El equivalente a tres de sus 69 años los ha pasado metido en aviones y aeropuertos, cuenta por videoconferencia. Recorre una media de 1,6 millones de km al año, aunque en 2019 rondó los 2,5 millones. "¡Es como ir y volver seis veces a la luna en un año!", compara.Pese a que tenía miedo a volar, en 1990 no dudó en comprar una oferta de United Airlines que ofrecía un pase vitalicio por 290.000 dólares para viajar. "Fue puramente una decisión comercial", asegura.Entonces tenía una empresa de consultoría que se estaba expandiendo, en particular en Australia, y quería ahorrar dinero en viajes. Desde entonces está abonado al asiento 1B de los aviones de la compañía y sus asociadas.Un poco después se acogió a la opción de otro pase para un acompañante. "Esto significa que cualquiera puede acompañarme en mi itinerario. Si está en Nueva York ahora mismo le puedo proponer viajar a París esta noche. Simplemente nos encontramos en el aeropuerto con su pasaporte y mañana podemos cenar en la Torre Eiffel", explica.Que él sepa, solo seis personas optaron por esta fórmula dúo, por la que pagó en total 510.000 dólares, para lo que tuvo que pedir un préstamo en el banco, donde tuvo que esforzarse para hacerle entender al asesor que era un buen negocio y se justificaba el crédito.¿Huella de carbono?Stuker viaja una media de 20 veces al año a Australia, donde colabora para recaudar fondos para una fundación que lucha contra el cáncer infantil.Con una media de 36.000 kms a la semana y con tres aviones que United ha bautizado con su nombre, no le preocupa demasiado su huella de carbono, pese a que en las redes sociales alguna persona le ha deseado la muerte a él y a su familia por su contribución al calentamiento del planeta, dice.El problema, asegura, "no son los pasajeros", ni se resolvería viajando menos, sino que lo deben de resolver "las propias aerolíneas", lo que están tratando de hacer con aviones menos contaminantes, afirma.Sin embargo, el transporte aéreo contribuye entre 2,5 y 3% a las emisiones mundiales de CO2, pero su efecto en el calentamiento del planeta es más importante debido a las emisiones de otros gases y a las estelas de condensación.Para los científicos, la contribución de la aviación a un mayor calentamiento se detendría inmediatamente con una disminución anual sostenida del 2,5% del tráfico aéreo con los combustibles actuales o con una transición a una combinación de combustibles neutra en carbono en un 90% para 2050, un objetivo del sector.100 millones de millas y buena comidaComo viajero frecuente, ha acumulado más de 100 millones de millas que ha podido utilizar no sólo en viajes, sino en estadías en los mejores hoteles y restaurantes y en generosas tarjetas de regalo para familiares y amigos.Pero lo que más aprecia es que ha encontrado "una familia" en el personal de la compañía. "Lo mejor de muchos de mis días son mis conversaciones con el personal" de la aerolínea, dice antes de agregar: "Me conocen, nos contamos nuestras vidas y son las personas más encantadoras del mundo".Solo ha perdido un vuelo en su vida porque se durmió en la sala de espera. Y además de viajar, lo que más le gusta de los vuelos es la comida. "¡Tengo que empezar a reducirla!", dice tras haber ganado la mayor parte de los casi 30 kilos durante la pandemia, cuando redujo los viajes.A los viajeros les recomienda que madruguen para tomar los primeros vuelos del día, no sólo porque son más baratos, sino que suelen ser los más puntuales porque no acumulan retrasos; que no facturen maletas y sobre todo que mantengan el cinturón puesto todo el vuelo.Y si la aerolínea pierde la maleta, que no cunda el pánico. El seguro hogar que normalmente se contrata para las viviendas, cubre lo que no paga la compañía. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El reconocido periodista Heriberto Fiorillo falleció en la noche de este lunes 29 de mayo en su hogar a los 71 años. El también escritor, locutor y gestor cultural barranquillero deja un legado marcado por 40 años de carrera. Fiorillo se graduó como Comunicador Social y Periodista de la Universidad Javeriana de Bogotá. A los 25 años fue subdirector de la revista Cromos, y luego se convirtió en el editor del diario El Heraldo, precisamente de su natal Barranquilla, además de escribir para El Espectador. Dentro de su carrera también está el papel destacado que jugó en el desarrollo del cine-documental en la década de 1980, misma década en la que sería también subdirector y libretista del noticiero de las Siete, el cual tuvo mayor récord de audiencia noticiosa en Colombia, además de posteriormente ser director del Noticiero del Mediodía y el creador de Noticias Uno.Polifacético, también destacó en el campo de la literatura, con la publicación de los títulos "Arde Raúl", "La Cueva" y "Cantar mi pena", entre otros, asimismo, se desempeñó como locutor y productor de radio en Nueva York y además fue el director y creador de la Fundación La Cueva, organización que cuenta en la actualidad con uno de los premios literarios más importantes del país y del Carnaval Internacional de las Artes de Barranquilla. Hace dos años el Ministerio de Cultura, el El 16 de marzo de 2021 le entregó la medalla al mérito cultural, exaltando su "huella y un legado trascendental en Colombia y particularmente en Barranquilla. Él se ha destacado durante casi dos décadas por entregar a sus coterráneos un espacio que ha contribuido a la descentralización de la cultura y, como reza su eslogan, es un lugar único en el mundo”, según lo expresado por el ministro de Cultura de la época, Felipe Buitrago. “Este es un premio al trabajo que he desarrollado desde la literatura, el cine, el teatro y desde las artes en general. Este es un reconocimiento a un trabajo de ciudad y representa el esfuerzo desarrollado en pro de la cultura, no solo de Barranquilla, sino del mundo”, declaró Fiorillo en la ceremonia. Al conocerse la noticia, el alcalde de Barranquilla, Jaime Pumarejo Heins, propuso, como homenaje la creación de un concurso y un festival de cuento corto que lleve su nombre."Ojalá pudiéramos asegurarnos que el legado que él deja, como es la Fundación La Cueva, perdure por muchas décadas más y que nuevamente ese esfuerzo que él le metió a ese espacio, a esa fundación, al Carnaval de las Artes, pueda contar siempre con el apoyo no solo de la Alcaldía de Barranquilla, sino también de la empresa privada”, agregó. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Héctor Juan Pérez Martínez nació en Ponce en 1946, y desde muy pequeño la tragedia a su vida llegó: a los tres, con la muerte de Panchita, su madre, a causa de una tuberculosis y luego, a los diez, con la muerte de su padre, Luis. Así comenzó la historia del boricua más incomprendido que esperó su día de suerte, aunque siempre su condena fuera padecer en vida las canciones que cantaba. Muy joven y con apenas 17, se aventuró a viajar a Nueva York con el sueño de ser cantante y convertirse en sonero.En la gran ciudad, Héctor fue un aguacate de noventa libras que llegó para fajarse con los bravos. Allí, fue perfeccionando su estilo pasando por varias agrupaciones hasta que, auspiciado por Johnny Pacheco, conocería a Willie Colón, su colega. De este encuentro, la insolente e inexperta voz de Lavoe se unió con el agrio y poco técnico sonido del trombón de Colón y se cocinó en los estudios de Fania Records su primer trabajo discográfico. Nueva York fue la ciudad que le dio todo a Héctor, y también la misma que se lo quitó, incluso a su amigo Willie, que en 1974 le entregaría su orquesta.Detrás de esta decisión, estaba la naciente adicción que Lavoe tenía por las drogas, muy lejos de saber que se embarcaba en un crucero de placeres contra viento y marea, inocente de los tiburones de agua sucia que se le acercaron como si estuviera sangrando. Era la época dorada de la salsa y Lavoe acariciaba más que nunca la idolatría de sus fans y su condición iluminada con las manos, pero los descuidos y las irresponsabilidades en más de una ocasión acabaron con la disolución de su orquesta.Con el éxito, también aumentó los abusos de sus pérfidas adicciones acompañadas de severas depresiones y repetidas recaídas que lo llevaron a internarse en un hospital, donde la realidad lo tenía delirando mientras la prensa morbosa contaba que el cantante de los cantantes había perdido sus prodigios vocales por un maleficio de brujería. En sus siguientes álbumes poco a poco se ausentaron los buenos arreglos y los aciertos musicales escasearon. Sus letras, poco frenéticas y con un mensaje que iba más allá del hedonismo del malandro de "El Barrio", ocupaban ahora la cuota de éxito. La vida le empezaba a cerrar el paso y convertía su camino en tragedia, vivía su instinto autodestructivo sin descifrar la salida del laberinto de las drogas en el que estaba. Enfermo e inmóvil, decidió suicidarse. Él, tan impuntual como siempre, había decidido por primera vez cumplir una cita anticipada: la de su muerte. Pero esta nunca llegó. Su hazaña reveló una semiparálisis y un par de huesos rotos; su voz, intacta. A comienzos de 1992 su estado de salud se complicó y después del hermetismo y del secreto de su diagnóstico, se supo finalmente la verdad: La sangre de Lavoe estaba infectada con el temible SIDA. Este drama continuó agravándose más para el rey de la puntualidad. Ya estaba perdido para la vida. Nadie volvió a verlo, ni a mencionarlo, y como bruma, se fue desvaneciendo. En diciembre de ese año, un anónimo lo encontró tirado en una calle de Nueva York y lo internó en un centro de caridad para enfermos de SIDA. Allí y mientras estuvo internado, se dedicó a lo suyo, cantar, convirtiéndose en el paciente más famoso del hospital.Al ser desahuciado y luego de una complicación médica producto de un infarto y pasado el mediodía del martes 29 de junio de 1993, consecuencia de un segundo paro cardíaco, se fue yendo en silencio el más escandaloso sonero, víctima de las amenazas del mundo y del engaño de los negocios. En cuestiones de amor y de amistades, el pueblo fue su cómplice. Lo malcrió. Héctor Lavoe murió triste y vacío, de fracaso, de desamor por la vida, de pobreza, de angustia. La noticia de su deceso fue titular que alcanzó página entera. Así, se convirtió en mártir de la salsa, ese monstruo que ayudó a crear.
