'Redescubrir Van Eyck', presentada este martes, reúne junto al cuadro restaurado otros cinco del pintor, del que solo han llegado a nuestros días una quincena de obras, además de unas 60 piezas, entre pinturas de la época, esculturas y libros iluminados.Pintado hace casi seis siglos, hacia 1430, la obra del Louvre "estaba muy sucia" y tenía "muchas capas" de barniz amarillo y grueso "que impedían apreciar los volúmenes de las figuras, la paleta de colores y la precisión de los detalles", explica a EFE la comisaria de la exposición, Sophie Caron.El proceso de restauración incluyó un cuidadoso análisis, que duró más de seis meses, a través de rayos X e infrarrojos para determinar el estado del panel de madera de roble sobre el que está pintada la obra.Este cuadro tiene la particularidad de que no fue concebido para estar colgado, sino que está pintado también por detrás, con una hábil imitación del mármol veteado verde, ya que estaba pensado como ornamentación de un monumento funerario para ser visto por ambos lados, lo que también explica su formato casi cuadrado (69x71 centímetros), inusual en la época.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Nicolas Rolin, canciller del ducado de Borgoña (entonces una gran entidad cuyos territorios se repartían entre Francia y el Imperio Germánico), encargó la obra para usarla como altar portátil en sus viajes y después incorporarla a la tumba que se construyó en la iglesia de su localidad natal de Autun (norte de Francia).La restauración permitió ver que bajo la pintura había un dibujo sobre el que pintó el autor. Después, los especialistas retiraron las capas de barniz y restauraron la parte trasera.La iglesia de Autun fue destruida durante la Revolución Francesa y el cuadro acabó en el Louvre en 1805, donde se mostraba colgando, lo que impedía ver la parte trasera.Luz, color y atención al detalle'La Virgen del canciller Rolin' que resurge de la restauración es ahora un cuadro que cautiva por su luminosidad y su colorido, pero también por la atención minuciosa del artista por los pequeños detalles, como bordados, joyas o pliegues textiles."Van Eyck es un maestro de la luz", explica Caron, "y fue admirado por sus contemporáneos por su manera de mostrar cómo la luz reacciona en diferentes superficies y materias", como cristal, terciopelo, pelo animal o piedra.Además, esta pintura muestra, como otros de maestros flamencos o italianos del final de la Edad Media, la superposición de distintos planos, el uso de elementos arquitectónicos, el trabajo de la perspectiva o el inicio de la técnica del 'sfumato'."El agrupamiento de todos estos parámetros condensa en una sola obra muchos temas que se ven en otras de Van Eyck", resume.Pero Caron, que es conservadora de pintura en el Louvre, reconoce que en esta obra Van Eyck no buscó "una construcción matemática a la italiana", ya que algunas perspectivas "no son muy exactas".En este trabajo se muestra "como un maestro de la construcción (de los planos), al tiempo que se libera del aspecto matemático" de la perspectiva, explica.Igualmente, la pintura muestra, igual que otras de sus coétaneos, una creciente preocupación por el realismo, mostrando arrugas o cicatrices de los personajes.La comisaria no descarta que Van Eyck (nacido hacia 1390 y fallecido en 1441, y que tuvo su taller en Brujas, Bélgica), pudiera haberse inspirado en elementos arquitectónicos o paisajísticos que conoció en la península ibérica, ya que acompañó a la comitiva que viajó para solicitar la mano de Isabel de Portugal, casada en 1429 con el duque Felipe el Bueno.La obra maestra de Van Eyck es el retablo de la catedral de Gante (Bélgica), un políptico de doce tablas realizado junto a su hermano Hubert.La muestra, que terminará el 17 de junio, incluye cinco cuadros más de Van Eyck, como 'La Anunciación', prestado por la Galería Nacional de Washington, y también algunos de su paisano y coetáneo Rogier van de Weyden.También hay libros religiosos iluminados, esculturas, capiteles y otros elementos arquitectónicos que ayudan a poner en perspectiva el trabajo de los artistas a comienzos del siglo XV, cuando el arte medieval evolucionaba de forma inexorable hacia el Renacimiento.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El aporte de mujeres como la poetisa Adela Zamudio a las artes y al pensamiento social en Bolivia, sobre el que muy poco se ha investigado, fue plasmado en siete ensayos incluidos en el catálogo Creadoras. Mujeres artistas en Bolivia, que busca "revelar" la invisibilizada producción artística femenina en el país.El catálogo, que corresponde a la muestra artística con el mismo nombre, fue presentado en La Paz como un "documento histórico" que será la base para "estimular nuevas investigaciones y seguir ahondando en el aporte que da la mujer artista al país", dijo a EFE la directora del Museo Nacional de Arte (MNA), Jackeline Rojas."Es importante visibilizar ese aporte porque siempre hemos estado desde todas las áreas, en lo artístico, histórico y social, invisibilizadas", sostuvo.Las protagonistas de la publicación son las más de cien artistas cuyas obras se lucen en la exposición, inaugurada en octubre pasado en el MNA, pero además las "grandes investigadoras" encargadas de los ensayos, explicó.Una de ellas es la historiadora Margarita Vila, quien hace un recorrido por la creación artística de las mujeres en Bolivia desde fines del siglo XIX hasta la actualidad.Vila recuerda en su texto que las mujeres han participado en la creación del arte "desde los albores de la historia humana", pero hubo que esperar al desarrollo del movimiento feminista en la década de 1970 para que su público "se haga consciente de ello".En el caso de Bolivia, esa historia tiene una pionera, Elisa Rocha de Ballivián (Cochabamba, 1865), quien estudió en una academia de bellas artes en Chile cuando el acceso de las mujeres a la formación académica aún era limitado, señala Vila y agrega que antes de cumplir 30 años ya "era una reconocida retratista".Precisamente el cuadro más antiguo de la muestra 'Creadoras' es el 'Retrato de la Señora Esslinder', pintado por Rocha en 1893.Las "maestras del siglo XX" como Marina Núñez del Prado, Inés Córdova o María Esther Ballivián, junto a otras destacadas en los últimos 50 años, como Cecilia Lampo, Ejti Stih, Guiomar Mesa, y otras más nóveles como Mónica Rina Mamani o Rosmery Mamani, también se mencionan en la investigación.Adela, Josefina y GloriaLa investigadora Montserrat Fernández resalta en su ensayo el