'Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España' se podrá ver entre junio y septiembre de este año y contará con unas 70 obras, la mayoría procedentes de España y México, según explicó este jueves el Prado en un comunicado.La exposición estará comisariada por dos expertos mexicanos: Jaime Cuadriello, profesor de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, y Paula Mues, profesora de la Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía del Instituto Nacional de Antropología e Historia de México.La imagen de la Virgen de Guadalupe se difundió masivamente entre 1650 y 1790 y se convirtió en un símbolo religioso clave en España, Italia, Filipinas y América Latina, señala el museo en una nota.Su imagen milagrosa, con su belleza y técnica, sirvió como "prueba del favor divino hacia los habitantes de la Nueva España" y durante años fue una de las imágenes más reproducida y copiada por artistas novohispanos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."La exposición explora su circulación en España, el impulso del culto en la Edad Moderna -añade la pinacoteca-, las relaciones entre la Virgen de Guadalupe de Extremadura y la mexicana, y el papel de los artistas en su difusión".'Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España' sigue la senda iniciada por el museo en 2021 con 'Tornaviaje', una exposición que ponía el foco en el arte realizado en América Latina.La muestra forma parte de la programación del museo para 2025, anunciada hoy y que contará con exposiciones de El Greco, Veronés y Rafael Mengs.El Prado batió el año pasado su récord histórico de visitantes, con 3,45 millones de personas, un 6,6% más que en 2023.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'José María Velasco: Una vista de México' será también la primera exposición monográfica en territorio británico dedicada a Velasco, uno de los pintores mexicanos más celebres del siglo XIX, y coincide con el 200 aniversario del establecimiento de relaciones diplomáticas entre el Reino Unido y México.La muestra, que permanecerá en el museo londinense hasta el 17 de agosto de 2025, establecerá vínculos entre la obra de Velasco y otras pinturas de la National Gallery, en particular 'La ejecución de Maximiliano' (1867-68) de Édouard Manet, que representa la ejecución del gobernante austriaco en México.La obra de Velasco (1840-1912) es conocida por retratar con brillantez los paisajes de México y los alrededores de la capital del país, así como por la representación del cambio social y la industrialización en sus cuadros; por eso esta muestra también abordará "preocupaciones más amplias" sobre la relación entre seres humanos y el medioambiente.De acuerdo con un comunicado de la National Gallery, aunque Velasco expuso sus cuadros en Europa y Estados Unidos en vida, no hay ninguna pintura del mexicano en colecciones públicas del Reino Unido y su última muestra a gran escala fuera de México se celebró en 1976 entre San Antonio y Austin, en Texas (Estados Unidos).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En esta ocasión, la exposición, comisariada por el artista Dexter Dalwood y el comisario asociado de pintura española de la National Gallery Daniel Sobrino, está organizada conjuntamente entre la National Gallery de Londres y el Instituto de Artes de Mineápolis (MIA), en Minesota (Estados Unidos) y viajará por ambas ciudades hasta enero de 2026.Según Dalwood y Sobrino, está exposición "ampliará y mejorará" la comprensión de la pintura de paisajes del siglo XIX a través de las obras de Velasco, que absorbieron "la tradición y la historia de la pintura paisajística europea, llevando al mismo tiempo la representación y la comprensión del paisaje mexicano a un nuevo nivel de inteligencia pictórica".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La encuesta, realizada por la Asociación de Directores de Museo de Arte (AAMD), PEN America y Conexión de Artistas en Riesgo (ARC) en verano de 2024, y publicada este martes, constata que los líderes de los museos perciben la censura como "un problema cada vez peor" y temen que continúe así.Cerca del 65 % de los participantes indicaron haber recibido "presión para no incluir una exposición u obra de arte" durante sus carreras, y un 45 % admitió que las presiones se debieron a que el arte "era considerado potencialmente ofensivo o polémico", indica el informe.Los directores trataron "las consecuencias culturales de la guerra Israel-Hamás en Gaza", y aunque se expresaron con optimismo sobre las oportunidades para mostrar obras de artistas palestinos e israelíes, un gran número "relataron cómo esto es un nuevo tema espinoso en el sector del arte", señala el texto.En ese sentido, algunos directores sostuvieron que hay tensiones y esfuerzos para "censurar arte y artistas relacionados con el conflicto israelí-palestino" desde hace muchos años, en algunos casos por parte de donantes del museo, pero también del propio personal y los visitantes.