El cantante Bruce Springsteen vendió los derechos de su catálogo musical a Sony por unos 500 millones de dólares, informaron la revista estadounidense Billboard y el diario The New York Times. Esta venta, la más reciente de un frenesí de cesiones de derechos entre estrellas mundiales del rock desde 2020, incluye el catálogo musical grabado del artista así como sus creaciones como compositor, incluyendo éxitos como "Born in the U.S.A." o "Streets of Philadelphia", indicaron fuentes conocedoras del acuerdo a estos medios.Sony confirmó la adquisición en un comunicado, pero no detalló su monto. "Durante los últimos 50 años, los hombres y mujeres de Sony Music me han tratado con el mayor respeto como artista y como persona", dijo Springsteen en este comunicado de Sony. "Estoy emocionado de que mi legado continúe siendo cuidado por la compañía y la gente que conozco y en la que confío", afirmó.150 millones de discos"The Boss", como es conocido el roquero, vendió más de 150 millones de discos en medio siglo, tiempo en el que permaneció con el sello Columbia Records, filial de la multinacional japonesa Sony. Nacido en Nueva Jersey, Springsteen es una de las últimas estrellas de la música en vender su catálogo, siguiendo los pasos de Bob Dylan, Tina Turner o Neil Young, que lo hizo solo para una parte de su obra. Las adquisiciones de derechos musicales experimentan un boom, pues pueden resultar rentables en el largo plazo ya que el uso de cada canción genera el pago de derechos.Desde 2020, a raíz de la pandemia de covid-19, se han presentado grandes maniobras comerciales por la adquisición de derechos musicales, especialmente con el auge de plataformas de música en streaming. Los mercados financieros se muestran interesados por estos "portafolios" de artistas reconocidos capaces de generar flujos de ingresos estables por la explotación de sus obras.Transacciones recientes han alcanzado cifras astronómicas, que sin embargo no han sido oficialmente reveladas. En octubre, Tina Turner, de 81 años, vendió sus derechos musicales al grupo alemán BMG por una suma que se mantiene confidencial. El año pasado, Bob Dylan, de 80 años, vendió su catálogo publicado a Universal Music por un estimado de 300 millones de dólares. Mientras que Stevie Nicks, de la banda de rock Fleetwood Mac, hizo lo mismo con una parte mayoritaria del catálogo del grupo y habría obtenido 100 millones de dólares.El cantante estadounidense-canadiense Neil Young y el dúo Blondie también han firmado acuerdos por cantidades aún secretas, al igual que Shakira. Según expertos del sector, el aumento de precio en los catálogos de artistas comenzó antes de 2020 pero se dispararon con la pandemia debido a que los artistas se vieron privados de realizar giras y conciertos.
El 15 de diciembre de 1944, el reconocido director y trombonista Glenn Miller fue visto por última vez por una seguidilla de fans que le acompañaron minutos antes de entrar al aeropuerto de Clapham, a las afueras de Bedford, en Inglaterra, para abordar un UC-64 Norseman. Su destino era París para preparar el concierto de Navidad y elevar la cabizbaja moral de las tropas de su país que habían participado activamente junto con los Aliados durante la Segunda Guerra Mundial para derrotar a Hitler y su régimen. Aunque el conflicto estaba por terminar, ese sería su último viaje.Minutos después del despegue, justo cuando sobrevolaba el Canal de la Mancha, se perdió todo tipo de contacto con el aparato y no se volvió a saber nada de él. Tras pasar nueve días desde su partida, Glenn Miller fue declarado muerto, y con él, la desaparición de una de las figuras más importantes de la música en la primera mitad del siglo XX. Desde este momento, muchas cosas se especularon al respecto, todas por supuesto, susceptibles de debatir. Algunos rumores decían que había caído en manos de los nazis y que había sido torturado por el III Reich hasta su muerte; otros, decían que su muerte y su desaparición no era más que un montaje amarillista que había sido elaborado la prensa. Sin embargo, la teoría conspiratoria que ha tomado más fuerza durante las últimas décadas es la que sugiere que Miller fue abatido por un escuadrón de 139 bombarderos de la Real Fuerza Aérea Británica que volvían de una expedición en Alemania y que dejaron caer sus bombas sobre las aguas del Canal de la Mancha. Esta teoría ha sido desmentida por algunos expertos que aseguran que la RAF no mató al autor de "In The Mood" y que en cambio, el avión se estrelló en el agua.Aunque el día del siniestro hacía mal tiempo y había demasiada niebla, el avión estaba conducido por un piloto con experiencia, probablemente el accidente fue ocasionado por un error humano, que convirtió en letal un fallo mecánico. Según The Guardian, el avión estaba volando demasiado bajo y por ende, expuso al frágil aeroplano a congelarse, provocando que en cuestión de minutos, el motor dejara de funcionar correctamente, provocando que la nave se viniera a pique y se desintegrara al impactar con el agua, razón suficiente que podría explicar por qué nunca se encontraron sus restos.Para su tiempo, Glenn Miller era considerado el rey del swing, un ritmo bailable y alegre que se desprendía del jazz. Miller, que además de formar su propia orquesta se destacó como trombonista e inmortalizó grandes hits como "In the Mood", "Moonlight Serenade" y "Chattanooga Choo Choo".
