Atrás queda al edificio envejecido, obsoleto, mal protegido y periférico en el este de la capital noruega. Este viernes, el museo Munch se muda al mismo centro de la ciudad, dentro de una torre espaciosa y moderna, pero también criticada. "Puede ser el mayor museo consagrado a un solo artista", señala el director del museo, Stein Olav Henrichsen, mostrando sus nuevos aposentos.Con 13 plantas y más de 26.000 metros cuadrados, el nuevo edificio bautizado "Lambda" ofrece cinco veces más espacio de exposición que el inmueble tristón que albergaba hasta ahora el tesoro nacional en el barrio popular de Tøyen. Soltero empedernido y sin hijos, Munch (1863-1944) legó su obra a la ciudad de Oslo, elegida en su vejez en detrimento del Estado noruego. Heredero inicial, el país había caído en manos de la Alemania nazi que veía en este pionero del expresionismo un representante del "arte degenerado".A orillas del fiordo, justo detrás de la ópera, el nuevo museo repara una injusticia histórica dando al artista el envoltorio que su obra merece. La previsión es alcanzar 500.000 visitantes --y la esperanza superar el millón-- para la colección permanente, que acogerá 200 obras en 4.500 m2.Además de las lúgubres referencias a la angustia, la desesperación y la muerte, algunas piezas del pintor noruego abordan cuestiones menos deprimentes como el amor, los autorretratos o los paisajes. Frente a la palidez de la piel de cuerpos desnudos, enfermos o sin vida, brillan los colores rojizos del pelo o del cielo.Como no podía ser de otra manera, la colección contiene "El grito", el emblema del museo presentado en diferentes versiones, y otras obras principales como "Vampiro", "La Madonna" o "La niña enferma". Pero junto a ellas aparecen incontables piezas menos conocidas, esculturas, fotografías, una película o murales enormes como "El sol" que, en el momento de la construcción, tuvieron que introducirse por una grieta especial, después tapada. "Munch quería tener un museo. Se refería a sus obras como sus niños y quería que estuvieran todas juntas en el seno de una colección", explica la comisaria Trine Otte Bak Nielsen.El edificio no genera una reacción unánime. Su parte superior oblicua no convence y los ventanales iluminados prometidos encima de las planchas de diseño están ahora escondidos por unos raíles de aluminio que parecen "barreras de seguridad".En 2019, el historiador de arte Tommy Sørbø ya denunció el "destrozo" de Oslo, una "catástrofe anunciada". Su opinión no ha cambiado, "al menos para el exterior y la entrada". "El vestíbulo parece un aeropuerto, un almacén, un hotel o un edificio comercial", dice a AFP."No hay nada en la elección de los colores y los materiales que anuncie que el lugar alberga (la obra) de uno de los grandes artistas del mundo", continúa. La dirección capea el temporal. El museo debe provocar como lo hizo la obra de Munch en su tiempo, asegura. "El edificio se adapta muy bien a la colección porque es un edificio monumental, un edificio brutal, situado en el corazón de la ciudad y que obliga a la reflexión", estima Henrichsen.Y a lo mejor, las denostadas "barreras de seguridad", disuadirán a las personas malintencionadas que durante años han tratado de robar en múltiples ocasiones las obras de Munch en Noruega. Uno de los casos más notorios sucedió en 2004, cuando unos ladrones se hicieron con "El grito" y "La Madonna" en una operación que buscaba distraer a la policía un día después de un sangriento asalto a mano armada en un banco.La historia tuvo un final feliz y las dos obras maestras fueron recuperadas. "Es probablemente el edificio más seguro de Noruega, pero no os daréis cuenta. La seguridad es muy discreta porque queremos que la atención se centre en el arte", explica Henrichsen. "Lo puedo proclamar públicamente: no habrá robos aquí", asegura.
Los museos del mundo se han visto limitados por las restricciones que han impuesto las redes sociales y particularmente, sus políticas de publicación frente a contenidos explícitos y sexuales. Obras como la Venus de Willendorf y lienzos de desnudos como los que realizó el italiano Modigliani, parecen haber quedado contenidos únicamente en los espacios físicos de los museos. En búsqueda de espacios digitales que permita la circulación de las obras, algunos museos de Viena han abiertos cuentas oficiales en OnlyFans, el servicio inglés de suscripción que permite la publicación de contenido sexualmente explícito. La Oficina de Turismo de la capital austriaca ha estado a cargo de la estrategia con el fin de "abrir el debate sobre el papel de los algoritmos y los gigantes tecnológicos en el arte", según declaró el director del centro, Norbert Kettner.Los museos han estado activos en la plataforma desde septiembre y cuentan ya con suscriptores que han reconocido esa decisión como una defensa de la libertad artística. De acuerdo con Kettner, esta iniciativa deviene de las estrategias digitales de los museos y las dificultades que han encontrado por las políticas que sancionan la desnudez y la pornografía, sin que reglas que distingan los tipos de contenido, en este caso, artísticos."Venus de Willendorf", que hace parte de la colección del Museo de Historia Natural ha sido eliminada varias veces, luego de su publicación. Esta figura de más de 30.000 años de antigüedad es una de las muestras artísticas del periodo paleolítico y para Facebook es contenido pornográfico. Klaus Pokorny, portavoz del Museo Leopold, afirma que es "extraño e, incluso, ridículo que hoy en día la desnudez sea todavía objeto de controversia, cuando debería ser natural".La misma suerte han corrido las obras de Egon Schiele, pintor austriaco, como si nada hubiera cambiado cien años después de la muerte del gran pintor modernita que, en su tiempo, causó revuelo en el campo más conservador del mundo del arte. Por su parte, en el museo La Albertina, las pinturas del artista italiano Amedeo Modigliani han sido consideradas vulgarmente explícitas. Esto, asegura Pokorny, "nos obliga y fuerza a abrir una cuenta en OnlyFans, porque las plataformas internacionales más famosas como TikTok, Facebook o Instagram no aceptan nuestras pinturas".Thomas Schlesser, autor de un libro titulado "El arte frente a la censura", se refiere a esa iniciativa como una lectura inteligente del ecosistema digital. “Al pasar a la red social de OnlyFans, las obras retoman el carácter provocador e, incluso, pornográfico que pudieron tener en su época”, comenta este historiador del arte, director de la Fundación Hartung-Bergman.El tema va más allá del arte clásico, añade el responsable de la Oficina de Turismo, que observa una "autocensura inconsciente de muchos jóvenes creadores", que no pueden privarse de la visibilidad que ofrecen Facebook y otras plataformas. Estos últimos, a menudo criticados por la eliminación automática de imágenes, aseguran que sus reglas han evolucionado y presentan más "matices" para hacer excepciones en cuanto a desnudez en el caso, por ejemplo, del arte."Dijeron que se habían esforzado", comenta Olivier Ertzscheid, profesor e investigador en Ciencias de la Información de la Universidad de Nantes. "Pero la realidad es que en lo que respecta a la representación de los cuerpos (especialmente el femenino), nada ha cambiado realmente, sea o no una forma artística", indica Ertzscheid, refiriéndose a una "forma de mojigatería o marketing mojigato".Mientras tanto, Kettner espera que haya conversaciones al respecto para avanzar, pero no ha habido ningún acercamiento por ahora. Además, asume sin complejos la asociación de la ciudad con el sitio OnlyFans, que se ha consolidado durante varios años como un destino importante para los creadores de contenido erótico o pornográfico de pago.En busca de una imagen más respetable, la plataforma con 150 millones de usuarios ahora se enfoca en videos de recetas de cocina, fitness o consejos de salud. "No es una cuestión de nuestro éxito en las redes sociales, sino una cuestión de principios", resume Pokorny. "Es como una guerra con otros medios; luchamos por nuestros derechos, nuestra libertad, contra las personas que quieren regular nuestras vidas", concluye el portavoz del Museo Leopold.
