El próximo sábado 28 de septiembre la Biblioteca Nacional de Colombia llevará a cabo una jornada dedicada al fanzine en la que no solo espera visitantes, sino que convoca a los ciudadanos y grupos que los producen para exponerlos y venderlos durante ese día. El fanzine es una publicación corta, independiente y autogestionada que existe desde el siglo XIX, pero que tuvo su auge en los años cincuenta y sesenta como medio de expresión contracultura. En Colombia este tipo de publicaciones se popularizó en las décadas de los ochenta y noventa, cuando estas páginas independientes fueron una salida para hablar de política, revolución y feminismo. Medellín y Bogotá fueron entonces el foco de difusión de fanzines. Con el tiempo las temáticas de estas publicaciones han evolucionado y se han diversificado, ahora, son tan diversos como los habitantes de las ciudades en las que se distribuyen. Sin embargo, conservan el caracter de publicaciones independientes, con un énfasis en la apuesta gráfica, donde se refuerza el mensaje que quiere transmitir. En Bogotá, donde convergen múltiples fanzines y colectivos dedicados a producirlos, la Biblioteca Nacional dispondrá de un espacio para exponerlos. Los interesados pueden postularse para estar a cargo de un espacio en el que podrán mostrar su trabajo con fanzines y productos similares. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La condición para participar es contar con la disponibilidad para cumplir con el horario de exposición, que será el 28 de septiembre de 10:00 de la mañana hasta las 4:00 de la tarde. Además, mínimo el 80 por ciento de los elementos dispuestos para la exposición y venta deben ser fanzines. El espacio no cobrará a los expositores. Para postularse deben diligenciar el formulario en este link, donde deben especificar los productos que desean vender, su experiencia con el fanzine, su temática y un enlace, que puede ser de redes sociales, donde evidencie su trabajo. Las inscripciones están habilitadas hasta el próximo 11 de septiembre. Los proyectos seleccionados para la muestra serán contactados a más tardar el martes, 17 de septiembre. La jornada de venta de fanzines estará acompañadas de talleres, actividades, visitas guiadas por las exposiciones de la biblioteca, una estampatón y lecturas vivas de La vorágine, de José Eustasio Rivera, obra cumbre del país que este año celebra un centenario de su publicación. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Biblioteca Nacional de Colombia (@bibliotecanalco)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este fin de semana la agenda cultural está llena de actividades y planes por hacer. La actividad principal este fin de semana en Bogotá se celebrará en la plaza cultural La Santamaría, donde los sabores, tradiciones y música del Pacífico llegan con una nueva edición del Festival Petronio Álvarez en la capital. También le recomendamos conciertos de música de cámara que no puede dejar pasar.Sábado, 31 de agostoFestival de Música del Pacífico Petronio Álvarez en BogotáLa plaza cultural La Santamaría espera alrededor de seis mil personas para vibrar al ritmo del Pacífico colombiano. Este evento lleno de gastronomía, música y tradiciones se rendirá homenaje a personajes como Libia Oliva Bonilla, Petronio Álvarez Quintero, Basilia Murillo, Lisandro Vallecilla Riascos y Ana Raquel RiascosGóngora por su labor en salvaguardar y difundir tradiciones.📍 Plaza cultural La Santamaría - Carrera 6 # 26-50🕒 Desde las 12:00 p. m.Entrada libreDesfile de comparsas por el cumpleaños de BogotáEl mes del cumpleaños de la ciudad termina con el tradicional desfile de comparsas que iniciará en la Plaza la Santamaría y recorrerá la carrera Séptima hacia el sur, hasta llegar al edificio Murillo Toro. Los asistentes podrán disfrutar de las 20 comparsas ganadoras de la Beca ‘Bogotá siente la fiesta’.📍 Plaza cultural La Santamaría - Carrera 6 # 26-50🕒 2:00 p. m.Entrada libreVisita guiada por la exposición “Los grupos de cine en Cali: archivos revelados”La Cinemateca de Bogotá presenta una exposición con archivos personales de Luis Ospina, Carlos Mayolo y Andrés Caicedo para construir relatos alrededor de la historia del llamado Grupo de Cali, su genealogía, ramificaciones y multiplicidad. La curadora de la exposición, Katia González, será la encargada de guiar a los visitantes.📍 Galería Cinemateca de Bogotá - Carrera 3 # 19-10🕒 3:00 p. m.Entrada libre con inscripción previaEstampas de animales con Bahía TeatroEn el marco del IX Festival Iberoamericano de Teatro Infantil ACTI 2024, llega Estampas de Animales, un espectáculo para la primera infancia, basado en cuentos clásicos.📍 Casa Cultural Barrio Compartir - Calle 68a Sur # 1951🕒 5:00 p. m.Entrada libreConversatorio De mar y ríoLas músicas de marimba del Pacífico sur colombiano, junto con sus cantos tradicionales, representan una manifestación cultural esencial para la identidad de las comunidades afrodescendientes de la región. Para profundizar en estas temáticas y explorar las historias detrás de la música de marimba se llevará a cabo un conversatorio con las maestras Faustina Orobio e Inés Granja.📍Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella - Calle 11 # 5 - 60🕒 5:00 p. m.Entrada libre con inscripción previa Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella (@eneldelia)Concierto de Jan Lisiecki, por primera vez en BogotáEl pianista canadiense Jan Lisiecki, reconocido por su talento y una carrera artística que inició en su infancia, dará su primer concierto en Bogotá en el que presentará como obra principal la integral de los 24 preludios de Frédéric Chopin. Los asistentes también podrán deleitarse con su interpretación de preludios de compositores como J.S. Bach, Sergei Rachmaninov y Olivier Messiaen.📍 Teatro Colsubsidio - Avenida El Dorado # 25-40🕒 7:30 p. m.Entrada con costo💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Domingo, 1° de septiembreAcademia Sinfónica de la Orquesta Nacional de Colombia e IberacademyEl programa para este concierto inaugural de la Academia Sinfónica incluye la participación de varios grupos de cámara de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, quienes, bajo la dirección de Leonidas Cáceres Carreno, interpretarán obras de Alexander Arutunian, John Cheetham, François Borne, César Franck, Gustavo Parra y Johannes Brahms.