El viernes 10 de marzo el Grupo Niche lanzó una versión sinfónica de Hagamos lo que diga el corazón junto a la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, trascendiendo el tiempo y la riqueza musical de las obras del inolvidable maestro Jairo Varela.Hagamos lo que diga el corazón, el gran éxito de 1991 del grupo salsero colombiano, que hizo parte del álbum ‘Llegando al 100 %’, se estrena ahora en versión sinfónica para la Edición Deluxe del Grupo Niche, en el que 101 músicos de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, más el Grupo Niche, convirtieron éxitos salseros en nuevas creaciones artísticas para el deleite del oído de todas las generaciones.“Se puede sentir, desde los primeros compases, la majestuosidad de una perfecta fusión entre la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y el Grupo Niche, con su sección de cornos franceses, una sección de cuerdas maravillosas y el sonido del bombo sinfónico, imitando los latidos del corazón”, comenta José Aguirre, actual Director Musical del Grupo Niche en un comunicado.Este pre-estreno hace parte de esta anunciada producción sinfónica Niche Sinfónico, que incluirá 10 temas icónicos del legado de su creador. Hagamos lo que diga el corazón es uno de los temas más aclamados y cantados por toda clase de público que, en esta nueva oportunidad, se podrá disfrutar en su versión sinfónica con la orquesta de este género de mayor trayectoria en Colombia.Uno de los aspectos más importantes de este lanzamiento es la riqueza en la producción y masterización musical, en este proyecto también participan reconocidos talentos del país y de talla internacional. Ningún esfuerzo fue escatimado para este nuevo logro.El primer sencillo de esta producción ya está disponible en todas las plataformas digitales y es el comienzo para el gran lanzamiento de Niche Sinfónico. Encuentre más información en las redes sociales de la orquesta y del Grupo Niche. Escuche aquí "Hagamos lo que diga el corazón" versión sinfónica: No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"La gente puede tener una idea concreta de quién es Shakira, como rockera o como estrella del pop, y creo que esta exhibición le dará al público una noción más compleja", dijo a EFE Jasen Emmons, comisario de la muestra "Shakira, Shakira: The Grammy Museum Experience". Cantante, compositora, bailarina, música y productora son palabras que describen a una de las latinas más reconocidas de la industria musical y la cultura popular.Shakira Isabel Mebarak Ripoll nació en Barranquilla, Colombia, en 1977. A los 14 años comenzó a labrar su carrera como cantante profesional con el disco "Magia" y pese a que este fue un fracaso comercial, la colombiana nunca dejó de creer en su talento.En 1995, desveló el álbum "Pies descalzos" y con ello inició una nueva etapa musical de éxitos a lo que le siguieron discos como "¿Dónde están los ladrones?" y "Laundry Service", el álbum que la consagró internacionalmente al mezclar sus raíces latinas con el pop anglosajón. "Shakira es un ejemplo de todo, desde su parte creativa, hasta la parte filantrópica. Ella siempre muestra esta preocupación y activismo social que es importante que los artistas tengan", apuntó Luis Dousdebes, director de Premiación de los Latin Grammy.Los trajes del Super Bowl y su guitarra Organizada en cuatro salas, la exposición recorre distintas facetas de la carrera de la cantante y acerca al público de la autora de "Antología" a 55 objetos icónicos que Shakira usó en momentos clave de su carrera. Entre ellos, los dos trajes que portó en el Super Bowl de 2020, la guitarra rosa repleta de cristales que tocó durante su gira de "Fijación Oral" en 2007, uno de sus cuadernos con canciones escritas a mano y el diccionario español-inglés que le sirvió para componer las canciones de "Laundry Service"."El 95 % de los objetos expuestos son de su colección personal. Afortunadamente ella guarda mucho material de su carrera y su equipo de trabajo nos proporcionó todo lo que les pedimos", añadió Emmons.Los asistentes también podrán escuchar y ver a Shakira haciendo un recuento de su vida como cantante, los retos que enfrentó como latina en la industria y anécdotas curiosas por las que ha atravesado en sus más de 30 años de experiencia musical.Ni rastro de Pique ni de haciendaEmmons y Dousdebes creen que no existe un mejor momento para presentar una exhibición dedicada a Shakira después del despunte que ha tomado su carrera en los últimos meses con la presentación de temas como "Te felicito" con Rauw Alejandro, "Monotonía" al lado de Ozuna y la muy reciente "TQG" junto a Karol G.Siendo el éxito del tema "SHAKIRA | BZRP Music Sessions #53" con el productor argentino Bizarrap la prueba irrefutable de la repercusión y vigencia que sigue teniendo su música.Pero no todo ha sido fácil para la cantante por las polémicas generadas a raíz de su separación del exfutbolista Gerard Piqué y sus problemas con la Hacienda española. "Si alguien piensa que va a venir y encontrar algo de eso no va a encontrar nada, nosotros no queremos tocar ese tema, ella lo tiene que manejar y lo está haciendo bien", consideró Dousdebes.La cantante aún no ha visitado la exposición que se hizo en su honor, pero se espera que lo haga en algún momento del año que esta estará abierta al público. Anteriormente el Museo Grammy conmemoró en su sección latina a la carrera del cantante mexicano Marco Antonio Solís y para 2024 se prevé una exposición dedicada a los 25 años de La Academia Latina de la Grabación.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK para escuchar lo mejor de la música clásica.
