El primero de noviembre Paul McCartney llegará al estadio El Campín, pero antes hizo la parada programada dentro del estadio del club paulista Palmeiras, en Brasil. Los fanáticos, que portaban banderas inglesas y brasileñas, se organizaron para cantar sus temas más conocidos intentando hacer más amena la espera, que fue un poco más larga de lo programado.Hubo tanta gente fuera esperando para ingresar que el show debió demorarse media hora, rompiendo con la puntualidad inglesa a la que Paul ha acostumbrado a su público.Más de 50.000 personas coreaban su nombre hasta que apareció en el escenario al grito de "Buenas noches, Brasil" en un mix entre español y portugués, y se escucharon las estrofas de A Hard Day’s Night, dando inicio a un concierto que prometía rock y nostalgia.Durante casi 40 canciones y más de dos horas, el británico de 82 años le demostró a São Paulo que la edad es solo un número e hizo viajar a todos los presentes a tiempos pasados, rememorando clásicos del cuarteto más famoso del mundo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Durante ese vuelo no olvidó algunas canciones de Wings y The Quarrymen –su primer grupo en 1956 junto a John Lennon y George Harrison en 1956 que luego evolucionó hasta transformarse en The Beatles–.“Vamos a viajar en el tiempo a Liverpool y Londres”, dijo y presentó Love Me Do, aquella que dio inicio a la carrera musical de los cuatro a principios de los 60s.También sonó My Valentine, dedicada a su actual esposa Nancy Shevell quien se encontraba viéndolo en uno de los palcos, y las parejas de la audiencia se abrazaron, mientras los visuales del escenario reproducían el video musical dirigido por el propio Paul McCartney, donde aparecen Natalie Portman y Johnny Depp interpretando la letra en lenguaje de señas.Hizo su paso por el piano y al terminar cada canción Paul agradecía, se paraba y bailaba, a pesar de que su cara demostraba cierto cansancio.En medio del show, se apagaron las luces del estadio y, con su guitarra acústica y un cielo estrellado al fondo, dio paso a Blackbird y Here Today, canción que compuso dos años después de la muerte de John Lennon.Lennon apareció nuevamente cantando en la pantalla del escenario durante I’ve got a feeling en un video del famoso concierto en la azotea de un edificio londinense, y "el eterno beatle" se dio vuelta para ver a su mejor amigo en acción, mientras, en la platea, familias enteras con integrantes que llegaron a conocer a Lennon con vida y otros que no se abrazaban y lloraban.Tampoco olvidó a su compañero George Harrison, a quien le agradeció que haya compuesto Something, una “hermosa canción”, antes de comenzar a tocarla.Siguió con Now And Then, considerada “la última canción” de The Beatles, que fue guardada durante más de cuatro décadas, hasta que finalmente fue lanzada en noviembre de 2023 recreando la voz de Lennon con inteligencia artificial.Aunque parecía que el concierto concluía con Hey Jude –“el coro más cantado de la historia"–, luego volvió para cerrar con broche de oro y muchos fuegos artificiales.Este miércoles, Paul McCartney volverá a pisar la arena del Palmeiras para después viajar a Florianópolis el sábado 19.Luego retorna a Argentina, esta vez en la provincia de Córdoba, y sigue su gira por Perú, Bogotá, Costa Rica y México, antes de emprender su partida a Francia, España e Inglaterra.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Falta menos de un mes para que la capital se convierta en el escenario principal del festival gratuito más grande de la región. Serán tres días de música, mucho rock, metal y nuevas propuestas musicales que se concentrarán en el Parque Metropolitano Simón Bolívar de Bogotá bajo el concepto de “Subculturas en armonía: una lectura desde la ciudad”.Organizado por el Instituto Distrital de las Artes, Idartes, Rock al parque es el festival gratuito de la ciudad con más trayectoria y este año llega a su edición número 28, después de un altísimo registro de asistencia en el 2023. De acuerdo con Idartes, al Rock al parque del año pasado asistieron alrededor de 390 mil personas que durante tres días vivieron el rock en tres escenarios, en los que se presentaron 65 bandas y 600 artistas en escena.En mayo, cuando se anunciaron las fechas de todos los festivales Al parque, Mora explicó a Idartes que “el festival estará bajo una apuesta artística que se concentrará en una amplia selección de sonidos muy rockeros, potentes y de diversos estilos dentro de todo el universo de la música rock. Contaremos con agrupaciones de amplia trayectoria, así como propuestas vigentes y representantes de diferentes lugares de Colombia, Latinoamérica y el resto del mundo”.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Artistas Rock al parque 2024En agosto se dieron a conocer los primeros nombres de cantantes y bandas que se presentarán, cuando Idartes, publicó en la Resolución 878 del 23 de agosto a los ganadores de la convocatoria “Beca festival Rock al parque 2024 Bogotá, ciudad creativa de la música”, en la que aparecen los veinte proyectos ganadores.En la lista se destacan agrupaciones reconocidas en la escena indie y rock como Nicolás y los fumadores, Burning Caravan, Gabriela Ponce y Hellfish. El listado lo completan: Stayway, La monky band, Micorriza soundsystem, Boca de serpiente, Highway, Victimized, Legio Inferi, Delasierra, Loathsome Faith y Telégrafo.Pero los nuevos anuncios llegaron ese martes con el cartel de los artistas nacionales e internacionales invitados a vibrar a ritmo de rock durante tres días en el Simón Bolívar. Entre los artistas más destacados del festival, están, desde España, Los Toreros Muertos, autores entre otras del clásico Mi agüita amarilla; Testament, de Estados Unidos; la argentina Fabiana Cantillo y por México, la banda de rock y ska, Inspector. La lista de internacionales la completan Afsky (Dinamarca), Arde la sangre, Eruca Sativa, Fidel Nadal y Todos tus muertos (Argentina), Buitres (Uruguay), Doro, Haggard, Mad Sin (Alemania), La santísima voladora, Margaritas podridas, Ray Coyote y S7N (México), León Benavente y Ostia Puta (España), Quique Neira (Chile), Sacred reich (Estados Unidos), Stuck in the sound (Francia) y The selecter (Inglaterra).El talento colombiano, además de los artistas locales ganadores de la beca Rock al parque, estará representado por Doctor Krápula, Entreco, Kraken y Lilith. Además, este 15 de octubre los organizadores del festival dieron a conocer la imagen oficial de Rock al parque 2024 a través de sus redes sociales. Se trata de una guitarra de colores neón compuesta por animales de la fauna colombiana como el cóndor de los Andes, del que cuelga un símbolo de paz, un jaguar, dos peces, y dos osos de anteojos. El arte de esta pieza estuvo a cargo del ilustrado Cris Contreras, quien también ha diseñó la imagen oficial de la más reciente edición de Salsa al parque. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Rock al Parque Oficial (@rockalparqueoficial)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cantante de Radiohead, Thom Yorke, va a rehacer el álbum de la banda "Hail To The Thief" para una nueva producción teatral de "Hamlet" de Shakespeare. El cantautor se ha asociado con los directores Steven Hoggett y Christine Jones para la adaptación, que se describe como una "destilación de ritmo rápido de la obra" que será "iluminada" por la música del álbum de 2003."Hamlet Hail To The Thief" se presentará en Manchester en abril antes de trasladarse al Royal Shakespeare Theatre en Stratford-upon-Avon en junio. Yorke ha dicho que el proyecto es un "desafío interesante e intimidante".Dolor y paranoia de Hamlet"Adaptar la música original de 'Hail To The Thief' para una presentación en vivo con los actores en el escenario para contar esta historia que se cuenta siempre, utilizando su familiaridad y sonidos, metiéndolos dentro y fuera de contexto, viendo qué encaja con el dolor y la paranoia subyacentes de Hamlet, utilizando la música como una 'presencia' en la sala, viendo cómo choca con la acción y el texto", dijo. "Fantasmas de uno contra el otro".Jones, diseñadora ganadora de premios Tony y Olivier, conceptualizó la idea después de leer Hamlet poco después de ver el álbum interpretado en concierto, lo que la llevó a ver "reverberaciones extrañas entre el texto y el álbum"."Durante años he querido ver la obra y el álbum colisionar en una pieza de teatro; finalmente compartí la idea con Thom, que estaba intrigado", dijo. "No estaba segura de lo que haríamos, pero sabía que quería hacerlo con Steven y continuar experimentando y desarrollando el trabajo que hemos hecho juntos durante muchos años".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El 11 de septiembre como parteaguasYorke continuó: "Hemos descubierto que la obra persigue al álbum, y el álbum persigue a la obra". Ambos reflejan la inquietud y la rabia interna que resultan de la desesperación, en particular la desesperación que surge del escrutinio de las estructuras de poder dominantes, ya sea dentro de los gobiernos, las comunidades o las familias. "El texto y la música nos incitan incansablemente a cuestionarnos de qué estamos hechos y cómo discernir el bien del mal".Yorke está trabajando y deconstruyendo el álbum de Radiohead de 2003, que será interpretado en vivo en el escenario por un elenco de 20 músicos y actores. El sexto álbum de estudio de la banda de rock británica incluye sencillos como "There There", "2+2=5" y "Go To Sleep".Grabado después de los ataques del 11 de septiembre, el álbum refleja un período de paranoia, miedo y ansiedad que siguió. También explora temas distópicos con letras inspiradas en Orwell junto con sonidos experimentales y baladas de piano de cuna. Jones es el creador y director artístico de Theatre For One y director de la experiencia inmersiva de discoteca neoyorquina, "Queen Of The Night", mientras que Hoggett es uno de los fundadores de Frantic Assembly y sus créditos incluyen ser el coreógrafo de "El curioso". incidente del perro a medianoche" y "Black Watch".Anteriormente trabajaron juntos como coreógrafo y diseñador en "Harry Potter y el legado maldito", "American Idiot" y "Déjame entrar".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Faltan cuatro semanas para que la capital se convierta en el escenario principal del festival gratuito más grande de la región. Serán tres días de música, mucho rock, metal y nuevas propuestas musicales que se concentrarán en el Parque Metropolitano Simón Bolívar de Bogotá bajo el concepto de “Subculturas en armonía: una lectura desde la ciudad”. Organizado por el Instituto Distrital de las Artes, Idartes, Rock al parque es el festival gratuito de la ciudad con más trayectoria y este año llega a su edición número 28, después de un altísimo registro de asistencia en el 2023. De acuerdo con Idartes, al Rock al parque del año pasado asistieron alrededor de 390 mil personas que durante tres días vivieron el rock en tres escenarios, en los que se presentaron 65 bandas y 600 artistas en escena. Entre los artistas más destacados de la anterior versión estuvieron los estadounidenses Overkill; The Ocean, de Alemania e In Flames, de Suecia. Además entre las bandas y artistas representantes del rock y pop en español que visitaron Bogotá estuvieron, entre otros, Julieta Venegas, El Kanka, Los autenticos decadentes, Aterciopelados, Daniel, me estás matando y Los Petit Fellas. Para el Rock al parque de este año, que se llevará a cabo el 9, 10 y 11 de noviembre, el encargado de la curaduría de la música y artistas que se presentarán es Héctor Mora, productor, realizador, programador y locutor de espacios radiales con énfasis en música contemporánea, rock, pop y afines por más de 25 años.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En mayo, cuando se anunciaron las fechas de todos los festivales Al parque, Mora explicó a Idartes que “el festival estará bajo una apuesta artística que se concentrará en una amplia selección de sonidos muy rockeros, potentes y de diversos estilos dentro de todo el universo de la música rock. Contaremos con agrupaciones de amplia trayectoria, así como propuestas vigentes y representantes de diferentes lugares de Colombia, Latinoamérica y el resto del mundo”.Artistas Rock al parque 2024Aunque todavía está pendiente por confirmar el cartel principal de los artistas que llegarán a los escenarios del festival, ya se dieron a conocer los primeros nombres de cantantes y bandas que se presentarán. La Alcaldía de Bogotá, a través de Idartes, publicó en la Resolución 878 del 23 de agosto a los ganadores de la convocatoria “Beca festival Rock al parque 2024 Bogotá, ciudad creativa de la música”, en la que aparecen los veinte proyectos ganadores. En la lista se destacan agrupaciones reconocidas en la escena indie y rock como Nicolás y los fumadores, Burning Caravan, Gabriela Ponce y Hellfish. El listado lo completan: Stayway, La monky band, Micorriza soundsystem, Boca de serpiente, Highway, Victimized, Legio Inferi, Delasierra, Loathsome Faith y Telégrafo. Además, este 15 de octubre los organizadores del festival dieron a conocer la imagen oficial de Rock al parque 2024 a través de sus redes sociales. Se trata de una guitarra de colores neón compuesta por animales de la fauna colombiana como el cóndor de los Andes, del que cuelga un símbolo de paz, un jaguar, dos peces, y dos osos de anteojos. El arte de esta pieza estuvo a cargo del ilustrado Cris Contreras, quien también ha diseñó la imagen oficial de la más reciente edición de Salsa al parque. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Rock al Parque Oficial (@rockalparqueoficial)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Se acerca una nueva edición de uno de los festivales musicales más importantes del país en la actualidad. El Parque Metropolitano Simón Bolívar de Bogotá será el escenario que reúna a grandes exponentes de la música iberoamericana en la tercera edición del Festival Cordillera.Ya estamos listos para vibrar al ritmo de cumbias, merengues, rock, baladas y rap este 14 y 15 de septiembre. Para disfrutar del festival al máximo es importante tener claros los horarios de ingresos, los horarios de las presentaciones de sus artistas favoritos, los cierres viales y toda la logística necesaria. Aquí les contamos todo lo necesario para vivir la fiesta de la cordillera.🕒 Horarios del Festival CordilleraEl sábado y domingo el parque abrirá las puertas a los asistentes al festival desde el mediodía (12:00 p. m.) y tras la última presentación de cada día, cerrará a la 1:00 a. m. Ahora, les contamos cuáles son los horarios de las presentaciones por escenario para cada día. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Festival Cordillera (@cordillerafestival)🏔️Día 1: sábado, 14 de septiembreEscenario Cordillera14:00 - Providencia15:45 - Bersuit Vergarabat17:45 - Vilma Palma E Vampiros19:45 - Juan Luis Guerra22:15 - Hombres GEscenario Aconcagua13:30 - Spektra de la Rima14:45 - Canalón de Timbiquí16:45 - Juliana18:45 - Bacilos21:15 - Miranda!23:45 - KinkyEscenario Cocuy14:00 - Los Yoryis15:45 - Los Mirlos17:45 - The Skatalites20:15 - Morodo & Okoumé Lions22:45 - La Vela PuercaEscenario Cotopaxi13:30 - Nicolle Jadad15:00 - Zoe Gotusso16:45 - Simon Grossman18:45 - Mala Rodríguez21:15 - Instituto Mexicano del sonido23:45 - Systema Solar🏔️Día 2: domingo, 15 de septiembreEscenario Cordillera14:10 - La Severa Matacera15:55 - Maldita Vecindad18:00 - Molotov20:00 - Fonseca22:15 - Los Fabulosos CadillacsEscenario Aconcagua13:25 - Andrés Correa14:55 - Omara Portuondo & La Failde16:55 - León Larregui19:00 - Babasónicos21:15 - Trueno23:45 - Rels BEscenario Cocuy16:00 - Duplat18:00 - Usted Señálemelo20:15 - Bandalos chinos22:30 - La KongaEscenario Cotopaxi15:00 - Mi amigo invencible17:00 - La Derecha19:00 - José Madero21:15 - Airbag23:45 - Él mató a un policía motorizado💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.⚠️Recomendaciones para asistir al festivalVamos por partes. El Cordillera, al igual que en sus ediciones anteriores, se realizará en un parque biodiverso, en el que es posible encontrarse con fauna, así que evite el contacto con los animales y si encuentra alguno herido, comuníquese con el personal de logística del evento. Hecha esta aclaración, también los invitamos a ser responsables con el espacio que recibe esta fiesta musical y con los demás asistentes, procurando el cuidado del otro.Antes de dirigirse al festival asegúrese de tener protector solar, ropa cómoda y abrigada, gafas de sol, un poncho para la lluvia, un botilito desocupado para llenar de agua en el lugar y que la maleta en la que lleva sus pertenencias sea pequeña.Tenga en cuenta que al festival no podrá ingresar camisetas o banderas de equipos de fútbol, instrumentos musicales, sillas, carpas o tiendas para acampar, mascotas, drones, vaporizadores, sombrillas, cigarrillos, armas, cadenas, ni cámaras profesionales y tampoco sustancias alucinógenas. Si lleva algo de lo antes mencionado es muy probable que deba dejarlo en la entrada o no pueda ingresar.🚌 Transporte alternativo y cierres vialesDados los cierres viales y la cantidad de personas que asistirán al Simón Bolívar, ir en carro puede no ser la mejor opción de movilidad, además, el evento no cuenta con parqueaderos. La carrera 60 estará cerrada por el costado occidental, por lo que se recomienda llegar por la calle 63 con 60.Además, Transmilenio anunció tres rutas zonales adicionales que estarán en funcionamiento para facilitar la salida de los asistentes al evento. No olvide tener recargada su tarjeta Tu Llave para ingresar al sistema.Estas tres rutas funcionarán desde las 10:30 de la noche, hasta las 2:30 de la mañana.Septimazo: saldrá del Parque Simón Bolívar, tomará la NQS hacia el sur, la calle 26 hacia el oriente y la carrera Séptima hacia el norte hasta la calle 94. Regresará de nuevo por la NQS.Unicentro/Bulevar: saldrá del Parque Simón Bolívar por la avenida 68 hacia el norte, tomará la carrera 15 hacia el norte hasta Unicentro, por la calle 127 hasta Bulevar y por la avenida Suba hacia el sur hasta la avenida 68.Primero de Mayo: saldrá del Parque Simón Bolívar, tomará la carrera 50 hacia sur, la avenida Esperanza hacia el occidente, la avenida Boyacá hacia el sur hasta la avenida Primero de Mayo.🎟️ Cashless y boletería del festivalEl único medio de pago dispuesto en el Festival Cordillera es cashless, una manilla recargable a través de la que los asistentes podrán comprar comida, bebidas y todos los productos ofrecidos en el evento. Si ya tiene su boleta, no necesita pagar ningún dinero adicional para obtenerla.En el caso de los asistentes a los dos días, que compraron entradas VIP o General en combo, la manilla de ingreso al festival funciona como manilla cashless. En el caso de quienes irán un solo día al festival, al llevar al parque deben acercarse a un punto cashless para reclamar su manilla.Las recargas de la manilla pueden hacerse de manera virtual a través de la página oficial del festival o en el Simón Bolívar, en los puntos cashless con pagos en efectivo o tarjetas débito y crédito. Tenga presente que a la hora de pagar un producto, no podrá acumular el saldo de varias manillas, si va con amigos, el valor total de la compra debe estar disponible en una manilla.Si hizo una recarga grande y al final del evento tiene saldo en su manilla podrá reclamarlo en la página del festival entre el 2 y el 23 de octubre de 2024. La devolución tiene un costo de $8.000.Si todavía no tiene boletas para asistir, está a tiempo. A través de Eticket todavía hay entradas disponibles, en su precio de última etapa. Así:Combo VIP: $1.399.000Combo General: $819.000Sábado VIP: agotadasEntrada para sábado General: $489.000Sábado VIP: $789.000Entrada para sábado General: $469.000🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El piso vibraba al ritmo del salto y el bajo de Juan Galeano, los corazones unidos en el ritual de la música iluminaron la ciudad que es la casa y la furia del mundo. Bogotá, una oda al amor y a la monstruosidad, esa misma que vio por primera vez al Diamante hace doce años y que ahora lo recibe con los brazos abiertos como el padre con el hijo pródigo.Diamante Eléctrico está celebrando su doceavo año de carrera con una gira por Colombia y Latinoamérica, el cierre de su tour por el país se realizó en Bogotá en el Chamorro City Hall en el que tres mil personas se unieron para cantar Oro y unir las manos en un aplauso al unísono.Esta gira es, también, para celebrar el lanzamiento de su disco Malhablado, completando ocho álbumes de estudio. La banda cuenta con cuatro Latin Grammys, dos de ellos a Mejor álbum rock.La cita en Bogotá fue un abrazo a la ciudad y al amor, así como lo ha sido su trabajo musical. Con un repertorio que incluía temas como Amalia, Ella no es así y Rotos, el Diamante logró conmover a sus asistentes con una ejecución músical que levantó en un solo coro las voces de quienes aman y lloran.