El cuadro Niña con globo de Banksy, que se autodestruyó parcialmente durante una subasta en Londres hace tres años, fue vendido por 25,4 millones de dólares, un récord para el artista. La obra, rebautizada como Love is in the Bin, superó el último récord alcanzado en marzo por Game Changer.El famoso artista urbano, cuya identidad sigue siendo un misterio, dejó estupefacto al mundo en la subasta que tuvo lugar hace tres años en la casa Sotheby's de Londres, la misma que remató este jueves lo que quedó de la obra. Apenas sonó el martillo adjudicando el cuadro al mejor postor, un mecanismo escondido en el marco hizo añicos la parte inferior de la tela, que representa una niña soltando un globo en forma de corazón. Ahora solo queda el globo sobre un fondo blanco.Con esta acción, Banksy aseguró querer denunciar la "mercantilización" del arte. En su comunicado anunciando la venta, Sotheby's describió la destrucción como el "'happening' artístico más espectacular del siglo XXI", enmarcado "en la herencia del arte contracultural que comenzó con el dadaísmo y Marcel Duchamp". "Durante esa noche surrealista de hace tres años me convertí por accidente en el privilegiado propietario de 'El amor está en la papelera' (...) pero es tiempo de separarme de él", dijo el comprador anónimo, citado en el comunicado de Sotheby's.Niña con globo apareció por primera vez en 2002 como un grafiti en una pared al sur de Londres y llegó a ser nombrada como la obra de arte preferida por los británicos. El viernes, una versión en díptico de esta obra realizada en 2005 será subastada también pero esta vez por la firma Christie's.Después del golpe de efecto de 2018, el valor de las obras de Banksy se disparó en las subastas. En marzo, Game Changer, un lienzo en honor del personal sanitario en la pandemia del coronavirus, se vendió en Christie's por 16,75 millones de libras (22,9 millones de dólares, 19,5 millones de euros).Este artista misterioso procedente de Bristol se dio a conocer por sus grafitis provocadores que invitaban a la reflexión de la sociedad. En 2005 pintó Flower bomber en una pared de Jerusalén donde retrata un manifestante enmascarado a punto de lanzar un ramo de flores. Banksy ha aprovechado su obra para criticar el Brexit, manifestar su apoyo a los migrantes o alertar sobre la urgencia climática.
El 14 de octubre estará disponible en la Sala Fabiola del Museo Casa de la Memoria la exposición “Loreto, más plural, más posible", una experiencia expositiva construida de forma colaborativa con la Pastoral Juvenil Shemá en la que se despliega una lectura colectiva y particular del territorio.La Pastoral Juvenil Shemá es un grupo de jóvenes del barrio Loreto en Medellín que, a través de entrevistas, talleres, encuentros y recorridos, han conectado a vecinos de distintas generaciones, sus testimonios y documentos para crear un museo itinerante de las memorias del barrio.Esta exposición propone una narrativa alterna a la oficial sobre la historia de Loreto, que pone en el centro del relato un barrio tejido desde el convite y el hacer comunitario que coexiste con la historia de la violencia y su estigma, cuestionando la diversidad de memorias barriales de la ciudad.Además, reúne un conjunto de experiencias, reflexiones, acciones comunitarias y de encuentro realizadas a través de los años por este grupo juvenil que, sensible a su entorno, ha trabajado por reconstruir lazos comunitarios y propiciar el reconocimiento de otras historias del barrio.Esta iniciativa hace parte del proyecto Territorios, que constituye una iniciativa del Museo Casa de la Memoria para hacer visibles los procesos de construcción de memoria en los territorios, a partir del diálogo e intercambio entre iniciativas comunitarias y el museo, para la construcción de relatos plurales que aporten a una comprensión alternativa de la historia y las violencias en Medellín.“Se trata de una exposición que refleja ese quehacer, ese tejido social que se va construyendo a través de las actividades comunitarias y que se va consolidando a través de los lazos colectivos que se enfrenta a lo que son los procesos de violencia, a los procesos de desarraigo que se dan en un entorno barrial”, expresó el director del Museo Casa de la Memoria, Jairo Herrán Vargas.En simultánea, este jueves 14 de octubre, y como una forma de dinamizar a través de procesos artísticos el Centro de Recursos para la Activación de la Memoria (CRAM) se presenta la exposición: Un Lugar común de Jenny Patiño Pérez. En esta instalación, la artista lanza una interrogación hacia la narratividad de la violencia, a su normalización y a las formas en que esta es reproducida desde los medios. Apelando al término violencia, tanto en su dimensión textual como visual, la artista propone un ejercicio en el que el sonido, la imagen y la palabra se encuentran en videos simultáneos que bombardean al espectador, alteran el mensaje e impiden que se transmita de manera directa.
