En Los últimos sufrimientos del Salvador (compuesta por Carl Philipp Emanuel Bach entre 1769 y 1770), se concentran, por así decirlo, los principios compositivos más esenciales y se ofrece una visión profunda del pensamiento de Bach sobre una nueva música que debe ser, sobre todo, un lenguaje del sentimiento.Un solo coral y seis arias contrastan con once recitativos acompañados, algunos de los cuales conducen directamente a ariosos, como por ejemplo, en las secciones donde se representa la traición de Judas Iscariote (Den Menschenfreund willst du verrathen).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.O donde el silencio de Cristo ante Pilato se convierte en realidad en un silencio musical (Und doch, welch Beyspiel der Geduld); y finalmente, donde una sola palabra (muere) acompañada de un pizzicato en el bajo es suficiente para marcar la muerte del Salvador.En Música Antigua y del Barroco escucharemos la versión de la Cantata 'Die letzten Leiden des Erlösers' (Los últimos sufrimientos del Salvador), Wq 233, de Carl Philipp Emanuel Bach, que nos ofrecen Barbara Schlick y Greta de Reyghere, sopranos; Catherine Patriasz, contralto; Christoph Pregardien, tenor; Max van Egmond, bajo; el Collegium Vocale Gent y La Petite Band bajo la dirección de Sigiswald Kuijken.Esta obra será presentada en la nueva edición de Música Antigua y de Barroco, el próximo viernes santo (29 de marzo) a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
El viernes de Semana Santa se lleva a cabo una de las conmemoraciones más representativas y profundas del cristianismo, en la que se recuerda la crucifixión y muerte de Jesús de Nazaret.Las Lamentaciones de Semana Santa forman parte de una tradición que tiene fuertes raíces en la música sacra desde el siglo XV: antes de Joseph Hector Fiocco, el mismo tema había sido planteado por Orlando di Lasso, Carissimi, Alessandro Scarlatti, Charpentier, François Couperin, por citar sólo los más conocidos. Después de Fiocco, el último en el orden cronológico fue Igor Stravinsky con Threni en 1958.Para la Semana Santa, la liturgia pedía lecturas cantadas de piezas extraídas de las Lamentaciones del profeta Jeremías; que en el ámbito de la cultura francesa tomaron el nombre de "Leçons des Ténèbres" (Lecturas de las tinieblas), pues con cada verso se apagaba una vela hasta que finalmente la iglesia quedaba en total oscuridad, representando el descenso temporal de Cristo al inframundo.Otra de las muchas obras que han sido compuestas para dicha conmemoración y que ha sido poco difundida es la Passio per il Venerdì Santo (Pasión para el Viernes Santo) de Giuseppe Giordani o Giordaniello, compositor italiano quien nació en Nápoles el 19 de diciembre de 1751 y falleció en Fermo el 4 de enero de 1798. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Giordani estudió música con Domenico Cimarosa y Niccolò Antonio Zingarelli, y en 1774 fue nombrado director de música de la capilla de la catedral de Nápoles. En 1776 escribió su Passio per il Venerdì Santo, y su primera ópera (L'Epponina) fue lanzada en 1779.Y finalmente en esta edición del Concierto de la Tarde escucharemos la primera lección de las Lamentaciones que compuso Estêvao de Brito, el compositor portugués que vivió entre los años 1575 y 1641.Si bien la polifonía floreció más tarde en Portugal que en la mayoría de los demás países europeos, las Lamentaciones de De Brito deben mucho a los antecedentes españoles, al tiempo que llevan al límite ciertos aspectos del estilo del Renacimiento tardío, como gran parte de la música portuguesa de principios del siglo XVII.Todas estas obras serán transmitidas el viernes santo (29 de marzo) a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La Misa de Réquiem de Giuseppe Verdi, una obra monumental en el repertorio de la música clásica, es una expresión inigualable de emoción, drama y grandeza. Compuesta en memoria del escritor y poeta italiano Alessandro Manzoni, Verdi creó una obra que trasciende los límites litúrgicos y se convierte en una experiencia musical y espiritual profundamente conmovedora.Verdi comenzó a concebir su Réquiem en 1868, cuando Manzoni falleció, pero no fue hasta 1873 que completó la obra. Aunque Verdi era conocido principalmente por sus óperas, su incursión en la música sacra con esta obra resultó ser igualmente impresionante. La Misa de Réquiem no es una composición litúrgica convencional, sino más bien una visión personal de Verdi sobre el texto latino tradicional, que abarca una amplia gama de emociones humanas, desde la angustia hasta la esperanza.La Misa de Réquiem de Verdi consta de siete secciones principales: el "Requiem" (Requiem aeternam), el "Dies Irae", el "Offertorio", el "Sanctus", el "Agnus Dei", el "Lux aeterna" y el "Libera me". Cada sección está marcada por una intensidad dramática excepcional y una variedad de recursos musicales que muestran la habilidad de Verdi para crear tensión y emoción.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El "Dies Irae", en particular, es una de las secciones más impactantes de la obra, con sus tumultuosos coros y orquestación apasionada que retratan el juicio final y la ira divina de manera vívida y dramática. Contrastando con esto, el "Lux aeterna" ofrece un momento de paz y serenidad, con su hermosa melodía y armonías celestiales.Verdi demostró una maestría excepcional en la escritura coral y orquestal en esta obra, utilizando técnicas innovadoras para crear una atmósfera de intensidad emocional y espiritual. Su capacidad para combinar elementos operísticos con la solemnidad de la música sacra resultó en una obra que trasciende los límites del género y continúa cautivando al público hasta el día de hoy.El legado de la Misa de Réquiem de Verdi perdura a través de su influencia en generaciones posteriores de compositores y su impacto duradero en el repertorio de conciertos. Su habilidad para capturar la profundidad de la experiencia humana y elevarla a un plano espiritual lo convierte en uno de los trabajos más significativos en el canon de la música clásica.La Misa de Réquiem de Giuseppe Verdi es una obra monumental que combina la grandeza operística con la devoción sacra de una manera única y conmovedora. A través de su música poderosa y emotiva, Verdi nos lleva en un viaje espiritual que nos confronta con nuestras propias emociones y nos recuerda la fragilidad