📍 Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo - Calle 170 # 67-51🕒 11:00 a. m.Entrada con costoDanzando en El ParqueLa Escuela Tecnológica lnstituto Técnico Central ETITC mostrará en esta actividad las piezas coreográficas presentadas en la Conmemoración del Día Internacional de la Soberanía Nacional y el Festival Infantil organizado por la municipalidad de Estambul, Turquía y tendrán una charla en la cual contarán la experiencia de su participación.📍 Teatro El Parque - Carrera 5 # 36-05🕒 3:00 p. m.Entrada libreGrupo Putumayo y Fundación Nacional Batuta, Colombia - 'Un canto a la tierra y a la vida'La Orquesta y el Coro Batuta Bogotá, conformados por más de 70 niñas, niños, adolescentes y jóvenes, se unirán al Grupo Putumayo, y juntos presentarán un repertorio de obras, en su mayoría compuestas por William Palchucan, músico y fundador del grupo Putumayo, las cuales dialogan con la naturaleza, la magia y la espiritualidad ancestral.📍 Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo - Calle 170 # 67-51🕒 5:00 p. m.Entrada con costoLo nuevo en la cartelera de cineEsta semana llegaron a las salas de cine del país estrenos desde Italia, Reino Unido, Corea del Sur y España. También tenemos novedades en el cine nacional que no puede dejar pasar.“La piel en primavera” (Yennifer Uribe Alzate)Sandra es la nueva guardia de seguridad en un centro comercial. En su primer día de trabajo se cruza con un conductor de bus, con quien vive un romance. Sandra confronta su vida íntima y emprende un camino de libertad a través de su propia experiencia de deseo.“Los sueños viajan con el viento” (Inti Jacanamijoy)José Agustín es un indígena wayúu que fue apartado de su madre, de su cultura y su tierra cuando era un niño para ser educado por sacerdotes católicos. A partir de una experiencia cercana a la muerte, el temor a morir lo lleva a un viaje físico y espiritual para reconciliarse con su pasado de la mano de su nieto.“Siempre nos quedará mañana” (Paola Cortellesi)Año 1946, en un barrio popular de una Roma aún devastada por la guerra, Delia aguanta como puede a su violento marido, a su odioso suegro y a sus inquietos hijos. Sólo le ilusiona la próxima boda de su hija mayor, Marcella, y un deseo que podrá cumplir porque siempre nos quedará mañana.“Exhuma” (Jang Jae-hyun)Luego de rastrear el origen de una enfermedad sobrenatural que maldice a una familia adinerada, un equipo de chamanes y experimentados desenterradores despertarán a un espíritu malévolo tras hurgar en la tumba equivocada.“La mesita del comedor” (Caye Casas)María y Jesús acaban de ser padres, pero su relación de pareja no pasa por el mejor momento. Están en crisis y tienen varios problemas. Lo que no imaginan ni en sus peores pesadillas es que la compra de una mesita para el comedor se convertirá en la peor decisión de sus vidas.Le recordamos que también siguen en taquilla novedades de esta temporada de cine como Romper el círculo, Deadpool y Wolverine, Intensamente 2, Mi villano favorito 4, Alien, Tipos de gentileza y El cuervo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Las flores y jardines tan hermosos son como las representaciones que grandes artistas han hecho de ellos a lo largo de la historia. El pintor francés Claude Monet (1840-1926), pionero del impresionismo, es considerado el pintor de jardines más importante de la historia del arte, con obras como Water Lily Pond (1900), El Estanque de Ninfeas (1899) o Amapolas (1873).A Monet se suman destacados artistas que vieron en el jardín una poderosa fuente de inspiración. Entre los pintores de jardines encontramos grandes figuras como Vincent van Gogh y sus girasoles y Campo de trigo bajo el cielo nublado (1890); el francés Pierre Bonnard, por ejemplo con Garden with Red Tree (1909); el español Joaquín Sorolla, John Singer Sargent, el franco-danés Camille Pissarro y Henri Matisse.Una exploración por las técnicas y las obras de estos artistas la hace La Royal Academy of Art de Londres, que a través de la pantalla abre una ventana para vivir un recorrido por los lirios acuáticos de Giverny, Francia; los parques de flores en Seebüll, Alemania, y otros jardines que inspiraron a estos maestros.Guiada por curadores, artistas y horticultores, esta visita explora el papel del jardín en la cultura popular y en la evolución del arte desde 1860 hasta 1920. Este es un viaje mágico para descubrir cómo diferentes contemporáneos de Monet construyeron y cultivaron jardines modernos, en los que exploraron los colores, la abstracción y el diseño desde otra perspectiva y con un sentido utópico.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Asista a una función especial de “De Monet a Matisse”El documental, dirigido por David Bickerstaff, hace parte de la franja Cineco Alternativo de Cine Colombia y tendrá tres funciones los próximos 6, 7 y 8 de septiembre. Sin embargo, los oyentes de la HJCK podrán participar por entradas dobles para asistir a una función exclusiva que tendrá lugar este miércoles, 28 de agosto, a las 10:30 a. m. en el multiplex de Cine Colombia en el centro comercial Avenida Chile, de Bogotá.Cuéntenos a través de los mensajes directos de Instagram en @lahjck cuáles son sus tres pintores o pintoras preferidos y participe por boletas dobles. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Cineco Alternativo (@cinecoalt)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El acceso al emblemático edificio, en el centro de Londres, deja de ser un tiempo muerto y se convierte en una experiencia educativa, para los curiosos ciudadanos que le visitan a diario, que resume de forma interactiva la evolución natural del planeta."Es complicado tratar de explicar un tiempo tan remoto. El número en sí, 2.700 millones de años", reconoce Keith Jennings, director de proyectos de la prestigiosa galería.En aquel entonces la vida en la Tierra era "sólo microbiana, no había plantas ni animales tal y como los conocemos ahora", explica Jennings.El sendero está flanqueado de rocas milenarias y distinta vegetación como helechos, que ilustran la época en la que se destruyeron los bosques de carbón -en el Pensilvánico-, debido al incremento en el planeta del dióxido de carbono, instruye el experto.Cada metro andado representa unos cinco millones de años de la historia de nuestro planeta, que sufrió erupciones volcánicas y la extinción de la vida un par de veces.