Lejos de los rascacielos de Dubái, Mariam al Kalbani enseña a una joven emiratí el arte del talli, un tipo de bordado tradicional inscrito en el patrimonio mundial de la Unesco en peligro de desaparición en los países del Golfo.Con las manos tatuadas de hena, la septuagenaria teje hilos coloridos, formando motivos que adornarán prendas o bolsas, bajo la mirada atenta de una aprendiz que vino a conocer los secretos de una práctica laboriosa, transmitida de generación en generación."Es la artesanía de nuestros abuelos y padres, y si no tomamos la iniciativa de enseñarles, desaparecerá", dice, en el marco de un festival dedicado a la artesanía local en la región de Al-Ain, en el emirato de Abu Dabi.Cubierto su rostro a mitad por la burqa típica del Golfo y un velo de tela dorada, la maestra subraya la complejidad de la obra, que puede implicar hasta cincuenta hilos diferentes. Para los motivos más simples, realizados con seis hilos, un metro de bordado requiere hasta tres horas de trabajo.En lo que respecta a la enseñanza, ésta "puede tomar uno o dos años (...) con un curso semanal", dice Mariam al-Kalbani, que teje el talli desde la adolescencia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Patrimonio emiratíInscrito en la lista del patrimonio cultural inmaterial de la Unesco en 2022, el talli es practicado en varios de los emiratos que conforman la federación, y su origen es difícil de determinar, señala Mohammed Hassan Abdelhafez del Instituto del patrimonio de Charjah.Los criterios de selección de la Unesco exigen sin embargo que la experiencia haya sido transmitida a través de varias generaciones, "al menos de los abuelos a los nietos", subraya.Mariam Al-Kalbani no logró comunicar su pasión a sus hijos. Solo a su nieta de tres años le gusta verla tejer, dice, así como sus aprendices que como Rim al-Ketbi, sigue con atención cada uno de sus gestos.Esta estudiante de 23 años reconoce que las mujeres de su edad no están "muy interesadas" por la artesanía tradicional, pero para ella la preservación "del patrimonio emiratí es un asunto de amor por el país".Antes desérticos, los Emiratos Árabes Unidos experimentaron una transformación social y económica de gran magnitud en los últimos cincuenta años, especialmente en Dubái, ciudad ultra-conectada que se volvió famosa por sus proyectos desmesurados.Pero el rico país petrolero, donde el 90% de sus 10 millones de habitantes son inmigrantes, siempre buscó preservar sus tradiciones y su modo de vida "inclusive después de la llegada de la modernidad y el descubrimiento del petróleo", subraya Mohammed Hassan Abdelhafez."Amenazado de desaparición"En el festival de artesanía de las industrias tradicionales de Al-Ain, el talli no es el único protagonista. En la plaza central, los hombres ejecutan una danza llamada Ayalah, en la que se esgrimen palos de bambú o fusiles descargados, al ritmo de las canciones folclóricas.Un poco más lejos, mujeres fabrican el sadu, un tejido tradicional utilizado para carpas, tapices y sillas de montar para camello, cuya experiencia figura en la lista del patrimonio inmaterial de la Unesco desde 2011. Otras mujeres más allá venden prendas y artículos diversos.Las autoridades de Abu Dabi registraron todas las artesanías para ayudarlos a hacerse conocer entre los jóvenes, indica una responsable del ministerio de la Cultura y Turismo del Emirato, Aisha al-Dhaheri.También proponen formaciones, especialmente para el talli, "pues se considera amenazado de desaparición", agregó.En su tienda, donde bolsas, pulseras, llaveros, e inclusive incensarios, están adornados con talli, Kaltum al-Mansuri lamenta que las jóvenes estén siempre ocupadas viendo "tabletas y teléfonos celulares" cuando deberían tomar el relevo, dice la octogenaria, pues "¿a nosotros, cuanto tiempo nos queda?".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
A los 20 años, Alejandro III fue coronado como rey de Macedonia. Su padre Filipo II le dijo: “Busca, hijo mío, un reino igual a ti porque en Macedonia no cabes”, Alejandro el grande se comprometió a la palabra de su padre y decidió emprender un viaje por el mundo.Como cualquier príncipe, Alejandro Magno recibió una educación de primera, estudió matemáticas, historia, política y filosofía, esta última siendo el aprendiz de, nada más ni nada menos, que Aristóteles. Así como se educó en las áreas del conocimiento también alimentó el cuerpo con un entrenamiento militar fundamental para su camino en la conquista.En sus años de pupilo de Aristóteles, Alejandro Magno cargó como un libro sagrado La Iliada, de Homero pues estudió la cultura griega y las epopeyas de los héroes. La educación completa del hijo de Filipo II lo convirtió en un guerrero militar que estaba destinado a ser magnífico y a dejar su huella en el mundo.Berta Erill Soto, periodista de la National Geographic, menciona en un artículo sobre el conquistador lo siguiente: “Alejandro Magno disponía de unos 13.500 combatientes macedonios, 12.000 griegos del sur y 8.000 de origen balcánico: un total de aproximadamente 33.500 hombres”. El ejército fue considerado uno de los más desarrollados y poderosos de los tiempos antiguos.El Imperio persa y la conquistaTras la muerte de su padre en el 336 a.C, Alejandro Magno empezó a planear su travesía hacia el Imperio persa, comenzó su campaña militar en el 334 a.C., cruzando el Hellesponto con un ejército de aproximadamente 40,000 hombres. En la famosa batalla de Granico, derrotó a las fuerzas persas, lo que le permitió avanzar hacia Anatolia. Alejandro continuó su avance a través de Asia Menor, derrotando al rey persa Darío III en batallas cruciales como las de Issos y Gaugamela.