Este jueves 2 de marzo, el ganador de 27 premios Grammy y Grammy Latino estrenará su nuevo sencillo “Gris”, un examen melancólico e introspectivo de las dificultades que enfrenta un matrimonio de larga data por causa de la cuarentena del COVID y que lleva a la pareja a transitar un período de emociones grises.Descrita por el mismo artista como una canción 'muy personal y catártica', "Gris" es la segunda muestra de un período de cuatro años en el que el reconocido artista se dedicó a crear material original, tras la publicación de su álbum tributo y su gira mundial ORIGEN. Este nuevo ciclo creativo comenzó con el primer sencillo “Amores prohibidos”- que ya fue elogiado por la crítica y se ubicó varias semanas en la primera posición de la lista General Radio Airplay de Monitor Latino en México - combina un regreso general a la guitarra eléctrica con una inmersión profunda en la pasión compositora del artista, que durante la pandemia orientó su atención hacia el interior para reexaminar la vida, el amor, la familia y más de sus propias complejidades emocionales e imaginación.Tanto Juanes, como su productor y cercano colaborador Sebastian Krys, sienten que este período de escritura y grabación representa otro nuevo pináculo creativo para el artista colombiano y están listos para presentarle al público muy pronto su nuevo disco.Algunos criticos como Jon Pareles de New York Times describieron el trabajo de Juanes en estos últimos lanzamientos: "la producción [crea] algo que cambia rápidamente y es futurista. La apertura comprime su riff de guitarra en rápidos zaps distorsionados; más tarde, los sonidos de teclados antiguos hacen cameos de segundos de duración, guitarras acústicas y tambores de conga calientan el puente, y llega un solo de guitarra con licks de Chuck Berry: travesuras sónicas que combinan con las carnales".En línea con su continuo apoyo a los eventos de la Academia de Grabación y los Grammy, Juanes se presentó recientemente junto a Elvis Costello en la gala anual de Clive Davis que precede a la ceremonia de premiación.El nuevo sencillo "Gris" ya está disponible para pre ordenar en todas las plataformas digitales y en la página oficial del artista, su lanzamiento será el próximo 2 de marzo y su álbum llegará entre mayo y junio de 2023.Escuche aquí el último sencillo "Amores prohibidos":Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El festival Colombia Al Parque regresa tras su éxito en el 2022, los próximos 18 y 19 de marzo el Parque de los Novios en Bogotá se vestirá de fiesta para recibir esta nueva edición de uno de los festivales más importantes de la ciudad. Músicas tradicionales, folclóricas, populares y lenguajes creativos e innovadores de los nuevos tiempos se reunirán en el festival, un evento del Instituto Distrital de las Artes – Idartes, con una programación que también incluye diversas manifestaciones culturales a través de la danza, la gastronomía, el emprendimiento y actividades académicas.El Festival contará con la participación de importantes artistas provenientes de diferentes regiones de Colombia como Cali, Barranquilla, Bucaramanga, Pasto y Santa Marta. Además, ocho agrupaciones bogotanas presentarán repertorios de folclor, ritmos latinos y diversas fusiones de músicas tradicionales con géneros como el metal, el rock y el hip hop, entre otros. La cuota internacional estará a cargo de destacados músicos de Ecuador, Túnez y Reino Unido.Mauricio Galeano, director del Idartes comenta “A lo largo de sus dos décadas de historia, el Festival Colombia al Parque se ha consolidado como un punto de encuentro entre juglares, cantoras y representantes de la música colombiana con jóvenes que enriquecen y transforman nuestro folclor con propuesta arriesgadas e innovadoras; por eso invitamos a las familias bogotanas y a toda la ciudadanía, para que naveguen por Colombia en un fin de semana de cultura propia y de reconocer lo que somos”.Entre los invitados están las agrupaciones distritales Cacao Munch, Los Carrangomelos, Sonoras Mil y Ensamble Arsis, este último con una innovadora propuesta de folclor alternativo instrumental. Desde Pasto, Nariño, llega Fabuloso Sexteto Caracha con una fusión de fiestas tradicionales y tendencias urbanas, que se suma a las presentaciones nacionales de Systema Solar de Santa Marta, De Mar y Río de Cali y del cantautor Anibal Velásquez de Barranquilla, entre otros. La ecuatoriana Mirella Cesa y el DJ de origen turco-alemán Samy Ben Redjeb serán los participantes internacionales del Festival, junto con el colectivo Mestizo, conformado por destacados músicos colombianos y del Reino Unido.La programación del Festival también llegará a los territorios con la franja Bogotá como Escenario, que recogerá las costumbres y tradiciones de Colombia y América Latina a través de música ancestral y nuevas apuestas performativas y creativas de artistas locales que se presentarán en espacios no convencionales de diferentes localidades de la ciudad y en los Escenarios Moviles del Idartes.Por su parte, la agenda académica de Colombia al Parque 2023 estará enfocada en temas como el liderazgo de las mujeres a través de las músicas tradicionales, la transformación de los géneros folclóricos y populares y las diferentes manifestaciones culturales que han dejado huella en la sociedad. También se abrirán espacios de conversación alrededor de la cumbia como patrimonio inmaterial de la humanidad y el aporte de la música colombiana desde el formato vinilo, entre otros.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El 2 de febrero de este año fue publicada en el portal Change.org una "Carta del sector musical al Presidente Gustavo Petro", firmada hasta este momento por 2.424 personas. El documento revela la preocupación y el rechazo de músicos, docentes y gestores culturales frente a la propuesta del Ministerio de Cultura de replicar el modelo orquestal venezolano en Colombia. La iniciativa del Gobierno se confirmó luego de la visita de Verónica Alcocer, primera dama de Colombia, a Venezuela. En palabras del presidente Gustavo Petro, Alcocer fue a conocer el sistema orquestal venezolano para confirmar que “despegaremos en este año el sistema orquestal colombiano ligado a todo el sistema educativo”, dijo el presidente. El anuncio, al contrario de lo esperado por el Gobierno, trajo consigo más reticencia que conformidad. En el comunicado publicado justo después de conocerse esta idea se enumeran 10 motivos por los que habría que, por lo menos, examinar con lupa la propuesta del sistema orquestal. Entre las advertencias realizadas por el grupo dejan expuesto que esta iniciativa "se trata de un modelo con muy baja participación de los sectores más marginados". Entre los firmantes de la carta se encuentran musicólogos y expertas en gestión cultural que advierten que el sistema que propone el Gobierno abriría una brecha irreconciliable entre quienes empiecen el proceso y quienes logren terminarlo. Es sabido que la música académica o clásica premia, sobre todo, procesos de una exigencia física, económica y temporal trascendentales.En un país como Colombia, donde los jóvenes se ven abocados a un mundo laboral