"Frente a las noticias de una denuncia de extrema gravedad contra Jan Latham-Koenig en el Reino Unido, el Teatro Colón ha decidido desvincularlo de todas las actividades actuales y futuras que desempeñaba en el ámbito de la Institución", comunicó el prestigioso teatro de ópera a la prensa.La Policía de Londres detuvo el pasado miércoles al director de orquesta de 70 años, acusado de organizar y facilitar un delito sexual contra un menor y de comunicarse con intenciones sexuales con otro, según informó la agencia Reuters.Latham-Koenig era director musical del Teatro Colón de Buenos Aires desde el año pasado.El británico había dirigido hasta este viernes varios conciertos de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires y algunas óperas.El director fundó la Orquesta del Festival Britten-Shostakovich, una cita musical cooperativa entre el Reino Unido y Rusia.Anteriormente, había participado en las temporadas de música clásica del Valle d'Itria (Italia), Brno (República Checa), Dublín o Tokio, y colaborado en un proyecto de divulgación cultural con el arquitecto español, Santiago Calatrava.Está previsto que Latham-Koenig comparezca este viernes ante la Justicia británica.El Teatro Colón fue fundado en 1857 en la capital argentina, pero no fue hasta 1908 cuando se estableció en su histórica y colosal sede en la céntrica avenida 9 de julio de Buenos Aires, junto al famoso Obelisco.Por sus tablas han pasado algunos de los nombres más reconocidos de la música clásica y de la ópera en el siglo XX, como el compositor Igor Stravinsky; los directores de orquesta Herbert von Karajan y Leonard Bernstein; o los intérpretes Maria Callas y Luciano Pavarotti.Con un aforo para 2.478 personas, el Colón es considerado por varios expertos como uno de los mejores teatros líricos del mundo.Recientemente, el presidente de Argentina, Javier Milei, -un conocido aficionado a la ópera- inició su mandato con una recepción en forma de concierto en el teatro, al que acudió junto a varios líderes internacionales y sus colaboradores más estrechos.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Segundo grito, un grito compartido presenta una experiencia de dolor, fuerza y afirmación hacia la vida de ocho mujeres en escena. La exploración para la creación fue motivada por técnicas de la danza movimiento terapia, entre ellas el movimiento auténtico. La búsqueda fue presentar estas experiencias en su realidad encarnada, sin representar; pensar desde el movimiento ¿cómo se sienten estas demandas que vivimos las mujeres por ser mujeres? El resultado es una estética transgresora, que, entre otras cosas, abraza el sonido y el esfuerzo del movimiento. Durante el proceso creativo se construyó un espacio de confianza y cuidado para darle lugar a la reflexión de cada integrante sobre sus vivencias y encontrar su movimiento frente a los estereotipos de género, hilo conductor de la dramaturgia de la obra. Así, aparecen en escena la rabia, la contención, la sonrisa complaciente, la mujer perfecta, la voz y el grito.¿Qué es Guaricha?Es un grupo de artistas provenientes de varios países que por medio del sonido, el ritmo, la voz, el movimiento, las expresiones tradicionales latinoamericanas y el zapateo, busca rescatar, visibilizar y reflexionar acerca de los roles de género y el concepto de lo femenino en el contexto iberoamericano, cuya esencia se desdibuja y confunde tras el velo de un modelo tradicional de comportamiento GUARICHA, es un vocablo del grupo indígena Cumanagoto (antiguamente ubicado en territorio Venezolano), significa simplemente “Mujer” (ESGUERRA 1997). Sin embargo, en un proceso de desacreditación de la cultura indígena, el término inicia una distorsión que desemboca en un colombianismo de índole despectivo: en la jerga colombiana, es sinónimo de “vagabunda” o “prostituta” (Diccionario de Colombianismos 2012) Es por esto que el proyecto pretende rescatar el significado original del vocablo, al mismo tiempo que resalta el significado de lo femenino en la sociedad occidental.Las funciones en Bogotá se dividirán de la siguiente manera: 26 y 27 de enero 7:30 p.m. en Casa Arkham (Cra. 17 #48 – 28) Teusaquillo; 1y 2 de febrero 3:00 p.m. en el Centro Cultural El Barrio (Cra. 83 # 77 A 24) Engativá; el 9 y 10 de febrero 7:30 p.m. en La Tribu Art Club (Cra. 52 #106-25) Suba. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Es un gran honor ser nombrada directora del National Theatre", reaccionó Rubasingham en un comunicado publicado el miércoles en el sitio web del teatro."Para mí es el mejor trabajo del mundo", añadió.Rubasingham es también la primera persona de una minoría que se hace cargo de este teatro, situado a orillas del Támesis, en el centro de la capital británica.Nacida en Sheffield, en el norte de Inglaterra, en una familia originaria de Sri Lanka, estudió teatro en la Universidad de Hull, en el noreste del país.Rubasingham era desde 2012 directora artística del Kiln Theatre, ubicado en un barrio multicultural del noroeste de Londres, convirtiéndolo en uno de los centros culturales más prestigiosos de la capital.La nueva responsable del National Theatre trabajará junto a Kate Varah, directora ejecutiva, en el marco de una codirección.