Festivales, clubes de lectura, recorridos y conciertos, hacen parte de la agenda cultural y recreativa que no pueden perderse si están de descanso por estos días. Armen parche y recorran la ciudad, a través de las artes.Festival de danza urbana - Del 14 al 22 de octubreEste es un Festival en donde hace presencia el Pop Dance, el Jazz y el Tap Dance, así mismo cuenta la participación de las más destacadas agrupaciones Distritales y nacionales. El festival es organizado por el Instituto Distrital de Cultura y Turismo. Disfrute en el mes de octubre de este género cultural que hoy en día se ha tomado las grandes capitales del mundo y se consolida como un espacio para la expresión de la juventud. También se realizarán jornadas académicas y artísticas a las que podrán asistir en las plazas principales de cada barrio de la ciudad.Imagen 9: Territorios Guardianes - Hasta el 25 de Octubre en Museo del Banco de la RepúblicaBajo la curaduría de Yolanda Chois, Edinson Quiñones, Ana María Lozano, Melissa Aguilar, Alexandra Hadad, Máximo Flórez, Valentina Flórez y Cristo Hoyos; Imagen Regional 9 contiene siete muestras desarrolladas en las regiones Zona Centro Oriente, Pacífico, Andina Amazonía, Andina Cafetera, Caribe, Caribe Insular y Amazonía, se reúnen en el Museo de Arte Miguel Urrutia – MAMU para que los públicos puedan observar un trabajo en el que se destaca el compromiso entre regiones. Se trata de una exposición que se pregunta sobre las formas de habitar el territorio desde las ideas, las maneras de relacionarse, la construcción y deconstrucción de identidades, las memorias del cuerpo, los conflictos, los alimentos, las prácticas ancestrales, las imágenes presentes y las percepciones mutuas.En el marco de la apertura de Imagen Regional 9, esta actividad propone un diálogo por la exposición en el que curadores y artistas comparten con los públicos las experiencias recogidas en las diferentes regiones a través de un recorrido por la muestra."Es torrente y un hilo" - En la Galería Santa fe (todo el mes de octubre)David Medina creó esta obra web que presenta un flujo constante e interminable de textos. Cada uno es una composición autónoma e impredecible que empieza a partir de la misma frase del título y que se repite de forma obsesiva en cada capítulo. La obra se presenta también como un paisaje pervertido, un río de textos y un sol que hace cambiar los colores del espacio cuadrado de la aplicación a lo largo del día (amaneciendo y anocheciendo junto a la luz de Bogotá). Cada visita propone un nuevo libro que el lector va construyendo en la medida que se desplaza por esta página única e interminable, en el gesto universal del scroll de las interfaces móviles contemporáneas.ArtBo - Hasta el 25 de octubreEste es un evento en donde se reúnen las más importantes galerías de arte de Colombia y del mundo para brindarle a los artistas la oportunidad de dar a conocer sus reciente trabajos. Esta importante Feria de Arte de Bogotá es organizada directamente por la Feria Internacional de Bogotá y la Cámara de Comercio. Son más de 500 obras para ver de países invitados de América Latina y Europa.En su cuarto año, se convierte en una plataforma cultural y comercial para artistas, galerías, curadores críticos y coleccionistas nacionales e internacionales. Aquí se puede intercambiar la mejo muestra de; pintura, escultura, fotografía, instalaciones y video. Como en ferias anteriores, existe un pabellón especial, Artecámara, en donde los jóvenes, hasta 35 años, pueden mostrar sus obras, además de un pabellón infantil.Expociencia y expotecnología - Del 19 al 25 de octubreEsta es una feria que da conocer los más recientes adelantos científicos y tecnológicos tanto en Colombia como en el mundo. Del 19 al 25 de octubre en Corferias la XI versión. En este año el tema central es “El año Mundial de la Astronomía” Tenga la oportunidad de conocer las muestras en esta materia que realizan los estudiantes de educación básica y media vocacional.La Asociación Colombiana para el Avance de la Ciencia, organiza cada dos años este evento encaminado a sensibilizar a la población colombiana, sobre el tema de la ciencia, la tecnología y la innovación. Todos los niños, niñas y jóvenes de Colombia tienen la oportunidad de demostrar su creatividad, investigación e innovación de proyectos desarrollados por las instituciones educativas, clubes de ciencias y universidades."Como es adentro es afuera" - Hasta el 18 de diciembreLa artista colombiana María José Arjona, presenta esta obra, bajo la curaduría de André Lepecki. En ella se pregunta sobre los oráculos y el futuro de la vida, el país y la cultura.La propuesta se desarrolla paralelamente en dos espacios del centro de Bogotá: comenzando en NC-arte y extendiéndose a través de un recorrido al piso 38 de las Torres Atrio. En ambos lugares el público podrá encontrar una programación que abarca experiencias oraculares, el archivo de la investigación del proyecto y un performance de larga duración.Periódicos de ayerEsta es una muestra en la que el devenir del tiempo y la historia se presentan como discursos susceptibles de discusión por medio de diversas obras realizadas, con base en el periódico o a partir de este como materia prima o concepto, por parte de artistas latinoamericanos activos desde la segunda mitad del siglo XX hasta hoy.Es imposible negar que el periódico en su presencia analógica, es decir, en su versión impresa, está en vías de extinción. Por tal razón, esta exposición es un acto de resistencia, pero también de nostalgia: “Y para qué leer un periódico de ayer, que nadie más procura ya leer; sensacional cuando salió en la madrugada, a mediodía ya noticia confirmada y en la tarde, materia olvidada”, dice Héctor Lavoe en su reconocida canción, que en nuestro presente, marcado por la pandemia, implica rebelarse contra un tiempo diluido. Esta existencia confusa, que nos invadió desde marzo del 2020, puede asumirse desde el arte como un mecanismo para enfrentarnos al olvido. Visitar momentos, recuerdos, noticias o titulares a través de las obras exhibidas forma parte del duelo casi perpetuo de vivir en un mundo tan convulsionado.Los artistas presentados han sido tercos a la hora de aceptar las versiones de los hechos y eventos que han marcado los relatos sobre el continente latinoamericano. En sus trabajos se ve el lado —muchas veces oculto— de los turbulentos años en los cuales se produjeron revoluciones, dictaduras e imposiciones internacionales en sistemas culturales y sociales, además de luchas armadas y guerras civiles. Interesa mostrar un conjunto de estas miradas en el ámbito continental porque, más allá de debates regionalistas, es un hecho que desde los años sesenta hubo reflexiones similares en varios países en torno a la injusticia.