Tal vez en la historia de Cuba no exista un cantante más completo como lo fue Benny Moré. Dotado de una fluida voz de tenor con la que fraseaba notas de amor con cadencia sinigual y con un innato talento para componer boleros, mambos y montunos, Bartolomé (como era su nombre de pila), llenó su leyenda de azares con esa herencia africana con la que, luego de robarse el show, ascendió rápidamente al cenit de la cultura cubana como una de las glorias más importantes de la isla.Su vida, como su obra misma, está rodeada de leyenda. De él es poco lo que se sabe con certeza. Se dice que es descendiente de Gundo, un príncipe negro congolés llevado a Cuba como esclavo y comprado por el dueño de una plantación, cuya propiedad pasó luego a manos de un conde que le impondría su apellido; y que luego, con su voz, Benny inmortalizó para gloria de su pueblo: Moré.De Benny se dice que fue hijo de una mujer criolla y el mayor de una veintena de hermanos que nació hace un siglo en Las Lajas, una ciudad de la provincia de Cienfuegos, en el corazón de Cuba. A muy temprana edad aprendió a interpretar la música campesina y a tocar la guitarra en los cañadulzales; a los diez años, ya daba serenatas y a los diecisiete, decidió irse a probar suerte a La Habana.El distinguido estilo de su ropa y lo desgarbado de su figura le envolvían de un exquisito donaire y de una poderosa magia en el escenario. Solía vestir siempre un saco zoot suit, largo y de solapas anchas, una batahola holgada y ceñida a la cintura que colgaba de sus hombros con tirantes y zapatos de estilo francés, rematando con un sombrero italiano de ala amplia y un bastón que llevaba bajo el brazo derecho y que solía convertir en batuta para dirigir su orquesta. Todo un gentleman criollo.Su prodigiosa voz lo llevaría a grabar por primera vez en una sesión con Miguel Matamoros y con él, vendría una seguidilla de éxitos interpretadas con las orquestas de grandes leyendas de la música tropical como Tony Camargo, Pérez Prado y Bebo Valdés. Con el pasar de los años, sus estelares shows se fueron eclipsando por un progresivo deterioro de salud, producto de una cirrosis que rápidamente consumió la vitalidad de su hígado y le habría de arrebatar la vida en el verano de 1963.Lo cierto es que nadie encarnó jamás el sentir de la música cubana como Benny; su estilo magnético, que embruja al espectador y lo envuelve en un frenesí colectivo, es quizás su mayor proeza. Para el mundo quedan mambos como "Bonito y sabroso"; guarachas como "Se te cayó el tabaco"; guajiras como "Cienfuegos"; boleros como "Dolor y perdón", "¿cómo fue?" y "mi amor fugaz", y para su pueblo cubano el inmenso orgullo de haberlo tenido como uno de sus más ilustres hijos.
Vincent van Gogh encarna quizás al genio creativo cuya obra cautivo a todos los públicos por su fuerza y energía expresiva. Su vida, breve y surcada de efusivas amarguras que le condenaron a la locura empujándole a un trágico final, constituyeron una parte fundamental de este pintor holandés de pinceles chorreantes de vigor y mucho color que transformó paisajes y objetos e hizo de la luz un exquisito estilo para la historia del arte, creando un lenguaje artístico y personal que influenciaría de forma decisiva el desarrollo de las principales vanguardias artísticas del siglo XX.Fueron treinta y siete años los que vivió Vincent y aunque como escribió en sus memorias, siempre se consideró un hombre de pasiones. Pero se equivocó: él era la pasión de un espíritu atormentado por la grandeza de unos ideales por los que sacrificó toda su vida. Lograr adentrarse en la mente de este genio es penetrar un alma capaz de renunciar a todo para comunicar sus más íntimos sentimientos aunque pese a sus más de cuarenta retratos, su rostro aún siga siendo un misterio.Todo en su vida está estrechamente entrelazado: su correspondencia, sus sentimientos y su vida; es una mezcla indisoluble y homogénea que no es común en cualquier artista. La proclamada locura que padecía Vincent se entrecruzó entre las absentas y el brandy que solía beber en el segundo piso del pueblo en que vivía. Algunos llegan a creer que poseía demencia sifilítica; otros en cambio, decían que sufría de esquizofrenia. No obstante, la versión más aceptada (y aceptada por algunos académicos) afirma que Van Gogh padecía de psicosis epileptoide de carácter hereditario.Los primeros conocimientos que aprendió, los adquirió de manera irregular, pues tan solo acudió a la escuela un año y pasó dos en un internado de Zevenbergen. En su adolescencia viajó a Bruselas donde sufrió su primer desengaño al no conseguir la mano de Eugénie Loyer, la hija de la posadera donde se hospedaba. Tuvo varios pasajes en su corta vida, entre los que vivió junto a los hombres más pobres en Borinage, reduciendo su dieta en agua y pan, dándolo todo a los más necesitados. En 1880 partió a Bruselas siguiendo el consejo que su hermano Theo le había dado: dedicarse a la pintura.Vincent asistió a la Escuela de Bellas Artes donde sintió gran admiración por la obra de Millet y su cercanía con las pinturas campesinas. Durante su estadía en la casa de su padre, se enamoró de Kee Vos, su prima, una reciente viuda que tenía a su cargo un niño de cuatro años. Pero nuevamente los desengaños vendrían luego que ella se rehusara a amarlo y al sentirse rechazado, huyó a Ámsterdam.Vincent reconoció en alguna de sus memorias que no le era posible vivir sin amor y se declaraba un hombre con pasiones. Temía en convertirse en una piedra si no encontrara una mujer pronto. En tanto como olvidó a su prima, conoció a Clarine Hoormik; ella no solo había posado de modelo para él, sino gran parte de su vida había ejercido la prostitución. Sin embargo, esta historia de amor no duraría mucho, pues Clarine lo abandonó luego de tener otro hijo. Van Gogh estaba solo de nuevo.Era 1883 y para entonces, este genio había pintado ya más de treinta y cuatro óleos y empezaba a vivir la etapa más productiva de su obra. Dos años más tarde, sufrió la muerte de su padre y las indiscriminadas acusaciones por el supuesto asesinato de Margot Begemann, una mujer que se enamoró obsesivamente de él y que al no ser correspondida, decidió envenenarse.Vincent viajó a Amberes y allí se reencontró con el sentimiento puro de Rembrandt y los colores de Frans Hal, donde desarrolló la etapa media de su obra antes de viajar a París en 1886 donde estableció una amistad con Toulouse-Lautrec. Allí en la ciudad luz consolidó su pasión por la estética japonesa, cuyas estampas que había empezado a coleccionar desde su estadía en Amberes, le proporcionaron más lecciones de arte que sus propias conversaciones con Pissarro, Gauguin y Signac.En París empezó a pintar flores, abandonando las gamas grisáceas de sus primeros óleos y adentrarse en una escalada de colores exóticos y vivos. El artista ya había pintado desde la heterodoxia a partir de conceptos puntillistas y simbolistas pero sin encontrar un estilo que fuese suyo. En 1888 llegó a Arles, la que consideró un sueño japonés por la gama de colores de sus paisajes y el lugar que habría de servir para asentar una comunidad de artistas que el había soñado una vez. Si Van Gogh encontró en París el color, en Arles encontró la luz que plasmó una y otra vez en los lienzos que pintó.Aunque fueron los girasoles los que le aglutinaron su sentir con el amarillo como la síntesis de la luz, fueron las intensas noches provenzales las que despertaron en él una gran pasión por las estrellas impregnando sus obras nocturnas de un vertiginoso dinamismo y una energía que no había aparecido en sus anteriores óleos. Una de sus obras capitales, "La noche estrellada", lo demuestra.Una persona altiva y segura como Gauguin no podría jamás entender un espíritu indefenso como el del apasionado van Gogh y en cambio, debía tener en cuenta que pudiera terminar enfrentándose violentamente con él. Y sí sucedió. Para diciembre de 1888, la situación entre estos dos viejos amigos se agravó al punto que Vincent intentó agredirlo con una navaja de afeitar y al no lograrlo, se cortó el lóbulo de una de sus orejas para entregárselo a una prostituta amiga suya.Aunque estos sucesos señalaron a Gauguin de intentar asesinar a su amigo, en aquella ciudad no simpatizaban para nada con el pintor extranjero y exigían que fuera recluido en un sanatorio mental. A finales de 1890 fue internado en Saint Paul de Mausole, lugar donde convivió con quince enfermos mentales. Allí aceptó perder el miedo a la locura, una enfermedad que el mismo creía padecer. Como si presintiera el fin de sus días, aceptó la propuesta de su amigo Pissaro de trasladarse a Auvers-Sur-Oise, muy cerca de París a casa del doctor Paul Gachet, un amante del arte que podría cuidarle.En casa del doctor Gachet, van Gogh siguió pintando y entabló una estrecha amistad con él hasta junio de 1890, cuando recibió una carta de su hermano Theo en que le contaba las penurias y la enfermedad que sufrían él y su esposa. Luego de visitar a su hermano, cayó en un nuevo episodio depresivo, lo que llevó a que esta vez se disparara una bala en el estómago. Herido y ensangrentado, logró llegar al albergue por su propia cuenta y donde falleció cerca de la una de la mañana del 29 de Julio de 1890. "Me gustaría ir a casa ahora", fueron las últimas palabras que pronunció antes de morir.