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Actualmente, todos luchamos para hallar el enfoque correcto con artistas que expresan apoyo a Israel o Palestina en sus obras. Esas muestras casi con total seguridad se convierten en puntas de lanza de voces extremistas de un lado u otro", dijo un director, no identificado.Los puntos más polémicos en el mundo de los museos de arte están en obras referentes "al conflicto Israel-Palestina o arte que critica el cristianismo, particularmente en cuanto a esfuerzos motivados religiosamente para censurar la desnudez o la sexualidad", declara uno de los extractos del documento.Preguntados por varios temas polémicos para exposiciones y la probabilidad de que su museo reciba quejas del público, el primer lugar lo ocupó el arte "crítico con el cristianismo", al que aludieron el 30 % de los encuestados, "con el expresidente Trump" (28 %), y con el presidente Biden (21%).Además, el 90 % de los directores participantes revelaron que sus museos no tienen políticas específicas para responder a amenazas de censura formales o informales, por lo que las organizaciones recomendaron establecer procedimientos al respecto, con condiciones para "alterar" exposiciones.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La exposición, organizada en colaboración con Omer Pardillo Cid, albacea de Celia Cruz Estate, presentará una colección cuidadosamente seleccionada de fotografías, videos, carteles, pelucas y vestidos que pertenecieron a la icónica cantante, fallecida en 2003 a los 77 años."Es un homenaje a su trayectoria artística y a su incansable compromiso con su público, al que le encantaba hacer bailar hasta el amanecer", indica un comunicado de prensa.Este homenaje no solo celebra la trayectoria artística de la cantante, sino también su inquebrantable compromiso a lo largo de su vida con su público en general y con su gente de Cuba en particular, señala la nota.Igualmente, la coincidencia del centenario de Cruz con el de la ciudad de Hialeah y la Torre de la Libertad subraya la profunda conexión de la artista con la comunidad cubana de Miami.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Nacida en La Habana en 1925, Celia Cruz se convirtió en la voz emblemática de La Sonora Matancera antes de huir del régimen comunista cubano en 1960.El lanzamiento de su carrera como solista, caracterizada por sus actuaciones audaces y emotivas, la catapultó a la fama internacional, actuando en escenarios de todo el mundo, pero manteniendo siempre un fuerte vínculo con sus raíces cubanas.Celia Caridad Cruz y Alfonso, más conocida como Celia Cruz, se convirtió el pasado 8 de agosto en la primera mujer afrolatina en aparecer en una moneda de Estados Unidos.La muestra se extenderá hasta el próximo 15 de febrero en la Galería de Arte del Recinto Hialeah del MDC. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Museum of Art and Design @ MDC (@moadmdc)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Y podría tratarse solo de la punta del iceberg ya que las aseguradoras temen que las pérdidas de patrimonio cultural sean una de las más graves de la historia de Estados Unidos.El galerista Ron Rivlin, que tiene una galería de arte en Los Ángeles, ha señalado al New York Times que su casa de Pacific Palisades ha quedado reducida a ceniza. En su interior había cerca de 200 obras de arte, aproximadamente 30 piezas de Andy Warhol y docenas de otros artistas contemporáneos como Keith Haring, Damien Hirst, John Baldessari y Kenny Scharf.Pérdidas millonariasEntre las obras perdidas se encuentran un grabado de Warhol de la reina Isabel II, varias piezas de las icónicas latas de sopa Campbell y otras piezas similares de Superman, Mickey Mouse y Howdy Doody. El galerista asegura que, en su caso las perdidas ascienden a varios millones de dólares.Varias aseguradoras consultadas por Artnews, señalan que todavía es pronto para hacer cálculos, pero que las cifras serán sustanciales.El especialista en seguros de bellas artes y director general de Risk Strategies, Simon de Burgh Codrington, afirmó que "posiblemente sea una de las pérdidas de arte más impactantes jamás vividas en Estados Unidos".La Villa Getty, que atesora numerosas obras, se encuentra ubicada en la zona afectada por los incendios pero cuenta con un sistema de riego en su perímetro ideado para frenar incendios y que se puso en marcha el pasado 8 de enero cuando el fuego alcanzó el jardín, por lo que el edificio no se ha visto afectado.