En Bogotá existen alrededor de 60 museos, la mayoría de ellos, ubicados en el centro de la ciudad. Su amplia oferta contiene una riqueza variada que abarca el patrimonio histórico y artístico del país y de la ciudad. Les contamos sobre siete grandes museos para visitar en la capital:Museo Nacional de ColombiaEste es uno de los museos más antiguos del continente. Ubicado en la carrera 7 #28-66, el museo en su interior ofrece 17 salas de exposición permanente en las que se exhiben cerca de 2.500 obras y objetos arqueológicos y de colección.Valor de las entradas:Niños de 0-5 años: y personas mayores de 60 años : Entrada gratuitaNiños de 6 a 12 años: $1.000Jóvenes de 13 a 17 años: $2.000Adultos de 18 a 59 años: $3.000Fuera del valor regular de la boleta, todos los grupos de edades que ingresen, deberán dar un aporte voluntario de $1.000 pesos. Con cualquiera de las boletas se puede ingresar tanto a las exposiciones temporales, como a las diferentes exhibiciones permanentes del Museo Nacional.Horarios:Los lunes no hay servicio al público por mantenimiento y limpieza de las salas y piezas.De martes a domingo: de 9:00 a.m a 5:00 p.m.Entrada gratuita los miércoles de 3:00 p.m. a 5:00 p.m y los domingos en el horario habitual.El Museo Nacional de Colombia cierra al público los días 1 de enero, 1 de mayo y 25 de diciembre.Museo del OroEste museo preserva colecciones arqueológicas que son patrimonio de todos los colombianos. Está ubicado frente al Parque de Santander, en la esquina entre la carrera 6ª y la calle 16, en Bogotá. Para ir al Museo del Oro es indispensable hacer reserva, pues sin ella no se podrá ingresar. En este link se puede programar la visita. Es importante diligenciar un formulario por cada persona.Valor de las entradas: $4.000Niños menores 12 años y adultos mayores de 60 años: Entrada gratuitaCostos de audioguías en inglés, francés, español o portugués: $8.000HorariosLunes: Cerrado.Martes a sábado de 9:00 a. m. a 5:00 p. m.Domingos de 10:00 a. m. a 5:00 p. m.Último ingreso una hora antes del cierre.Museo BoteroEste Museo creado en el año 2000, Expone las obras donadas por el escultor Fernando Botero. De las obras, 87 corresponden a su colección personal de arte universal y el resto, cerca de 123 piezas, fueron realizadas por el mismo artista. El Museo queda ubicado en la calle 11 No. 4-41.Horarios:Lunes a sábado de 9:00 a.m. a 7:00 p.m.Martes: cerradoDomingos y festivos de 10:00 a.m. a 5:00 p.m. (el último ingreso es 30 minutos antes del cierre).Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO)Ubicado en la calle 24 #6-00, el MAMBO investiga, comunica y expone su patrimonio cultural y las diversas manifestaciones del arte moderno y contemporáneo con el fin de generar experiencias significativas y procesos de aprendizaje que contribuyan a la transformación social.Para el ingreso al Museo, se puede comprar el tiquete en línea aquí en la página de la Tienda MAMBO; también se puede adquirir el tiquete en la recepción en el Museo.Horarios:Martes a sábado de 9:00 a.m. a 5:00 p.m. en franjas de visitas.9:00 a.m. a 10:30 a.m.10:30 a.m. a 12:00 m.12:00 m. a 1:30 p.m.1:30 p.m. a 3:00 p.m.3:00 p.m. a 5:00 p.m.(Cierre de venta de tiquetes en el Museo – 4:00 p.m. Última entrada al Museo 4:00 p.m.).Domingo de 12:00 m. a 5:00 p.m. en franjas de visitas.12:00 m. a 1:30 p.m.1:30 p.m. a 3:00 p.m.3:00 p.m. a 5:00 p.m.Valor del tiquete:Público general: Tarifa única. $12.000Estudiantes, mayores de 60, profesores y niños menores de 8 años: $8.000Los martes hay entrada 2×1 en el Museo. Si se reserva el tiquete en línea, con una compra pueden ingresar al museo dos visitantes.Algunos domingos tiene entrada gratuita.Museo Casa de la MonedaEl Museo Casa de la Moneda, ubicado en un claustro colonial en la calle 11 # 4 - 93, acoge la Colección Numismática (monedas, billetes, documentos y máquinas) que dan cuenta de la historia económica de Colombia desde la época precolombina hasta nuestros días.Para ir al Museo es indispensable hacer reserva para poder ingresar. Aquí en este link puede programar su cita. Se debe diligenciar un formulario por cada persona.Horarios:Lunes a sábado de 9:00 a. m. a 7:00 p. m. (con excepción de los martes, que está cerrado)Domingos de 10:00 a. m. a 5:00 p. m.Último ingreso una hora antes del cierre.Museo de BogotáEl Museo de Bogotá aborda la complejidad y la diversidad de Bogotá a través de estrategias museológicas que caracterizan sus diversos patrimonios culturales y ambientales, sus características geográficas y biofísicas, sus realidades socio-políticas, los proyectos urbanos y arquitectónicos que la han configurado y las distintas maneras en las cuales es habitada.Casa de los Siete Balcones (salas de exposición permanente): Calle 10 No. 3-61Casa Sámano (sede de exposiciones temporales): Carrera 4 No. 10-18Horarios:Martes a viernes de 9:00 a.m. a 5:00 p.m.Sábado y domingo de 10:00 a.m. a 5:00 p.m. (Cerrado el lunes por mantenimiento y aseo).Recorridos guiadosDe martes a domingo de 11:00 a.m y 3:00 p.m (cinco personas por grupo). La entrada es gratuitaMuseo de la Independencia Casa del FloreroUbicado en la carrera 7 #11-28, el museo se compone de seis salas, cada una de ellas con herramientas interactivas que rompen con la idea de museo estático para proponer a los visitantes una comunicación directa no sólo con los sucesos que desataron la revuelta del 20 de julio de 1810, sino también con hechos actuales que han marcado la historia del país.HorariosMartes a domingos de 9:00 a. m. a 5:00 p.m.Lunes (incluido festivos) cerrado al público por mantenimiento del museoValor boletería: No se necesita reservaNiños de 0 a 5 años: Entrada gratuitaNiños de 5 a 12 años: $1.000Jóvenes de 12 a 17 años: $2.000Adultos de 18 a 59 años: $3.000Tercera edad (mayores de 60 años): Entrada gratuitaFuera del valor de la boleta, los grupos de edades deben dar un aporte voluntario de $1.000 pesos.Domingos entrada gratuitaEntrada gratuita a las salas de exposición todos los miércoles de 3:00 p.m. a 5:00 p.m.
Entre el 13 de octubre y el 31 de enero de 2022, La exposición "Les Louvre de Pablo Picasso" exhibirá 450 pinturas, dibujos, esculturas, grabados, fotografías y otros documentos de archivo, incluyendo algunas piezas "excepcionales" nunca antes exhibidas. Picasso (1881-1973) "tenía un extraordinario poder de visión, de comprensión y de integración del arte", dijo a la AFP Marie Lavandier, directora del museo Louvre-Lens, una antena del establecimiento parisino, ubicada en el norte de Francia.En los pasillos del Louvre parisino, que Picasso "recorrió incansablemente desde 1900", "encontró un prodigioso material de inspiración", asegura. Antigüedades griegas, romanas u orientales, esculturas, artes gráficas... "La idea era buscar el Louvre en Picasso y Picasso en el Louvre", una "lógica de espejo" tejida en el hilo conductor de la exposición, resume Dimitri Salmon, comisario de la exposición.Los visitantes podrán sumergirse en una reconstrucción de algunos departamentos del museo parisino, que reunirá las creaciones del genio español con aquellas en las que pudo inspirarse."Hay cosas muy conocidas, como su trabajo en el "Almuerzo sobre la hierba" de Edouard Manet. "Y otras mucho menos como su relación con el arte egipcio, los retratos de Fayum, su inspiración en los objetos de arte, la joyería, la cerámica", dice Lavandier. Entre las piezas más impactantes está "El baño turco", una "obra maestra icónica" de Jean-Auguste-Dominique Ingres.Más allá de las formas, los colores y los movimientos de los que se nutrió el pintor cubista, la exposición da protagonismo a otro relato: la relación del artista con la institución, que durante mucho tiempo osciló entre la admiración y el escepticismo.Aunque las relaciones personales de Picasso con los conservadores, como Georges Salles, director de los museos de Francia de 1945 a 1957, fueron a veces excelentes, las cartas y los artículos nos recuerdan que el artista también dividió en ocasiones, como en el "asunto Picasso", cuando el consejo artístico de los museos nacionales entró en conflicto por su cuadro "Naturaleza muerta" (1937)."El Louvre ha sido a veces muy crítico con Picasso, con una especie de incomprensión entre los especialistas en pintura antigua, de la modernidad de su obra", señala Salmon. "Uno tiene la impresión de que los ultrajes que infligía a la figura humana eran difíciles de aceptar para los conservadores. Algunos cambiaron de opinión, pero otros siguieron desconfiados o distantes", agregó.No obstante, el Louvre acabó "jugando con la magia de su nombre", con una veintena de exposiciones temporales. Esta relación apasionada, que culminó con una gran exposición en 1971, permitió también "comprender su relación con la celebridad" y "descubrir el Louvre del siglo XX, que se abría a la modernidad", explica Lavandier. Para el Louvre-Lens esta exposición "monumental" muestra otra visión del Louvre-París. Aunque es "compleja y de alto nivel científico", la exhibición también tiene "la ambición de ser accesible a todo público" gracias a "medios específicos de mediación", asegura Lavandier.
