Buena parte de la historia musical de Colombia se gestó en los estudios de Discos Fuentes, la primera disquera en el país en implementar el sonido estéreo y destacar a los artistas locales de diferentes géneros musicales. Junto a Discos Fuentes iniciaron su carrera artistas como Guillermo Buitrago, Pedro Laza y sus Pelayeros, Adolfo Echeverría, Andrés Landero, Alejandro Durán, Juancho Polo Valencia, Bovea y sus Vallenatos, Los Corraleros de Majagual, La Sonora Dinamita, Fruko y sus Tesos, Joe Arroyo, The Latin Brothers, Rodolfo Aicardi, Gustavo Quintero, Los Embajadores Vallenatos, Los Chiches Vallenatos, Los Titanes, Los Diplomáticos, Los Tupamaros, Los Ocho de Colombia, Los Teen Agers y el propio Antonio Fuentes, fundador del selloUna de las tradiciones más recordadas de la disquera son los 14 cañonazos, una compilación musical que se publicó durante más de 6 décadas. Cada año, en el mes de diciembre, las canciones más destacadas se ganaban un lugar en ese disco que, además, se convirtió en la música infaltable para las celebraciones navideñas.Con más de 60 volúmenes al aire, Discos Fuentes anunció en fin de esta publicación. A través de un comunicado de prensa difundido en redes sociales, miembros de la disquera aseguraron que la curaduría mantuvo la altura desde sus inicios, "Desde que nuestro fundador Don Antonio Fuentes concibió la idea de los 14 cañonazos, esta familia musical no ha parado de buscar talentos que conformen la nómina de cada LP, cada CD, cada USB o playlist".A modo de celebración del día de los inocentes, el equipo de la disquera publicó el comunicado, asegurando que no iría más el formato: "En por eso que ahora Discos Fuentes se permite informar a la opinión pública que por motivos ajenos a nuestra voluntad Los 14 cañonazos Bailables, llegan a su fin".Para fortuna de melómanos, amantes de la fiesta y todo aquel que pasó un diciembre cerca de un parlante, los cañonazos seguirán al aire, cada diciembre.
Hombres armados acabaron con la vida de Javier Esnaider Castillo, el pasado 27 de diciembre en la noche. El joven de 24 años, heredero de un talento único que honraba la memoria y tradición de la música del Pacífico, fue investigador, conservador y formador del patrimonio cultural del sur de la región. Además, Castillo era la voz principal de Agrupación Changó, un grupo musical que se ha convertido en un semillero de nuevos talentos del Pacífico, bajo la dirección de Wisman Tenorio.Lambalú fue un proyecto en paralelo, donde Castillo estaba encargado de investigar, difundir y rescatar los sonidos tradicionales del litoral con el propósito de abrir vías más amables para la vida de los jóvenes del departamento, quienes han sido históricamente azotados por la violencia ejercida por distintos actores armados. La muerte de Javier Esnaider Castillo movilizó de inmediato a distintos artistas. Entre ellos Cerrero, quien escribió en sus redes sociales sobre Castillo y el talento que lo había descrestado desde la primera vez que lo vio en un escenario: "Cantando con un rosario en la mano como agarrando la vida, así recuerdo a Esnaider. 24 años, una voz del cielo, todo por delante, su alma puesta en la agrupación Chango. Asesinado ayer en Barbacoas. Dicen que los que lo mataron se molestaron porque creyeron que él los estaba filmando por esta atendiendo una videollamada. Qué desesperanza". La lidereza y precandidata Francia Márquez, los músicos de Lumbalú y Agrupación Changó también se pronunciaron ante el fatal hecho, coincidiendo en la injusticia del crimen y la necesidad de medidas efectivas que protejan la vida de los jóvenes. El último escenario que vibró con la voz de Castillo fue el Festival Petronio Álvarez, justamente en la noche de arrullos y alabaos que artistas como Nidia Góngora, Alexis Play y Hendrix, dedicaron a los muertos en medio de las movilizaciones del paro nacional del 2021. Castillo sumó su voz, cantó bambucos y honró la memoria de otro artista asesinado este año, Junior Jean, pionero de la salsa choke.El hecho sucede a pocos día de la publicación del informe "Cifras de la violencia en las regiones 2021”, realizado por Indepaz, que evidencia la magnitud de la violencia y establece un modus operandi en los asesinatos contra líderes sociales y firmantes de paz en el territorio nacional. De acuerdo con Idepaz, a lo largo del 2021 hubo 92 masacres que dejaron 326 víctimas en 70 municipios, de 20 departamentos. Entre el primero de enero y el 24 de diciembre del presente año fueron asesinados 168 líderes y lideresas en el país –26 de ellas mujeres– de 108 municipios de 25 departamentos“El informe consolidado es una alerta para el Gobierno, el Estado, para las comunidades y todos los sectores sobre la necesidad de tomar nuevas medidas, sobre todo hacia el año 2022 que es un año electoral, de modo que se pueda lograr revertir definitivamente esta tendencia ascendente de violencias en nuestro país”, expresó Camilo González Posso, presidente de Indepaz. Cauca, Nariño y el Valle del Cauca siguen siendo las zonas de mayor afectación por parte de la violencia de actores armados. Los municipios que más tuvieron asesinatos fueron Tumaco, Cali, Caldono, Morales y el Alto Baudó.Javier Esnaider Castillo se suma dolorosamente a esa lista. Su legado y memoria perdurarán, sus compañeros y oyentes van a encargarse de eso, pero es urgente y necesario que hayan soluciones efectivas para las zonas en las que los jóvenes siguen siendo amenazados y su vida se ve limitada al parecer de los violentos.