y la trascendencia de la vida humana. Su legado perdura como un testimonio eterno de la capacidad de la música para elevar el alma y trascender las barreras del tiempo y del espacio.Podrá escuchar esta obra maravillosa en la edición especial de nuestro Concierto de la Tarde, hoy jueves santo. Esta versión estará interpretada por Katia Ricciarelli, Shirley Verrett, Plácido Domingo, Nicolai Ghiaurov, Orquesta y Coro del Teatro alla Scala bajo la dirección de Claudio Abbado y estará al aire a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Como parte de su segundo ciclo de cantatas, en 1724, en Leipzig, el alemán Johann Sebastian Bach compuso Herr Jesu Christ, du höchstes Gut, una cantata sacra, específicamente una cantata de iglesia, conocida en español como Señor Jesucristo, oh bien supremo.Bach, uno de los compositores más importantes del período barroco, compuso esta obra religiosa durante su primer año como Thomaskantor en Leipzig, donde fue responsable de la música en las principales iglesias de la ciudad. Para poner en contexto, Thomaskantor ó "Kantor de Santo Tomás" fue el título honorífico y cargo que tuvo el compositor alemán entre 1723 y 1750.Durante esos años, Bach fue el encargado de la educación musical y la dirección de la música en las principales iglesias de la ciudad de Leipzig, especialmente en las de Santo Tomás y en San Nicolás. Este cargo musical durante la labor de Bach fue considerado uno de los más respetados e influyentes de la Alemania protestante, participando no solo en actos religiosos y académicos, sino también en elecciones del concejo municipal y homenajes de la ciudad.“Señor Jesucristo, oh bien supremo” es una cantata de iglesia que incluye movimientos de coral, arias solistas y recitativos con un movimiento final de coral. La obra está escrita para voz solista (soprano), un coro de cuatro partes (SATB), y un conjunto instrumental que suele incluir cuerdas y continuo (órgano u otros instrumentos de bajo).Pese a que se desconoce la autoría del texto de la cantata, se sabe que está basado en el himno en el himno del mismo nombre (Herr Jesu Christ, du höchstes Gut), del poeta y teólogo Bartholomäus Ringwaldt.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El himno original tiene un carácter de oración penitencial y de súplica a Cristo. En el mismo sentido, la cantata, en su conjunto, reflexiona sobre la relación de los devotos con Cristo, expresando arrepentimiento, confianza y gratitud por la misericordia divina.Algunas grabaciones notables de esta cantata incluyen las realizadas por John Eliot Gardiner con el grupo Solistas Barrocos Ingleses y el Coro Monteverdi, y la grabación de Karl Richter con la Orquesta Bach de Múnich.En la HJCK podrá escuchar esta obra sacra interpretada por Kurt Equiluz (tenor), Max van Egmond (bajo), el Coro de Niños de Hannover, el Collegium Vocale de Gent y el Leonhardt Consort bajo la dirección de Gustav Leonhardt🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El 7 de octubre de 2012 el papa Benedicto XVI declaró santa a Hildegarda de Bingen, una de las mujeres más influyentes de la Edad Media. Los campos en los que dejó un legado no fueron pocos, aunque en ese entonces no se hablaba de feminismo, sus palabras sobre el placer y la libertad de las mujeres hacen que se considere como una de las precursoras del movimiento.Además, tuvo injerencia como médica, filósofa, escritora, poeta, compositora, teóloga, profetisa e incluso asesora política en un contexto en el que las mujeres no eran consideradas un agente político y su participación en la sociedad estaba limitada por la religión y las leyes.Nacida en el Sacro Imperio Romano Germánico (hoy Europa Occidental y Central) en el año 1098, Hildegarda creció en una familia noble que desde muy pequeña la ofreció al monasterio benedictino de Disibodenberg, donde recibió educación religiosa y formación en varios campos del conocimiento de la época.Desde niña, la joven religiosa comenzó a experimentar visiones místicas, que serían interpretadas como revelaciones divinas. Esta condición, más su talento para la escritura y la música se desarrollaron permitiéndole producir obras que tuvieron la religión y la mística como centro.A sus 38 años, fue elegida madre superiora del monasterio de Rupertsberg, cerca de Bingen, convirtiéndose así en una líder espiritual y comunitaria influyente. En su gestión, fundó monasterios y conventos, llevando su enseñanza por la región, cuando estaba prohibido que las mujeres predicaran, pues se consideraba a las mujeres como el sexo débil, indigno de proclamar el mensaje de Dios.Hildegarda afirmó haber tenido visiones desde una edad temprana. Estas visiones, según ella, provenían de Dios y la inspiraron en su música, escritos y prácticas espirituales. Sus experiencias místicas influyeron profundamente en su vida y obra, y escribió extensamente sobre ellas en sus libros.“Hasta los 15 años tuve muchas visiones, y explicaba algunas de las cosas que veía a otros, que me preguntaban con asombro de dónde podían venir esas cosas. Yo también me lo preguntaba y durante mi enfermedad pregunté a una de mis cuidadoras si ella también veía cosas parecidas. Cuando me contestó que no, me embargó un gran temor. A menudo, en mi conversación, explicaba cosas futuras, que veía como presentes, pero, al notar la sorpresa de mis oyentes, me volví más reservada”, documenta National Geographic sobre las habilidades de la santa.En el campo de la medicina hizo contribuciones significativas. Escribió tratados sobre hierbas medicinales, nutrición y prácticas de curación, basadas en sus visiones y en el conocimiento médico de la época.