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíVarios artistas y sus estudios han visto desaparecer sus casas y estudios por los incendios y han tenido que cancelar o postponer sus exposiciones. Entre los afectados se encuentran Diana Thater, T. Kelly Mason, Camilla Taylor, Kelly Akashi, Paul McCarthy y Ross Smonini, señala Artnews.El New York Times también estima que cerca de 100.000 partituras del compositor Arnold Schoenberg han quedado destruidas. Sus herederos atesoraban y gestionaban el legado a través de una editorial ubicada en Palisades.El archivo personal y la biblioteca del editor literario y crítico de arte Gary Indiana, que contaba con numerosas piezas únicas, también ha sido destruida en el incendio, como explica en un testimonio en primera persona el escritor Colm Tóibín, que ha contado su experiencia en el medio London Review of Books.Tóibín vive en Highland Park, cerca de Pasadena, un área limítrofe con Altadena, donde se iba a ubicar el legado de Gary Indiana -fallecido en octubre en Nueva York- que precisamente llegó a Altadena un día antes de que comenzara el incendio."Fue el día equivocado. Si ellos (las ediciones firmadas, los libros de arte raros, los libros extraños, los libros que Gary atesoraba) hubieran llegado un día después, no habría habido una dirección donde entregarlos, por lo que se habrían salvado", lamenta Tóibín.Arquitectura en peligroLos incendios también amenazan con hacer desaparecer una gran parte del legado arquitectónico de Los Ángeles. Entre las casas que han desaparecido se encuentran la de estilo ranchero del cómico y actor Will Rogers o la casa Keeler House del arquitecto Ray Kappe, ambas en Palisades.En Altadena, las llamas se han cobrado otras dos joyas artquitectónicas: Zane Gray Estate y la Casa Andrew McNally.En Palisades se encuentra algunas obras referentes de la historia de la arquitectura como la Casa Eames, que fue vivienda y estudio de los diseñadores Charles y Ray Eames, y todo un símbolo del experimentación de mediados de siglo, y que todavía sigue en pie.Y más allá de su valor arquitectónico, algunas espectaculares mansiones de famosos también han desaparecido. Entre ellas, las de Jamie Lee Curtis, Mel Gibson, Jeff Bridges, Anthony Hopkins, Paris Hilton, Billy Crystal, Adam Brody y Leighton Meester o Rosie O'Donnell.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El museo londinense permanecerá abierto durante 24 horas en el último fin de semana de la exposición, con franjas horarias adicionales desde las 21:00 GMT del viernes 17 de enero hasta las 10:00 GMT del sábado 18.Se trata de la segunda vez en la historia que la National Gallery abre en horario nocturno, trece años después de la primera por motivo de la exposición 'Leonardo Da Vinci: Pintor en la Corte de Milán'.La exhibición "Van Gogh: poetas y amantes" es la primera exposición que la National Gallery dedica a Vincent van Gogh y la única a nivel mundial que se centra en las "transformaciones imaginativas" del artista, con más de 60 obras y préstamos de museos y colecciones privadas.La muestra de pago, inaugurada el pasado 14 de septiembre, ha recibido más de 280.000 visitantes hasta la fecha y las entradas para esta sesión nocturna ya están agotadas.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí"Nuestros visitantes tendrán la oportunidad única y especial de contemplar los cuadros de Van Gogh durante la noche y las primeras horas de la mañana, siguiendo los pasos de artistas como Freud, Bacon y Hockney, que vinieron aquí en esos momentos para inspirarse en la colección de la galería", explicó el director de la National Gallery, Gabriele Finaldi, en un comunicado.Asimismo, la iniciativa se enmarca dentro del programa de eventos por el 200 aniversario del museo, que a lo largo de este 2025 también incluirá las exposiciones de pago 'Siena: el auge de la pintura' y la primera muestra en el Reino Unido dedicada al artista mexicano José María Velasco, a partir del próximo mes de marzo.Igualmente, el 10 de mayo, la National Gallery reabrirá su Sainsbury Wing, tras completar la renovación más amplia de la institución en los últimos años.