Ni su dentadura destartalada, ni sus balbuceos en los últimos años, ni su frágil salud física y mental, ni sus caóticas actuaciones regadas de alcohol podrán eclipsar en su adiós la enorme contribución de MacGowan a la música.La revista NME le incluyó en 2006 en la lista de los 50 "héroes del rock" y Joe Strummer, de The Clash y uno de sus padrinos en sus comienzos en el "underground" londinense de finales de los 70, llegó a definirle como uno de los mejores escritores del siglo pasado, a la altura de Leonard Cohen, Bob Dylan o Tom Waits.A pesar de sus problemas de movilidad, MacGowan aún se dejaba ver en los últimos tiempos por las calles y bares de Dublín, normalmente en compañía de Victoria Mary Clarke, su inseparable compañera, cuidadora, representante durante décadas y esposa desde 2018, con quien vivía en la capital irlandesa.No era raro verlo con una pinta de Guinness en la barra del pub del hotel Clarence, de la banda U2, donde sus amigos Bono y The Edge le tenían reservada una habitación, y donde siempre estaba dispuesto a charlar con cualquiera de música, literatura o historia.Y si ese cualquiera era español, no tardaría en mencionar Almería, Barcelona, la Guerra Civil, Franco, el fascismo o, por supuesto, su admirado Lorca, tratando de ordenar recuerdos en una mente mucho más ágil que la boca.El poeta granadino le inspiró para componer el tema "Lorca's Novena", del álbum "Hell's Ditch" de The Pogues, cuyos textos descubrió grabando en España la delirante película "Straight to Hell" (1987).Nacido en el condado inglés de Kent de padres emigrantes, MacGowan bebió pronto de la música tradicional celta de la mano de su madre Therese, cantante de folk, mientras que de su padre Maurice heredó el típico ingenio y gracia dublinesa.Asimismo pasó largos periodos vacacionales durante su infancia en el condado irlandés de Tipperary con pariente maternos, donde ahondó aún más del folk nativo de cara a formar The Pogues, pasando antes por el punk, rock, etc...Ávido lector de niño, con referencias como James Joyce y Dostoyevsky, nunca despuntó en la escuela, donde ya mostraba la rebeldía punk que le acompañó durante toda su vida y un talento para las letras.Con solo 13 años ganó un premio literario del tabloide Daily Mirror y una beca para la academia de Westminster, de la que expulsado por fumar.La explosión del punk le pilló con 18 años en Londres, el sitio ideal para expandir un gusto por la música que abarcaba desde los Beatles, los Stones, Pink Floyd, Black Sabbath, Buffalo Springfield, Cream o Jimi Hendrix.Finalmente, encauzó todo su talento con la formación The Pogues en 1982, creando un sonido nuevo y único al mezclar el folk y el punk, muy popular primero con la joven diáspora irlandesa de Londres, hasta alcanzar después reconocimiento internacional con su primer álbum "Red Roses for Me" (1984).A este trabajo le siguieron otros seis discos de estudio, "Rum Sodomy & the Lash" (1985), "If I Should Fall from Grace with God" (1988), "Peace and Love" (1989), "Hell's Ditch" (1990), "Waiting for Herb" (1993) y "Pogue Mahone" (1996), si bien el grupo cobraba verdadera vida en los conciertos en vivo, impredecibles y caóticos en ocasiones por el carácter volátil de MacGowan.Su salud, no obstante, comenzó a deteriorarse seriamente hacia 2010 y a partir de entonces se vio obligado a abandonar los escenarios, hasta quedar confinado en los últimos años a una silla de ruedas.En 2018, Irlanda le rindió un merecido homenaje al cumplir 60 años, con un legendario concierto en el National Concert Hall de Dublín en el que participaron, entre otros, Bono (U2), Sinéad O'Connor, Nick Cave o Glen Hansard.En ese acto, el presidente irlandés, Michael D. Higgins, le condecoró con un premio por su trayectoria profesional, en la que destacó no solo como cantante, sino también como músico, compositor y poeta.MacGowan hubiese cumplido 66 años el próximo día de Navidad, en un periodo festivo en el que volverá a sonar este año con más significado su legendario tema "Fairy Tale of New York", interpretado junto a la fallecida Kristy McCall.