La música es un elemento indispensable en las celebraciones de diciembre en nuestro país. Cada año, las voces de grandes figuras de nuestro cancionero alegre y parrandero como Joe Arroyo, Rodolfo Aicardi junto a Los Hispanos, Pastor López, Los Corraleros de Majagual y el Grupo Niche, entre otros, marcan el compás de nuestras fiestas y siempre nos acompañan a despedir el año que termina.Por lo anterior, hemos preparado una serie de seis programas especiales en los que llevamos hasta sus oídos una selección musical, curada a partir de discos de vinilo para ofrecerles mayor fidelidad con el sonido. La serie inicia el jueves 16 de diciembre y se realizará los días viernes 17, sábado 18, miércoles 22, jueves 23 y viernes 24. Cada programa tendrá una programación especial.¡De fiesta por Colombia! - 16 de diciembreIniciamos nuestro especial rindiendo un homenaje a los más grandes compositores de la música colombiana, entre los que destacamos a Rafael Escalona, Lucho Bermúdez, Pacho Galán, Edmundo Arias, Crescencio Salcedo, Esther Forero, Emilia Herrera, Alejo Durán, Adolfo Echeverría, entre otros.Entrando a la pista de baile - 17 de diciembreEn nuestro segundo especial exploraremos la discografía musical bailable y tradicional por excelencia en nuestras fiestas de fin de año, entre los que contamos a las grandes voces de los llamados cañonazos, un término que se ha hecho popular gracias al seriado bailable más antiguo del país editado por Discos Fuentes desde 1961 y que ha hecho gozar y bailar a todos los colombianos.¡Que siga la fiesta!La noche del sábado 18 de diciembre presentaremos el tercer episodio de estos especiales, que contendrá la segunda parte de nuestra selección de cañonazos bailables y que tendrá artistas del catálogo de Discos Fuentes como Lisandro Meza, Fruko y sus Tesos, Rodolfo Aicardi, Los Hispanos, Los Graduados, Los Corraleros de Majagual, Joe Arroyo, Anán, Armando Hernández, entre otros.
Durante el mes de diciembre, las calles, casas y edificios de las ciudades del mundo se encienden con luces de color para celebrar las populares fiestas de navidad y fin de año extendidas por todo el mundo. Además de compartirse regalos, prepararse postres y dulces típicos en cada uno de los países, desde el siglo XII se compusieron canciones y melodías con estribillos bastante pegadizos que suelen acompañar la gran mayoría de tradiciones que se realizan en esta época: los villancicos.Aunque inicialmente el origen de los villancicos no estuvo ligado a la Navidad, el origen de la palabra villancico se deriva del latín villanus, que traduce "villa", y que evoca a las canciones populares que se difundieron por España y Portugal durante la alta Edad Media y el Renacimiento. Las letras de estas composiciones, que por lo general estaban inspiradas en historias rurales, se cantaban en grupo con algunos instrumentos rudimentarios que siglos más tarde fueron musicalizados por algunos compositores del renacimiento español como Juan del Encina, Mateo Flecha y Gaspar Fernández.El villancico más antiguo que registra la historia de la música es "Iesus Refulsit Omnium" (Jesús, luz de todas las naciones), que data del siglo IV y cuya letra se le atribuye a san Hilario de Poitiers. Luego de popularizarse con las tradiciones cristianas, los villancicos pasaron a constituir uno de los tres principales géneros de la lírica española junto con las cantigas y las jarchas mozárabes, y recogiéndose en manuscritos y cancioneros. Sin embargo, la iglesia aprovechó la popularidad de estas canciones populares para propagar su mensaje de evangelización alrededor del mundo, componiendo algunos villancicos inspirados en Jesucristo o de la Virgen y sustituyendo sus letras profanas.El éxito de esta estrategia religiosa acabó por oficializar a los villancicos e incluirlos poco a poco en las iglesias como parte de los actos litúrgicos alrededor de la Navidad. Para los siglos XVII y XVIII, los villancicos ya contaban con coros y piezas teatrales que acabarían por mezclarse, al final del siglo, con las tonadillas y la zarzuela. Los villancicos, extendidos por todo el mundo, reciben otros nombres, según la región donde se canten: Koliadki en Ucrania y Rusia, Koleda en Bulgaria y Polonia, Pastorali en Italia, Weihnachtslieder en Alemania, Carols en los países de habla inglesa, Agüinaldo en Venezuela y Posadas en México y Centroamérica. En Italia, por ejemplo, el villancico más conocido es "Tu scendi dalle stelle" (Tu bajas de las estrellas), escrito por San Alfonso María de Ligorio. Mientras que en Francia se popularizó el tema "Il est ne le divin enfat" (Ha nacido el divino niño). En España los villancicos más conocidos actualmente son "Campanas de Belén" y "Los Peces en el Río".El villancico más conocido en todo el mundo es Stille nacht, heilige nacht, nombre original de "Noche de paz". Esta pieza fue creada para la misa de gallo de 1818 por Joseph Mohr, un sacerdote austríaco con el objetivo de tener una canción que se pudiera interpretar sin el acompañamiento del órgano de la iglesia que se había estropeado. Actualmente, el villancico ha sido traducido a 330 idiomas. Otro villancico de gran éxito en todo el mundo es el célebre "Jingle Bells", compuesto por James Pierpont. El tema además fue la primera canción que se transmitió desde el espacio el 16 de diciembre de 1965.En Colombia es muy popular "El burrito sabanero", escrito en 1975 por el compositor venezolano Hugo Blanco y hecho especialmente para incluirse en un álbum de navidad de Topo Gigio que al final no fue incluido. En 1976, Blanco conformó un grupo infantil llamado La Rondallita con niños miembros del Coro de Niños de Venezuela. El villancico fue interpretado por Ricardo Cuenci a los ocho años y a partir de ese momento se volvió un éxito total en muchos países de Latinoamérica.Otro aguinaldo venezolano muy popular en las fiestas de fin de año de Colombia es "¿Dónde están los juguetes?", compuesto por Oswaldo Oropeza e interpretado por Raquel Castaños en 1962. Uno de los villancicos más conocidos en el país es "Tutaina", que significa "fiesta", fue grabado por Saida Ochoa con el apoyo del Coro del Instituto Venezolano de Ciegos para el sello Sonolux en 1946 y para 1950, el gobierno del presidente Eduardo Santos publicó la primera colección de villancicos del país.Con la fiebre discográfica que vivió el país durante los años ochenta, para 1988 Discos Fuentes, el sello musical más antiguo del país, lanzó al mercado el compilado de villancicos más exitoso hasta la fecha y que reunía 16 canciones tradicionales interpretadas por Los Niños Cantores de la Navidad, un proyecto creado por esa casa disquera junto a Julio Ernesto Estrada, "Fruko", quien estuvo a cargo de la dirección musical; por otra parte, el casting de las voces del coro corrió por cuenta de John Jairo Betancur y Evaristo García, después de un riguroso recorrido por algunos colegios de Medellín.
