El documental 'Beatles ’64', dirigido por David Tedeschi y producido por Martin Scorsese, se centra en esta primera visita y relata con anécdotas de todo tipo e imágenes inéditas cómo la fiebre de la "beatlemanía" se fue extendiendo por el país. Además, ahonda en lo que significó para John Lennon (1940-1980), Paul McCartney, George Harrison (1943-2001) y Ringo Starr llegar a un país que les había influenciado tanto musicalmente.Para relatar este tour, el documental remasterizó las imágenes cotidianas del cuarteto que los documentalistas y hermanos Albert y David Maysles filmaron sin parar durante aquel viaje -como la banda leyendo con detalle lo que la prensa estadounidense decía del grupo, o las constantes bromas que se hacían entre ellos-; así como ruedas de prensa, entrevistas y los conciertos que la banda dio.Del Hotel Plaza a Harlem "Parte de lo extraordinario de la película es que captura a los Beatles como eran", anota Tedeschi desde la planta doce del Hotel Plaza de Nueva York, la misma en la que The Beatles pasaron sus primeras noches en la Gran Manzana.El director anota que en el documental -que se estrenará el 29 de noviembre en Disney+- la cantante Ronnie Spector relata cómo los británicos le confesaron sentirse "atrapados" en el lujoso hotel al estar "rodeados de miles de fans", y por ello en sus visitas Ronnie decide sacarlos de allí para hacerles descubrir la ciudad."Los lleva a un asador en Harlem, sabiendo que nadie los reconocería allí. Por supuesto, ellos querían ver Nueva York. No tenemos el metraje de The Beatles en Harlem, pero (la anécdota) nos da un indicativo de lo que buscaban", anota Tedeschi.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa beatlemanía para ‘curar’ el duelo por el asesinato de KennedyLo que sí se ve en el documental de 106 minutos son los constantes gritos de los fans y cómo muchas chicas jóvenes les esperaban a la salida del hotel o incluso intentaban -sin éxito- colarse en sus habitaciones."Era como estar en el ojo de un huracán, nos estaba pasando y era difícil verlo", explica John Lennon en una de las entrevistas de la cinta.Por su parte, Ringo Starr, que fue entrevistado por Scorsese para el documental, recuerda ese momento de euforia por la banda como ellos siendo "los normales" y el resto del mundo siendo los "locos".Paul McCartney da una pista de por qué esa euforia: según él, tuvo que ver que en el momento de su llegada a EE. UU., solo habían pasado tres meses desde el asesinato del presidente John F. Kennedy. Entonces, la nación estaba inmersa en el duelo y necesitaba algo positivo y alentador."Necesitaban algo como The Beatles que levantase el ánimo y dijese: 'La vida sigue'", anota en la cinta el cantante.La influencia de EE.UU. en la bandaEn su viaje, la banda recorrió Nueva York, Washington, D.C. y Miami. A los dos días de llegar tocaron en el programa 'The Ed Sullivan Show' sus canciones: 'She Loves You', 'I Saw Her Standing There', 'All My Loving', 'Till There Was You' y 'I Want To Hold Your Hand'. Actuación que cautivó a más de 73 millones de espectadores, lo que se tradujo en el evento televisivo más visto de su época.Pese a que durante el documental se ve cómo la banda solía hacer bromas sobre el acento de los norteamericanos y de lo eufóricos que eran al hablar, también se ilustra la gran influencia de EE. UU. en la música del grupo de Liverpool.Paul McCartney recuerda que la primera vez que tocaron 'She Loves You' fue a su padre, quien pidió que cambiasen el "yeah" del estribillo por "yes", para evitar "americanismos". Algo que la banda se negó a hacer.Uno de los ídolos de The Beatles era Smokey Robinson, quien anota en una entrevista que ellos fueron el primer grupo blanco al que escuchó decir: "Sí, crecimos escuchando música negra"."(The Beatles) tenían un aprecio por la música estadounidense que los estadounidenses ni siquiera tenían. Esa es una de las cosas que se pone de manifiesto en la película", anota Margaret Bodde, productora del documental.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Será la primera vez que los miembros de la banda británica compartan "su extraordinaria historia en sus propias palabras", señala un comunicado hecho público este martes por Apple Original Films.Mick Fleetwood, John McVie, Christine McVie, Lindsey Buckingham y Stevie Nicks formaron el grupo tras un encuentro fortuito en 1974 y en esta película reflexionarán "sobre sus cincuenta años de historia, desde sus primeras grabaciones y giras de récord hasta la actualidad".El documental explorará los altibajos de su carrera y analizará lo que cada uno de sus miembros aportó para lograr una unión musical que ha vendido más de 220 millones de discos en todo el mundo.Y también "qué los mantuvo unidos cuando todas las presiones posibles, tanto fuera como dentro de la banda, amenazaban con romperlos"."Estoy fascinado por cómo surgió esta historia increíble de enormes logros musicales. De algún modo, Fleetwood Mac lograron fusionar sus vidas personales, a menudo caóticas y casi operísticas, con su propia historia en tiempo real, que luego se convirtió en leyenda. Esta será una película sobre la música y las personas que la crearon", explica Marshall en el comunicado.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíMientras que el productor Nicholas Ferrall resaltó que "Fleetwood Mac son un fenómeno musical con una alquimia casi más allá de la comprensión".Por ello, aseguró que desde White Horse -productora del filme junto a The Kennedy/Marsahll Company- están "enormemente agradecidos por la extraordinaria oportunidad de producir un documental que profundiza tanto en los talentos de cada miembro de la banda como en la magia que es Fleetwood Mac en su conjunto".Un filme, sin titulo ni fecha de lanzamiento confirmados, que continúa la lista de documentales de Apple, como 'La vida de Michael J. Fox' ('Still'), 'Selena Gomez: mi mente y yo' ('Selena Gomez: My Mind & Me') o '¡STEVE! (martin): un documental en 2 partes' ('Steve! (Martin): A Documentary in 2 Pieces ').🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La banda estadounidense de Nu Metal Linkin Park actuará en México, Brasil, Perú, Chile, Colombia y Argentina durante la gira mundial de 2025 y lo hará con su nueva vocalista, Emily Armstrong, anunció este jueves la agrupación en su cuenta de Instagram.Armstrong se unió al cofundador de la formación, Mike Shinoda, tras el fallecimiento de su vocalista principal, Chester Bennington, en 2017.La gira comenzará con tres conciertos en Ciudad de México (31 de enero), Guadalajara (3 de febrero) y Monterrey (5 de febrero), para después viajar a Estados Unidos, Asia y Europa.Volverá a Latinoamérica con actuaciones en Bogotá (26 de octubre), Lima (29 de octubre), Buenos Aires (1 de noviembre), Santiago (5 de noviembre), Río de Janeiro (8 de novimebre), São Paulo (10 de noviembre), Brasilia (13 de noviembre) y Porto Alegre (15 de noviembre), donde cerrará la gira.Denominada From Zero World Tour, la gira supone el inicio de una nueva etapa para la agrupación, que volvió a los escenarios en 2024 después de siete años de pausa con unas presentaciones introductorias por Estados Unidos, Reino Unido, Francia, Corea del Sur, Colombia y Brasil, en las que Armstrong debutó como cantante.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEl nuevo álbum del grupo, From Zero, del que ya han lanzado algunas canciones, pero que se publicará en su totalidad este 15 de noviembre, será el primer disco con Armstrong y también el primero desde la muerte de Bennington.El cantante y compositor se suicidó a los 41 años, dos semanas después de su última actuación, que fue el 6 de julio de 2017 en el Barclaycard Arena de Birmingham, en Inglaterra.La gira de presentación del disco contará con la colaboración de artistas como Queens of the Stone Age, Spiritbox, AFI, Architects, Grandson, Jean Dawson, JPEGMAFIA y PVRIS como teloneros.La salida a la venta de las entradas para los conciertos en Latinoamérica se anunciarán próximamente, y las de las actuaciones en Norteamérica y Europa se podrán adquirir el 21 y el 22 de noviembre, respectivamente, pero los miembros del club de fans podrán acceder a la preventa a partir del 18 de noviembre. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por LINKIN PARK (@linkinpark)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El concierto Monsters of Rock regresará a Bogotá tras su primera edición en el 2023, el evento fue uno de los más taquilleros en esa primera edición ya que contó con la participación de bandas como Kiss, en su último concierto en el país. Esta nueva edición fue anunciada por Páramo Presenta mencionando las bandas que estarán en este evento: Scorpions, Judas Priest, Europe, Opeth, Darkness y Kronos.En esta ocación Europe visitará por primera vez Colombia y será el reencuentro con Scorpions y Judas Priest. 💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíMonsters Of Rock se posicionó como uno de los eventos de rock más importantes del año en el 2023 por el hecho de traer a bandas fundamentales para el género y haber sido uno de los eventos entre la gira de despedida de Kiss. La nueva edición será el 30 de abril de 2025 en el Coliseo Medplus en la ciudad de Bogotá. LaLas entradas estarán disponibles en preventa para el Banco Falabella desde el 15 de noviembre y a público general desde el 18 de noviembre en taquillalive.com🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Flautas, violines, guitarras y acordeones han hecho que la música de Mago de Oz sea diferente e inconfundible desde finales de los años ochenta, cuando empezaron a llevar el rock y el metal por sendas inexploradas en nuestro idioma.Quien escucha La danza del fuego, por ejemplo, no solo se adentra en los ritmos de una banda insignia del rock en español, sino que puede transportarse a través de la música a escenarios medievales y fantásticos, de hadas, rituales y cerveza, como las tabernas de La comarca, en El señor de los anillos, de Westeros, en Juego de Tronos o a una fogata en los bosques escandinavos de Vikingos.Inspirados en la banda de heavy metal Iron Maiden, en 1988 nació Transilvania 666 una banda de rock española integrada por el baterista y compositor Jesús María Hernández Gil, conocido como Txus Di Fellatio, la voz de Juanma Lobón, el guitarrista Piter, el bajista David y el tecladista Alfonso.En cuestión de meses, la agrupación pasó a llamarse Mago de Oz, en alusión al cuento fantástico del escritor Lyman Frank Baum. En sus primeros años, Mago de Oz fue buscando un sonido propio, que viajaba entre el rock y el folk, con un sonido particular proveniente de la música celta y de los ritmos folclóricos de Europa. Pero no fue sino hasta 1992 que el violín llegó a la banda de la mano de Carlos Prieto, conocido como Mohamed, dándole el sonido característico a sus canciones. Aunque no son pioneros en esta fusión de ritmos, sí acercaron este ritmo al habla hispana, otras bandas representativas del folk metal son las irlandesas Primordial y Cruachan.De esta formación inicial, a Rock al parque llegarán Di Fellatio y Mohamed, quienes se mantienen en el grupo junto a nuevos músicos. A lo largo de sus 36 años de trayectoria, por Mago de Oz han pasado al menos treinta y dos músicos, convirtiendo a estos dos artistas en la base principal de la banda, siendo Di Fellato el compositor de la mayor parte de las canciones.Después de tocar en bares de Madrid y componer sus primeras canciones, Mago de Oz lanzó en 1994 su primer álbum, homónimo, que pese a no tener un éxito inmediato dejó para la posteridad la canción del mismo nombre del álbum, casi diez minutos de una fiesta que fusiona la música celta, con el rock y el jazz. Desde entonces la banda ha grabado 18 álbumes de estudio y hecho alrededor de 29 giras llevando fiesta, rock, imaginación y crítica social por el mundo.