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Madre coraje es un texto que se presenta como homenaje a Bertolt Brecht con motivo del 125 aniversario de su nacimiento. El texto está escrito por el reconocido dramaturgo italiano Michele Santeramo y forma parte de un ciclo dramatúrgico (“Fantasmas”) sobre el que Santeramo está realizando una interesantísima investigación, valiente e inédita.La dramaturgia está habitada por el personaje de Anna Fierling, la madre coraje de Brecht, que regresa de la oscuridad del escenario para crear una relación directa con el espectador, lo que le dará la sensación de que la actriz le esté hablando “a mí, sólo a mí mismo”.Nuestra Madre Coraje comparte con el espectador algunos temas actuales y necesarios, en particular, sobre la guerra y sobre el ser madre en el marco de un conflicto armado: “¿Quién dijo que la guerra duele? Vamos, este tiempo tuyo no es diferente de los anteriores, ni de los venideros. El que habita cada tiempo conocido es el ser humano, entonces, ¿qué piensas que pueda ser diferente? A veces la gente todavía me juzga, cuando conocen mi historia me juzgan porque dicen que no tengo corazón de madre, que pienso en las cosas porque las cosas son más valiosas que las personas. Cualquiera que me juzgue mal es a lo mejor un hipócrita con el culo sentado en el calorcito. Ya lo dije, uno es bueno, solo mientras pueda permitirse el lujo de ser bueno. No todo el mundo debe tener ideales elevados, a veces es suficiente el seguir con vida dentro de la guerra; eso es lo que todos hacemos”.El espectador tendrá la impresión de encontrarse frente a ella, a la verdadera Anna Fierling, con su tono provocador, irónico, despectivo, cínico, despiadado y, a veces tierno, de madre.La obra tendrá funciones el 7 y 9 de diciembre a las 8:00 p.m. 8 y 10 de diciembre a las 4:00 p.m.Sobre el director Gianluca BarbadoriActor, director y pedagogo italiano, ha trabajado con maestros como: Orazio Costa, Al Yamanouchi, Giancarlo Sorgi, Stefano Vercelli, Luisa Pasello, Silvia Pasello, François Kahn, Alessandro Tognon, Sandro Lombardi, Laura Colombo, Anton Adassinskij, Anne Zènour, Roberto Bacci, entre otros. En 1992, trabajó en el Workcenter de Jerzy Grotowsky y Thomas Richards. En Italia colaboró en el C.S.R.T. de Pontedera, con el Teatro Stabile delle Marche, con el Festival Inteatro en Polverigi y con el Teatro Metastasio Stabile della Toscana. Ha trabajado en proyectos con comunidades, adolescentes, personas con habilidades diferentes y actores profesionales. Ha dirigido más de 60 obras y realizado talleres y seminarios en Italia, Argentina, Brasil, Colombia, Grecia, Irán, Uruguay y E.E.U.U.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El primer ministro ruso, Mijail Mishustin, "firmó la decisión sobre el nombramiento de Valeri Guerguiev al puesto de director general del Teatro Bolshói por una duración de cinco años", indicó el gobierno en Telegram.Numerosas orquestas occidentales boicotearon el año pasado al maestro de 70 años y tradicional partidario del presidente Putin, por no haber denunciado la ofensiva rusa contra Ucrania iniciada en febrero de 2022.Valeri Guerguiev, que también es director del teatro Mariinski de San Petersburgo desde 1996, ciudad donde Vladimir Putin comenzó en política a principios de los años 1990, dirigirá ahora los dos principales escenarios del país.Putin sugirió en marzo de 2022 fusionar la dirección de los dos prestigiosos teatros, como era habitual antes de la revolución de 1917.La cercanía de Guerguiev con el jefe del Kremlin, especialmente durante la anexión de Crimea en 2014, le ha acarreado varias polémicas.En marzo de 2022, la Orquesta Filarmónica de Múnich decidió despedirlo por no haber denunciado el ataque de Ucrania. Igualmente, varias orquestas y festivales en Europa y Estados Unidos anularon sus compromisos con el músico.Hasta ahora, el director de orquesta no ha hecho ninguna declaración sobre el conflicto. A principios de año realizó una gira por China, pero actualmente dirige por lo esencial en Rusia.Su nombramiento se produce en un momento en el que oenegés y medios denuncian una purga cultural en Rusia, con despidos o huidas de artistas que han sido críticos con el poder y que no han mostrado su apoyo públicamente.Valeri Guerguiev reemplaza en el Bolshói a Vladimir Urin, que firmó al inicio de la ofensiva en Ucrania una carta abierta de artistas y actores en la que se pedía "a todas las partes" cesar los combates.Urin, que dirigía el teatro moscovita desde 2013, tomó posición públicamente en favor del Kremlin en varias ocasiones.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Festival NODO - Cuerpos en movimiento se llevará a cabo en el Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella, en colaboración con la Bienal Internacional de Danza de Cali y Pro Helvetia: fundación suiza para la cultura, desde el jueves 9 hasta el lunes 20 de noviembre.Un encuentro de varias fechas para celebrar la diversidad y creatividad en el mundo de la danza. Su propósito será explorar la danza como un territorio formado por múltiples componentes que enlazan distintas formas de expresión de las dramaturgias del movimiento: el cuerpo es un nodo conectado a otros en una red de expresión.Junto con las presentaciones de danza, el festival incluirá talleres que permitirán a participantes de diversas edades y niveles de experiencia explorar la riqueza y diversidad de la danza. Los talleres incluyen la improvisación del Piso Móvil bajo la dirección de la Compañía Cortocinesis, el laboratorio cinestésico SOMA impartido por Javier Martín, enfocado en explorar las sensaciones físicas y su