"El arte no solo enriquece nuestra cultura, sino que también impulsa el desarrollo económico, genera empleos y fortalece el turismo", afirmó Ovidio Claros, presidente de la Cámara de Comercio de Bogotá (CCB), que organiza la feria.Claros agregó: "ArtBo ha consolidado a Bogotá como un epicentro clave para el arte en América Latina, conectando a galerías, artistas y coleccionistas de todo el mundo. Esta plataforma además de dinamizar el mercado del arte, logra posicionar a nuestra ciudad como un destino imprescindible para la cultura y los negocios, mostrando su capacidad para liderar la escena artística regional".La convocatoria está dirigida a las galerías colombianas e internacionales que deseen participar en las secciones 'Principal' o 'Proyecto'.Las propuestas para la sección 'Principal' serán evaluadas por un comité que tendrá en cuenta criterios como el profesionalismo, la trayectoria, las exposiciones realizadas, la participación en ferias internacionales y el portafolio de obras presentado.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLas galerías seleccionadas serán notificadas en la última semana de abril de 2025.Entre tanto, 'Proyectos', que está diseñada para propuestas de arte contemporáneo, será una sección que tendrá como curador un experto de ArtBo, quien seleccionará a las galerías por invitación directa para que exhiban su arte en estands de 21 metros cuadrados.ArtBo, programa de artes de la Cámara de Comercio de Bogotá, nació en 2004 como parte de la apuesta de la CCB por las industrias culturales y creativas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La gerente de Programas Culturales de la Cámara de Comercio de Bogotá, María Paz Gaviria renunció a su cargo este 17 de febrero, dentro de su gestión fue directora de la Feria Internacional de Arte de Bogotá (ARTBO).Además de ARTBO, Gaviria lideraba el Bogotá Music Market y la Bogotá Fashion Week, eventos fundamentales para la Cámara de Comercio y las industrias culturales de la ciudad. Gaviria presentó su renuncia por medio de una carta en la que escribió: “Con el corazón lleno de gratitud, comparto que cierro un ciclo profundamente significativo en mi vida. Tras más de una década en la Cámara de Comercio de Bogotá, concluyo un capítulo que ha sido más un trabajo: una misión y un compromiso con el desarrollo de nuestra ciudad y nuestro país”. 💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.“Esta despedida no es un cierre, sino un nuevo comienzo. Mi compromiso con la cultura, el emprendimiento, el desarrollo social y económico del país sigue intacto, y desde nuevos espacios continuaré acompañando iniciativas que transformen nuestra sociedad”, continúa la carta. María Paz Gaviria trabajó más de una década en la Cámara de Comercio de Bogotá, siendo directora de los proyectos mencionados anteriormente y es reconocida por ser la hija del expresidente de la república César Gaviria. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El 18 de abril de 2004 cuarenta paramilitares arremetieron contra la comunidad de Bahía Portete, en medio del desierto de La Guajira alta, mujeres lideresas fueron víctimas, casas incendiadas, torturas y un cementerio profanado obligaron a más de 600 indígenas wayuú a huir del lugar.La masacre de Bahía Portete, como se conoció a ese doloroso episodio del conflicto armado, convirtió el lugar en ruinas, azotadas por la violencia, los fuertes vientos y el inevitable paso del tiempo.Miembros de la familia Fince del clan Epinayú, que habitaba ese lugar, de diferentes generaciones, se acercan a las ruinas de Bahía Portete ubicadas en el desierto de La Guajira, su territorio, para conversar con los muros que han sido testigos de un tiempo perdido, consecuencia del desplazamiento forzado.Ese acercamiento a la memoria y el regreso a la tierra de estas personas está narrado en la exposición ¿Cuántas lluvias cayeron?, una videoinstalación de cuatro pantallas y un objeto sonoro que adentra a los visitantes en el territorio y que precede a la película Carropasajero sobre esta historia que se estrenará el próximo 20 de febrero.