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La previa del evento fue una simulación de un “septimazo” con tejo, billar, rana, comida y bebida para preparar la garganta para lo que vendría después. Antes de que el Diamante regresara a casa en el escenario cantó el argentino Sir Hope y la española Marilia Monzón.La banda interpretó El amor es un juego de perdedores, una de las canciones del Malhablado, junto al mariachi e hizo bailar a todos con un cover de Casi un hechizo de Jerry Rivera con el toque auténtico de su estilo. La gente bailaba al ritmo de la voz de Juan Galeano y las manos prodigiosas de Daniel Álvarez en la guitarra, hubo quienes se amaron en medio del sonido y quienes se enamoraron en el instante.En medio del show una pareja se declaró el amor eterno frente a todos, poniendo una argolla en la promesa de quererse y compartir el resto de sus días, después gritamos juntos Mi persona favorita.El cuerpo individual se convirtió en uno solo cuando escuchamos Gobiérname, el calor de la voz nos acogió en el fuego y la música nos envolvió con ternura cuando Daniel Álvarez entonó el himno de la belleza con Que bonito es lo bonito.Para cerrar con broche de oro cantamos a todo pulmón Suéltame Bogotá junto a Duplat que adornó la canción con el saxofón, nos despedimos de la tristeza y volvimos a la noche en la ciudad, nuestra casa eterna.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Las entradas más baratas serán en grada para Cardiff -la primera parada de la gira-, seguidas de Edimburgo y Londres, donde el precio es de 74 libras (unos 88 euros, según el cambio actual), de acuerdo con la página web Gigs and Tours.Sin sitios reservados, el precio comenzará en Mánchester a partir de las 148,50 libras (algo más de 176 euros), similar a lo que costará acudir a pista en las otras localizaciones.Por otro lado, para quienes se lo puedan permitir, el grupo británico ofrecerá la posibilidad de acudir a una prefiesta de los conciertos de Cardiff, Mánchester y Londres y a una exposición privada, por entre 453 y 506 libras (en torno a 538 y 602 euros, respectivamente).Con anterioridad en esta jornada también se dieron a conocer los precios para Irlanda, que partirán de los 86,50 euros, como publicó la promotora MCD.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Las entradas para asistir a la gira 'Oasis Live 25' saldrán a la venta este sábado a las 8:00 (07:00 GMT) en la República de Irlanda y a las 9:00 (08:00 GMT) en el Reino Unido y se podrán comprar a través de ticketmaster.co.uk, gigsandtours.com y ticketmaster.ie.El reencuentro de los hermanos Noel y Liam Gallagher en escena tras 15 años de distanciamiento fue anunciado este martes, después de que se escucharan rumores de su regreso como grupo.Con dos fechas en Cardiff, cinco en Mánchester, otras cinco en Londres, tres en Edimburgo y dos en Dublín, tres de las cuales fueron añadidas el jueves por la amplia demanda, el grupo británico volverá a los escenarios en los meses de julio y agosto de 2025.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El disco Re de Café Tacvba fue lanzado el 22 de julio de 1994. Este álbum, el segundo de la banda mexicana, es considerado una obra maestra y un punto de inflexión en la música latinoamericana. Café Tacvba, formada por Rubén Albarrán (vocalista), Emmanuel del Real (teclados, guitarra, percusión y voz), Joselo Rangel (guitarra) y Enrique Rangel (bajo), ya había ganado notoriedad con su primer álbum homónimo, pero Re consolidó su reputación como una de las bandas más innovadoras y eclécticas de la región.El álbum fue producido por Gustavo Santaolalla, un renombrado productor argentino que ha trabajado con numerosos artistas de la música latina y ha ganado varios premios Grammy. Santaolalla jugó un papel crucial en la elaboración del sonido distintivo del disco, que mezcla una amplia variedad de géneros musicales.Re es conocido por su diversidad musical y su capacidad para incorporar y reinventar una variedad de géneros, incluyendo rock, punk, música electrónica, folk, música tradicional mexicana y otros estilos latinoamericanos. Cada canción del álbum tiene su propio estilo, lo que lo convierte en una experiencia auditiva ecléctica y sorprendente.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El título del álbum, Re, es una referencia a la segunda nota de la escala musical y sugiere un renacimiento o un nuevo comienzo, lo que refleja la intención de la banda de explorar nuevos territorios musicales y líricos. Las letras del álbum abordan una amplia gama de temas, desde lo cotidiano y lo personal hasta lo social y lo político.Este disco fue aclamado por la crítica y rápidamente se convirtió en un clásico del rock en español. El álbum fue muy bien recibido tanto en México como en otros países de habla hispana, y ayudó a Café Tacvba a ganar una base de seguidores internacional.Con el tiempo, Re ha sido reconocido por su influencia duradera en la música latinoamericana. En 2012, Rolling Stone colocó el álbum en el número uno de su lista de los "10 mejores álbumes de rock latino de todos los tiempos". El álbum no solo consolidó la posición de Café Tacvba en la escena musical, sino que también inspiró a una nueva generación de músicos a experimentar y fusionar géneros.El álbum contiene 20 pistas, algunas de las cuales se han convertido en himnos del rock latino. Algunas de las canciones más destacadas incluyen: El Ciclón, El Borrego, La Ingrata y Esa Noche.Re sigue siendo un referente en la música latinoamericana, un álbum que no solo desafió las convenciones de su época, sino que también sigue resonando con nuevas generaciones de oyentes. Su mezcla de estilos y su enfoque innovador lo han asegurado un lugar en la historia de la música como una obra verdaderamente influyente y atemporal.