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.En esta conquista Alejandro logró hacer una mezcla cultural entre los griegos y los persas, logrando también un tipo de integración cultural.Egipto y la gloriaSiguiendo con su travesía, Alejandro Magno se dirigió a Egipto donde fue recibido como un héroe por su victoria en Persia. En su estadía construyó templos y veneró a los dioses egipcios, por eso la población local lo nombró faraón. Cuando visitó el oasis de Siwa, fue al oráculo del dios Amón para confirmar sus orígenes divinos, el oráculo le confirmó la teoría dándole luces acerca de su conexión con la divinidad griega. Según el mensaje del oráculo y la historia, Alejandro Magno fue hijo de Zeus.Tras convertirse en faraón de Egipto y extender su dominio por el Nilo, Alejandro Magno se dirigió a la India, sin embargo, nunca logró llegar lo suficientemente lejos. En su reinado comenzó a tomar actitudes y costumbres persas, cosa que a su ejército lo le causó ninguna gracia y comenzaron a dudar de él.En medio de la desconfianza y el poder, Hefestión, un gran amigo de Alejandro (y con quien se presume que tuvo una relación afectiva) murió. Esto le causó profunda tristeza y viajó a Babilonia para realizarle un funeral digno. Esta historia se asemeja a la de Aquiles y Patroclo, contada en La Iliada de Homero.En el año 331 a.C, Alejandro Magno creó Alejandría, una metrópoli monumental que se convertiría en la capital de Egipto. Junto a Alejandría creó las ciudades de Tonis-Heracleon y Canope. La ciudad solo duró algunos siglos ya que la naturaleza consumió su totalidad y arrasó con su existencia.Alejandro Magno murió en junio, su fallecimiento ha sido un misterio hasta nuestros días. Algunos dicen que fue a causa de las fiebres por la malaria y otros expertos apuntan que fue envenenamiento, sin embargo, nunca se han esclarecido los hechos. El gran Alejandro creó una historia que quedó en los libros, así como lo hizo su libro sagrado, La Iliada.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En un comunicado, la Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) de México rechazaron la subasta de bienes arqueológicos y recordaron que entre los objetos dictaminados se incluyen piezas mayas, teotihuacanas y otras ligadas a estilos cerámicos propios del norte, el occidente y el Golfo de México.Señalaron que los especialistas del INAH elaboraron el dictamen arqueológico correspondiente, examinando las características de forma, estilo, materia prima, proporciones, acabados de superficie y estado de conservación de cada pieza."De ese dictamen se determina que 20 objetos puestos a la venta son monumentos arqueológicos mexicanos, definidos y protegidos por la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos", expuso el comunicado.La Secretaría de Cultura indicó que entre las piezas "se encuentran figurillas zoomorfas, vasijas elaboradas en barro modelado, espejos con incrustaciones de piedra verde, fragmentos de esculturas y tapas de braseros tipo teatro".Estas piezas recorren temporalidades que van de los periodos Preclásico (600 a.C.-200 d.C.) al Posclásico mesoamericanos (1200-1500 d.C.) "y que se ligan a culturas como la maya y teotihuacana, así como a estilos escultóricos de México como los denominados Casas Grandes del norte de México, de occidente o de las Culturas del Golfo de México.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Ambas instituciones indicaron que "han iniciado los procesos judiciales y diplomáticos correspondientes ante autoridades mexicanas e internacionales, con el interés de que las piezas en cuestión sean repatriadas a territorio mexicano a través de los canales diplomáticos y legales oficiales".Además, autoridades de la Secretaría de Cultura enviaron una carta a la citada galería, "exhortando a sus directivos a detener el ofrecimiento y la venta de dichas piezas, en consideración de que representan un legado invaluable de nuestras culturas ancestrales y, además, son parte de la memoria de numerosos pueblos originarios de la actualidad".En la nota, México reafirmó su compromiso con la protección del patrimonio cultural y la lucha contra el tráfico ilícito de bienes culturales, en cumplimiento de la legislación mexicana y de los tratados internacionales en la materia, haciendo un exhorto a las casas de subastas a reflexionar respecto a los códigos éticos en torno a la comercialización de bienes culturales expoliados de forma ilegal, ya que contribuye al despojo cultural y atenta contra la memoria de los pueblos.A nivel global, las embajadas y consulados de México han recuperado unas 13.500 piezas culturales durante la administración del presidente Andrés Manuel López Obrador, que inició el 1 de diciembre de 2018.El Gobierno mexicano ha combatido subastas en ciudades como Nueva York, París y Roma, en las que aparecen objetos robados o que pertenecen al patrimonio de México.Además, se intensificaron las demandas ante Gobiernos extranjeros para recuperar piezas arqueológicas y artísticas.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'Arte Vocabulario Cathecismo Menor y Mayor de la Lengua Moxa' es el título del libro escrito por Marbán (Tiedra, 1647) custodiado en el área de Bienes Documentales del Museo Nacional de Etnografía y Folclore (Musef) en La Paz, que tuvo la iniciativa de transcribir el documento, explicó la directora de esa institución, Elvira Espejo.Al tratarse de una publicación de más de 300 años, "por su fragilidad no puede salir" del museo y se la debe preservar, pero se pensó en hacer la transcripción "para quienes realmente quieren conocer el contenido" y estudiar en profundidad sobre la lengua y la cultura moxa, señaló."Lo interesante es conocer también estas terminologías de aquellas épocas de hace 300 años y que los jóvenes tengan la posibilidad de leer, aprender y también practicarlo si es posible", comentó Espejo.El antropólogo y museólogo Milton Eyzaguirre, jefe de la Unidad de Extensión del Musef, explicó que hace dos años el museo logró que el documento sea reconocido como "Memoria del Mundo" por la Unesco, una certificación que se recibió oficialmente en 2023."Y, claro, podríamos dejar el documento en el archivo y no visibilizarlo más, pero nuestro objetivo es que llegue a las poblaciones de diferentes lugares, de tierras bajas, de tierras altas", indicó.Las tierras altas son la zona andina y las tierras bajas son las regiones de la Amazonía, el oriente y el chaco bolivianos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Marbán y el libroPedro Marbán llegó en 1675 a la llamada llanura de Moxos, actualmente territorio del departamento amazónico de Beni, en el noreste de Bolivia, y terminó de escribir el diccionario en 1701.Según