relación con el lenguaje del movimiento. Además, Crazy Smooth ofrecerá un taller de Hip Hop y Breaking, mientras que la Compañía Linga presentará un taller de danza contemporánea.Le contamos de algunas agrupaciones que se presentarán en el marco del Festival: In My Body por Bboyizm / Crazy Smooth (Canadá)Una exploración de la experiencia de envejecer desde la perspectiva de los b-boys y b-girls que llega a la sala Teatro Colón el 15 de noviembre, a las 7:30 p.m. La pieza reúne a un grupo de bailarines intergeneracionales y un equipo creativo internacional para abordar la confianza y la fuerza que los bailarines de la calle muestran en el escenario frente a la vulnerabilidad que experimentan con el paso del tiempo. Entradas disponibles en Tu Boleta.Flow por Compañía Linga (Suiza)Es una obra inspirada en los movimientos colectivos sincrónicos de cardúmenes y bandadas de estorninos, que se presentará en la sala Teatro Colón del Delia el jueves 16 de noviembre a las 7:30 p.m. Examina la relación entre el individuo y el grupo, así como los límites entre la construcción y el instinto. La producción involucra a seis bailarines y dos músicos en vivo. Entradas disponibles en Tu Boleta.Yumé por Beaver Dam Company (Francia / Suiza)Se presentará en la sala Delia Zapata en tres fechas: sábado 18 a las 3:00 p.m., domingo 19 a las 11:00 a.m. y el lunes 20 de noviembre a las 10:00 a.m. (función escolar). Las entradas están disponibles en Tu Boleta. Se trata de una narración sin palabras que convoca a niños y adultos mayores en una actuación de misterio y fantasía. Inspirada en cuentos japoneses y películas animadas, la obra sigue la travesía de una heroína en busca de su sombra perdida.Figuras del Umbral por Javier Martín (España)Una producción compuesta de siete ‘cuadros’ en los que el bailarín toma la forma de siete figuras diferentes, inspiradas en personajes del acervo cultural, que se presentará en la sala Teatro Colón el domingo 12 de noviembre a las 5:00 p.m. con entradas disponibles en Tu Boleta. La obra explora la reflexión de nuestra cultura ancestral y cuestiona nuestra relación con la tecnología, los usos y los orígenes.Volátil, recitales de la desaparición por Compañía Cortocinesis (Colombia)Se presentará en la sala Fanny Mikey el sábado 11 de noviembre a las 7:30 p.m. con entradas disponibles en Tu Boleta. Es una reflexión sobre la desaparición y explora temas como la pérdida, la fragilidad y la persistencia. La danza se convierte en una metáfora sobre la carne que se niega a desaparecer, preservando sus surcos y cicatrices como narradores de historias fragmentadas.Inmóvil por Compañía Periferia (Colombia)Explora la reacción ante un acontecimiento trágico. La pieza está influenciada por las reflexiones filosóficas de Schopenhauer y Nietzsche sobre un sentimiento funesto. La obra refleja la lucha de los afectados por el conflicto colombiano, cómo seguir adelante o cambiar el curso de la historia. Se verá en la Plazoleta del CNA el sábado 11 de noviembre a las 5:00 p.m. con entrada libre.Telares por Compañía Sas Bequia (Colombia)Es una obra inspirada en el tejido como práctica cultural tradicional. "Telares" explora la importancia del tejido en la construcción de la identidad y la cultura femenina. Se presentará en la Plazoleta del CNA el domingo 12 de noviembre a las 4:00 p.m. con entrada libre.No Cosa por Nahad Reyes Rossi (Colombia, ganadores de convocatoria)La veremos en la sala Delia Zapata el viernes 10 de noviembre a las 6:00 p.m. con entrada libre. Es una pieza de danza contemporánea que utiliza nuevas tecnologías y sonido para crear una experiencia única en espacios públicos. El espectáculo busca acercar a los artistas a su público y llevar el arte y la cultura a la vida cotidiana de los ciudadanos.Links, enlázate a tu humanidad por Kinesis Crew (Colombia, ganadores de convocatoria)Links es una obra de danza urbana que aborda la deshumanización en un mundo donde las personas son reducidas a números y estadísticas. Los personajes luchan por preservar su sensibilidad en un sistema implacable. Se presentará en la sala Delia Zapata el sábado 11 de noviembre a las 4:00 p.m. con entrada libre.El Bucaranueces Street por Guerreros del Asfalto (Colombia, ganadores de convocatoria)Es la adaptación del clásico cuento navideño ‘El Cascanueces’ situada en el año 2023. Los asistentes podrán disfrutar de la función en la sala Delia Zapata el jueves 9 de noviembre a las 6:00 p.m. con entrada libre. La obra combina distintos estilos de danza para contar la valiente lucha del Bucaranueces contra el Rey Rata.Escucha lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Una de las grandes producciones del Teatro Nacional este 2023, llega el 19 de octubre al escenario de La Casa del Teatro Nacional. Orestíada, la adaptación contemporánea de la feroz tragedia de Esquilo recreada por la mente creativa del brillante Robert Icke, dirigida en Colombia por Pedro Salazar y llevada a las tablas por un gran elenco.La historia de la venganza de Orestes, desde el asesinato de su hermana Ifigenia a manos de su padre Agamenón (Juan Camilo Prada), hasta el juicio que lo exime del asesinato de su madre, Clitemnestra (Camila Valenzuela), nos enfrenta, a través de una mirada mítica al trauma, la culpa, el sacrificio, la venganza, la justicia y la desintegración de la familia en medio de la guerra.En este montaje contemporáneo, Icke se centra en la mirada femenina sobre la