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíJosé Andrea y los mejores años de Mago de OzEn 1995 se consolidó la que muchos consideran como la mejor formación que ha tenido Mago de Oz, con la llegada del músico boliviano-español José Mario Martínez Arroyo Gonzalez, conocido como José Andrea, vocalista de la banda hasta 2011. Junto a él, Txus y Mohamed estarían el bajista Salva García, los guitarristas JC Marín y Frank y desde 1999 el flautista Fernando Ponce de León.La voz aguda y potente de José Andrea es un referente en la música de Mago de Oz y con la que se acompañó el inició discográfico de la banda álbumes conceptuales.Aunque fue con el disco Finisterra (2000) que la banda se catapultó a la fama, dos álbumes previos fueron trascendentales para marcar su estilo musical y su imagen. En 1996, ya con Andrea, estrenaron Jesús de Chamberí, que pese a no tener una canción que se considere un himno de la agrupación, mostró la capacidad musical de la banda.Además está presente en las catorce canciones que lo componen el interés por hacer crítica social, explorar nuevos ritmos y, en este caso, provocar al público con una letras que cuestionan y desafían a la iglesia como institución, sus prácticas corruptas y la doble moral.Siguiendo con los discos conceptuales, en 1998 el mundo conoció La leyenda de la mancha, álbum inspirado en la obra literaria Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes. Con un rock más pesado, este álbum trajo consigo Molinos de viento, una de las canciones más representativas del grupo y que hace parte de un viaje entre el idealismo y la búsqueda de justicia por la que transita el disco.Por fin, con el inicio de siglo llegó Finisterra, considerado el mejor disco de Mago de Oz, incluido en la lista de “25 Grandes discos del metal iberoamericano” de la revista Rolling Stone. Este álbum marcó el éxito de la banda, y también determinó que sería una banda de amores u odios.Con calaveras y diablos, ritos satánicos, gaitas y críticas hacia las instituciones religiosas este álbum ofrece varios éxitos que se espera interpreten en su presentación en Bogotá. Desde canciones festivas como Hasta que el cuerpo aguante, otras más nostálgicas como La danza del fuego y los himnos Finisterra y Fiesta Pagana.El tercer y último hito de Mago de Oz con la voz de Andrea fue la trilogía de álbumes Gaia, publicados en 2003, 2006 y 2010 respectivamente, en la que abordan temas históricos como la colonización española en territorio mexicano, los desmanes de la Inquisición y abre su camino a tocar otros temas como la destrucción del medio ambiente y los efectos del capitalismo desenfrenado.Así llega Mago de Oz a Rock al parque 2024La presentación de Mago de Oz en el cierre de Rock al parque en el escenario principal este 11 de noviembre, significa la segunda presentación de la banda española en Bogotá después de su concierto el pasado mes de mayo. En ese mes también visitó Medellín y Cali dentro de su gira Feliz no cumpleaños.Pese a la salida de Andrea y la constante rotación de músicos, Mago de Oz se ha mantenido activa, publicando seis discos más desde entonces y explorando una nueva etapa con Javier Domínguez, Zeta, como vocalista hasta 2023.Aunque con el paso de los últimos años ha perdido vigencia, Mago de Oz tiene en su repertorio que apela a la nostalgia y a la rebeldía que marcó a algunas generaciones durante la primera década de los 2000.En su presentación en Bogotá, los asistentes vibrarán con esos clásicos y también escucharán en vivo lo nuevo de la banda con canciones de su álbum estrenado este año Alicia en el metalverso. En este disco están los músicos que se presentará, Rafa Blass, vocalista; los guitarristas Jorge Salán, Victor de Andrés y Ix Valieri; el bajista Fernando Mainer; Diego Palacio en los vientos, Francisco Antonelli como tecladista y claro, Di Fellatio y Mohamed.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Rock al Parque llega de nuevo a Bogotá con uno de los eventos más grandes de toda América Latina, con más de 50 bandas el Simón Bolívar retumbará al sonido del rock y de los fanáticos que se reunen cada año en el rito de la música.Dentro de las bandas y artistas que se presentarán este fin de semana, solo hay una cuota de seis artistas mujeres, esto nos abre la pregunta de ¿qué está sucediendo con la participación femenina en este tipo de eventos? Mientras se resuelve esa duda, les traemos las recomendadas de esta nueva edición de Rock al Parque.DoroLa cantante de heavy metal Dorothee Pesch es más conocida por su nombre artístico Doro, comenzó su carrera en la década de los 80 e hizo parte de bandas como Warlock y Snakebite, luego se dedicó a su carrera como solista. Doro fue una de las pioneras del metal en sus inicios y dio giras por toda Europa en los 90, grabó algunos discos en Estados Unidos, sin embargo, su auge se concentró más en Alemania y sus alrededores. Hasta ahora tiene más de veinte álbumes de estudio y se corona como la mejor cantante de metal viva. Doro se presentará en Rock al parque el domingo 10 de noviembre en el escenario Bio a las 8:40 p.m.Fabiana CantiloCantilo es una de las figuras femeninas más reconocidas en el rock argentino, ha trabajado con leyendas como Charly García y Fito Páez, hizo parte del grupo musical Los Twist y comenzó su carrera en los 80 con la banda Bay-Biscuits. En el 2023 realizó una gira por Europa en la que tuvo varios shows sold out como en Madrid, Girona, Barcelona, Tenerife, París, Londres y Dublín. Se presentará en Rock al parque el lunes 11 de noviembre en el escenario Bio a las 7:35 p.m.