precarizado y en permanente explotación; donde además, cargan con la responsabilidad económica de suplir necesidades familiares es muy difícil imaginar cómo podrían avanzar en los procesos del sistema orquestal clásico. "Nos preocupa que la política se concentre en la creación de una pirámide profesionalizante que parte de prácticas colectivas en la base y que culmina en unos pocos profesionales competitivos, dejando muchos músicos frustrados en el camino", previenen en la petición. La respuesta del Ministerio no esclarece las inquietudes del sector. El 20 de febrero la ministra de cultura Patricia Ariza publicó en su cuenta personal de Twitter un comunicado sobre el tema. En él destaca que "El cambio social es también un cambio cultural, para el Gobierno del Cambio la participación de los y las artistas y creadores, en este proceso, reviste la mayor importancia". A pesar de que este enunciado podría tomarse como una apertura para la conversación, el tema no parece evolucionar. En la comunicación del Ministerio abordan el tema del Plan Nacional de Música para la Convivencia (PNMC), mencionado también en la carta dirigida al presidente. Este plan inició en el año 2002 y ha beneficiado a 1054 escuelas municipales de formación musical diversa, autóctona y original de los territorios. Según el sector musical "no es conveniente crear un sistema paralelo como el que el Viceministerio ha planteado, alrededor de las orquestas sinfónicas o de las agrupaciones artísticas colectivas. Como ya se evidenció, toda práctica musical, incluidas las prácticas sinfónicas, son acogidas por el ecosistema del PNMC".La réplica del Ministerio confirma que a pesar de que "para el gobierno del Cambio, la participación de los y las artistas y creadores, en este proceso, reviste la mayor importancia", el Gobierno seguirá adelante con su idea. "Como lo señala el presidente Gustavo Petro, este año despegará el Sistema orquestal colombiano, ligado al Sistema Educativo, acogiendo y complementando la actual cobertura del PNMC".Las preocupaciones bien argumentadas del sector parecen ser ignoradas por el Gobierno. Sigue siendo cuestionable porqué, si teniendo en Colombia un sistema firme, estructurado y que ha mostrado resultados importantes y valiosos frente a la creación y fomento de músicos y espacios culturales, es necesario calcar estructuras de afuera que no responden a las necesidades únicas de nuestros territorios. Si sabemos que la construcción de la paz y el ingreso de más niños, niñas, jóvenes y adolescentes a la música (al arte o al deporte) son un imperativo en la construcción de país, por qué no robustecer las políticas y entidades que ya existen en el país y atender a un grupo de expertos que conocen de fondo la situación musical en sus bifurcaciones específicas. Esto no quiere decir que no deban darse espacios y no se deban invertir recursos y energía en procesos orquestales clásicos, todo lo contrario: atender las necesidades culturales significa, sobre todo, entenderlas en sus contextos.
En 1983 se fundó la Orquesta Filarmónica de Medellín con el objetivo de incentivar el conocimiento de la música sinfónica hacia los jóvenes de la ciudad, ahora 40 años después siguen cumpliendo esta labor a toda cabalidad. El 2023 es la oportunidad de la Orquesta para continuar en un camino de transformación social a través de la música. “Hoy, más que nunca, Filarmed tiene un papel vital y esencial en la vida de nuestra ciudad, al convertirse en uno de los referentes más importantes en el campo de las artes, no solo en Latinoamérica, sino en el mundo entero. Los valores de la orquesta —innovación, excelencia, audacia y generosidad— estarán presentes a lo largo de esta temporada de aniversario, para ofrecerles interpretaciones sensacionales y momentos musicales inolvidables”, menciona David Greilsammer, director titular de la FilarMed en un comunicado. Ahora haciendo un recorrido por el trabajo de la Orquesta en el 2022 se encontró que tuvieron un alcance de 170 mil personas con 144 conciertos presenciales que abarcan todas las agrupaciones de la FilarMed, así como más de 700 estudiantes en los programas de formación musical enfocados en territorio de Antioquia. "Nuestro Coro Reconciliación aportó desde la música a la construcción de la paz vinculándose al concierto “Resistencia” en Feria de las Flores, en compañía del cantautor César López. Hizo parte del mes por la paz, realizado por MedePaz y la Secretaría de la No violencia; y además recibió su primer reconocimiento por la participación del Festival Coral de Caldas", comenta la Orquesta acerca de otro de los proyectos que se lograron en el 2022. Para el aniversario número 40 de la Orquesta Filarmónica de Medellín se han organizado varias actividades y conciertos con invitados nacionales e internacionales que estarán disponibles al público a lo largo del año. La Temporada 2023 comienza el sábado 19 de febrero con un concierto magestuoso que incluye obras de Beethoven y Stravinsky. Continúa el próximo sábado 25 de febrero con otro concierto que tiene pintas de Wagner, Tchaikovsky y del costarricense Carlos Castro contunuando con la tradición de traer obras de compositores latinoamericanos al programa. En el mes de abril, se realizará el esperado concierto del aniversario; el maestro fundador Alberto Correa dirigirá la orquesta de la mano del director titular David Greilsammer. Será una noche para recordar la maravilla de la música sonfínica y la historia de una de las orquestas más importantes de Latinoamérica. Así como es tradición en la FilarMed se harán los conciertos en lugares emblemáticos de Medellín llevando la música sinfónica a las comunas y tocándole a la ciudad que ha sido su casa desde hace 40 años. También se tendrán invitados y colaboraciones con artistas como Lido Pimienta y Crew Peligrosos.La FilarMed también será parte del VI Festival de Música Clásica de Bogotá que se llevará a cabo del 5 al 8 de abril, la orquesta participará el 7 de abril con música de Ravel, Sain-Saëns, Debussy y Stravinsky, con la participación de la estrella del chelo Santiago Cañón y el sábado 8 de abril con música de Chabrier, Ravel, Dukas y Debussy con la participación del pianista francés Alexandre Tharaud. La fiesta de la música sinfónica en Medellín comienza ahora y recorre la historia de una de las organizaciones más relevantes para la difusión del arte musical y la transformación para la gente. Si desea conocer más detalles visite la página oficial de la FilarMed. Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