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Hildegarda, una artista inspirada por DiosScivias, escrita entre 1141 y 1152 es considerada la principal obra de Hildegarda, donde relata la historia del cristianismo a partir de la inspiración divina. Su obra se caracteriza por estar llena de simbolismo y metáforas, describiendo sus experiencias místicas y las interpretaciones que les dio.Continuando con la temática religiosa, también escribió sobre teología y doctrina cristiana; hizo comentarios sobre pasajes bíblicos, tratados sobre la naturaleza de Dios y la creación, así como discusiones sobre temas doctrinales y espirituales.Otro de sus escritos conocidos es Causas y Curas, en el que aborda temas relacionados con la salud, la enfermedad, las hierbas medicinales y las prácticas terapéuticas de su tiempo.Hildegarda mantuvo correspondencia con figuras eclesiásticas prominentes de su época, así como con líderes políticos y nobles. Sus cartas proporcionan una visión única de su pensamiento y personalidad, así como de los eventos y preocupaciones de su tiempo.Pontífices y emperadores de distintos territorios europeos acudían a ella en busca de consejo espiritual y hasta predicciones de futuro. “En sus casi 400 cartas que sobreviven, hay desde humildes penitentes pidiendo curas para sus males hasta reyes en pos de asesoramiento político”, de acuerdo con la BBC.La alemana también fue una virtuosa de la música clásica. Compuso música sacra, incluidos himnos, obras dramáticas, antífonas y responsorios, que reflejaban sus visiones espirituales y religiosas. La mayoría de su música está escrita en un estilo monódico, con una sola línea melódica y es notable por su belleza y complejidad.Considerada una de las primeras compositoras conocidas de Europa, la artista también llevó a la música su mística y devoción abordando temas como la alabanza a Dios, la devoción a la Virgen María, la santificación de la naturaleza y la lucha entre el bien y el mal.Sus composiciones son interpretadas y grabadas por numerosos coros y ensambles de música antigua en todo el mundo. Su drama musical medieval Ordo Virtutum, compuesto hacia 1151 representa la lucha entre las virtudes y el alma humana y es considerada una de las primeras óperas de la historia. O Ecclesia y O viridissima virga son dos de sus antífonas más reconocidas dedicadas a la Virgen María.Pionera del feminismoEn su labor como madre superiora, en 1150, fundó una comunidad femenina independiente de San Disibodo, cerca de Bingen, y en 1165 dirigió un nuevo monasterio cerca del Rhin, algo inédito para la época. Si bien en el siglo XII las comunidades se regían por el Decreto de Graciano, que prohibía a las mujeres predicar, Hildegarda realizó cuatro campañas de predicación en las que clérigos, nobles y ciudadanos se reunían para escuchar sus sermones, según registró National Geographic.Como superiora se destacó por ejercer autoridad y liderazgo sobre las comunidades monásticas, desafiando los roles de género tradicionales de su época. Su capacidad para dirigir y administrar instituciones religiosas fue notable en un momento en que las mujeres tenían poco acceso al poder y la autoridad.A lo largo de sus escritos, Hildegarda abogó por el respeto y la dignidad de las mujeres. En sus visiones y enseñanzas espirituales, enfatizó la importancia de reconocer el valor intrínseco de todas las personas, independientemente de su género. Además, en su obra médica, proporcionó consejos sobre la salud y el bienestar específicamente dirigidos a las mujeres.Con su obra Causas y Curas se convirtió en la primera mujer en hablar abiertamente sobre el placer de las mujeres. “Cuando la mujer se une al varón, el calor del cerebro de ésta, que tiene en sí el placer, le hace saborear a aquél el placer en la unión y eyacular su semen. Y cuando el semen ha caído en su lugar este fortísimo calor del cerebro lo atrae y lo retiene consigo, e inmediatamente se contrae la riñonada de la mujer, y se cierran todos los miembros que durante la menstruación están listos para abrirse, del mismo modo que un hombre fuerte sostiene una cosa dentro de la mano”, escribió en ese entonces.Además, escribió en sus obras sobre el origen del mundo quitó a Eva como la única responsable de la elección de desobedecer a Dios y cometer el pecado original, por el contrario, habló sobre la vulnerabilidad inherente a la condición humana a la que también estuvo sujeto Adán.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Admirado por su prodigioso virtuosismo, por la amplitud de su repertorio y por la originalidad de sus interpretaciones, con su muerte desparece "uno de los grandes músicos de nuestro tiempo y una referencia fundamental en la vida artística del teatro durante más de cincuenta años", escribió la Scala en su web."El superintendente Dominique Meyer, el director musical Riccardo Chailly, los profesores de la orquesta y los trabajadores de la Scala están al lado de su esposa Marilisa, su hijo Daniele y toda la familia", añadió.La capilla ardiente del maestro nacido en Milán en 1942, "protagonista absoluto de la escena concertista internacional desde su victoria a los dieciocho años en el concurso Chopin de Varsovia en 1960", se abrirá en las próximas horas en el la Scala, como ya sucedió cuando falleció la célebre bailarina clásica italiana Carla Fracci.Pollini fue un intérprete capaz de revolucionar la percepción de autores como Chopin, Debussy y el propio Beethoven y promover con incansable dedicación la escucha de las vanguardias históricas, sobre todo de Schönberg, y de la música actual, según recuerda la que fuera su casa durante cinco décadas.Junto a su grandeza como pianista, "sigue siendo fundamental su testimonio sobre el papel mismo de la música, entendida como componente esencial de la cultura y de la vida cívica y como instrumento de transformación de la sociedad", añade.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Desde su debut el 11 de octubre de 1958 hasta su último recital el 13 de febrero de 2023, Pollini ha tocado en la Scala 168 veces", explica el teatro sobre su larga trayectoria, en la que colaboró con grandes artistas de su época como Claudio Abbado, Paolo Grassi, Riccardo Muti, Daniel Barenboim y Riccardo Chailly,sin olvidar sus las conciertos con Carlo Maria Giulini, Pierre Boulez y Zubin Mehta.Además de con los músicos de la Scala, Pollini interpretó su música con grandes orquestas como la Wiener Philharmoniker (con Abbado) y la Gewandhausorchester de Leipzig (con Chailly) y numerosas compañías dedicadas a la música de hoy, como el Ensemble Intercontemporain, el Klangforum Wien, la Musikfabrik K El estudio experimental SWR.Pollini también destacó en la música de cámara, pero en el centro de su larga carrera "se encuentran sobre todo los recitales: desde el histórico ciclo con las 32 sonatas de Beethoven en 1995 hasta el esperado concierto anual en el que recurrían las estrellas fijas de su universo musical: además Bach, Beethoven, Brahms, Chopin, Debussy, Schönberg y Noveno"."Lo esperábamos de nuevo el próximo 20 de octubre", revela la Scala.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