Eyzaguirre, el jesuita dijo que cuando llegó al lugar había cinco lenguas mayores, una de ellas, la más importante, era el morocosí, que actualmente se conoce como moxeño."Hubo una serie de elementos vinculados con el proceso de asentamiento, formar y fundar diferentes reducciones en varias zonas de la región como Loreto o San Ignacio y en todo ese contexto es que logró consolidar el documento que tiene aproximadamente 860 páginas", precisó.El texto tiene cuatro partes, la primera es una introducción del manejo de la lengua moxa, la segunda y tercera son las traducciones del castellano al moxeño y viceversa y la cuarta es "el catecismo mayor y el catecismo menor, obviamente aplicando todos estos elementos de la lengua para la cristianización de la gente en tierras bajas", señaló.Para Eyzaguirre, fue "fundamental" que el jesuita lograse "sistematizar todo el manejo de esta lengua" en sus 26 años de permanencia en Moxos.Relevancia del facsímilSe calcula que actualmente hay unos 50.000 hablantes de la lengua moxa en Bolivia, principalmente en Beni y en la región central de Cochabamba.El experto explicó que algunas personas del municipio beniano de San Ignacio de Moxos reconocieron algunas palabras halladas en el texto y otras "las adscribían más bien a la lengua trinitaria"."Es decir, hay como un proceso de desuso de la lengua como tal lamentablemente, porque estamos en un proceso de homogenización del conocimiento y el manejo del español se está asentando con mucha fuerza", comentó.Precisamente con la edición facsimilar se apunta a que "se puedan recuperar algunos términos e inclusive la forma de pensamiento y la cosmovisión" de la cultura moxa, agregó.Para Eyzaguirre, será importante, por ejemplo, rescatar el concepto del agua en la lengua moxa, que presenta unos 200 usos de ese término, algo fundamental porque la región moxeña suele registrar inundaciones en el primer trimestre del año y fue una sociedad con importantes conocimientos hidráulicos."Este conocimiento que tenían los anteriores moxeños está albergado en parte del documento de Marbán, que nos hace referencia a estos contextos y podemos, a partir de éstos, comenzar a generar reconstrucciones", indicó.La transcripción del libro se hizo durante un año y se imprimió en dos tomos "para facilitar la lectura", lo que fue posible con apoyo de la Embajada de Suiza en Bolivia.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El arte sacro, una manifestación artística arraigada en la devoción religiosa, ha sido una fuente inagotable de inspiración y contemplación a lo largo de la historia. Este género, intrínsecamente ligado a las prácticas y creencias religiosas, ha desempeñado un papel crucial en la expresión espiritual y cultural de diversas civilizaciones. Desde las majestuosas catedrales góticas de Europa hasta las pinturas murales en templos hindúes, el arte sacro ha abrazado una variedad de formas, estilos y tradiciones, sirviendo como un puente entre lo terrenal y lo divino.El arte sacro surge de la profunda necesidad de las comunidades religiosas de expresar su fe y reverencia hacia lo sagrado. Sus orígenes se remontan a las antiguas civilizaciones, donde los primeros humanos, imbuidos de un sentido de lo trascendente, creaban obras para honrar a sus deidades y dar forma a sus creencias espirituales. Estas manifestaciones artísticas no solo servían como objetos de culto, sino que también buscaban transmitir enseñanzas religiosas y narrativas sagradas a través de imágenes, esculturas y arquitectura.El arte sacro abarca una amplia gama de formas artísticas, desde la arquitectura religiosa hasta la pintura, la escultura, la música y la literatura. Las catedrales góticas medievales, con sus altos arcos y vitrales que filtran la luz celestial, son ejemplos impresionantes de la arquitectura sacra que busca elevar el espíritu humano hacia lo divino. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En la pintura renacentista, artistas como Leonardo da Vinci y Rafael Sanzio crearon obras maestras que representaban escenas bíblicas y retratos de santos, infundiendo a sus obras una profundidad espiritual y una belleza trascendental.La escultura sacra, desde las estatuas de los dioses griegos hasta las representaciones de Cristo en la cruz, ha capturado la imaginación de los creyentes durante siglos, ofreciendo una conexión tangible con lo sagrado. Además, la música sacra, con sus himnos, oratorios y misas, ha enriquecido las experiencias religiosas, proporcionando una vía para la adoración y la contemplación espiritual.Representaciones de arte sacroLa Capilla Sixtina: Situada en el Vaticano, esta obra maestra del arte renacentista, con los frescos de Miguel Ángel que representan escenas del Génesis y el Juicio Final, es un testimonio impresionante del poder del arte para elevar lo humano hacia lo divino.La Catedral de Notre-Dame: Ubicada en París, esta catedral gótica es un símbolo icónico del arte sacro, con sus imponentes torres, rosetones y esculturas que narran historias bíblicas y glorifican a Dios.El David de Miguel Ángel: Esta escultura de mármol representa al héroe bíblico David antes de enfrentarse a Goliat, encapsulando la belleza y la perfección del Renacimiento italiano.Las Cantatas de Bach: Compuestas por Johann Sebastian Bach, estas obras musicales sagradas son una expresión sublime de la devoción religiosa y la maestría musical.A pesar de los cambios en la sociedad y la disminución de la religiosidad en algunas regiones, el arte sacro sigue siendo relevante en el mundo contemporáneo. Su legado perdura en museos, galerías y espacios de culto en todo el mundo, inspirando a artistas y espectadores por igual. Además, el arte sacro continúa desempeñando un papel importante en la preservación de la herencia cultural y espiritual de la humanidad, sirviendo como un recordatorio de nuestra conexión con lo trascendente y lo eterno.El arte sacro, con su rica historia y su diversidad de formas, sigue siendo una fuente de inspiración y contemplación para millones de personas en todo el mundo. A través de sus obras, los artistas han buscado capturar la esencia de lo divino y transmitir la profundidad de la experiencia religiosa, dejando un legado perdurable que trasciende el tiempo y el espacio.