"Por entonces (los años 90) había dos caminos: te decían por acá puedes tener fama, por acá puedes ser auténtico", recuerda en una entrevista para señalar que no dudó en tomar el segundo y renunciar a copiar la música de otros países que en esos años estaba en boga."Decidí inventarme mi pop o mi rock a partir de los patrones folclóricos de la diversidad colombiana", recuerda al hablar de los 30 años de carrera que va a celebrar en 2023 empezando con la publicación del álbum "Escalona: nunca se había grabado así".Como primer y único adelanto de ese disco que se publicará esta primavera, salió "La historia", una canción de Escalona acerca de un hombre que sufre por un amor perdido, a la que Vives da nuevos aires con ayuda del acordeonero Egidio Cuadrado y la agrupación La Provincia.Con ellos grabó en 1993 "Clásicos de la Provincia", conformado por versiones de vallenatos clásicos pero con un sonido más comercial e instrumentos propios de la cumbia y del rock.El tropi-pop lo hizo felizAquel sonido se llamó "tropi-pop", recuerda Vives del álbum de "La gota fría" que proyectó fuera de Colombia el folclor de la región Caribe, la zona en la que está enclavada Santa Marta, la ciudad donde nació hace 61 años."Pudimos encontrar un sonido a partir de ese sonido matriz de nuestra diversidad, de ser americanos, de ser españoles, de ser africanos... Esa mezcla de todo lo que somos creo que al final es lo que me hizo feliz", dice este ganador de 17 premios Latin Grammy y 2 Grammy, entre otros muchos reconocimientos y distinciones.Vives fue un pionero, pero habla de un "movimiento", en plural más que singular, y engloba a todo los que han venido después y han hecho de Colombia una "potencia" musical, con nombres como Juanes, Cepeda, Aterciopelados, Fonseca, Shakira, Camilo y Sebastián Yatra, entre otros."Cuando grabamos aquella gota fría y esos clásicos lo hicimos ya de una manera no convencional, ya buscando ese camino de poder sentir que podíamos ser modernos con nuestras tradiciones", dice.Vives recuerda que "hace 30 años si querías ser moderno, había que imitar a alguien o hacer una música parecida a la que se hacía en España, en Italia, o en México o hacer traducciones de las canciones de rock del momento".Escalona, un viejo conocidoPara Vives, el fecundo compositor Escalona (1927-2009), cofundador del Festival de la Leyenda Vallenata, que inspira el disco por sus 30 años de carrera, es un viejo conocido.En 1991 encarnó a Escalona como actor en una popular telenovela y grabó canciones a la manera tradicional como "El Testamento", "Jaime Molina", "La Golondrina", "El Villanuevero" o "La Casa en el Aire" para la banda sonora, que quedaron recogidas en dos discos.Más de tres décadas después decidió beber de nuevo en esa fuente musical, pero a partir del llamado "cuaderno perdido" de Escalona, que Vives encontró con ayuda de su "compadre" Egidio Cuadrado, cuñado del compositor."La búsqueda del cuaderno y el encuentro con esas páginas fueron mágicos. Cada escrito consignado en ese diario literario y musical escondía nuevos arreglos para los clásicos, así como otras canciones", según un comunicado de prensa de presentación de "La Historia".Vives, que ha vendido más de 20 millones de discos, dice que seleccionar los doce temas que versiona en su nuevo álbum entre todo lo que había en el cuaderno no fue fácil ."Había canciones que ya se habían grabado muchas veces, pero también letras que no se habían usado nunca", dice el cantautor sin revelar la lista completa de las escogidas, aunque adelanta que está "Mala suerte" y hay un "bonus track", una canción de propina, que no es de Escalona sino de Armando Zabaleta, para cumplir una promesa que le hizo a su padre.Además de su 30 aniversario con la música, Vives está ya pensando en otro: los 500 años de Santa Marta, que se cumplirán en 2025 y que el cantautor quiere que se celebren como corresponde.Ese aniversario -dice Vives- es "una gran oportunidad" para dar a conocer una "historia hermosa" y "muy diferente de la leyenda negra" que es la del fundador de Santa Marta, el español Rodrigo de Bastidas, contra quienes otros españoles se conjuraron por su buen trato a los indígenas. Les invitamos a conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Los vamos a fortalecer desde su vertiente genuinamente popular", manifestó el mandatario, quien agregó que estará en el Carnaval del Suroccidente que se realizará el 11 de febrero.El presidente recibió este lunes en la Casa de Nariño, sede del Ejecutivo, a la gerente del Carnaval de Barranquilla, Sandra Gómez; la Reina del Carnaval, Natalia de Castro; el Rey Momo, Sebastián Guzmán Gallego, y la secretaria de Cultura y Patrimonio de la ciudad caribeña, María Teresa Fernández."Hay una diversidad cultural en el Caribe que llega a Barranquilla, pero Barranquilla tiene una especificidad allí que ha hecho que este Carnaval sea Patrimonio de la Humanidad", manifestó Petro y añadió que se debe "garantizar es que el Carnaval no pierda su esencia popular, que la puede perder, como ha sucedido en otros lugares del mundo".El Carnaval de Barranquilla se celebrará entre el 18 y el 21 de febrero.La fiesta más popular de Colombia, declarada por la Unesco como "Obra maestra del patrimonio oral e intangible de la humanidad", recibe cada año cerca de dos millones y medio de personas, entre locales y visitantes, lo que representa para la economía de la ciudad unos 300.000 millones de pesos (unos 62,7 millones de dólares de hoy). Le invitamos a conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Las calles de San Jacinto de Bolívar están vacías, apenas ha amanecido y la gente aún no abre sus negocios. El pueblo tiene un color ambarino en casas y aceras, un espacio en clave de la costa colombiana y sin embargo, este es un universo particular. Cuando los perros raquíticos dejan de comer unas naranjas podridas, una señora abre su cafetería y pone en el equipo de sonido “Fuego de cumbia”, de Los Gaiteros de San Jacinto. De pronto, como si la cafetería esquinera fuera un tambor llamador, el resto de locales inauguran el día y cada uno replica el sonido de la cumbia y en uno que otro suena un vallenato. Es normal que en los pueblos del país haya música retumbando en