De una familia intelectual protestante de clase media de Dublín, Charles Villers Stanford fue músico desde una edad temprana. Su padre, un distinguido abogado, tocaba el violonchelo y cantaba, y Charles creció en un ambiente culto en el apogeo de la época victoriana.Aunque llegó a Cambridge como clasicista, Charles Villiers Stanford se convirtió en erudito coral en el Queen's College y fue nombrado organista del Trinity College a la edad de 21 años. Entre 1874 y 1876 fue a Alemania para estudiar música, al principio con Reinecke en Leipzig. Más tarde estuvo en Kiel, (en el estado de Schleswig-Holstein) y en Berlín. Stanford conoció personalmente a Brahms y asimiló algunos de los estilos del compositor alemán y por esto los comentaristas posteriores se refirieron a él como "brahmsiano".Aparte de las primeras sonatas para violoncello y violín, los Cuarteto con piano fueron las primeras obras de cámara de Stanford. En estos primeros ejemplos de su música hay una frescura y confianza juvenil, un gusto por el medio, en el que el compositor parece decir mírame, así es como se hace.Hasta el ascenso de Edward Elgar a principios de siglo XIX, Charles Villiers Stanford disfrutó de una larga trayectoria como uno de los principales compositores británicos. Escribió en casi todas las formas y participó en una amplia gama de actividades musicales. Como profesor de composición en el Royal College of Music desde su fundación en 1883, su influencia fue enorme.La Suite Op 32 de Charles Villiers Stanford es una de las numerosas obras románticas en las que se unen lo "viejo" y lo "nuevo". De hecho, uno de los aspectos más fascinantes de esta interacción es hasta qué punto el compositor permite que uno influya en el otro, manteniendo al mismo tiempo el predominio de lo "nuevo".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Durante su año activo como instrumentista, principalmente en la Universidad de Cambridge, Charles Villiers Stanford estuvo asociado con el órgano en su calidad de director de música en el Trinity College. De igual importancia también fue su papel como pianista en los Conciertos Populares de los miércoles, una serie de recitales de música de cámara organizados por la Sociedad Musical de la Universidad de Cambridge en los que Stanford fue, en muchos sentidos, el protagonista principal.En 1888 Charles Villiers Stanford fue nombrado profesor de música en Cambridge; y al mismo tiempo la universidad le otorgó un honoris causa. Stanford tenía 36 años y estaba en la cima de sus poderes. Fue autor de tres óperas, tres sinfonías (la tercera de las cuales, La irlandesa, se había representado en varias ciudades importantes de Europa), una serenata y otras piezas orquestales, obras corales (incluido un oratorio de gran escala para la orquesta de Birmingham Festival), obras de cámara, música y canciones religiosas. Fue director del Coro de Bach y profesor de composición en el Royal College of Music.En enero de 1889 se planeó un concierto enteramente de música de Stanford en Berlín, gracias esencialmente al apoyo de Joseph Joachim (quien fue director de la Hochschule für Ausübende Tonkunst de Berlín) y de Hans von Bülow, y para Stanford, fue un evento de verdadero prestigio donde se pudo escuchar y examinar una muestra representativa de sus obras en un solo lugar.Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Charles Villiers Stanford en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 25 de marzo a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Sobre Antonio Caldara y el oratorio Magdalena a los pies de Cristo, Brian W Pritcard escribió lo siguiente:“Con unos cuarenta oratorios en su haber, Antonio Caldara (1670-1736) debe figurar entre los compositores del barroco tardío más prolíficos asociados con este género. La corriente de obras comienza antes de 1700, cuando Caldara trabajó como músico independiente en su Venecia natal. Fluye a lo largo de sus nombramientos como maestro di cappella (de 1700 a 1707) de Ferdinando Carlo, duque de Mantua, y como maestro (de 1709 a 1716) de Francesco Maria Ruspoli, príncipe de Cerveteri, en Roma, y termina sólo con el nombramiento del compositor hasta su muerte en 1736 en Viena, donde sirvió veinte años como Vizekapellmeister del emperador Habsburgo.Los oratorios de Caldara para Ruspoli también estaban destinados a las celebraciones de Cuaresma y se escuchaban en el Palazzo Bonelli cada año desde 1710 hasta 1716. En Roma, su música rara vez se complementaba con la de otros compositores e inicialmente Caldara se basó en obras que había compuesto antes de su nombramiento para ocupar el cargo.Cuanto más nos acercamos a los primeros años de Caldara como compositor, menos seguros podemos estar a la hora de asignar un año o una ubicación a sus primeros oratorios. Cualquiera que sea la fecha de su estreno, La Maddalena desaparece de la vista casi inmediatamente sólo para reaparecer en la capilla imperial de Viena en 1713. El vínculo debe ser el viaje de Caldara de 1711-12 cuando abandonó Roma con la esperanza de conseguir el puesto vacante de Maestro de capilla imperial. Aunque La Maddalena no estuvo entre los oratorios de Caldara revividos en Roma, es posible que trajera una partitura allí e incluso se la llevara a Viena.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El libreto de La MaddalenaLos textos de los primeros oratorios de Caldara también plantean algunas preguntas: ¿la elección fue suya o el encargo de componer fue acompañado por un texto que los oratorianos habían seleccionado entre libretos existentes o recién requisado de un escritor en Venecia o más allá.Dada la importancia del oratorio en Módena en la década de 1680, no sorprende encontrar libretos modeneses y, a menudo, las partituras mismas en otras ciudades del norte de Italia. En este caso particular, sin embargo, la música de Bononcini no parece haber llegado a Venecia, aunque es casi seguro que sí llegó una copia del libreto impreso. Pero cuando el texto estuvo en manos de Caldara, ya había sido revisado sustancialmente. Posiblemente la reelaboración fue realizada por Bernardo Sandrinelli, el destacado escriba veneciano responsable de los textos de los otros dos oratorios de Caldara para la Fava (la iglesia de Santa Maria della Consolazione, conocida como la iglesia