tragedia de la Casa de Argos de Clitemnestra y en el porqué de sus acciones, y sitúa a Orestes, en el medio. No solo como el asesino de su madre y su amante, sino como la conciencia que recompone la concatenación de acciones que han conducido esta historia a un final tan funesto.En cuanto concepto escénico, esta versión de Icke, combina elementos tecnológicos con la interpretación viva de un elenco sorprendente, Erik Rodríguez, Camila Valenzuela, Juan Camilo Prada, Natalia Ramírez, Juan Manuel Barona, Martha Millán, Manuela Salazar, Matilde Acevedo, David Suárez y Juan Pablo Gómez quienes reflexionan entre monólogos filosóficos y charlas de peluquería, con un discurrir liviano que en ningún caso simplifican la complejidad de la sangrienta historia.Esta nueva versión contemporánea de Orestíada, está atravesada por un eje temático universal, la guerra. Que se encuentra profundamente ligada al contexto colombiano en relación con las grandes familias terratenientes y militares que han manejado los hilos de esta.«Son muchos los temas de esta adaptación que se relacionan con las preguntas que nos hacemos los colombianos en relación a, la justicia, la venganza, las consecuencias de la violencia. De otro lado, la puesta en escena contemporánea en manos de Pedro Salazar es un aporte que el Teatro Nacional propone para la diversidad de un lenguaje siempre cambiante y que se fortalece con nuevas interpretaciones de los textos clásicos». Afirma Nicolás Montero, director artístico del Teatro Nacional.Otro aspecto importante en esta actualización creada por Robert Icke, es el papel de los medios de comunicación en la guerra. Hay toda una zona de la obra que se especializa en mostrar el modo en que los medios masivos sacan a la superficie del mundo social aspectos de lo privado, al tiempo que banalizan los asuntos de interés público. Para ello se usan en el montaje dispositivos de video que están a cargo de la videógrafa Carmen Gil."La casa de Agamenón es la casa de los grandes generales de un país como Colombia, responsables de una parte de su tragedia. Vale la pena instalarse en esta zona poco explorada del circuito de la guerra, reponer una pieza más en su cartografía, con toda la seriedad que el asunto merece", comenta el Teatro Nacional.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La sordoceguera es un desafío. Una condición en la que la persona experimenta simultáneamente deficiencia auditiva y visual, lo cual convierte tareas sencillas y cotidianas en grandes retos. A esto se suman circunstancias sociales y espaciales que en una ciudad como Bogota no permiten el óptimo desarrollo de aquellos que la padecen. "Con Sentidos" es una obra de teatro que invita a explorar la sordoceguera desde una perspectiva completamente nueva, invitando al público a conocer las vidas de sus protagonistas, quienes no solo desafían la adversidad, sino que también muestran belleza, empatía y perseverancia.La obra que llega en tres únicas funciones el 20 y 25 de octubre a los escenarios de las universidades Pedagógica, Nacional Abierta y a Distancia y Distrital Francisco José de Caldas. Narra la historia de una familia que se enfrenta a la posible paternidad de uno de sus hijos. Hecho que desata una serie de preguntas y situaciones que reflexionan sobre las condiciones idóneas de vida que debe tener una persona en condición de discapacidad.Con una gran dosis de humor, donde se burlan de sus propias carencias, pero también de fortaleza para afrontar los desafíos planteados en la obra y en sus vidas, Cristina Velandia, Pedro y David Quintero, Pilar Barragán y José Richard Gallego llevan al público en un viaje único y conmovedor. A partir de diálogos cortos y acciones precisas, que reflejan sus experiencias diarias, buscan dar otra mirada a esta condición, así como sensibilizar a los espectadores de sus necesidades y capacidades.El proceso de creación de la obra implicó una inmersión profunda en las vidas y particularidades de cada uno de los actores. Para entender que Pedro y José Richard, padecen el Síndrome de Usher, una enfermedad hereditaria que causa sordera temprana y deterioro de la visión, o que David tiene Glaucoma Congénito con pérdida auditiva desde su nacimiento. Además, cada uno, necesita un sistema de comunicación diferente como: voz amplificada, escritura en la palma de la mano, braille manual o lengua de señas, por lo cual están en permanente acompañamiento de los guias - intérpretes Jennifer Villamil, Katherine González y Enrique King, ellos logran aterrizar el universo teatral al de las señas.Aunque se han superado obstáculos, llevar este proyecto al escenario no fue una tarea sencilla. En Bogotá más de 18,000 personas en condición de sordoceguera enfrentan diariamente dificultades para acceder a la educación, encontrar oportunidades laborales, lidiar con una infraestructura pública inadecuada y prejuicios por parte de las personas regulares. Por eso “Con Sentidos”, desea crear emociones profundas.“La intención es evitar la victimización de la discapacidad y, en su lugar, mostrar a los personajes como seres humanos, personas creativas, con una capacidad de imaginar muy alta y que cuentan con un universo sensorial único. Que despiertan empatía en el público, pero sin provocar lástima”, afirma Rodrigo Susa, quien asume junto a Sara Barbosa la dirección de este proceso, el cual surge en el 2015 como un espacio para la utilización del tiempo libre para personas en condición de sordoceguera, donde el teatro y el arte se convirtió en la principal herramienta.CON SENTIDOS - Entrada LibreFunción 1: Universidad Pedagógica Nacional - calle 72 #11-86 TORREÓN B323, viernes 20 de octubre a las 3:00 p.mFunción 2: Universidad Nacional Abierta y a Distancia - Calle 14 Sur #14-23 - miércoles 25 de octubre a las 11:00 a.mFunción 3: Universidad Distrital Francisco José de Caldas - Sede Aduanilla de Paiba- Cl. 13 #31-75 – miércoles 25 de octubre a las 3:00 p.m