todos los negocios, pero en San Jacinto suenan en todas partes las letras de sus hombres, las gaitas de sus montes, una especie de reconocimiento constante en el espejo que puede ser la música.Cuando avanza la mañana Carmelo Torres, un acordeonero que podría ser un hombre pero es, sobre todo un dragón de dedos como ramas, decide sentarse en el solar de su casa a una cuantas cuadras del parque de San Jacinto. Decide, también, quitarle al acordeón una sábana que lo cubre pa que no se llene del polvo de la calle destapada, se queda mirando ese instrumento musical. Carmelo Torres piensa en su padre que fue gaitero, pero sobre todo, un campesino de los Montes de María, recuerda cómo hacía fiestas con sus compadres en el quiosco de la casa y contaba sobre diablos y bestias que se le aparecían en el campo y decía gritando, los niños con los adultos no, y Carmelito salía corriendo, pero había escuchado lo que necesitaba: historias sobre una naturaleza viva que se traga a hombres y escupe indias milagrosas.Después de que aprendió a tocar el acordeón, la historia de Carmelo Torres es conocida: uno de los padres de la cumbia y el vallenato. Acordeonero como pocos. Compositor único. Esa mañana él decide también, recordar a quien le enseñó los misterios de la música, al maestro Andrés Landero, ese hombre que conjuró la clave de la cumbia de gaita en el acordeón. Carmelo hereda de Landero el conjuro de las manos, lo pasa al mismo tiempo a otros músicos que llegan a su casa porque el Turco de Valledupar (uno de los maestros de vallenato más importantes del país) se los manda pallá.Torres toca una canción suya, pero no canta nada. Es lunes, las hojas de los árboles no han caído. Un niño que pasa con una bolsa de leche se queda quieto mirando a Carmelo. Ese niño que es al mismo tiempo todos los niños seguro piensa que es posible hacer lo que Carmelo Torres hace con las manos. Lo mismo que pensó Carmelo cuando vio Landero. Lo mismo que los nietos de Landero pensaron cuando vieron a su abuelo. Lo mismo que pensaron los hijos de los gaiteros y juglares cuando los veían llegar del monte.¿Qué significa heredar algo? Ser dueños de una cosa que era de otro, habitar en esa cosa y dejar que la cosa se extienda sobre uno, es decir, convertirse en la cosa heredada. Porque esto es lo que pasa en San Jacinto, no hay nadie que no sea merecedor de la cumbia, la gaita y el acordeón. Todos terminaron siendo herederos de un fuego que han mantenido protegido de la violencia, el abandono y el olvido. Los sanjacinteros se convirtieron en lo heredado. Todos ellos como la música. Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El maestro Raúl García, fue músico y físico matemático. Se convirtió en el primer clarinetista que tocó dicho instrumento en una orquesta sinfónica, hasta que pudo consolidar la Orquesta Filarmónica de Bogotá. García se convirtió en el gran gestor del milagro filarmónico que tiene ya 55 años de existencia. Gracias a la ayuda de la Fundación Filarmónica Colombiana y acompañado de jóvenes músicos, en 1966 iniciaron los primeros conciertos en el Teatro Colombia, hoy Jorge Eliécer Gaitán.Con mucho esfuerzo y después de un año en el que sus músicos y él trabajaran ad honorem, el maestro Raúl buscó apoyo en el Concejo de Bogotá. En 1967, su entusiasmo llevó a que esta corporación creara la Filarmónica de Bogotá como la orquesta de la ciudad.Su hijo, David García Rodríguez, es hoy el director de la Orquesta: "Mi padre, Raúl García, es el fundador de la Orquesta Filarmónica de Bogotá y fue su director durante 23 años. La mayor parte de mi vida profesional la he dedicado a la gestión y dirección de procesos y entidades culturales", dijo para la Secretaría de Cultura. La Orquesta Filarmónica de Bogotá fue concebida para trabajar desde y por lo público. En sus 55 años de existencia, y desde la iniciativa del maestro García, la Orquesta ha tenido presencia en los barrios, escuelas y lugares donde tradicionalmente se ha separado a la música clásica. El maestro García además realizó grabaciones trascendentales para la música tradicional colombiana como las de los maestros José Barros, Lucho Bermúdez, entre otros. También creó Raúl el programa de televisión 'Música para todos', muy popular al final de los años 70, 80 e inicios de los 90, transmitido por televisión pública. Este programa representó un hito en las formas de propagación y difusión de la música académica, e inspiró el programa de formación de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Por ello fue merecedor de varios premios en Colombia y el mundo.El maestro Raúl García dejó la dirección de la Filarmónica en diciembre de 1990. Sin embargo, la Orquesta ha preservado su esencia y propósito de trabajar por la construcción y fortalecimiento de la esfera pública de la ciudad. Hoy en día, la Orquesta enseña a más de 14.000 niños en toda la ciudad y hace más de 500 conciertos al año, la mayoría de forma gratuita.
El Retiro convirtió sus zonas comunes en galerías de arte, con obras de 90 artistas el centro comercial estrena su segunda edición de esta muestra trayendo el arte al público de una manera única y dando a conocer el trabajo de artistas inugualables como Omar Rayo o Marcelo Wong. Los asistentes se encontrarán con distintas técnicas que identifican a cada uno de los artistas, por ejemplo, las obras del maestro Edgar Negret con dobleces, tuercas y tornillos; Hugo Zapata, Pez Barcelona, Tot Cat, Chicadania; artistas que han llevado su arte a festivales internacionales de Barcelona, Moscú, Bahamas y otros lugares del mundo. Por su parte MAMBO, El Museo de Arte Moderno de Bogotá, cumplió 60 años y para celebrarlo eligió al Retiro para exponer la colección Voz a Voz, un proyecto que nació de la pandemia donde artistas colombianos de diferentes generaciones crearon esta obra inédita que tiene como objetivo difundir reflexiones sobre el aislamiento, la soledad, la crisis social, entre otras temáticas contemporáneas.Algo a resaltar es lo maravilloso que es tener el arte cerca y poder disfrutarlo en otro contexto distinto al que ya se conoce, esta también es una oportunidad para descubrire artistas que no hayamos conocido antes.Aparte de exposiciones de arte contemporáneo y emergente, estará expuesta también la fotografía de moda de Santiago Quiceno que con su cámara plasma lo mejor del estilo, el color, el brillo, y las texturas que se convierten en tendencia.Por otro lado esta muestra también tendrá presentaciones de música clásica para todos los gustos y edades y un taller de pintura con el Maestro German Tessarolo que con su técnica invita a los asistentes a olvidarse de los procedimientos y combinaciones para dejar volar la imaginación plasmando con un pincel en el papel sus sentimientos y sueños.El evento estará disponible en los pasillos del centro comercial El Retiro en Bogotá hasta el 12 de abril, nosotros asistimos y le dejamos aquí como fue nuestra experiencia visitando la exposición. Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El "retrato de Juan de Pareja", que Velázquez pintó en 1650 durante un viaje a Roma, fue adquirido por el MET por 5,5 millones de dólares en 1971 y es, desde entonces, una de las obras maestras del museo, pero nunca hasta ahora se había exhibido junto al contexto necesario de su época, ni junto a las obras que el propio De Pareja pintó con su firma (dos de ellas prestadas por el Museo del Prado).Ese retrato, que muestra a un hombre de mediana edad, de abundante cabello negro y barba, con una mano en el pecho, es exhibido aquí enfrente de otro retrato de Velázquez aún más famoso: el del papa Inocencio X, ya que se considera que ambas obras expresan lo mejor de Velázquez como retratista, con una capacidad sin par de captar la psicología del personaje.En medio de los dos, la muestra contiene un documento único llegado desde los Archivos de Roma (la ciudad donde se firmó): es la carta de manumisión en la que Velázquez da la libertad a su siervo ("captivus") así como "a sus hijos y descendientes", aunque precisa que esa liberación será efectiva cuatro años después.Las dos obras y el documento están datadas en 1650, cuando Velázquez estaba en el cénit de su fama y reconocimiento. Cuando el retrato de Juan de Pareja fue exhibido lo describieron así, tal y como recoge un testimonio de la época: "Era tan semejante, y con tanta viveza que, habiéndolo enviado con el mismo Pareja, á la censura de algunos amigos; se quedaban mirando el retrato pintado, y á el original con admiración y asombro".Una sociedad multiétnicaVanessa K. Valdés, co-comisaria de la exposición "Juan de Pareja, pintor hispanoafricano" -que se podrá visitar del 3 de abril al 16 de julio-, explica a EFE que no hay certezas sobre los orígenes del pintor liberto, aparte de que también su padre se llamaba así -"posiblemente un apellido común"-, y que se supone que su madre era de origen morisco.Nació en Antequera y creció en Sevilla, una ciudad multiétnica en la que la esclavitud no era extraña, dadas las constantes batallas con los turcos y otros emiratos norteafricanos en los que los prisioneros pasaban a ser esclavos que se vendían o se intercambiaban por otros.Valdés subraya que la idea de la esclavitud entonces no debe entenderse como en el siglo XIX -los siervos en una plantación de algodón-, ya que un esclavo podía desarrollar una carrera profesional, como fue el caso de Juan de Pareja, que pasó veinte años en el estudio de Velázquez, donde adquirió una cierta posición, hasta el punto de ser elegido para acompañar al maestro en aquel viaje a Italia.Por esa razón, la muestra recoge tanto pinturas de la época con otros personajes africanos -una obra de Murillo y otra de Zurbarán, contemporáneos de Velázquez-, y en otro apartado varias obras atribuidas a Velázquez que actualmente se considera fueron en gran medida obras colectivas de su taller, en la que la intervención de los ayudantes -Pareja entre otros- es probable, aunque no se pueda demostrar.Uno de los mitos que la muestra quiere desterrar es que Pareja desarrollase su pintura "a escondidas" -circulaba una anécdota de que pintaba a hurtadillas en el reverso de lienzos desechados por Velázquez-, y precisamente muestra cómo su técnica se pulió al lado del maestro.El pintor maduroAquel viaje a Roma fue para Pareja tan importante como para Velázquez: siendo Italia el epicentro del arte en el siglo XVII, Pareja tuvo, como ayudante de Velázquez, acceso a las mejores obras y los artistas más reconocidos de la época.A su regreso a Madrid, donde se encontraba la corte y donde medraban los pintores, Pareja desarrolló un arte de temática principalmente religiosa. No parece que tuviera ningún conflicto religioso como morisco, toda vez que -como recuerda Valdés- los descendientes de los moriscos hacían gala de una acendrada religiosidad católica para que nadie les recriminara por su impureza de sangre.De las cuatro obras firmadas por el propio Pareja, llama la atención la de "La vocación de San Mateo", fechada en 1661: el pintor se autorretrató en el extremo izquierdo del cuadro, de cuerpo entero, con un papel en la mano donde aún puede leerse "Juan de Pareja Fecit". Probablemente en imitación a su antiguo dueño y maestro, que cinco años antes se había autorretratado en "Las Meninas".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El ministro de Asuntos Exteriores de España, José Manuel Albares, destacó estos datos en la mesa sobre "La fuerza del español en Europa y en la escena internacional" del IX Congreso Internacional de la Lengua Española, inaugurado este lunes en Cádiz (España).Albares subrayó la "creciente relevancia" en el contexto internacional de la lengua española, uno de los idiomas oficiales en organismos internacionales como Naciones Unidas y la Unión Europea (UE).El ministro sostuvo que la presidencia española de la UE en el próximo semestre dará "un papel protagonista" a este idioma y será una oportunidad para impulsarlo.La UE es una de las áreas donde más creció el interés por aprender español, ya que, junto con Estados Unidos y Brasil, reúne al 81 por ciento de los cerca de 24 millones de estudiantes del idioma.Según un informe del Instituto Cervantes, uno de los organizadores del congreso, en Estados Unidos hay cerca de 8 millones de estudiantes de español, más de 5 millones en Brasil, algo más de 3 en Francia y más de 800.000 tanto en Reino Unido como en Alemania.La presidenta de la Asociación Internacional de Hispanistas, Ruth Fine, señaló por su parte que "la fuerza del español es indiscutible". Esta entidad, fundada en 1962 para promover el idioma, sigue creciendo con la incorporación de nuevas asociaciones de hispanistas, la última de ellas creada en Taiwan.Unos seiscientos congresistas de más de medio centenar de países está previsto que participen en julio próximo en el XXI congreso de la asociación en Neuchatel (Suiza).El español lo hablan como lengua materna o aprendida unos 595 millones de personas, el 7,5 por ciento de la población mundial, según el Instituto Cervantes, con México, Colombia, Argentina, España y Estados Unidos entre los países con mayor número de hispanohablantes.El congreso se desarrollará durante cuatro días, organizado por instituciones como el Instituto Cervantes, la Real Academia Española (RAE) y la Asociación de Academias de la Lengua Española (ASALE), que aglutina a 23 agrupaciones de América, España, Filipinas y Guinea Ecuatorial.Escuche lo mejor de la música clásica por medio de la señal en vivo de la HJCK.