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre dinosauriosEn la mitad del camino se erige una enorme réplica del esqueleto de un dinosaurio Diplodocos, como muestra de la importancia de aquellos gigantescos reptiles que gobernaron la Tierra durante doscientos millones de años en la era Mesozoica.'Fern', que así se llama el herbívoro saurópodo, de unos veintidós metros de largo y cuatro de alto, capta la atención de miradas y 'selfies' de los visitantes.Adultos y niños caminan a su alrededor e incluso “pasan por debajo de él, algo que no pueden hacer en el museo” lo que permite imaginar cómo eran de grande, dice su director de proyectos.Los visitantes descubren que compartían vida con peces y mamíferos, como una diminuta criatura parecida a una musaraña que está escondida en el jardín, antes de que el impacto de un meteorito los extinguiese y cambiase el transcurso de la historia hace 66 millones de años.La huella humanaLa vida se recuperó y continuó de forma distinta tras la colisión del asteroide que bloqueó la luz solar y cambió el clima, “vemos cómo aparecen las plantas con flores. Antes no había ninguna.”, señala Jennings, representadas en el camino.“Llegaron los primeros primates, simios y finalmente, por supuesto, aparecen los primeros seres humanos” prosigue el experto.Jennings reflexiona sobre la brevedad humana, “hemos estado aquí -en la Tierra- un periodo corto de tiempo, sólo unos pocos pasos hasta la puerta”, unos dos millones de años, en esa escala que ha creado el Museo de Historia Natural.“Es el viaje que estamos contando en esta parte del jardín.”, la fugacidad humana, declara. Aunque efímera, la incidencia en el porvenir del planeta Tierra forma parte de otra ala del jardín.El museo se centra en la actividad humana y las consecuencias que el cambio climático pueda tener en las plantas y naturaleza urbana.Según el futuro proyectado por la institución, tomando plantas de países mediterráneos, higos, almendras y olivos podrán ser cultivados en Inglaterra, a medida que el clima se calienta.“Es un gran desafío el calentamiento global. Tendremos que adaptarnos para seguir adelante, consigamos los objetivos ambientales o no”, el director de proyectos del museo londinense.El último informe de las Naciones Unidas, a finales de 2023, señala que los planes de acción nacionales son insuficientes para cumplir con el Acuerdo de París.El documento vinculante, firmado en 2016 por más de 190 países, busca limitar el aumento de la temperatura media por debajo de 1,5 grados centígrados respecto a niveles preindustriales, y evitar un peor impacto para el planeta y la vida en él.“Somos optimistas -en el museo-, de que se cumplan los objetivos, los planetas y la humanidad sobrevivan. Es una historia esperanzadora la que contamos en el museo.”, concluye Jennings🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'¡Viva! Broadway: ayer, hoy y mañana' es el nombre de la muestra, que estará abierta al público en el Museo de Broadway durante un mes y destacará "los excepcionales logros de los artistas latinos" en Broadway, señala un comunicado.Como parte de la exposición, que cuenta con el apoyo del Fondo de la Familia Miranda, habrá un mural de la artista de grafiti Soraya Márquez (1980), de origen dominicano y conocida como Indie184, así como una serie de eventos especiales y foros para artistas y profesionales de la industria.El reconocimiento a la comunidad hispana es parte de la iniciativa '¡Viva! Broadway', el programa nacional de desarrollo de audiencias de La Liga que se dedica a captar e inspirar al público hispano mediante eventos, programación mediática y asociaciones.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Creamos el museo con el propósito de educar, entretener e inspirar a visitantes de todas las edades, aprendiendo del pasado para construir nuestro futuro colectivo", indicó en el comunicado Julie Boardman, productora ejecutiva y cofundadora del museo.Éste es el primer museo permanente en el mundo dedicado a la historia y los artistas, creadores y estrellas legendarios de los musicales y obras de teatro de Broadway, fundado en 2022 por un grupo de mujeres. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por The Museum of Broadway (@museumofbroadway)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'Alfred Kubin. La estética del mal' invita al visitante a sumergirse, hasta el próximo 12 de enero, en ese universo estético donde no hay concesiones al optimismo. "Kubin presenta un terror atemporal, desprovisto de contexto histórico", explica el director del museo, Klaus Albrecht Schröder.La muestra reúne 100 obras del artista que ilustran la fascinación de Kubin por lo macabro y lo grotesco.A través de una iconografía cargada de simbolismo, Kubin presenta un mundo en el que la muerte, la alienación y el terror se entrelazan con su biografía personal y las ansiedades colectivas de su tiempo.Misoginia e hipocondríaSus creaciones revelan un universo en el que los humanos se enfrentan a ellos mismos y a su entorno con horror, reflejando una sociedad en transición marcada por la guerra, la urbanización, la industrialización y la emancipación femenina, con un fuerte acento misógino.En sus obras se observa la influencia de los miedos universales de su tiempo, como la sífilis, que aparece en sus dibujos como una metáfora de la muerte y la corrupción moral.Este temor a la enfermedad, junto con su rechazo hacia la sexualidad femenina, impregna gran parte de su obra."Sus mujeres están siempre deformadas de alguna manera, son criaturas híbridas, monstruos. Sus hombres también son monstruos, pero son monstruos activos. Son verdugos, carniceros, instigadores de guerra", plantea la comisaria de la exposición, Elisabeth Dutz.La muestra se divide en dos etapas fundamentales de su producción artística: una primera fase que culmina en 1904, y una segunda que abarca hasta su muerte en 1959.