Tras permanecer hospitalizado varias semanas en el Hospital Country 2000 de Guadalajara, falleció esta madrugada Vicente Fernández, la leyenda de la música ranchera, tras complicaciones derivadas de la inflamación de sus vías respiratorias en los últimos días y por el cual tuvo que continuar con apoyo respiratorio y ser ingresado nuevamente a terapia intensiva. El charro de 81 años había sido internado desde el pasado 6 de agosto luego de sufrir una caída en su finca Los Tres Potrillos que le dejó una fuerte lesión en las vértebras cervicales y de la que no pudo recuperarse por sí solo.Durante su extensa carrera que comenzó en 1964, Vicente Fernández cosechó grandes momentos en la historia del cancionero popular en México, lo que le valió ser considerado un símbolo de la cultura hispanoamericana y uno de los mejores exponentes de la música ranchera, lo que le valió dos premios Grammy, ocho premios Grammy Latinos, catorce premios Lo Nuestro y una estrella en el paseo de la fama de Hollywood, alcanzando una cifra de 70 millones de copias vendidas hasta 2019.Vicente Fernández nació en Huentitán el Alto, en el estado de Jalisco el 17 de febrero de 1940, en el hogar de Ramón Fernández Barba y Paula Gómez. Con apenas 14 años de edad, la futura estrella de la ranchera participó en un concurso amateur en Guadalajara en el que obtuvo el primer lugar, y a los 20 años, Vicente debutó en un prestigioso programa de televisión llamado La calandria musical en el que interpretaba grandes éxitos de Jorge Negrete y Pedro Infante, su ídolo. El 27 de diciembre de 1963 se casó con María del Refugio Abarca con quien tuvo tres hijos: Vicente, Gerardo y Alejandro. Tras pasar varios meses cantando rancheras en el cabaret El Sarape junto al Mariachi Amanecer de Pepe Mendoza y el Mariachi de José Luis Aguilar, con su voz alcanzó fama local que luego se extendió a las regiones a través de la emisora XEX-AM. Tras audicionar varias veces sin conseguir éxito, solo sería hasta el verano de 1966 cuando Vicente firmó su primer contrato con la filial de CBS en México, con la que grabó su primer disco de larga duración, "La voz que usted esperaba", en el que destacó "La copa rota" de Benito de Jesús, y "Perdóname" y "Parece que fue ayer" de Armando Manzanero.Tras el explosivo éxito de su primer álbum, le siguieron varios trabajos de gran renombre como "¿Cuánto te debo?" de Dino Ramos y Roberto Cantoral en Palabra de rey (1969) y "La cruz de tu olvido" de Antonio Valdés en ¡Arriba Huentitán! (1972). Sin embargo, su primer éxito internacional llegó en 1973 con "Volver, volver" de la autoría de Fernando Maldonado. El tema lo consolidó rápidamente como uno de los más grandes cantantes rancheros de todos los tiempos, rompiendo hasta entonces todos los récords de ventas en Hispanoamérica, España y Estados Unidos. Para ese mismo año, incursiona por primera vez en el cine en la película Tacos al carbón, dirigida por Alejandro Galindo y encarnando a Constancio Rojas, un humilde vendedor de tacos al que un día le cambia la suerte al ganarse un automóvil y el premio mayor que sorteaba una marca de detergentes.El éxito estuvo seguido de la grabación de los boleros "Perdón", de Pedro Flores e interpretado junto al Mariachi de Gilberto Torres; y "Desvelo de amor", de Rafael Hernández. Para 1974 ya era conocido en todo México y su carrera empezaba a despegar con las primeras giras que ofreció en algunos países de Latinoamérica. Ese mismo año lanzó otra exitosa producción para el sello CBS: El ídolo de México, en el que se destacaron "El Arracadas" de Gilberto Parra, "Las llaves de mi alma", de su autoría, y "El rey" y "Que te vaya bonito", ambos temas compuestos por José Alfredo Jiménez.En 1975 lanza El hijo del pueblo, otra producción con la que mantuvo su récord en ventas y con la que inmortalizó otros temas rancheros como "La ley del monte" de José Ángel Espinoza y "El hijo del pueblo", dos temas que incluyó en las dos películas homónimas en las que participó como Maclovio Arrieta y Vicente Aurelio Martino López respectivamente. En 1976 reinterpreta en el álbum A tu salud a su ídolo Jorge Negrete con uno de los primeros temas que lo hizo famoso: "Preciosa", de Rafael Hernández, y en 1979 lanza El tahúr al mismo tiempo que participa como protagonista en la película del mismo nombre —en la que debutó como director asistente— que cuenta la triste historia de Martín Estrada, un hábil jugador de naipes, y el triángulo amoroso con la esposa de Raúl Vidal.A comienzos de 1980, visitó Colombia por primera vez, emprendiendo una larga gira por las principales ciudades del país. Ese mismo año lanzó El tapatío con el que llegó a los primeros lugares con "Que te vas, te vas" de Cuco del Toro, "De qué manera te olvido" de Federico Méndez y "No me sé rajar" de Carmelo Frayle. En 1983 publicó el álbum 15 Grandes con el Número Uno que vendió más de un millón de copias, y al año siguiente, protagonizó su primer gran concierto en la Plaza de Toros México, la más grande del mundo, con una concurrencia de 54.000 espectadores.En 1987 lanzó Dos Corazones, un álbum a dueto con Vikki Carr, y en 1989 volvió a tocar los primeros lugares con el álbum Por tu Maldito Amor, del que se desprende el éxito internacional del mismo nombre e inspirado en la desgracia de Federico Méndez, el primer director artístico del charro, quien se suicidó tras sufrir una decepción amorosa. En este álbum también se destaca "Aunque mal paguen ellas", cantada a dúo con el cantante brasileño Roberto Carlos y que fue un gran éxito en la radio.Al finalizar la década, Vicente Fernández ya había posicionado en la región otros grandes éxitos como "La diferencia" de Juan Gabriel en 1982; "¿De qué me sirve ser rey?" de Tirzo Paiz en 1984; "Motivos" de Italo Piazzolante en 1987, y el internacional "Mujeres divinas" de Martín Urieta en 1988 y que contó con la participación de Chamín Correa y su requinto. En 1990, produjo el trabajo Las Clásicas de José Alfredo Jiménez y en 1992, Qué de Raro Tiene, del que se desprenden el tema que da nombre al álbum y "Acá entre nos", ambos temas compuestos por Martín Urieta. En 1993 publica el disco Lástima que Seas Ajena en el que además del éxito homónimo, incluye "Nuestro Juramento" y una nueva versión del tema "Perdón" esta vez, acompañado por su hijo Alejandro Fernández.En 1995 publicó Aunque me Duela el Alma; en 1997, Estatua de marfil; en 1998, Me Voy a Quitar de En Medio; y en 1999, estuvo de gira promoviendo su nuevo trabajo discográfico que rendía un tributo al trío Los Dandys. Ese mismo año fue nominado por la academia musical para recibir el Premio por Mejor Trayectoria Artística, en los premios Ritmo Latino en el Anfiteatro Universal de Los Ángeles. En el nuevo milenio, su producción musical estuvo marcada por el tributo que rindió a Agustín Lara en 2002, y los álbumes Se me hizo tarde la vida en 2004 y La tragedia de un vaquero en 2006. El 25 de septiembre de 2007 lanzó al mercado su álbum Para siempre, certificado como disco de diamante y oro en México; mientras que con esta nueva producción alcanzó su sexto disco de platino en los Estados Unidos a solo semanas de su lanzamiento. El sencillo "Estos celos" se mantuvo por más de tres meses en el primer lugar de los principales listados de popularidad de la Música Regional Mexicana, mientras que el álbum alcanzó el Disco de Diamante y de Oro por la venta de más de 550.000 unidades vendidas, únicamente en México. Gracias a su gira alcanzó Disco de Diamante en Colombia y un reconocimiento especial por la venta de más de un millón y medio unidades vendidas de la misma producción, a nivel internacional. Además, la canción que dio nombre al álbum fue elegida como tema principal de la telenovela mexicana de Televisa Fuego en la sangre (2008).En 2008 grabó Primera fila, un concierto totalmente en vivo desde la Arena VFG, título de su primer material editado en el formato Blu-ray, siendo el primer artista hispanoamericano en incursionar en esta modalidad. Por esta nueva grabación, Vicente recibió doble Disco de Platino y Oro en México, Disco de Platino en Centroamérica, Disco de Platino en Colombia, y Doble Disco de Platino y Oro en los Estados Unidos, donde permaneció seis semanas consecutivas en el primer lugar de Billboard y se convirtió en el DVD musical más vendido del año en toda la industria discográfica estadounidense.El 14 de febrero de 2009, Vicente Fernández presentó un concierto en el Zócalo de la Ciudad de México con más de 220.000 asistentes. En julio de ese mismo año, lanzó su producción Necesito de ti, que logró nuevamente un Disco de Platino y Oro en México y Disco de Oro en Estados Unidos. En 2010 salió a la venta la producción El hombre que más te amó, producida por el propio Vicente y dirigido por Javier Ramírez y al año siguiente presentó el disco Otra vez, con el que participó en la inauguración de los Juegos Panamericanos interpretando el Himno Nacional de los mexicanos.El 8 de febrero de 2012 anunció su retiro de los escenarios, no sin antes realizar una gira mundial que se extendió hasta abril de 2016 cuando realizó su último concierto de despedida en el estadio Azteca, cantando alrededor de 45 canciones. Sin embargo, anunció que aunque era su último concierto, no se retiraba de la música. Desde entonces, su vida estuvo llena de enfermedades, desde vencer un cáncer de próstata hasta una delicada operación a causa de un cáncer de hígado. En agosto de 2013, Vicente Fernández fue hospitalizado por una trombosis pulmonar de la que logró salir invicto del hospital.Con la muerte de Vicente Fernández no solo desaparece la última gran voz de la ranchera del siglo XX, sino el último sobreviviente de los "cuatro gallos" —además de Jorge Negrete, Pedro Infante y Javier Solís— que nutrió al cancionero mexicano con sones, huapangos y corridos, y que proyectó a la música regional en Latinoamérica como la máxima expresión cultural de ese país.