Nacido en Buenos Aires en 1932, Jorge Lavelli viajó a París para estudiar con Charles Dullin y Jacques Lecoq.En 1963 se dio a conocer en Francia con su versión de "Boda" del polaco Wiltold Gombrowicz, que le mereció el gran premio de puesta en escena en un concurso de compañías jóvenes.Naturalizado francés en 1977, fundó una década después y dirigió hasta 1996 el teatro parisino de La Colina, dedicada a la dramaturgia contemporánea.Lavelli creó un estilo propio a la hora de sorprender al espectador con efectos de escena inesperados. Reveló al mundo la obra de Gombrowicz o del argentino Copi, que mezclaba humor y tragedia."El teatro no es hablar, lo que tiene importancia para el actor es expresar, significar algo, entrar y salir de un mundo complejo, pero siempre sorprender. Yo sería capaz de poner en escena la guía telefónica", dijo Lavelli en 2015.Puso en escena a los más grandes del siglo XX, entre ellos Eugène Ionesco, Fernando Arrabal, Lars Noren, Pierre Bourgeade o Serge Rezvani. Firmó puestas en escena del repertorio lírico para la Ópera de París o el Teatro Colón de Buenos Aires, donde en 2014 puso en escena Idomeneo, de Mozart.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
Perplejos y llenos de curiosidad, aunque estén apurados por llegar a la oficina o volver a casa, quienes pasan por el Teatro Solís se detienen sin dudarlo a observar y fotografiar el conjunto de plantas que cubre la fachada que encabeza en letras blancas un "Macondo". Tocar el hielo"Muchos años después, frente al pelotón de fusilamiento, el coronel Aureliano Buendía había de recordar aquella tarde remota en que su padre lo llevó a conocer el hielo". Así comienza la novela que da pie a una obra donde antes de ir a la sala se puede desde tocar el hielo hasta conocer a los gitanos macondianos y que se autodefine como "una aventura del sí".Así al menos lo asegura a EFE la dramaturga Marianella Morena, quien junto a Paula Villalba dirige el espectáculo de la Comedia Nacional -elenco estable de la capital- estrenado el pasado domingo y destaca cómo hacer esta obra fue evitar decir "no" y animarse a hacer algo innovador."Es un canto literalmente a la libertad, a una forma de pensar, crear y producir desde lo polifónico, donde hay un colectivo enorme de artistas que trabajamos para proyectar, pensar y relacionarnos con un material previo", dice, y la compara, por "completamente experimental", con un laboratorio armado "en tiempo récord".Sobre cómo dio con la idea germinal del proyecto, que trasciende lo teatral al rodearse de charlas, conciertos, talleres y otras actividades, el director de la Comedia Nacional, Gabriel Calderón, explica que fue en la planeación de una temporada dedicada a los "nuevos clásicos", cuando se mencionó a "100 años de soledad"."Tuve hace años un proyecto con el Teatro Nacional de Croacia, que me había invitado junto a un director argentino amigo, Luciano Delprato, a hacer '100 años de soledad' y en ese momento no lo llegamos a hacer pero habíamos planteado hacer 100 monólogos en el teatro. Con esto empezó la idea", cuenta.Después, añade, pasó "lo que pasa cuando invitas a artistas", aportaron muchas nuevas ideas y se solidificó la de que, como la novela leída en voz alta "lleva 14 horas" y era "imposible" escenificarla, unos 40 autores latinoamericanos aportaran textos para montar una versión propia."Transportar 100 años de soledad literariamente a la obra de teatro era algo que no queríamos hacer, nos decíamos 'quien quiera ver 100 años de soledad que se compre el libro y la lea, que está ahí es perfecta, nosotros tenemos que hacer otra cosa'", remarca Calderón. ¿Rosie la remachadora o Úrsula Iguarán?Bajo la araña de cristal del Teatro Solís, que quedó dentro de una tienda hecha de coloridas telas, una gitana invita a conocer el futuro. Junto a ella unas hojas cuentan historias: la cubana Elaine Vilar, el colombiano Fabio Rubiano o la uruguaya Fernanda Trias juegan con los personajes de la insigne novela garciamarquiana."Esa posibilidad de pensar también un espectáculo que se va escribiendo y se va creando sobre la marcha habilita poder introducir estas otras miradas, 'yo lo miro desde acá', 'yo ingreso esta otra posibilidad'", acota Morena, quien señala que toda revisión emergen "contextos de escritura" con los que había que dialogar.Así, sobre el carácter feminista que acompaña una puesta musicalizada a la vez por la Banda Sinfónica y la Orquesta Filarmónica y donde hay desde canto hasta intervención audiovisual, dice que no fue "una decisión" sino que se dio por la cantidad de personajes femeninos, Úrsula Iguarán, Rebeca, Amaranta, Remedios, Pilar Ternera, entre otras."Ese fue el germen o el generador de que aparecieran tres Úsurlas, que aparecieran tres Rebecas o que aparecieran textos que tienen un perfil muy feminista", expresa quien dice haber imaginado que habría "una manifestación feminista en la puerta" contra algunos de los textos basados en la novela de 1967.A lo que el embajador de Colombia en Uruguay, Juan José Quintana recuerda que García Márquez es "el colombiano más importante de la historia", pues "escribía tocado por la gloria", revela que le sorprendió "mucho" el multifacético abordaje de "Macondo"."No tengo duda que va a generar reacciones críticas, porque contiene mensajes políticos, de género, de sátira (...); seguramente habrá gente que no comparta todos, pero pues es arte, representación cultural y claramente el cielo es el límite", redondea.En esto coincide con Moreno, quien preguntada sobre la posibilidad de llevar la obra fuera de Uruguay dice que por ahora no existe y reivindica lo significativo de que, en su lugar, se viaje para verla."