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLilithLilith es conocida por ser una de las primeras bandas compuestas solo por mujeres en Colombia que exploró los sonidos del hard rock y el rock contemporáneo. Su creación en los 2000 ha sido inspiración para otras mujeres que quisieron encaminarse por el rock, comenzaron haciendo covers de artistas como Alanis Morissette y Cranberries para después comenzar a grabar su propia música. Se caracterizan por mezclar géneros y por tener un toque melancólico en sus letras, se presentarán en Rock al parque el lunes 11 de noviembre en el escenario Eco a las 4:45 p.m.Gabriela PonceGabriela Ponce es una de las voces más prometedoras de la nueva ola de artistas colombianos, Ponce es egresada del programa de jazz de la Universidad Nacional de Colombia. Su habilidad con los instrumentos como el clarinete y su voz han creado el álbum El sur del ser, lanzado en el 2023. En el marco de su disco hizo 22 conciertos en Colombia y ahora cantará el lunes 11 de noviembre en el escenario Bio a las 2:30 p.m.HighwayEsta es otra banda solo conformada por mujeres, iniciaron en el año 2005. Su discografía incluye el LP Predicción Fatal (2008), con una edición especial lanzada en México, y los sencillos Sadismo, Placer y Odio (2015), Aileen (2016), Contracaras (2018) y No Eres Tan Fuerte (2019). Ahora, la banda está promocionando su nuevo LP, Viral, producido por Pyngwi (Don Tetto, The Mills, Rocka) y lanzado en octubre de 2023. Se presentarán el sábado 9 de noviembre en el escenario Bio a las 6:15 p.m.Linda habitanteLinda Habitante es una cantante de género alternativo que fusiona en su música rap, flamenco, rock, ritmos latinoamericanos y sonidos tradicionales de Colombia. Su sello distintivo es el uso de live voice looping, una técnica que crea capas de su propia voz en vivo. Su sello es innovar con ritmos de música colombiana. Se presentará en Rock al parque el lunes 11 de noviembre en el escenario Bio a las 2: 55 p.m.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Durante la noche de este 5 y 6 de noviembre el Movistar Arena de Bogotá se convertirá en el escenario de uno de los principales conciertos de rock que recibe el país este año. Durante dos noches más de 25 mil personas vibrarán al ritmo de éxitos de Slipknot como Duality, Pshychosocial y Wait and bleed.El paso por Bogotá de la banda nacida en 1995 en Iowa, Estados Unidos, después de visitar Brasil, Paraguay, Argentina, Perú y Chile, hace parte de la gira con la que Slipknot celebra el aniversario número 25 de su álbum homónimo, estrenado el 29 de junio de 1999. Tras su paso por Colombia, visitará México para cerrar el tour por Latinoamérica.Los enmascarados, que a través de los años se han consolidado como unos de los principales exponentes del metal, cuentan con siete álbumes de estudio, dos en directo y cuatro en video, entre su producción musical.Reconocidos en la cultura popular por llevar máscaras, que evolucionan a la par que su música, y uniformes que enumeran a cada integrante, la banda se caracteriza por llevar un estilo agresivo que mezcla varios subgéneros del metal, como el nu metal y el metal alternativo, y es conocida tanto por su música intensa como por su estética única.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíSi no tiene presente el estilo musical de la banda, puede asociarlo con la banda sonora de películas como Resident Evil, donde contribuyen con sus canciones My plague y Vermilion; con Snap en la entrega crossover Freddy contra Jason, o con Vermilion Pt. 2 en Inframundo: evolución. A continuación, le contamos sobre los cinco discos principales de la banda, teniendo en cuenta su año de estreno.“Slipknot” (1999)Este es el álbum debut de la banda y con el que llevaron su música a la escena internacional a través de sonidos intensos y oscuros. Con este álbum, los nueve integrantes de la agrupación dieron a conocer su imagen enigmática y aterradora, enmarcada con la voz de Corey Taylor en una musicalización densa y pesada con futuros éxitos como Wait an bleed, Spit it out, Surfacing y Eyeless.“Iowa” (2001)El segundo disco de Slipknot representa una evolución hacia un sonido más crudo y pesado de la banda, en el que abandona algunos de los elementos melódicos presentes en su primer álbum. Lanzado el 28 de agosto de 2001, es ampliamente considerado uno de los discos más oscuros y extremos de la banda. Este álbum profundiza en temas de dolor, desesperación y odio, reflejando las dificultades personales y emocionales que los miembros de Slipknot atravesaban en ese momento.Con quince canciones, esta grabación tiene un cierre particular con Iowa, canción que le da el título y tiene una duración de 15:03 minutos en los que la banda explora los aspectos más oscuros de la psique humana.“Vol. 3: (The Subliminal Verses)” (2004)El tercer álbum de estudio de Slipknot mostró una evolución en el sonido de la banda, explorando nuevas direcciones sin perder la intensidad que los caracteriza. El disco fue producido por Rick Rubin, un reconocido productor que, en este caso, ayudó a Slipknot a ampliar su rango musical. Con canciones más suaves y melódicas con esta producción la banda llegó a un público más amplio.Además, en este disco se encuentran algunos de los himnos de la agrupación como Duality, Vermilion y Vermilion Pt. 2 y la ganadora del Grammy en la categoría de Mejor interpretación de metal Before I forget.