Sampuesanas han existido muchas; de ella se han hecho miles pero ninguna como la de Joaco. Y es que para comprender la magia y el encanto de esta melodía, es necesario entender primero al genio detrás del hombre que una tarde cayó bajo el embrujo de las luciérnagas de Sampués y que con su vuelo le marcaron las primeras notas de la que es hoy, su obra maestra. Relatar la historia de Joaquín Betín" no es tarea fácil. Poco o nada se sabe de él con exactitud en los libros de la antología popular, salvo que nació en Octubre de 1920 en un pequeño pueblo ubicado en la sabana sucreña.Joaquín creció escuchando los sonidos del clarinete de Gregorio y Pedro, sus dos hermanos mayores, y desde entonces ya desarrollaba una terrible admiración por la música de su tierra costeña. Paradójicamente, nunca se interesó por aprender a tocar lo que sus hermanos le inculcaron y que, en medio de su desdén, sabían interpretar desde niños para pasar las tardes. Su temprana pasión por el acordeón comenzó a sus diez años de edad cuando lo escuchó por primera vez en El Blumén, un famoso estadero ubicado detrás de la Iglesia de Sampués. Era Heriberto Villamil quien lo hacía sonar.Desde aquél entonces y como pudo, decidió aprender a tocar ese raro instrumento de forma autodidacta. Nunca ingresó a los salones de alguna escuela y ante la pobreza que siempre le rodeó en su juventud, le fue imposible tener un acordeón. A los diecisiete, Joaco emprendió un viaje a Medellín a probar suerte, del que acabaría devolviéndose dos años después y trayendo como encargo las desilusiones del camino y los rezagos de un fuerte paludismo. Sin embargo, su vida tenía una alternativa sembrada en la música que multiplicó al ritmo de acordeón, bombo, caja y maracas.Cuentan sus nietos en medio de la nostalgia, que Ricardo Dajud, un hombre hacendado muy cercano a la familia Betín, le prestó veinticinco pesos. Así entonces, José Joaquín compraría el que sería su primer acordeón y con el que compondría cientos de melodías; en las tardes y en las noches se rebuscaba sus pesos tocando al aire libre en un sitio de amor de primera mano que se hallaba en la casa de Ana Perfecta Galván en el corregimiento de Peralonso, a las afueras de Sampués. Tocaba notas de acordeón y de paso mostraba sus dotes en el dominio del instrumento por cinco centavos. Allí y por esas casualidades de la vida, nació en 1952 la obra musical que le mostró la gloria.Era una tarde oscura y marcada por grises nubarrones, de esas tardes raras de Sampués; la casa de Ana Perfecta Galván, el sitio preferido de descanso de los arrieros del pueblo, estaba cerrada. El lugar se hallaba desierto. Ni un alma deambulaba por ahí. A Joaco le cogió la noche en ese paraje y entrada la oscuridad no tuvo más compañía que la de su acordeón, así que decidió sentarse en el corredor que estaba frente al paraje y quedarse allí. Frente a él, en un bello ritual amoroso, luciérnagas y cocuyos se encendían y apagaban, una y otra vez. Curioso frente a lo que sus ojos veían, tomó su instrumento y al ritmo del titilar de las luciérnagas, comenzó a imitarlas. Esa noche nació la Cumbia Sampuesana.Esta obra musical fue adquirida y grabada por primera vez por el Conjunto Típico Vallenato en los estudios de Discos Fuentes en 1953. Aunque "La Sampuesana" nació sin letra y como obra meramente instrumental, en 1954 Nacho Paredes y Alfredo Gutiérrez, el mismo que le enseñara en su juventud a tocar el acordeón, le agregaron la palabra y el verso definitivo. Desde entonces, la historia y sus años se encargaron de darle trascendencia e importancia a esta cumbia nacida entre luciérnagas.Esta obra maestra del folclor se internacionalizó por primera vez en 1956, en una película extranjera llamada "Pueblo, Canto y Esperanza". Fue en México donde se grabó la cinta que estuvo dirigida por Alfredo Crevenna, Rogelio González y Julián Soler, y donde los acordes de "La Sampuesana" se juntaron con el celuloide. Años más tarde y en medio del frío, se escuchó en la Academia Sueca el 21 Octubre de 1982, mismo día en que Gabriel García Márquez fue laureado con el Premio Nobel de Literatura; Emiliano Zuleta estuvo a cargo de la ejecución de los acordes de la cumbia vallenata.La obra maestra de Betín dividió en dos la historia de la cumbia. Antes de su creación, la cumbia era una música de la “gentecita del montón, que se bailaba en establecimientos de mala muerte, en los parajes de tierra caliente”, así relataba el diario El Tiempo para los años cincuenta. Desde entonces, son pocos los colombianos que asumen una pose indiferente cuando escuchan ese fulminante repiquetear de la tambora y guacharaca que le abre camino a la endiablada melodía de un acordeón que el maestro Joaquín Betín sigue considerando como una bendición de Dios que le refresca el alma.