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Entre las muestras, destaca la inmersiva exhibición multimedia Johann Strauss-New Dimensions, inaugurada ya en noviembre pasado en el Museo Johann Strauss de Viena, situado en el centro de la capital austriaca."La historia de Strauss siempre será interesante de escuchar, no solo en el aniversario", que será el 25 de octubre, aseguró en declaraciones el director del museo, Peter Hösek.La muestra, que según el director busca ser una experiencia "informativa, inmersiva e interactiva" a través de siete salas, hace un recorrido por la historia vital del compositor del legendario vals 'El Danubio Azul'.Una inmersión tridimensionalLa exhibición culmina en una sala inmersiva con paredes de 5,50 metros de altura con un espectáculo audiovisual en el que se recrean en 3D los momentos más importantes de la vida de Strauss, incluyendo un concierto dirigido por el propio compositor en Boston (EEUU) en 1872 ante unos 50.000 espectadores.Para su recorrido, al visitante se le ofrecen auriculares especiales, con una audioguía en ocho idiomas (entre ellos, español), y una tecnología de sonido 3D basado en la ubicación del usuario.Por lo tanto, según donde esté la persona en cada momento el audio y la música se reproducen sin necesidad de pulsar ningún botón, creando una experiencia tridimensional.Según Hösek, es la primera vez que se utilizan estos cascos en una exposición a gran escala. "No sé de ningún otro compositor que tenga un museo inmersivo como éste", aseguró el director.Componer un vals propioEl visitante también puede intentar sentirse como el propio Strauss gracias a una máquina de composiciones que permite crear un vals personalizado, descargado y grabado a través de un código QR."Aunque no sepas nada de música, puedes juntar varias melodías y crear tu propia composición", explicó el director del museo, pues el vals tiene siempre la misma estructura. Además, el museo utilizó Inteligencia Artificial (IA) para animar algunas de las imágenes de la exposición.Desde que fue inaugurado, el museo acogió solo el primer mes más de 7.000 visitantes y se ha convertido ya en una de las principales atracciones de la capital austríaca. "Siempre que vengo veo las reacciones de la gente y cuando les preguntó si les ha gustado, me dicen: 'ha sido fantástico'. Además, mucha gente me dice que no sabía todo esto sobre la vida de Johann Strauss", relató Hösek.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíStrauss fue en su época lo que hoy sería una "estrella del pop y rock", pues "la música en cada época es distinta, pero el estatus es el mismo", explicó.Más de un siglo y medio después, la música del 'rey del Vals' sigue fascinando a la gente. "Donde sea que vayas en el mundo, la audiencia se vuelve loca con Johann Strauss por su música alegre y ligera, es algo que nadie puede replicar", concluye Hösek, que ya tiene planes de trasladar la muestra inmersiva a otros países.Viena festeja a su 'rey del Vals'Mientras, toda Viena, cuna natal de Johann Strauss hijo, está inmersa en las celebraciones del jubileo del célebre compositor, con al menos un estreno dedicada al 'rey del Vals' cada semana de 2025, de diez géneros diferentes en diversos espacios, interiores y al aire libre, repartidos en todos los 23 distritos de la capital.Grandes orquestas y artistas contemporáneos actúan en estos espectáculos, algunos de los cuales tienen insólitos escenarios como el Cementerio Cuentral, la Fiesta de la Isla del Danubio o el propio cielo.El programa se completa con varias exposiciones dedicadas a la vida y obra el autor de la opereta 'El Murciélago', como un 'escape room' en el MuseumsQuartier de Viena y otras muestras en la antigua residencia del músico o en el Museo del Teatro en el Palacio Lobkowitz.Esas exhibiciones se suman a la permanente sobre la dinastía musical de los Strauss que ofrece la "House of Strauss". Situada en el Palacio Zögernitz, alberga la única sala de conciertos original que aún se conserva en el mundo, en la que actuaron las cuatro leyendas de la familia de compositores y directores de orquesta: Johann Strauss padre y sus tres hijos, Eduard, Josef y Johann.