A los 78 años falleció este viernes en su casa en Carmel Valley el guitarrista Michael Nesmith, uno de los integrantes fundadores de The Monkees, mientras se encontraba desarrollando una gira de despedida junto a su compañero Micky Dolenz, ya que ambos eran los únicos miembros sobrevivientes del conjunto juvenil que gozó de gran popularidad en la década de los sesenta.“Con infinito amor anunciamos que Michael Nesmith falleció esta mañana en su casa, rodeado de familia, en paz y por causas naturales”, afirmó la familia en un comunicado enviado a los medios norteamericanos. “Les pedimos que respeten nuestra privacidad en este momento y les agradecemos el amor y la luz que todos ustedes le han mostrado a él y a nosotros”, señalaron.Nesmith, nacido en Houston, Texas, el 30 diciembre de 1942, tenía 23 años cuando se presentó a las audiciones para unirse a a The Monkees. La banda se había formado alrededor de la figura de los productores televisivos Bob Rafelson y Bert Schneider, con la idea de aprovechar la influencia de la música pop y el alcance de la televisión, creando una serie de televisión que aunase ambos conceptos. The Monkees seguiría las aventuras de una banda de pop, ofreciendo canciones y actuaciones.El guitarrista se unió a Dolenz, Davy Jones, y Peter Tork, participando en la serie con la condición de interpretar las canciones compuestas por Tommy Boyce y Bobby Hart, encargados del departamento de producción musical del programa. Sin embargo, Nesmith consiguió interpretar algunos temas propios, los cuales acabaron por darle beneficios muy superiores a los del resto de compañeros.En 1966, The Monkees se estrenó en la NBC, convirtiéndose en un éxito instantáneo. El primer número uno del grupo llegó de la mano de Neil Diamond con I'm a believer, repopularizada casi cuatro décadas después por la banda Smash Mouth. Sin embargo, las críticas se manifestaron con sus miembros, tratados como una banda de rock falsa, prefabricada por la cadena. Desde entonces, la banda luchó por conseguir una mayor autonomía, componiendo canciones propias con las que pudieran competir con bandas de la talla de The Byrds o The Beatles. Con su tercer álbum, Headquarters, pudieron interpretar y escribir sus propias obras. Un año después, Nesmith abandonó el grupo y aprovechó para grabar su primer álbum en solitario, Wichita Train Whistle Songs, y fundar The First National Band, que bajo el sello RCA grabó otros dos álbumes en la década de los setenta.
"Lo que me parece bello, lo que me gustaría hacer, es un libro sobre nada, un libro sin ataduras exteriores, que se sostendría por sí mismo gracias a la fuerza interior de su estilo". Esto fue lo que le confesó Gustave Flaubert en una carta a Louise Colet escrita en 1852, y una frase que ya había inmortalizado de forma ampulosa y precisa en "Noviembre", su primera novela publicada diez años atrás cuando apenas tenía 20 años. En esta temprana obra, transgresora y algo irónica, Flaubert explora los sutiles mecanismos de la atracción erótica y los remordimientos provocados por las relaciones adúlteras y el lado pasional de las relaciones humanas, reuniendo en ella su fuerza literaria y su obsesiva preocupación estética del lenguaje, anticipándose así a ser uno de los más grandes literatos de la Europa del siglo XIX y situándose como un puente entre Balzac y Proust."Cuando leo a Shakespeare me vuelvo más grande, más inteligente y más puro. Llegado a la cima de una de sus obras, me parece que estoy en una alta montaña: todo desaparece y todo aparece. Ya no se es hombre, se es ojo; surgen horizontes nuevos, las perspectivas se prolongan hasta el infinito". Así seguía escribiéndole el joven en cartas a su amada Colet. Y si se trataba de amores, Gustave sabía distinguir entre la vanidad y el orgullo. En cierta ocasión, Louise le reprochó no destinarle más atención a ella increpándole de arrogante y vanidoso, a lo que Flaubert le responde que la arrogancia no es su fuerte y que tampoco lo es la vanidad, porque por principio se consideraba un ermitaño.Mientras que Flaubert escribía sobre el orgullo, al que llamaba un oso blanco soberano sobre un tempano de hielo, aseveraba que la vanidad era como un loro que parloteaba de rama en rama escandalosamente buscando atraer las miradas. Curiosamente, Gustave tenía tendido sobre su casa una piel de oso blanco, sobre la cual se tendía a pensar y a escribir, y con la que con cierta sorna admitía el orgullo de parecerse a este animal imposible de acariciar. Quizás de allí, de sus letras, de su estilo y de sus historias, haya algo del espíritu salvaje y huraño del que siempre bebió.Pero al final de su vida, sentía un gran disgusto al ser especialmente conocido por "Madame Bovary", una novela que, para él, tenía el tema menos sublime de cuantas escribió. “¡Nunca en mi vida he escrito algo más difícil que lo que hago ahora, diálogos triviales!”. “¡Tengo que hacer hablar, en estilo escrito, a gentes de lo más vulgar!”, se lamentaba el escritor ya enfermo en su lecho de muerte.Aunque Flaubert fue uno de los escritores más importantes de su tiempo, tras la publicación de “Madame Bovary”, la burguesía provinciana se resintió de que él fuera la máscara de la moral y la decencia religiosa que los retrató en toda su estupidez:, desde Charles Bovary y el pastor de la aldea ficticia de Yonville-l'Abbaye hasta el farmacéutico Homais. Sin embargo, la satisfacción que sintió la sociedad en Rouen fue inmensa cuando fue acusado por primera vez en 1856 después de la primera publicación de su novela, siendo acusado de violar "la moral y la religión". Sin embargo, después del juicio Flaubert se convirtió en un autor de superventas con más de 30.000 copias vendidas. "Retomaré mi vida plana y tranquila, en la que las frases sean solo aventuras en la que no recoja más flores que metáforas. Escribiré como en el pasado, escribiré por placer, para mí", le escribió a Madame Schlésinger en una de sus cartas. Pero el arte era lo último para Flaubert. A veces le tomaba varias noches escribir una frase o cambiar algunas palabras. "Una frase es viable si se adapta a todas las exigencias de la respiración. Sé que es bueno cuando puedo leerlo en voz alta", decía. El arte le servía como un escudo protector contra las exigencias irrazonables de la realidad y cuyo eterno glamour le hacen un maestro de su tiempo y con el que se considera que nace la modernidad literaria.Pero por encima de estas novelas se encuentra "L'Éducation sentimentale", la historia moral de Flaubert sobre los hombres de su generación; su novela que hace época, ingeniosa, grandiosa y desilusionante con los numerosos e impresionantes cuadros escénicos y, por último, pero no menos importante, una base autobiográfica. La novela comienza en el vapor del Sena con Frédéric Moreau y Madame Arnoux. El joven Frédéric se las arregla para agarrar su largo pañuelo con las rayas moradas antes de que caiga al agua. La escena se inspira en el bello incidente que tiene lugar en la vida real de un joven Gustave de quince años en una playa de Normandía en 1836, donde encuentra una bata roja con rayas negras que la marea amenaza con arrastrar. Ese albornoz pertenece a Madame Schlésinger, una mujer casada, que es once años mayor que él y de la cual el futuro escritor se enamoró. Ella es "el único amor" de su vida, dirá más tarde en las “Mémoires d´un fou”. El amor de Frédéric por Madame Arnoux, por otro lado, es el único, verdadero, de toda la vida, a pesar de algunas aventuras amorosas.Las letras compensan la distancia de Flaubert y el rigor de la forma en su literatura. En ellas, Flaubert se desahoga con letras espontáneas, drásticas e inmediatas. Más de tres mil han sobrevivido; en Francia están disponibles en volúmenes en estuches, dispersos, seleccionados en alemán. En el ocaso de su vida, manifiesta en “Bouvard y Pécuchet” su desprecio burgués, incluso al burgués que habitaba en él mismo. En esta obra, Bouvard y Pécuchet son dos enciclopedistas para los que todos sus conocimientos son inútiles, excepto por la idea de que este conocimiento siempre será insuficiente, en realidad no saben nada. Este saber a medias, impregnado de ignorancia y sinsentido, se refleja en las frases vacías que Flaubert recogió en su "Diccionario de lugares comunes" desde 1850 con ideas grandiosas y modismos vacíos con los que el mundo conmemora, luego dos siglos de su nacimiento, que la estupidez sigue siendo universal y que como Flaubert dijo en "Salambó": “escribir es vivir”.