de los Oratorianos).Suponiendo que el texto establecido por Bononcini sea el original, la versión revisada difiere en tres aspectos: se introduce un personaje adicional, Marta; el número de arias y conjuntos se reduce de 47 a 33; y aunque se conservan 17 de los textos del aria originales, 16 están escritos recientemente. El resultado es un libreto más ajustado y cohesivo, con una tensión dramática intensificada y enriquecido en su contraste de personajes.Esta obra temprana de Antonio Caldara compuesta en Venecia en torno a 1697 o 1698 es un oratorio dividido en dos partes y presenta un dilema moral, favorito del barroco, representado entre el amor terreno y el celestial, cuya batalla se libra en la persona de la Magdalena.”En este nuevo programa escucharemos la versión interpretada por María Cristina Kiehr como Magdalena, Rosa Dominguez, en el papel de Marta, Bernarda Fink, interpreta la figura del Amor Terreno, Andreas Scholl, como el Amor Celeste, Ulrich Mefthaler, en el papel de un fariseo y Gerd Tück, como Cristo. Los acompañan Chiara Banchini (concertino) y la Orquesta de la Schola Cantorum Basiliensis, bajo la dirección de René Jacobs.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral el próximo domingo 24 de marzo a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La orquesta iniciará su gira en el Palau de la Música Catalana (28 de mayo) y en el Gran Teatre del Liceu (26 y 27 de mayo), en Barcelona; seguirá en la Philharmonie de París (30 y 31 de mayo) y en el Barbican Centre de Londres (2 y 3 de junio).El primer concierto, marcado por el tema de las Américas, hace un guiño a los próximos Juegos Olímpicos de París con la obra 'Olympic Fanfare and Theme', de John Williams, compuesto para los Juegos de Los Ángeles de 1984, y se completará con la Sinfonía nº 9 de Antonín Dvořák.El público europeo también podrá descubrir por primera vez la creación de la mexicana Gabriela Ortiz 'Altar de cuerda', un concierto interpretado por la violinista española María Dueñas, una joven virtuosa de 21 años a la que está dedicada la obra.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El segundo programa es una experiencia única: una versión escenificada de la ópera 'Fidelio', de Beethoven, en la que los cantantes compartirán escenario con actores sordos o con deficiencia auditiva de la compañía Deaf West Theatre de Los Ángeles, que debutará en Europa en esta ocasión.Esta producción de 'Fidelio', interpretada íntegramente en lengua de signos, ofrece un nuevo enfoque de la ópera de Beethoven y también ofrece a los espectadores sordos y con problemas de audición un acceso sin precedentes al mundo de la música.Junto a los actores del Deaf West Theatre estará sobre el escenario los solistas Tamara Wilson, Andrew Staples, James Rutherford y Gabriella Reyes.La Orquesta Juvenil de Los Ángeles (YOLA), una iniciativa de la LA Phil creada hace 17 años cuyo fin es garantizar que todos los jóvenes tengan un acceso equitativo a la práctica de la música, también se une a esta gira; 25 de sus miembros participarán en ella junto a 75 músicos de programas europeos similares. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Cada año la HJCK selecciona obras de grandes compositores que han escrito acerca de estos días santos basados en los textos de la Biblia, esta programación especial es una mezcla entre las melodías clásicas y el dolor de Jesús en su pasión.La emisora se ha caracterizado por presentar obras especiales creadas específicamente para estas fechas hace siglos, la HJCK vuelve a traer la música clásica en el contexto de la Semana Santa y presenta su nueva programación para este año.Aquí presentamos la programación de Semana Santa en la HJCK:Jueves santo, 28 de marzoMúsica para comenzar el Día (6:00 a.m.): Herr Jesu Christ, du höchstes Gut (Señor Jesucristo, oh bien supremo), BWV 113, cantata de iglesia, de Johann Sebastian Bach.Sala de Conciertos (8:00 a.m.): Oratorio de la Pasión, de Johann David Heinichen y las Variaciones en Sol mayor sobre un tema de la ópera 'Moisés' de Rossini, de Niccoló Paganini.Aniversarios HJCK (11:00 a.m.): Pathodia sacra, de Constantijn Huygens.Concierto Barroco (2:00 p.m.): Lamentaciones para el jueves Santo (Primera lección), de Joseph Hector Fiocco, Herr, deine Augen sehen nach dem Glauben (Señor, tus ojos buscan la fe), BWV 102, cantata de iglesia, de Johann Sebastian Bach y las Lamentaciones del profeta Jeremías, para el jueves Santo, de Jan Dimas Zelenka.Concierto de la Tarde (3:00 p.m.): Misa de Réquiem, de Giuseppe Verdi.Carrusel musical (7:00 p.m.): Variaciones sobre la Sinfonía de la cantata ('Cristo yacía amortajado', BWV 4), Op. 64, de Anton van der Horst.Música antigua y del barroco (9:00 p.m.): Membra Jesu Nostri, BuxWV 75 - Ciclo de siete cantatas (cada una de las siete partes en que se divide está dedicada a una parte del cuerpo crucificado de Jesucristo: pies, rodillas, manos, costado, pecho, corazón y cabeza), de Dietrich Buxtehude; Lamentaciones para el jueves Santo (Segunda lección), de Joseph Hector Fiocco y Recollectio Festorum Beate Marie Virginis (El recuerdo de las fiestas de la Virgen), de Guillaume Dufay.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Viernes santo, 29 de marzoSala de Conciertos (8:00 a.m.): Lamentaciones del profeta Jeremías, para el viernes Santo, de Jan Dimas Zelenka.Concierto de la mañana (9:00 a.m.): Missa in tempore belli, (Misa en tiempo de guerra) 'Paukenmesse' Hob. XXII / 9 en Do mayor, de Franz Joseph Haydn.Concierto de la Tarde (3:00 p.m.): Lamentaciones para el viernes Santo (Tercera lección - La oración del profeta Jeremías), de Joseph Hector Fiocco; Passio per il Venerdi Santo (Pasión para el Viernes Santo), de Giuseppe Giordani y las Lamentaciones (Lección I para el Viernes Santo), de Estêvão de Brito.Música Selecta (6:00 p.m.): Via Crucis (obra para coro mixto a cuatro voces, solistas y piano, armonio u órgano), de Franz Liszt.Carrusel musical (7:00 p.m.): Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz, de Franz Joseph Haydn y La Pasión de Nuestro Señor Jesucristo, según el evangelio de San Mateo, de Johann Theile.Música antigua y del barroco (9:00 p.m.): Cantata 'Die letzten Leiden des Erlösers' (Los últimos sufrimientos del Salvador), Wq 233, de Carl Philipp Emanuel Bach.Sábado santo, 30 de marzoMúsica a la carta (7:00 a.m.): Sinfonía N° 3, Op. 36 