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Los directores César Alejandro Jaimes y Juan Pablo Polanco son los artífices de esta instalación en la que el silencio físico de los muros “se transforma en una invitación a la imaginación, en la forma de oralidad del territorio, y en una grieta que expresa el tiempo ausente de la comunidad en su tierra”.“Tanto el espectador como los miembros de la familia comparten el ejercicio de imaginar una respuesta del territorio, atribuyéndole una vida propia”, explica la Cinemateca de Bogotá en su invitación a la exposición que profundiza en las ruinas y el espacio abandonado como un lugar con una historia propia que se construye con las huellas de quienes lo habitaron.“Nuestra relación con parte de la familia Fince Epinayú ha sido un diálogo constante entre lo visible y lo invisible, un puente tendido entre la realidad y la memoria. Durante casi diez años de amistad, hemos construido juntos un lenguaje audiovisual que expresa cómo los difuntos no son ausencias, sino presencias que respiran, que hablan, que guían”, señala César Alejandro Jaimes, director de la exposición y la película.Y es que junto a la película, este performance ha sido construido en conjunto con la familia Fince Epinayú a lo largo de seis años en los que se ha desarrollado una amistad entre ellos y el equipo de realización de la película.“Esos muros, esas ruinas, fueron testigos del antes y después de Bahía Portete. En ellos está guardado lo que pasó en ese territorio mientras sus habitantes permanecieron en el exilio. Las paredes se erigen como soportes donde se fijan las voces y los sonidos que han sido llevados hasta ahí, arrastradas por el viento. Ese eco permanece guardado en los muros de Portete hasta que alguien se acerque a oírlo”, señala Juan Pablo Polanco, director de la exposición y la película.¿Cuántas lluvias cayeron? está abierta al público de martes a viernes de 2:00 p.m. a 6:00 p.m. y los sábados, domingos y festivos entre 11:00 a.m. y 6:00 p.m.La exposición contará con visitas comentadas los días 15 (3:00 p.m.) y 20 de febrero (4:00 p.m.) y el 1 de marzo (3:00 p.m.) con inscripción previa y acompañadas por los directores de la película y de la exposición y de Josefa Fince Epinayú, protagonista del largometraje. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Cinemateca de Bogotá (@cinematecabta)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Las imágenes del análisis del 'Retrato de Mateu Fernández de Soto' (1901), uno de los cuadros emblemáticos de la sombría etapa artística de Picasso, revelaron una figura femenina en la que se discierne la forma de la cabeza, el cabello recogido en un moño, los hombros curvados y los dedos, informó Courtauld este lunes en un comunicado.De acuerdo con la galería londinense, una investigación más profunda y un análisis más detallado podrían revelar más sobre la mujer del retrato, aunque no es seguro que se pueda establecer su identidad.El subdirector del Instituto de Arte Courtauld, Barnaby Wright, aseguró en la nota que llevaban tiempo sospechando que debajo del retrato de Fernández de Soto se escondía otra pintura porque la superficie de la obra presentaba "marcas y texturas reveladoras"."Ahora sabemos que se trata de la figura de una mujer. Incluso se puede empezar a distinguir su forma con solo mirar la pintura a simple vista. La forma de trabajar de Picasso para transformar una imagen en otra se convertiría en una característica definitoria de su arte, que ayudó a convertirlo en una de las figuras más importantes de la historia del arte", explicó Wright.