La experiencia artística más esperada, Banksy ¿genio o vándalo?, abre sus puertas al público general el próximo 15 de octubre en la Casona Villa Adelaida, ubicada en la carrera 7 con calle 70.La Casona Villa Adelaida esa una nueva locación que fusiona la historia y cultura bogotana con el arte británico y que además contará con entrada libre el primer día de cada mes, una iniciativa inspirada por el “estallido cultural” del gobierno nacional.Esta exposición inmersiva presentará más de 100 obras del artista británico más revolucionario y satírico que ha tenido la escena del ‘Street Art’ en el mundo, y llega por primera vez a Bogotá, gracias a la magia de la tecnología y la realidad virtual.Banksy: ¿genio o vándalo? se exhibirá en la histórica Casona Villa Adelaida, un espacio cultural declarado patrimonio histórico, que fue el hogar de Agustín Nieto Caballero, uno de los educadores más importantes del país, quién fundó el Gimnasio Moderno y Femenino, y fue rector de la Universidad Nacional. Este lugar lleva el nombre de su esposa, Adelaida Cano, como homenaje al amor y su memoria.TBL – Live y Berin Iglesias traen al país esta instalación artística multisensorial con el respaldo del Ministerio de Cultura, la Alcaldía Mayor de Bogotá e Idartes. También, contará con el reconocimiento de ARTBO, que incluirá esta exposición dentro de su programación cultural.Banksy: ¿genio o vándalo? estará en el país hasta el 31 de diciembre y, además de las obras físicas, la exhibición cuenta con un salón multimedia donde los asistentes estarán inmersos en las calles de Bristol y una experiencia VR (gafas realidad virtual), que conectará al público con el universo del artista; un exclusivo material creado, especialmente, donde se tendrá el privilegio de viajar en el tiempo gracias a las piezas del artista.Si quiere adquirir las entradas para esta experiencia artística puede hacerlo desde la plataforma de tuboleta.com, los precios están entre $75.000 y $230.000. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los encargados de darle vida a las intervenciones fueron, entre otros, el automovilista Juan Pablo Montoya, el caricaturista Vladdo; artistas como Ana María Gutiérrez y Manuela Echeverry, y Camilo Ernesto Gordillo, "Ceroker", un grafitero que ha pintado murales en barrios bogotanos.Las 40 piezas transformadas son réplicas de 40 centímetros del Renault 4, un carro que llegó a Colombia hace 60 años, que por su precio y economía en consumo de combustible se convirtió en el "amigo fiel". Incluso, un puñado de ellos todavía ruedan por las calles de Colombia.Arte con fin socialLas particulares piezas, destacan el colorido y el nombre: "El toche", de Ceroker; "Encuentros inesperados", de Manuel Echeverry"; "A la lata con los Montoya", de Juan Pablo Montoya; "Carga larga y ancha", de Ana María Gutiérrez; "R-chiva", de Alejandro Sánchez", entre otras."Estas obras de arte, que reviven recuerdos y momentos inolvidables de uno de los íconos más importantes de la cultura colombiana, son interpretaciones artísticas que expertos y personajes afines con el mundo automovilístico han realizado para recaudar fondos destinados a labores sociales", explica a Efe Cristina Botero, directora ejecutiva de la Fundación Corazón Verde.Esta Fundación trabaja con las familias de policías víctimas del conflicto armado en Colombia, para quienes irá lo recogido durante esta muestra que se exhibe en Bogotá. La ejecutiva añade que la voluntad y el empeño también fueron las características de cada artista al intervenir las piezas que viajarán por varias ciudades colombianas para ser vendidas."Todo lo recaudado será destinado a ayudar a cambiarle la vida a las viudas de los policías, a los huérfanos para que tengan la oportunidad de tener una educación porque a ellos de un momento a otro se les apagó la luz y necesitan volver a arrancar", dice Botero.Explosión de colorGrafitero de vocación, ilustrador por adaptación y reconocido como muralista, Ceroker es una de las representaciones más vivas del arte callejero de Bogotá. "Lo mío es el color", dice a Efe al referirse a su obra "El toche", en el que "regó" pintura para darle forma a lo que significó para él el Renault-4. "Todos tenemos experiencias diferentes y las plasmamos de forma diferente y por eso mi carro es colorido, como mi ropa, esa es mi marca", explica.En el caso de otras réplicas, los artistas se decantaron por colores fuertes como el rojo, el anaranjado y no faltó el tradicional negro en el que se refleja el cielo y las estrellas de una galaxia. "Todas son representaciones particulares y en cada una de ellas se puso el corazón porque los fines son de bondad, de desprendimiento hacia los policías que han sufrido la crueldad de la guerra", puntualiza Botero.La exposición de estas réplicas estarán expuestas a partir del 1 de octubre en el centro comercial Andino de Bogotá, y después recorrerán otros centros comerciales de la capital y viajarán hasta el Country Club de Barranquilla, donde se expondrán hasta el 19 de octubre.Recuerda que la Fundación Corazón Verde desde hace más de 20 años que ha tenido la participación y apoyo de grandes artistas como David Manzur, Pedro Ruíz, Hugo Zapata, Federico Uribe, Omar Rayo, entre otros, quienes con su talento y empatía han hecho del arte un vehículo de bienestar social.Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La compañía ha lanzado esta plataforma, llamada Christie's 3.0, días después de estrenar otra nueva sección, Departamento X, dedicada a las zapatillas de deporte y prendas de lujo que son objeto de coleccionismo, y que comenzó con una subasta de calzado diseñado por el rapero afroamericano Kanye West.Las obras de Sinclair, que a sus 18 años ha sido nombrada una de las 50 personas más influyentes en el mundo NFT por la revista Fortune, estarán abiertas a usuarios que tengan un monedero digital y pujen por ellas con la criptomoneda Ethereum, en cuya cadena de bloques se basa la plataforma.En un comunicado, la casa de subastas se reivindicó como la primera que establece ventas completamente ancladas en la cadena de bloques y que además aborda las "necesidades fundamentales del mercado, incluyendo herramientas de cumplimiento (regulatorio) y fiscalidad".Christie's logró un hito el año pasado cuando vendió una NFT del artista norteamericano Beeple -un "collage" de imágenes digitales en formato JPG- por un récord de 69 millones de dólares, y ahora quiere demostrar su "compromiso con los artistas y coleccionistas en el espacio Web3", agrega la nota.Esta primera subasta de NFT, llamada "Diana Sinclair: Phases" y que durará hasta el 11 de octubre, va acompañada de una exposición física en la sede de Christie's en Nueva York que combina video, música e imágenes en una experiencia inmersiva que estará disponible al público durante una semana.Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK y escuchar lo mejor de la música clásica.