El 23 de abril de 1616 es un día histórico para la literatura universal, pues ese mismo día el mundo se despedía de tres grandes escritores, cuyas letras quedaron plasmadas en la historia y se siguen leyendo de generación en generación alrededor del mundo.Pese a que falleció un día antes, el 23 de abril en Madrid, España, fue el funeral de Miguel de Cervantes Saavedra, el novelista, poeta y dramaturgo más famoso del país europeo, reconocido principalmente por ser el autor de La Galatea (1585) y Don Quijote de la Mancha (1605).Mientras Madrid despedía a Cervantes, al sur de España, en Córdoba, fallece Inca Garcilaso de la Vega, cronista y escritor del período colonial español en América, quien nació en Cusco, Perú en 1539.Como si esa no fuera una gran coincidencia, ese mismo 23 de abril en Stratford-upon-Avon, Reino Unido falleció William Shakespeare, poeta, dramaturgo y escritor, uno de los más grandes de la historia, recordado, entre otros, por tragedias como Hamlet, Romeo y Julieta y Macbeth.Esta suma de momentos históricos hicieron que fuera el 23 de abril el día elegido para celebrar el Día Internacional del Libro. Una fecha proclamada por la Conferencia General de la UNESCO en 1995 con el fin de “rendir homenaje a los libros y a los autores y fomentar el acceso a la lectura para el mayor número posible de personas”.Para acompañar esta conmemoración, en la HJCK le recomendamos cinco novelas históricas que, además de ser ricas en su narración, reviven importantes momentos ocurridos alrededor del mundo y transportan al lector a ambientes que quizás hoy parecen ficción, pero son parte de la memoria.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“El barracón de las mujeres” (2024) Iniciamos esta lista con una novela reciente, de la escritora, investigadora e historiadora española Fermina Cañaveras. Esta novela relata la historia de las mujeres españolas que fueron obligadas a prostituirse en el campo de concentración de Ravensbrück al norte de Alemania, durante la Segunda Guerra Mundial.“Personajes reales y ficticios, un horror inimaginable, pero también amistad, resistencia y fraternidad componen esta novela de la que no se sale inmune sobre los perdedores de la guerra de España y su exilio a infiernos donde la crueldad es incomprensible incluso desde la más profunda de las insanias”, reza la sinopsis de esta historia que narra en primera persona la búsqueda de la historia de esas mujeres, víctimas de la guerra.“El dios de la lluvia llora sobre México” (1939)Esta novela, que cuenta la historia de México, fue escrita por el escritor y periodista húngaro László Passuth. Esta narración se remonta al México de la época precolombina hasta la Revolución Mexicana del siglo XX, centrándose especialmente en la conquista española y el período colonial.A través de la trama, Passuth explora los eventos clave de la historia mexicana, como la caída de Tenochtitlán ante los conquistadores españoles liderados por Hernán Cortés, la lucha por la independencia, y los conflictos sociales y políticos que culminaron en la Revolución.“Shogun” (1975)En tendencia por estos días, gracias a la serie homónima estrenada este año por Disney+, Shogun es una mezcla de ficción histórica y aventura, ambientada en el Japón feudal del siglo XVII.Escrita por el novelista y guionista australiano James Clavell, esta obra sigue a un marinero inglés llamado John Blackthorne, quien naufraga en las costas de Japón y se ve envuelto en la política y las intrigas del país durante el periodo conocido como el "Período Sengoku", una época de guerra civil y luchas por el poder entre los señores feudales.“Sinuhé, el egipcio” (1945)De la autoría del escritor finlandés Mika Waltari, esta novela histórica se desarrolla en el antiguo Egipto durante el reinado de Amenhotep III y Akenatón, aproximadamente en el siglo XIV a. C.La historia está narrada en primera persona por el protagonista, Sinuhé, un médico egipcio que narra su vida desde su nacimiento hasta su vejez. La trama sigue los eventos de la vida de Sinuhé, desde su crianza como hijo adoptivo de un noble egipcio hasta sus aventuras como médico y viajero por tierras lejanas, incluyendo Mesopotamia y la región de Canaán."Historia de dos ciudades" (1859)Cerramos esta lista con una novela clásica del escritor británico Charles Dickens ambientada en Londres y París durante la época de la Revolución Francesa, recordado como un período de agitación política y social en Europa.La historia sigue las vidas de varios personajes, incluyendo al honorable Charles Darnay, un aristócrata francés que renuncia a su título nobiliario por convicción personal; Sydney Carton, un abogado inglés alcohólico y desilusionado que se encuentra en un estado de desesperación; y Lucie Manette, una joven francesa cuyo destino está entrelazado con el de los otros personajes.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Tampoco se definieron abiertamente sobre la disciplina que querrían ver reconocida en esta edición, la cuadragésimo cuarta, después de que el pasado año el premio fuese para la actriz estadounidense Meryl Streep y, un año antes, para la cantaora de flamenco Carmen Linares y la bailaora María Pagés (España).Según el presidente del jurado, el director del Museo de Bellas Artes de Bilbao, Miguel Zugaza, es el año con "mayor número de candidaturas, muy diversas, muy abiertas" y con un alto nivel.Por este motivo, las deliberaciones van a ser muy interesantes para decidir entre las diferentes opciones del arte, "que no solo contempla las disciplinas más tradicionales".Arquitectura, arte, música, fotografía, música, teatro, danza o cine se encuentran representadas en la lista de candidatos, de la que solo ha trascendido la de la Comédie-Française de entre los catorce miembros que integran el jurado, que habitualmente evita dar nombres.En ocasiones anteriores, el jurado premió la trayectoria de cineastas como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola o Woody Allen, de músicos de la talla de Paco de Lucía y Bob Dylan o de arquitectos reconocidos como Norman Foster.Según el director español de cine y guionista Sergio Gutiérrez Sánchez, dado que este premio es el más amplio de todos los Princesa de Asturias "hay que intentar repartir cada año" y más en una edición en la que hay "nombres muy potentes e increíbles, algunos de ellos que se van repitiendo año tras año".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Princesa de las Artes está destinado a reconocer "la labor de creación, cultivo y perfeccionamiento de la arquitectura, la cinematografía, la danza, la escultura, la fotografía, la música, la pintura, el teatro y otras manifestaciones artísticas".Y será el primero de los que ocho que conceda la Fundación Princesa de Asturias en la ciudad española de Oviedo durante las próximas semanas.Los otros serán de Comunicación y Humanidades, Ciencias Sociales, Deportes, Letras, Cooperación Internacional, Investigación Científica y Técnica y Concordia.El acto de entrega se celebra el mes de octubre en una solemne ceremonia presidida por los reyes de España en el Teatro Campoamor de Oviedo, acompañados de la princesa Leonor, heredera del trono, y su hermana, la infanta Sofía.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Han pasado 32 años desde la inauguración del primer Festival Internacional de Poesía de Bogotá, un catalizador para la promoción de la lectura y el pensamiento, especialmente entre los jóvenes. Este año, el festival llega en su 32° edición que se celebrará entre el 29 de abril y el 5 de mayo con invitados nacionales e internacionales.