"A finales de octubre, devolveremos 26 tesoros a Benín" en una ceremonia en presencia del presidente beninés Patrice Talon, dijo Macron, quien avanzó acciones similares con Costa de Marfil.Sus declaraciones tienen lugar durante una cumbre en Montpellier (sur) sobre la relación entre Francia y África con miembros de la sociedad civil y a la que no se invitó a ningún dirigente africano. En noviembre de 2018, Francia prometió devolver 26 obras de arte procedentes del "Tesoro de Béhanzin", expoliado del palacio de Abomey en 1892 durante las guerras coloniales.La decisión de restituir las obras, conservadas en el museo Quai Branly, se basó en un informe de Bénédicte Savoy, del Colegio de Francia, y de Felwine Sarr, de la universidad Saint-Louis de Senegal. "Serán el orgullo de Benín", dijo Macron en un tuit, defendiendo que esto permite que la juventud africana pueda acceder a "su cultura". "Estas restituciones serán también el orgullo de Francia", agregó.La política de devolución de obras expoliadas a África son uno de los símbolos de la "nueva relación" que el jefe de Estado francés busca entablar con el continente africano, en un contexto difícil. La influencia de esta ex potencial colonial en África se enfrenta a una mayor competencia, especialmente por Rusia, y París se encuentra en plena crisis con dos de sus antiguas colonias: Malí y Argelia.Durante la cumbre, el mandatario francés aseguró que Francia "tiene una deuda con África", "un continente que fascina al mundo entero", pero que "a menudo asusta a otros", agregó en referencia a las críticas a la migración en el debate político."No podemos tener una Francia que construya su propia historia nacional si no asume su parte de africanidad, si no mira a través de estas páginas oscuras o felices", agregó Macron ante numerosos jóvenes procedentes del continente africano.
Propiedad de una familia durante tres generaciones, la casa de subastas Christie's pondrá a la venta en noviembre próximo en Nueva York "Mujer sentada con ropa turca", de Pablo Picasso, con un precio estimado de entre 20 y 30 millones de dólares. Las obras que venderá Christie's el 20 de noviembre fueron adquiridas por el coleccionista en la década de los 50 y principios de los 60 directamente a los artistas o a través de conocidos galeristas de la época como Daniel-Henry Kahnweiler y Galerie Maeght.Para la especialista de la casa de subastas Vanessa Fusco, lo "extraordinario" de esta colección es que "ha permanecido en la misma familia por tres generaciones". Además, tiene la particularidad de que el coleccionista, cuyo nombre no se ha dado a conocer, mantuvo relaciones de amistad con muchos de los artistas que pintaron los cuadros que colgaban de su salón."Hay fotos increíbles con Pablo Picasso, Joan Miró y Marc Chagall, con quien desarrolló, en particular, una amistad cercana", contó Fusco a la AFP. La joya de la corona de la colección es sin duda la obra de Picasso, que forma parte de una serie de retratos de Jacqueline sentada. Pintada en 1955, sigue la estela del trabajo de "La Femme D'Alger", basada en la obra epónima de Delacroix, que está considerada como su mayor hito después de la II Guerra Mundial."Claramente impresionado por su sorprendente nueva musa, la transformó en una odalisca sentada majestuosa, envuelta en una elaborada combinación de líneas, modelos y colores como joyas", dice Fusco. En un recuerdo a su amigo y rival Henri Matisse, que había muerto en 1954, Picasso pinta este cuadro con un estilo muy matissiano, empleando la ropa y la decoración como una forma de evocar la fantasía seductora del orientalismo.Esta obra fue prestada por la familia para la exposición que el Museum of Modern Art de Nueva York organizó en 1957 con motivo del 75 cumpleaños de Picasso. Asimismo, en el Día del Impresionismo y Arte Moderno se pone también en venta una obra que Miró pintó en 1954, "Le serpent glisse vers l’azur parsemé des flèches", por 1-1,5 millones de dólares, y un autorretrato de 1940 de Chagall (500.000-700.000 dólares). El 11 de noviembre, Christie's pondrá también a la venta otra obra de Picasso, "Mousquetaire à la pipe", por 30 millones de dólares.
Las ventas públicas alcanzaron un récord de 2.700 millones de dólares durante el ejercicio 2020-2021, lo que supone un aumento anual del 117%. El principal empujón llegó por los NFT, "token no fungibles", y la migración a internet de las subastas de arte contemporáneo por la pandemia de covid-19.Se considera arte contemporáneo a toda obra de un artista (tanto en pintura, escultura, instalaciones, dibujo, fotografía, estampas, videos y, desde ahora, NFT) nacido después de 1945. Entre el 30 de junio de 2020 y el 30 de junio de 2021, 102.000 obras contemporáneas fueron vendidas en el mundo, lo que representa el 23% del mercado mundial de arte, una cifra que era solo el 3% en 2000-2001, detalla Artprice, líder mundial de la información sobre este sector.China continental, Taiwán y Hong Kong, con el 40% de las ventas en el mundo, se convierten en el primer mercado de arte contemporáneo por delante de Estados Unidos (32%) y el Reino Unido (16%). Nueva York sigue encabezando la lista de plazas emblemáticas del arte, pero Hong Kong se sitúa justo tras ella, destronando a Londres del segundo puesto. Las mujeres representan el 37% de las artistas, casi la mitad en el sector de la fotografía, detalla para la AFP Thierry Ehrmann, presidente de Artprice.Las obras digitales en NFT representan dos tercios del valor de las ventas por internet, y un 2% del mercado global de arte en 2021, según este informe. "Hay artistas emergentes como Beeple, que salen de la nada, sin galeristas ni exposiciones, rechazan entrar en el circuito tradicional del arte", afirma Thierry Ehrmann. Considerado en ocasiones como una "burbuja especulativa", "los NFT permiten que jóvenes artistas se ganen la vida con ello, sobre todo los creadores de street art, efímero por naturaleza". En el año 2000 eran solo unos 150 artistas de street art en el circuito de las subastas de arte, y en 2021 son ya 18.000, señala Ehrmann. Para este experto, se trata de una tendencia "mundial que se impone con fuerza".Banksy, uno de los más famosos artistas callejeros, tuvo en el primer semestre de 2021 un volumen de negocios de 123 millones de dólares, y se coloca entre las cinco firmas de artistas más rentables en las salas de subastas, por detrás de Picasso, Basquiat, Warhol y Monet, según este informe. Si se tiene en cuenta solo los artistas contemporáneos, Banksy alcanza el segundo puesto, por detrás de Basquiat (que supone el 7% de las ventas mundiales, por valor de 181 millones de dólares).Desconocido aún el año pasado por las casas de subastas, el estadounidense Mike Winkleman, alias Beeple, de apenas 40 años, figura entre los tres artistas vivos más caros: tras David Hockney y Jeff Koons. Su primer NFT, "Everydays: 5.000 days", alcanzó los 69,3 millones de dólares tras haber tenido un precio de partida en la subasta de 100 dólares. Beeple, con millones de seguidores en Instagram, y apoyado por la casa de subastas Christie's, supone el 3% del mercado de arte contemporáneo, según este informe.Los NFT llaman la atención de "nuevos coleccionistas, de una edad media de 32 años, la generación 2.0 que compra artes a precios más baratos pero como un modo de vida", cuenta Thierry Ehrmann. En 2020-2021, los token no fungibles representan nueve ventas millonarias, tres veces más que la fotografía, según el informe de Artprice.Otro hecho relevante del año, la llegada masiva de artistas afroamericanos, afrobritánicos y africanos al mercado de subastas. El pintor Amoako Boafo, de Ghana, hizo saltar por los aires las subastas con su cuadro "Baba Diop", vendido en diciembre de 2020 en Hong Kong, por 1,14 millones de dólares, diez veces más que su estimación inicial.