Además, recordó que existe un decreto por el que se declaró monumento artístico toda la obra de la artista mexicana.Según diversas publicaciones, el dibujo "Fantasmones siniestros" (1944), valuado en 10 millones de dólares (unos 200 millones de pesos), fue quemado, por el empresario Martin Mobarak. Su acción, dijo, fue para convertir la obra en 10.000 NFTs exclusivos, ("Non-Fungible Token"), también conocidos como "cripto arte".Aunque las notas publicadas en diarios mexicanos se dieron conocer días atrás, la incineración de la obra se llevó a cabo el 30 de julio en la ciudad de Miami, Florida.Según estimaciones de Mobarak, los NFT se comprarán a través de ETH (Ethreum), una criptomoneda con un valor 1.361 dólares, unos 27.000 pesos y cada NFT se venderá por 3 ETH con lo cual espera recaudar más de 800 millones de pesos (unos 40 millones de dólares).Además, se apuntó que entre las instituciones que saldrán beneficiadas por esta acción están la Casa Museo Frida Kahlo, el Palacio de Bellas Artes y la Escuela Nacional de Artes Plásticas.Ante ello, el Inbal de México negó en un comunicado que recintos de este Instituto, como el Palacio de Bellas Artes y/o el Museo del Palacio, vayan a recibir donación alguna por parte de dicho coleccionista, como lo ha mencionado públicamente. Puede leer: Mural de Clemente Orozco presenta daños tras sismos en oeste de MéxicoAdemás, recordó que el Banco de México es fiduciario en el Fideicomiso Museos Diego Rivera y Frida Kahlo, "en su calidad de titular de los derechos patrimoniales de las obras".También dijo que hasta la fecha, "no ha recibido solicitud y no ha emitido autorización de reproducción sobre la obra referida".Precisó que el Inbal en todo momento "acatará lo establecido" en los términos de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos (LFMZAAH), su Reglamento y del Decreto "por el que se declara monumento artístico toda la obra de la artista mexicana Frida Kahlo Calderón".Incluyendo la obra de caballete, la obra gráfica, los grabados y los documentos técnicos que sean propiedad de la nación o de particulares, publicado en el Diario Oficial de la Federación el día 18 de julio de 1984.EL Inbal recordó que en México "la destrucción deliberada de un monumento artístico constituye un delito en términos de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos". Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Se suele escuchar que en los eventos artísticos surgen escándalos por cómo el público reacciona al ver una pieza artística controversial, bien sea por su contenido temático, por la técnica empleada o por ser llamado eso ¡ARTE! (en mayúsculas). Y la ciudad de Cali no ha sido ajena a esta dinámica. Menciono un icónico acto para la controversia caleña como lo fue el dedo cortado de Pierre Pinoncelli, en el V Festival de Performance organizado por Helena producciones titulado Un Dedo para Ingrid; o el recién construido monumento a la resistencia, erguido en el sector de Puerto Rellena; o el Sebastián de Belalcázar intervenido por la artista Liliana Villegas; o la Mujer del aeropuerto de María Fernanda Cuartas, artista de la cual hablaré más adelante.A estos acontecimientos, podemos sumarles el robo de una estatua del monumento a la solidaridad, o la destrucción lenta pero constante del monumento a la Infancia en la avenida sexta. No olvidemos el derribamiento del Sebastián de Belalcázar por los Misak, como un acontecimiento importante dentro de los sucesos culturales que han rodeado a las representaciones artísticas de la ciudad. De esta manera, quiero demostrar que Cali es una ciudad activa en mantener una discusión sobre las imágenes que producen respecto a las preguntas sobre su identidad. Aunque, a pesar de estas discusiones, solo sí son mediáticas de alguna manera, cobran relevancia para la discusión en alguna tertulia matutina.Y claro, acá cabe la queja de algunos que estos acontecimientos terminan siendo circunstanciales, que no se profundizan en ellos y que las polémicas solo se resuelven cuando el malestar se olvida o simplemente se habitúa la mirada respecto a la poca planeación y mal uso del espacio público, como lo puede ser la mal ubicada Jovita en el parque de los estudiantes, cubriendo una fuente de agua aun existente en la estación del MIO contigua al colegio Santa Librada, suceso el cual me motivó a realizar la intervención titulada Retrato de un Esfuerzo. Pero, en este caso, la infraestructura física de la ciudad no me ha motivado escribir este texto. Lo ha hecho la reciente polémica de la Bienal de Arte Contemporáneo de Cali, próxima a realizarse desde el 26 de septiembre al 2 de octubre del presente año (2022), y la respuesta de algunos caleños a la aparición de la diva de divas colombiana Amparo Grisales como una de las curadoras invitadas. Es acá donde debí dejar un enlace referenciando la noticia, pero al momento de escribir este texto, veo que la publicación en el perfil del evento, su aparición fue borrada; algo similar pasaron con los logos del Ministerio de cultura, la Gobernación del Valle y la Secretaría de Cali.Y siendo sincero, no me incomoda en lo absoluto que la diva de divas hubiese participado del evento, tal vez no como curadora, pero si aún no se ha cancelado su participación, el haberme perdido la posibilidad de erizarme con sus comentarios frente a sus opiniones respecto a de las piezas artísticas, seguramente me podría brindar la posibilidad de reconciliar esa visión de nicho que tiene gran parte de los eventos de arte contemporáneo de este país, con una visión mas pop, más popular. Pues, a pesar de esta visión parroquial o maniquea de cómo algunos ven al arte contemporáneo en Cali, y podría decir que se involucren otras figuras públicas, podrían enriquecer las discusiones sobre arte; reitero, podría o puede como mínimo ser divertido.Sin embargo, lo que me incomoda de este evento es su clara especulación y falta de claridad frente a las pocas definiciones que sobre el arte se han construido, dicho esto sin haber sucedido su inauguración. Pues, no creo que lo que desate la incomodidad de algunos artistas sea solamente que inviten a Amparo Grisales para ser curadora, sino que se suponga que ella representa una voz que domine la discusión en arte contemporáneo, y se siga equiparando este en la dimensión de espectáculo, y no como un ejercicio intelectual y filosófico, que posee elementos propios de una disciplina. De aquí en adelante, creo que se han sumado quejas, argumentos en contra, que, aunque no recaen enteramente sobre el evento llamado La Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cali, creo que pueden dar un panorama del escenario tan precario al cual se enfrentan los artistas en Cali. Aclaro, aunque brindé el enlace de la página, esta aparece como en constante construcción, pues haciendo un símil con este evento, es una fachada con un cascarón vacío, ya que, aunque se intente acceder a alguna de sus secciones, estas