'Sinfonía de las lamentaciones', para soprano y orquesta, de Henryk Górecky y Lamentaciones para el Sábado Santo, de Carlo Gesualdo.Música Selecta (10:00 a.m.): Cantata 'Christ lag in Todesbaden' (Cristo estaba en lazos de muerte), BWV 4, de Johann Sebastian Bach y Sinfonía N° 44 en mi menor 'Fúnebre', de Franz Joseph Haydn.Música Concertante (12:30 p.m.): La Pequeña Misa Solemne, para cuatro voces solistas, coro, piano y armonio, de Gioachino Rossini.Concierto clásico (4:00 p.m.): Misa en Mi bemol mayor, D 950 para solistas, coro mixto y orquesta, de Franz Schubert.Domingo de resurrección, 31 de marzoMúsica para comenzar el día (6:00 a.m.): Oratorio para el día de la ascención 'Alaba a Dios en sus reinos', BWV 11, de Johann Sebastian Bach.Barrocos y clásicos (7:00 a.m.): Historia de la Resurrección, SWV 50, de Heinrich Schütz.Concierto Dominical de la Mañana (8:00 a.m.): La Ascención - Cuatro Meditaciones Sinfónicas para Orquesta, de Olivier Messiaen.Concierto Clásico (10:00 a.m.): Resurrection, Preludio Sinfónico, Op. 4, de Albert Roussel.Carrusel musical (12:00 p.m.): Sinfonía Nº 2 en do menor, 'Resurrección', de Gustav Mahler.Canto y Música coral (9:00 p.m.): La Resurrección y la Ascención de Jesús, de Carl Philipp Emanuel Bach.¿Qué es un oratorio?Un oratorio es una forma de música vocal similar a una ópera, pero que se presenta sin vestuario, escenografía o actuaciones dramáticas. Suele estar compuesto para coro, solistas y orquesta. Los oratorios a menudo se basan en temas religiosos o históricos, y pueden incluir elementos narrativos, como recitativos, arias y coros.A diferencia de la ópera, que se representa en un teatro con actores, disfraces y escenografía, los oratorios se interpretan en concierto, con los cantantes y músicos situados en el escenario o en un púlpito, enfocando la atención en la música y el texto.Uno de los oratorios más famosos es "El Mesías" de Georg Friedrich Händel, que narra la vida de Jesucristo y es una obra fundamental en el repertorio de música coral. Otros compositores famosos de oratorios incluyen a Johann Sebastian Bach, con obras como "La Pasión según San Mateo", y Franz Joseph Haydn, con su "Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz".Esta programación especial será transmitida por la señal en vivo de la HJCK desde el próximo 28 de marzo.
El Cristo Mutilado, símbolo de resistencia, encabezó la peregrinación por el río Atrato con la que comenzó el acto de conmemoración, reparación y no repetición que la comunidad de Bellavista, casco urbano del municipio de Bojayá, recordó a las más de 100 víctimas de la masacre del 2 de mayo de 2002.El acto, que la comunidad del municipio realiza cada año, también incluyó un ritual de sanación y presentaciones de agrupaciones locales como las Cantadoras de Pogue. “Las víctimas de Bojayá no paramos de cantar, para mitigar el dolor y que nos dejen en paz. La paz, la paz, la paz queremos”, cantaron las integrantes de la agrupación.La peregrinación partió de la iglesia del nuevo Bellavista, siguió por el Atrato y llegó a la iglesia del viejo Bellavista, epicentro de la masacre en la que cayó un cilindro bomba lanzado por guerrilleros de las FARC.Este sitio se resignificó a través de una ceremonia religiosa y de las presentaciones musicales, con protagonismo de los alabaos, que recordaron a las víctimas, demostraron la capacidad de resiliencia y reconciliación de este municipio y, además, exigieron garantías para la no repetición.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Queremos un municipio de colores, donde se respete la vida, prevalezca la educación, la cultura y el medioambiente; donde los campesinos y campesinas, los líderes, lideresas y defensores de derechos humanos puedan caminar libremente sin temor alguno”, aseguró en su intervención Yúber Palacios Córdoba, representante del comité de víctimas.El Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes y el Ministerio de Educación acompañaron el acto a través del programa Sonidos para la Construcción de Paz, que apoya a instituciones educativas locales que adelantan procesos de formación musical para generar una Cultura de Paz a través de la música y de las expresiones artísticas."Mil gracias una vez más por haber sido y por ser muestra de que la única posibilidad de resistencia en el territorio, aún hoy en medio de la guerra, es la cultura, es la relación profunda con la memoria, con el territorio y con la sensibilidad", aseguró en su intervención el ministro de las Culturas, las Artes y los Saberes, Juan David Correa.El Minculturas agregó que se adelantará el plan especial de salvaguardia de Bojayá para declararlo como Bien de Interés Cultural del Ámbito Nacional y, después, como un lugar de memoria ante la UNESCO.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
¿Qué haría Harry Potter? Esa fue la pregunta que se hicieron el comediante Andrew Slack y la banda de wizard rock Harry and the Potters cuando se juntaron en 2005 para crear la Harry Potter Alliance (HPA), una organización sin ánimo de lucro que convocó a varios grupos de fans de Harry y a otras bandas de wizard rock inspiradas en los personajes de los libros para llamar la atención sobre la violación de derechos humanos en el conflicto étnico y militar de Darfur, Sudán.Durante esa primera campaña, cuyo lema era “¿Qué haría Harry Potter?”, recaudaron 14.000 euros que fueron destinados a las víctimas del genocidio.Este texto aparece también en la guía del BIME 2024. Sobre estos temas y más de la industria se habla en el BIME: acá encuentran toda la información.La organización cambió su nombre por “Fandom Forward” en 2021 aduciendo que el “movimiento es para cualquiera que crea en el poder de las historias y las comunidades que las aman para cambiar el mundo”, pero no ha parado desde entonces.Fandom Forward ejecuta acciones recurrentes asociadas a causas como la equidad de género, la igualdad de los derechos de las personas LGBTIQ+, la justicia económica y el cuidado ambiental.La obra de J.K Rowling los impulsó indirectamente, no solo a crear bandas de música y blogs en los que analizan problemas sociales a través de la ficción, sino a formar comunidad e involucrarse en la vida social y política.Idols y swiftiesLa existencia y la misión del Fandom Forward (“creer en el poder de las historias para cambiar el mundo”) es solo uno de muchos ejemplos en los que las obras de la cultura pop crean nuevas comunidades de consumo que se involucran con lo que les interesa en un nivel más profundo. Y este mismo fenómeno, ahora, se puede identificar más fácilmente en la música.En especial, si nos fijamos en dos casos: los seguidores de los idols del K Pop y las swifties (seguidoras de Taylor Swift). Estamos en la era de los fandoms.