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Reutilizar los lienzos era habitual en el pintor, porque en esa época no tenía mucho dinero, y pintaba una obra sobre otra sin blanquear la anterior, pero ahora la tecnología de imágenes, como la utilizada en Courtauld, ayuda a "ver la mano del artista" y "comprender su proceso creativo", apuntó la conservadora Aviva Burnstock.También aporta "luz" sobre la carrera de Picasso y sus etapas artísticas, añadió, puesto que tras el retrato de Fernández de Soto, el pintor comenzó a cambiar su estilo hacia un enfoque contemplativo y tonos más azulados, inspirado en parte por el suicidio de su amigo Carlos Casagemas y su tiempo en París.La pintura descubierta es similar en estilo a otras obras del malagueño, como 'La bebedora de absenta' (1901) o 'Mujer con los brazos cruzados' (1901-02), y formará parte de la exposición 'De Goya al Impresionismo: Obras Maestras de la Colección Oskar Reinhart", que se inaugura el 14 de febrero.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La selección forma parte de la Colección Argillet, especializada en arte surrealista y dadaísta, y se verá en el India Habitat Center entre el 7 y el 13 de febrero, y en la galería Masarrat de la capital india los próximos días 15 y 16.Según detalló en un comunicado la galería, la exposición engloba obras correspondientes a más de cinco décadas de la dilatada carrera de Dalí. En los grabados, aguafuertes y dibujos de 'Dalí comes to India' aparecen algunos de los temas preferidos del célebre artista de Figueras como la religión, la literatura, la política y el erotismo.Entre las series que se muestran en Nueva Delhi, destacan los grabados de 'Los cantos de Maldoror', 'Mitología griega', 'Fausto' -en torno al Fausto de Goethe- y 'Venus de las pieles', sobre la obra homónima de Leopold von Sacher-Masoch.Además, la exposición incluye una serie de grabados en torno a poemas escritos por el líder comunista chino Mao Zedong, en los que combina la sátira política y la exploración de la cultura de China.En 'Hippies', otra de las muestras de 'Dalí comes to India', Dalí recrea, con su particular visión estética, la experiencia de viaje a la India de su amigo, el galerista y editor Pierre Argillet, que quedó fascinado por este país asiático cuando lo visitó y fotografió.Por su parte, no hay registros evidentes de viajes de Dalí a la India. "Dalí estaba sumamente interesado en el movimiento 'hippie' (...) quería mostrar el interés que tenían los jóvenes occidentales, por los estudiantes, por las religiones espirituales orientales", dijo Christine Argillet, de la Colección Argillet.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíSin embargo, Argillet recordó que Dalí sí había colaborado con la aerolínea Air India, creando un cenicero para los aviones de la compañía, con formas que recuerdan a un elefante -animal predilecto del 'Divino' Dalí-, y que ahora es "bastante conocido y raro".La primera exposición de obras de Salvador Dalí, que nació en 1904 y murió en 1989 en la localidad gerundense de Figueras, se muestra en Nueva Delhi en una semana en la que la capital india está volcada con el arte contemporáneo.Entre el 6 y el 9 de febrero tiene lugar la Feria de Arte de la India, una de las ferias de arte más importantes del Sur de Asia, en la que exponen artistas indios e internacionales, así como galerías de todo el mundo.El coleccionismo de arte es un mercado en crecimiento en la India, donde el público del arte mira cada vez más de cerca a los artistas occidentales, una parte de la escena artística a la que siempre había mirado con más escepticismo que a la local.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Ante la "explosión del turismo, los problemas de seguridad, la urgencia climática y la revolución digital, nuestro modelo está cuestionado. En todas partes, nuestros socios internacionales están repensando sus espacios", resume Laurence Des Cars, que preside el museo del Louvre.Es el museo más visitado del mundo, con cerca de 9 millones de personas en 2024, de las cuales el 80% son turistas extranjeros, por delante del Museo Británico, los museos del Vaticano y el Met en Nueva York.El plan de renovación prevé para 2031 una nueva entrada para descongestionar la pirámide de cristal y una sala de exposición dedicada exclusivamente a la Mona Lisa, con un boleto de entrada adicional.El 80% de los 30.000 visitantes diarios (limitados por un