(En Uruguay) estamos muy acostumbrados a generar turismo, vamos a ver espectáculos, y está bueno también que se empiece a concebir que Montevideo puede ser un foco de atracción turística a nivel de espectáculos, como lo es Buenos Aires, entonces que vengan a vernos", invita.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El realizador argentino Hernán Rosselli, que estrenó este jueves su película Algo viejo, algo nuevo, algo prestado en la Quincena de Cineastas de Cannes, asegura que el sector está "en estado de completa alarma" por los recortes del Gobierno de Javier Milei, que "ataca" al cine todo el tiempo."Estamos todos en estado de completa alarma. En principio porque el INCAA (el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina) está paralizado desde diciembre y desde el Gobierno de Javier Milei se ataca todo el tiempo al sector de la cultura y del cine", lamentó Rosselli."Da la sensación -prosiguió- de que entendieron que ahí había una batalla, una batalla cultural por dar, como que sintieron que había mucha gente de izquierda de repente en el cine. Y la verdad que es bastante desalentador el panorama".Con el INCAA ya paralizado en la primera mitad del año, "la industria "ya cree que este es un año perdido", advierte Rosselli, dado que "ya no va a haber más rodajes" al margen de algunas películas de grandes plataformas este año."Los técnicos se van a disputar por trabajar y es la pérdida de miles y miles de puestos de trabajo", denuncia más allá del aspecto puramente artístico este cineasta, que acude por primera vez a Cannes gracias al tercer largometraje de su carrera.Pese a todo, la ofensiva contra la industria cinematográfica lo que ha logrado es "unir al sector", considera el Rosseli, algo que no es fácil normalmente.Y es que el cine argentino es "único en la región", sostiene Rosselli, y "probablemente el más diverso de Latinoamérica", con grandes películas industriales, mucho cine independiente, revistas y cineclubes, que demuestran que es "un pueblo muy cinéfilo".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Una matriarca del juego clandestinoAlgo viejo, algo nuevo, algo prestado cuenta la historia de los Felpeto, una familia que regenta un negocio clandestino de lotería y apuestas en los suburbios de Buenos Aires.Tras la muerte del padre, es la matriarca la que debe hacerse cargo de las quinielas ilegales, las cuentas y las relaciones con otros corredores.Pero la película, que utiliza metraje antiguo de los verdaderos Felpeto que participan en la película y que usa un estilo muy documental, se asemeja más a una inmersión en la vida real -con tintes de cine de mafia- de una familia verdadera."Evidentemente es una ficción, porque yo estoy accediendo a momentos de intimidad muy grandes que en un documental no sería posible", matiza.Lo que busca Rosselli es que la audiencia "se esté un poco preguntando todo el tiempo por la naturaleza del material", y sobre si las personas que está viendo en la pantalla son actores interpretándose a sí mismos o si por el contrario son personas reales."Eso me parece interesante", detalla el cineasta, que ve en esa propuesta diferente una de las claves por las que su obra fue seleccionada para la Quincena de Cineastas (antes Quincena de Realizadores)."La gente que está acostumbrada y trabaja de ver películas se vuelven como una especie de taxistas audiovisuales, donde están acostumbrados a ver lo mismo, incluso los tópicos del cine de autor, que a veces es más pesado. Es preferible ver una buena película industrial que una mala película de autor", opina."Y creo que cuando aparece algo que un poco se desvía en la lógica de dar la información de siempre y te logra cautivar a pesar de que trabajas bien 200 películas, como que ahí, según me dijeron, eso les atrapó", concluye.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este sábado, 18 de mayo, la música y el talento afro será el tema de encuentro durante la cuarta edición del festival Top Show Colombo, un espacio artístico que le apuesta a resaltar la riqueza de la cultura musical de Colombia y Estados Unidos.El concierto de este sábado será la segunda entrega de este festival, que como primer gran evento tuvo un concierto en el teatro El Ensueño, al sur de Bogotá el pasado 4 de mayo. Yoky Barrios, Alexis Play, Los Dioses del Ritmo y la banda de jazz estadounidense Moods of her fueron los artistas invitados.El segundo escenario en el que el Centro Colombo Americano de Bogotá, en alianza con la Embajada de Estados Unidos en Colombia e IDARTES, traerán a reconocidos artistas afrocolombianos será el teatro al aire libre, la Media Torta, en el centro de la ciudad.