aporte pedagógico y literario de la célebre poetisa Adela Zamudio, considerada una de las precursoras del feminismo en Bolivia.La investigación va acompañada con las imágenes de un par de cuadros pintados por Zamudio, revelando así su faceta de pintora, de la que poco se sabe.La antropóloga Gabriela Behoteguy ofrece una semblanza de Josefina 'Fifina' Reynolds, pintora, ceramista e investigadora costumbrista que interpeló el "orden de género establecido" en una sociedad conservadora, pero que no tuvo el reconocimiento que se merece.La investigadora Daniela Franco escribe sobre María Rosenda Caballero, conocida más por su seudónimo, Gloria Serrano, una escritora que fue "precursora del arte y de la escritura indigenista" y cuyo aporte tampoco ha sido valorado.Zamudio, Reynolds y Serrano son homenajeadas en una sala inmersiva en la muestra donde se destaca su aporte a la historia del pensamiento social en Bolivia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Tejidos y arte urbanoEl catálogo también incluye un ensayo de la socióloga Verónica Auza sobre la importancia de la iconografía textil indígena "como fuente de inspiración para otras creaciones", mencionó Rojas.La antropóloga María Soledad Fernández ofrece un acercamiento al arte urbano con una perspectiva feminista, realizado a partir de las experiencias de diez artistas, entre grafiteras, muralistas y fotógrafas.El documento base escrito por Rojas para diseñar el guion museológico de la exposición también es parte del catálogo, con un acercamiento al arte en Bolivia y una explicación detallada de los objetivos y líneas de Creadoras, una muestra cuya importancia radica en "revelar esa producción" artística femenina."Las mujeres siempre hemos estado en todo el proceso histórico de construcción de este país y de construcción también de la historia de la humanidad, pero muy pocas veces se reconoce el trabajo artístico de una mujer", indicó.El MNA y el Centro de la Cultura Plurinacional en Santa Cruz convocaron recientemente a artistas de esa región oriental y de las amazónicas Beni y Pando a postular para replicar en abril próximo la muestra 'Creadoras' en el lado este del país.Las obras participantes serán creaciones actuales en distintas técnicas, obras que narran la lucha de las mujeres por el ejercicio de sus derechos y otras donde se perciba la influencia de las naciones indígenas.🔴No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Cuando llevas" una galería de "arte contemporáneo a una favela, creas un acceso (popular) a lo que antes era el arte de la burguesía, algo exclusivo", afirma Maxwell Alexandre, que abrió su espacio Pavilhão 2 en la agitada Via Ápia de Rocinha, la segunda favela más grande de Brasil.Alexandre, de 33 años, expone desde el año pasado en su barrio natal su obra, con algunas piezas que formaron parte de la muestra "Entrega: one planet. one health", inaugurada en París.Su mensaje está ligado a la vida de este barrio popular: así, tres cuadros con niños vestidos con uniforme de la escuela pública llevan mochilas de una empresa de entrega de comida, una forma de denunciar el trabajo antes de acabar la escolaridad.Pero la iniciativa de Alexandre, que también ha expuesto en España y Estados Unidos, va más allá de exponer en Rocinha. También quiere tener un impacto en el mercado del arte, al vender -exitosamente- láminas originales a precios más asequibles (1.000 reales, USD 200)."Quiero que otros coleccionistas que viven en la favela tengan acceso a mi obra, no solo de forma contemplativa (...), sino dentro de su casa", resalta.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Necesidades vs arteMientras Alexandre conversa con la AFP, la profesora Mariana Furloni, de 45 años, ingresa curiosa en la galería. Ya conocía el trabajo de Alexandre y apoya su causa: "Es genial, porque el arte es generalmente muy elitista" y en Rio suele encontrase solo en los barrios de la Zona Sur, la parte rica, explica.Pero los desafíos persisten para Alexandre, puesto que reconoce que muchos visitantes todavía vienen de fuera de la favela, cuyos habitantes tienen otras prioridades, esto es, cubrir sus necesidades básicas.La idea de que las galerías son "un lugar de gozo estético, sin finalidad práctica, todavía está muy establecida", dijo el artista el año pasado en una entrevista a la revista Forbes. A pesar de los consejos de quedarse en ciudades como Berlín o Nueva York, el brasileño considera que Río es el mejor lugar para crear, debido a la urgencia creada a partir de factores como la violencia y la pobreza.Nuevo sentido a las armasA unos 30 kilómetros del Pavilhão 2, en la Zona Norte de Río, la Galería 5 Bocas fue inaugurada en 2020 por el artista Allan Weber, conocido por sus obras de fotografía y escultura, como las exhibidas recientemente en la feria "Art Basel", de Miami.Weber, de 31 años, dedica ese espacio ubicado en su favela 5 Bocas a presentar a artistas que admira. La galería es "un lugar de intercambio con la comunidad y con los de fuera", dice.La suya surgió de la falta de acceso de sus amigos del barrio a museos de la Zona Sur, pero también para acercar a los amigos de otros lugares reticentes a visitar la favela, escenario habitual de operaciones policiales contra el narcotráfico."Me pasé toda la infancia mirando armas y, gracias al arte, pude darles un nuevo significado a través del objetivo", dice Weber, que creó por ejemplo un "fusil de asalto" a partir de piezas de una cámara fotográfica."Casi nada como esto"Desde septiembre de 2023, Weber expone la muestra "Tô de Pé" (Estoy en pie), del artista Cassio Luis Brito da Silva, de 22 años, conocido como Malvo. La galería exhibe fotos de bailes "funk" - estilo musical nacido en las favelas cariocas - y esculturas de cigarrillos.Brito dice que el espacio es esencial para su carrera y que le "dio una buena sensación" que otros artistas como él "expusieran en el mismo sitio". La galería es también un proyecto social, con el que Weber busca acercar el arte a los jóvenes. Patrocina al equipo de fútbol local y organiza actividades artísticas.La manicurista Cintia Santos de Lima, de 35 años, afirma que se ha beneficiado de los proyectos: "Tengo un hijo autista que antes ni siquiera salía a la calle. Es muy bueno para nosotros, porque en la comunidad no hay casi nada como esto".