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Al rededor de su fama proliferaron anécdotas pero también numerosas leyendas urbanas, algunas de ellas recogidas a continuación:Escarabajos con ritmoLos Fab Four, como se les llamaba a menudo, se les suele enumerar de la siguiente manera: John (Lennon), Paul (McCartney), George (Harrison) y Ringo (Starr), en orden con el que se incorporaron a la banda. Pero antes de la llegada de Ringo, hubo otro batería, Pete Best, y también el bajista Stuart Sutcliffe."The Beatles" tampoco fue el primer nombre. En 1956 se empezaron llamando los "Black Jacks", para cambiar poco después a "Quarrymen".En el escenario también se presentaron como "Johnny and the Moondogs" y "The Silver Beetles" antes de adoptar definitivamente el nombre convertido en leyenda, un juego de palabras entre "beetles" (escarabajos en inglés) y "the beat" (el ritmo).La referencia al insecto es también, al parecer, un homenaje a Buddy Holly, ídolo de Lennon y McCartney, cuyo grupo se llamaba "The Crickets" (los grillos). En un hito poco habitual, cada uno de los músicos dispone de dos estrellas en el Paseo de la Fama de Los Ángeles: una como Beatle y la otra por su carrera en solitario posterior.La rivalidad con los Beach BoysSe habla a menudo de la rivalidad Beatles-Rolling Stones. Pero su verdadera competencia eran los Beach Boys. Cuando el cuarteto de Liverpool partió a la conquista de Estados Unidos, América estaba en plena Beach Boys manía con el célebre álbum "Surfin' USA".Aparecieron los Beatles y su álbum "I want to hold your hand" y Brian Wilson, el alma de los Beach Boys, se empezó a preocupar: "Inmediatamente sentí que todo había cambiado y que, para garantizar nuestra supervivencia, teníamos que estar en alerta".Aunque se admiran mutuamente, ambos grupos iniciaron una batalla durante varios años con álbumes interpuestos.Los "cuernos del diablo"Los Beatles innovaron en muchos aspectos, no solo musicales. Fueron los primeros en incluir las letras de sus canciones en un librillo en el interior de cada álbum.También hicieron popular el "signo de los cuernos", convertido en el símbolo por excelencia del rock. Antes asociado al diablo, el gesto, que consiste en apretar el puño y estirar los dedos índice y meñique, significa que uno está contento.El primer artista conocido en realizarlo fue John Lennon. El gesto quedó inmortalizado en la portada del single "Yellow submarine".Beatles contra Jesús "Somos más populares que Jesús". La frase, pronunciada por Lennon en una entrevista de 1966, pasó casi desapercibida al principio. Pero luego provocó una fuerte controversia, en la que a veces se tergiversaron las palabras del cantante para convertirlas en "más grandes que Jesús".El escándalo fue enorme. En Estados Unidos, antiguos seguidores quemaron en público vínilos del grupo. Las canciones fueron prohibidas durante un tiempo en México y Sudáfrica. Los artistas, aunque rectificaron, recibieron amenazas de muerte.Para Lennon, "el asunto Jesús" terminó desembocando en el fin de la banda: "No quería hacer más giras, sobre todo después de haber sido acusado de crucificar a Jesús cuando no había hecho más que un comentario desenfadado".Cuarenta años más tarde, el Vaticano los absolvió y declaró en 2008 que no era más que "la fanfarronada de un joven inglés de clase obrera enfrentado a un éxito inesperado".En honor a Lucy La mujer "más vieja" del mundo (3,2 millones de años), la australopiteca Lucy, debe su nombre a la canción "Lucy in the sky with diamonds". Descubiertos en 1974 en Etiopía por el paleontólogo francés Yves Coppens y sus colegas, los restos fósiles revolucionaron la percepción del origen de la humanidad.Durante la excavación, el equipo escuchaba en bucle el álbum "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", en el que figuraba la popular canción. Cuando demostraron que los huesos pertenecían a una mujer, fue fácil dar con un nombre.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Para celebrar tres décadas de El Nervio del Volcán, un disco que cambió la historia de la música latinoamericana, Caifanes vendrá a Cali, Bogotá y Medellín los próximos 1, 3 y 4 de mayo de 2024. Luego de shows agotados en 2019 y 2022, y una presentación delirantemente apasionante en el Festival Cordillera 2022, la banda mexicana liderada por el mítico Saúl Hernández vuelve a su segundo hogar, Colombia en una gira con tres fechas. Este miercoles 1 de noviembre se iniciará con la preventa para clientes de los Bancos Aval y dale!. El 29 de junio de 1994 salió al aire El Nervio del Volcán, el disco que consolidaba a Caifanes de manera definitiva en el panteón del rock latino con himnos chamánicos como “Afuera”, “Aviéntame”, “Ayer me dijo un ave” y más."Los conciertos son momentos de vida, rituales y ceremonias y Caifanes los va a defender hasta el día que estemos muertos, es nuestro elemento para compartir la realidad de nuestras vidas", afirmó