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Según los estudiosos, en esta zona de la regio IX, donde actualmente se está excavando, el día de la erupción del Vesubio, que comenzó a la hora del almuerzo y se prolongó hasta la mañana del día siguiente, estaba en marcha una obra en algunas de las casas y quedó así congelada en el tiempo.La obra, que afectó a toda la manzana, es sobre todo evidente en la casa de la panadería Rustio Vero, donde se encuentra el ya famoso bodegón con la representación de una especie de pizza y una copa de vino.En esta zona se han encontrado montones de materiales de construcción y también las notas al carboncillo de los albañiles que trabajaban en la renovación de esa casa, que casi con certeza fue dañada por el terremoto de 17 años antes.También en la casa cercana, a la que se puede acceder desde una puerta interior, se han encontrado numerosos testimonios de una gran obra en construcción, como lo atestiguan también los enormes montones de piedras para ser utilizados en la reconstrucción de las paredes y ánforas, cerámicas y azulejos recolectados para ser transformados en material de construcción.“Pompeya es un cofre del tesoro y no todo ha sido revelado en toda su belleza. Aún es necesario que surja mucho material. En la última Ley de Presupuesto financiamos nuevas excavaciones en toda Italia y una parte importante de esta asignación está destinada a Pompeya", declaró en una nota el ministro de Cultura, Gennaro Sangiuliano.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Para el director del Parque Arqueológico, Gabriel Zuchtriegel, el descubrimiento es "un ejemplo más de cómo la pequeña ciudad de Pompeya nos hace comprender muchas cosas sobre el gran Imperio Romano, entre ellas el uso del cemento. Sin cemento no tendríamos ni el Coliseo, ni el Panteón, ni las Termas de Caracalla"."Las excavaciones en curso en Pompeya ofrecen la posibilidad de observar casi en vivo cómo funcionaba una antigua obra de construcción", explica.Sobre el uso de la cal para la construcción, según un grupo de expertos del Instituto Tecnológico de Massachusetts en Boston, Estados Unidos, se utilizaba "la mezcla en caliente, es decir, a altas temperaturas, donde la cal viva (y no la cal apagada) se mezclaba con puzolana seca y posteriormente se hidrataba y se aplicaba en la construcción",Normalmente, explican desde Pompeya, "la cal viva se sumerge en agua, es decir, se apaga, mucho antes de su uso en la obra, formando la llamada cal apagada, un material de consistencia plástica. Sin embargo, en el caso de la obra de Pompeya parece que la cal viva, es decir, que aún no ha entrado en contacto con el agua, inicialmente se mezclaba únicamente con arena puzolánica. Mientras que el contacto con el agua se producía poco antes de que se instalara el muro".Esto significa - explican los estudiosos que trabajan en Pompeya - "que, durante la construcción del muro, la mezcla de cal, arena puzolánica y piedras todavía estaba caliente debido a la reacción térmica en curso y, en consecuencia, se secó más rápidamente, acortando el tiempo de toda la construcción".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el mundo antiguo y medieval, Constantinopla fue una ciudad histórica de gran importancia política, económica y cultural. Su ubicación estratégica en el estrecho de Bósforo separaba Europa de Asia y conectaba el mar de Mármara con el mar Negro, dándole a ese impero gran control y ventajas importantes de defensa militar, haciéndola una ciudad difícil de conquistar.Haciendo las veces de puente entre oriente y occidente, Constantinopla se convirtió en la capital del Imperio Bizantino, fundada en el año 330 d. C. por el emperador romano Constantino I, de quien recibió su nombre.Durante más de mil años, los emperadores bizantinos gobernaron desde esta capital y administraron un vasto territorio que se extendió por gran parte de Europa oriental, la península de Anatolia, el norte de África y partes de Oriente Medio.Como capital del Imperio Bizantino, Constantinopla fue una de las ciudades más importantes y prósperas del mundo antiguo y medieval. Fue un centro de comercio, cultura y poder político durante siglos. La ciudad estaba adornada con impresionantes obras de arquitectura, como la famosa Catedral de Santa Sofía, un claro ejemplo de la arquitectura bizantina.A la par que el Imperio bizantino aumentaba su poder político y económico, también crecía el legado histórico, artístico y principalmente arquitectónico que hoy en día sigue siendo materia de estudio.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El arte religioso de ConstantinoplaAntes de la conquista de los turcos otomanos de Constantinopla, en 1453, a manos del Mehmed II, el Imperio Bizantino estuvo adornado por importantes obras de arte, esculturas y textos, la mayoría con un enfoque religioso, que influyó en la estética del cristianismo y de la iglesia ortodoxa por siglos.La arquitectura bizantina se caracterizó por el uso de cúpulas, arcos de medio punto, mosaicos ornamentales y una abundancia de detalles decorativos. La Catedral de Santa Sofía, construida en el siglo VI, es el ejemplo cúspide del estilo de estas construcciones.Edificada en apenas seis años, la iglesia fue ideada por el matemático Antemio de Trales y el físico Isidoro de Mileto. Pese a que se encuentra en una zona de alta actividad sísmica, se ha conservado por más de 1.500 años. Su reestructuración más fuerte se dio en el año 557, cuando, afectada por terremotos, tuvo que ser reconstruida por Isidoro el joven, sobrino de MIleto. La Basílica de San Marcos en Florencia, Italia, construida en el siglo XI; la Catedral de San Pedro y San Pablo en San Petersburgo, Rusia, construida en el siglo XVIII; la Mezquita Azul, de Estambul construida en el siglo XVII, y la Iglesia de San Salvador en Chora también en Estambul son algunos de los ejemplos de grandes centros religiosos que están inspirados en el estilo bizantino.Al interior de las iglesias, castillos e importantes edificaciones se encontraban los mosaicos, imágenes construidas con piedra, vidrio y esmalte que retrataban historias