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre las piezas destacadas se encuentran las de una serie de 1903, realizada junto a Alfred Paul Weber, que incluyen representaciones inquietantes como un caballo galopante, a medio camino entre la vida y la muerte, y un jinete decapitado.Estas imágenes, entre anacrónicas y modernas, revelan la obsesión de Kubin por los temas de la muerte y el apocalipsis.La exposición no solo explora la iconografía personal de Kubin, sino que también plantea un diagnóstico de la época en la que vivió.Pese a vivir las dos guerras mundiales y el ascenso del fascismo, los cuadros de Kubin no se limitan a representar acontecimientos concretos sino que reflejan un horror más universal y atemporal.Según Schröder, la visión de la guerra de Kubin es "la de una máquina de aplastamiento implacable que no distingue entre el justo y el injusto, entre víctima y agresor"."No porque sea una repetición histórica, sino porque, independientemente de nuestro propio estado psicológico, la experiencia estética del terror puede ayudarnos a enfrentar el miedo sin que se convierta en un terror neurótico", concluye el historiador del arte.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Por medio de cuatro entornos temáticos, las paredes del Malba reproducen un resumen de 50 años de producción artística alimentada a base de ironías, autodestrucción, fijación obsesiva entre imágenes y lenguaje, junto a la necesidad de romper con la configuración lineal para crear 'caos interpretativo'.La muestra 'El fin de la línea' reúne 45 obras del universo Baldessari (1931-2020), correspondientes a las décadas de 1960 y 1970, en lo que supone la primera retrospectiva del artista en Suramérica, que puede verse en Buenos Aires hasta noviembre, bajo la curaduría de Karen Grimson."La exposición está cubierta con pinturas textuales, en las que él se desentiende de la autografía manual de la obra de arte, hasta 2019, un año antes de su muerte", explica la curadora de la Colección Craig Robins, amigo y primer promotor del trabajo del artista, a quien conoció por trabajos de los conceptuales David Salle y Mike Kelley, alumnos del pintor.En los lienzos, la imagen queda en segundo plano para dar lugar al texto. Al principio, dibujaba cada frase, pero quería que su audiencia no se distrajera con el trazo de las brochas y reemplazó su mano por letras con estilo publicitario, sin ningún tipo de emoción para buscar el impacto de las letras.Sin embargo, con 'Proyecto Cremación' da pie a la génesis de su universo: un gesto radical, que simbolizaría la "maduración de su obra", ya que Baldessari incinera 125 pinturas en una morgue de San Diego, en California (Estados Unidos), después de graduarse de la universidad.Para condimentar la 'performance', los restos se transformaron en ingredientes para hacer galletitas, que colocó en una urna funeraria con la receta como obituario; con otra parte de las cenizas fabricó un libro, que llevaba consigo a todos lados.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."El video 'Cremación' de 1970 documenta la destrucción previa de sus obras y el ingreso al crematorio como un acto fundamental para determinar el comienzo de la etapa conceptualista del arte norteamericano. Le da una cierta dimensión corporal, ya que este corpus de obras era significativo para el proyecto", agrega Grimson.Su arte renació con la fotografía conceptual, persiguiendo la repetición serial de imágenes simbólicas, pero siempre con un texto o frase delante, algo que evolucionaría al coleccionar carteles de la industria cinematográfica o fotos de la prensa."Las reutilizaba, apropiándoselas y cubriendo ciertos fragmentos como los rostros de las figuras humanas con círculos autoadhesivos multicolores, generalmente en colores primarios", relata la comisaria de la muestra.El artista estadounidense había dicho alguna vez que sería más recordado como "el tipo que ponía puntos sobre la cara de la gente" que retrataba, aunque el motivo, quizá, estaba más relacionado con el choque a la imaginación que genera ver una figura sin rostro.En una de las salas del Malba, decoradas con las últimas dos décadas de producción 'baldessariana', un juego de bacinillas con colores chillones se alza en el centro de este escenario con la leyenda: "El artista es una fuente", en un claro homenaje al francés Marcel Duchamp, precursor del arte conceptual."Es un retorno a la pintura, el cual refiere a artistas que fueron únicos para él, como Duchamp, Francisco de Goya, Francis Picabia y Balthus, artistas que él incorpora dentro de sus obras para hacer planteos acerca de la separación entre imagen y lenguaje", matiza Grimson.Para la curadora, todo se resume en una especie de brecha productiva en la que Baldessari instala significados múltiples, cuestionamientos de la percepción para crear confusión y, siempre, con un tono irónico y sentido del humor a lo largo de sus seis décadas de vida artística.Nacido y criado en National City, una pequeña ciudad de California, él decía que uno no podría encontrarse más alejado de Estados Unidos, por la cercanía de esa localidad con la frontera mexicana, casi al 'final de la línea'.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La escultura, llamada Dinosaurio, es una representación "colosal e hiperrealista" de una paloma fundida en aluminio y fue encargada al artista por la organización High Line Art, dedicada a ampliar el arte contemporáneo en este espacio público del suroeste de Manhattan.La pieza lucirá durante 18 meses en la plaza Spur en el extremo norte del High Line, sobre un pedestal de hormigón que se asemeja a las aceras y los edificios por donde se mueven estas aves tan comunes en Nueva York, indica un comunicado."El nombre Dinosaurio hace referencia a la escala de la escultura y a los ancestros de las palomas que hace millones de años dominaron el planeta, como hacemos hoy los humanos", indicó el artista en la nota."El nombre también sirve como referencia a la extinción de los dinosaurios. Como ellos, algún día ya no existiremos, pero tal vez un resto de humanidad siga viviendo -como las palomas- en las esquinas y los huecos oscuros de mundos futuros", sostuvo el escultor, radicado en París (Francia).