aforo) vienen a ver la obra maestra de Leonardo da Vinci y... tomarse selfies.En Madrid, el Prado (3,5 millones de visitantes en 2024) ha encontrado una solución abriendo todos los días para "repartir mejor la carga de visitantes"... y prohibiendo tomar fotos."Si 8.500 personas vienen al Prado cada día, eso significa 8.500 fotos en el mismo lugar, probablemente frente a 'Las Meninas' de Velázquez o 'El Jardín de las Delicias' de Hieronymus Bosch", justifica su dirección."Materiales sostenibles"En el Louvre, que dispone de 70.000 m2 de superficie de exposición, también se ha anunciado un plan de circulación completamente repensado, en un edificio saneado y dotado de nuevas salas por un costo total estimado entre 700 y 800 millones de euros en diez años, o incluso "mil millones", según los sindicatos.El Estado ya ha anunciado que su participación será mínima, "160 millones de euros en 15 años", según el Ministerio de Cultura. En consecuencia el museo tendrá que sacar recursos propios (taquilla, mecenazgo, licencia de marca Abu Dhabi) e innovar también con una entrada más cara para los visitantes fuera de la UE (30 euros) a partir de 2026.En Londres, donde el acceso a las colecciones permanentes de los museos es gratuito pero las exposiciones temporales son de pago, la Galería Nacional ha emprendido importantes obras en el marco de su 200 aniversario.¿Objetivo? La revisión total de su entrada para acoger mejor a sus visitantes (más de 6 millones al año antes del covid y 4,2 millones en 2023) y la creación de un espacio dedicado a la investigación así como un centro educativo.Este programa, con un presupuesto de 85 millones de libras (101,6 millones de euros), pretende hacer el museo más eficiente en términos de consumo de energía y más "resiliente a los impactos del cambio climático", según su dirección.Se están haciendo esfuerzos para aportar más luz natural así como ventilación natural "donde sea posible" y para encontrar materiales "sostenibles".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíNueva estrategia En Nueva York, el Museo Metropolitano ha estado perdiendo visitantes desde 2019.Para remediarlo, ha renovado por completo su ala dedicada a los maestros del siglo XIV al XIX, una de las mayores colecciones del mundo de pinturas europeas.Las claraboyas del techo databan de 1939 y la última vez que fueron renovadas fue en los años 1950. Las obras, con un costo total de 150 millones de dólares, han durado cinco años. Se han reorganizado cronológicamente las colecciones, que cuentan con una nueva iluminación gracias a las claraboyas y las luces LED en el techo, en salas completamente repintadas, según su director, Max Hollein.Al igual que sus homólogos que desean atraer a un público más joven y diverso, el Met ha adoptado un enfoque "menos centrado en Occidente" para sus colecciones, según Hollein.Después de varias obras adicionales de varios millones de dólares, reabrirá en primavera un ala que alberga desde 1932 todas las artes de África así como de Oceanía y América antes de las colonizaciones europeas.El año pasado dedicó una exposición inédita al "Renacimiento de Harlem", el primer movimiento internacional de arte moderno fundado por artistas afroamericanos.El Met también se ha abierto en 2023 a lo inmersivo, presentando una colección de vestidos de su departamento de moda con imágenes de síntesis, apadrinada por la red social TikTok, para su exposición de primavera que coincide con su gala donde se congregan las estrellas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Su rebeldía y resistencia a la autoridad, unida a la búsqueda de cierta fama y notoriedad, le llevaron a pintar su nombre por todas las paredes de Filadelfia, su ciudad natal, desde donde expandió este movimiento a Nueva York y después al resto del mundo.En la conmemoración del 60 aniversario del nacimiento del grafiti contemporáneo, Darryl A. McCray, conocido internacionalmente como Cornbread, ha visitado Santiago de Compostela (noroeste de España) para participar en una conferencia y presentar