conectan con el código de referencia de WordPress, no con información originada para la página, por lo que no puedo dar referencias claras sobre las líneas curatoriales o los objetivos de la Bienal.Y con todos estos argumentos me pregunté si es valioso sacar tiempo en seguir escribiendo sobre este evento, pero, pido seguir con la lectura, porque he querido aprovechar la ocasión para hablar de esas definiciones de arte que hay en la ciudad, y que reflejan lo precario que se ha convertido la escena artística en Cali, perdiendo el brillo y dando así cabida a eventos que no representan desde mi punto de vista, ninguna propuesta seria para una ciudad que tiene cinco instituciones de carácter formal las cuales egresan artistas en la ciudad. De aquí que, la discusión sobre los elementos identitarios que dan un valor a lo que significa ser artista en Cali debe ser abordado por las instituciones que lo abanderan, pues esa discusión sobre por qué se acabó el Festival de Performance de Cali y qué evento puede atender este faltante en la ciudad, o la preservación de los hitos históricos como lo son las esculturas de la ciudad, o la participación de artistas con proyectos con comunidades de base, o la desaparecida bienal de artes gráficas que organizaba la Tertulia, o la disminución de actividad de la fundación Frontera Sur, o Lugar a Dudas, solo por mencionar algunos, lo deben dar las instituciones existentes, los académicos en ejercicio y los artistas con relevancia en una escena del arte reconocida entre pares.Sin duda, los artistas, como todo otra profesión, a pesar de no tener un núcleo común respecto a su determinación, comparten espacios de trabajo, reconocen en otros artistas logros y propuestas que consideran valiosas, se congregan en grupos para llevar a cabo proyectos y se configuran comunidades para negociar significados sobre sus prácticas (Wenger, 2001). Esto no deja de lado a una comunidad que se ve constituida, como lo es la que impulsa la mencionada Bienal, pero si se evidencia una distancia sobre lo que consideran ARTE (así con mayúsculas), con otras comunidades de artistas de Cali. Además, genera malestar en una comunidad que ha crecido al lado de discusiones académicas, que han compartido espacios relevantes del arte nacional e internacional, el cual ha sido reconocido por instituciones con prácticas centradas en el ejercicio profesional (me sumo a esta comunidad), y que tres artistas que presuntamente se han mencionar en un libro al parecer pagado por ellos, y que se promociona en una página de Facebook ofertando un pago por su participación, genera molestia en una esfera de discusión pública que siente constantemente demeritado un esfuerzo por conectarse a través del mérito, la suerte y las discusiones su práctica artística.Es así como Caracol Radio recogió la noticia de los tres artistas entre los 100 mejores, mencionando a Miguel Ángel Guarín (director de la Bienal), María Fernanda Cuartas (autora de la escultura de la mujer en el Aeropuerto de Cali) y Julio César Sierra (presidente y fundador de la Bienal, como lo menciona en su página de Instagram), y cito “Este reconocimiento le otorga la oportunidad a los artistas de ser embajadores del arte colombiano, al liderar dos eventos de reconocimiento mundial: el primero denominado “Colombianos en el Louvre”, en el que podrán exponer sus obras en el prestigioso museo parisino que se llevará a cabo en el próximo mes de octubre”. Pero nada más alejado de la realidad, porque la poca verificación de estos datos por parte del medio nacional hizo confundir una exhibición en el museo con un centro comercial llamado Carrousel du Louvre ubicado en París, pero que dista mucho del Museo de Luvre. Esta sutil pero significativa confusión dice mucho de la poca prensa informada sobre los fenómenos artísticos del país. Acción similar hizo el noticiero regional Noti5, en su sección de entretenimiento llamado Zona 5, relegando los eventos artísticos a eventos que solo obedecen al espectáculo y a la nota jocosa, pero, este noticiero tampoco verificó la información antes de emitirla.Tal vez este tipo de sucesos no suceda en otro espacio que no sea Cali, pero las definiciones sobre lo que es arte están en juego en la esfera de discusión pública de la ciudad, porque considerar valioso para el sector cultura y para el campo del arte en el Valle del Cauca, un tipo de promoción como esta, y que no exista reacción alguna de los agentes culturales de la región, debe preocupar a los artistas egresados de universidades de la ciudad. Pues, no considero que se pida una explicación al respecto, pero si se evidencia que hay una total desconexión con lo que sucede en las instituciones artísticas de la ciudad y la ciudad misma, incluyendo a los entes administrativos. Por todo ello, se deben fomentar oficios como curadores, periodistas, coleccionistas, historiadores, marchantes y otros agentes culturales que decante en una formación de público (Rivas Aguado, 2008), pues cada uno tiene su función dentro del artificio llamado arte (Groys, 2014).Entonces, el problema de las definiciones del arte se media sobre un aparato que, a pesar de aparentarse frágil en el país, es robusto en cuanto a sus discusiones internacionales y a los espacios que legitiman la práctica artística. No es fácil para los artistas ingresar a ciertos espacios con nuestras piezas, pues, no creo que la Bienal en sí deba buscar estos avales, pero la falta de claridad sobre sus definiciones alborota un humero mayúsculo sobre la denominación de los llamados 100 artistas contemporáneos del mundo, como lo recogió el portal Infobae. En contraste, un ejemplo de las discusiones que se dan desde la centralidad a esto llamado ARTE (con mayúsculas), es el listado de los 100 artistas con perfil de Instagram mencionado por la casa de subastas Christies, o el listado de los museos más importantes del mundo según Forbes. Pero estamos lejos que este tipo de medios lleguen a Colombia, incluso, esta discusión excluye a la mayoría de artistas residentes en los países donde se ha construido una discusión más sólida sobre el sistema del arte, como lo menciona la artista y docente Dannielle Tegeder en uno de sus memes en su página de Instagram “Gagosain is not coming for you”, haciendo referencia a que el gran marchante norteamericano Larry Gagosian no vendrá a tu taller a revelarte como el artista que según tu sesgo cognitivo te ha hecho creer que eres.Retomando el tema de los medios de comunicación colombianos; por supuesto que no hay evento social digno de ser bien cubierto si no es un hecho político, o económico o de seguridad, pues se pueden reconocer cabezas visibles en el país que cubran estos hechos noticiosos, pero los hechos culturales y artísticos, pueden ser relegados a las notas de farándula y toda esta información puede ser manejada como un chisme, sin que se verifique nada de loque allí se dice. Posteriormente, una serie de