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La escultura, pintada a mano, destaca la figura aparentemente prosaica de la paloma y celebra su anonimato en el paisaje urbano al tiempo que desafía la grandeza de los monumentos tradicionales de figuras históricas "que con demasiada frecuencia no son ni honorables ni grandes", indica la nota."Dinosaurio invierte la típica dinámica de poder entre pájaro y humano, elevándose sobre los innumerables peatones y automóviles que deambularán bajo sus pies", puntualiza.Argote es el primer artista del hemisferio sur y también el más joven que ha sido comisionado por la organización High Line Plinth para presentar su obra en este parque.Su trabajo como artista y cineasta se centra en gran medida en cuestiones de justicia social y procesos históricos, inspirado en ocasiones en su infancia en Bogotá, ya que creció en una familia con una larga tradición de activismo político y social, desde los años cincuenta hasta la actualidad.Dinosaurio es el cuarto encargo del programa Plinth, emblemático para el arte público en la ciudad, después de Brick House (2019) de Simone Leigh, Untitled (2021) de Sam Durant y Old Tree (2023) de Pamela Rosenkranz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Paisajes infinitos" es el título de una gran exposición que se ha presentado primero en Berlín y que luego irá a Hamburgo (norte) y Dresde (este), entre otras ciudades alemanas. En el centro de esta muestra hay dos obras emblemáticas de Friedrich que son "El monje frente al mar" y "La abadía entre un bosque de robles".En "El monje frente al mar" la figura humana, de espaldas, es secundaria frente a la inmensidad del océano hacia el que mira. En el otro cuadro la abadía está en ruinas.La naturaleza y los elementos parecen predominar frente a lo humano y los rastros de la civilización y la cultura.Ese es un tema que se repite en muchas de las obras de Friedrich que, en tiempos en que la formación que se le daba a los pintores en las academias de arte predominaban los temas históricos o el retrato, optó por el paisaje y por tratar de representar el poder de la naturaleza así como lo efímero de la existencia humana.Entre la religión y la naturalezaEl mar y las montañas fueron sus temas centrales. Así, "El mar de hielo" es uno de tantos cuadros suyos que muestran lo inhóspito que puede tener la naturaleza."Ahora está pintando el aire y no se le puede molestar. Para él pintar el cielo es como estar hablando con Dios", le dijo en una ocasión la esposa del pintor a un visitante, según cuenta el ensayista Florian Illies en su reciente libro "Caspar David Friedrich. La magia del silencio".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Friedrich, nacido en Greifswald (noreste de Alemania) el 5 de septiembre de 1774, creció en el seno de una familia protestante que pertenecía a una corriente conocida como pietismo y caracterizada por el rigorismo moral y por el cultivo de un permanente examen de consciencia, lo que llevó a que se hicieran frecuentes los diarios íntimos y las autobiografías.Sin embargo, en su obra Friedrich parece, al menos por momento, reemplazar la devoción por un Dios trascendente y por los símbolos cristianos por una reverencia ante la naturaleza lo que llevó a que uno de sus primeros críticos, el también pintor Carl Gustav Carus, hablase de la presencia del panteísmo en su obra.Otros contemporáneos se molestaron ante el hecho de que muchas veces los símbolos religiosos desaparecieran entre el paisaje en sus obras.Olvido y recuperacionesEn vida Friedrich logró cierto reconocimiento, los escritores del grupo conocido como los románticos de Jena (este), entre los que destacaban los hermanos Friedrich y August Wilhelm Schlegel, conocían su obra y figuras claves de la cultura de la época como el propio Goethe, el filósofo Arthur Schopenhauer o el teólogo Friedrich Schleiermacher lo visitaron en su taller tras un debate en torno a una de sus cuadros, "El Altar de Teschen", en el que el cielo pesaba más que la cruz.Sin embargo, cuando murió, a los 66 años el 7 de mayo de 1840, Friedrich no había dejado una escuela y sus obra provocaba en muchos cierto rechazo por su carga de melancolía.Sólo a comienzos del siglo XX y exactamente en 1906, con una gran exposición realizada en Berlín, empezó una segunda recepción que parecía haberle seguido desde entonces casi sin interrupción.Los nazis, como hicieron con muchas otras figuras de la cultura alemana, intentaron instrumentalizarlo destacando elementos de sus obras que relacionaban con una sensibilidad presuntamente aria.En su libro, Illies destaca que justo en tiempos del III Reich el escritor y dramaturgo irlandés Samuel Becket descubriría a Friedrich y posteriormente diría que uno de sus cuadros, "Dos hombres mirando la luna", que vio en 1936, sería el origen de una de sus obras más emblemáticas como "Esperando a Godot".