Saúl Hernández en 2020 para Radiónica. La ceremonia que prepara esta cofradía mexicana de chamanes roqueros será la celebración de las tres décadas de un disco fundamental para la idiosincrasia latinoamericana: El Nervio del Volcán. Igualmente, los shows de Caifanes en Cali, Bogotá y Medellín también serán, como siempre, rituales musicales para el alma himnos sagrados como “Nubes”, “Viento”, “No dejes que”, “La célula que explota”, entre otros.Caifanes y Colombia han solidificado una relación en los últimos años y los días 1, 3 y 4 de mayo de 2024 lo revalidamos con tres únicos conciertos en nuestro país: en el Centro de Eventos Valle del Pacífico de Cali, en el Movistar Arena de Bogotá y en La Macarena de Medellín.La preventa exclusiva para los clientes de los Bancos Aval (Bogotá, Occidente, Popular y AV Villas) y dale! desde el 1 de noviembre a las 9:00 am hasta el 3 de noviembre a las 8:59 am, o en la Venta General a partir del 3 de noviembre a las 9:00 am con todos los métodos de pago en TuBoleta (Bogotá), Taquilla Live (Medellín) y Taqui (Cali).No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El esperado Rock Al Parque regresa al Simón Bolívar para llenarlo de nuevo de música y espectáculo, este evento reunirá del 11 al 13 de noviembre a los espectadores fanáticos de la música rock. "Con el pasar de los años, los Festivales al Parque se han convertido en uno de los programas más visibles e importantes, no solo del Idartes sino de la ciudad, que gracias al aporte que hacen, junto a diversas estrategias para el sector musical, permiten que Bogotá haga parte de la Red Unesco de Ciudades Creativas de la Música, con una escena cada vez más rica en creatividad y un abanico creciente de oportunidades para el desarrollo de las iniciativas musicales bogotanas", se menciona en un comunicado de la Alcaldía.Ya son casi 30 años que han transcurrido desde la realización del primer Rock al Parque, que en esta versión tiene como curadores musicales encargados a María Camila Rivas, Héctor Mora y Rodrigo Duarte.Después de tres años de ausencia debido a la pandemia mundial por la COVID-19, el festival de rock más grande de Latinoamérica regresó en el año 2022, con una masiva asistencia con más de 300 mil personas en el Parque Simón Bolívar. Además, en esta versión, por primera vez, se realizaron cuatro días de festival. Aquí están algunos de los invitados para esta edición del Rock Al Parque 2023.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Como líder del grupo canadiense-estadounidense, Robertson compuso las canciones más emblemáticas, como "The Weight", "The Night They Drove Ol' Dixie Down" y "Up On Cripple Creek". Su representante dijo que estaba rodeado de su familia en el momento de su muerte, sin citar una causa.Antes de The Band, Robertson había sido un colaborador clave nada menos que de Bob Dylan, con quien hizo giras y tocó en el clásico "Blonde on Blonde".Nacido el 5 de julio de 1943 en Toronto, Canadá, de madre nativa americana, Robertson trabajó en carnavales ambulantes en sus primeros años de adolescencia. "Llevo tanto tiempo tocando la guitarra que no recuerdo cuándo empecé", declaró a la revista Rolling Stone en 1968.Se unió a la banda de acompañamiento de Ronnie Hawkins, una estrella del rockabilly, cuando tenía 16 años, donde acabó conociendo a Rick Danko, Garth Hudson y Richard Manuel.El grupo formó un fuerte vínculo y se convirtió en la banda de acompañamiento de Dylan a mediados de los 60 en su primera gira. También tocaron con el icono en sus muy falsificadas "cintas del sótano". Después de muchos cambios de nombre, el grupo decidió llamarse The Band.Las composiciones de Robertson eran evocaciones que entrelazaban las tierras salvajes de América y los personajes que las coloreaban, que se centraban en particular en el sur estadounidense. "The Weight" es una de las habituales en las listas de mejores canciones de todos los tiempos. Se trata de una canción folk con elementos country y gospel, y alusiones bíblicas, que está considerada un clásico del cancionero estadounidense.El grupo tocó en Woodstock y colaboró con Dylan en una exitosa gira por estadios, además de grabar una serie de álbumes como "Music from Big Pink", "The Band" y "Cahoots".The Band se separó en 1976 con un concierto de despedida en San Francisco, inmortalizado en película por el director Martin Scorsese en "The Last Waltz". La película, estrenada en cines en 1978, se ha convertido en un aclamado documental pionero del rock.También marcó el comienzo de la larga colaboración y amistad de Robertson con Scorsese, quien contrató al guitarrista como supervisor musical de varias de sus películas, entre ellas "Casino" y "Gangs of New York".Después del "The last Waltz ("El último vals") no volvió a dar conciertos, pero en 1987 sacó varios discos en solitario.