“All Hope Is Gone” (2008)Este álbum es especial en la trayectoria de la banda, no solo porque tiene un sonido todavía más melódico, sino porque fue el último en el que participaron el bajista Paul Gray (quien falleció en 2010) y el baterista Joey Jordison (quien dejó la banda en 2013 y falleció en 2021). Además, fue el primer álbum de Slipknot en debutar en el número uno en el Billboard 200, consolidando su éxito en la escena musical. Psychosocial, una de las canciones insignias de Slipknot es el sencillo más famoso de este disco.The End, So Far (2022)Estrenado el 30 de septiembre de 2022, este es el séptimo álbum de estudio de Slipknot y el más reciente de su discografía. Como su nombre lo indica esta producción de doce canciones simboliza un aparte en la trayectoria de la banda, pues fue el último con la participación de Craig Jones y Jay Weinberg antes de su salida de la banda en junio y noviembre de 2023 respectivamente, y también es el último álbum de la banda con el sello discográfico Roadrunner Records, que los acompañó desde su debut.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La sala Troxy de la capital británica, de estilo 'art deco' y con cierto aire decadente, fue el escenario escogido por Robert Smith, Simon Gallup, Jason Cooper, Roger O´Donnell y Reeves Gabrels para corroborar su vuelta a la primera línea de la música. Y no defraudaron.Los de Crowley dieron un concierto de tres horas, conformado por un repertorio de 31 canciones en los que la banda presentó sus más recientes temas, pero también recordó algunos de los grandes éxitos de su casi medio siglo de carrera ante unas 3.000 personas.Y salió Robert Smith, con sus 65 años, sus pelos alocados, sus ojos pintados y demostró que la estrella de su guitarra Schecter no era la única que había sobre ese escenario, porque la voz del británico sigue incombustible y consiguió que, para muchos, esta noche se detuviera el tiempo y regresaran a sus años de juventud.La primera parte del concierto sirvió de carta de presentación de Songs of A Lost World y reprodujeron, en el mismo orden, las ocho canciones de su último disco, que comparadas con el resto de su discografía reafirman el cariz más introspectivo y oscuro que The Cure ha tomado en este álbum.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíGanan mucha más presencia en directo las largas introducciones musicales, a base de pianos, guitarras y sintetizadores, mientras un desgarrador Smith confiesa en 'All I Ever Am' que ha "perdido" toda su vida reflexionando sobre el tiempo y los recuerdos y se pregunta en qué momento aquel niño que quería comerse el mundo ha envejecido tanto en End Song.Tras un breve intermedio, The Cure volvió a las tablas y el público londinense enloqueció al escuchar los acordes de Plainsong, Lovesong o High y, escuchando sus letras con perspectiva, sorprende que ya en 1989 sus canciones hablaran de la vejez.La parte final fue, en parte, un homenaje a Seventeen Seconds, su segundo disco de estudio (1980), que cumplirá 45 años en 2025 y por supuesto no faltó el himno gótico A Forest y otros temas como At Night, M o Play for Today.Este concierto tenía que ser un viernes. Es el día de la semana que más alegrías ha dado a la banda británica y es el día en el que decidieron cantarle al amor en Friday, I´m In Love y que, con tan solo escuchar las primeras notas, levantó de sus asientos a todo el público.El colofón llegó de la mano de Boys Don´t Cry y puede que su canción asegure que los chicos no lloran, pero Smith se despidió con un "Gracias. Nos vemos pronto" y se llevó las manos al pecho mientras el público aplaudía incesante y coreaba su nombre. Porque The Cure está de vuelta y la espera de dieciséis años ha merecido la pena.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este trabajo es el decimocuarto álbum de estudio del grupo que alcanzó su esplendor en las décadas de 1980 y 1990 con éxitos como "Boys don't cry", "Close to me" y "Friday I'm in love"."Songs of a lost world" se lanza en vinilo, CD, casete y en plataformas digitales.El líder del grupo, Robert Smith, mantiene a sus 65 su estilo único, con el pelo alborotado y rímel alrededor de los ojos.Las primeras críticas han sido muy positivas, como la del diario The Guardian, que consideró que "Songs of a lost world" es el mejor álbum del grupo desde "Disintegration" en 1989."El grupo está en su apogeo artístico: melancólico y conmovedor, con un sonido de percusión que coincide con el impacto emocional de la letra", escribe el diario.En "Songs of a lost world", Robert Smith canta sobre la melancolía, habla de la muerte y del duelo posterior.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí"Lamentablemente, la muerte está cada día más presente. Cuando eres más joven, la romantizas. Luego empieza a sucederle a tus familiares y amigos y es una historia diferente", dijo Robert Smith a BBC antes del lanzamiento del álbum."Dura unos 50 minutos y terminas en un lugar diferente de donde empezaste. Espero que la gente responda", añadió Smith, en otra entrevista publicada en la página de YouTube de la banda.The Cure no había lanzado un disco desde 2008, con '4.3 Dream'."Decir que era largamente esperado no alcanza a hacer justicia al nuevo álbum de The Cure. Songs of a Lost World es un álbum que se ha prometido, rumoreado, ofrecido, provocado, anhelado, e imaginado. Los fans de la banda han pasado 16 años encendiendo velas y rezando por este trabajo", afirma la prestigiosa revista musical 'RollingStone'.El grupo, formado en 1976 en Crawley, en el sur de Inglaterra, que ha vendido más de 30 millones de álbumes en todo el mundo, sigue llenando salas y estadios.En julio de 2018, The Cure celebró sus cuarenta años de carrera con un concierto en Hyde Park, en Londres, ante 65.000 personas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La nueva banda de rock y metal, The Yagas, estrenó su primer sencillo The crying room, con la sorpresa de que su vocalista es la artista estadounidense Vera Farmiga, conocida a nivel mundial por su rol protagónico en la saga de películas de terror de El conjuro, que estrenará su cuarta entrega en 2025. A través de sus redes sociales Farmiga dio a conocer su debut en una nueva faceta, ahora como cantante, pues además de ser actriz, también ha incursionado en la dirección y producción de cine y en la danza. En este nuevo proyecto musical, donde ella es la voz principal, la acompañan como integrantes de la banda su esposo, Renn Hawkers, Jason Bowman en la batería, el guitarrista Mark Visconti y Mike Davis en el bajo.Desde el pasado marzo, la actriz anunció en sus redes la creación de The Yagas como banda, sin muchos detalles, pero fue hasta este 25 de octubre que se estrenó el primer sencillo de la banda, The crying room, una canción que podría clasificarse entre el metal alternativo y el new wave.