y momentos históricos.Traídos desde la tradición romana, durante el Imperio Bizantino, estas piezas se enfocaron en mostrar imágenes y momentos importantes para la religión y, en algunos casos, retratos de los emperadores. Este estilo influenció el desarrollo del arte en mosaico en otras culturas, incluyendo la islámica y la europea.La producción artística de esa época tuvo como común denominador, la inspiración religiosa, de este período abundan las imágenes sagradas utilizadas en la adoración cristiana.La Catedral de Santa Sofía contiene algunos de los mosaicos más impresionantes del arte bizantino que datan del siglo IX al XII, donde se representan escenas religiosas, figuras sagradas y emperadores. Otro ejemplo de la influencia religiosa es Teófanes el griego. Nacido en 1340 fue uno de los más importantes pintores de iconos del siglo XIV, conocido por su estilo distintivo y su influencia en el arte religioso ortodoxo oriental.La literatura durante la época de ConstantinoplaConstantinopla fue el epicentro cultural durante el Imperio Bizantino y la cuna de numerosas obras literarias. Al igual que en la arquitectura y el arte, la religiosidad fue el tema principal de la literatura y de la poesía que se produjo durante estos siglos.Focio, conocido como Focio el Grande, fue un importante líder religioso y político en la historia del Imperio Bizantino. Se destacó por haber sido el patriarca de Constantinopla en dos ocasiones, pero también por su obra como escritor. Myriobiblon (Biblioteca) es su texto más emblemático, una colección de resúmenes y extractos de obras clásicas griegas y romanas.Otro nombre destacado es el de Juan Tzetzes, un poeta y erudito bizantino del siglo XII, conocido por su extenso trabajo en diversas áreas como la poesía, la filosofía y la gramática; reconocido por su comentario sobre la obra de Homero.Además de la religión, los relatos de momentos históricos y sobre las guerras fue otro de los temas relevantes de la literatura bizantina. En este campo, encontramos a una mujer como autora destacada.Ana Comnena, hija del emperador bizantino Alejo I Comneno, fue una escritora del siglo XII conocida por su obra La Alexiada. Este relato es una crónica épica en la que detalla la vida y el reinado de su padre.Otra obra relevante de ese periodo sobre la guerra es Las Guerras de Justiniano escrita por el historiador bizantino del siglo VI Procopio de Cesarea. Esta obra cuenta las batallas libradas por el emperador Justiniano I, además, ofrece un contexto histórico de la vida militar y política de Constantinopla.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La historia de Romeo y Julieta, escrita por William Shakespeare en 1597, es una de las más conocidas en el mundo. El mito del amor eterno ha llegado a cada rincón del mundo y también se ha convertido en una fuente de turismo, por ejemplo, en Verona se abrió un museo recreando la casa de los Capuleto y el emblemático balcón donde Julieta le confesó su amor al enemigo de su familia.Así como el balcón, también se hizo una estatua en honor a la romántica Julieta, obra que se volvió blanco del turismo en la ciudad de Verona. El mito popular dice que si se le toca el pecho derecho a Julieta vendrá buena fortuna.Julieta sostiene suavemente su vestido con su mano derecha, su izquierda reposa sobre su pecho, su cara parece tener una expresión de seriedad y un semblante sereno, sin embargo, su cuerpo está manchado con huellas viajeras de todo el mundo que buscan fortuna incierta.Los turistas llegan de todos los mundos buscando desesperadamente el pecho deslumbrante que les traerá riqueza, nadie se acerca con amabilidad o compasión, todos esperan su turno para tocar el bronce frío de color dorado que demuestra tanto tacto oscuro y sediento de poder.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Nereo Constantini creó la estatua de Julieta en 1969, desde ese momento se convirtió en atracción turística y por miedo al desgaste fue reemplazada por una réplica en 2014. El toqueteo y las ganas de suerte han llevado a que un agujero sobresalga del pecho derecho de la escultura, pareciendo el recuerdo de una flecha.A lo largo de los años el mito de la riqueza se fue desplazando por los visitantes de Verona, en Italia, convirtiéndose en una tradición obligatoria para todo el que visite la ciudad. La premisa es tocarle el pecho derecho a Julieta para tener buena suerte, tocarle el pecho derecho, tocarle el pecho, tocar…Por esto me pregunto, ¿el cuerpo femenino está destinado al tacto frío de quien busca fortuna o saciar el deseo? ¿por qué nadie le tiene compasión a la Julieta que lleva más de setenta años siendo tocada? Todo es deseo y ambición. ¿qué hubiera sentido la Julieta de carne y hueso? ¿qué sentimos nosotras ante el toque sin consentimiento? Rabia, solo rabia.El museo Casa de Julieta, donde se encuentra la estatua, también tiene un buzón donde los visitantes dejan sus cartas de amor confesando el sentimiento de algo maravilloso o algo que nunca sucedió. Los turistas le escriben a Julieta esperando una señal, una respuesta del destino que ayude a solucionar el problema amoroso. Decidí escribirle una carta a la propia Julieta, para ella, para su espíritu que puede reposar en ese cuerpo sellado de bronce.Querida Julieta,Me enteré que el tacto amargo te abrió el pecho, las manos extrañas que se posaban sobre tu seno destaparon la llaga del dolor. El hueco minúsculo sangra oro invisible cada que te tocan, la risa y la cámara son protagonistas de tu dolor y tu semblante queda petrificado por la cárcel de bronce.Veo tus lágrimas, mi Julieta, las mismas que derramaste al no poder estar con tu amor verdadero. La compasión de la humanidad se ha opacado por la fuerza de la ambición, tú solo eres una de las maneras que la gente busca para imaginar una vida de riquezas. Siento profundamente el dolor de tu cuerpo inmovil, tan frágil por dentro y como roca por fuera, así como el de muchas de nosotras. Las huellas se han marcado sobre tu vestido dorado, así como las marcas indeseadas sobre nuestro pecho, se han vuelto imborrables a nuestra memoria, permanecen intactas desde el comienzo de los tiempos.Tantas manos extrañas que buscan los senos firmes de bronce (¿o de carne?), tantos que quieren probar la fortuna de tu pecho sin mirarte a los ojos con compasión. Tantos que buscan riqueza sin saber que se te puede salir el corazón, el órgano vital explotado de dolor, de rabia.Julieta, cuánto daría yo por no permitir que nadie te toque (que nadie nos toque), quiero pararme a tu lado y sentir el miedo de la mano extraña acercándose, quiero mirarte a la cara y pedirte perdón por difamar tu cuerpo sagrado, ver en ti a mi madre, a mi hermana, a mis amigas, vernos a todas como tú, expuestas a este mundo hostil y cruel que nos pone los ojos y las manos sobre los pechos.