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Su fallecimiento, ocurrido el miércoles por la noche debido a complicaciones de una enfermedad pulmonar obstructiva crónica, se anunció en un comunicado en el sitio web de la agrupación.Meisner fue el bajista original y vocalista de los Eagles, uno de los grupos musicales con más ventas de discos de la historia, entre cuyos numerosos éxitos figuran "Hotel California", "Take It Easy" y "One of These Nights"."Randy fue una parte integral de los Eagles y ficha decisiva en los primeros éxitos de la banda", destaca el boletín."Su rango vocal era asombroso, como es evidente en su balada emblemática, 'Take It to the Limit'", añadió el grupo.Los Eagles han vendido más de 150 millones de álbumes en todo el mundo, tras más de medio siglo en la música. En 1998, fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll.Fueron pioneros del sonido de la Costa Oeste, un rock relajado con tintes country que dominó el pop estadounidense de principios de los años 70. A lo largo de las décadas, fueron cambiando de miembros.Glenn Frey, otro de los miembros fundadores, falleció en 2016 a los 67 años.La formación actual de los Eagles, que incluye a Don Henley, Joe Walsh y Timothy B. Schmit, tiene agendada una última gira que comenzará en septiembre en Nueva York y se espera que continúe hasta 2025.No estaba previsto que Meisner, que abandonó la agrupación a finales de la década de 1970 y fue sustituido por Schmit, participara en el tour.Nacido en el seno de una familia de agricultores de Nebraska en marzo de 1946, Meisner tocó con la Stone Canyon Band de Rick Nelson y Poco, antes de cofundar los Eagles.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Él mató a un policía motorizado" (EMAUPM) es una banda argentina de rock que se fundó en 2003 en La Plata, cuando estudiaban secundaria Willy "Doctora Muerte" Ruiz, batería; Manuel "Pantro Puto" Sánchez y Gustavo "Niño Elefante" Monsalvo, guitarras; y Santi "Motorizado" Barrionuevo, bajo y voz; a los que en 2008 se unió Agustín "Chatrán Chatrán" Spasoff, teclados.Entre el punk-rock y el noise-pop, el grupo debutó en 2004 con un álbum homónimo, siguió con 3 EP y desde entonces ha publicado elepés como "La Dinastía Scorpio", "La Síntesis O'konor", "La Otra Dimensión", "Unas Vacaciones Raras" (banda sonora de la serie "Okupas") y, este mes de julio, "Súper Terror".El grupo debe su nombre a un diálogo de la película de serie B "R.O.T.O.R.", de Cullen Blaine, porque "buscábamos una frase fuera de contexto, y ésta nos pareció perfecta", comenta Santi "Motorizado", que explica que su primer álbum era "mucho más garajero, más ruidoso y con las guitarras en primer plano, mientras que en su primer EP, "Navidad de reserva", ya encontraron "algo diferente".Una banda de rock con dos carasEMAUPM, que se consideran "una banda de rock" porque no les gusta "encasillarse", sí que admiten, según Santi Barrionuevo, que tienen dos caras: "El nuevo álbum es el presente, pero en vivo recorremos toda nuestra discografía, que también es el presente de la banda, aunque ahora a las guitarras les añadimos sintetizadores y bases programadas".Grabado y mezclado en los estudios Sonic Ranch de Estados Unidos por Eduardo Bergallo, "Súper terror" (Primavera Labels) incluye diez cortes, como "Un segundo plan", "Coronado", "Voy a disparar al aire", "Moderato", "El número mágico" o "Profeta de fuego".Y aunque publicaron los sencillos "Tantas cosas buenas", "Medalla de oro", "Tiempo roto" y "El universo" como adelanto, incluidas en "Súper Terror", Santi "Motorizado" sí que cree en el concepto de álbum, "que se está perdiendo, aunque se mantiene en el 'mainstream", y cita los ejemplos de Kendrick Lamar, Rosalía o C. Tangana."Nosotros desde siempre hemos sacado sencillos porque era lo que veíamos en el hemisferio occidental en la época analógica, como Sonic Youth, con sus rarezas y todo, pero siempre damos más importancia al álbum, que marca un momento, una época, y donde tienes un lugar para desarrollar tu arte", señala el argentino.Un trabajo marcado por la pospandemia¿Y cuál es el concepto sobre el que gira "Súper Terror"? "Está marcado -contesta- por la pospandemia y los cambios