Al compás de paseos, merengues, sones y puyas, Nicolás "Colacho" Mendoza y Lisandro Meza, dos jóvenes acordeoneros, se batieron una tarde en franca lid sobre una tarima atiborrada de un bullicioso público que entre aplausos, arengas y rechiflas contemplaban este duelo entre los dos vallenatos. Era 1968 y se celebraba la segunda edición del Festival de la Leyenda Vallenata en la capital del César. Sin embargo, mientras que la decisión del jurado -presidido por Consuelo Araújo Noguera, una de sus fundadoras- fue unánime al declarar a Mendoza como ganador, el público inconforme, acabó por aclamar al músico vencido al que bautizaron como "El rey sin corona".Pero esta aparente derrota sobre la tarima de Francisco el Hombre, el templo donde se miden a pulso los mejores intérpretes de la música vallenata, en lugar de representar un obstáculo para Lisandro, resultó fundamental en la creación de un nuevo estilo que lleva su impronta y que lo desmarcó de la ejecución de los cuatro aires tradicionales del vallenato para así construir una propuesta con mayor énfasis en el sonido sabanero fusionándolo con el fandango, el porro y la música de corraleja.Lisandro Meza nació en septiembre de 1939 en El Piñal, un pequeño corregimiento del municipio Los Palmitos, en Sucre. Desde muy joven, Lisandro ya había elegido al acordeón como su instrumento compañero con el que animaba las fiestas de los trabajadores de la finca de su padre al son de las canciones de Luis Enrique Martínez. Su carrera musical se inició al lado del conjunto de Alejandro Durán, el primer rey vallenato, del que fue su guacharaquero por varios años, alternando en algunas grabaciones con el Conjunto Carrizal de Aníbal Velásquez, el rey de la música sabanera.Para 1962, Lisandro, que ya había adquirido gran renombre en la región sabanera, fue invitado por Antonio Fuentes, dueño de Discos Fuentes, a ser parte de un nuevo proyecto que sería el producto estrella de su compañía: Los Corraleros de Majagual. A su llegada, se codeó con Eliseo Herrera, César Castro, Lucho Argaín, Calixto Ochoa, Alfredo Gutiérrez, Chico Cervantes y los demás miembros de la banda. Aunque sus gritos sabaneros ya eran populares en los pasillos de la discográfica, debutó como cantante hasta 1966 con dos composiciones suyas: "La vieja Pancha" y "Swing bailable". Pero los hits que se apuntó con la banda vendrían al año siguiente con "La burrita de Eliseo" y "La gorra".Al mismo tiempo, decidió conformar su propio conjunto, con el que grabaría una treintena de producciones entre 1966 y mediados de la década de los años ochenta, y con los que se paseó desde la salsa, el porro, la cumbia, la guaracha, los fandangos y el vallenato con un amplio catálogo de canciones como "Baracunatana", El polvorete", "El guayabo de la ye", "Entre Rejas", "La cumbia del amor", "Todo o nada", "Mar azul" y "Esta noche es mía", entre otras. Pero si hubo una obra con la que se destacó fue con las décimas de "La miseria humana", una adaptación en aire de paseo vallenato de este poema escrito por el poeta soledeño Gabriel Escorcia Gravini en el que canta una oda al amor fallido y a la inminente presencia de la muerte. Es considerado el vallenato más largo de la historia.El tema de Lisandro Meza, convertido en un absoluto éxito radial, además de rescatar del olvido la malograda memoria de Gravini, también marcó un hito dentro del catálogo de Discos Fuentes, ya que con sus más de diez minutos, fue incluido en la edición de 1977 de los 14 Cañonazos Bailables (una legendaria recopilación de los éxitos musicales de cada año que no superaban más de 3 minutos de duración) y en el que ocupó más de la mitad del lado B del popular disco de larga duración.Para 1980 Lisandro Meza creó una nueva agrupación, Los Hijos de la Niña Luz, y con ellos impuso un nuevo éxito para ese año: "Las tapas", una cumbia de Ivo Otero que le dio proyección internacional, haciéndole popular en el continente africano. En las décadas siguientes, con éxitos como "Estás pillao'", "Sal y agua" y "El hijo de tuta", Lisandro se ha consolidado como uno de los intérpretes infaltables del fin de año en Colombia, además de ser un ídolo de la colonia hispana y sonidera en EE.UU. y México, siendo recordado como uno de los más venerados intérpretes del acordeón.En esta entrevista concedida el 29 de junio de 1969 para Carta de Colombia, Lisandro Meza habla sobre sus primeras composiciones y su experiencia en el entonces Festival de la Leyenda Vallenata, celebrado en Valledupar, en el que perdió ante "Colacho" Mendoza y fue declarado el "Rey sin corona".
Hablar de salsa en Colombia, indudablemente es hablar de Julio Ernesto Estrada Rincón, uno de sus más destacados pioneros que lleva 56 años en la industria brindándole alegría al bailador desde Discos Fuentes, su casa de siempre. Comenzó a los catorce años en su primera escuela, Los Corraleros de Majagual, donde además de ser sonidista y afinador de instrumentos, encontró el mote con el que se haría mundialmente famoso. Fue el maestro Lisandro Meza el que lo apodó "Fruco", pues decía que a la joven promesa de la música, le faltaba un diente y se le parecía a la muñequita insignia de la publicidad de las latas de conservas Fruco. Y desde entonces, así se quedó. Sin embargo, fue Estrada Rincón quien, tiempo después, cambió la letra C por la K para diferenciarse de la marca de las salsas.Tras seis meses de trabajar en Discos Fuentes instruido por Mario "Pachanga" Rincón, ingeniero estrella del sello (y además su tío), Fruko pulió sus conocimientos en la percusión yéndose de gira con Los Corraleros para Nueva York, ese grupo de genios costeños liderados por Calixto Ochoa y Alfredo Gutiérrez, que tuvo entre sus filas a otros grandes maestros como Eliseo Herrera, Lisandro Meza, Chico Cervantes, Julio Erazo y César Castro. Allí, se graduó con honores de baterista en la sesión de conciertos que ofrecieron en el Club Manhattan Center, siendo la primera vez que una agrupación colombiana se presentaba en ese mítico lugar. El proyecto se internacionalizó.Tras su salida de los Corraleros, Fruko armó su banda y con jóvenes costeños y del interior del país pusieron a bailar a los salseros que identificaban un sonido propio como producto de calidad que reunió a grandes compositores e intérpretes colombianos para competir a las mejores agrupaciones que con sede en Nueva York, Puerto Rico, República Dominicana, Cuba y Venezuela se habían convertido en el nuevo boom de la Salsa. En 1970 grabó su primer álbum al que llamó "Tesura", por la jerga empleada en la barriada bravera de Medellín a finales de los años cincuenta; y aunque el álbum pasó sin pena ni gloria en su momento, de allí quedó el nombre de su orquesta: Los Tesos.De esta escuela que formó Fruko han salido varios