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El museo más grande del mundo "mantiene (...) su afluencia al nivel de 2023", con 8,7 millones de visitantes (8,9 millones en 2023), "en el contexto muy particular de los Juegos Olímpicos y Paralímpicos de París 2024", señaló el Louvre en un comunicado.En julio y agosto, meses que coincidieron parcialmente con los Juegos de París, el museo recibió a 1,3 millones de visitantes, lo que representa una disminución del 14% en comparación con el mismo período en 2023. El Louvre tuvo que cerrar sus puertas el 25 y 26 de julio, coincidiendo con la ceremonia de apertura de los Juegos.Sin embargo, los Juegos Olímpicos y Paralímpicos "brindaron al Louvre una visibilidad mundial", especialmente en exteriores, "debido a la instalación de la llama olímpica en las Tullerías, que tuvo un gran éxito popular", destacó el museo, que también resaltó "buenos resultados durante todo el otoño".En 2024, el Louvre recibió al 77% de visitantes extranjeros, entre ellos un 13% de estadounidenses y numerosos europeos (5% de Italia, Reino Unido y Alemania, 4% de España)."Los visitantes chinos (6%, frente al 2,4% anterior) están comenzando a regresar de manera notable", subrayó el museo.Cabe mencionar que el 28% de los visitantes disfrutaron de la entrada gratuita al museo, que aumentó sus tarifas hace justo un año (22 euros para la entrada general).💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíIgualmente, el palacio de Versalles, en las afueras de París, experimentó una "caída temporal" de visitantes durante el periodo olímpico, pero a finales de año registró "cifras ligeramente superiores a las de 2023 y un alza de 2% respecto a 2019" antes de la epidemia de covid-19. En total recibió 8,4 millones de visitantes (+5%).Otros museos populares entre los turistas, como Orsay y la Orangerie, recibieron 4,9 millones de visitantes en 2024, frente a los 5,07 millones del año anterior, según un comunicado del establecimiento público.La afluencia global "solo disminuyó un 3% en comparación con 2023, un año récord en visitas. Es un aumento de más del 15% en comparación con 2022", agregó el comunicado."La asistencia durante el verano disminuyó durante los JOP (-26% en el museo de Orsay en comparación con 2023, -22% en el museo de la Orangerie)", destacó la institución, señalando, no obstante, que "el público recibido (...) durante este período era más joven de lo habitual".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Con el arribo del buque "Sinaia", el 13 de junio de 1939, al puerto de Veracruz, México empezó a recibir miles de intelectuales, poetas y artistas, quienes, además de salvar su vida y la de sus familias mientras perseguían la libertad, enriquecieron su nueva patria o se nutrieron de ella.Parte de ese éxodo fueron hijas, madres, abuelas o hermanas, que, como tantos más, pensaron que volver a casa sería cuestión de unos meses. La historia se encargó de desengañarlas. Lo único que derrocó al régimen de Francisco Franco fue su muerte en 1975.Durante ese tiempo, varias de ellas, ya formadas como artistas en su país de origen, pudieron crear sin censura en México. Ese fue el caso de Manuela Ballester (1908-1994), polifacética artista valenciana, comprometida con los ideales democráticos y los derechos de su género, fallecida en Berlín.También la madrileña María Teresa Toral (1911-1994), distinguida grabadora, brillante científica y farmacéutica encarcelada en España. Tras exponer internacionalmente en la década de los 60 y 70, su obra pudo ser apreciada en su tierra natal hasta 1975.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíArte con un denominador común: el exilio de España"Exiliadas de España. Artistas en México” es el nombre de una colección de más de 200 piezas que dan cuenta de la figura y trabajos de estas y otras creadoras. La exposición puede admirarse en el Antiguo Colegio de San Ildefonso de la capital mexicana entre 11 de diciembre de 2024 y el 27 de abril de 2025.La exhibición gira en torno a "29 mujeres de diferentes edades con diferentes experiencias artísticas, hay muchísima variedad, pero con algo en común: un vínculo con España, con el exilio que marcó su trayectoria vital y profesional”, explica Yolanda Guasch Marí, co-curadora de la muestra.Pinturas, fotografías, bocetos, serigrafías, tapices, documentos e incluso poemas ofrecen una visión artística de la memoria, la resiliencia de aquellas que dejaron todo atrás, al igual que el significado de ser hijas, nietas o bisnietas del exilio, nacidas y criadas al otro lado del océano. "Regina Raull, Mary Martín, Lucinda Urrusti o Marta Palau vinieron de niñas, pero se formaron e integraron de otra manera”, agrega la especialista.Obras que ven la luzA menudo, el talento de Josep Renau, Vicente Rojo o Enrique Climent ha sido centro de homenajes, catálogos y muestras individuales o colectivas en ambos lados del Atlántico. Pocas mujeres han tenido este honor.El discurso