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El arte sacro o también conocido como arte religioso, es una manifestación artística cuyo propósito principal es evocar lo divino, expresar la espiritualidad y reforzar la fe de los creyentes. Este tipo de arte ha sido una parte fundamental de la historia de la humanidad, especialmente en contextos donde la religión ha desempeñado un papel central en la vida cotidiana y la estructura social.Características principales del arte sacroTemática Religiosa: El arte sacro está intrínsecamente ligado a temas religiosos. Representaciones de deidades, escenas bíblicas, santos y mártires son recurrentes en estas obras.Simbología: La simbología juega un papel crucial en el arte sacro. Cada color, gesto y figura tiene un significado específico y suele estar cargado de simbolismo teológico. Por ejemplo, el color azul a menudo representa la pureza y la santidad en el arte cristiano.Función Devocional: Más allá de su valor estético, el arte sacro tiene una función devocional. Se utiliza en ritos y ceremonias religiosas, sirviendo como medio para la meditación y la conexión espiritual.Estética Elevada: Las obras de arte sacro suelen caracterizarse por una estética elevada y una técnica depurada. Las catedrales góticas, los frescos renacentistas y las esculturas barrocas son ejemplos de cómo este arte busca inspirar asombro y reverencia.Materiales Nobles: A menudo se utilizan materiales nobles como el oro, la plata, los mármoles y los pigmentos preciosos. Esto no solo resalta la importancia de la obra, sino que también busca reflejar la majestuosidad y la eternidad de lo divino.Referentes históricos del arte sacroEl arte sacro ha producido algunos de los mayores tesoros culturales de la humanidad. A continuación, se presentan algunos de sus mayores referentes:Edad media y RenacimientoGiotto di Bondone: Considerado el precursor del Renacimiento italiano, Giotto revolucionó el arte sacro con sus frescos en la Capilla Scrovegni en Padua. Sus figuras humanas y escenas narrativas mostraban una emotividad y un realismo sin precedentes.Miguel Ángel: Sus obras en la Capilla Sixtina, especialmente el fresco de "La Creación de Adán", son iconos del arte sacro renacentista. Su habilidad para capturar la belleza del cuerpo humano y su profundo conocimiento de la anatomía hicieron de sus obras un puente entre lo humano y lo divino.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.BarrocoGian Lorenzo Bernini: Maestro del Barroco, Bernini es conocido por sus esculturas dramáticas y emocionales. Su "Éxtasis de Santa Teresa" en la iglesia de Santa Maria della Vittoria en Roma es un ejemplo sublime de cómo el arte sacro puede transmitir experiencias místicas.Caravaggio: Con su uso innovador del claroscuro y su enfoque en escenas bíblicas llenas de realismo y crudeza, Caravaggio redefinió el arte sacro en el siglo XVII. Obras como "La vocación de San Mateo" muestran la interacción directa entre la luz y la oscuridad como metáfora de lo divino y lo humano.El estudio del arte sacro en la modernidadA pesar de los cambios culturales y la secularización de muchas sociedades, el estudio del arte sacro sigue siendo relevante y fascinante. Las universidades y los institutos de arte alrededor del mundo ofrecen cursos especializados en arte religioso, explorando tanto su contexto histórico como su impacto contemporáneo.En la actualidad, el arte sacro no solo se estudia desde una perspectiva religiosa, sino también desde el punto de vista de la historia del arte, la sociología y la antropología. Investigadores analizan cómo las obras de arte sacro reflejan y moldean las creencias y las prácticas religiosas de diferentes épocas y culturas.Además, la digitalización y las nuevas tecnologías han permitido una accesibilidad sin precedentes a estas obras. Plataformas en línea y museos virtuales ofrecen recorridos digitales por las grandes catedrales y las galerías más prestigiosas, permitiendo a los estudiantes y aficionados explorar el arte sacro desde cualquier parte del mundo.El arte sacro es un testimonio poderoso de la búsqueda humana por lo divino y lo trascendental. A través de sus características distintivas y sus mayores exponentes, este tipo de arte no solo ha embellecido nuestros lugares de culto, sino que también ha nutrido el alma y el espíritu de generaciones enteras. En la modernidad, su estudio continúa revelando nuevas capas de significado y conexión, demostrando que la relación entre el arte y la fe sigue siendo tan relevante y vibrante como siempre.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este fin de semana la agenda cultural está llena de actividades y planes por hacer. Una de las actividades principales este fin de semana en Bogotá se celebrará en el Parque Simón Bolívar, con dos días de música que celebran los sonidos latinoamericanos. Aquí le contamos los detalles del festival.También le recomendamos conciertos de música de cámara que no puede dejar pasar, teatro, talleres y exposiciones.Sábado, 14 de septiembreInauguración de la exposición “Caja mágica: donde todo puede suceder”Con motivo de la celebración de los 70 años de la primera emisión de televisión en Colombia, esta exposición realiza una exploración por más de cinco décadas de producciones salvaguardadas por el Archivo Audiovisual de Caracol Televisión.📍 Cinemateca de Bogotá - Carrera 3 # 19-10🕒 11:00 a. m.Entrada libre reclamando la boleta en taquillaAtaque MetalLos Escenarios Móviles de Idartes presentan Ataque Metal, un evento que reúne bandas colombianas del metal en un solo escenario. Estarán en tarima las agrupaciones Psychophony, Mortarem, Okinawa Bullets y Under Threat.📍 Parque El Porvenir - Calle 52 sur con Carrera 97c🕒 5:00 p. m.Entrada libreConcierto de la Filarmónica de BogotáAsista al concierto de la Filarmónica de Bogotá bajo la dirección de Rubián Zuluaga, que contará con un repertorio que incluye obras de Amparo Ángel, Ludsen Martinus y Franz Schubert en versión de la filarmónica. Además, el solista será el violinista Pablo Hurtado.📍 Auditorio León de Greiff - Avenida Carrera 30 #45-3🕒 4:00 p. m.Entrada libre hasta completar aforoOcteto Piazolla ElectrónicoEl músico, compositor y productor argentino Nico Sorín llega al Delia con Piazzolla Electrónico para rememorar y homenajear la leyenda, entregándonos el espíritu de aquella época, experimentando con la fuerza del rock y del beat con clásicos como “Adiós Nonino”, “Libertango”, “Meditango”, “Zita” o “Violentango”.📍 Sala Delia Zapata - Calle 11 # 5-60🕒 7:30 p. m.Entrada con costoDomingo, 15 de septiembreCinemateca al parque La Cinemateca al parque llega a la localidad de Usme para ofrecer eventos con proyecciones audiovisuales y experiencias artísticas alrededor del séptimo arte. En esta ocasión se realizarán talleres de collage en movimiento, ecocine y un picnic literario. Además de la proyección de Una jungla de locura, Amalia, la secretaria, La suprema, entre otros.