cantantes colombianos mundialmente conocidos. De todos ellos, tres: Wilson "Saoko" Manyoma; Álvaro José Arroyo, "el Joe"; y el ya fallecido Edulfamit Díaz Molina, "Piper Pimienta". Por la orquesta también han desfilado Humberto González, Celio González, Juan Carlos Coronel, John Jairo, May González, Joseíto Martínez, Orlando Contreras, La India Meliyará, Gabino Pampini, Álvaro Pava, Chucho Nuncira, Harold Peláez y Delfo Ballestas.Aunque "El Preso" lo proyectó definitivamente, su orquesta ya había comenzado a cosechar éxitos como "A la Memoria del Muerto", "La Fruta Bomba", "Tania", "El Caminante", entre otros. Durante y después del período en que saliera "El Preso", Fruko y sus Tesos le dieron al mundo clásicos como "Manyoma", "Los Charcos", "El Caminante", "El Negro Chombo", "El Árbol", "El Patillero", "El Cocinero Mayor", "Los Patulekos", "Lontananza", "El Son Del Tren", "La Cara de Payaso", entre otros.Fruko, además de ser el alma de Los Tesos, también ha sido de suma importancia en el desarrollo y éxito de otras grandes orquestas colombianas, como The Latin Brothers, Los Corraleros de Majagual, La Sonora Dinamita, Afrosound y Wanda Kenya. Fruko, indiscutiblemente, ha sido un elemento vital para el desarrollo de la salsa en el país, de la cual su grupo posiblemente sea uno de los primeros en tener proyección internacional, siendo una pieza clave en el éxito discográfico de Discos Fuentes.En esta entrevista para Carta de Colombia el 04 de agosto de 1974, Fruko habla sobre su más reciente lanzamiento, "El caminante", presentando el tema "Tania", compuesto por Álvaro José Arroyo.
A mediados de 1961, se presentaron tres muchachitos en las oficina de Discos Fuentes, con el propósito de presentarle a Antonio Fuentes, fundador de esta prestigiosa casa disquera, un proyecto de música folclórica, cuya base musical estaba en el acordeón y la guacharaca. Eran Daniel Montes, Calixto Ochoa y su joven pupilo, Alfredo Gutiérrez. A Fuentes le bastó con escuchar las primeras notas en la audición para que le interesara de inmediato y les propusiera grabar algunas canciones mientras el proyecto iniciaba. Meses más tarde, Antonio Fuentes recordó un grupo similar muy antiguo que se llamaba Los Corraleros de Astillón, que provenían de Majagual, y aunque ninguno de los tres músicos era de este lugar, los bautizó Los Corraleros de Majagual. Y así, nació la leyenda.El estilo del grupo inicialmente integraba la música de corraleja, las típicas fiestas patronales de Sucre y Córdoba, que se enmarcaban dentro de las festividades de los carnavales sabaneros de la costa norte del Caribe colombiano. Meses más tarde, integraron a la orquestación de la banda el guitarrón mexicano y la conga. Su éxito fue tan rápido, que figuraron como el grupo revelación en los 14 cañonazos bailables de 1962, un disco que compilaba los catorce mejores éxitos musicales del año, convirtiéndose en un absoluto referente nacional. Los temas "El molinillo" de Eliseo Herrera, "La paloma guarumera" de Alfredo Gutiérrez, fueron los dos temas que figuraron entre los preferidos.El proyecto se convirtió rápidamente en la bandera comercial de la casa disquera que buscaba competir con Los Melódicos de Renato Capriles y la Billo's Caracas Boys de Billo Frometa, dos orquestas venezolanas que estaban tomando fuerza en algunas ciudades del país desde 1960. Además, el proyecto evolucionó sonoramente gracias a la recomendación de Julio Ernesto Estrada Rincón (conocido después como "Fruko"), al cambiar la caja vallenata por el timbal e incluir el bajo eléctrico para darle un ambiente armónico con la atmósfera de los demás instrumentos musicales.La estrategia de Fruko funcionó. Sería con "La burrita" en 1966 que el público habría de conocer la nueva sonoridad de este grupo, que ahora le apostaba al golpe del güiro con un aire sabanero y con la sonoridad del bajo eléctrico y de la conga, algo muy común de las orquestas tropicales de la época. A partir de este año, el fenómeno corralero creció en Latinoamérica e influyó en la configuración de nuevos estilos como la cumbia norteña y la incidencia de Colombia en el mercado extranjero.Ahora, la agrupación estaba integrada por Rosendo Martínez en el bombardino, Carmelo Barraza en la caja; Chico Cervantes en la percusión; John Mario Londoño en el bajo; Enrique Bonfante Castilla en la tumbadora y la Conga; José Cáceres en el trombón; Manuel Cervantes en las trompetas; Rafael "Rafico" Restrepo en el guiro; Julián Díaz en el saxofón alto; Julio Ernesto Estrada, "Fruko", en los timbales; y en las voces principales estaba Eliseo Herrera, César Castro, Ignacio Paredes, Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Julio Erazo, Tony Zúñiga y Lucho Argaín. Sin embargo, los músicos también integraron otros proyectos hermanos del sello Fuentes como La Sonora Cordobesa y Los Alegres Diablos. Por sus filas también pasó sus primeros años de cantante Álvaro José, el "Joe" Arroyo.La superbanda, que además fue pionera en unificar bajo una sonoridad exótica los aires del vallenato y la música sabanera, permitió al mismo tiempo que casi todos los integrantes desarrollara sus carreras musicales a nivel individual, lo que acabaría truncando la continuidad del proyecto. Algunos de sus miembros como Alfredo Gutiérrez y Lisandro Meza apostaron por carreras en solitario donde fusionaban el vallenato con el sonido tropical que habían desarrollado como equipo. A finales de 1970, hubo varios intentos de rescatar el grupo con éxitos como "Sin alma y sin corazón", "El azulejo" y "Caballo viejo", con los que reaparecieron en la escena musical gracias a Armando Hernández.La influencia de los Corraleros de Majagual y su paso por agrupar distintas sonoridades, los ubica entre las orquestas más exitosas de su generación, así como una de las preferidas para las fiestas de fin de año. Muchos de sus ritmos eran meras fusiones sonoras que generan controversia entre los melómanos, al incluir como charangas a "Charanga campesina" y "Charanga costeña" o como pachangas como "Sacañeco", siendo en realidad, variaciones musicales del fandango, muy popular en la costa Caribe. Tras su paso por Nueva York, Los Corraleros también pretendieron apostar en la consolidación de una sonoridad propia al fusionar la movida de la salsa (que tomaba auge en la escena latina) con el vallenato. Ejemplos de ello son "Quemando", una descarga de percusión, y el recordado "Mondongo", una pieza de diez minutos a ritmo de salsa que incluyó, como era propio del género, un solo musical que esta vez, estuvo a cargo del acordeón del maestro César Castro.En este audio de Carta de Colombia del 03 de marzo de 1968, se presenta a la agrupación como el conjunto más popular de 1967, que popularizó un ritmo muy popular del Caribe: la charanga.