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEsta canción, escrita conjuntamente por todos los integrantes de la banda en compañía de Acacia Ludwig, esposa de Bowman, habla del sentimiento de frustración, del temor y el diálogo interno entre creer en la luz o entregarse a la desazón, es una dedicatoria a la libertad y una invitación a correr riesgos."Los humanos somos capaces de quedarnos atrapados en nuestras sombras de vez en cuando. Es en este equilibrio de las dualidades, una eclipsando literalmente a la otra, que tenemos la oportunidad de mirar profundamente en nuestros corazones y lo que está sucediendo internamente y sacarlo a la luz. No importa lo oscuro que sea", escribió Farmiga en un comunicado. Además, el video musical que acompaña la canción no solo tiene a la actriz como protagonista de un viaje entre el luto, el bosque y un eclipse, sino que al final tiene una dedicatoria particular que llama la atención: “Este video está dedicado a las personas valientes de Ucrania”.Esta dedicatoria se entiende no solo como una muestra de activismo por parte de la banda, sino de apoyo a su gente, pues Farmiga, pese a haber nacido en Estados Unidos, el 6 de agosto de 1973, es de ascendencia ucraniana, sus padres emigraron desde el país europeo a América. En otras ocasiones, la artista ha mostrado su solidaridad frente al pueblo ucraniano, como en 2022 cuando publicó en sus redes sociales, en ucraniano, la bandera del país y algunas líneas del himno nacional entre las que reza "Todavía no está muerta Ucrania y gloria y voluntad / Sin embargo, para nosotros, los hermanos de la juventud, el destino sonreirá”.Escuche aquí el debut musical de la artista, quien también se ha destacado por su participación actoral en Bates motel, La huérfana, Los infiltrados y la comedia romántica Amor sin escalas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Hemos de reconocer que la pérdida de patrimonio cultural en Palestina es algo sistemático e intencionado. Hago un llamamiento para que haya responsabilidad, justicia y acciones que confronten este genocidio cultural", dijo la delegada ante la decimonovena sesión del Comité Intergubernamental para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Unesco, celebrada en la ciudad paraguaya de Luque.La representante aseguró que "todos los aspectos" de la Convención para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Unesco 2003 han sido amenazados por la guerra que se libra en la Franja de Gaza.En ese sentido, expresó la necesidad "urgente" de una "acción internacional unificada" y permanente para proteger el patrimonio cultural palestino."La comunidad internacional, incluida la Unesco, debe intensificar sus esfuerzos para salvaguardar el patrimonio palestino y apoyar la resiliencia y creatividad de los artistas que siguen inspirándonos pese a esta situación difícil", instó la diplomática, que hizo un llamado a Israel a que "cesen las acciones militares contra las instituciones culturales palestinas y los artistas".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEntre los 28 artistas y escritores fallecidos desde el ataque del grupo radical Hamás, que dio inicio a la guerra el 7 de octubre de 2023, Taweel recordó la muerte de la poeta y novelista Heba Abu Nada, recién comenzó la confrontación, y del pintor Fathi Ghaben, en febrero pasado."No son sólo creadores, sino que eran el corazón que late de la comunidad palestina, eran los que narraban las tradiciones, las aspiraciones de nuestro pueblo. Su pérdida es irreemplazable en un panorama cultural que ha quedado vacío", afirmó la representante de Palestina, que obtuvo reconocimiento como Estado miembro de la Unesco en 2011.El último informe de la Unesco estableció que 69 de los 120 sitios que vigila a través de imágenes satelitales en Palestina han sido dañados por la guerra, entre ellos espacios religiosos, edificios de interés histórico y/o artístico, depósitos de bienes culturales, monumentos y lugares arqueológicos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"La idea era hacer una película de actores", dice el colombiano Gonzalo Perdomo sobre La fianza, su ópera prima, un drama "con puntos de mucho humor" protagonizado por sus compatriotas Juana Acosta y Julián Román junto al español Israel Elejalde, que se estrena este viernes en España y a comienzos de 2025 en Latinoamérica.Director y protagonistas presentaron este martes en Madrid la película, que lejos de ser "el típico thriller axfisiante, agobiante, deja respirar al espectador", hasta el punto de que "se lo puede pasar muy bien", según Perdomo."Y para mi ahí radicaba una de las principales dificultades, encontrar el tono porque mi personaje, que no lo pasa bien, es una mujer que está atravesando un momento muy complejo, bastante dramático, y encontrar los puntos de humor no era fácil, así que ese fue uno de los grandes retos que tuve a la hora de interpretar a Ana", dice Juana Acosta, quien colabora además con su productora Calité Filmes, que comparte con su hermana Valentina.La fianza transcurre en una casa adinerada en