medios cubrió lo que sucederá en la Bienal, por ejemplo, el portal Las 2 Orillas mencionó la inscripción de $100.000 pesos por artista nacional y $ 100 dólares por artista internacional en caso de ser elegidos, al parecer estos debieron costear el envío de la pieza la cual debió efectuarse antes del 10 de septiembre. La revista Semana mencionó la agenda y sitios de exhibición, pero al momento de escribir este texto la biblioteca de la Universidad del Valle anuncia su negativa al evento, pero en ninguna de estas publicaciones mencionaron o líneas curatoriales o visiones particulares del arte caleño, algo que es fundamental para brindar de legitimidad a un evento artístico.Recordemos que al momento de hacer la inscripción, los artistas participantes seguramente se percataron en los carteles los logos del Ministerio de Cultura de la Administración Duque, los logos de la Gobernación del Valle, la Alcaldía de Cali, como se evidencia en varias imágenes que están circulando en redes sociales y como se evidencia en este blog de noticias llamado Pantallazos, pero a partir del día 19 de Septiembre, dichos logos se retiraron de la página web, de la cual no tengo evidencia para demostrarlo, solo un par de testimonios de personas que me lo manifestaron, lo mismo sucedió de su página de Instagram de la cuenta de la bienal, pero hasta ahora no se ha retirado el logo de la Universidad del Valle, como aliado del evento. Esto me hace pensar en el papel que juega la Facultad de Artes Integradas de la Universidad del Valle, y especialmente el Departamento de Artes Visuales y estética, pues, cada universidad tiene un eje misional llamado Extensión, el cual se encarga de la conexión de las actividades académicas con la comunidad, por lo que creo que la Universidad y especialmente la facultad se debe pronunciar.También, me hace pensar en qué sienten los artistas participantes al ver unos avales que sustentan sus piezas y la participación en el evento, y que luego de manera paulatina han sido retirados de la página y redes sociales, con un referente de avisos de desautorización por parte de los organismos gubernamentales, como lo hace la Alcaldía al reitera el no aval y apoyo al evento; del mismo modo, a pesar de ver circular una supuesta respuesta del Ministerio de Cultura, no encontré respuesta oficial o una imagen que me diera certeza que la imagen de no autorización de Ministerio fuera legítima, por ello me abstengo de brindar el enlace a esta imagen. Esto, que considero maltrato al artista, me hace pensar en el rol que estamos desempeñando en un sistema de por si frágil y sin apoyo alguno respecto a este tipo de atropellos, claro, si así se demuestra que sucedieron, pero la poca claridad de la organización me hace pensar eso.Esto me hace pensar también en la figura del artista y de su ejercicio de agremiación, cómo los artistas terminan jugando a una serie de gestores improvisados sin ningún tipo de experiencia en gestión cultural y desplazando sus prácticas comunitarias a prácticas institucionales, sin que medie ningún tipo de acompañamiento por parte de otros entes culturales, que pareciera que en Cali no construyeran historia sobre sus hombros. Un buen ejemplo de un trabajo de reconocimiento de prácticas de gestión desde las artes visuales es el texto Giros y Desvíos, donde ejemplifican diferentes tipos de organizaciones y de gestión sobre estas (Victor et al., 2015), pero parece que estos documentos no se retoman en una discusión de ciudad. Como tampoco se retoma el trabajo hecho por otros, por Juan Melo, por ejemplo, el cual publicó con el instituto Bellas Artes, un compilado de artistas y prácticas locales de arte contemporáneo (Melo, 2016), del cual hago parte.Por tanto, esta figura de artista termina perdiendo legitimidad frente a un aparato productivo que procura llenar salas de exposición sin que exista una lectura de un contexto local, o cuando menos, de contextos locales que atiendan a dinámicas surgidas desde los espacios que se han legitimado sobre prácticas profesionales. Y dicho esto, no quiero decir que sea el único espacio de enunciación válido, pero pretender desconocer la identidad artística que se ha construido en la región suscita la respuesta que hasta ahora se ha generado. Pues, si se magnifica un evento con le objetivo de tomar una vocería amplia de un sector cultural de la región, como lo puede ser titular un evento como Bienal de Arte Contemporáneo de Cali, sin incluir una participación clara de artistas de Cali, y desconocer referentes como los anteriormente citados, estipulando criterios de calidad más que dudosos, construyendo un artificio sobre un relato que dista mucho de discusiones académicas y de formación del gusto basado en el reconocimiento de la historia del arte local, pone en juego la legitimidad del mismo, y más si se engaña de manera deliberada, como no ser claro en qué espacios se exhibe, o que reconocimientos se goza, es lógico que los artistas locales señalen de fraudulento un evento con estos cuestionamientos encima.En pocas palabras, la Bienal de Arte de Cali no es el problema en sí, es un síntoma del sistema artístico y cultural de la ciudad de Cali y de la región que hace parte, es un síntoma de un abandono sistemático por parte de las instituciones, lo que ha obligado a algunos artistas a construir prácticas sin conexión con las discusiones que propone la disciplina, pero éstos tampoco han hecho los deberes completos, pues creen que solo basta con llenar paredes en sitios, engañar a un público neófito sobre cómo se legitima la práctica artística, la cual sobrepasa el juicio personal o el gusto individual y vender mucho humo, para así brindar de un aparente significado de lo que es el arte en Cali.*Este artículo fue publicado con sus respectivas referencias en la página del artista Carlos Camacho.
Más de diez años después y desde una exposición en Bruselas que se pregunta por el poder de la fotografía en la defensa de la democracia, Masturzo no puede evitar responder con pesimismo."Simplemente mirando a mi propio archivo, mi experiencia de como mucho 15 años, no debería ser optimista", cuenta a Efe desde la exposición de una selección de fotografías ganadoras del World Press Photo acogida por el Parlamento Europeo.Al lado de su icónica imagen de Irán -donde las protestas ciudadanas desde la oscuridad de los tejados reverberan los ecos de las de 1979 durante la Revolución Islámica-, Masturzo apunta precisamente a las noticias que llegan esta semana desde el país persa, donde se suceden las protestas por la muerte de una mujer de 22 años detenida por la llamada Policía de la moral por no llevar bien el velo.El resto de su carrera profesional también remite a la desesperanza: tras Irán, cubrió las Primaveras Árabes en Libia y Egipto, la liberación en 2010 de la premio Nobel de la Paz Aung San Suu Kyi tras años de arresto domiciliario y el continuo conflicto entre Israel y Palestina; todas