¿Qué es un fandom?La palabra fandom es la contracción de fan y kingdom [reino]. Como vimos, fue utilizada en principio para designar a los consumidores de historias de ficción (plasmadas en series, libros o cómics) que organizaron comunidades propias para estudiar, reinventar y reapropiarse de esas historias. Pero desde que los artistas entraron en el juego de mercadear su personalidad en redes sociales como una especie de telerrealidad, el término se extendió al campo de la música. La proliferación de los fandoms nos habla de un cambio crucial en la forma en que los consumidores se implican con la música y con los artistas que aman. Ese cambio supone una superación de las acusaciones patologizantes de la idea de “fan” que lo asocian, por lo general, al exceso o a una supuesta religiosidad irreflexiva.Una de las características de los fandoms es que hacen uso de lo que el investigador Henry Jenkins llamó la imaginación cívica: es decir, llevan los valores de una obra (película, álbum, libro) a su vida como ciudadano. El espacio libre para la especulación, la imaginación o la acción en “la vida real” es el que separa al miembro del fandom del fanático “religioso” que no cuestiona su creencia.En el campo de la música, el giro apunta a que, en el reino de los fans, la vida entera del artista se consume como una obra, una historia de fantasía que debe ser apropiada y reinterpretada en el contexto propio.En 2023, Paula Ricciulli entrevistó para Shock a una de las líderes swifties que intentaron frenar la campaña del hoy presidente Javier Milei en Argentina. Esto dijo del modo en el que utilizaron las canciones de Taylor para hablar de su contexto:De esto también hablamos en este capítulo de Nuestro podcast de música para Canal CapitalEl vínculo entre gusto e ideología que menciona la swiftie entrevistada en ese momento es el núcleo del fandom. La novedad de estas comunidades versus la idea del fan “pasivo” o “extremista” es la relación que se establece entre el consumidor y la obra, entendida como una extensión de la vida de su autor: un paquete completo que incluye tanto las canciones como las declaraciones de valores propios. Va incluso más allá de la relación parasocial del fan con el artista a través de las redes sociales.Como señala el investigador Mark Duffett, esa relación entre fan y artista involucra una negociación identitaria más compleja en la que se analiza la compatibilidad en valores. Los artistas son, para el fandom, una guía ética, un modelo de virtud equiparable al que proveen los superhéroes en los cómics.La obra de una artista como Taylor Swift puede ser utilizada en el contexto de una mujer joven en Argentina, antes de las elecciones presidenciales, pero también en la vida diaria y las relaciones amorosas. Los artistas entraron en el inevitable juego de mercadear su personalidad y sus valores individuales. Su obra es, en cierta forma, un subproducto de eso. Y, por extensión, el mismo principio funciona para la audiencia de modo inverso.Sabemos que se ha fandomizado el consumo de la música cuando se puede desplazar hacia los artistas la pregunta que se hacía la Harry Potter Alliance cuando quiso tomar partido en el conflicto en Sudán: ¿Qué haría Harry Potter? Hoy, las swifties se preguntan: ¿Qué haría Taylor?***Recomendaciones:Quizá el personaje más reconocido en la teoría de los fandoms es Henry Jenkins, autor del libro célebre Cultura de la convergencia. Hoy, Jenkins está retirado de la academia, pero tiene un podcast recomendadísimo en el que también habla de estos temas: How do you like it so far. Además de Jenkins, Mark Duffett ha estudiado más detalladamente a los fans en la música y ha compilado muchos de los ensayos escritos al respecto por otros investigadores. Recomendado leer su libro Understanding Fandom. ***Este artículo hace parte la serie Estudios de caso, la sección de artículos de análisis de industria industria cultural en Shock.
“Mi hermana (Karina Milei, secretaria general de Presidencia) está llevando a cabo esa negociación y hay un nivel de hostilidad hacia mi persona y nuestra gente. Nos hace sospechar de que hay intención de sabotear la presentación, al estilo kirchnerista”, dijo Milei en declaraciones a la radio El Observador.El mandatario ultraliberal tenía previsto hablar de “Capitalismo, socialismo y la trampa neoclásica”, una recopilación de artículos que habría escrito durante sus giras como jefe de Estado, para el 12 de mayo, último día de la feria, en la pista central del predio con capacidad para 6.000 personas.Sin embargo, Milei indicó que si se presentaba “amenazaron hacer cosas, son tipos de comportamientos no propios de la cultura, no podemos exponernos a que nos hagan un bloqueo”.También apuntó contra las autoridades del evento al afirmar que “tomaron acciones propias de alguien que quiere sabotear la presentación”.Durante la inauguración de la feria, el presidente de la Fundación El Libro -a cargo del evento-, Alejandro Vaccaro, ironizó sobre la participación del mandatario para criticar la falta de recursos que el Estado argentino destinó a la cultura local.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Su participación implica una serie de erogaciones que la Fundación no puede afrontar. Señor presidente, lo digo con la mano en el corazón: no hay plata”, dijo Vaccaro, usando la frase de cabecera de Milei para justificar sus políticas de ajuste económico.Vaccaro, también había afirmado que los gastos asociados a la presentación y seguridad de Milei correrán por cuenta del mandatario y aprovechó para advertir que la supervivencia de la feria está en riesgo “por las medidas económicas que arrastran (al sector del libro) a un mundo muy lejano al paraíso que imaginaba (Jorge Luis) Borges”.En este sentido, Milei le respondió al presidente de la Fundación por sus palabras durante la apertura, las cuales consideró como “un discurso violento” y remarcó que Vaccaro se manifestó de esa forma “sus claras preferencia kirchneristas”.El jefe de Estado mantiene intenciones de presentar su libro, pero todavía no hay una fecha o lugar para llevar a cabo la presentación, aunque confirmó que lo hará junto al diputado José Luis Espert, que en las últimas semanas pasó de la centroderecha Juntos Por el Cambio a integrar las filas de La Libertad Avanza.