Bajo el nombre "A few degrees more" (unos cuantos grados más), el museo vienés ha sacado varias obras maestras de su milimétrica horizontalidad, en un intento de usar el arte para llamar la atención sobre la crisis climática, que sea también alternativo a los ataques contra obras de arte protagonizados por activistas."Nos gustaría hacer nuestra contribución para sensibilizar a nuestros visitantes sobre el urgente problema de la crisis del clima", explica a EFE el director del Museo Leopold, Hans-Peter Wipplinger.Educación y no agresionesEl responsable del museo recuerda que hace cuatro meses dos activistas arrojaron un líquido negro contra "Muerte y vida", una de las obras más conocidas de Klimt, en una protesta para llamar la atención contra la emergencia climática en la que el cuadro no resultó dañado."Estamos completamente en desacuerdo con esas agresiones a las obras de arte. Somos solidarios con quienes protegen el clima, con los investigadores. Pero queríamos hacer una acción más inteligente, más constructiva y educativa y que no cause daños. Y esta es nuestra respuesta", afirma Wipplinger.En el proyecto colabora el Climate Change Centre Austria, una plataforma de científicos e investigadores que ha redactado textos que explican los efectos en el medioambiente en función de cuántos grados centígrados aumente la temperatura del planeta. Los cuadros, principalmente paisajes, cuelgan en diagonal en ángulos de entre 1,5, y 7 grados, y los científicos explican qué cambios causaría un calentamiento de ese mismo nivel, y también qué puede hacer cada persona para evitarlo.Así, una vista del monte Rax, pintada por Koloman Moser en 1907, cuelga en un ángulo de 1,5, el aumento en centígrados de las temperaturas a partir del cual la comunidad científica considera que los efectos serían irreversibles. Una subida de ese nivel tendría graves consecuencias en los Alpes, advierten los científicos, y pondría en peligro la diversidad vegetal, derretiría la mitad de los glaciares y amenazaría el suministro de agua potable en Austria.Colapso del lago de KlimtOtros cuadros alertan del riesgo de colapso de lagos como el Attersee, que Klimt pintó en numerosas ocasiones, si la temperatura sube dos grados, o de cómo un aumento de 3 afectaría a la producción agrícola en Europa Central. El Museo Leopold recurre a "Puesta de Sol", de Egon Schiele, para advertir de que un incremento de la temperatura de 4 grados hasta el año 2100 reduciría o eliminaría hábitats como los que muestra el cuadro, y causaría una subida del nivel del mar que obligaría a desplazarse a millones de personas.La escala llega hasta los 7 grados de ángulo con los que cuelga "Joven en el manantial", de Albin Egger-Lienz, en el que un joven bebe agua de una fuente natural como las que desaparecerían con el calentamiento. "Al colgarlos torcidos queremos mostrar que incluso cambios marginales, de dos o tres grados, tienen efectos increíbles. Que las cifras abstractas sean llamativas visualmente y llamen la atención", resume Wipplinger la intención de este proyecto."Más constructiva""Creo que es una buena forma para un museo de encontrar una posibilidad de que se vea el problema. Pero no sé si esto va a cambiar el mundo", dice a EFE Lisa, una escolar de 16 años que considera que esta acción es "más constructiva" que protestas como pegarse a un cuadro o arrojar líquidos.Con ella está de acuerdo Paul, de 17 años, que ve la iniciativa del modelo como una "buena solución" en contraste con protestas climáticas en las que se ha atacado, incluso sin causar daño, obras de arte. "Llaman la atención pero al final lo que hacen no aporta mucho. Lo considero un poco innecesario", opina.De momento, Wipplinger está satisfecho con el resultado de esta iniciativa, que se mantendrá hasta el 26 de junio. "Nos damos cuenta con las reacciones de que logramos una cierta atención y esperamos que provoque un cambio en la forma de pensar de los visitantes", confía.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El 4 de julio de 2022 el presidente electo Gustavo Petro anunciaba en su cuenta de Twitter el nombre de la ministra de cultura que lo acompañaría a partir del 7 de agosto cuando tomara posesión en su gobierno: La dramaturga y gestora cultural Patricia Ariza. La también poeta fue elegida para lo que se denominó "un estallido de cultura en toda Colombia para la Paz y la convivencia. Una cultura para la identidad para dinamizar la colombianidad diversa", según el anuncio. Recibido de gran forma, el nombre de Ariza planteaba una ruptura con los perfiles que habían sido cabeza de la cartera ministerial, con el que se esperaba un amplio dialogo entre sectores artísticos a nivel nacional y el gobierno. El primer gran anuncio de su ministerio vendría en el marco del 12 de octubre en el que radicó dos proyectos de ley con reformas simbólicas: la primera cambiar el nombre del Día de la Raza por el Día de la Diversidad Étnica y Cultural y el segundo, cambiar el nombre del Ministerio de la Cultura por el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes” con el que el Ministerio pasó a denominarse MiCASa.Este último proyecto además busca un cambio frente al enfoque ministerial del gobierno de Iván Duque y la economía naranja, articulando lo que denominaron como "una nueva valoración" de las culturas, las artes y los saberes ancestrales, dividida en cuatro ejes que funcionarían como nuevo enfoque de la cartera: 1. Cultura de paz, 2. Colombia en el planeta y en el mundo, 3. Memoria Viva y 4. Arte, artistas y Educación para la vida. Tan solo algunos días después en su cuenta de Twitter, Ariza anunciaría el que quizá sea el logro más importante dentro de su