“Esta versión no solo celebra la riqueza de la poesía, sino que amplía su enfoque para abrazar la interacción entre esta y otras formas de arte, creando un diálogo vibrante entre diferentes expresiones creativas bajo el lema: la poesía en las artes”, explica la organización del evento, que está a cargo de la Corporación para la Promoción de las Artes y las Letras Ulrika y la Revista Ulrika. A Ulrika, en este evento también se suma el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes y su Programa Nacional de Concertación.Con el propósito de mostrar lo interdisciplinario de la poesía en las artes, la programación del festival para este año incluye espacio de reflexión sobre la escritura poética y la música, el teatro, la cinematografía y hasta la traducción, ofreciendo nuevas perspectivas sobre cómo los diversos campos artísticos pueden enriquecerse mutuamente. Además, se llevarán a cabo lanzamientos de libros, eventos musicales, proyecciones audiovisuales, conversatorios, lectura de poemas, mesas redondas, performance y más.Para asistir tenga en cuenta los lugares en los que puede ingresar a las actividades y charlas sin costo alguno, y en los que hay un pago, como es el caso de Corferias, donde los eventos se enmarcan en la Feria Internacional del Libro de Bogotá (FilBo), por lo que el valor es el mismo de ingreso a la feria.Además de la FilBo, también serán parte de la programación: el Centro Cultural Gabriel García Márquez, el Teatro Delia Zapata, Las Universidades Pedagógica y Javeriana, la Biblioteca Nacional, el Instituto Caro y Cuervo, La Cinemateca Distrital, el Planetario Distrital y el Centro Cultural Español Reyes Católicos, entre otros. También habrá espacios virtuales para participar y escuchar poesía.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Por otro lado, la selección de los invitados estuvo guiada por un riguroso proceso de curaduría que valoró tanto la habilidad técnica como la capacidad de los poetas para conectar con su audiencia. Rafael del Castillo, poeta y director del evento, enfatizó que la poesía es un acto de amor y libertad, que ofrece no solo belleza estética, sino también herramientas críticas para examinar y afinar las realidades del mundo.Entre los invitados internacionales destacados se encuentran Roberto Alifano, Griselda Dominelli, Sergio Abaldi, de Argetina; el chileno Ivo Maldonado; de Eslovaquia, Martin Solotruk; las españolas Luis María Marina y Elena Barreras y el italiano Claudio Pozzani.En cuanto a los participantes colombianos se destacan nombres como Víctor Gaviria, Rafael Urrea, Orietta Lozano, Carlos Palacio, Ángela Mavisoy, Águeda Pizarro, Mulato Bantú y Elsa Cristina Posada. Además, como ya es costumbre, se rendirá homenaje a un escritor colombiano, en esta oportunidad, a Patricia Ariza, reconocida mujer de las artes y las letras. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Poesía Bogotá (@poesiabogota) Eventos recomendados del Festival Internacional de Poesía de BogotáAunque la programación completa del festival la pueden encontrar en la página oficial del festival, en la HJCK le recomendamos algunos de los eventos destacados de cada día:Lunes 29 de abrilLectura de poemasParticipan: Rosaura Mestizo y Eugenia Sánchez Nieto (Colombia); Rudy Cifuentes (Venezuela). Presenta: director taller de la Biblioteca del Instituto Penitenciario. Coordina: Rosaura Mestizo (revista Ulrika).📍 Cárcel de Mujeres El Buen Pastor🕒 9:00 a. m.Martes 30 de abril¿Para qué la poesía hoy?Participan: Griselda Dominelli (Argentina), Ángela Mavisoy (Nación Kamënstá, Colombia), Adriana Hoyos (Col/España), Roberto Alifano (Argentina), Luis María Marina (España). Presenta: Luis Araújo (Valledupar, Colombia)/John Fitzgerald Torres (revista Ulrika). Coordina: Rafael Del Castillo (director del FIPB).📍 FILBo, Sala María Mercedes Carranza🕒 11:30 a. m.“La poesía en las artes I” - Saludo a Patricia Ariza, artista homenajeada 2024Participan: Patricia Ariza (poesía; Colombia), Ángela Mavisoy, Pablo Cuarán y Eisen Ramos Jacanamejoy (Ainán, Poesía Sonora; Nación Kamëntsá, Colombia), Luis María Marina (poesía; España), Rudy Cifuentes (poesía; Venezuela), Miguel Iriarte (poesía; Colombia), Juan Carvajal Franklin y Lolo López (performance, Colombia), Mauricio Guapacha (música; Colombia). Presentan: Luz Mary Giraldo y Darío Sánchez Carballo (revista Ulrika).📍 FILBo, Carpa Cultural🕒 2:30 p. m.Instalación oficial 32 Festival Internacional de Poesía de Bogotá “La poesía en las artes I”Participantes: Sergio Abaldi (performance; Argentina), Patricia Ariza (poesía; Colombia), Ángela Mavisoy & Ainán – Poesía Sonora (poesía y música; Nación Kamëntsa, Colombia), Adriana Hoyos (poesía; Col/España), Los Camándulas (música campesina, Colombia), entre otros.📍 Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella🕒 7:00 p. m.Miércoles 1° de mayoProyección audiovisual y conversatorioProyección del documental Entre montañas [lecturas de José Manuel Arango] de Santiago Herrera. Participan: Víctor Gaviria, Gustavo Adolfo Garcés (Medellín, Colombia, presencial), Santiago Herrera (virtual). Presenta y coordina: Fabián Rodríguez (revista Ulrika).📍 Centro Cultural Gabriel García Márquez🕒 4:00 p. m.Jueves 2 de mayoPoesía y pinturaParticipan: José Ángel Leyva (México), Adriana Hoyos (Col/España), Ramón Cote (Colombia), Roberto Alifano (Argentina), Marisol Bohórquez (Col/EE.UU.). Coordina y presenta: Darío Sánchez Carballo (revista Ulrika).📍 FILBo, Sala María Mercedes Carranza🕒 11:30 a. m.Mesa: poesía, artes visuales y escrituras expandidasInvitados: Sergio Abaldi (Argentina), Claudio Pozzani (Italia). Participan: Laura Angélica Rodríguez Silva (coordinadora, Licenciatura en Artes Visuales), Diego Germán Romero Bonilla (docente Anamorfosis, semillero de investigación en género, memoria y escrituras expandidas).📍 Universidad Pedagógica Nacional🕒 5:00 p. m.Conversatorio: Las entrevistas y charlas de Alifano con Borges, Sábato, Neruda, Parra, Fellini y GaboParticipan: Roberto Alifano (Argentina), Luz Mary Giraldo y John Fitzgeral Torres (Colombia). Presenta: Armando Rodríguez Ballesteros (revista Ulrika).📍 Biblioteca Nacional🕒 5:00 p. m.Viernes 3 de mayoProyección audiovisual y conversatorio: dos cortos de Víctor GaviriaCortos: Buscando tréboles y Los cuentos de campo Valdés. Participan: Víctor Gaviria (Colombia), Rafael Urrea (Colombia), Alejandro Rey (Colombia) y Nelson León (Colombia). Coordina y presenta: Darío Sánchez Carballo (revista Ulrika).📍 Cinemateca de Bogotá🕒 6:00 p. m.Sábado 4 de mayoLectura de poemasParticipan: Malena Luján (Uruguay), Stéphane Chaumet (Francia), Darío Sánchez Carballo y Elizabeth Córdoba (Colombia). Músico invitado: Mulato Bantú (Colombia). Presenta: Luisa Zuluaga.📍 Biblioteca Pública Usaquén🕒 3:00 p. m.