museográfico busca sacar del anonimato nombres como Carmen Millá, Loty de la Granja, Alma Tapia Bolívar, Guadalupe y Nela Gaos, Paloma Altolaguirre, Montserrat Aleix, Elena Climent, Josefina Ballester, Puri Yáñez y Yani Pecanins, empezando por su país de acogida o nacimiento."Estas artistas que hoy valoramos son a la vez españolas y mexicanas, desgraciadamente mucho más mexicanas por el reconocimiento que han tenido aquí, pues en España son poco conocidas”, explica Rafael López Guzmán, co-comisario de la exposición.Algunas excepciones son la pintora y escritora geronesa Remedios Varo (1908-1963), perteneciente a la Generación del 27 e ícono del surrealismo. En México, a donde llegó en 1941, colaboró con Marc Chagall en el vestuario del ballet "Aleko” e hizo amistad con Frida Kahlo y un nexo entrañable con otra surrealista, la inglesa Leonora Carrington.Asimismo, Elvira Gascón (1911-2009), ilustradora ibérica, docente de dibujo y activa muralista ha sido ejemplo de "mujeres que quedaron en silencio, como tantas veces, en la historia del arte. De alguna manera oscurecidas, marginadas de la visión central o dominante del arte”, lamenta Eduardo Vázquez Martín, coordinador ejecutivo del Antiguo Colegio de San Ildefonso.En una pintura monumental en el templo de San Antonio de las Huertas, Elvira Gascón plasmó pasajes biográficos de San Antonio de Padua, obra borrada por mostrar más piel de lo debido, relatan los comisarios, catedráticos de la Universidad de Granada.Mary Martín asistió a Diego Rivera en su mural para el Teatro de los Insurgentes. Regina Raull retrató en gran formato "La educación del niño mexica”, en el Museo Nacional de Antropología, pero eso apenas sabe. Anécdotas como estas y otras detallan las vicisitudes enfrentadas por las artistas, a la par de la deuda pendiente del arte para con ellas.Pese a hallar "un espacio de libertad en México que les permite desarrollar toda su capacidad creativa, hay que tener en cuenta que sus principios no fueron fáciles: tuvieron que hacerse cargo de hijos, familia, de problemas de sanidad o educación”, plantea López Guzmán.Del hogar al caballeteJulia Giménez Cacho (1921-2000) era un ama de casa de 26 años cuando dejó España, rumbo a Estados Unidos. Mucho después volvió a su natal Madrid convertida en artista plástica, ocupación descubierta casi treinta años más tarde, durante su estadía mexicana.De encerrarse en el baño para que no la vieran pintando por la pena de la edad cuando empezó a hacerlo -contaba la pintora, madre de seis hijos-, pasó a ser considerada "una maga del color” por su mentor Gilberto Aceves Navarro, gran exponente del expresionismo abstracto mexicano.A decir de López Guzmán, Julia Giménez Cacho -de formación autodidacta- "es uno de los personajes más importantes rescatados en la muestra, aunque aún falta recuperar un alto número de sus obras. Una cantidad inmensa que, por la etapa en que comenzó a pintar, ha sido muy poco conocida”.Toda su producción gira en torno a la mujer, influenciada por Francisco Goya. A diferencia de varias de sus colegas, sus cuadros sí pudieron ser apreciados de manera individual, más de una ocasión, en suelo español.Su última exposición, "Siempre mujeres”, se programó para septiembre de 2000 en el Instituto de México en España. Ella ya no llega, sólo sus pinturas. Pereció en la ciudad de Cuernavaca dos meses antes de la apertura.La patria perdidaDurante la primera mitad del siglo XX, México tuvo una gran efervescencia cultural e intelectual. "Exiliadas de España. Artistas en México” detalla el panorama hallado por las artistas a su llegada, quienes pronto se empaparon de él e hicieron sus propias aportaciones a la creatividad de su nuevo hogar, donde moldearon su identidad.Lo hace mediante un recorrido temático de cinco núcleos: 'El final del comienzo', 'Nostalgias', '¿Cómo es posible que una mujer se trepe a los andamios?', 'Continuidades, rupturas y disidencias', y 'Memorias Colectivas'.Su montaje, fruto de una década de investigación de los comisarios, se debe a la colaboración entre la Universidad Nacional Autónoma de México, la Secretaría de Cultura de México y el Gobierno de la capital mexicana.Un tono nostálgico se percibe en algunas piezas, debido al deseo de volver a ver la patria. Los exiliados, relata López Guzmán, "tenían una maleta detrás de la puerta, por si acaso, pensando que Franco caería rápidamente”.El dictador, prosigue el curador, "murió tranquilamente en su cama, y México -esto hay que reconocerlo públicamente- fue el único país de este planeta que nunca reconoció la dictadura franquista".En otras obras se nota la impronta del color o la huella del arte mexicano. Muchas de ellas, asegura Yolanda Guasch, "jamás se han visto o fueron expuestas hace mucho tiempo, veinte, treinta o cuarenta años”.La muestra abre con una pequeña escultura contemporánea de Marta Palau (1934-2022), retratista de Gabriel García Márquez, Carlos Fuentes y Octavio Paz. Unos pies-manos, de arcilla, con una carga simbólica fuerte: la mayoría de los refugiados españoles escaparon a Francia por la frontera catalana. Andar, con todos los sentidos alerta, era el único camino a la libertad.