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este fin de semana la agenda cultural en Colombia está llena de actividades y planes para hacer. Descubra los conciertos, conversatorios y exposiciones que hay en distintas ciudades del país. Planes en BogotáConcierto de la Orquesta Filarmónica de Bogotá Luis Fernando Madrid, destacado director de orquesta colombiano radicado en el exterior desde hace varias temporadas, estará al frente de la Filarmónica de Bogotá en dos conciertos imperdibles con un repertorio vibrante y novedoso.La jornada musical comienza con el sonido local de la obra “Tierras olvidadas (seis narraciones rítmicas para orquesta)”, de Andrés Sánchez Angarita (1960-), pieza originalmente escrita para grupo de percusión con piano y, más adelante, el compositor se encargó de ampliar el formato instrumental.“Mi madre, la oca”, cinco piezas infantiles creadas por Maurice Ravel (1875-1937) en 1910, ocupará el segundo turno en esta serie de conciertos. El compositor francés tomó el nombre de una popular colección de antiguos cuentos de hadas, recopilada por Charles Perrault, para gestar una propuesta lúdica caracterizada por una atmósfera fantástica y una orquestación impecable.Y para el cierre se escuchará la “Sinfonía Nº 1 en Do mayor”, que Georges Bizet (1838-1875) comenzó a componer el 29 de octubre de 1855 y la terminó en un mes. Tenía 17 años y aún no era reconocido por el público, que más tarde se dejó deslumbrar por obras como “Carmen” y “La arlesiana”.📆 Viernes, 15 de marzo📍 Auditorio León de Greiff - Avenida Carrera 30 #45-3🕒 3:00 p. m.Entrada gratuita📆 Domingo, 17 de marzo📍 Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo - Cl. 170 #67-51🕒 5:00 p. m.Entrada con boletería💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Ciclo expositivo del Museo de Arte Moderno de Bogotá Tres artistas pondrán en escena el auge y ocaso del sueño moderno latinoamericano en el primer ciclo expositivo del 2024 en el Museo de Arte Moderno de Bogotá - MAMBO. Mientras que la obra de Carlos Cruz-Diez, especialmente en su dimensión pública y urbana, simboliza la curiosidad y el optimismo de América Latina en los años del boom económico venezolano, la de Alexander Apóstol reflexiona acerca del pasado glorioso y el deterioro de este sueño, cuestionando el modelo de modernidad que una vez fue celebrado en el continente sudamericano. Adicionalmente, la investigación de Carlos Castro Arias se centra en la apropiación y recontextualización de imágenes históricas relacionadas a hechos y mitos colombianos y latinoamericanos.📆 Desde el 15 de marzo📍 Museo de Arte Moderno de Bogotá - Calle 24 #6-00🕒 Viernes y sábados: 10:00 a.m. a 6:00 p.m. y domingos: 12:00 p.m. a 5:00 p. m.Valor del museoRecorrido del Cementerio de PobresDurante esta nueva edición de Hallazgos se realizarán recorridos, laboratorios creativos y exposiciones que reforzarán la investigación y la activación que dio como resultado la publicación del libro ‘La Bogotá de los muertos. Borraduras y permanencias en el Antiguo Cementerio de Pobres’, en donde se ahonda en la función de este lugar, quiénes fueron enterrados y enterradas, y cómo este espacio ha transitado por el tiempo de la ciudad.📆 Sábado, 16 de marzo📍 Centro de Memoria Paz y Reconciliación - Carrera 19B #24-86🕒 10:00 a.m. -1:00 p.m.Entrada con inscripción previa aquí.Agéndese en MalokaCazadores de agujeros negros: Búsqueda de agujeros negros en el universo, proyección de una película reveladora seguida de una sesión de preguntas y respuestas con expertos en astronomía. La entrada es gratuita, pero asegure la inscripción aquí.📅 viernes 15 de marzo🕓 4:30 pm a 6:30 p.m.📍 Cine Domo - MalokaActividad gratuitaPlanes en MedellínSoy músico fest, de la Filarmónica de Medellín“Soy Músico Fest” es una invitación con entrada libre para toda la ciudad, en la que los asistentes podrán disfrutar desde un taller de música, bazar de artesanías, deliciosa gastronomía, hasta una fiesta filarmónica al ritmo de cumbias y porros.📅 sábado 16 de marzo 🕓 3:30 p. m. a 6:30 p. m. 📍 Parqueadero nueva sede de ensayos Filarmed Carrera 66 B #32D 36 (Antiguo Éxito La 33) El amargo sabor de las mandarinasEsta propuesta creativa parte del interés de dar a conocer desde lo teatral el papel de la mujer en el conflicto armado de los últimos 60 años en Colombia. Una mirada poética que no busca repetir la historia por la historia en la escena, busca mostrar lo humano de lo humano como seres sociales donde el dolor se comparte y la esperanza también.📅15 y 16 de marzo🕓7:30 p. m.📍Teatro Popular de MedellínCosto: General $30.000 COP | Tarifas Comfama: $9.000 - B $17.000 COP - C $27.500 COPNo olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Paolo Roversi es conocido por sus fotos con polaroid y la superposición de colores, un estilo onírico que evoca, a menudo con imágenes borrosas, la ropa, los cuerpos o los rostros de los modelos."Sé que vivo en la duda, pero me gusta dudar. Estimo que las dudas son creadoras. Las certezas son puertas cerradas, lo bloquean todo", explicó Roversi, de 76 años, en entrevista con la AFP.Su estilo se fue desarrollando a través de tanteos, e incluso de errores de revelado. "Algunos diseñadores quieren ver sus ropas de manera nítida, por supuesto. Pero otros aceptaron mi imprecisión como algo poético e interesante, algo que le da otro perfume a los vestidos", añadió.Entre esos diseñadores que se rindieron a la magia de Roversi están algunas de las marcas más prestigiosas del mundo de la moda, como el japonés Yohji Yamamamoto, Dior o Comme des Garçons, con los que ha trabajado durante décadas. O estrellas como el modisto John Galliano, o Catalina, la princesa de Gales, en 2021."Me sorprendió la resonancia mundial de esa foto (...) Fue muy agradable trabajar con ella, una persona muy simpática y disponible", recuerda. "Hasta la hice bailar en un momento. Bailaba y fue muy bonito, se sentía libre", añadió el fotógrafo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Roversi es un admirador declarado de los pioneros de la fotografía del siglo XIX. Retratistas que hacían posar durante largos segundos, incluso minutos, a las personas que se ponían delante de su cámara."Una pose larga le da tiempo al alma para surgir. Y le da al azar el tiempo de intervenir" explica el fotógrafo en una de las paredes de la exposición.Es la primera vez que el Palacio Galliera, sede del Museo de la Moda de París, abre sus puertas para exponer a un fotógrafo vivo. En total son cerca de 140 obras en color y blanco y negro y color de Roversi, que empezó su carrera profesional en París en 1973.La exposición, abierta hasta el 14 de julio, se abre con una diminuta foto, la primera que tomó Paolo Roversi, con 10 años, a su hermana en vestido de gala, que cumplía 18 años.Y se cierra con una serie de desnudos en blanco y negro de conocidas modelos, como Inès de la Fresange. O Guinevere, una modelo que ha trabajado durante más de 20 años con Roversi dijo a la prensa: "Cuando posas para él tienes la sensación de que te está pintando".