ellas zonas calientes del planeta sin resolución pacífica por el momento."No soy muy optimista, pero es parte del juego y tenemos que seguir peleando", explica el italiano, que puntualiza, sin embargo, que "tener dudas, cuestionar las cosas y ser críticos" ya puede ayudar a defender la democracia.El año después de galardonar la imagen de Masturzo, fue la fotógrafa sudafricana Jodi Bieber la que se hizo con el World Press Photo gracias a su retrato de la joven afgana Bibi Aisha, a la que su marido talibán le cortó las orejas y la nariz después de que ella tratara de huir de sus abusos.Cuando la conoció en un refugio de mujeres de Kabul, Bieber pidió a la joven que cerrara los párpados y pensara en su belleza, fuerza y poder interior para después abrir los ojos y mirar directamente a la cámara. En el momento, dice, no fue consciente de estar sacando la fotografía que acabaría en la portada de la revista TIME. Podría interesarle: El Archivo de Bogotá exhibirá imágenes inéditas de la ciudad en la primera mitad del siglo XXSu foto cambió la vida de Bibi Aisha -que hoy vive en Estados Unidos y ha podido acceder a una cirugía reconstructiva, quiere estudiar enfermería y escribir un libro sobre su experiencia-, pero Bieber cree además en la capacidad transformadora de la fotografía como forma de dar "poder" a los sujetos de sus piezas artísticas."Para mí, si una fotografía es continuamente vista y debatida en el caso de, por ejemplo, la violencia machista, (...) cada vez que se habla de esa fotografía las mujeres se empoderan y no sienten vergüenza para hablar sobre ciertas cosas", asegura Bieber.Ambos ganadores del World Press Photo coinciden en advertir, sin embargo, sobre la sobreexposición a imágenes en redes sociales."Con los millones y millones de imágenes que vemos cada día, creo que puede que nos olvidemos fácilmente de ellas porque simplemente saltaremos a la siguiente fotografía que sea popular. Mi lado optimista dice que si vemos de manera consistente fotografías que retraten un problema, eso puede ayudar a mantenerlo en la agenda. Pero definitivamente pienso que olvidamos rápido", advierte la fotógrafa sudafricana.Para Masturzo, la posibilidad de que cualquiera pueda denunciar una injusticia sacando una foto y subiéndola a internet es positiva para la democracia, pero coincide con Bieber en que esto "puede hacer que no miremos realmente a ninguna", "que pasen y al día siguiente ya nos hayamos olvidado de ellas".Por eso, subraya la labor de instituciones como la fundación del World Press Photo o el Parlamento Europeo para seleccionar fotos de momentos históricos y reunirlas en una exposición que permita reflexionar hoy sobre las imágenes que hace décadas fueron icónicas. Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La muestra, titulada "Richard Avedon: Relaciones" y que podrá visitarse hasta el próximo 29 de enero, incluye los rostros de muchos famosos fotografiados por el artista, como las actrices Marilyn Monroe y Audrey Hepburn, el escritor Truman Capote o el músico John Lennon, entre otros.Pero también la revolución que provocó Avedon (Nueva York, 1923) en el concepto de la fotografía de moda: de hecho, la muestra coincide con la Semana de la Moda de Milán y tiene como colaboradores a la célebre marca italiana Versace y a la revista de moda Vogue Italia.La muestra, comisariada por la responsable de la colección del Centro de Fotografía Creativa, Rebecca Senf, se centra en la fotografía de moda y de retrato, las dos áreas en las que destacó Avedon.Asimismo, la exposición se divide en diez secciones, una de ellas dedicada al diseñador Gianni Versace con quién colaboró en la colección primavera/verano de 1980, que marcó el debut del famoso creador italiano.Las obras de la muestra se dividen en un itinerario dividido por áreas temáticas tituladas "El artista", "La premisa del desfile", "Primera moda", "Actores y directores", "Artistas visuales", "Artistas escénicos / Músicos y escritores / Poetas", "Gente de Avedon", "Política", "Moda tardía" y "Versace".El fotógrafo, muerto en 2004 con 89 años, fue uno de los autores más influyentes del siglo XX, ya que por un lado revolucionó la forma de fotografiar a modelos, como las célebres Linda Evangelista, Christy Turlington y Kate Moss, transformándolas de sujetos estáticos a actrices protagonistas del plató, mostrando también su lado humano. Podría interesarle: Weegee y las formas del malAunque también destacó por sus retratos de famosos en blanco y negro, a través de las cuales fue capaz de revelar el lado psicológico más íntimo del retratado.Además de fotografiar a artistas como Brigitte Bardot, Sophia Loren, Bob Dylan, Pablo Picasso y Andy Warhol, el caso más llamativo fue el de su amigo Truman Capote con quien mantuvo una relación fotográfica prolongada de 25 años, entre 1949 y 1974.En cuanto a las imágenes de moda, la carrera del artista se puede agrupar en dos períodos principales, siendo el primero antes de 1960 con las imágenes juveniles, rodadas en exteriores y donde las modelos evocan una narrativa. Podría interesarle: Muere en París a los 94 años el fotógrafo William KleinLos trabajos posteriores, en cambio, se centran exclusivamente en la modelo y la ropa que viste, con un fondo minimalista y uniforme, y donde la mayoría de las veces retrataba al sujeto en poses dinámicas, utilizando las formas fluidas del cuerpo para revelar la elaboración, la tela y el movimiento del vestido.En cuanto a los retratos, Avedon es conocido por su estilo particular, desarrollado a partir de 1969, cuando comenzó a fotografiar con características como el uso del fondo blanco, lo que le permitió eliminar los posibles elementos de distracción de un conjunto fotográfico determinado para enfatizar la pose, los gestos y la expresión. Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Contar con esta exposición significa que estoy entrando en un sueño, porque después de 15 años de trabajo tener este espacio en el primer museo del grafiti que existió del mundo hace que entienda que mi obra tiene reconocimiento", señaló Diana Ordóñez, conocida como Ledania, en una entrevista este lunes con Efe.La artista de 35 años, uno de los exponentes en la escena del arte callejero o urbano, dice que "Private Spaces" (Espacios Privados), como se denomina la exposición del Museo del Grafiti, no es "lineal" sino una "experiencia", porque "hay una instalación y sonido".La exposición se inaugura este jueves y la artista bogotana aún está trabajando en los murales."Toda las instalaciones de mi trabajo están pintadas, ya que el aerosol es la materia prima con la que creo, es la materia básica. Es un juego entre el aerosol y donde se aplica", subraya la artista formada en las calles de Bogotá, quien reconoce que la experiencia internacional ha condicionado su estilo. El museo inaugura cada tres meses una nueva exposición de arte urbano.El arte sin sinceridad no trasciende"En los últimos