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Cuando se graduó en 2016 no encontró trabajo y empezó un pódcast irreverente llamado 'The Exhibitionist', que reseñaba galerías y museos, y aquello dio lugar a los 'Uncomfortable Art Tours', visitas guiadas no oficiales que exploran cómo se crearon las principales instituciones del mundo del arte con el imperialismo como telón de fondo, recuerda Procter en una entrevista..'El cuadro completo' (Capitán Swing) es la plasmación en papel de aquellas visitas, que tuvieron un gran éxito, e indaga en cómo configuran los museos nuestra memoria y nuestra identidad: "Los museos históricamente fueron creados para relatar historias y conseguir que ciertas narrativas pudieran perpetuarse".En la actualidad, los grandes museos nacionales pretenden ser "una herramienta educativa para que la gente pueda conocer otras partes del mundo a través de la observación de objetos que vienen de otras culturas, pero los visitantes, creo, no entienden del todo cómo se moldearon estos espacios, fruto de decisiones de coleccionistas, de comisarios, de directores de museos, cuyo fin último era crear una narrativa, un relato".En el libro aborda las trayectorias de numerosas obras de arte, como el cuadro propagandístico que la Compañía de las Indias Orientales empleó para justificar su control en la India; los cráneos maoríes mokomokais que fueron comercializados y coleccionados por los europeos como 'objetos de arte' o la controvertida escultura contemporánea de Kara Walker.Procter, que intenta rellenar huecos con los relatos que durante siglos quedaron fuera del canon de la historia del arte, no está segura de que haya un museo perfecto, pero "los mejores museos son aquellos que reconocen las diferentes perspectivas y que admiten su origen desde una posición de poder".Por esta razón, no oculta su predilección por los museos privados porque "suelen ser espacios donde el relato es parte de la exhibición, donde los objetos y las elecciones son parte de la narrativa de estas instituciones, mientras que en los museos nacionales subyace un rigor científico acrítico".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEl favorito de la autora es el Museo de sir John Soane, en Londres, ubicado en la que fue casa de este arquitecto neoclásico del siglo XVIII-XIX, que "está tal como lo dejó (...), con un jarrón de la Grecia antigua al lado de un jarrón chino y junto a una 'veduta' de Venecia; pero hay otros ejemplos, como la David Roche Foundation House Museum de Adelaida (Australia), que "no pretenden mostrar la historia del arte, sino el gusto personal del coleccionista".Denuncia Procter que hay "una tendencia a olvidar el origen monárquico de muchos museos nacionales, sobre todo en Francia, donde el Louvre, hoy colección estatal, es el arquetipo de los museos de la realeza".El objetivo de Procter, que se siente privilegiada por haber vivido en diferentes lugares del antiguo imperio británico, es que el lector comprenda que "el colonialismo es una forma de estar actual, que sigue desarrollándose y que no es algo del pasado".La exclusión de las mujeres artistas del canon es, a su juicio, parte de la misma narrativa de poder.El primer paso para cambiar esta dinámica podría pasar, según Procter, "por dejar de dividir los museos por áreas geográficas, y mezclar las colecciones para ver cómo trabajan juntas y se complementan".Sobre la controversia por la devolución de los frisos del Partenón de Atenas, que custodia el Museo Británico, Procter entiende el argumento de que traer objetos a Europa, al Reino Unido, pudo haber salvado o protegido algunos objetos de daños, pero no por ello se puede decir que por la mera custodia signifique que sea tuyo, porque la gente quiere ver esos objetos en su lugar de origen".Procter se muestra absolutamente favorable a "la repatriación de esos objetos saqueados o robados".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