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Se trata de Niño y Niña sentada con rebozo, ambos de 1929, que formaron parte de la exposición de 1931 que el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) dedicó al modernista mexicano y también se incluyeron en su gran retrospectiva en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México, en 1949.En los cuadros, Rivera atrae la atención hacia el gesto triste de los niños de ojos grandes y piel oscura que posan en entornos rústicos: el primero, sobre una sábana y con turbante rosa, se lleva la mano a la boca, y la segunda, sobre una alfombra, mira fijamente con las comisuras de los labios hacia abajo.Según explicó a EFE la directora de la galería, Alana Ricca, las obras fueron adquiridas a principios de la década de 1930 por los galeristas Erhart Weyhe y Carl Zigrosser, que llevaban la prominente galería Weyhe de Nueva York, dado el "gran interés" que había en la época por el modernismo mexicano.El experto en arte James Oles, autor del texto de la exposición en la Schoelkopf, señala que los niños son de familias obreras e indígenas y que "representan a los futuros beneficiarios de la Revolución" con una "solemnidad que quizás subraya la dificultad de la vida trabajadora en la que han nacido"."Para Rivera, estos niños vinculaban el pasado distante de México con su futuro proletario", señala, recordando que el muralista realizó en total unos 70 cuadros de niños mexicanos, solos, en pares, con sus madres o con familiares ancianas, y que tuvieron "gran demanda" en el mercado.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Manuel Rodríguez Lozano, el "artista melancólico"También se pueden ver dos cuadros de un pintor menos conocido, Manuel Rodríguez Lozano, de temática similar: Maternidad, el que una mujer amamanta a su bebé, de 1927, y ‘El corrido’, en el que un grupo de personas cantan, de 1926, una de sus obras más complejas entre las pocas que se conocen.El artista, que guardó distancias con Rivera en la vida y en el arte, y a quien se atribuye un estilo melancólico más que político, aborda en esa obra "temas clave posrevolucionarios" con referencias a la historia, antropología y cultura popular, de las que hace una "abstracción elegante y modernista", comenta Oles.Rodríguez Lozano (1896-1971), que no recibió formación académica artística, produjo menos de 40 obras -la mayoría en paradero desconocido- pero eso no impidió que cautivara al galerista Zigrosser, que visitó su estudio, compró varias y dejó escrito que estaban "entre las más interesantes de México".Para Ricca, el "redescubrimiento" de estos tesoros del modernismo mexicano se produce en el momento justo: "Ciertamente, muchos de los temas que trataban estos artistas tienen repercusión hoy, especialmente la feminidad, la maternidad o la comunidad, y los problemas sociales también son relevantes"."Decimos que (estas obras) han sido redescubiertas porque han estado con los descendientes de la familia compradora desde entonces", señaló la directora de la Schoelkopf, quien agregó que "es la primera vez que el público puede ver" los dos cuadros de Rodríguez Lozano.Los cuadros, desgranó, varían en precio desde unos 225.000 dólares hasta 1 millón de dólares.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Entre el 7 y el 30 de marzo, el Centro Cultural Gabriel García Márquez, sede del Fondo de Cultura Económica ofrecerá al público la exposición “Qhapaq Ñan: el gran camino inca”. Organizada por la Embajada de Perú en Colombia, esta exhibición ofrece un detallado y fascinante recorrido visual por el Qhapaq Ñan.Durante todo el mes, la exposición estará abierta al público desde las nueve de la mañana hasta las seis de la tarde en la Sala Débora Arango Fondo de Cultura Económica. El recorrido brindará a los asistentes la oportunidad de descubrir las diversas expresiones culturales de los pueblos incas a lo largo de este antiguo camino.“Conocer el Qhapaq Ñan es comprender gran parte de nuestra historia y la magnitud de nuestra herencia andina. Es entender lo bien organizados que se encontraban nuestros antepasados y cómo a partir de esta red vial, los pueblos contemporáneos todavía pueden seguir tejiendo un futuro de esperanza”, destaca el Ministerio de Cultura de Perú en su promoción de esta ruta histórica. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Fondo de Cultura Económica Colombia (@fcecolombia) ¿Qué es el Qhapaq Ñan?A lo largo de 30.000 kilómetros, esta compleja red de caminos conectó a los incas con seis países de la región sudamericana, abarcando las cumbres nevadas de los Andes y la costa del Pacífico.Si bien las rutas iniciales de este sistema vial datan de hace más de 500 años, fueron los incas, durante el siglo XV quienes unificaron y construyeron las rutas como parte de un gran proyecto político, militar, ideológico y administrativo que se conoció como Tawantinsuyu. Estos caminos les permitieron articular política, económica y socialmente a pueblos, regiones y recursos del extenso territorio andino con la capital del Tahuantinsuyo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Las cuatro rutas principales desde las cuales se forjó el Qhapaq Ñan se desprenden desde lo que hoy en día conocemos como la Plaza de Armas de Cusco, de allí se originaron otras rutas menores, pero que abarcan extensos territorios de Sudamérica. Además de Perú, estos caminos están en Colombia, Ecuador, Bolivia, Argentina y Chile.Dada la importancia de esta red, el 21 de junio de 2014 fue declarado por la Unesco como Patrimonio Mundial de la Humanidad. “El nuevo sitio del patrimonio mundial, que consta de 274 componentes y se extiende a lo largo de más de 5.000 kilómetros. Los componentes se han seleccionado para poner de relieve la importante función social y política de la red viaria; las obras maestras de arquitectura e ingeniería y las infraestructuras conexas dedicadas a las actividades mercantiles, el alojamiento y el almacenamiento de mercancías; y los sitios con un significado religioso”, dijo entonces la Unesco.