La Alcaldía de Medellín da apertura a la temporada navideña con una oferta artística y cultural de la que podrán disfrutar habitantes y turistas. La programación inició con Navidad en Armonía, en la que 450 integrantes de 15 agrupaciones de la Red de Escuelas de Música interpretarán, al unísono, piezas musicales festivas en nueve comunas y tres corregimientos de la ciudad. Adicionalmente, la Red de Escuelas de Música tendrá 62 conciertos de Navidad, del 1 al 15 de diciembre, en los que participarán más de 3.000 integrantes. Las presentaciones se harán en las 16 comunas y los cinco corregimientos.Entre los conciertos para destacar se encuentra “Medellín es Música en Navidad”, que se realizará el 11 de diciembre desde la 1:00 p. m. hasta las 8:00 p. m. en el exterior del Centro Cultural Vásquez. Allí participarán 613 alumnos de las once agrupaciones integradas que componen a la red.“Desde la Secretaría de Cultura Ciudadana, la Alcaldía quiere entregarles a todos los ciudadanos de Medellín una Navidad con una programación muy diversa para todos los gustos, de todos los géneros; en donde queremos mostrar esta ciudad incluyente, donde todas las culturas, las diferencias y las diversidades se encuentran”, señaló el secretario de Cultura Ciudadana, Álvaro Narváez.También, se impulsará la reactivación económica de los distintos sectores de la ciudad por medio de eventos como Medellín es Afro, que se llevará a cabo el 3 y el 4 de diciembre, en el Parque de las Luces; el Desfile de Mitos y Leyendas, el 8 de diciembre; y Danzamed, entre el 13 y el 16 de diciembre.Además, entre el 10 y el 12 de diciembre, se realizará una nueva edición de Altavoz Fest, que cumple 18 años. Al igual que en el resto de las actividades, la entrada será libre con la presentación del carné de vacunación. A partir del 01 de diciembre, la programación navideña llegará también a 20 unidades de información del Sistema de Bibliotecas Públicas de Medellín. Serán 26 actividades entre talleres creativos, novenas literarias, Abuelos Cuenta Cuentos y conciertos, que podrán disfrutarse en los parques bibliotecas de Belén, Guayabal, San Javier, San Cristóbal, Palmitas, La Ladera y Nuevo Occidente-Lusitania. Los asistentes deben portar el carné de vacunación.El Parque Norte será de nuevo uno de los principales escenarios para recorrer los alumbrados navideños de EPM y la Alcaldía de Medellín, y contribuir a dinamizar la activación económica que genera oportunidades de empleo e incentiva la diversión y el sano esparcimiento.
Al Parque de los Deseos y al Parque de las Luces llegarán este viernes 3 y el sábado 4 de diciembre los ecos del cununo, los bombos, el arrullo de la marimba, los sonidos autóctonos y una amplia muestra musical del litoral Pacífico con Medellín es Afro, como parte de la oferta de eventos para fin de año. “Los invitamos a seguir viviendo la diversidad y nuestra música afro que habita en los diferentes territorios y comunas. Medellín es Afro, tres encuentros que nos muestran la magia cultural y reconocen que en la cultura vivimos el reencuentro”, afirmó el secretario de Cultura Ciudadana.Con presentaciones musicales, un taller de danza, comida típica, bebidas tradicionales, artesanías y moda afro representativa de la región, el Centro Cultural Vásquez se vestirá de Petronio, de Afrourbano y Festiafro, los tres más grandes referentes del encuentro del Pacífico en el país.Entre las propuestas se encuentra el Ensamble Tradición Oral (alabaos y gualíes) compuesto por Yemayá, Alegrías del Atrato, Pastoral Afro La Sierra, Cantaoras de Moravia, Memoria Chocoana, encargados de dar apertura a esta fiesta del Pacífico, el 3 de diciembre, en el Parque de las Luces a la 1:00 p. m. También sobresalen nombres como Flow Bestial, Afropower, Bomby y Los del Templo. Estos representan el componente musical de Afrourbano y Festiafro, ambos festivales de Medellín.Las agrupaciones Explosión Negra, Rancho Aparte de Quibdó y la Orquesta Machimbe llevarán la magia del Pacífico Petronio Álvarez a todo el público paisa. En cuanto a las actividades de formación, se realizarán talleres referentes a la Convocatoria de Estímulos, talleres de trenzado, conversatorios y charlas sobre música, teatro y un desfile de moda afro a cargo de Dina Perea Afrok.Medellín es Afro tendrá programación formativa, feria de emprendimientos afro, trenzatón, música y danza, entre las 9:00 a. m. y las 10:00 p. m. El sábado, la programación artística irá de 4:00 p. m. a 10:00 p. m. y habrá una feria de emprendimientos afro desde las 8:00 a. m. hasta las 7:00 p. m.La articulación entre la Gerencia de Etnias, la Personería, el Ministerio de Cultura, la Secretaría de Cultura de Cali y la Secretaría de Cultura Ciudadana de Medellín permite la circulación de los artistas y la creación de escenarios propicios en el proceso de reactivación para la memoria histórica, la tradición y las manifestaciones de las comunidades locales, expresadas en su música, su danza y su riqueza cultural. La programación se puede consultar en las redes sociales de Nos Mueve la Cultura.