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En una ceremonia presidida por Felipe VI y la reina Letizia, el autor, nacido en León en 1942, repasó su vida literaria, sus lecturas y su escritura desde niño en el discurso posterior a recibir el galardón en el Paraninfo de la Universidad de Alcalá de Henares (Madrid).En presencia del presidente del Gobierno español, Pedro Sánchez, otras autoridades y personalidades de la cultura, el escritor reconoció su "precaria incapacidad para escribir" lo que le pasa."Lo que en mi existencia sucede, lo que mi biografía propone, nada me interesa menos que yo mismo, y lo digo con una radicalidad sospechosa", aseguró el autor de obras como 'La fuente de la edad', ‘La ruina del cielo' y la trilogía ‘El reino de Celama’El escritor y miembro de la Real Academia Española, creador del mítico territorio de Celama, indicó que contar la vida ha sido siempre su aspiración, que ha vivido la literatura en la "conquista de lo ajeno" y que Don Quijote llegó a él de niño como un héroe "entrañable".Hasta que comenzó a saber que se trataba más bien de un "antihéroe" al que se fueron pareciendo sus propios personajes, que son, más bien, "héroes del fracaso".Precisamente, el autor recibió el Cervantes por “ser uno de los grandes narradores de la lengua castellana, heredero del espíritu cervantino, escritor frente a toda adversidad, creador de mundos y territorios imaginarios”, según destacó el jurado en su momento.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Es el único que ha recibido en dos ocasiones el Premio Nacional de Narrativa y el de la Crítica y que tiene también el Nacional de las Letras de España.Vestido con chaqué, que como confesó ayer a los periodistas está acostumbrado a llevar en ocasiones por ser académico pero que a veces le recuerda al conde Drácula, el escritor recordó que, desde niño, tuvo necesidad de escribir para contar lo más ajeno a lo que le sucedía y cómo esto le producía un efecto beneficioso.Don Quijote, compañero de infancia y de creación Y "el libro que escuché con mayor deleite y aprovechamiento, en alguna de aquellas versiones apropiadas de nuestros clásicos, fue Don Quijote de la Mancha, y puedo recordar muy bien la mañana de su primera lectura", recordó Luis Mateo Díez.El hidalgo manchego llegó para quedarse, y poco a poco, en el mundo que fue creando como escritor, los seres de ficción tenían "una incierta imagen quijotesca, una atrabiliaria fisonomía de perdición y extravío, en la que no era accidental la fragilidad de su voluntad luchadora por la vida, el afán de vivirla y sobrellevarla con el rendimiento de la generosidad".No obstante, matizó, sus personajes, que no le pertenecen, tienen "una incierta heroicidad, tan cervantina y quijotesca, en aras de una imaginación liberadora y redentora, siendo, acaso, héroes del fracaso". "A ellos vivo entregado, ya que son ellos quienes me salvan a mí", enfatizo el premio Cervantes.Ahora, literariamente, se encuentra "con la inquietud de un octogenario de salud razonable, y conciencia de las ausencias correspondientes, ya que la edad que procura supervivencia hace irremediable a la vez el curso de las desapariciones".“Un formidable creador de mundos imaginarios”Felipe VI ensalzó la figura de Luis Mateo Díez como “un formidable creador de mundos y de territorios imaginarios”, que corrobora, con su escritura, que “la ficción es una parte imprescindible de la existencia”.“Un novelista excepcional” que acrecienta “el legado de los grandes fabuladores de la literatura universal”, destacó el rey.Además de su “calidad artística y dominio del lenguaje”, del escritor español destacó que haya practicado todos los géneros literarios con maestría, de ahí que “la hibridez sea un rasgo sobresaliente” a lo largo de su trayectoria.“Novelas construidas a base de cuentos, ensayos intercalados de relatos o viceversa, fábulas unificadas en un ciclo y narraciones autónomas que agrupadas constituyen un sugerente mosaico narrativo”, sintetizó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Se trata de un cuadro con el que puede haber sorpresas, siempre que han aparecido cuadros de Klimt en subastas, se han conseguido muy buenas subidas. Lo que podemos decir es que el precio de estimación está fijado moderadamente", explica a Claudia Mörth-Gasser, de im Kinsky, la casa de subastas vienesa que organiza la venta.El retrato de la señorita Lieser es una de las piezas en las que Klimt estaba trabajando cuando murió, en febrero de 1918, a los 55 años.Se sabe que el pintor recibió 10.000 coronas como adelanto y se estima que habría recibido otras tantas al entregar la pieza terminada. Hoy día, esas cantidades equivalen a unos 120.000 euros.Perseguidos por los nazisEl cuadro fue encargado por los Lieser, una familia de empresarios judíos que sufrieron el expolio y la persecución de los nazis cuando Austria se unió al Reich alemán en 1938.A la obra se le pierde la pista en 1925, año del que es una foto en blanco y negro tomada para los preparativos de una retrospectiva de Klimt celebrada al año siguiente, y en la que ni se sabe si llegó a exponerse.Ahora se sabe que en un momento indeterminado fue vendido y que desde la década de 1960 estuvo en una mansión a las afueras de Viena.Varios miembros de la familia tuvieron que huir de Austria durante el nazismo y Lilly Lieser, una conocida mecenas, fue asesinada en el campo de exterminio de Auschwitz.Tras la II Guerra Mundial, sus hijas volvieron a Austria y reclamaron los bienes confiscados por los nazis, pero el cuadro no se menciona en esa petición.Hace 18 meses, Ernst Ploil, uno de los gerentes de im Kinsky y perito experto en arte, recibió la llamada de alguien que contó haber heredado el cuadro y pidió ayuda para subastarlo.La casa de subastas inició una profunda investigación que ha concluido que no hay pruebas de si la obra fue expoliada o no entre 1938 y 1945, durante la dictadura nazi en Austria.Por eso, cuenta Ploil, la casa planteó al actual propietario la condición de llegar a un acuerdo con los herederos de los Lieser.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Repartir lo recaudado"El acuerdo es que subastan juntos y distribuyen lo recaudado", resume Ploil, quien afirma que de esa forma se supera cualquier posible injusticia y da seguridad jurídica.Este abogado describe este trato como un ejemplo de buenas prácticas, en un país que hasta hace relativamente poco tiempo puso muy difícil a los descendientes de víctimas del nazismo recuperar lo robado.Mörth-Gasser adelanta que la subasta ha despertado interés internacional y que es difícil saber cómo será la dinámica mañana, pero confía en el que el hecho de que el valor estimado sea tan "moderado" puede contribuir a que suban las pujas.Algo que añade interés al retrato es que no se sabe quién es la modelo, pero se cree que puede ser la sobrina de Lilly Lieser o, más probablemente, una de sus hijas.Sea quien sea, dice Mörth-Gasser, "tiene una presencia increíblemente cautivadora, un atractivo y una belleza juvenil sencillamente encantadores".Mörth-Gasser destaca cómo Klimt captura en los ojos, en el brillo de las pupilas, la esencia de la modelo, y cómo es capaz de transmitir que es alguien que "tiene aún el mundo por delante" y una mirada abierta sobre la vida. Además, el valor artístico de la obra es enorme.Un salto estilísticoSe considera que es un cuadro inconcluso, aún sin firmar y con un fondo en rojo sobre el que se estima que el pintor iba aún a trabajar.Pero es justo eso lo que, según esta experta, eleva la modernidad y la expresividad de la pieza, y adelanta una nueva etapa creativa."Me da la sensación de que si hubiera vivido otros cinco años se habría convertido en pintor abstracto y se habría orientado hacia Picasso", coincide Ploil.Klimt sigue siendo uno de los artistas más cotizados. En junio de 2023 su Dama con Abanico se subastó por 99,2 millones de euros (107,5 millones de dólares), y se convirtió en la obra de arte más cara vendida nunca en Europa.Serpientes de agua II llegó a los 187 millones de dólares en una venta privada en 2013, y sigue estando entre los diez cuadros más caros de la historia.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.