años he estado viviendo en culturas muy alejadas de Latinoamérica. Tuve la oportunidad de estar en Asia, diferencias que han hecho que tenga un montón de herramientas distintas", explicó sobre su estilo y lo que podrá verse en la exposición.Respecto a cuál es la clave para que haya conseguido destacar entre tantos artistas del género, la colombiana aseguró que cree que ha sido importante no compararse con otros creadores. Simplemente, dijo, "hacer lo que me sale de mi ser". "Por último la sinceridad. Siento que en el arte si no hay sinceridad no se llega a ningún lado", apuntó.El Museo del Grafiti subraya en su web que "el trabajo de Ledania celebra el color y la naturaleza en escenarios poblados por criaturas imaginarias en un lugar improvisado, entre mágico y místico". Lea también: "Bruma", exposición para homenajear a la artista Beatriz González.Según la presentación, el arte de Ledania conjuga la formación clásica -tiene una maestría en Artes Visuales y Plásticas en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá- con la experiencia de años dedicados a los grafitis en las calles. Pero no todo es el arte urbano, Ledania es una artista multimedia, con trabajos en fotografía, diseño gráfico, publicidad, maquillaje artístico y elementos decorativos como ropa y accesoriosLa artista, cuyo nombre se deriva de la unión de Leda, seducida por Zeus en la mitología griega, y su nombre de pila, Diana, continúa exhibiendo en todo el mundo en lugares como la Bienal de Curitiba en Brasil, Art Expo Malaysia y el Festival Artscape en Suecia.Un cambio de aires por Asia"Mi arte no solo refiere a Bogotá, sino también a Tokio y Singapur, por citar a las dos ciudades en las que me quedé durante la pandemia", señala sobre las influencias de sus trabajos repartidos por los muros de las ciudades de todo el mundo y que ahora trae a Miami. "Pero a pesar de ello mi escuela fueron las calles de Bogotá pintando grafiti", subraya Ledania, una artista que es parte de la comunidad LGBT, a la que trata de ayudar desde su compromiso social."Mi estilo es raro, ya que aunque es abstracto tiene muchas figuraciones de por medio y siento que son muy característicos los personajes que no tienen género", asegura Ledania, que reconoce escapar de toda norma social estricta "que separa entre macho y hembra".El prestigio ganado estos años le llevó a colaborar con Disney en la película "Encanto", donde intervino en el diseño de vestuario y en un muro de 22 pisos de altura. La colombiana ha sido reclamada además por la Federación Internacional de Fútbol Asociación (FIFA) para un trabajo en un estadio en Alemania, tareas que, subraya, "salen de la norma del artista pero que aunque parecieran comerciales en realidad me permite pintar lo que me plazca".Allison Freidin, una de las fundadoras del Museo del Grafiti de Miami, señaló a Efe que contar con Ledania, cuya exposición se podrá visitar hasta el 18 de noviembre, es importante porque es una de las pocas mujeres que destacan en el género y por estar tradicionalmente alejado el grafiti de los centros de arte.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los hay del mundo de la música o el cine como la "musa" Audrey Hepburn o Yoko Ono y John Lennon, parejas de la realeza como Enrique y Meghan, figuras revolucionarias como Oscar Wilde, e incluso retratos del futuro, como Harmony, un robot sexual con apariencia humana. Pero todos son reflejo del punto central de la exposición: “Historias de Amor” (Love Stories).Muchas de las piezas viajan desde la Galería Nacional de Retratos de Londres, han pasado por Estados Unidos, y llegan a Ámsterdam para su estreno europeo continental junto a una serie de 16 retratos de artistas y fotógrafos neerlandeses a partir del sábado y hasta el 8 de enero. La galería londinense tiene la mayor colección de retratos del mundo y se encuentra en obras.“Esta exposición es un preludio de lo que la gente puede esperar de nosotros en el futuro (…). Es el principio de un nuevo inicio”, señaló este jueves a Efe Annabelle Birnie, directora de esta pinacoteca, en referencia a su nueva etapa tras “romper los lazos” con el Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo, la pinacoteca hermana en Rusia, que le había dado acceso durante 30 años a una de las colecciones de arte más famosas del mundo.Aunque no quiso adelantar con quién está negociando, Birnie aseguró que el museo neerlandés trabajará con otras galerías en otros países, para seguir “construyendo diseños estupendos, contando historias fantásticas, conectando a la gente a través del arte, y colaborando con museos internacionales”.“Durante mucho tiempo, el Hermitage de Ámsterdam se mantuvo al margen de los eventos políticos en la Rusia de (Vladimir) Putin, puesto que la política se enfoca en la realidad cotidiana y nuestra orientación radica en los tesoros y movimientos del arte que abarcan siglos (…). El reciente ataque de Rusia a Ucrania hace que este distanciamiento ya no sea sostenible”, dijo el museo el pasado marzo, en su ruptura con Moscú.Nueva página La muestra tiene obras maestras que representan ideas de amor, y juntas dibujan “una imagen conmovedora de cómo el amor y el deseo han influido en el retrato, desde finales del siglo XVI hasta el presente" y en esencia, son una serie de historias de la vida real "sobre el amor en todas sus formas; del amor romántico a la obsesión de un artista por una musa, y de las tragedias y penas románticas al amor que triunfa contra viento y marea”, dice el museo.Las piezas fueron realizadas por artistas como el pintor flamenco Anthony van Dyck (1599 – 1641), la suiza Angelika Kauffmann (1741 – 1807), la fotógrafa estadounidense Lee Miller (1907 – 1977), el pintor británico Lucian Freud (1922 – 2011) y el proyectista también británico David Hockney (1937).Mientras que las parejas que ponen los rostros a esta exposición van desde los legendarios Oscar Wilde y Lord Alfred Douglas; John Lennon y Yoko Ono, el príncipe Carlos y la princesa Diana; Victoria y David Beckham; Emma Hamilton y el almirante Lord Nelson; así como Laurence Olivier y Vivien Leigh.Nicholas Cullinan, director de la Galería Nacional de Retratos de Londres, consideró que “Historias de Amor” es una exposición que “explora temas relacionados, desde el amor romántico, la obsesión y el enamoramiento hasta la tragedia y la pérdida” y subrayó que “en el corazón de esta exhibición hay una serie de historias de amor de la vida real que son universales y que narran la experiencia humana”.Visite también: "Bruma", exposición para homenajear a la artista Beatriz González.Historias de amor y tragedias que incluyen la relación del príncipe Carlos con Diana, o la huida de palacio de Enrique y Meghan, pero también el retrato de Harmony, el robot humano, que cuestiona la idea de pareja.Harmony “responde al movimiento humano y al tacto con expresiones faciales naturales, comunicación verbal y no verbal. El dueño entra en una relación social y, si lo desea, sexual con el robot que es similar a una relación (romántica) entre dos personas”, señala el museo, en un salto al que, quizás, sea el futuro de otro tipo de amor.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK.