España, único escenario de la película, y en un plazo de menos de 24 horas, un reto complicado en cuanto al ritmo de la historia que tanto actores como director creen superado de lejos.Eso, y que solo fueran tres personajes fue para Acosta lo más atractivo a la hora de leer el guión: "Me gustan las películas de actores y en este caso tuve la suerte de contar con dos actorazos que son Julián Román, colombiano, con el que hago un mano a mano, e Israel Elejalde, otro grandísimo actor español, dos compañeros con los que disfruté muchísimo cada parte del proceso", señala la actriz.Un director y tres actores "sin ego"El rodaje de La fianza fue en familia, sin "ego" alguno. Lo dice Acosta al referirse a Perdomo - "y es muy difícil de encontrar un director así" - y en lo que coinciden Román y Elejalde sobre todo el equipo."Para mi ha sido un regalo maravilloso, encontrarme con un 'capo' como Isra ha sido llevadero, he sido muy feliz al poder hablar con un actor y poder proponer decir sin el miedo, que a veces pasa con colegas, que no se les puede hablar o no se les puede sugerir", señala el Julián Román, que interpreta a un sicario pero cuyos toques de humanidad acaban por atrapar al espectador.Ese personaje es uno de los clichés que se presentan a lo largo de la trama, lo que Elejalde define mas concretamente como "arquetipos", porque "detrás de lo que nosotros pensamos que es un sicario también hay una persona que tiene familia, que puede ser sensible en algunas cosas, tener dudas, echar de menos a su país".Y la realidad de ciertos estereotipos de los dos países, España y Colombia, es lo que La fianza plasma y que su director cree que no es tanto una bofetada a la sociedad española si no "a este tipo de personas que pierden muy rápido su identidad, porque creo que así estemos fuera de nuestros países no se nos puede olvidar de donde venimos y quienes somos".De hecho el filme, según Perdomo, surge de la realidad de la inmigración en España "para visualizar lo que es hoy en día la sociedad española, que ha conocido un largo proceso de inmigración y en la cual nosotros ya hacemos parte, creamos, hacemos películas, hacemos comidas, tenemos negocios".El teatro como base y los proyectos de futuroLas tablas de los escenarios en los que se formaron Elejande y Román quedan patentes en una película en la que muchas mujeres se van a sentir identificadas con el personaje de Ana, interpretado por Acosta.Los tres actores y Perdomo han creado una pequeña familia que mira al futuro, en el caso de Acosta inmediato, ya que volverá a trabajar en el nuevo proyecto del director, mientras espera el estreno, a finales de febrero, de Medusa la serie que rodó para Netflix en Colombia.A mitad de año estrenará también Matices, rodada para Sky Showtime, "y tengo varios proyectos para el año que viene, segundas temporadas de la series que rodé este año y repetiré el año entrante con Alex de la Iglesia".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Del 11 al 22 de diciembre, la Cinemateca de Bogotá será el escenario de una muestra especial que combina cine y encuentros dedicados a explorar temas de resistencia y comunidad.Organizada por la Cinemateca y el Instituto Distrital de las Artes (Idartes), la quinta edición del ciclo Que Haiga Paz continúa el legado establecido en colaboración con la Comisión de la Verdad. Este evento busca ser un espacio para la reflexión y el diálogo a través del cine, abordando la memoria del conflicto, la búsqueda de la verdad y el camino hacia la reconciliación. Su enfoque resalta historias de resistencia, dignidad y la fuerza de las comunidades."Para la Cinemateca de Bogotá, del Idartes, es un honor y un compromiso dar continuidad al trabajo conjunto con la Comisión de la Verdad mediante el ciclo Que Haiga Paz. Esta iniciativa nos permite seguir construyendo memoria y reflexionando sobre el conflicto desde las artes audiovisuales", destacó María Claudia Parías, directora del Idartes.La edición de este año presenta 16 obras nacionales que abordan diversas perspectivas sobre el conflicto armado, la construcción de paz y la vida después de la guerra. Además, el ciclo trasciende fronteras, incluyendo una muestra internacional que explora el cine del Oriente Próximo, destacando historias de resistencia cotidiana y el derecho de los pueblos a existir.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa muestra nacional se compone de seis programas:Programa 1Pijoteros: Diversas perspectivas de un territorio (Dir. Mariagracia García Camargo, 2024) Hato Corozal. 19 min.Mesa de tareas (Dir. Andrea Rey, 2022) Colombia. 100 min.Programa 2Estirpe (Dir. Ana María Ferro, Daniela Ruiz Coconubo, 2023) Yacopí, Bogotá. 16 min.Avalancha (Dir. Daniel Cortés Ramírez, 2023) Medellín. 25 min.El sonido de los grillos (Dir. Juan David Cárdenas, Bibiana Rojas, Julián David Gutiérrez, 2020) Bogotá. 40 min.Programa 3El camino real (Dir. Sergio Reyes Miranda, 2023) Soacha. 14 min.Purgatorio (Dir. Sergio Romero Ocampo, Juan Blanquicet, 2023) Huila - Cundinamarca. 21 min.Mi cuerpo, mi territorio (Dir. David Garcés, Chiara Charavali, 2024) Caucasia, Nechí, El Bagre. 56 min.Programa 4El asesinato de Dilan Cruz (The Killing of Dilan Cruz) (Dir. Plano Negativo/Forensic Architecture, 2023) Colombia, Reino Unido. 25 min.Manuales de cuidado (Care manuals) (Dir. Plano Negativo, 2023) Colombia, Reino Unido. 25 min.Programa 5Tarro vacío (Dir. Vitilio Iyokina Gittoma, 2024) La Chorrera, Amazonas. 24 min.Hippomane Mancinella (Dir. Ricardo Muñoz Izquierdo, 2022) Pereira. 11 min.Vecinos (Dir. Salym Fayad, Marcela Ascencio, 2023) Colombia, República Centroafricana. 25 min.Programa 6Jhonson (Dir. Daniel Triviño, 2023) Fusagasugá. 11 min.Rap Planadas: Una escena que se autoconstruye (Dir. Holman Sebastián García Chantré, 2024) Planadas. 