📍 Parque estructurante Villa Alemana - Avenida Villavicencio # 102-05 sur🕒 Desde las 10:00 a. m.Entrada libreDesde Canadá el Cirque Alfonse presenta 'Animal'Esta obra es un viaje para descubrir un mundo reinventado sobre la agricultura. En esta fantasía del campo, la imaginación conjura historias de la niñez y la vida rural se torna energética y poética; los clichés se convierten en frases alegres y la producción apela tanto a jóvenes como a adultos gracias a un lirismo atmosférico y al talento acrobático.📍 Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo - Calle 170 # 67-51🕒 5:00 p. m.Entrada con costoConcierto Eugene Uman Convergence Trío (Estados Unidos)El pianista y compositor estadounidense Eugene Uman se ha visto influenciado por la música del país y varias de sus composiciones evocan ritmos como el bambuco, el pasillo, la cumbia o el currulao. En esta ocasión, junto al contrabajista Cameron Brown y el baterista Brian Shankar Adler, realizará un concierto conformado principalmente por composiciones propias.📍 Biblioteca Luis Ángel Arango - Calle 11 # 4-14🕒 11:00 a. m.Entrada con costo🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Barbie Isabel Allende, que lleva un vestido rojo de fiesta con capa sobre un hombro, zapatos negros de tacón y pendientes dorados, forma parte de la colección con la que el fabricante Mattel honra a las mujeres que han servido de inspiración y se han destacado en diversos campos.La muñeca articulada va acompañada de una pequeña réplica de la perrita protagonista de "Perla, la súper perrita", la primera entrega de una saga para el público infantil que presentó este año la escritora de 82 años, radicada en EE.UU."He estado contando historias desde que era niña. Las historias tienen un poder increíble, desafían nuestra mente y tocan nuestros corazones, nos conectan con otras personas y nos enseñan que no estamos solos en el viaje de la vida. Celebro la iniciativa de la marca Barbie de inspirar a la próxima generación con las historias de personas no reconocidas", dijo la escritora en un comunicado recogido por la revista People.Antes de que la Barbie Isabel Allende llegue a las tiendas, hoy comienza la preventa online, que coincide con el que comienzo en Estadas Unidos de la celebración de la Herencia Hispana.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Mattel ha rendido homenaje con muñecas Barbie a una larga lista de mujeres, entre ellas la primatóloga Jane Goodall, la cantante cubana Celia Cruz, la pintora mexicana Frida Kalho, la patinadora estadounidense Kristi Yamaguchi o el ícono de la moda Iris Apfel.Allende, ganadora del Premio Nacional de Literatura de Chile en 2010 y la Medalla de la Libertad de Estados Unidos en 2014, es considerada la escritora viva más leída del mundo de habla hispana, con 77 millones de ejemplares vendidos a lo largo de su carrera.Su obra ha sido traducida a más de 40 idiomas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Así lo confirmó en su reciente biografía el argentino Alejo Stivel, su productor, cuando contó que su intención y la del cantautor español era que aquel fuese un álbum doble con 23 cortes, de ahí probablemente que, como consecuencia, se mantenga como su LP más largo, por encima de los 74 minutos con éxitos como 'Cerrado por derribo', 'Una canción para Magdalena' o la canción que le dio título.Más curioso que el recorte por cuestiones de costes y de un mercado no habituado a este tipo de producto, está el hecho de cómo forzó la decisión el entonces presidente de Sony, José María Cámara, que "presionó de mala manera, presentándose en casa de Joaquín con nocturnidad y alevosía para decirle que en ese formato no iba a funcionar", según afirmó Stivel."Claro, si el presidente de una compañía te dice eso, tienes miedo de que él se esfuerce por tener razón", añadía el también exmiembro de Tequila sobre las razones por las que cedieron al cambio respecto a sus planes iniciales.Hoy por hoy es fácil acceder en plataformas digitales a una edición especial en dos discos y, ya en su momento, buena parte de los descartes aparecieron como material extra de los diferentes sencillos, pero originalmente '19 días y 500 noches' se lanzó de manera oficial con 13 temas (2 más en la versión para Argentina).Entre ellos está el que lo tituló, en referencia al tiempo que en teoría tardaba Sabina en olvidar un desamor, aunque en esa colección de cortes hay otro que también en principio iba a bautizar todo el álbum, 'A mis cuarenta y diez'.Su autor decidió huir de una fórmula que de repente le pareció "demasiado solemne", sin el punto cínico que buscaba para un trabajo que, cocinado en noches de cocaína, cigarrillos y whisky a raudales, tal y como él ha confesado a menudo, a punto estuvo de ilustrar en portada con una cajetilla de tabaco. En opinión de muchos, el de Úbeda (sur de España) vertió ahí lo mejor de su pluma.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre boleros, milongas y hasta un rap, en lo musical no se quedó corto al buscar puentes entre las tradiciones de varios países, de España a México (ahí aparece Chavela Vargas, por ejemplo, en 'Noches de boda', la que cierra el álbum), pero también Argentina o Cuba (con dúo al lado de Pablo Milanés), en un momento en el que ese intercambio de ida y vuelta no era tan fluido como ahora.Uno de los grandes cambios de timón de este álbum fue la decisión de Stivel de desnudar de artificios la voz del artista y exponerla más cruda. "Fue sin duda el 'highlight', tanto por lo que yo aporté como por la calidad del artista, uno de los más brillantes dentro de la canción internacional", subrayó.Sabina, que con 75 años acaba de anunciar su gira de despedida, conectó entonces con una generación más joven y recibió cuatro Premios de la Música, el aplauso de la crítica y el del público, con unas ventas en ese momento por encima del medio millón de ejemplares, una cifra que una década después ya se había duplicado.Fue el clímax de una década gloriosa que había alumbrado otros álbumes con muchas luces como 'Física y química' (1992), con 'Y nos dieron las diez', y tras la que sobrevino un frenazo con el que leve infarto cerebral que sufrió en 2001 y que le hizo replantearse la vida canalla que alimentaba muchas de sus canciones.