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Es difícil acumular calificativos para un grupo que lo ha atesorado todo a lo largo de su vida, aunque es cierto que, aunque el espíritu es el mismo, de la formación original solo queda Angus Young, que tiene ese capacidad innegable para hacerse protagonista en el escenario por encima del cantante solista, Brian Johnson.Sí es cierto que el sonido de la banda tapaba demasiado a la voz de Johnson, que se pasó las dos primeras canciones del show peleándose con la petaca hasta que un técnico se la colocó bien en mitad de ‘Back in Black’, igual que no cabe discusión en que, como le pasa a las grandes bandas, por mucho que saquen a la luz nuevos trabajos, la gente enloquece con sus clásicos de siempre, como ‘Thunderstruck’.Ropa de colegial, una gorra y Sevilla en su esplendorY todo ello en una Sevilla (sur de España) que les recibió con casi 40 grados a la sombra, lo que hizo que la ropa de colegial de Angus Young aguantase de una pieza tres canciones, no más. Eso sí, la gorra de Brian Johnson parecía atornillada a su cabeza, y de su voz iban saliendo ‘Have a Drink on Me’,‘Hells Bells’ o ‘A Shot in the Dark’, con esa duda que se siempre se tiene al escuchar al cantante de Dunston de cómo puede su garganta aguantar casi dos horas de espectáculo sin un otorrino cuidándole entre bambalinas.Puede que fuese por eso que le diese al público el protagonismo en los coros de ‘Rock 'n Roll Train’. A sus 76 años, lleva desde 1980 en el grupo, con la pausa de cuatro años en 2016 por unos problemas auditivos. Que esté considerado uno de los mejores vocalistas de Metal del mundo no es arbitrario.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La gira, por cierto, se llama ‘Power Up’, como su último álbum de estudio, que ha sido número 1 en ventas en 21 países, pero esas cifras no asustan a los “himnos” del grupo. Cuando han sonado los primeros acordes de ‘Highway to Hell’ todo el público se ha marchado a la vez a esa autopista al infierno que el grupo grabó en 1979. Son 45 años ya de el tema que puede resumir en menos de cinco minutos toda una trayectoria en los cinco continentes. Angus, por cierto, se puso unos cuernos rojos para mimetizarse con el público y hacer casi real la expresión de “el estadio se venía abajo”.Capítulo aparte para la comunión del público con el grupo. Y mención en negrita para el hecho de que muchos veinteañeros acudieran esta noche a verlos en directo, quizá por primera vez. El Olímpico sevillano era una amalgama de edades difícilmente vista en otro tipo de conciertos, o con otro tipo de grupos.Desde aquella noche en SidneyLa primera vez que AC/DC se plantó ante el público fue en la Nochevieja de 1973, en el Chequers Nightclub de Sydney (Australia). Ha pasado media centuria y no parece que quieran colgar las guitarras, pero sí da la impresión de que, de momento, va a ser difícil volver a verlos en suelo español.Pero mientras eso pasa, o no, entre ‘If You Want Blood You Got It’ y ‘For Those About to Rock’ Brian Johnson, Angus Young, Stevie Young, Chris Chaney y Matt Laug se han vaciado en el escenario del Olímpico de La Cartuja. A falta de la cifra oficial, el aforo rondaba los 60.000 espectadores.El sábado repiten y harán las maletas para tocar en Alemania, Italia, España, Países Bajos, Austria, Suiza, Inglaterra, Eslovaquia, Bélgica, Francia e Irlanda. Su autopista al infierno no tiene, de momento, ni límites de velocidad ni peajes.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Pese a esta afirmación, el líder del grupo fundado en Nueva Jersey en 1983, que debutó con su álbum homónimo en 1984, mantiene la esperanza de que regrese su género favorito, el cual reivindica con espíritu optimista y decidido en su 16 trabajo de estudio, a la venta el 7 de junio.John Francis Bongiovi jr., como se llama realmente, destila vitalidad en el sencillo 'Legendary', donde, a sus 62 años, canta sonriente acompañado de sus viejos amigos David Bryan y Tico Torres."Tengo lo que quiero porque tengo lo que necesito, tengo un puñado de amigos que me apoyan, estoy donde quiero estar", dice el roquero conocido antaño por su larga melena rubia, hoy más corta y blanca.En paz con su presente"Es totalmente el momento en el que estoy. Esto es suficiente para mí", dice a EFE en la sala de un hotel londinense. En la puerta, Torres, el batería de origen cubano, saluda amable en español."Creo que lo he logrado todo en cuanto a posición en las listas, el rugido de la multitud..., pero lo que realmente importa en la vida, cuando llegas a determinado lugar, es amar y ser amado. Y si tienes salud, has ganado el premio", declara.Casado con su novia de siempre, Dorothea Hurley, y padre de cuatro hijos, el músico reconoce que sus enormes éxitos le facilitan sentirse satisfecho, pero incide en que, "cuando escribes letras desde la pureza del corazón, la gente se identifica y las hace suyas"."Cuando pienso en 'Livin' on a Prayer' (1986), Tommy y Gina (los protagonistas de la canción) podían ser cualquier chico y chica, era la clásica historia" de una pareja que se enfrenta unida a la vida, rememora.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Bon Jovi admite también que 'Forever' es el primer álbum jubiloso tras un decenio duro para él y para el grupo, primero por la marcha del guitarrista Richie Sambora en 2013, luego su operación de laringe y después la pandemia global de covid.Según explica, 'This House is Not for Sale' (2016) fue un disco "de declaración de intenciones": "Después de que Richie nos dejara, teníamos mucho que demostrar", manifiesta.El impacto de la pandemia y la muerte del afroamericano George Floyd a manos de la Policía estadounidense le inspiraron a componer el sobrio '2020', un álbum, dice, de "comentario social".A estas circunstancias se sumó una operación en 2022 para arreglarle una cuerda vocal atrofiada, cuya recuperación "está siendo más larga de lo que pensaba".Aunque puede cantar, no sabe si será capaz de dar conciertos en directo. "Decidiré cuando esté seguro de poder hacerlo durante dos horas y media cuatro noches a la semana", declara a EFE.Según dice, esto no es un revés insuperable: "Disfruto de actuar pero no vivo para ello. No soy uno de esos tipos que necesitan el aplauso del público para sentirse validados. Si no estoy sano y no lo disfruto, no vale la pena".Reflexionando sobre la naturaleza del éxito, asegura que no se puede cuantificar, sino que es como cada uno lo vive. "En cada paso del camino piensas que es el gran momento, pero siempre hay otra montaña que escalar", afirma.Talento para el futuroEn su estado actual positivo, el vocalista y compositor de uno de los conjuntos más míticos de Estados Unidos confía en que el rock recuperará su antigua popularidad."Parece que el 'rock'n' roll' ha quedado desierto (...), pero quiero pensar que solo atraviesa un proceso de cambio", reflexiona."En los próximos 12 meses habrá importantes giras de la 'vintage' The Rolling Stones y la E Street Band, dos de las mejores bandas que se hayan subido a un escenario, y eso permitirá que la gente joven vaya, lo vea y aprenda", argumenta."No he perdido la esperanza de que el ciclo de la música regrese al 'rock and roll', que haya chicos y chicas jóvenes que se junten en grupos para tocar canciones que signifiquen algo para ellos, para luego compartirlas con el mundo".Jon Bon Jovi señala las habilidades como letristas de Ed Sheeran y Noah Kahan; Lainey Wilson y Jelly Roll en 'country' o Beyoncé y Taylor Swift. Se declara admirador de Inhaler, "la banda del hijo de Bono"."Hay talento en la nueva generación. Creo que el 'rock and roll' puede regresar, lo único es que tendrá que encontrar el rostro y el sonido correctos. Es mi esperanza", concluye.