20 min.Lez-Ama. Vivir Filmando (Dir. Mónica Moya, 2022) Colombia. 52 min.La muestra internacional lleva como título Junto a huertos de sombras arrancadas y está compuesta por un programa de cortometrajes, de Jocelyne Saab, y de largometrajes como estos:Ejército Rojo/Frente para la liberación de Palestina: Declaración de Guerra Mundial (Dir. Adachi Masao, Wakamatsu Koji, 1971) Japón. 71 min.Recogedores (Foragers) (Dir. Jumana Manna, 2022) Palestina. 65 min.Los primeros 54 años: manual breve para una ocupación militar (Dir. Avi Mograbi, 2021) Israel. 110 min.Homeland: Iraq año cero (Dir. Abbas Fahdel, 2015) Irak - Francia. 334 min.Los engañados (Dir. Tewfik Saleh, 1973) Siria. 107 min.No Other Land (Dir. Basel Adra, Hamdan Ballal, Yuval Abraham, Rachel Szor, 2024) Palestina. 95 min.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Aunque se achacó la ruptura a diferencias creativas, a tensiones por celos o a la novia de John Lennon, la japonesa Yoko Ono, estos documentos revelan las numerosas y complicadas batallas legales que también afrontó la banda.Los documentos, más de 300 hojas, que fueron descubiertos en un armario donde habían estado almacenados desde la década de 1970, incluyen copias de las actas de las reuniones con el asesor del grupo, textos legales y una copia de la escritura de 1967 con los términos y condiciones de un acuerdo entre los miembros.Esos escritos muestran que después de la muerte del mánager Brian Epstein, en 1967, la banda se dio cuenta de que no se había contabilizado el dinero generado por el cuarteto y que las autoridades fiscales los estaban investigando.Otra batalla legal estalló cuando Paul McCartney se opuso a la decisión de otros miembros de la banda de contratar a Allen Klein como su nuevo mánager.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLos archivos descubiertos documentan la posterior batalla judicial iniciada por McCartney contra la banda en Londres en 1970, que expuso la mala gestión de Klein.Otros textos se centran en la partida de Pete Best, batería del grupo entre 1960 y 1962, y la llegada de Ringo Starr en su lugar, los derechos cinematográficos y musicales y la incapacidad de Klein para presentar cuentas ante las autoridades fiscales."Aunque John, Paul, George y Ringo se cansaron de ser The Beatles y querían continuar sus carreras en solitario, debió ser un momento difícil para ellos", dijo Denise Kelly, directora del departamento de entretenimiento y cultura popular de Dawsons.McCartney dijo en 1970 que ya no trabajaba con el grupo, pero el proceso legal para disolver la banda no finalizó hasta 1974.Dawsons espera que la venta del fajo de documentos que se subastará la próxima semana supere las 5.000 libras (unos 6.353 dólares).🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Del tiempo que pasa” es la más reciente exposición del arquitecto y artista Luis Fernando Peláez que retoma la experiencia creada anteriormente en el Museo de Antioquia, en la exposición “El Río” en el año 2010. Esta obra presenta las piezas como una instalación envolvente que invita al espectador a recorrerla y sumergirse en las distintas atmósferas.La canoa a la deriva con una maleta flotando en su interior, el novillo en el agua, la casa flotando sugieren un paisaje intenso que confronta nuestra historia: la lluvia o la fuerza de la naturaleza, por ejemplo, o la errancia y el desarraigo. Estas obras se entrelazan en dos salas impregnadas de silencio, una oscura y otra clara, invitando a explorar lo que yace oculto en nuestra memoria colectiva.En palabras de Lucía González Duque, quien entonces era la directora del Museo de Antioquia, Peláez es “uno de los más destacados artistas en el panorama artístico nacional desde la década de 1980, cuando tuvo un gran reconocimiento en el país al recibir el primer premio del Salón Nacional de Artistas, distinción que compartió con Doris Salcedo. Ambos escultores son hoy destacados representantes de las artes plásticas colombianas tanto dentro como fuera del país”.Además de la exposición, esta obra de Peláez se complementa con la publicación homónima de Ediciones Arte Dos Gráfico de Bogotá. El libro contiene veintidós textos en caligrafía de Peláez sobre el acto creativo.La creación artística de Luis Fernando Peláez está profundamente atravesada por una carga poética. En sus objetos, ensamblajes e instalaciones, cada componente es un gesto lleno de poesía; todo parece insinuarse, contenerse y reflejarse en el conjunto.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíSus obras están llenas de relaciones, correspondencias, conexiones y simetrías: el arte se convierte en un medio para revelar los secretos más íntimos de las cosas, capturar sentimientos, suspender emociones y evocar diferentes estados emocionales.“Luis Fernando Peláez nos muestra en este libro que esas cosas, esas atmósferas, esos sueños que sus manos saben construir con cristales y maderas y resinas, mundos poderosamente quietos y elocuentemente mudos, también los sabe construir con palabras. Su nostalgia es contagiosa, nos impone su existencia, y sabe nombrar lo que perdimos; nos entrega esos momentos y nos conmueve al revelarnos que nosotros también los vivimos: esos seres que están ahí tal vez son los mismos que alguna vez amamos, esos inviernos están instalados hace siglos en nuestra memoria, esas despedidas nunca nos abandonaron”, comenta William Ospina.Podrá visitar esta exposición de lunes a viernes, en horario de 10:00 a. m. a 6:00 p.m. y los sábados entre las 10:00 a. m. y las 2:00 p.m. Tenga en cuenta que las visitas este año estarán disponibles hasta el 24 de diciembre y en 2025 desde el 15 de enero. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Galería Sextante (@galeriasextante)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