El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá será la casa que recibirá las obras del Proyecto TESIS 2022 en el que se presentan los mejores trabajos de tesis de los programas de Arte plásticas y visuales de las universidades del país.La exposición que tendrá una segunda parte, con reflexiones sobre el territorio, migración e identidad que se podrá visitar el viernes 11 de noviembre con ocasión de la tercera noche de museos de Bogotá.Los proyectos de grado que se congregan en estas dos grandes curadurías del proyecto TESIS 2022 trazan diferentes aproximaciones a este momento de la historia reciente. El cuerpo ha sido el protagonista durante la pandemia porque ha invitado a reflexionar sobre las situaciónes, sobre las debilidades y falencias; el cuerpo es un organismo supremamente complejo y a la vez muy frágil.Otro de los temas transversales a esta versión de Proyecto Tesis 2022 corresponde al territorio; el confinamiento llevó a entender que el planeta necesitaba un descanso, un respiro y se reflejó cómo reacciona la naturaleza con las playas despejadas, el aire más limpio, el retorno de los animales recuperando los territorios que los humanos les habíamos arrebatado tanto en las urbes como en la periferia.La memoria también es otro de los temas centrales de la exposición, es el baluarte fundamental y más aún cuando se encuentra en una situación de confinamiento que limita los movimientos; se recuerda aquellos momentos agradables donde si se podía hacer, o las circunstancias donde había mayor libertad, por eso la memoria se activa y los recuerdos hacen parte fundamental de este nuevo escenario que lleva precisamente a reflexionar y a poner en valor todo aquello que se disfrutaba libremente."Uno de los ecos que tuvo más difusión como consecuencia de la pandemia fue saber que el arte salvó la vida a muchas personas en todos los sentidos; el acceso a la música, al video, a muchos museos en línea, les permitió afrontar esta situación tan difícil de una manera diferente, ya que el arte y la cultura siempre nos abren posibilidades, siempre nos brindan otras realidades o amplían nuestros universos y nos hacen ver mucho más allá de aquellos limitados conceptos y visiones que tenemos como seres humanos", dicen los organizadores de la exposición. La exposición está disponible en el Museo de Arte contemporaneo de Bogotá, que está abierto de 9:00 a.m. a 3:30 p.m. de lunes a viernes. Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
La villana es una zarzuela (género español teatral que combina partes instrumentales con partes habladas, surgido en el Palacio de la Zarzuela en Madrid) dividida en siete cuadros compuesta por Amadeo Vives, con el libreto de Federico Romero y Fernández-Shaw.La historia se basa en Peribánez y el Comendador de Ocaña del poeta Lope de Vega publicada en 1614 dentro de la Cuarta Parte de las comedias del autor en el que el personaje de Casilda es el protagonista. Esta obra se considera una zarzuela ambiciosa casi al punto de que llegó a proponerse como una ópera en medio de una historia que mezcla el drama, el amor y el honor. No obstante Vives se mantuvo en la idea original y se estrenaría en el 1 de octubre de 1927 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid con la dirección de orquesta de Juan Antonio Martínez. El primer acto de la zarzuela comienza así: Miguel Ángel, su esposa Juana y los granjeros se alegran por las bodas de su amo, Peribáñez. Los campesinos homenajean a Peribáñez. Entre ellos está el astuto Olmedo. Aparece una procesión de mujeres que traen a la novia.Miguel Ángel alaba las cualidades de Peribáñez, mientras que Olmedo flirtea con su esposa. Roque y Blasa, un viejo matrimonio que trabaja en la granja relata los felices acontecimientos que están ocurriendo dentro de la iglesia. Salen los recién casados. Un desafortunado incidente lleva al Comendador de Ocaña al pueblo. Se ha caído del caballo después de ser golpeado por un toro. Llevan al noble al patio. Peribáñez prepara su casa, dejando al herido en manos de su esposa Casilda. El noble se sorprende que sea simplemente la esposa de un granjero. Para leer: Gustavo Dudamel: "Yo no me considero una superestrella"Vuelve Peribáñez y Don Fadrique lo ennoblece, sin sospechar que pueda haber algo detrás de ello. Cuando se marchan tanto Don Fadrique como los campesinos, quedan a solas los recién casados. Se marchan. Se encuentran Olmedo y Don Fadrique, quien manifiesta sin rebozo lo mucho que admira a la esposa del granjero. Olmedo intenta advertirlo, pero Don Fadrique canta una serenata o endecha, “Tus ojos me miraron”, a la bella esposa del granjero.Debido a su complejidad interpretativa, ya que contiene fragmentos hablados, sumado a la complejidad en cuanto a arreglos se refiere la zarzuela pese a su éxito suele representarse poco en la actualidad, al igual que otras obras de este tipo. Podrá escuchar el próximo domingo a las 9:00 p.m. en Canto y música coral esta ópera interpretada por la magistral Montserrat Caballé, Vicente Sardinero, Antonio Borras, Francisco Ortiz, el Coro: Orfeo Graciene y la Orquesta Sinfónica de Barcelona bajo la dirección de Enrique García Asencio en nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Vladimir Horowitz comenzó a estudiar piano con su madre a los seis años. A los quince entró al conservatorio de su ciudad natal y se formó con Felix Blumenfeld, quien había sido alumno de Anton Rubinstein.Dos años después se graduó con honores e inició su carrera como concertista, debutando con gran éxito en la ciudad vecina de Kharkov. Luego vendrían sus triunfos en Moscú y Leningrado, llegando a ofrecer 70 conciertos en la temporada 1924-1925.Desde siempre Vladimir Horowitz desplegó una espectacular técnica avanzada para su tiempo, que no era del gusto de los puristas que lo señalaban de cambiar el sentido de las partituras originales, alterar notar, tocar más rápido para hacer gala de su técnica.En Nueva York debutó en enero de ese año tocando el primer concierto de Chaikovsky bajo la batuta de Thomas Beecham. Aunque por entonces reinaban virtuosos como Rachmaninov o Paderewski, Horowitz fue recibido con entusiasmo por el público norteamericano y rápidamente se convirtió en uno de sus pianistas favoritos. En 1933 actuó por primera vez con el director Arturo Toscanini, con cuya hija Wanda se casaría en diciembre de ese año. En 1940 se estableció en Nueva York y en 1942 obtuvo la ciudadanía estadounidense.Vladimir Horowitz tenía en su repertorio muy pocos conciertos: el Emperador de Beethoven, los dos de Brahms, el Primero de Chaikovsky, el Tercero de Rachmaninov, y muy poco más.En 1987, cuando contaba con 84 años grabó por