su libro, 'Cornbread The Legend - Graffiti in Philadelphia (1965-1971)' (2024), con el que arranca una gira por Europa.El libro reúne recortes de periódico, dibujos, fotografías y entrevistas que ayudan a comprender la influencia y el legado del estadounidense, no solo en el grafiti, también en otros movimientos urbanos como el hiphop."Cambié el curso histórico de mi generación. Creé un movimiento artístico y un fenómeno global. Soy el primer artista grafitero del mundo moderno", dice Cornbread, que narra sus comienzos en Filadelfia y algunas de las anécdotas que le llevaron a adquirir fama mundial.Nació en 1953 y creció en el barrio de Brewerytown, en un ambiente problemático y con una infancia "nada fácil". Con 12 años fue enviado a un centro de detención juvenil, donde entró en contacto con distintas bandas; allí surgió el apodo que lo inmortalizó y con el que firmó diferentes lugares, creando lo que hoy se conoce como grafiti.Según explica, comenzaron a llamarle por ese curioso apodo por su insistencia en pedir pan de maíz en la cocina, ya que sentía nostalgia del que su abuela le preparaba cuando era niño.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíCon ese nombre pintó primero su camiseta y luego las paredes, marcando sin saberlo un fenómeno que se expandió por donde pasaba. "Nadie podía pararme. Lo veía como una manera de expresarme. Escribir mi nombre era mi forma de rebeldía", "descubrí que tenía un artista dentro de mí que quería expresarse" asegura el estadounidense.Tras salir del correccional, comenzó a firmar por distintos sitios de la ciudad, algo "novedoso" en aquel momento. El artista reconoce que lo que buscaba era "ser reconocido, dejar huella" y "salir en los periódicos".En 1971, relata, un periódico local anunció su muerte, al confundirle con Corelius Hosey, un muchacho que fue asesinado en una disputa entre bandas. McCray intentó subsanar el error sin resultados y decidió responder colándose en un zoo y pintando con su aerosol 'Cornbread lives' sobre un elefante, algo que aupó su popularidad.Aunque reconoce que en un primer momento lo que hacía se consideraba vandalismo, él siempre rechazó esa idea y afirma que el grafiti es un arte incomprendido.El grafitero dejó su marca en paredes, coches, trenes de carga e, incluso, llegó a estampar su firma en un avión privado de los Jackson 5. "Me convertí en el principal artista y pionero de grafiti del mundo gracias a esta notoriedad", rememora McCray, que defiende que el movimiento nació primero en Filadelfia y no en Nueva York como muchos piensan.La Gran Manzana fue quitando protagonismo a Filadelfia como epicentro de la cultura hiphop y en la década de los 80 del siglo pasado McCray regresó a su ciudad natal para ayudar a combatir el vandalismo. Ingresó en la Anti-Graffiti Network, que más tarde se convertiría en el Mural Arts Program, el mayor proyecto de arte urbano de Estados Unidos.Aunque opina que ahora el arte urbano se ha vuelto 'mainstream', asegura que es un arte que "nunca va a parar". Sobre quién va a ocupar su lugar, Cornbread señala a artistas como Banksy, el futuro del grafiti moderno.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde tiempos remotos, la humanidad ha intentado encerrar la naturaleza dentro de límites tangibles, transformando el caos del paisaje en jardines cuidadosamente dispuestos. En la tradición persa, los pairidaeza, o jardines amurallados, ofrecían refugio ante la hostilidad del desierto, mientras que los europeos del Renacimiento tejieron en sus laberintos vegetales un reflejo de la razón y el orden. A lo largo de la historia, el jardín no ha sido solo un espacio de contemplación, sino un símbolo del paraíso perdido y del deseo de dominar la naturaleza.Bajo esta misma inquietud, la exposición Paraísos y jardines: La naturaleza representada, curada por Luis Fernando Ramírez Celis y presentada por el Banco de la República, construye una cartografía visual de la relación entre el ser humano y su entorno domesticado. A través de 147 obras de la Colección de Arte