De ser leído como un sistema —es decir, un conjunto ordenado de principios— el rock Argentino es un completo sistema solar. Grandes estrellas, estrellas fugaces, voces y cantoras que han quedado suspendidas en las alturas con la suavidad de las nubes y siempre, algo más, alguien más. Arriba de todo un estruendo atraviesa el cielo. El destello luminoso cruza en una diagonal perfecta la bóveda oscura y parece no apagarse, pero su caída queda registrada en un extremo de la línea del horizonte. Parece fugaz, pero en cambio, es un todo fenómeno en el cielo y es Charly García.Carlos Alberto García nació el 23 de octubre de 1951 en Argentina. Decir que es músico redunda con la obviedad, Charly García más que ser un cantante, compositor, vocalista y multinstrumentista, ha sido un hombre destinado a ser canción como si se tratara de su único lenguaje, la mejor forma de habitar el planeta y no siendo esto suficiente, se le encargara a ese hombre de bigote a blanco y negro, mostrarle al mundo su historia a través del sonido.Su encuentro con la música fue temprano y definitivo: Charly García no iba a ser un buen músico, tampoco una gran estrella, él iba a ser el eterno presente, el compositor atemporal. A los cinco años era un niñito que, con las manos puestas en el piano, viajaba a través de la música de los siglos XIV, XV y XVI. Hecho uno con su instrumento, García parecía invocar a Bach, Mozart y Chopin en cada recital, gracias a un oído afinado que le ha permitido —hasta el presente— convertir todo lo que lo rodea en un sonido en potencia.Su deseo de querer oír el mundo entero lo llevó, en 1969, a The Beatles. Ese sonido en conjunto, experimental todavía, despertó una sensación de vacío en el escenario para García. Ya no se trataba de grandes teatros y silencio hasta el final, para finalmente ser aplaudido. No. Ahora quería colectividad y ruido, gente gritando desde el otro lado del micrófono sus canciones, pidiendo más y más. La primera búsqueda del fuego.La primera chispa fue Sui Generis —único en su tipo—, una banda de amigos junto a Nito Mestre con quien empezó el camino de la música que ya jamás dejó de buscar terreno. El dúo marcó a toda una generación desde dos frentes: como oyentes y como músicos a la vez.Muchas primeras veces vinieron de esa combinación García/Mestre: conciertos en Luna Park, discos, colaboraciones con otros artistas que aunque sumaron al proyecto no lograron quedarse, como si se tratara de un lugar inaccesible. Nadie más pudo ser parte de Sui Generis porque esos lugares estaban destinados y reservados para solo dos. Desde las letras de la banda, fue la primera vez que García dio indicios de su forma de escribir canciones que no podrían tener otra forma, sino de rayo. Directo e incisivo se decidió por cantar “Quizás porque no soy un buen soldado, dejo que ataques de frente y costado, cuando discutimos de nuestros proyectos”, aunque los militares se pasearan por los alrededores de los lugares en los que cantaban.Pero cuando la fórmula parecía ser descifrada, una nueva piel envolvía a Charly García. Navegando en en otra sensación, pero siempre con la inquietud de ver lo que sucedía en su entorno, García hizo equipo una vez más y formó Serú Girán, otra superbanda junto a David Lebón, Pedro Azanar y Óscar Moro. Era 1982. La particularidad de la banda vino con el concepto y la escenografía, en medio de una dictadura que parecía oscurecer todo y viendo morir soldados jovencitos en la Guerra de las Malvinas.Cinco álbumes inmortalizaron la banda en la historia del rock latinoamericano: “Music Hall”, “La grasa de las capitales”, “Bicicleta”, “Peperina” y “Serú ‘92”. Y dieron forma a sus tiempos interrumpidos de existencia que finalizó en 1992.Toda esa década fue el inicio de un gran temblor en la vida de García. Las adicciones y el peso de una mente que nunca para hicieron lo propio y fueron el derrumbe, el salto al precipicio que dio en 2008, desde una ventana en un noveno piso, luego de un concierto junto a Mercedes Sosa, con quien colaboró varias veces y construyó una amistad que se basó en el cuidado. Poco a poco y gracias a los amigos que le salvaron la vida, Charly García se mantuvo en pie, dando tumbos, claro, pero nunca se apagó.La música fue, de nuevo, su cerillo y su fuego. Con los 90 por delante volvió al ruedo. Llegaron “Los días de exceso,”, “La era de say no more” y “Random”, y la fuerza de Charly García apareció de nuevo para el mundo.Aún hoy, 70 años después de aterrizar en la tierra, Charly García sigue siendo un fenómeno del cielo, un animal de origen. Su fuego ha atravesado y destruido todo a su paso, sobre todo a él mismo, pero ha sido el hueco del génesis, la promesa de la no repetición del estilo. “Los amigos del barrio pueden desaparecer, pero los dinosaurios van a desaparecer” y después de que todo acabe, Charly García va a seguir porque él es el meteorito.