en mi vida, pero también hay una mirada política encriptada de este mundo, celebrar salir del encierro en un mundo más pobre y desigual"."Vivimos en un mundo que celebra con artistas que cantan sobre ostentación y dinero en un país cada vez más pobre, por lo que hay bronca y melancolía, pero también ruptura y luz sobre lo nuevo que comienza", afirma el vocalista."Crecimos con la aparición de la movida sónica alternativa, con grupos como Peligrosos gorriones o Los Brujos", explica el cantante de EMAUPM, referente para grupos posteriores como Divididos, Guasones, Ratones Paranoicos, Damas Gratis, La Aplanadora de Rock, La Renga o Ciro y los Persas.En agosto, EMAUPM iniciarán una gira para celebrar sus 20 años de carrera, unos conciertos centrados en su nuevo disco, aunque revisitando toda su trayectoria, que arrancará en Argentina y recalará también en México, Uruguay, Perú, Colombia, Brasil, Paraguay y Chile, incluidos los 4 festivales Primavera Sound de Sudamérica: Bogotá, Santiago de Chile, São Paulo y Buenos Aires.En España actuarán en Madrid, Granada, Valencia y en Barcelona; y para el año que viene publicarán la otra mitad de las canciones que descartaron incluir en "Súper Terror". Le invitamos a conectarse con nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Fiel a su estilo, que lo ha llevado a bailar y brincar desenfrenadamente por los escenarios de todo el mundo, prevé celebrar su cumpleaños con una gran fiesta al suroeste de Londres, según la prensa británica.Ícono de la rebelión, símbolo sexual, descarado y provocador, Jagger lleva décadas haciendo correr tinta con sus excesos y sus amoríos.Sigue enardeciendo a estadios abarrotados con sus endiablados contoneos, pero en 2019 tuvo que someterse a una operación de corazón.Sin embargo, su rutina a base de yoga, kick-boxing y bicicleta, combinada con zumos de hierbas, fruta y vitaminas ha preservado su esbelta figura y su forma física.Los Rollings realizaron recientemente una gira por Europa, bautizada "Sixty", para conmemorar su 60 aniversario, por primera vez sin el batería Charlie Watts, que falleció en 2021.Los miembros restantes de la banda prevén lanzar un nuevo disco en homenaje a él este año. Será su primer álbum de material original desde "A Bigger Bang" en 2005. Según la prensa, contará con la participación de Paul McCartney y del exbajista Bill Wyman, de 86 años, más de tres décadas después de que abandonara el grupo.Londres contracultural de los años 1960Con canciones como "Jumpin' Jack Flash", "Gimme Shelter", "Sympathy for the Devil" y "Not Fade Away", los Rolling Stones contribuyeron a la explosión cultural y social de los años 1960 en el Reino Unido.Eran admirados, perseguidos por las chicas y vigilados de cerca por la policía. Para Jagger era una vida a 2.000 años luz de sus orígenes, como cantó en "2000 Light Years from Home".Michael Philip Jagger nació el 26 de julio de 1943 en Dartford, al sur de Londres, en el seno de una corriente familia de clase media. Hijo de una peluquera y un profesor de educación física, no estaba predestinado a dedicarse a la música.Ingresó en la prestigiosa London School of Economics (LSE) en 1961, pero pronto se cansó de los cursos de finanzas y se centró en su pasión por el blues.Empezó a tocar con su amigo de infancia Keith Richards en 1960 y en 1962 formaron con Brian Jones y Ian Steward The Rollin' Stones, que se convirtió en The Rolling Stones en 1963, sumando a Wyman y Watts. En 1965, la banda lanzó "(I Can't Get No) Satisfaction", que los catapultó a la fama.Alcanzaron tanto éxito como los Beatles, de quienes sin quererlo se convirtieron en rivales debido a sus estilos diametralmente opuestos. Una campaña de marketing hábilmente orquestada opuso su imagen de "chicos malos" con la de "chicos buenos" de los cuatro de Liverpool.La banda se hizo tan famosa por sus desmadres en el escenario como fuera de él, con consumo de drogas y una vida sexual desenfrenada. Jagger y Richards fueron condenados por las drogas en 1967 y Jones pagó el precio más alto, ahogándose en su piscina en 1969."No entendí lo suficiente su adicción a las drogas", reconoció Jagger en 1995. "Cosas como el LSD eran nuevas. Nadie conocía los daños. La gente pensaba que la cocaína era buena", afirmó.En 2003, la reina Isabel II evitó ennoblecer personalmente a Jagger "por sus servicios a la música", dejando que fuera su hijo Carlos quien lo condecorara como "Sir Mick".Pero desde hace tiempo, el millonario Jagger (su fortuna se estimaba en 310 millones