La 64ª edición de los premios Grammy se celebrará el 3 de abril en Las Vegas, tras haber sido pospuesta debido al avance de la variante ómicron, anunciaron los organizadores de la gala este martes. El comediante Trevor Noah - a cargo del programa "The Daily Show" - será el anfitrión de la prestigiosa ceremonia que premia lo mejor de la música y que será realizada en el MGM Grand Garden Arena.La Academia de la Grabación pospuso hace dos semanas el evento previsto originalmente para el 31 de enero "en medio de crecientes preocupaciones por la variante ómicron". La altamente contagiosa variante representa casi la totalidad de los nuevos casos registrados en Estados Unidos.En California, el estado más poblado del país, las autoridades sanitarias anunciaron este martes que fueron contabilizados más de un millón de nuevos contagios en la última semana, totalizando siete millones desde que comenzó la pandemia. Esta explosión de casos alteró la temporada de premios de Hollywood, posponiendo algunos eventos y llevando otros de vuelta al formato virtual.La ceremonia de los Grammy volvió a su formato presencial el 14 de marzo del año pasado, luego de ser pospuesta en 2021 por la pandemia de coronavirus. Se espera que este año la premiación marque el regreso al glamour de la celebración tradicionalmente realizada en el Staples Center, en Los Ángeles, y que consagre a artistas como Justin Bieber, Billie Eilish y Olivia Rodrigo, así como al músico de jazz y rhythm and blues (R&B) Jon Batiste, que tiene once nominaciones."Estamos emocionados de llevar los premios Grammy a Las Vegas por primera vez y de poner un espectáculo de primera línea", dijo en un comunicado Harvey Mason Jr., director ejecutivo de la Academia de la Grabación.
Se trata de un espacio de consulta, disponible de manera libre y gratuita, donde se tiene acceso a obras audiovisuales, libros, revistas, carteles, fotografías, pressbooks, catálogos de festivales, programaciones, archivos de prensa, y publicaciones especializadas, entre otros. Porque el cine se ve, se lee y se investiga, la Cinemateca de Bogotá ha dispuesto este espacio para todos los amantes del cine de la ciudad.Les contamos cuáles son los pasos que deben seguir para consultar el catálogo de la BECMA.El horario de atención es de martes a viernes de 9:00 a.m. a 5:00 p.m. y los sábados, a partir del mes de Noviembre, de 9:00 a.m. a 1:00 p.m. Hay un aforo del 50%, por la contingencia el ingreso a la BECMA dependerá del aforo diario permitido. Se debe realizar búsqueda previa en el catálogo bibliográfico disponible en línea y solicitar el acceso a los materiales al personal de la biblioteca. Al ingresar se debe haber pasado por los controles del personal logístico en el punto de acceso a la Cinemateca de Bogotá.En la Cinemateca de Bogotá hay servicio de casillero. Para evitar un posible contagio de COVID -19, durante la visita a la biblioteca, es obligatorio portar tapabocas, así como mantener la distancia de un metro con los demás asistentes. Para visualizar material audiovisual se deben traer audífonos propios. Evitar tocar los libros y materiales que se encuentren en las estanterías. El material que se consulte estará en aislamiento durante las 48 horas siguientes. Es indispensable cumplir con los protocolos de bioseguridad estipulados por el escenario.Los visitantes pueden acceder a los siguientes servicios: Atención y asesoría profesional para la búsqueda y recuperación de información especializada en cine y medios audiovisuales, consulta del catálogo bibliográfico disponible en línea, acceso en línea a las publicaciones de la Cinemateca por medio del portal web, Idartes se muda a tu casa, donde se pueden descargar los Cuadernos de Cine Colombiano, la Revista Cinemateca y los Catálogos Razonados entre otros.Acceso a la sala de lectura para consulta de material impreso sobre diferentes temáticas que abarcan las artes audiovisuales, acceso a las estaciones de visionado para consulta de las obras cinematográficas de diversos países que conforman nuestra colección audiovisual, acceso a las salas de consulta para investigadores, acceso a los equipos de cómputo necesarios para apoyar el proceso de investigación y finalmente, quienes pertenezcan a grupos de población de riesgo o no puedan asistir al espacio físico pueden acceder a los servicios de asesoría virtual disponibles.
Obras surrealistas de Alberto Giacometti, inspiradas en su amistad con los artistas de este movimiento y más particularmente con el poeta André Breton, se exponen a partir del miércoles y hasta abril en el instituto Giacometti en París.Tres esculturas muy diferentes de "El hombre que camina", están en el centro de esta exposición, que pone de relieve los estrechos vínculos que mantenían los dos artistas y sus influencias recíprocas a través de su correspondencia y de cuadernos de dibujo de Giacometti.También se exponen una decena de cuadros (Miro, Arp, Dalí, Ernst...), procedentes de museos franceses y extranjeros y de colecciones privadas, así como una serie de fotografías que ponen de relieve a varias artistas mujeres de la época: Dora Maar, Leonora Carrington y Meret Oppenheim.Esta última realizó especialmente "La oreja de Giacometti", sorprendente pequeña escultura de bronce de 10 cm de altura, presentada en la exposición. En el corazón de este universo se encuentra la "Bola suspendida" (metal y yeso), una jaula dentro de la cual una esfera suspendida parece poder deslizarse sobre la arista de una medialuna, adquirida en 1930 por André Breton, líder del grupo surrealista.A su lado, el "Cubo" -poliedro irregular de doce caras, vinculado a la muerte y a la melancolía-, realizado por Giacometti a la muerte de su padre, y "El objeto invisible", una mujer semisentada que sostiene en sus manos un objeto invisible, inspirada por una semimáscara de metal, descubierta por los dos amigos en el mercado de pulgas en 1934.Compartiendo el gusto de los surrealistas por el automatismo, la irracionalidad, el onirismo o el juego del amor cruel, Giacommetti integrará el grupo durante cinco años (1930-1935) antes de alejarse, debido a divergencias de puntos de vista políticos y estéticos, entablando fuertes relaciones de amistad que conservará con varios de sus integrantes, en particular Breton.