primera vez el Concierto Nº 23 de Mozart, algo curioso porque Mozart es uno de los compositores más juveniles, así debía de sentirse él. Este Mozart de Horowitz es claro, pero no es Mozart, los acordes arrebatados parecen ya de obras románticas, el sentido clasicista no aparece por ningún lado, la ironía, la digitación (pese a la edad), el fraseo sí está en su sitio y se nota la personalidad de Horowitz.Años antes, en 1953, Vladimir Horowitz decidió retirarse de los escenarios, y durante doce años se dedicó a formar jóvenes talentos del piano, y a realizar sus primeras grabaciones. En 1965 volvió al escenario concertístico y continuó grabando sus interpretaciones, de entre las que destacan las obras de Chopin, Liszt, Scriabin, Debussy y Prokofiev, aunque sus excelentes dotes musicales le permitían abordar con sumo virtuosismo todo repertorio pianístico.Este retorno de Vladimir Horowitz a los escenarios lo mantuvo hasta poco antes de su muerte, en noviembre de 1989, y en ese período continuó grabando, realizó un documental sobre su vida en 1985 y retorno a Rusia en 1986 acaparando una considerable atención.Puede escuchar la historia completa y algunas obras del pianista Vladimir Horowitz el lunes 3 de octubre en nuestro programa El Músico de la Semana a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
El Teatro Jorge Eliecer Gaitán abre sus puertas para el concierto del cantante Kevin Johansen el próximo sábado 3 de diciembre a las 8:00 p.m. Johansen visitará Colombia a propósito del lanzamiento de su nuevo disco de estudio Tú Ve. En Tú ve, Kevin se reversiona y versiona temas de otros, e invita al espectador a ser testigo directo de lo que sucede puertas adentro. Así fue como sucedieron las participaciones de amigos músicos admirados por Johansen, como son David Byrne, Natalia Lafourcade, Jorge Drexler, Rubén Rada y Silvia Pérez Cruz con quienes puede compartir momentos musicales, en la intimidad de su casa o un bar en algún lugar del mundo. Y así también canta junto a su hija Wiranda Johansen dos himnos como son Oración al Tiempo, de Caetano Veloso y Perfect Day, de Lou Reed.“Fue una búsqueda a partir de lo más profundo de Johansen. Quise hacer un disco que estuviera construido alrededor de la voz de Kevin, la guitarra y algunos elementos bastante simples y dejando espacios. Así que lo primero que hicimos fue grabar su voz. Nos sorprendió muchísimo el resultado de agregar pocos elementos y como al despegar y tener arreglos e instrumentaciones minimalistas, la voz fue cobrando un tamaño que no le había escuchado antes”, menciona Juan Campodónido, el productor del disco.El disco estará girando con el Tú Ve Tour, una serie de conciertos en los que Kevin Johansen junto a su banda transportarán a través del escenario a la intimidad de su hogar y los encuentros con amigos donde canciones propias y ajenas se vuelven parte de la celebración del encuentro.La boletería está disponible desde $110.000 (COP) + servicio hasta $300.000 (COP) más servicio. Las entradas están disponibles en tuboleta.com, este concierto es presentado por Bizarro Live Entertainment.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El próximo miércoles 5 de octubre a las 8:00 p.m. el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo le abre las puertas a la soprano coreana Hera Hyesang Park, una de las artistas más aclamadas del momento, quien se ha presentado en escenarios como la Metropolitan Opera de Nueva York y el Palais Garnier de París.En su recital en el Teatro Mayor, Park compartirá escenario con la pianista estadounidense Sophia Muñoz. El repertorio iniciará con arias de algunas de las más populares óperas de Mozart (‘Las bodas de Fígaro’, ‘Don Giovanni’ y ‘Così fan tutte’) y de Rossini (‘El barbero de Sevilla’).El concierto continuará con canciones de los compositores latinoamericanos Paurilo Barroso y Luiz Bonfá (Brasil), Manuel M. Ponce y María Grever (México) y el colombiano Jaime León (Colombia). Park y Muñoz continuarán su recorrido musical con piezas de los compositores anglosajones William Bolcom, Jake Heggie y George Gershwin (Estados Unidos), Benjamin Britten (Reino Unido) y Víctor Herbert (Irlanda). Para el final del concierto, las artistas interpretarán piezas de dos compositores coreanos: Du-Nam Cho y Un-Yung Na. .Hera Hyesang Park es una de las figuras emergentes en la lírica, en 2019 fue aplaudida por su debut para la Komische Oper Berlin, en el papel de Musetta para la producción de ‘La bohème’ de Barrie Kosky. Posteriormente, su representación de Rosina en ‘El barbero de Sevilla’ durante el Festival Glyndebourne fue descrita como “fenomenal” por ‘The Times’ de Londres.Para ella, sus presentaciones y grabaciones son actos de autodescubrimiento y de pasión, formas honestas y emotivas de conectar con otras personas. Así, con su técnica inmaculada y su variedad aparentemente interminable de tonalidades, su coloratura refleja la naturaleza audaz del estilo de Park: siempre aventurero y nunca plano.Por otro lado, Sophia Muñoz ha asistido en la preparación musical de óperas como el ‘Edipo’ de Enescu, ‘Die Nase’ de Shostakovich y ‘Die Bassariden’ de Henze. También ha sido pianista de planta en Eppaner Liedsommer y en Internationale Meistersinger Akademie.Recuerde que el concierto será el 5 de octubre a las 8:00 p.m., hay boletería disponible desde $40.000 (COP) y puede adquirirla en la página oficial del Teatro Mayor. Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El disco original, sexto álbum de su discografía, fue publicado en 1999 tras una grabación que se prolongó durante nueve meses en varios estudios y países, durante la gira del trabajo previo, "Alta suciedad" (1997).Entre los 37 temas de esa primera edición se encontraban títulos como "Te quiero igual", "Maradona" o "El día de la mujer mundial".Con el título "Honestidad brutal extra brut" verá ahora la luz en edición digital y con una caja de seis CD, que contendrá el álbum original con la masterización de Joe Blaney y Sterling Sound realizada entre Nueva York y Nashville, así como el disco "Versión original", con las primeras grabaciones realizadas en mayo de 1998, ya publicado en vinilo en el Record Store Day 2021.Como novedad absoluta, habrá tres CD titulados "In & Alt" con material no publicado anteriormente, grabaciones alternativas o inéditas, hasta sumar 45 cortes, entre los que se cuelan colaboraciones de Alejandro Sanz, Fito Páez, Jaime Urrutia, Hugh Mc Craken, Marc Ribot, Charley Drayton y otros músicos.Simultáneamente, el mismo 21 de octubre se publicará también la edición en vinilo del disco original, disponible por primera vez en ese formato, concretamente en una edición limitada de 180 gramos con una nueva masterización y edición realizadas en los estudios Sterling Sound (Nashville), con dirección del productor e ingeniero Joe Blaney.No olvide escuchar "JAZZ" de lunes a viernes a las 5:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