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"No tenemos los recursos que hay en Hollywood, pero tenemos la pasión", dijo en el Gran Teatro del Palacio de Festivales de la Croisette, en una clase magistral junto al productor independiente Diego Betancor (conocido por títulos como Élite o Respira, ambas en Netflix).Bayona puso como ejemplo principal el rodaje del tsunami para Lo imposible (2012), que se hizo en España a pesar de que no había precedentes en el país con una escena a semejante escala.De hecho, inicialmente fueron a Londres para rodarla, pero el presupuesto que les dieron ascendía a 11 millones de libras y solo contaban con dos. Así que decidieron volver a casa e intentarlo allí, concretamente en los estudios Ciudad de la Luz (en Alicante, en la costa mediterránea española).El rodaje de esa impactante escena tomó en total un año de trabajo, pero se logró sin emplear imágenes generadas por ordenador (CGI). "Tienes que tener gente apasionada si vas a rodar una escena durante un año", razonó Bayona.Betancor coincidió en la importancia de la pasión en el auge del sector audiovisual en los últimos años, pero añadió también otros dos factores clave en su éxito: actitud y experiencia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Respecto al éxito de sus historias, tanto Betancor como Bayona aseguraron que la clave para ellos parte siempre de encontrar una conexión especial con el material."Si es suficientemente fuerte, durará todo el largo proceso de hacer una película", precisó el también realizador de Jurassic World: el reino caído (2018) y El orfanato (2007). "Hay que escapar de las fórmulas porque no es alquimia", opinó, por su parte, Betancor.Bayona también habló de su necesidad de sentir un cierto miedo ante el proyecto, ya que nunca es igual de "satisfactorio" trabajar en algo que uno ya sabe que puede hacer."El miedo es algo muy enraizado en la tradición española, somos muy apasionados, pero el miedo también es algo que está en la tradición", reflexionó.Con experiencia también en televisión, como director de episodios de series como Penny Dreadful o El señor de los anillos: los anillos de poder, el director nominado a los Óscar por La sociedad de la nieve (2023) dijo que se considera más bien un cineasta, pero aseguró que no ve diferencias en la forma de contar historias. "No separo el lenguaje de la televisión y del cine porque para mí solo hay una forma de contar historias", sintetizó.Como país invitado de honor de esta 40 edición del Mipcom, que es el mayor mercado audiovisual del mundo, España ha organizado paneles, charlas y encuentros sobre las claves del 'boom' que la industria del cine y la televisión del país ha vivido en los últimos años, especialmente a raíz del éxito mundial de series como La casa de papel o Élite.También se han presentado en Cannes nuevas producciones españolas como el drama histórico Ena, sobre la reina Victoria Eugenia, de RTVE o avances de series futuras como Weiss & Morales.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
. A través de una mezcla de ironía, sutileza psicológica y crítica social, Machado de Assis abordó temas universales como la fragilidad humana, las ilusiones del poder y la transitoriedad de la vida. Su obra, caracterizada por un realismo muy particular, desafía los límites del canon literario de su tiempo y se erige como un pilar del pensamiento latinoamericano.La obra y su contextoMachado de Assis es conocido por su capacidad para desmantelar las convenciones literarias de su época. Mientras que el realismo europeo se centraba en el retrato social detallado y la vida cotidiana de las clases bajas y medias, Machado prefirió indagar en la psicología de sus personajes, a menudo pertenecientes a la clase alta de la sociedad brasileña de fines del siglo XIX. Obras como "Memorias Póstumas de Brás Cubas" (1881) y "Dom Casmurro" (1899) son algunos de los mejores ejemplos de su estilo, donde las narraciones se construyen en torno a la introspección, la ironía y el cuestionamiento de la realidad."Memorias Póstumas de Brás Cubas" destaca por su narrador peculiar, un hombre muerto que cuenta su vida desde el más allá. La historia está cargada de una mordaz crítica social, pero también de un existencialismo sombrío. A través de este recurso narrativo, Machado juega con la idea de que la vida carece de sentido trascendental, pero sin caer en el pesimismo absoluto.En "Dom Casmurro", la exploración de la subjetividad humana y la posibilidad del engaño resuenan a través del narrador, Bentinho, quien sospecha que su esposa Capitu le ha sido infiel. Lo notable es que la novela no da una respuesta definitiva, permitiendo que el lector decida si la traición ocurrió o si es producto de la paranoia del narrador. Este juego de ambigüedades y la crítica al egoísmo y la autocomplacencia son constantes en su obra.Principales característicasUna de las características más fascinantes de Machado es su estilo irónico, que permea tanto su prosa como la construcción de sus personajes. A diferencia de otros escritores de su época, no se preocupa tanto por crear héroes o villanos claros, sino más bien por mostrar la naturaleza contradictoria de sus personajes. Son profundamente humanos: egocéntricos, inseguros, a menudo ridículos, pero siempre reconocibles en su humanidad.