El pasado 21 de agosto llegó a las librerías del país Este es el cordero de Dios, de la editorial Planeta, el más reciente libro del periodista Juan Pablo Barrientos. En este, el investigador narra la estremecedora historia de Pedro, quien fue abusado sexualmente por el padre Javier Guillén Urrego, sacerdote de la arquidiócesis de Villavicencio que lo indujo a la prostitución por casi dos décadas.Al concluir esta exhaustiva investigación, Barrientos concluyó que fueron al menos 38 sacerdotes los que estarían involucrados en los abusos contra esta víctima, entre ellos, el cura Cristóbal de Jes´us Puertas, quien ya había sido denunciado en Miami en 2010 por otro caso de abuso que intentó ocultar obligando a la víctima a llegar a un millonario acuerdo. Tras la huella del purpurado, el periodista demostró que durante los últimos diez años, el sacerdote Puertas regresó a la capital del Meta siendo asignado a tres parroquias por nominación del arzobispo Óscar Urbina.Además de Pedro; María del Socorro Martínez, Olga Cristancho y la abogada Claudia Carrasquilla son las tres protagonistas que hacen parte de esta investigación y cuyo papel fue crucial en el proceso de denuncia de la víctima ante la Fiscalía General de la Nación y luego, ante la opinión pública. Martínez y Cristancho, que en un primer momento fueron nombradas por el arzobispo Urbina para que integraran una comisión arquidiocesana cuya misión era velar por el cuidado de los niños, niñas y adolescentes, acabaron siendo excluidas de sus funciones de manera arbitraria por el obispo cuando ellas descubrieron las denuncias que él ocultaba. Por su parte, la abogada Carrasquilla es actualmente la apoderada de Pedro, cuyo expediente reposa en poder de la directora de la Unidad de Infancia y Adolescencia de la Fiscalía, Claudia Piedad González. Barrientos, quien durante la investigación para su libro conoció a los involucrados, dice que teme las retaliaciones que pueda tomar monseñor Urbina en contra de María Socorro y Olga: "Igual va a perder porque estas mujeres se saben las leyes al derecho y al revés. Ellas son tres pesos pesados con los que se metió", dice.Con la exclusión de estas dos mujeres de la comisión arquidiocesana y la posterior publicación del libro de Barrientos, se dio a conocer el caso más aberrante sobre abuso sexual conocido dentro de la iglesia católica colombiana, cuyas denuncias revelaron la sistematicidad de los ataques y el encubrimiento de la iglesia pues muchas de estas acusaciones reposaban desde hacía décadas en el Archivo Secreto de esta jurisdicción eclesiástica. Según la investigación este caso fue encubierto por los arzobispos Alfonso Cabezas, Octavio Ruíz y Óscar Urbina. Según Barrientos, de haberse conocido esta información a tiempo se hubieran podido evitar la cadena de abusos y de violencia sexual contra otros menores de edad. "En el Código Canónico se expresa que cada diócesis mantendrá un archivo secreto —al que solo puede acceder el obispo, y en su defecto, el vicario general— donde reposarán todas las denuncias celestiales y terrenales, denuncias terrenales que no son otra cosa que abuso sexual contra niños, niñas y adolescentes", asegura el periodista.Pese a que hasta ahora la Iglesia católica había señalado a José Ignacio Galeano como responsable de varios abusos contra otros menores de edad, el nombre de este sacerdote también aparece en el libro de Barrientos acusado de pertenecer a la amplia red de abusadores sexuales contra Pedro, un caso que nunca fue informado ante las autoridades colombianas y que por el contrario, su prontuario permaneció intencionalmente oculto por los clérigos. "En Colombia, la autoridad civil no puede acceder a este Archivo Secreto porque su poder de sigilo está protegido por el Concordato que existe entre el Estado colombiano y El Vaticano, suscrito desde 1973 —cuenta Barrientos—. Aunque la mayoría de los artículos de este Concordato ya fueron declarados inexequibles desde 1993, hay algunos que aún están vigentes, como por ejemplo el fuero eclesiástico".Junto a este Concordato, existen otros 18 de ellos suscritos actualmente en el mundo y 13 de ellos están en América Latina. "Un Concordato es un tratado internacional que hoy en día ya no se necesita y del que Colombia tiene que prescindir", afirma Barrientos. "Uno de los próximos retos que tengo es denunciar y buscar la inconstitucionalidad de este Concordato porque es el tratado más sinvergüenza que se pueda encontrar en nuestro ordenamiento jurídico".A pesar de que sus denuncias ya han tocado las puertas de El Vaticano, Barrientos no se muestra muy optimista ante el impacto que estas puedan generar entre los clérigos y administrativos eclesiásticos de La Santa Sede. "El Papa es el primer negacionista. Aunque él lanza unos titulares y unas frases muy bonitas y motivacionales para vender humo siendo carismático, en el fondo él va a proteger a su institución. Y aunque ´él quisiera hacer algo algunos obispos en todo el mundo lo impedirían".Entre las denuncias hechas por Barrientos resulta particularmente grave una que involucra al arzobispo de Bogotá, Luis José Rueda, actual presidente de la Conferencia Episcopal de Colombia, por nombrar como párroco de Nuestra Señora de Belén, en el barrio Egipto, a un misionero llamado Oswaldo Jaramillo Osorio, señalado por Pedro como integrante de la red de explotación sexual sacada a la luz por sus denuncias. "Los sacerdotes se aprovechan de esa orfandad para abusarlos sexualmente a cambio de mercados y de unas cuantas monedas. De promesas que nunca se cumplen".Además hay una referencia por parte del periodista Juan Pablo Barrientos a un caso de encubrimiento que, según este, involucra al cardenal Rubén Salazar y “al pederasta Nelson William Montes Lizarazo, quien abusó de una niña desde los diez años hasta que la dejó en embarazo a los quince”. Según Barrientos, el cuerpo eclesiástico “autorizó y recomendó al pederasta para que trabajara en la Diócesis de San Carlos en Venezuela”, a pesar de que, al menos desde el año 2008, ya se tuviera conocimiento en la Curia del comportamiento de este sacerdote.En Dejad que los niños vengan a mí, su primera investigación relacionada con casos de pederastia publicada en 2019, Barrientos explicó cómo el arzobispo de Medellín dio su visto bueno para que el padre Roberto Cadavid Arroyave, sacerdote que fue suspendido ad cautelam del ministerio sacerdotal en el año 2012, se incorporara a la diócesis estadounidense de Brooklyn, a pesar de las denuncias sobre pederastia que este tenía. "La mayoría de las víctimas no denuncian y está bien eso porque cada persona asume el abuso sexual de una manera diferente. Otros le cuentan a sus padres o a su pareja; otros no le cuentan a nadie. Pero la mayoría se llevan esas historias a la tumba", asegura el periodista.El escándalo y la censuraSemanas después de la publicación de este libro, se desató una tormenta judicial entre algunos religiosos y el periodista en la que los purpurados buscaban la censura y la protección de derechos que al parecer se vulnerarían con los hechos narrados en el libro. En las acciones de tutela que fueron interpuestas se pedía que se suspendiera la publicación del texto y su reproducción. "Me parece muy cínico que los curas salgan a condenar las uniones entre personas homosexuales y a señalarlos de ser una aberración, cuando más del 90% de los sacerdotes son gais. Y me parece maravilloso que lo sean, con lo que no estoy de acuerdo es con ese discurso de doble moral", dice Barrientos.Por la publicación de esta investigación, Juan Pablo ha sido blanco de varias amenazas y protestas de fervientes creyentes que, ante los testimonios expuestos por las víctimas, siguen respaldando a los que llaman "líderes espirituales". "A veces temo que me agredan físicamente. Pero a pesar de eso, yo ando tranquilo por todo lado: con la frente siempre en alto, pero temor por lo que yo haya hecho no tengo. Temor por lo que otro haga con uno, sí, porque aunque la vida es sagrada, hay veces el otro no lo entiende ni lo respeta", concluye.Después de un mes del lanzamiento del libro, el periodista atendió siete procesos de tutelas que buscaban censurar su distribución. Como respuesta la Fundación para la Libertad de Prensa (FLIP) aseguró que "estos procesos fueron promovidos por distintos sacerdotes de manera coordinada, sin aportar pruebas de ningún tipo, para intimidar al periodista y desgastar la administración de justicia". El 7 de octubre, la justicia decidió negar seis de siete de las siete tutelas, puesto que la libertad de expresión, en este caso en particular, estaba por encima del buen nombre, teniendo en cuenta que la información del libro tenía un impacto social importante. Además, la decisión de los jueces centró su argumentación en un eje fundamental: que los sacerdotes intentaban defender un derecho, pero no desvirtuaban ninguna de las denuncias hechas por el periodista. "Yo quiero que este libro se venda mucho para apoyar a Pedro con la mitad de las regalías que se obtengan de él, para que construya su casa y salga adelante con su familia", dice Barrientos. "El otro porcentaje restante de las regalías lo dispondré para crear un equipo de periodistas con el que pretendo adentrarme en los archivos secretos de todas las diócesis, arquidiócesis y comunidades religiosas de Colombia". Pero mientras esto sucede, por estos días, Juan Pablo sigue pendiente del fallo de la séptima tutela, mientras que su último libro sigue siendo, a pesar de la cruzada de la iglesia colombiana por censurarlo, uno de los más vendidos y leídos en todo el país.