de libras o 395 millones de dólares, según el Sunday Times en 2021) ya no es el "chico malo" de sus inicios. Se le ve a menudo en el estadio de Lord's, siguiendo los partidos del equipo inglés de críquet.En 2016, se convirtió en padre por octava vez, cuando la bailarina estadounidense Melanie Hamrick, su pareja desde 2014, dio a luz a un niño. Jagger tiene otros siete hijos de cuatro relaciones anteriores. Le invitamos a conectarse con nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Heliogábalo fue un emperador romano perteneciente a la dinastía Severa, reconocido tanto por su papel como sacerdote y su nobleza. Gobernó desde el año 218 hasta el 222 bajo el nombre de Marco Aurelio Antonino Augusto, aunque pasó a la historia como Heliogábalo (Elagabalus en latín) mucho después de su fallecimiento.Nacido de Sexto Vario Marcelo y Julia Soemia Basiana, desde su juventud sirvió como sacerdote del dios El-Gabal en Emesa, su ciudad natal que hoy corresponde a Homs en Siria. En el año 217, tras el asesinato del emperador Caracalla, su prefecto del pretorio, Marco Opelio Macrino, tomó el poder. Julia Mesa, tía materna de Caracalla, provocó una exitosa rebelión dentro de la Legio III Gallica para instalar a su nieto mayor, Heliogábalo, como emperador en su lugar. La derrota de Macrino el 8 de junio de 218 en la batalla de Antioquía llevó a Heliogábalo, con tan solo 14 años, al trono imperial, iniciando así un reinado lleno de controversias.Durante su mandato, desafió las tradiciones religiosas y las restricciones sexuales de Roma. Reemplazó a Júpiter, la principal deidad del panteón romano, por su dios asimilado, Sol Invictus (Deus Sol Invictus), e incluso obligó a altos funcionarios del gobierno a participar en rituales en honor a esta deidad, de la cual él era el sumo sacerdote.En medio de una creciente oposición, a la edad de apenas 18 años, fue asesinado el 11 de marzo del 222 y su primo, Alejandro Severo, tomó su lugar en un complot urdido por su abuela, Julia Mesa, y miembros de la Guardia Pretoriana.Heliogábalo ganó una reputación entre sus contemporáneos por su excentricidad, estilo de vida decadente y fanatismo, aspectos que probablemente fueron exagerados por sus sucesores y rivales políticos. Esta imagen negativa se perpetuó en la historia, convirtiendo a Heliogábalo en uno de los emperadores romanos más denostados por los historiadores antiguos. Por ejemplo, Edward Gibbon escribió que Heliogábalo "se entregó a los placeres más viles y a una descontrolada furia". B.G. Niebuhr lo recordó en la historia debido a su "vida indescriptiblemente desagradable".Según Dion Casio, historiador romano del siglo III d.C., relata un encuentro donde un hombre atractivo se dirigió al emperador Heliogábalo como "mi señor emperador", a lo que este último respondió: "No me llames señor, pues soy una dama".Durante siglos, la especulación sobre la identidad de género de quien estuvo al frente de uno de los imperios más poderosos de la antigüedad ha sido motivo de curiosidad y estudio.Sin embargo, el Museo de North Hertfordshire, en Reino Unido, ha anunciado que su exposición sobre Heliogábalo reconocerá su identidad como mujer trans y utilizará los pronombres "ella" y "ellas" al referirse a esta figura histórica.Un portavoz del museo expresó que el uso cuidadoso de los pronombres al identificar a personas del pasado es un gesto de cortesía y respeto hacia ellas.Shushma Malik, profesor de la Universidad de Cambridge, le dijo a la BBC: "Los historiadores que utilizamos para tratar de comprender la vida de Heliogábalo son extremadamente hostiles hacia él y, por lo tanto, no pueden tomarse al pie de la letra. No tenemos ninguna evidencia directa que venga de la mano de Heliogábalo mismo, de sus propias palabras”.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El impresionismo fue un movimiento artístico revolucionario que emergió en la segunda mitad del siglo XIX en Francia. Si bien históricamente se ha asociado principalmente con artistas masculinos como Monet, Renoir y Degas, las mujeres jugaron un papel fundamental en este movimiento, desafiando las normas sociales y culturales de la época para dejar una huella perdurable en la historia del arte.Entre estas destacadas pioneras del arte femenino del impresionismo se encuentra Berthe Morisot. Su obra deslumbrante y su influencia en el movimiento impresionista son innegables. Morisot desafió las expectativas sociales al perseguir una carrera artística exitosa en un momento en que las mujeres