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Esta disminución en los ingresos oculta un récord absoluto de transacciones (763.000), un aumento del 5 %", detalló el texto.Lo que aumentó especialmente fueron las ventas de menos de 1.000 dólares, (423.000 en total) y las ventas en línea."Solo el segmento de [ventas de] alta gama se ralentiza, con una disminución del 25 % en aquellas superiores a diez millones de dólares", explicó Thierry Ehrmann, director de esta empresa, líder mundial en información sobre el mercado del arte, a AFP."Tres años después del inicio de la crisis de Covid, el mercado de subastas de Bellas Artes (pintura, escultura, dibujo, fotografía, grabados, videos, instalaciones, tapices, NFT) se está recuperando fuertemente en Asia pero está disminuyendo en Occidente", agregó.El mercado estadounidense sigue siendo líder con 5.200 millones de dólares en ventas (-28 %), seguido de China, que retoma sus actuaciones pre-Covid, con 4.900 millones (+4 %).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En otros países de Asia, las disparidades son marcadas: Japón pierde un 22 % de ventas y Corea del Sur un 49 %, mientras que la India muestra un récord con 152 millones (+76 %).Con 1.800 millones (-15 %), el Reino Unido sigue siendo el tercero, seguido de Francia, que totaliza 875 millones en ventas (-11 %).El año 2023 también marca el ascenso de las mujeres, con cinco de ellas en el Top 50 mundial de artistas más valoradas y un número de transacciones relacionadas con ellas que se ha duplicado en cinco años.También es el año de consolidación de los NFT, certificados de autenticidad digital para contenido en línea, en los museos.Esos NFT habían causado sensación cuando llegaron al mercado del arte a finales de la década de 2010, con un auge en 2021, antes de registrar una caída espectacular en 2022 tras el colapso de las criptomonedas.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Uniformes a rayas de Auschwitz, botones tomados de la ropa arrancada al llegar al campo de la muerte de Sobibor, emotivas cartas y fotos: el museo exhibe 2.500 objetos, muchos de ellos nunca antes vistos por el público.Antes de la guerra y la ocupación nazi, Países Bajos albergaba una vibrante comunidad judía de unas 140.000 personas, principalmente en Ámsterdam. Pero para cuando terminó el Holocausto, 75% de ellas -102.000 personas- habían sido asesinadas.El edificio donde se ubica el museo, un antiguo jardín infantil en el histórico barrio judío de Ámsterdam, tuvo un papel crucial en la historia neerlandesa del Holocausto.Al frente se encuentra un teatro donde las familias judías eran llevadas a esperar la deportación a los campos de la muerte. Los niños eran separados y llevados al jardín infantil para su deportación.Unos 600 niños fueron sacados ocultos, a menudo en cajas o cestas bajo las narices de los guardas nazis, y llevados a sitios seguros por la resistencia neerlandesa.Los visitantes pueden caminar por el "corredor de escape", por donde sacaban a los niños, que en su mayoría nunca volvieron a ver a su familia o amigos.Fotos de niños que no tuvieron la misma suerte adornan los muros, todos muertos en los campos de exterminio."En unos centenares de metros cuadrados del centro de Ámsterdam tienes la historia de la deportación, la colaboración, la parte oscura de la historia", comentó a AFP la curadora Annemiek Gringold."Y del otro lado, tienes un edificio que representa a la humanidad, la solidaridad y el tremendo coraje de los rescatistas gentiles que se arriesgaron para salvar vidas judías", agregó.En los muros del museo colgaron textos de las leyes antijudías que impusieron los nazis, incluyendo un requerimiento de 1942 para llevar una Estrella de David amarilla.Las leyes relatan una historia brutal de persecución, en que los judíos tenían prohibido ir a los parques y se ofrecían recompensas por "denunciar" judíos a las autoridades.Para darle un rostro a algunos de los miles de judíos asesinados, el museo presenta el retrato de algunas víctimas con un breve texto sobre sus vidas."Contamos la historia de la humillación extrema y dignificamos a las víctimas al presentar sus objetos de manera muy especial", indicó Gringold.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.ExclusiónEl museo será inaugurado el domingo por el rey Guillermo Alejandro, y su apertura se da en momentos de creciente antisemitismo en Países Bajos.El número de incidentes antisemitas se duplicó en 2023, informó en febrero el coordinador gubernamental contra el antisemitismo. En un caso, vándalos pintaron esvásticas en una sinagoga de la localidad sureña de Middelburg.Ámsterdam destinó 900.000 euros (976.000 dólares) a la seguridad del museo, que tiene grandes rocas al frente para impedir una arremetida con coche.La asociación Barrio Cultural Judío Neerlandés, que administra el museo, dijo que estar "seriamente preocupada" con el impacto de la guerra en Gaza sobre Países Bajos, donde dijo que ha habido un repunte del antisemitismo, la islamofobia y la polarización."Es lamentable que la apertura del Museo Nacional del Holocausto coincida con esta guerra. Hace que nuestra misión sea más urgente", indicó la asociación en un comunicado.Según Gringold, el museo exhibe varias advertencias aplicables a la actualidad, algunas sobre la propaganda, el nacionalismo y el debilitamiento del imperio de la ley."Creo que cada pueblo necesita conocer su historia, estar consciente de lo que los seres humanos son capaces de hacer a otros y con otros", afirmó.Roosje Steenhart-Drukker, una sobreviviente del Holocausto de 82 años, aportó los zapatos que usaba a los dos años de edad cuando sus padres judíos la dejaron, con la esperanza de que fuera encontrada."Estoy sumamente feliz de que nuestra historia no se haya perdido después de tanta tragedia, tanta tristeza", declaró a AFP.