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El hallazgo de los códices de San Andrés Tetepilco, por el nombre de la localidad del sureste de Ciudad de México de donde son originarios, es una noticia "sin precedentes", dijo este miércoles Baltazar Brito, director de la Biblioteca Nacional de Antropología e Historia, que los integrará a su acervo.Es un compendio realizado bajo la escritura tradicional indígena que "hasta el día de hoy se había mantenido oculto a la visión pública", destacó el historiador al presentar a la prensa fotos y videos de los documentos.Los vestigios pictográficos "de autenticidad comprobada" fueron manufacturados hacia finales del siglo XVI y principios del XVII por "tlacuilos", término que designa a los pintores e ilustradores que cumplían función de escribanos en el México prehispánico y siguieron activos durante la colonia, añadió Brito.Dos de los códices abordan la fundación del pueblo originario de Tetepilco y el inventario de los bienes de la iglesia local, mientras el tercero resulta el más "espectacular", según los especialistas, por sus dimensiones y contenido."Aquí la historia fue plasmada con pictografías sumamente coloridas que (...) narran la historia de Tenochtitlan (antigua Ciudad de México) a través de cuatro temas principales", explicó Brito sobre la pieza identificada como "la tira de Tetepilco".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Dichos temas son la fundación de la capital azteca en el siglo XIV, el registro de los tlatoque o señores que la gobernaron; la llegada de los conquistadores en 1519 y, finalmente, el período virreinal, con el arribo del virrey Juan de Mendoza y Luna, en 1603, último evento registrado en el pictograma.La tira destaca por su colorido, donde predominan el amarillo, el rojo, el negro y el azul, y la "gran maestría técnica" del tlacuilo, quien exhibe gran dominio de la pintura prehispánica y europea para representar a cada personaje, indicó María Castañeda, académica de la Universidad Nacional Autónoma de México."Esto es como si en Europa apareciera hoy en día un Rembrandt, un Murillo o un Velázquez, es lo mismo, es impresionante", añadió la investigadora, la primera que hace 15 años pudo ver fotografías de los códices, pues sus propietarios querían confirmar si eran auténticos."Me emociono de recordar ese momento", dijo conmovida Castañeda, de nacionalidad española.La familia que conservaba las piezas y que pidió mantener su identidad en reserva recibió un pago de 9,5 millones de pesos (569.000 dólares), aportados por el patronato del Instituto Nacional de Antropología e Historia, informó su presidenta, Altagracia Gómez Sierra.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Lo han comprobado y demostrado científicos de España, Italia y Argentina, que han datado cinco refinadas canoas recuperadas en el yacimiento arqueológico submarino de La Marmotta, localizado en el lago Bracciano, a unos 60 kilómetros de Roma, y hoy publican las conclusiones de su trabajo en la revista Plos One.Todos los restos han sido recuperados a unos 300 metros de la orilla actual y a unos 11 metros de profundidad (8 de agua más 3 de sedimentos), lo que ha permitido la conservación de numerosos restos y útiles realizados en madera, entre ellos las cinco piraguas -datadas gracias a la técnica del "Carbono 14"-, pero también arcos, hoces, cucharas y miles de semillas, explicó el arqueólogo Juan Francisco Gibaja, investigador principal del trabajo.Los trabajos de investigación en La Marmotta se suceden desde hace varias décadas y ganaron un importante impulso tras el acuerdo de colaboración que firmaron en 2018 la Institución Milà y Fontanals de Investigación en Humanidades del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (IMF-CSIC), la Escuela Española de Historia y Arqueología en Roma y el Museo delle Civiltà (Roma).Auténticos ingenieros navalesAlgunas de las civilizaciones más importantes de Europa se originaron a orillas del Mediterráneo y durante el Neolítico las comunidades viajaban y comercializaban a través del agua, como demuestran los registros arqueológicos y los asentamientos en costas y en islas.El investigador italiano Mario Mineo, del Museo delle Civiltà (Roma) destacó en una nota difundida hoy por el CSIC que las canoas sorprenden no sólo por su tamaño, también por la complejidad con la que se elaboraron. "Estamos ante el trabajo de verdaderos ingenieros navales".Las cinco embarcaciones recuperadas en La Marmotta fueron construidas con cuatro tipos diferentes de madera, algo inusual en yacimientos similares, e incluyen técnicas de construcción muy avanzadas, como los refuerzos laterales; una de ellas se asocia además a tres objetos de madera en forma de "T", cada uno con una serie de agujeros que se utilizarían probablemente para sujetar cuerdas atadas a velas u otros elementos náuticos.Los investigadores han corroborado que se trata de embarcaciones aptas para navegar en el mar y que son ejemplos "excepcionales" de embarcaciones prehistóricas que requirieron para su construcción un conocimiento estructural y de las propiedades de la madera, además de una mano de obra muy especializada y bien organizada.Y lo más importante para el equipo científico: las similitudes entre estas canoas y las tecnologías náuticas más recientes respaldan la idea de que muchos avances importantes en la navegación se realizaron durante el Neolítico temprano, así como la "asombrosa" sofisticación tecnológica de las primeras comunidades agrícolas y pastoriles.