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Para la crítica, el film tiene todos los ingredientes para convertirse en un nuevo clásico del género. Pero en una entrevista, Crowley ('Intermission', 2003; 'Boy A', 2007; 'Brooklyn', 2015; 'Goldfinch', 2019), reconoció que en un primer momento tuvo dudas sobre si quería hacer la película porque, afirmó, es un proceso "muy emocional"."He hecho bastante trabajo emocional, y me gusta, obviamente. Pero supongo que sentí que esta película me costaría. Y de hecho, editarla durante seis meses y medio, donde estás mirando ese material día tras día, es realmente triste", confesó."Vas al trabajo y lloras para ganarte la vida. Eso te agota con el tiempo. Pero no dudé mucho, debo admitir", añadió con una sonrisa.En 'We Live in Time', Crowley juega con una creativa estructura temporal para construir años de romance entre una exitosa chef, Almut (Pugh), y Tobías (Garfield), un ejecutivo de una compañía de alimentos, a los que se les acaba el tiempo juntos.La química entre Pugh y Garfield es gran parte del éxito del largometraje que ya empieza a ser presentado como uno de los candidatos a los próximos Óscar.Crowley había trabajado con Garfield en 'Boy A', había observado la progresión de su carrera y le conocía "bastante bien". No era el caso con Pugh. Pero la combinación de ambos funciona dentro y fuera de la pantalla."El casting siempre es un salto de fe. Empiezas con las intenciones más puras, trabajas muy duro, y esperas que dé frutos", reconoció Crowley.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Ambos son actores creativamente muy ambiciosos, que realmente quieren hacer un buen trabajo. Así que, por supuesto, ambos querían que esto funcionara y sabían intuitivamente que la película se sostendría o se caería según la forma en que trabajaran", explicó.Crowley considera que la película habría funcionado sin esa química manifiesta de Garfield y Pugh pero que la compenetración y complicidad de los dos llevó la actuación a un nivel superior."Todo lo que hice fue como quitar obstáculos en el camino para que no hubiera nada que les impidiera conectar con los ojos de la otra persona. Pero se gustaron. No puedes obligar a la gente a gustarse. Hicieron clic, y eso fue bastante hermoso", recordó."Y luego, cuando el trabajo comenzó a salir bien, ambos empezaron a sentirse mejor con el trabajo de lo que a veces es normal en los platós. Sintieron que el trabajo realmente comenzaba a nutrirlos y eso creció exponencialmente. Empezaron a confiar en el proceso; confiaban el uno en el otro más de lo que confiaban en mí. Fue un momento creativo muy especial en el rodaje", continuó.Esa relación especial que establecieron Garfield y Pugh se manifiesta particularmente en dos escenas de la película: cuando uno le corta el pelo al otro y durante el parto. Crowley también reconoció que el hecho que está última escena se filmase hacia el final del rodaje ayudó a que, como el director señaló, resumiese la esencia del film.Ahora Crowley se prepara para viajar a San Sebastián con Pugh y Garfield. El director irlandés ya estuvo en la ciudad española con su film 'Intermission' (2007). Pero esta "emocionado" con regresar al festival vasco."Estoy muy emocionado, al igual que mi esposa, que vendrá conmigo. Andrew (Garfield) también lo está. Creo que va a ir a disfrutar", concluyó.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Durante su charla en el Hay Festival que se celebra en la localidad española de Segovia (centro), Williams repasó su trayectoria y el origen de su amor por diseccionar las palabras."De ninguna manera diría que soy la más experimental ni la mejor experimentadora", dijo respecto al resto de autores que, junto a ella, fueron incluidos en 2023 en la revista literaria Granta como algunos de los mejores novelistas británicos del momento."Es una etiqueta gloriosa", resumió, y añadió que, en realidad, todos los autores tienen esta parte experimental.Williams recordó que el origen de sus inquietudes literarias y su apasionamiento por las palabras está en la cocina de su casa, junto a sus hermanas, con quienes hacía los deberes y tenía cerca los diccionarios en papel y otros libros de recetas, en ocasiones manchados.Desde niña se interesó por esos malentendidos o juegos de palabras que surgen casi sin darse cuenta en una conversación, y recordó que fue una noche de "micrófono abierto" para poetas, organizada por el poeta y crítico irlandés Declan Ryan, la que sirvió para dar a conocer sus primeros trabajos en el relato corto."Fue divertido, agradable", dijo antes de detallar que, tras la velada, alguien del público se acercó y se interesó por sus escritos para una editorial.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Un encuentro casual del que surgió una incipiente carrera literaria en la que se ha sentido "muy libre para hacer lo que quería hacer", y reconoció el valor de las pequeñas editoriales y las librerías independientes como claves para el descubrimiento del nuevo talento, en un momento en el que en Reino Unido "hay una escasez de oportunidades para que se publiquen obras de ficción cortas independientes".Sobre la novela que la ha dado a conocer a nivel internacional, 'The liar's dictionary', Williams bromeó con el hecho de que el personaje principal comienza a involucrarse creativamente en la elaboración de un diccionario inventándose palabras, fundamentalmente para salir de la tarea monótona de asegurarse de que aparecen todas las palabras.Esta dinámica de invención de palabras es uno de los ejes de esta novela que alterna dos tiempos históricos, al descubrir alguien en el momento actual que ese diccionario que tiene entre sus manos contiene palabras inventadas, con la duda de si realmente existen o simplemente están en desuso.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.