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Después de 16 días de feria, de actividades, libros y de “leer la naturaleza”, Corferias se despide de otra edición de la Feria Internacional del Libro de Bogotá, FilBo, con un balance de la participación y asistencia a este evento cultural. Además, en el último día de feria también se presentó a España como el país invitado de honor para el 2025.En 1992, durante la quinta edición de la FilBo, España fue el país invitado de honor a la feria por primera vez bajo el lema del “encuentro de dos culturas”. Treinta y cuatro años después, el país europeo que comparte con Colombia la lengua y una amplia historia regresará con la construcción de cultura de la paz y la lengua en común como temas centrales.“Sabemos que tenemos mucho que aprender, pero también que es una relación de ida y vuelta.En los últimos años hemos fortalecido nuestras relaciones editoriales con España, para lograr que los autores colombianos sean leídos en ese país, y que aquí se lean también a los escritores y escritoras españoles”, explicó Adriana Ángel, directora de la FilBo.Además, aclaró que aunque en esta edición de la feria, en la que Brasil fue el país invitado de honor, hubo una contundente presencia de escritores españoles, como Sergio del Molino, e Irene Vallejo quien dio el discurso inaugural el pasado 17 de abril, todavía hay mucho de la literatura por explorar.Por su parte, el secretario de Estado de Cultura de España, Jordi Marti Grau, en representación del país europeo mostró interés porque las actividades de la próxima feria que incluyen la participación de España no se limiten al pabellón, sino que la cultura española y los temas en común de ambas culturas sean transversales a la agenda de la feria.“Se trata de lanzar un mensaje, me gustaría que fuera un conjunto de actos y actividades conjuntas, me gustaría que autores colombianos que residen en España puedan acompañarnos en la feria”, puntualizó sobre los planes que desde ya preparan.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Este año tuvimos una participación contundente de autores españoles, pero el próximo año también le vamos a apostar a una presencia muy fuerte de libreros, editores, ilustradores y todos los actores de la cadena del libro en la feria y en la ciudad”, aclaró Ángel haciendo referencia a las novedades que se esperan el próximo año.Con su participación en la Feria del libro de Colombia, España culminará una gira por latinoamérica donde también será el país invitado a las ferias del libro de Panamá, en agosto, y de Guadalajara, el próximo diciembre.Además de este anunció, la FilBo también celebró la asistencia a Corferias el primero de mayo, cuando registraron 103 mil visitantes. En los 16 días de feria estiman que asistieron alrededor de 600 mil personas, de acuerdo con Mario Cajiao, vicepresidente de planeación y asuntos corporativos de Corferias.Por parte de los 548 expositores, Corferias registró 1.150 compradores y una expectativa de negocio por alrededor de 6 millones de dólares, “lo que representa un crecimiento del 32 % en relación con el año anterior”, sentenció Cajiao.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Treinta y cinco años después de ganar el premio a la mejor actriz por 'Evil Angels' (Un grito en la oscuridad', 1988), su única aparición en el Festival de Cannes hasta la fecha, hará su esperado regreso a la Croisette", celebró el certamen francés en el mensaje.Meryl Streep se declaró "extremadamente honrada" de recibir la Palma de Honor, un homenaje que en esta edición también se concederá al realizador George Lucas y al Estudio Ghibli."Para la comunidad internacional de artistas ganar un premio en Cannes siempre ha representado la máxima distinción en el arte cinematográfico. Estar a la sombra de los que ya han ganado es a la vez humilde y emocionante. Estoy impaciente por ir a Francia este mayo para dar las gracias a todos en persona", dijo Streep, según el comunicado.La protagonista de títulos como 'Out of Africa' ('Memorias de África'), 'The Bridges of Madison County' ('Los puentes de Madison') o 'Sophie's Choice' ('La decisión de Sophie') fue elegida por su presencia en "innumerables obras maestras" a lo largo de cinco décadas de cine, en palabras de Iris Knobloch y Thierry Frémaux, la presidenta y el director artístico del Festival, y por formar parte "del imaginario colectivo".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Con tres premios Oscar y una cifra récord de 21 nominaciones, Streep "utiliza su intuición y su trabajo duro para reinventarse con cada aparición" en pantalla, destacó también el Festival al hacer un repaso de su extenso currículum, que incluye igualmente películas como 'Mamma Mia!', 'Kramer vs. Kramer' ('Kramer contra Kramer') o 'The Devil Wears Prada' ('El diablo viste de Prada').Además, "a lo largo de toda su carrera", Meryl Streep "no ha temido denunciar públicamente la precariedad de las mujeres en la industria del cine" y ha sido consciente de los desafíos que rodean a la "representación de las mujeres en el cine", añadieron las fuentes.Es por eso que ella ha encarnado, "deseosa" de retratar a las mujeres en "toda su complejidad y fragilidad", papeles en todo tipo de registros y géneros cinematográficos, desde el drama al musical o la comedia.Recientemente lo hizo en la vertiente más familiar y de época en la adaptación de 'Little Women' ('Mujercitas', 2019) dirigida por Greta Gerwig, quien será precisamente la presidenta del jurado de la competición oficial de Cannes, donde este año se medirán figuras como Francis Ford Coppola, Yórgos Lánthimos, Paolo Sorrentino o David Cronenberg."Dos mujeres, dos generaciones, dos exigencias y una misma pasión por el Séptimo Arte reunidas en el escenario del Gran Teatro Lumière", indicó el Festival en referencia a la gran gala de apertura del 14 de mayo, en la que también se estrenará la película 'Le deuxième acte' ('El segundo acto'), del director francés Quentin Dupieux.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.