del Banco de la República, la muestra traza la persistencia de estos espacios en la pintura, el grabado, la escultura y el video, desde el siglo XVII hasta la actualidad, poniendo en diálogo la exuberancia barroca de Jan Brueghel el Joven con la mirada contemporánea de artistas como Miguel Ángel Rojas, Emma Reyes y Abel Rodríguez.El recorrido de la exposición se estructura en cuatro momentos que despliegan las múltiples facetas del jardín en la historia del arte. En Utopías, el visitante se enfrenta a la idea de los jardines como territorios idealizados, espacios de plenitud que, como la Atlántida o la Arcadia, solo existen en el anhelo. En la sección Edén, la mirada se bifurca entre la visión occidental del Jardín del Edén y la selva tropical americana, concebida como una naturaleza sin domar. Obras como Adán y Eva en el Jardín del Edén, de Brueghel, evocan la armonía inicial y la posterior caída, mientras que el trabajo de Abel Rodríguez, indígena nonuya y etnobotánico autodidacta, presenta un contrapunto: el bosque amazónico no como un edén mítico, sino como un ecosistema vivo y en riesgo.La exploración continúa con Jardines, parques, flora y fauna, donde se presentan las múltiples formas en las que el ser humano ha estructurado su relación con la vegetación: desde los patios coloniales hasta los parques urbanos del siglo XIX, desde la precisión científica de los estudios botánicos hasta el exotismo ornamental de los bodegones barrocos. La última sección, El jardín florido, introduce la dimensión funeraria del jardín. Aquí, la obra Cementerio, jardín vertical (1992) de María Fernanda Cardoso se alza como una de las piezas más potentes de la muestra: lirios artificiales emergen de una pared en la que se insinúan tumbas dibujadas, un recordatorio de la tensión entre lo efímero y lo eterno, entre la vida y su cese.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Enmarcada en el contexto de la modernidad, la exposición también abre preguntas sobre nuestra relación con la naturaleza en la era de la crisis ecológica. ¿Hasta qué punto el jardín es un testimonio de nostalgia ante la pérdida de lo natural? En un mundo donde los paisajes urbanos han desplazado la vegetación, donde la biotecnología moldea la flora y la fauna a conveniencia, el jardín sigue funcionando como una metáfora de lo inalcanzable. Como en los cuadros de Claude Monet, donde el jardín de Giverny se desdibuja en manchas de color, o en los entornos digitales donde la naturaleza se ha convertido en simulacro, la muestra nos enfrenta al carácter artificial de nuestras propias construcciones verdes.Paraísos y jardines: La naturaleza representada es más que una exposición de arte; es un reflejo de nuestras tensiones con el entorno. Nos recuerda que, aunque la naturaleza haya sido domada, nunca ha sido del todo contenida. Como los jardines de Babilonia, suspendidos entre la realidad y el mito, estas representaciones nos invitan a cuestionar si alguna vez existió el paraíso que tanto anhelamos recuperar.Taller especialComo parte de la exposición Paraísos y jardines: La naturaleza representada, el Banco de la República invita a un taller especial dirigido por el curador Luis Fernando Ramírez Celis, en el que los participantes explorarán la creación de jardines imaginarios. A partir de los trazos arquitectónicos de los Museos del Banco de la República, el taller propone un ejercicio de transformación espacial, donde formas, líneas y estructuras se convierten en escenarios vegetales únicos. Dirigido a jóvenes y a todos aquellos que conserven el espíritu de la exploración creativa. Entrada libre con inscripción previa. Para participar, envía tu nombre, apellidos, edad y número de contacto al correo educacionmuseos@banrep.gov.co.