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Con dos exposiciones que conmemoran los parajes del campo, el Claustro de San Agustín reabre sus puertas desde el próximo fin de semana. La primera de ellas, La montaña cuenta una historia, del maestro caldense Luis Hernando Giraldo, presenta 56 dibujos en pequeño formato, en técnicas que van del carboncillo al pastel, pasando por la sangre de cordero, la ceniza y el óleo. Un trabajo sobre la memoria y la naturaleza de su territorio sembrado de vida y de violencia. La segunda, titulada Canción de cuna, presenta una instalación de esculturas realizadas por la artista bogotana Juliana Góngora, quien retoma su trabajo con elementos orgánicos como la leche, la tierra, las hojas de maíz, la sal o los nidos de aves, para tejer una propuesta sobre el afecto, la dulzura, el conocimiento ancestral y el campo como espacio de cuidado y hogar. Con la curaduría de María Belén Sáez de Ibarra y la producción de la Dirección de Patrimonio Cultural UNAL, ambas exposiciones se inauguran el próximo sábado 9 de marzo, a las 11:00 a.m. en el Claustro de San Agustín UNAL. Entrada libre."La montaña cuenta una historia", de Luis Hernando GiraldoEn ‘La montaña cuenta una historia’ la protagonista es la montaña de San Antonio, en Pácora, Caldas, ubicada frente a la casa donde nació el maestro Luis Hernando Giraldo. Allí vivían sus abuelos y allí pasó él las vacaciones en distintos periodos de su vida. A esa montaña que vio desde recién nacido, la dibuja en toda su obra y le suma recuerdos, inquietudes y acontecimientos que no necesariamente sucedieron allí. “Es como una imagen o un leitmotiv que me permite tener un lugar donde poner las historias que pertenecen a mi vida, a la vida de la comarca o a la nacional. La montaña es el telón que está recibiendo las historias para contarlas”, explica GiraldoSu obra es un recorrido por su memoria y esta vez lo empieza desde su más temprana edad, pintando su primer encuentro con la naturaleza, cuando descubrió a la montaña y sus alrededores, desde el momento mismo de su nacimiento. Y desde la memoria remota, con trazos casi rupestres como de la Cueva de Lascaux, el artista introduce las ‘aguidillas’, las vacas, los caballos, las bandadas de pájaros, el arcoiris, la vida rural que luego también incluye el recuerdo cuando vio cómo unos hombres golpeban a su padre, el cielo que sangra y el cordero, los gallinazos y las cruces, que se repiten constantemente, porque así están sembrados los paisajes de nuestro país.💬 Lo invitamos a unirse a nuestro canal de Whatsapp.En esta nueva obra, Giraldo empieza con carboncillo, pasa a la sangre de cordero, luego al pastel y finaliza en óleos. La montaña se repite perfilada en sus horizontes, a veces dos veces, a veces muchas más. Un acto de repetición que también marca el tiempo: de la mañana a la noche, de la noche a la mañana. “Lo hago como si fuera un poema, con la repetición de una frase... Aquí se está diciendo, pero en lenguaje plástico, lo que la poesía dice con palabras. Si el artista no entiende lo que hace como poesía es como si no estuviera haciendo arte”, subraya Luis Hernando.Son 56 dibujos que por primera vez aborda en pequeño formato. A éste llegó después de ver unas obras en pastel de Odilon Redon, en el Museo de los Surrealistas en Paris, en 2013. Entonces decidió experimentar por primera vez con lápices de pastel. Y esta técnica se convirtió de pronto en su favorita por su fácil portabilidad, por los tonos olivas, rojos, ocres y por los ensayos de color que por lo general terminan haciendo parte de la creación final. “La montaña cuenta una historia” nos sorprende entonces con nuevas búsquedas de un autor que no deja de pintar ningún día y que trata siempre de darle a su obra un sentido universal con enganches a ciertos referentes como Giorgioni, Piero della Francesca o Paolo Uccello, entre otros.Esta exposición estará exhibida en la Sala 3 del Claustro de San Agustín."Canción de cuna", de Juliana GóngoraInteresada en el intercambio de conocimiento entre artesanos y comunidades indígenas de las Américas, además de los procesos y transformaciones de los elementos naturales, Juliana Góngora presenta en ‘Canción de cuna’ una instalación escultórica y sonora realizada a partir de su trabajo colaborativo con la comunidad indígena Ko ́revaju, de Florencia, Caquetá. En ella, columnas de ameros penden del techo, y en detalle, se encuentran pinturas casi rupestres realizadas con pigmento vegetal. ‘Nidos de pájaro mochilero’ penden del techo. Estos son realizados de tejido de la palma de cumare y mazorca miniatura llamada millo. Con estos elementos simples y cotidianos -la mazorca, la leche, cal, sal, etc.- se alude al tiempo de la tierra, que es el tiempo de la agricultura, que es el alimento y también cuidado. Y así llegamos a los cantos de abuelas cuidadoras, al tejido familiar, a la dulzura y sus voces se repiten en el aire.Esta exposición estará exhibida en la Sala 4 del Claustro de San Agustín.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El realizador argentino Hernán Rosselli, que estrenó este jueves su película Algo viejo, algo nuevo, algo prestado en la Quincena de Cineastas de Cannes, asegura que el sector está "en estado de completa alarma" por los recortes del Gobierno de Javier Milei, que "ataca" al cine todo el tiempo."Estamos todos en estado de completa alarma. En principio porque el INCAA (el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina) está paralizado desde diciembre y desde el Gobierno de Javier Milei se ataca todo el tiempo al sector de la cultura y del cine", lamentó Rosselli."Da la sensación -prosiguió- de que entendieron que ahí había una batalla, una batalla cultural por dar, como que sintieron que había mucha gente de izquierda de repente en el cine. Y la verdad que es bastante desalentador el panorama".Con el INCAA ya paralizado en la primera mitad del año, "la industria "ya cree que este es un año perdido", advierte Rosselli, dado que "ya no va a haber más rodajes" al margen de algunas películas de grandes plataformas este año."Los técnicos se van a disputar por trabajar y es la pérdida de miles y miles de puestos de trabajo", denuncia más allá del aspecto puramente artístico este cineasta, que acude por primera vez a Cannes gracias al tercer largometraje de su carrera.Pese a todo, la ofensiva contra la industria cinematográfica lo que ha logrado es "unir al sector", considera el Rosseli, algo que no es fácil normalmente.Y es que el cine argentino es "único en la región", sostiene Rosselli, y "probablemente el más diverso de Latinoamérica", con grandes películas industriales, mucho cine independiente, revistas y cineclubes, que demuestran que es "un pueblo muy cinéfilo".