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Este año vamos a gozar de nuestro poder afro en dos escenarios muy especiales de la ciudad de Bogotá”, anunciaron los organizadores del festival. En el concierto podrán ver a artistas como la cantante y compositora Mabiland, Tostao ft. exótico pal mundo, al salsero Mauro Castillo, y a Herencia de Timbiquí.La entrada al concierto, que inicia a las 2:00 de la tarde, estará habilitada desde la 1:00 p.m., procure llegar con tiempo pues el ingreso será en orden de llegada. Además, les recordamos que es un evento gratuito y un espacio amigable con las mascotas.Para entrar en ambiente, compartimos la playlist del evento:🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El próximo sábado tendrá lugar en el auditorio León de Greiff, la casa habitual de la Filarmónica de Bogotá, un homenaje a las y los docentes de la Universidad Nacional de Colombia. En total, esta institución educativa tiene en sus sedes de todo el país cerca de 3.000 educadores que se encargan de formar alrededor de 60 mil estudiantes, de los cuales el 87% son de pregrado. “Para la Filarmónica es un orgullo hacer parte de este merecido homenaje a los educadores de la Universidad Nacional a través de la música que, como la educación, es un importante vehículo de transformación social”, asegura David García Rodríguez, director general de la Filarmónica de Bogotá. Con esta presentación musical, que hemos llamado “Tejiendo futuro”, la Filarmónica de Bogotá se une a la tradicional celebración preparada junto a Bienestar y Patrimonio Cultural de la institución educativa. En homenaje a las y los docentes, la Orquesta interpretará una obra memorable del colombiano Jesús Pinzón Urrea, un concierto para violonchelo de Antonín Dvořák, y una impactante sinfonía de Leoš Janáček. El 29 de octubre de 1974, la Filarmónica de Bogotá estrenó la obra “Gráfico I”, de Jesús Pinzón Urrea (1928-2016), una propuesta musical en la que el compositor reemplazó los signos tradicionales del pentagrama por líneas, puntos, jeroglíficos y figuras geométricas que debían ser descifrados por el director y los intérpretes. Cinco décadas más tarde, la Orquesta se reencuentra con esta pieza y lo hace en una versión especial dirigida por Rubián Zuluaga.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí. José David Márquez, músico de nuestra agrupación principal, será el solista en la ejecución del “Concierto para chelo”, de Antonín Dvořák (1841-1904). El compositor checo creó esta obra durante el tiempo comprendido entre 1894 y 1895, cuando aún se encontraba en Estados Unidos, país al que llegó en 1892 para desempeñarse por tres años como director de una escuela de música en Nueva York. Muchos expertos consideran a Leoš Janáček (1854-1928) como uno de los compositores nacidos a mediados del siglo XIX que asumieron el reto del cambio y la actualización del lenguaje musical. Una muestra de ello es su obra “Taras Bulba”, creada en 1918, con la que la Filarmónica de Bogotá finalizará el homenaje a los educadores de la Universidad Nacional de Colombia este sábado 18 de mayo (4:00 p.m.) en el León de Greiff, con entrada libre hasta completar aforo.El repertorio de este concierto se interpretará también el viernes 17 de mayo (7:00 p.m.) en el Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Ellas empezaron a hacer preguntas difíciles y me di cuenta de que esa era la definición de crecer: ese momento en el que sientes que tienes que dejar de ser un niño para entrar al mundo real y por eso quise escribir esta película, para decirles que no tienen que hacer esa elección, que siempre pueden tener un poco de ambos", explica en una entrevista con EFE.Durante la pandemia de covid-19, el también actor, más conocido por su papel de Jim Halpert en la serie 'The Office', comenzó a darse cuenta de hecho de que "el mundo real" estaba "entrando demasiado" en los juegos imaginarios de sus hijas.El filme de Paramount escrito, producido y dirigido por él, que se estrena este viernes, sigue la historia de Bea, una niña de 12 años que perdió a su madre cuando era más pequeña y que ahora teme por la salud de su padre, quien pasa los días en el hospital a la espera de una complicada cirugía.Mientras la operación llega, Bea (Cailey Fleming) se da cuenta de que tiene el superpoder de ver a los amigos imaginarios que han sido olvidados por las personas y junto a Cal, un hombre misterioso encarnado por Ryan Reynolds, luchará para que estos sean recordados.A lo largo de la película la pequeña se debate entre rechazar la infancia por la que aún atraviesa o aceptar lo dura que es la vida, pero su padre, interpretado por Krasinski, no deja de impulsarla a seguir soñando."Cuando llegué a la sala de edición me di cuenta de lo que se parecía la situación a mi vida. Esta niña está a punto de dejar de serlo y vi que ese día le llegará muy pronto a mis hijas", comenta el actor de 44 años, quien junto a la también actriz Emily Blunt es padre de dos niñas llamadas Hazel y Violet.