El artista estadounidense Kaws instaló este martes sus pinturas pop y esculturas de colores en la Serpentine Gallery de Londres pero también en la réplica virtual del museo, situada dentro de Fortnite, el videojuego con cientos de millones de seguidores.En medio del césped helado de Hyde Park, en el centro de Londres, los espectadores apuntan con sus teléfonos al techo de la Serpentine Gallery. Pero no para tomar fotos del edificio de ladrillos rojos y columnas blancas sino porque, gracias a sus teléfonos móviles, aparece en realidad aumentada una gran escultura de un hombre azul sentado en el tejado, invisible a simple vista.La escultura es del neoyorquino, en cuya exposición, "Kaws: New Fiction", se entrelazan lo virtual y lo real. La exposición se compone de "tres capas", explica a la AFP el director artístico Hans Ulrich Obrist. "Está la exposición física en la Serpentine Gallery con pinturas y esculturas, luego los elementos de realidad aumentada y también la Serpentine Gallery en Fortnite", uno de los videojuegos más populares del mundo.Durante una semana, los 400 millones de seguidores del juego de Epic Games tienen acceso a una réplica exacta del museo dentro del videogame, que pueden recorrer con su avatar para ver las obras. Epic Games ha colaborado de forma similar con cantantes de renombre internacional para que den conciertos dentro del juego."Pero es la primera vez que Fortnite colabora con las artes visuales, con una galería pública", dice Obrist. Aunque considera que es "muy diferente" ver una exposición en un juego o físicamente, cree que las experiencias son "complementarias", sobre todo porque muchos visitantes no familiarizados con el mundo de los videojuegos pueden interesarse por ellos, y viceversa. "Para nosotros, se trata de llegar a públicos muy diferentes" y crear "un diálogo transgeneracional", añade el director artístico."La edad media de los jugadores de Fortnite", muy popular entre los adolescentes, "es mucho más joven que el visitante medio del museo", subraya Hans Ulrich Obrist, que "espera que toda una nueva generación se acerque a la galería". Sobre todo porque este proyecto "llegará a un público que probablemente sea diez veces mayor que el de la Bienal de Venecia", afirma el comisario de la exposición, Daniel Birnbaum. También para el artista, Brian Donnelly (su nombre real), el interés radica en hacer más accesible su obra.Sus estilizados personajes con cabeza de calavera ya se han visto en todo el mundo, en instalaciones gigantes y productos promocionales. Y ahora podrán atraer al público más joven de Fortnite con su aspecto pop, accesible y colorido. Kaws, que colabora por segunda vez con Fortnite, explica que sus obras se expondrán en el "creative hub", un modo específico del juego alejado de las partidas donde los jugadores luchan por ser el último superviviente. "No habrá tiroteos en la exposición", bromea, asegurando que la comunidad de jugadores es "diferente a lo que pensamos".En cuanto a si los jugadores se detendrán realmente a contemplar sus obras en el juego, "es difícil de decir", reconoce el artista. "Si llevas a un niño de once años a un museo tradicional, no sabes si va a mirar las obras. Es lo mismo", asegura.
La subasta de la residencia romana de los príncipes Ludovisi Boncompagni, con un excepcional mural de Caravaggio, fue declarada desierta, informó este martes a la AFP el notario encargado. "Nadie participó en la subasta", aseguró Camilo Verde, quien precisó que la próxima subasta tendrá lugar el 7 de abril y partirá de un valor reducido en cerca de un 20%.El monumental Casino de la Aurora, más conocido como Villa Ludovisi, un imponente palacio de 2.800 metros cuadrados, repartido en seis plantas con un suntuoso jardín, ubicado en el corazón de Roma, a pocos de pasos de la célebre Vía Veneto y de Villa Borghese, se encuentra en uno de los sectores más elegantes de la capital.La residencia campestre de una de las familias aristocráticas más ricas y poderosas de Italia conserva además del Caravaggio, frescos de Guercino (1591-1666), reconocido pintor barroco de Bolonia, así como antiguas estatuas. Se estimaba que el Casino de la Aurora, una verdadera joya del barroco romano, tenía un valor de 471 millones de euros (537 millones de dólares), pero esa estimación bajó a 376 millones de euros para la próxima subasta.Si la residencia se vende a un precio cercano al fijado como inicio por la subasta, sería una de las ventas de bienes raíces registradas públicamente más caras de la historia. La subasta fue decidida por un tribunal de Roma para poner fin a las disputas entre los herederos del príncipe Niccolo Ludovisi Boncompagni, quien falleció en 2018 a los 77 años.El enfrentamiento familiar entre la tercera esposa del príncipe, Rita Jenrette Boncompagni Ludovisi, una pintora estadounidense de 72 años que posó para Playboy, y los hijos nacidos del primer matrimonio, obligó a los jueces a subastar la villa debido a que ninguno ha podido hacer frente a la hipoteca por los altos gastos de mantenimiento.Una petición lanzada por la página change.org ha recaudado más de 35.000 firmas para pedir que el Estado intervenga. Los firmantes piden que Italia ejerza su derecho de compra y conviertan el lugar en un museo y centro cultural. Según la ley italiana, el gobierno puede ejercer su derecho sólo después de que haya sido efectivamente adquirida por un particular, dentro de un plazo de 60 días de la conclusión de la venta y ofreciendo el mismo precio de compra.