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Claves para entender la expansión desde Oriente PróximoJuan Francisco Gibaja observó que se trata de las embarcaciones más antiguas de Europa del periodo Neolítico (primeros agricultores y pastores) y las únicas recuperadas hasta ahora del Neolítico inicial en el Mediterráneo, y detalló que alguna de las canoas tiene hasta 11 metros de longitud y varios elementos que revelan los conocimientos que tenían aquellas sociedades para construir este tipo de barcos."La expansión de las sociedades del Neolítico desde Próximo Oriente por vía marítima se entiende con claridad cuando estás delante de unas embarcaciones tan grandes", manifestó Gibaja, de la Institución Milà y Fontanals de Investigación en Humanidades del CSIC.El investigador aseguró que este tipo de embarcaciones eran aptas para transportar personas o mercancías "normalmente observando la costa", y se refirió a los experimentos realizados por otros colegas con reproducciones de piraguas idénticas a las que se han hallado en La Marmotta y que han demostrado su fiabilidad llevando 12 remeros y algunos kilos de cereal y obsidiana -un tipo de roca-.En la investigación, liderada por la Institución Milà y Fontanals de Investigación en Humanidades (IMF-CSIC), han participado la Escuela Española de Historia y Arqueología en Roma (EEHAR-CSIC), el Museo delle Civiltà (Roma), la Universidad de Pisa y el Centro Nacional de Aceleradores (CNA), en Sevilla, donde se han datado las canoas mediante la técnica del "carbono 14".Este yacimiento submarino se está convirtiendo en un filón para la ciencia y el conocimiento profundo de las sociedades neolíticas. "Cada día es una sorpresa", indicó Juan Francisco Gibaja, y valoró la calidad y especialización del equipo internacional implicado en el proyecto y la utilización de las últimas técnicas en investigación para conocer al máximo unos restos que por su estado de conservación se pueden considerar "únicos".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El ejército ruso ha aniquilado las ciudades ucranianas. Ha exterminado sobre todo la cultura", denunció Loznitsa anoche al presentar el filme, fuera de competición, en las sesiones especiales de certamen de la Costa Azul gala, acompañado por parte de su equipo y por el delegado general del festival, Thierry Frémaux.La guerra lleva presente en Europa "desde hace diez años", recordó el también realizador del exitoso documental 'Maidan' sobre los disturbios civiles de 2013 y 2014 en la plaza central de Kiev, en referencia a que las agresiones rusas comenzaron hace mucho más de dos años, con la anexión unilateral de la península de Crimea en 2014.Pero a comienzos de 2022, enfatizó el director, el conflicto adoptó un "carácter extremadamente salvaje" con la invasión del país a gran escala por parte del régimen de Vladímir Putin.Fue ese mismo año cuando Loznitsa se embarcó en el rodaje de The Invasion, un camino que en cierta medida concluyó anoche, en la tercera jornada de la 77 edición del Festival de Cannes, mostrando al público el "dolor inconmensurable" de todos los ucranianos. "Contamos hoy con compartir ese dolor con vosotros", dijo Loznitsa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La vida interrumpida por las alarmas antiaéreasYa desde su introducción, con imágenes de funerales de soldados caídos en la defensa de Ucrania, The Invasion obliga a recordar que la guerra continúa, a pesar de que su peso en titulares haya decaído, y el impacto que eso tiene en millones de personas todos los días.Loznitsa, fiel a su estilo de planos generales estáticos y pacientes en los que la acción se va revelando por sí misma, bucea en todo tipo de escenas de lo cotidiano de su país.Es un día a día que a veces queda completamente transformado por la presencia permanente del conflicto, pero que en otras ocasiones, a fuerza de costumbre, prosigue solo sutilmente trastocado por la guerra.En las bodas, los novios van vestidos con su uniforme militar. En las calles se reparten víveres indispensables. En las escuelas, los niños dibujan tanques y las profesoras intentan continuar con su lección con normalidad, aunque tengan que dar la clase en refugios antiaéreos por la amenaza de las bombas rusas.Hasta en las librerías, los dependientes invitan tranquilamente a los clientes a salir del local porque han sonado las alarmas y hay que ponerse a cubierto.El realizador ucraniano muestra también que los libros han sido, de hecho, una parte significativa de la guerra al nivel cultural, a través de imágenes de la destrucción de cientos de ejemplares firmados por autores rusos o relativos esa cultura -ni Dostoyevski se salva-, en un intento de reafirmar la identidad ucraniana frente al invasor.De vuelta al nivel más humano de las consecuencias de la guerra, Loznitsa también visita un centro de rehabilitación en el que hombres y mujeres con miembros amputados aprenden a vivir con sus nuevas extremidades ortopédicas y muestra cómo sus compatriotas de fe cristiana ortodoxa continúan con los tradicionales baños helados triples para conmemorar el bautismo de Cristo.Las imágenes de los bombardeos están presentes, pero son siempre de los momentos posteriores. Es decir, no están las explosiones, pero sí sus consecuencias.Y es que a Loznitsa no le ha interesado hacer un documental sobre el frente de batalla -al estilo, por ejemplo, de la oscarizada este año 20 Days in Mariupol ('20 días en Mariúpol')-, sino sobre todo el dolor del pueblo que se encuentra detrás.