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Aunque la cinta está enfocada a un público jóven, Krasinski espera que los espectadores puedan mirar hacia atrás y recordar los momentos felices de la infancia en la que los problemas carecían del peso y no existían las apariencias impuestas de la adultez."Parece sencillo, pero como adulto es muy difícil recordar que hubo un tiempo en el que no te importaba que la gente te viera disfrazado de pirata o con alas de mariposa", comenta.El filme cuenta con un gran número de personajes inspirados en los propios amigos imaginarios de sus hijas, como Marshmallow, a quien Krasinski prestó su voz. Otros fueron inspirados en la personalidad de sus amigos.Por ejemplo Bleu, a quien escribió pensando en su coestrella de 'The Office' Steve Carrell; Blossom, creado para Phoebe Waller-Bridge, o el oso Lewis, para Louis Gossett Jr.."Lo más conmovedor para mí con este reparto fue que todos firmaron por la misma razón: dijeron que les encantaba el mensaje de conectar con tu niño interior", relata.Krasinski debutó como escritor y director en 2009 con 'Brief Interviews with Hideous Man' y repitió sus habilidades multitarea en la saga de ciencia ficción 'A Quiet Place', protagonizada por él mismo y Blunt y que tuvo gran aceptación por la crítica especializada.Según el actor, llevar las riendas de todo un proyecto "es más fácil de lo que parece", y asegura que después de haber hecho un proyecto tan "oscuro" como 'A Quiet Place', 'IF' fue como estar sumergido "en una burbuja de felicidad"."La clave para mí es intentar no pensar demasiado en lo que voy a hacer a continuación ni analizarlo en exceso. Sólo tienes que esperar a que se te ocurra una idea que te guste tanto que tengas que hacerla", expone.Actualmente Krasinski se encuentra rodando como actor 'Fountain of Youth', película del británico Guy Ritchie que también tendrá en su elenco a la mexicana Eiza González y a la estadounidense Natalie Portman.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Principalmente porque para contar la historia de 'Fury Road' (2015), teníamos que conocer la historia detrás de Furiosa", explicó en una rueda de prensa sobre cómo decidieron poner en marcha 'Furiosa', precuela de la película de hace nueve años que protagonizó Charlize Theron.Cada película abre las puertas de otra historia de la saga, pero el realizador australiano afirmó que esperara a ver cómo funciona 'Furiosa', presentada fuera de competición en el festival, "antes de pensar" en nuevas entregas.En 'Furiosa', más allá de las brutales escenas de acción, que funcionan casi como una coreografía, el mayor acierto está en la elección de sus protagonistas, con un Hemsworth tan divertido como cruel como el villano Dementus, y Taylor-Joy con la expresividad necesaria tan solo con sus ojos para interpretar a una Furiosa con muy poco diálogo en la cinta.Hemsworth, al que gustó una descripción de su personaje hecha por un periodista que dijo que es una mezcla de Darth Vader y Looney Tunes, resaltó que trabajó mucho con Miller para encontrar la humanidad en Dementus."Para George y para mí era importante encontrar la humanidad en el personaje y agregarle momentos de vulnerabilidad" para comprender que había sufrido mucho.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El actor no quiso justificar las acciones de su personaje, que simplemente responden a la lucha "por sobrevivir en un espacio brutal" y destacó la inclusión de algunos toques de humor, algo ausente en las películas anteriores de Mad Max. "He disfrutado cada segundo de esta experiencia", agregó.Mientras que para Taylor-Joy lo más complicado de su experiencia fue la parte física. La actriz de origen español y argentino se preparó mucho físicamente par encarnar a la guerrera Furiosa, tanto que desarrolló una gran amistad con la especialista que la ayudó, Hayley Wright."Ella es ahora una de mis mejores amigas en todo el mundo. En lugar de ser un ambiente de agresión, me decía: 'Te quiero, creo en ti, vas a poder hacerlo'". Y eso le dio la fuerza necesaria para realizar las complicadas escenas de acción. "Fue maravilloso", aseguró.'Furiosa' llega 45 años después del original protagonizado por Mel Gibson, una primera entrega que fracasó en Estados Unidos y que contaba con una mezcla de acentos en inglés que no gustó nada al director.Ahora está satisfecho de que 'Furiosa' sea finalmente "un 'Mad Max' con todos los acentos australianos". Y recordó divertido que cuando llegó a Estados Unidos a presentar aquel primer filme les preguntaban si eran austríacos porque no entendían su inglés.Una saga que ha ido evolucionando con el tiempo y que en cada película ha cambiado en el estilo y en los personajes, algo necesario para Miller. "Si te dedicas a repetir lo que ya has hecho, no hay ganas para hacer nada más (...) siempre me he dejado llevar por mi curiosidad".Esas ganas de aprender le llevan a estar más interesado en la forma de contar una historia que en la historia en sí misma, algo que queda claro en 'Furiosa', con una atención a cada detalle formal, lo que da como resultado una película que visualmente está muy por encima de un guion flojo.Miller reconoció esa obsesión por el más mínimo detalle para que todo lo que aparezca en cada imagen de la película ayude a contar la historia. "Hay una fuerte conexión entre la estética de los vehículos y de los personajes", apuntó el realizador como ejemplo.A lo que Taylor-Joy añadió que en cada personaje tenían que saber "exacta y detalladamente cada cosa que lleva" porque "no hay nada que esté ahí por accidente".Un equipo satisfecho con una película que para algunos ha sido más que un simple trabajo, como Hemsworth. "La saga de 'Mad Max' tiene un lugar en mi corazón", dijo el actor, que agradeció a Miller el haberle llevado a este proyecto y a los espectadores su pasión por la historia.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.