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Una matriarca del juego clandestinoAlgo viejo, algo nuevo, algo prestado cuenta la historia de los Felpeto, una familia que regenta un negocio clandestino de lotería y apuestas en los suburbios de Buenos Aires.Tras la muerte del padre, es la matriarca la que debe hacerse cargo de las quinielas ilegales, las cuentas y las relaciones con otros corredores.Pero la película, que utiliza metraje antiguo de los verdaderos Felpeto que participan en la película y que usa un estilo muy documental, se asemeja más a una inmersión en la vida real -con tintes de cine de mafia- de una familia verdadera."Evidentemente es una ficción, porque yo estoy accediendo a momentos de intimidad muy grandes que en un documental no sería posible", matiza.Lo que busca Rosselli es que la audiencia "se esté un poco preguntando todo el tiempo por la naturaleza del material", y sobre si las personas que está viendo en la pantalla son actores interpretándose a sí mismos o si por el contrario son personas reales."Eso me parece interesante", detalla el cineasta, que ve en esa propuesta diferente una de las claves por las que su obra fue seleccionada para la Quincena de Cineastas (antes Quincena de Realizadores)."La gente que está acostumbrada y trabaja de ver películas se vuelven como una especie de taxistas audiovisuales, donde están acostumbrados a ver lo mismo, incluso los tópicos del cine de autor, que a veces es más pesado. Es preferible ver una buena película industrial que una mala película de autor", opina."Y creo que cuando aparece algo que un poco se desvía en la lógica de dar la información de siempre y te logra cautivar a pesar de que trabajas bien 200 películas, como que ahí, según me dijeron, eso les atrapó", concluye.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este sábado, 18 de mayo, la música y el talento afro será el tema de encuentro durante la cuarta edición del festival Top Show Colombo, un espacio artístico que le apuesta a resaltar la riqueza de la cultura musical de Colombia y Estados Unidos.El concierto de este sábado será la segunda entrega de este festival, que como primer gran evento tuvo un concierto en el teatro El Ensueño, al sur de Bogotá el pasado 4 de mayo. Yoky Barrios, Alexis Play, Los Dioses del Ritmo y la banda de jazz estadounidense Moods of her fueron los artistas invitados.El segundo escenario en el que el Centro Colombo Americano de Bogotá, en alianza con la Embajada de Estados Unidos en Colombia e IDARTES, traerán a reconocidos artistas afrocolombianos será el teatro al aire libre, la Media Torta, en el centro de la ciudad.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Este año vamos a gozar de nuestro poder afro en dos escenarios muy especiales de la ciudad de Bogotá”, anunciaron los organizadores del festival. En el concierto podrán ver a artistas como la cantante y compositora Mabiland, Tostao ft. exótico pal mundo, al salsero Mauro Castillo, y a Herencia de Timbiquí.La entrada al concierto, que inicia a las 2:00 de la tarde, estará habilitada desde la 1:00 p.m., procure llegar con tiempo pues el ingreso será en orden de llegada. Además, les recordamos que es un evento gratuito y un espacio amigable con las mascotas.Para entrar en ambiente, compartimos la playlist del evento:🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El próximo sábado tendrá lugar en el auditorio León de Greiff, la casa habitual de la Filarmónica de Bogotá, un homenaje a las y los docentes de la Universidad Nacional de Colombia. En total, esta institución educativa tiene en sus sedes de todo el país cerca de 3.000 educadores que se encargan de formar alrededor de 60 mil estudiantes, de los cuales el 87% son de pregrado. “Para la Filarmónica es un orgullo hacer parte de este merecido homenaje a los educadores de la Universidad Nacional a través de la música que, como la educación, es un importante vehículo de transformación social”, asegura David García Rodríguez, director general de la Filarmónica de Bogotá. Con esta presentación musical, que hemos llamado “Tejiendo futuro”, la Filarmónica de Bogotá se une a la tradicional celebración preparada junto a Bienestar y Patrimonio Cultural de la institución educativa. En homenaje a las y los docentes, la Orquesta interpretará una obra memorable del colombiano Jesús Pinzón Urrea, un concierto para violonchelo de Antonín Dvořák, y una impactante sinfonía de Leoš Janáček. El 29 de octubre de 1974, la Filarmónica de Bogotá estrenó la obra “Gráfico I”, de Jesús Pinzón Urrea (1928-2016), una propuesta musical en la que el compositor reemplazó los signos tradicionales del pentagrama por líneas, puntos, jeroglíficos y figuras geométricas que debían ser descifrados por el director y los intérpretes. Cinco décadas más tarde, la Orquesta se reencuentra con esta pieza y lo hace en una versión especial dirigida por Rubián Zuluaga.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí. José David Márquez, músico de nuestra agrupación principal, será el solista en la ejecución del “Concierto para chelo”, de Antonín Dvořák (1841-1904). El compositor checo creó esta obra durante el tiempo comprendido entre 1894 y 1895, cuando aún se encontraba en Estados Unidos, país al que llegó en 1892 para desempeñarse por tres años como director de una escuela de música en Nueva York. Muchos expertos consideran a Leoš Janáček (1854-1928) como uno de los compositores nacidos a mediados del siglo XIX que asumieron el reto del cambio y la actualización del lenguaje musical. Una muestra de ello es su obra “Taras Bulba”, creada en 1918, con la que la Filarmónica de Bogotá finalizará el homenaje a los educadores de la Universidad Nacional de Colombia este sábado 18 de mayo (4:00 p.m.) en el León de Greiff, con entrada libre hasta completar aforo.El repertorio de este concierto se interpretará también el viernes 17 de mayo (7:00 p.m.) en el Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Ellas empezaron a hacer preguntas difíciles y me di cuenta de que esa era la definición de crecer: ese momento en el que sientes que tienes que dejar de ser un niño para entrar al mundo real y por eso quise escribir esta película, para decirles que no tienen que hacer esa elección, que siempre pueden tener un poco de ambos", explica en una entrevista con EFE.Durante la pandemia de covid-19, el también actor, más conocido por su papel de Jim Halpert en la serie 'The Office', comenzó a darse cuenta de hecho de que "el mundo real" estaba "entrando demasiado" en los juegos imaginarios de sus hijas.El filme de Paramount escrito, producido y dirigido por él, que se estrena este viernes, sigue la historia de Bea, una niña de 12 años que perdió a su madre cuando era más pequeña y que ahora teme por la salud de su padre, quien pasa los días en el hospital a la espera de una complicada cirugía.Mientras la operación llega, Bea (Cailey Fleming) se da cuenta de que tiene el superpoder de ver a los amigos imaginarios que han sido olvidados por las personas y junto a Cal, un hombre misterioso encarnado por Ryan Reynolds, luchará para que estos sean recordados.A lo largo de la película la pequeña se debate entre rechazar la infancia por la que aún atraviesa o aceptar lo dura que es la vida, pero su padre, interpretado por Krasinski, no deja de impulsarla a seguir soñando."Cuando llegué a la sala de edición me di cuenta de lo que se parecía la situación a mi vida. Esta niña está a punto de dejar de serlo y vi que ese día le llegará muy pronto a mis hijas", comenta el actor de 44 años, quien junto a la también actriz Emily Blunt es padre de dos niñas llamadas Hazel y Violet.