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En este fin de semana de febrero la agenda cultural de Bogotá ofrece una rica programación en teatro y música. Entre las actividades destacadas se encuentra la primera Cinemateca al Parque del año. Estas son algunas actividades para este fin de semana.Exposición “Destrabar el discurso: una mirada crítica al arte colombiano entre 1970 y 1989”Esta muestra del Museo Nacional que forma parte del ciclo Hablar de arte en Colombia, ofrece una profunda reflexión sobre el arte colombiano durante un periodo crucial, marcado por el debate posmoderno y las transformaciones sociales y políticas del país. A través de las voces de artistas y críticos, la exposición destaca cómo estos años fueron testigos de una evolución significativa en la narrativa artística. Descubra allí voces del Archivo de la HJCK.📍 Museo Nacional de Colombia - Carrera 7 # 28 - 66🕒 Martes a domingo de 9:00 a. m. a 5:00 p. m.Obra “Protocolo de limpieza para viviendas unipersonales urbanas”Carlos Mario Valencia y la compañía (No) lugar teatro presentan en el Teatro del embuste una obra ambientada en la Bogotá de los años noventa, que muestra los interminables diálogos que habitan la mente de su personaje principal, un retrato vertiginoso y atrapante sobre la soledad, el trauma y la violencia.📍 Teatro del Embuste - Carrera 5 # 26b - 57🕒 Viernes 8:00 p. m. / sábados 6:00 y 8:00 p. m. / domingos 6:00 p. m.Entrada con boletería (general: $40.000 - estudiantes: $30.000)Obra “Los autores materiales”Esta obra de La Maldita Vanidad escrita y dirigida por Jorge Hugo Marín, forma parte de la trilogía Sobre algunos asuntos de familia. La historia cuenta la vida de tres jóvenes universitarios enfrentados a una situación límite: la imposibilidad de pagar el alquiler de su apartamento. La temporada de esta obra, que inicia el 24 de enero, se extenderá hasta el mes de marzo.📍 La Maldita Vanidad - Carrera 19 # 45a - 17🕒 Viernes y sábados 8:00 p. m. / domingos 6:30 p. m.Entrada con boletería (general: $48.000 - estudiantes: $32.000)Obra de teatro británica en cine ‘Prima Facie’Jodie Comer, ganadora del Emmy y BAFTA , protagoniza Prima Facie , la impactante obra de la dramaturga Suzie Miller, una de las voces más influyentes del teatro contemporáneo, que abrirá la temporada del National Theatre Live en Colombia.📍 Cinecolombia (Cineco Alternativo)🕒 Sábado y domingoEntrada con boletería ($40.000)Sábado, 1° de febreroCinemateca al ParqueLa primera Cinemateca al Parque del año inicia con película animada Mi villano favorito 4 (10:00 a. m.), seguido se presentará la más reciente película de Tim Burton: Beetlejuice Beetlejuice (11:30 a.m.); El día de la cabra (1:15 p. m.), de Samir Oliveros, ¡Somos lo mejor! (2:40 p. m.), El secreto de sus ojos (4:10 p. m.) de Juan José Campanella y la colombiana Uno, (6:30 p. m.).📍 Parque Timiza - Calle 40H Sur No. 72 R -31Entrada libreObra “Todos me merecen”El Teatro Jorge Eliécer Gaitán, de Idartes, presenta su temporada de teatro con los ganadores de Súmate a la Programación en la Sala Gaitán durante todo el mes de febrero a partir de las 7 p.m. Esta temporada inicia con la obra teatral Todos me merecen, escrita por Felipe Orozco, que emerge como una fascinante y provocativa exploración de la vida a través de un monólogo musical cautivador y único.📍 Sala Gaitán - Carrera 7 # 22 -79🕒 7:00 p. m.Entrada con boletería ($33.300)Domingo, 2 de febreroAcademia Sinfónica Nacional, ColombiaLa Academia Sinfónica Nacional presenta un concierto donde los solistas Rafael Ángel Sira (violín), Daniel Cárdenas (viola), Julián Casas (clarinete), Luisa Acero (oboe), Juan Sebastián Cárdenas (corno), Andrés Acosta (trompeta) y Juan Sebastián Barrera (trombón), interpretarán obras de compositores como Bach, Brahms, George Enescu, A. Pasculli, Henri Tomasi y Eugene Bozza, acompañados de los pianistas Miguel Pinzón, Beatriz Batista y Juan Carlos de la Pava.📍 Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo - Avenida Calle 170 # 67-51🕒 11:00 a. m.Entrada con boletería (Entre $25.000 y $35.000)Cine foro ‘Proyectando miradas’En este espacio se conversará sobre lo que el cine ha dicho sobre algunas problemáticas medioambientales. ¿El cine tiene la posibilidad de tratar temas sobre la naturaleza?, si es así ¿de qué manera lo ha hecho y lo puede hacer? ¿El cine puede generar conciencia e interés en las personas por estos asuntos? ¿Cree que es necesario conversar en torno al medio ambiente?