreció quimioterapia paliativa, pero él dijo que no y pidió un hospicio en casa. Muchos pacientes sufren los estragos del tratamiento contra el cáncer, y algunos se curan, pero lo que el mundo de la medicina llama educadamente "efectos adversos" se convierte fácilmente en una realidad en cascada de una crisis tras otra, causada, no por el cáncer, sino por el tratamiento. Las inmunoterapias, que actúan a nivel molecular, pueden ser especialmente peligrosas. Un "efecto" puede poner en peligro la vida y exigir una intervención drástica, que a su vez provoca otro efecto potencialmente mortal, que exige una nueva intervención, y el cuerpo agredido se debilita cada vez más.Paul ya estaba harto. Pero nunca, ni con palabras ni con gestos, dio muestras de autocompasión. Su valor estoico y su humor hasta el final de su vida me sirven de ejemplo. Dijo varias veces que le gustaría morir contando un chiste. Le dije que era poco probable, y sonrió.Paul era, sobre todo, un contador de historias. Escribía muchas historias, tanto ficticias como reales, pero también le encantaba contarlas, y a veces me divertía ver cómo, cuando nos sentábamos juntos en la consulta de un médico tras otro en estos dos últimos años, se ponía en modo narrador, volvía atrás para preparar el escenario y luego avanzaba con la fascinante historia de su propia enfermedad. Yo, en cambio, soltaba preguntas concisas sobre procesos biológicos que necesitaban aclaración. Muchas veces, como esperaba, los médicos no tenían respuestas.Los dejo con la última frase de la última novela de Paul, Baumgartner. No fingiré que cuando me la leyó no sentí la gravedad de su significado. Entonces estaba enfermo, sufría fiebres todas las tardes y, aunque aún no le habían diagnosticado cáncer, yo tenía la potente sensación de que a él y a mí no nos quedaba mucho tiempo juntos, pero observen la ambigüedad, la suave ironía, el rechazo de lo definitivo, lo absoluto, lo rígido o categórico. El querido anciano de Paul ha tenido un accidente de coche: "Y así, con el viento en la cara y la sangre aún goteando de la herida de su frente, nuestro héroe sale en busca de ayuda, y cuando llega a la primera casa y llama a la puerta, comienza el capítulo final de la saga de S.T. Baumgartner".💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.No olvidemos que detrás de nuestros inventos técnicos y de las redes sociales hay seres humanos, que los fallos nos pertenecen, no a las máquinas, por mucho que la tecnología ayude a la simplificación. Una máquina no gritó la noticia de la muerte de Paul antes de que yo o nuestra hija hubiéramos dicho una sola palabra al respecto. Lo hizo una persona. También puede ser ingenuo por mi parte pedir amabilidad, respeto y amor en un mundo de beligerantes categorías sin aire, a las que tantos de nosotros hemos sido asignados, Paul incluido. La brutalidad de esas categorías encogen la realidad dinámica en cosas estáticas. Sustituyen la humildad del no saber por una fea certeza. Es desconcertante mirar a mi alrededor y descubrir que innumerables personas que conocieron a Paul, más y menos, a menudo menos, pontifican ahora sobre el hombre que yo amé. Bueno, que así sea. No tengo control sobre eso.Me he reído a carcajadas del estereotipo perpetrado en los medios de comunicación de este país, y a veces también en los del Reino Unido, de Paul Auster, el escritor frío, inteligente, "posmoderno" e "intelectual". Esta caricatura fabricada es tan ajena tanto a la persona como a los escritos que he conocido íntimamente durante cuarenta y tres años, y era, francamente, tan confusa para él, que simplemente no podía entender de qué se trataba. Como su testigo, amiga, amante, colega escritora y primera lectora (como él lo fue mío), sólo puedo decir que escribía desde las profundidades del sentimiento, desde los espacios de ensueño donde nacen, se desarrollan y terminan los grandes libros. No son los espacios de las convenciones prescritas, de las novelas y memorias que salen de los departamentos de escritura creativa de las universidades de Estados Unidos, resbaladizas obras de prosa bruñida que se han convertido en los equivalentes literarios de los algoritmos que "normalizan" los datos deshaciéndose de los "valores atípicos", absurdas mercancías de mercado de "relacionabilidad". ¿Qué significa esa palabra? ¿"Relacionable" con quién? Una relación requiere al menos dos personas concretas. ¿Se ha reducido la cultura de los medios de comunicación a considerar la enorme diversidad de personalidades humanas y sus historias como una sola masa? ¿No es un acto de terrible arrogancia declarar que una obra de arte es o no relacionable?Mi marido no tenía ordenador. Escribía a mano y mecanografiaba sus manuscritos en una máquina de escribir Olympia. En los últimos días de su vida, escribía cartas a nuestro nieto Miles. Su diminuta caligrafía se tambaleaba como consecuencia de un temblor causado por el tratamiento, pero tachó esas cartas hasta que perdió toda fuerza. Nuestra ayudante y querida amiga, Jen Dougherty, descifró los textos después de que yo los hubiera fotografiado, y los mecanografió para él. Quería que fuera su último libro. En un arrebato de determinación, consiguió terminar una carta y redondear su texto, pero el manuscrito no es largo. Con esa carta terminó su vida de escritor.Las historias de Paul viajan. A diferencia de gran parte de la literatura publicada en Estados Unidos, su obra no es parroquial. Aunque creció y floreció sobre todo en su propio terreno -una infancia en Nueva Jersey, una pasión constante por el béisbol, un amor por la tradición y la historia de Estados Unidos-, su obra se ha traducido a más de cuarenta idiomas. Hace años perdimos la cuenta exacta. Es muy querido en América, Europa, Oriente Medio, Japón, Corea y recuerdo haber visto su cara en la portada de lo que creo que era el Esquire chino. Su escritura traspasa fronteras porque, aunque sus novelas y memorias se visten con los ropajes de sus épocas y lugares particulares y la mayoría de las veces se desarrollan íntegramente en Estados Unidos, los huesos de sus historias abordan cuestiones que van mucho más allá de cualquier aquí y ahora. ¿Qué significa estar vivo? ¿Cómo podemos los seres humanos cegados encontrar un camino a seguir cuando estamos atrapados por nuestras propias limitaciones perceptivas? ¿Qué es un acto moral? Y una y otra vez, ¿cómo sigue adelante la gente tras la terrible pérdida de un ser querido? Es una pregunta excelente. ¿Cómo lo hacemos?No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.