Cada 24 de octubre, desde 1997, el mundo festeja el Día internacional de las bibliotecas, una fecha que busca resaltar la importancia que estos templos de las letras han tenido dentro de la historia, como memorias vivientes de la cultura y la identidad humana. En el marco de esta celebración, BibloRed, ofrece una programación para que la ciudadanía también celebre este acontecimiento desde el sábado 23 de octubre hasta el domingo 24 del mismo mes.Música en vivo, sesiones de yoga, lecturas en voz alta para niños, talleres de teatro y un concierto de trompeta componen esta variada oferta cultural, que se tomará diferentes espacios de lectura de la ciudad. Las actividades son gratuitas y se recomienda llegar al punto deseado con anticipación.Estas son las actividades que no se pueden perder:1. Artistas en Red: La BOALa BOA es una agrupación integrada por músicos de diferentes vertientes artísticas y de varios proyectos musicales establecidos en Bogotá. Se conforma como una orquesta en el año 2013 y a partir de su primer EP “Afrobeat; Caribe” inician un camino en el que han experimentado a partir de sonidos de las culturas del occidente africano, así como de las costas colombianas, de las Antillas y del Caribe.La actividad se realizará en los exteriores de la Sala infantil de la biblioteca.23 de octubre / 3:00 p.m.Biblioteca Pública El Tintal Manuel Zapata Olivella2. La hora del cuento: el pájaro de la discordiaTodo empezó por una tontería. Un espacio para leer y debatir el cuento Los niños no quieren la guerra de Éric Battut, a través del cual se dialogará sobre las causas de la guerra, reconociendo las emociones propias y las del otro desde la literatura, la pintura y la escritura.23 de octubre / 3:00 p.m.Biblioteca Pública Virgilio Barco3. Yoga: Meditación, relajación y corporalidadUna sesión para conocer más sobre la meditación y concentración, a través de esta práctica tradicional del hinduismo. Todo, mediante ejercicios de respiración, que ayudarán al público a conseguir un mayor control físico y mental.24 de octubre / 10:00 a.m.Biblioteca Pública El Tintal Manuel Zapata Olivella4. Taller de teatro: Iniciación prácticas escénicasEste taller está dirigido al público familiar. Es una oportunidad para reconocer corporalmente los límites, a través de ejercicios de la personificación, proyección de la voz, improvisación, entre otros aspectos. Será dirigido por un profesional que guiará a los asistentes durante todo el proceso.24 de octubre / 11:00 a.m.Biblioteca Pública El Tunal Gabriel García Márquez5. Concierto de trompeta con el método Suzuki: Nicolás Ramírez BermejoEl método Suzuki aplicado a la trompeta se ha dado gracias al arduo trabajo de adaptación de la maestra Sueca Ann-marie Sundberg. Actualmente, este tipo de enseñanza cuenta con 92 profesores certificados a nivel mundial.Por ello, con el objetivo de alegrar el domingo de los bogotanos, el trompetista de seis años Nicolás Ramírez Bermejo se subirá al escenario para deleitar al público con sus habilidades. Estará acompañado de Juan Carlos Valencia Castillo en la trompeta, y Gloria Janeth Valencia en el piano.24 de octubre / 11:00 a.m.Biblioteca Pública Virgilio Barco
El cine como una ventana de la posibilidad que es, nos ha sumergido en los más increíbles universos. Ficciones, dramas y comedias han propuesto vidas particulares y perspectivas únicas del mundo que, irónicamente, creemos conocer.Sin embargo, algunos de los episodios más inverosímiles han sucedido en el proceso, en medio de las extensas jornadas de grabación y rodajes, justo en el espacio en el que los héroes y los villanos se enfrentan a la única realidad que los hermana con el mundo: el error humano.Estos son algunos de los casos trágicos más recordados del cine. Todos, sin lugar a duda, dejaron un vacío en los amantes del sétimo arte y un dolor que parece no disiparse nunca en sus compañeros de equipo.Johann OfnerEl actor australiano de 28 años, Johann Ofner falleció en medio del rodaje de un videoclip musical de hip hop Bliss n Eso, en un bar de Brisbane, Queensland, Australia.Una de las escenas incluía un tiroteo que minutos antes del accidente, todos los actores del set habían practicado sin probar las armas. AL momento de la grabación, una de las pistolas fue accionada y acab´ó con la vida de Ofner. El arma poseía munición ilegal y a pesar de la investigación, no se condeno a nadie. Brandon LeeEl modelo y actor estadounidense de artes marciales, hijo de Linda Emery y del famoso artista de artes marciales Bruce Lee, falleció el 31 de marzo de 1993 durante el rodaje de la película "El Cuervo", tras recibir una bala de calibre 11 mm en lugar de un cartucho de fogueo.El accidente se produjo debido a un error en la manipulación de cartuchos reales empleados en la filmación por falta de presupuesto.Jon-Erik HexumEn medio de las grabaciones de "Cover Up", el recordado actor Jon-Erik Hexum quien marcó las producciones de los años 80 con su fama de galán, falleció.En medio de una escena que incluía un arma que apuntaba directamente a su cabeza, el actor la accionó sin saber que estaba cargada. El imparto en la sien acabó con la vida de Hexum y se convirtió en un triste caso en la historia del cine.
Éxodos & Silencios cuenta la historia de Celeste, quien perdió la vida antes de tiempo, y quedó atrapada en un infierno fabricado por la ruptura del orden natural que ha instaurado la guerra sobre la tierra de los hombres. Desesperada por reencontrarse con su familia y su hermana recién nacida, decide emprender un viaje por los infiernos de su pueblo para así rescatar la memoria y el alma de su gente. La idea de la obra surge mientras Bogotá vivía una de las marchas civiles dadas durante el paro nacional extendido a lo largo de varios meses de este 2021. Su universo se construye espacialmente como un punto después de la vida, un infierno fracturado por la guerra que ha roto el orden natural.Una pieza creada a partir de la necesidad de recordar y contar el conflicto armado y el desplazamiento a través de un punto de vista inmaterial, cuya mirada de libertad estética, conceptual y narrativa permite contar la difícil realidad que atraviesa el país sin encarnarla. La obra busca mostrar que la vida de los muertos es la memoria de los vivos, al darles voz y palabra a los ausentes. Nueva creación de Epidemia Teatro, compañía teatral bogotana que cuenta con dos años y medio de trayectoria, fundada y dirigida por Quimbarú, dramaturgo, director y productor.Esta nueva creación de la compañía Pandemia Teatro que surge a partir de la necesidad de contar los problemas sociales y emociones a los cuales los jóvenes se ven enfrentados, en temporada de jueves a sábado hasta el 30 de octubre. Además también hacen parte de la programación de la sala las obras familiares: Un día en el Parque y ¿Quién mato al gato Bombón?