administración: Para 2023, el presupuesto de inversión más alto de la entidad en su historia por $701.000 millones de pesos, 125% más que los recursos estimados por el gobierno anterior y un 25% más que el presupuesto de 2022, con lo cuál por ejemplo, en la apertura del Programa Nacional de Estímulos 2023 el pasado 23 de febrero y que estará disponible hasta el 3 de abril, el presupuesto aumentó en un 51% con el anterior programa, ofreciendo 1070 becas, 199 reconocimientos, 18 premios, 13 pasantías y 18 residencias. Para un total de 1318 convocatorias. No obstante es en este mismo programa de estímulos en donde varios artistas y gestores culturales han levantado quejas alrededor de una de las causales de rechazo de propuestas para aplicar a estas convocatorias: para este año se ha limitado a los interesados en participar a tener la posibilidad de solo presentar (1) propuesta dentro de todo el portafolio, contrario a como venía ocurriendo en años anteriores. Esto, en otras palabras traduce, a que se han reducido las posibilidades de todos aquellos interesados en participar de estos estímulos haciendo aún más difícil su vinculación laboral dentro del campo artístico, ya que es común, que se presenten a varias convocatorias en paralelo para poder ser beneficiario de alguna de ellas. Para noviembre del 2022 en la rendición de cuentas de los primeros 100 días de gobierno, el ministerio publicó en su página web, al igual que las demás carteras ministeriales sus logros. En este caso, además de los ya mencionados proyectos de ley y el incremento presupuestal, destacó la ejecución de "1.479 actividades en 258 municipios de Colombia, entre las que sobresalen 135 conciertos de la Fundación Batuta, con la participación de 18.600 niños, niñas y jóvenes; 53 conciertos de la Orquesta Filarmónica de Bogotá; 436 funciones de teatro en 218 salas concertadas; 92 funciones de teatro comunitario y de calle; y un piloto de formación artística en 100 instituciones públicas". Junto a ello la apertura de cuatro bibliotecas públicas con el apoyo de la Embajada de Japón de las que se estiman se beneficiarían 90 mil niños, niñas y jóvenes en los municipios de Rivera, Huila; San Agustín Huila; Totoró, Cauca y Pijiño del Carmen, Magdalena y los cambios y el incremento en la convocatoria del Programa Nacional de Concertación en el que se registraron 5.175 proyectos, desde 797 municipios de los 32 departamentos del país y la ciudad capital, lo que significó un aumento en 18.58% en la participación.También se destacó la expedición del decreto que reglamenta el artículo 64 de la Ley 397 de 1997 (Ley general de Cultura) en relación con la estructura, el desarrollo y funcionamiento del Sistema Nacional de Educación y Formación Artística y Cultural (SINEFAC) que busca en palabras del ministerio "garantizar que en todos los niveles y modalidades educativas haya currículos con componentes de formación artística y cultural". Para el mes de diciembre fue debatido y aprobado en primer debate por la Cámara de Representantes el Proyecto de Ley 189 de 2022 conocido como “Ley de la Música” que tras varias reuniones con el sector, propone construir una propuesta más incluyente en términos poblacionales, diferenciales, territoriales y de género para beneficio del sector colombiano de la música en términos de precariedad laboral, informalidad, mínimos de participación en eventos y desfinanciación en general del sector. Este proyecto sigue su curso de aprobación en cámara y siguen existiendo espacios de disertación para el proyecto. Además se le ha atribuyó que en la radicación de la reforma tributaria con el que el gobierno recaudará $19,7 billones en 2023 y un promedio de $20 billones en los siguientes tres años, presentada en diciembre de 2022, el sector cultural no haya sufrido modificaciones. Sin embargo, también existieron tensiones. Quizá el que más se destacó fue desde el sector de las artes visuales, donde a través de varios medios reclamaron un papel donde se reconociese la pluralidad de las artes y no solo encasillar las manifestaciones artísticas a ciertos temas y ciertas practicas como el muralismo. Sumado a estas tensiones a inicios de febrero del presente año, se sumó el sector musical con una carta firmada por 2.424 personas, poniendo sus preocupaciones con la iniciativa del Gobierno confirmada por el presidente tras la visita de la primera dama Verónica Alcocer a Venezuela, en el que uno de los puntos de reunión fue revisar la implementación del modelo orquestal venezolano en el país. Si bien en el último mes las comunicaciones frente al tema por parte de Ariza fueron ambiguas, en entrevista con La W, la dramaturga declaró que "Había malos entendidos, pero no diferencias esenciales. Pensé que eran cosas normales que suceden", y todo parece indicar, que las diferencias radicaban en este enfoque. El Ministerio de Cultura sigue sin cabeza oficial. Mientras tanto, Ignacio Zorro, ministro encargado ha salido a desmentir en medios como el diario El Tiempo la implementación del sistema orquestal en Colombia o en Blu Radio argumento que el enfoque sería distinto aunque el 20 de febrero en su cuenta de Twitter, Patricia Ariza haya publicado un comunicado en el que también aparece la firma de zorro, done expresa que: "El gobierno del Cambio busca fortalecer todas las músicas: estimular y promover la creación de nuevas orquestas y grupos musicales. Como lo señala el presidente Gustavo Petro, este año despegará el Sistema orquestal colombiano, ligado al Sistema Educativo, acogiendo y complementando la actual cobertura del PNMC (El Plan Nacional de Música para la Convivencia)" y su relación con los hijos del presidente Gustavo Petro.Sin embargo, los tres proyectos de ley presentados por Ariza hasta ahora siguen su curso en las cámaras, al igual que las convocatorias y programas de estímulos. Lo más urgente es conocer quién será ahora la nueva cabeza del estallido cultural y si mantendrá este enfoque ministerial de los últimos siete meses. Lo que sí habría que pedir, es que un espacio que necesita de la concertación de tantos sectores y manifestaciones culturales, abra aún más espacios de escucha para artistas y gestores culturales, de ahí quizá, de la gente que hace prácticas artísticas, esta la clave para el desarrollo del ministerio. Le invitamos a conectarse con nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