artistas enfrentaban barreras significativas. Sus obras, como "Un día de verano", de 1879 y "Mujer en su baño" de 1880, reflejan la maestría en la captura de la luz y la vida cotidiana, elementos característicos del impresionismo.Otra figura destacada es Mary Cassatt, una artista estadounidense que se unió al círculo impresionista en París. Cassatt es conocida por sus conmovedores retratos de la vida familiar y la intimidad materna, como "Niñita en un sillón azul", 1878, y "Maternidad", de 1897. Su técnica magistral y su enfoque en temas íntimos la establecieron como una figura prominente en el movimiento.Además, otras mujeres como Eva Gonzalès, discípula de Manet, y Marie Bracquemond, reconocida por sus paisajes y naturalezas muertas, contribuyeron significativamente al desarrollo y la difusión del impresionismo.Estas mujeres desafiaron los prejuicios de su tiempo y su legado perdura como testimonio de su talento y determinación. A pesar de las dificultades, dejaron una marca indeleble en la historia del arte, enriqueciendo el movimiento impresionista con su visión única y su extraordinario talento artístico.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Cada vez falta menos para la decimoctava edición del Cartagena Festival de Música, que se realizará entre el 5 y el 13 de enero de 2024 y tendrá como temática central la ‘Sinfonía de la Naturaleza’.Los 24 conciertos de esta edición explorarán la relación entre la música y la naturaleza, que produjo obras fundamentales de compositores como Antonio Vivaldi, Edvard Grieg, Ludwig van Beethoven, Claude Debussy y Jean Sibelius, entre otros.Como es su tradición, el Cartagena Festival de Música tendrá en esta edición una orquesta residente, que protagonizará los conciertos sinfónicos que se llevarán a cabo en el Teatro Adolfo Mejía. En esta ocasión, la agrupación seleccionada es el Ensamble Allegria de Noruega, que nació 2007 y está conformado por las primeras cuerdas de las orquestas más importantes de su país.El ensamble, que en Cartagena tendrá como director al también noruego Ingar Bergby, protagonizará seis conciertos en los que interpretará reconocidas piezas como Las cuatro estaciones de Vivaldi, la Sinfonía no. 6 ‘Pastoral’ de Beethoven y Peer Gynt de Grieg.El festival convocará de nuevo a destacados solistas internacionales y nacionales, que son expertos en el repertorio seleccionado. Uno de ellos es el pianista finlandés Olli Mustonen, quien también es compositor y director de orquesta.Mustonen es un amplio conocedor de la música de los compositores del norte de Europa, especialmente Grieg, de quien en Cartagena interpretará el famoso Concierto para piano y orquesta.El grupo de pianistas internacionales se complementa con el ruso-lituano Lukas Geniušas, medalla de plata de los concursos Chopin y Tchaikovsky; el ruso Georgy Tchaidze y el sueco Peter Jablonski, que en su país recibió el reconocimiento Årets Svensk i Världen antes que la célebre agrupación de pop ABBA.Los violinistas invitados serán la noruega Eldbjörg Hemsing, quien se ha presentado en eventos tan importantes como la ceremonia de entrega del Premio Nobel de Paz en Oslo, y el ruso Nikita Boriso-Glebsky, que ha compartido escenario con prestigiosos directores como Valery Gergiev y Krzysztof Penderecki.En la ‘Sinfonía de la Naturaleza’ también participarán el Cuarteto de Cuerdas Nórdico, la mezzosoprano noruega Marianne Beate Kielland, nominada al premio Grammy en 2012, y los italianos Maurizio Leoni (barítono), Stefano Malferrari (piano), Antonello Farulli (viola), Guido Corti (corno) y Aurelio Zarelli (dirección).Además, como se ha vuelto costumbre en cada edición del Cartagena Festival de Música, el musicólogo y pianista italiano Giovanni Bietti protagonizará una serie de conversatorios-conciertos en los que introducirá los repertorios de cada jornada.Estos son los invitados nacionalesEn 2024, el Cartagena Festival de Música reunirá de nuevo a algunos de los más sobresalientes músicos colombianos, como el violonchelista bogotano Santiago Cañón-Valencia y la soprano Julieth Lozano, que ganó este año el premio del público en el concurso BBC Cardiff Singer of the World.A ellos se sumarán la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá, dirigida por Manuel López-Gómez, y la Orquesta Sinfónica de Cartagena, que bajo la batuta de Paola Ávila protagonizará el concierto de cierre.La nómina de artistas colombianos se complementará con el Bogotá Piano Cuarteto, el Cuarteto Q-Arte, la violinista Laura Hoyos y los pianistas Alejandro Roca y Andrés Roa.