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Otro rasgo distintivo de su obra es el uso de narradores poco confiables. A través de ellos, Machado subraya la relatividad de la verdad, lo que plantea una pregunta esencial: ¿podemos confiar en nuestra percepción de los hechos? Este cuestionamiento sobre la objetividad, común en el modernismo, se adelanta a su tiempo.Además, su obra muestra un rechazo a las estructuras lineales tradicionales de la narrativa. En "Memorias Póstumas de Brás Cubas", el relato avanza de manera fragmentada, jugando con saltos temporales y desviaciones anecdóticas que invitan al lector a reflexionar sobre la misma narración. Importancia en la literaturaMachado de Assis no solo es un pionero del realismo psicológico en la literatura de habla portuguesa, sino que también anticipa muchos de los debates del siglo XX sobre la subjetividad, la verdad y el poder de la narrativa. Su importancia radica en haber trascendido las fronteras de su contexto brasileño, influenciado por las tensiones políticas y sociales de la época, para abordar temas universales con una precisión que aún hoy resulta reveladora.Lejos de encasillarse en lo regional, su obra resuena a nivel global por su capacidad de interrogar la condición humana. Los dilemas morales, el autoengaño y la lucha entre las apariencias y la realidad siguen siendo inquietantes y profundamente actuales. Como escritor negro en un Brasil marcado por la esclavitud y la desigualdad racial, Machado también desafía las expectativas de su tiempo, logrando una complejidad literaria y social que lo coloca como un innovador en el campo del pensamiento crítico y literario.Al leer a Machado de Assis, uno no solo se enfrenta a las historias de la élite brasileña del siglo XIX, sino también a los dilemas universales de la naturaleza humana, siempre presentados con una mezcla de aguda ironía y compasión.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Según informa este martes la prensa polaca, Sapkowski aseguró en el foro "Juegos de la Libertad" en la ciudad de Lódz, que tiene listo "desde agosto" un nuevo libro con las aventuras de su personaje, pero que por razones de márketing y debido al embargo comercial de la editorial, no podía confirmar más detalles.La fecha de publicación del primero de diciembre fue avanzada recientemente por la revista polaca Nowa Fantastyka, la decana del género fantástico en Polonia, en cuyas páginas vieron la luz por primera vez las historias de Geralt de Rivia en 1986.Han pasado ya 11 años desde la publicación del hasta ahora último capítulo de las aventuras del brujo, La Estación de las Tormentas (SuperNOVA, 2013), y desde entonces se han sucedido las adaptaciones del universo creado por Sapkowski al cine, la televisión y los videojuegos, con tres títulos comercializados hasta el momento y varios más anunciados.El éxito que ha alcanzado el "wiedzmin" ("brujo", en polaco) ha trascendido la industria del entretenimiento y se convirtió en un fenómeno social hace unos años.El presidente del Gobierno polaco, Donald Tusk, entregó como regalo al presidente de Estados Unidos, Barack Obama, un videojuego de The Witcher (nombre en inglés del personaje") durante su visita oficial a Varsovia en 2011.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Además, una serie producida por Netflix y protagonizada por el actor Henry Cavill contribuyó a popularizar aún más el personaje y estrenará pronto una cuarta temporadaA lo largo de ocho libros, Sapkowski conjuga elementos de la historia medieval polaca con figuras del folclore tradicional centroeuropeo para alumbrar un universo en el que aún sobreviven criaturas como los duendes, los seres elementales y los basiliscos, que se ven relegados a un hábitat cada vez más reducido por la expansión y el progreso de la raza humana.Geralt de Rivia, que fue entregado a un brujo como pago por una deuda cuando era un niño, vaga por un mundo que está dejando atrás la era de la magia y se gana la vida con el empleo de sus dos espadas (una de hierro para luchar contra los humanos y otra de plata, para matar a algunas criaturas) y es testigo de cómo la crueldad humana supera con creces al instinto asesino de los monstruos.Con más de 15 millones de ejemplares vendidos y una popularidad que no ha decaído en más de una década, el anuncio de más aventuras del brujo polaco ha despertado una expectación inusitada aunque, de momento, lo único que se sabe es que Geralt de Rivia volverá en forma de novela porque, como le confesó Sapkowski a una emisora polaca, "las historias cortas resultan demasiado difíciles de escribir".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
De lo pagano a la devoción, entre el don y la disciplina, de lo clásico a la revolución musical, el virtuosismo de Franz Liszt lo sitúa como uno de los pianistas más destacados de la música clásica, junto a otros nombre como Robert Schumann, Felix Mendelssohn o Johannes Brahms.Liszt, nacido el 22 de octubre de 1811 en Raiding, por esa época Imperio austríaco, desde niño demostró su interés por la música y su talento. Su padre, Adam Liszt, era un talentoso músico, tocaba violonchelo y piano, en la orquesta de la corte del Príncipe de Hungría. Entre ensayos y clases, se convirtió en el primer maestro de su hijo, cuando este tenía apenas seis años. Con ocho años, tuvo sus primeras presentaciones en su pueblo natal; su padre lo llevó a presentarse en distintas cortes y escenarios, hasta que el pequeño Liszt fue tomando relevancia local. En 1820, un medio local escribió sobre una de sus presentaciones: “La extraordinaria destreza de este joven artista, así como su rapidez y facilidad para leer las piezas más complicadas de un vistazo mientras se las iban colocando, causó una verdadera admiración”. Con apenas diez años, él y sus padres se mudaron a Viena, capital músical que había visto el surgimiento de grandes músicos como Mozart, Beethoven y estaría por ver a otros como Strauss. Allí, aprendió técnica para piano con Carl Czerny, alumno de Beethoven y composición con Antonio Salieri, director de música de la corte vienesa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En Viena conoció a Beethoven y recibió su bendición y, según registra el diario El Clarín, con solo once años cautivó a un público con variaciones de su autoría sobre un vals de Diabelli, lo que lo llevaría a mudarse a París.Con casi doce años de permanencia en la capital francesa, Liszt se convirtió en un músico prodigio, en políglota también al dominar el alemán, el francés, el italiano y en menor medida el inglés. Conoció a Strauss y al “poeta del piano” Chopin, pero no fue sino hasta 1831 que un músico se convirtió en verdadera inspiración para su carrera. Ese año escuchó por primera vez a otro prodigio, pero no del piano, sino del violín, Niccolo Paganini, apodado “el violinista del diablo”, en ese instante, Liszt quiso ser para el piano lo que Paganini para el violín. Liszt fue maestro de piano, director de orquesta y promotor y benefactor de otros compositores y artistas, pero antes de llegar a esa etapa de su vida, y después del concierto de Paganini, compuso, estuvo de gira, se entregó a la fama y se dedicó a extender los límites de las presentaciones de piano hasta llevarlos a los recitales como los conocemos hoy en día. Hasta Liszt, se acostumbraba que las presentaciones de piano incluyeran las partituras y que el piano estuviera dispuesto de frente al público, pero él, decidió presentar sus obras de memoria y sentarse frente al piano, de tal forma que los espectadores pudieran ver todos sus movimientos, la disposición de su cuerpo y el frenesí que transmitía su postura en algunos momentos de su interpretación.Fue