📍 Biblioteca Pública El Mirador - Calle 71h Bis Sur - Carrera 27🕒 2:00 p. m.Entrada libre🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La muestra 'Warhol Bansky' en el espacio cultural WeGil de Roma cuenta con más de 100 obras de los dos artistas procedentes de colecciones privadas y galerías de todo el mundo y, al colocarlas juntas, establece un diálogo entre ellas que hace resaltar las diferencias y similitudes entre ambos.El público puede ver los paralelismos y las diferencias entre cuadros simbólicos de Warhol (1928-1987) como los retratos de Marilyn Monroe o Kate Moss o sus famosas latas de sopa Campbell, y el célebre 'Lanzador de Flores' de Banksy, el mural de un joven lanzando un ramo que el artista callejero pintó en el muro de separación de Israel en Belén, en el territorio palestino ocupado de Cisjordania.La inspiración de esta muestra nace de una idea original del exponente del arte callejero de protesta -que mantiene su anonimato-, que en 2007 propuso la muestra 'Bansky contra Warhol', realizada entonces en la ciudad de Londres, según Pietro Folina, presidente de Metamorfosi, productora de la exposición.En esa ocasión, Banksy "mostró su repudio al 'pop art' de Warhol, aunque detrás de esa manifestación se encontraba el reconocimiento de un tipo de identificación" entre ambos, señala Folina."La diferencia es que Warhol trabajó en una fase en que el mundo del consumo y el capitalismo parecían ir a destinos maravillosos, y Banksy, en cambio, vive una época de profunda crisis", en la que el británico hace de sus obras una crítica al consumismo o las injusticias sociales del sistema capitalista, agrega.El comisario de la exposición de Roma, Giuseppe Stagnitta, explica que Banksy reivindica que "todo es un circo gestionado por el mercado" y juega con las "provocaciones". Warhol, por su parte, "transformó el arte en un producto de consumo, y hoy hubiera sido un 'influencer'.Entre los personajes que ayudan a mostrar las diferencias, pero también los vínculos entre ambos, figura la Reina Isabel II en la versión de Warhol -con su diadema real- frente a 'Monkey Queen', en la que Bansky dibujó a la difunta monarca británica como si fuera un mono.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Otro ejemplo de contraposición es el del famoso plátano de Warhol, portada en 1967 del álbum de 'The Velvet Underground & Nico', con la obra 'Pulp Fiction' de Banksy, que representa sobre un fondo negro a los protagonista de esta famosa película -John Travolta y Samuel L. Jackson- sosteniendo firmemente dos plátanos en vez de una pistola.Con todo, subraya Stagnitta, mientras Warhol creó el imaginario propio de un capitalismo en auge y seguro de sí mismo en los Estados Unidos de mediados de siglo XX, Bansky en el momento actual "apunta a destruir el sistema, el militarismo y la sociedad del consumo".En sus obras se desmontan los "falsos mitos" y aparecen personajes "desencantados", agrega el comisario. Sin embargo, al igual que Warhol, Banksy también ha creado de su arte "una marca" propia, aunque los fines comunicativos y mediáticos de sus obras sean opuestos."Son artistas de distintas épocas, con perfiles y cosmovisiones opuestas", pero "en cierto modo, Banksy es una especie de hijo ilegítimo de Warhol", sostiene Folina. "Ambos proceden del mundo del diseño y la publicidad y usan un sistema serial, de reproducción de obras de arte: las serigrafías", un elemento que les acerca, añade.Explica que Bansky "rechaza el mercado, pero la paradoja es que se convierte entonces en comerciante de sus obras: son muy valoradas en las subastas", igual que toda la obra de Warhol.Banksy ha logrado que los amantes de su arte compren incluso pedazos de pared donde pintó sus murales, como 'Robot', 'Computer Boy' o 'Season's greetings', las tres traídas expresamente desde el Reino Unido para ser expuestas en Roma.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