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El autor nacido en Barcelona dejó de lado los protocolos que reinan en esta feria para montarse en una mesa y conversar de tú a tú con los adolescentes que se acercaron al auditorio Juan Rulfo para escuchar su experiencia con los libros y la literatura.Serra i Fabra aconsejó al público asistente que el tiempo es un cheque en blanco que deben cuidar y “no perder en cosas aburridas”, sino que deben seguir su pasión y lo que les hace ilusionarse.Señaló que para dedicarse a las artes primero deben sentir amor por sí mismos para transmitir la pasión en una obra de arte o un texto.“No puedes transmitir amor si no lo sientes, ni transmitir pasión si no la sientes, un artista explota por dentro para que el que lo lea o vea sienta esa intensidad, tienes que ser capaz de comunicar el calor que llevas dentro”, explicó.El autor de ‘Campos de fresas’ dijo que la lectura lo ayudó a vivir su infancia en una casa con violencia y en una escuela con acoso escolar debido a su tartamudez; la escritura hizo que superara ese defecto del lenguaje porque se dio cuenta que ahí podía narrar a su ritmo y “vomitar” todas las ideas que se le ocurrían.“Leer me salvó la vida, pero escribir me dio un sentido, porque tengo ideas a reventar y porque me encanta hacerlo”, expresó.Aconsejó a los escritores nóveles a mantenerse atentos a todo lo que pasa a su alrededor como si fueran “antenas parabólicas con patas”, pues las historias llegan desde los detalles más mínimos de la vida cotidiana.A pregunta de un asistente, Serra i Fabra recordó su etapa en la música, un mundo que le ayudó a comenzar a escribir de manera profesional como crítico y luego como corresponsal de revistas.Reveló que la música lo acompaña todo el tiempo y que escucha diferentes géneros según el tipo de texto que está escribiendo, aunque confesó que no le gusta la música actual.“Hoy en día echo en falta la melodía en la música, hay patrones rítmicos básicos, gente rapeando con ritmo pero me falta la melodía, además no me gustan las letras de los reguetones contra las mujeres”, concluyó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Estas obras constituyen títulos fundamentales para entender la literatura peruana en el contexto hispanoamericano y mundial del vanguardismo del siglo XX", afirmó la Biblioteca Nacional en un comunicado.Los ocho ejemplares son primeras ediciones, seis de ellas fueron publicadas en vida por el "poeta universal", como llaman en Perú a Vallejo, y dos son obras póstumas, publicadas a partir de manuscritos y borradores conservados por su viuda, Georgette Philippart.Las obras son 'Los heraldos negros' (Lima, 1918. Fondo Antiguo de la BNP); 'Trilce' (Lima, 1922. Fondo Antiguo de la BNP); 'Escalas' (Lima, 1923. Fondo Antiguo de la BNP), 'Fabla salvaje' (Lima, 1923. Colección Raúl Porras Barrenechea de la BNP), 'El Tungsteno' (Madrid, 1931. Colección Aurelio Miró Quesada de la BNP).También 'Rusia en 1931: reflexiones al pie del Kremlin' (Madrid, 1931. Colección Aurelio Miró Quesada de la BNP), 'Poemas Humanos: 1923-1938' (París, 1939. Fondo Intermedio de la BNP) y 'Rusia ante el segundo plan quinquenal' (Lima, 1965. Colección Ricardo Angulo Basombrio de la BNP).La BNP indicó que en términos materiales, estos ejemplares de Vallejo (1892-1938) "presentan singularidades que permiten conocer su historia y procedencia".El ingreso de los libros del peruano en dicho programa se decidió en el Comité Regional de América Latina y el Caribe del Programa Memoria del Mundo de la Unesco, realizada en Santiago de Chile, donde se analizaron 32 postulaciones presentadas por Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Cuba, México, Panamá, Perú, Uruguay y Venezuela.Además, la BNP añadió que el Tratado Preliminar de Paz, Amistad, Comercio y Navegación entre el Perú y el Japón, firmado en 1873 en la ciudad de Edo (actual Tokio), custodiado por el Ministerio de Relaciones Exteriores peruano, también ingresó a este archivo por ser el vínculo más antiguo que une América Latina y AsiaLa Unesco creó el Programa Memoria del Mundo en 1992 para promover la conservación y el acceso al patrimonio documental de la humanidad, ya que diversos factores como la falta de recursos, saqueos, guerras y el comercio ilegal hacen del patrimonio documental un material sensible de ser destruido o extraviado, por lo que radica la importancia de salvaguardarlo.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.