aclamado por el público, vivió de gira por unos años e incluso fue adquiriendo una fama de mujeriego y rompecorazones en las ciudades que visitaba. En 1840, Robert Schumann escribió sobre una presentación de Liszt: “Semejante capacidad para subyugar no puede comprobarse en otro artista, exceptuando a Paganini (...) Hay que escucharle y también verle: Liszt no podría de ningún modo tocar desde detrás de los bastidores, porque de esta forma se perdería gran parte de su poesía”.La pasión y energía desbocada que ponía Liszt en las teclas del piano se trasladó a sus seguidores, que asistían a sus recitales vibrantes e innovadores, eran sus fans, si se quiere decir, y desencadenaron la “lisztomanía” como denominaron al fenómeno musical que despertó el pianista, un término usado por el escritor y poeta Heinrich Heine para describir sus presentaciones en París. Sin embargo, la vida de estrella no perduró en el tiempo, pues para finales de la década de 1840 decidió terminar con las giras y multitudes para enfocarse en la academia y en sus composiciones. Fue director de música de la corte en Weimar, Alemania por alrededor de trece años, tiempo en el que compuso sus doce poemas sinfónicos. Además, en ese periodo fue amigo y defensor de la música de Richard Wagner, quien más tarde tomaría por segunda esposa a Cosima Liszt, hija del pianista, más tarde conocida como Cosima Wagner.Para 1861 Liszt dio por terminada su estadía en Alemania, para mudarse a Roma, donde dedicó sus composiciones y su arte a la religión, una vocación que retomó, pues aunque sintió un llamado religioso en su niñez, primó la música y la influencia de su padre hacia ella. En roma completó los oratorios Die Legende von der heiligen Elisabeth (1857-62) y Christus (1855-66), así como una serie de obras menores.Aunque no llegó a ser sacerdote, sí recibió las órdenes religiosas en un monasterio romano y fue nombrado abad. Entre sus obras más destacadas se encuentran su Sonata en Si Menor, de un único movimiento; el Concierto para Piano No. 1 en Mi bemol mayor, S.124 y las cuatro piezas para piano Mephisto Waltzes, inspiradas en Fausto de Goethe. Su devoción la retrató al escribir sobre su obra: "No compuse mi obra como quien se pone una vestidura eclesiástica... más bien brotó de la fe verdaderamente ferviente de mi corazón, tal como la he sentido desde mi infancia".El aporte de Liszt al desarrollo de la música clásica está impreso no solo en los recitales de piano actuales, sino en la música de artistas como Claude Debussy, Sergei Rachmaninoff, Camille Saint-Saëns y, por supuesto, Wagner, que se inspiraron en su estilo y composiciones. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Así lo asegura en una entrevista la directora general del Instituto Colombiano de Antropología e Historia (ICANH), Alhena Caicedo, quien valora que el país puede "darse el lujo de hacer una investigación que le permita contar la historia desde su punto de vista"."La historia siempre la han contado otros, gente de afuera: desde España, Europa, Estados Unidos, el norte global. Incluso aquí mismo los historiadores señalan que la historia la construyen y la escriben los ganadores de la historia. Tal vez necesitamos otras perspectivas, otro punto de vista", afirma.Nueva hipótesisUno de los resultados de la expedición científica 'Hacia el corazón del galeón San José' es una nueva hipótesis sobre el hundimiento del barco.Según la investigación, el galeón español no fue hundido por una explosión en el siglo XVIII, al ser atacado en el mar Caribe por corsarios ingleses, sino que pudo ser por otras razones, como una "mala reparación".La versión "oficial" del hundimiento proviene de tres capitanes ingleses que fueron juzgados por una corte marcial de Port Royal (que en la época era la sede del Gobierno británico en Jamaica) quienes aseguraron que el San José explotó repentinamente, esto con el objetivo de librarse de responsabilidades por no poder robar el cargamento del galeón.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Esa ha sido la historia y esa fue la versión que prosperó en el tiempo, que nos llegó a nosotros y básicamente la que se ha pensado que es la verdadera. ¿Qué pasa con esa versión de la historia? resulta que lo que han encontrado los historiadores es que es una versión construida, básicamente a partir de testimonios ingleses", explica Caicedo.Sin embargo, los investigadores colombianos han revisado este año más de 250 expedientes y señalan que hay testimonios que desmienten a los ingleses, como el del marinero Pedro García de Asarta, que dijo haber escuchado el ruido del hundimiento de una nave, pero no oyó ninguna explosión.Este marinero de la época señaló que "el hundimiento se dio por una mala reparación del Galeón San José, derivada de un accidente que se dio en el viaje de Cartagena a Portobelo (Panamá)"."Un poco lo que han hecho los historiadores es revisitar esa idea y contrastar otro tipo de fuentes que habían sido consultadas efectivamente por investigadores, pero a las que no se les había dado el peso que en este caso se les está dando", precisa la directora del ICANH.Postura novedosaEl San José, que pertenecía a la Armada española, fue hundido, según crónicas de la época, con cerca de 11 millones de monedas de ocho escudos en oro y plata que había recogido en la feria de Portobelo.Luego del anuncio del hallazgo del pecio surgieron disputas entre Colombia y España, ya que ese país aduce que por tratarse de "un barco de Estado", con su bandera, le amparan las normas de la Unesco para reclamar su titularidad.El Gobierno del presidente colombiano, Gustavo Petro, decidió tratar el galeón como patrimonio cultural y "objeto de investigación científica", cuyo primer resultado, explica Caicedo, fue establecer que "el pecio que está a 600 metros de profundidad no había tenido ninguna intervención ni nadie lo había saqueado y no había sido parte de un complot para destruirlo ni nada por el estilo, está integral"."Este proyecto de investigación es complejo y por lo tanto tiene una larga duración. Esto no se va a resolver en un año y es un proyecto de investigación que además tiene diferentes fases. Nosotros estamos en la primera fase", afirma la funcionaria.Esta iniciativa, cree Caicedo, permite "abrir una veta nueva de la investigación científica en Colombia, en lo que tiene que ver con patrimonio cultural sumergido"."Estamos abriendo un campo de investigación que había sido súper marginal y muy poco explorado en Colombia, y en general en América, y hablar de patrimonio cultural sumergido tiene que ver con volver los ojos sobre el agua, los mares, los ríos, las lagunas y entender también qué información podemos tener ahí sobre el pasado del territorio", concluye.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.