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Aunque la cinta está enfocada a un público jóven, Krasinski espera que los espectadores puedan mirar hacia atrás y recordar los momentos felices de la infancia en la que los problemas carecían del peso y no existían las apariencias impuestas de la adultez."Parece sencillo, pero como adulto es muy difícil recordar que hubo un tiempo en el que no te importaba que la gente te viera disfrazado de pirata o con alas de mariposa", comenta.El filme cuenta con un gran número de personajes inspirados en los propios amigos imaginarios de sus hijas, como Marshmallow, a quien Krasinski prestó su voz. Otros fueron inspirados en la personalidad de sus amigos.Por ejemplo Bleu, a quien escribió pensando en su coestrella de 'The Office' Steve Carrell; Blossom, creado para Phoebe Waller-Bridge, o el oso Lewis, para Louis Gossett Jr.."Lo más conmovedor para mí con este reparto fue que todos firmaron por la misma razón: dijeron que les encantaba el mensaje de conectar con tu niño interior", relata.Krasinski debutó como escritor y director en 2009 con 'Brief Interviews with Hideous Man' y repitió sus habilidades multitarea en la saga de ciencia ficción 'A Quiet Place', protagonizada por él mismo y Blunt y que tuvo gran aceptación por la crítica especializada.Según el actor, llevar las riendas de todo un proyecto "es más fácil de lo que parece", y asegura que después de haber hecho un proyecto tan "oscuro" como 'A Quiet Place', 'IF' fue como estar sumergido "en una burbuja de felicidad"."La clave para mí es intentar no pensar demasiado en lo que voy a hacer a continuación ni analizarlo en exceso. Sólo tienes que esperar a que se te ocurra una idea que te guste tanto que tengas que hacerla", expone.Actualmente Krasinski se encuentra rodando como actor 'Fountain of Youth', película del británico Guy Ritchie que también tendrá en su elenco a la mexicana Eiza González y a la estadounidense Natalie Portman.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Principalmente porque para contar la historia de 'Fury Road' (2015), teníamos que conocer la historia detrás de Furiosa", explicó en una rueda de prensa sobre cómo decidieron poner en marcha 'Furiosa', precuela de la película de hace nueve años que protagonizó Charlize Theron.Cada película abre las puertas de otra historia de la saga, pero el realizador australiano afirmó que esperara a ver cómo funciona 'Furiosa', presentada fuera de competición en el festival, "antes de pensar" en nuevas entregas.En 'Furiosa', más allá de las brutales escenas de acción, que funcionan casi como una coreografía, el mayor acierto está en la elección de sus protagonistas, con un Hemsworth tan divertido como cruel como el villano Dementus, y Taylor-Joy con la expresividad necesaria tan solo con sus ojos para interpretar a una Furiosa con muy poco diálogo en la cinta.Hemsworth, al que gustó una descripción de su personaje hecha por un periodista que dijo que es una mezcla de Darth Vader y Looney Tunes, resaltó que trabajó mucho con Miller para encontrar la humanidad en Dementus."Para George y para mí era importante encontrar la humanidad en el personaje y agregarle momentos de vulnerabilidad" para comprender que había sufrido mucho.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El actor no quiso justificar las acciones de su personaje, que simplemente responden a la lucha "por sobrevivir en un espacio brutal" y destacó la inclusión de algunos toques de humor, algo ausente en las películas anteriores de Mad Max. "He disfrutado cada segundo de esta experiencia", agregó.Mientras que para Taylor-Joy lo más complicado de su experiencia fue la parte física. La actriz de origen español y argentino se preparó mucho físicamente par encarnar a la guerrera Furiosa, tanto que desarrolló una gran amistad con la especialista que la ayudó, Hayley Wright."Ella es ahora una de mis mejores amigas en todo el mundo. En lugar de ser un ambiente de agresión, me decía: 'Te quiero, creo en ti, vas a poder hacerlo'". Y eso le dio la fuerza necesaria para realizar las complicadas escenas de acción. "Fue maravilloso", aseguró.'Furiosa' llega 45 años después del original protagonizado por Mel Gibson, una primera entrega que fracasó en Estados Unidos y que contaba con una mezcla de acentos en inglés que no gustó nada al director.Ahora está satisfecho de que 'Furiosa' sea finalmente "un 'Mad Max' con todos los acentos australianos". Y recordó divertido que cuando llegó a Estados Unidos a presentar aquel primer filme les preguntaban si eran austríacos porque no entendían su inglés.Una saga que ha ido evolucionando con el tiempo y que en cada película ha cambiado en el estilo y en los personajes, algo necesario para Miller. "Si te dedicas a repetir lo que ya has hecho, no hay ganas para hacer nada más (...) siempre me he dejado llevar por mi curiosidad".Esas ganas de aprender le llevan a estar más interesado en la forma de contar una historia que en la historia en sí misma, algo que queda claro en 'Furiosa', con una atención a cada detalle formal, lo que da como resultado una película que visualmente está muy por encima de un guion flojo.Miller reconoció esa obsesión por el más mínimo detalle para que todo lo que aparezca en cada imagen de la película ayude a contar la historia. "Hay una fuerte conexión entre la estética de los vehículos y de los personajes", apuntó el realizador como ejemplo.A lo que Taylor-Joy añadió que en cada personaje tenían que saber "exacta y detalladamente cada cosa que lleva" porque "no hay nada que esté ahí por accidente".Un equipo satisfecho con una película que para algunos ha sido más que un simple trabajo, como Hemsworth. "La saga de 'Mad Max' tiene un lugar en mi corazón", dijo el actor, que agradeció a Miller el haberle llevado a este proyecto y a los espectadores su pasión por la historia.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.