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El filme, que lleva más de un mes en las carteleras, muestra no solo la distancia cultural, sino también la falta de acceso para entender cómo se percibe la realidad en las comunidades más alejadas del territorio andino peruano."En este país llamado Perú existen varias naciones y, por ende, somos culturas diferentes, me parece que todavía eso no se entiende", declaró Tito Catacora.El codirector, quien quedó a cargo del proyecto tras la muerte repentina de su sobrino Oscar durante el rodaje de la película, señaló que la obra busca mostrar "que el ser humano es cada vez más egocéntrico y piensa que la naturaleza está para dominarla y explotarla"."Nuestra cultura originaria considera que en este mundo nada es inerte, una piedra no es un objeto, sino que tiene vida", aseguró antes de añadir que, desde esa lógica, "el trato es distinto" en la relación con el mundo.El nuevo cine peruano'Yana Wara', que va por su quinta semana en cines a nivel nacional, se describe como una película de arte. "Hacemos este tipo de obras con la finalidad de que el espectador pueda reflexionar y proponer soluciones a los problemas que abordamos", sostuvo Catacora.La elección de lugares, el extenso territorio altiplánico, la lengua aimara como idioma principal en la película y la propuesta visual en blanco y negro, fueron hechas en conjunto por sus directores; sin embargo, el corte final fue liderado por Tito.La etapa de rodaje y edición llevó a que Tito pueda darle un toque más "racionalista y atrevido", lo que hizo que 'Yana Wara' tomara otro rumbo al que Oscar hubiera elegido."Obviamente yo soy más racionalista, a diferencia de Oscar, que era más emotivo. Si él hubiera culminado la película sería distinta. Pero creo que no se ha perdido el espíritu, eso se conserva" añadió.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Perú distanteAunque la ausencia de Oscar fue determinante en la elaboración final de 'Yana Wara', la propuesta de hacer un cine 'diferente', que revele la esencia y reivindique a la cosmovisión andina, es algo que perdura tras su muerte."Nosotros, los pueblos originarios, al estar aislados adolecemos de muchos servicios, educación, salud o incluso orden interno, pero no podemos hacer nada" comentó Tito.Aludió de esa manera a las circunstancias de la muerte de Oscar, quien sufrió una apendicitis en un lugar remoto de los Andes sin servicios de salud, una circunstancia que al igual que sus personajes de ficción lo condujo a la muerte."Un día antes estábamos grabando y es algo raro, pero es lo que ha ocurrido", comentó Tito, quien junto a su familia y el equipo técnico de la película trabajaba con Oscar."He evitado comentar lo que pasó exactamente, porque no soy médico, nosotros somos más pragmáticos, por más que se hable de mi sobrino y se realicen homenajes, mi sobrino no va volver", remarcó.Tito agregó que "solo sus familiares" lo llevan "en el corazón" y para ellos "él ya es como un dios menor". Reconoció, además, que "hacer cine es difícil" en Perú, aunque el legado que construyeron con Oscar es algo que desea continuar. "Seguiremos hasta donde tengamos las posibilidades", prometió. Añadió que, en 'Yana Wara', se puede ver el contraste entre lo místico y lo humano, la visión andina y la de ciudades como Lima Metropolitana.Se menciona, por ejemplo, a personajes fantásticos como el 'Anchanchu', un espíritu maligno que es considerado dueño de la riqueza, y al que muchos mineros se encomiendan por oro y plata. "Nosotros pensamos que, para dar a conocer nuestra visión, era necesario tratar sobre los espíritus malignos", dijo Catacora.A partir de eso, sus directores incorporaron otros temas, como la violencia de género, la medicina andina y la justicia comunal."Para nosotros hablar del 'Anchanchu' no es ningún mito ni algo fantasioso, sino es algo real y tangible, yo mismo los he escuchado y sé cómo se expresan, alguien me dirá que estoy delirando, pero no es así", concluyó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cantautor cubano Silvio Rodríguez lanzará en junio Quería Saber, su primera producción discográfica en tres años y en la que incluye temas compuestos durante este "maltrecho" siglo, informaron este jueves sus estudios Ojalá."El próximo viernes, 7 de junio, se presentará en las principales plataformas digitales de música el álbum Quería saber, de Silvio Rodríguez", señaló Ojalá en un comunicado publicado en el blog Zurrón del Aprendiz, del famoso artista.Según Ojalá, antes del lanzamiento, los seguidores de Rodríguez, de 77 años y fundador de la Nueva Trova Cubana, podrán disponer de dos sencillos: Quería saber, el 24 de mayo, y América, siete días después.Es el 22º disco de la extensa carrera de Rodríguez, autor de temas antológicos como La era está pariendo un corazón y Ojalá.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La única canción del disco "que no es de este siglo" es "Tonada para dos poemas de Rubén Martínez Villena", un destacado escritor y revolucionario cubano que vivió entre 1899 y 1934, cuya música compuso a principios de la década de 1970."Las demás canciones, las actuales, las canté en muchos conciertos de barrio, y creo que son como este joven y maltrecho siglo, al que espero que un buen día le crezcan alas", afirma Rodríguez en el comunicado, refiriéndose a los más de 100 recitales que realizó entre 2010 y 2020 para llevar su música a los barrios más humildes del país.El artista también reflexiona sobre el título del álbum: "Es difícil ponerle nombre a un disco"."Primero iba a ser Canciones del siglo XXI (menos una). Después pensé en Después. Por último, me he decidido por Quería saber. Aunque quizá debería llamarse Quiero saber, porque eso es lo que me mueve", apuntó.Su última producción discográfica data de 2021 cuando presentó Silvio Rodríguez con Diákara, según Zurrón del Aprendiz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Chabuco (Valledupar, Colombia, 1975), que este sábado actúa en Sevilla (sur de España) acompañado de Rocío Soto y otros artistas invitados, dijo en una entrevista con EFE que para él "todas las colaboraciones con mis amigos músicos son importantísimas. He tenido muchas que me han llenado de sueños y se me han cumplido, pero todavía me faltan muchas por cumplir porque considero que en la música y en el arte en general se trata de compartir, no de dividir".El colombiano señala que la música vallenata, que él fusiona con otros géneros como el jazz, el bolero o el rock, tiene una "gran aceptación" y "a pesar de la discriminación que sufrió durante muchos años, se mantiene vigente"Sobre si un artista debe tener su sello personal o adaptarse a los cambios de gustos musicales, Chabuco responde que los músicos "debemos tener nuestro propio camino. Yo por mi trabajo y experiencia creo en lo que hago, en la música de mis raíces, y creo que si hay que recibir algún reconocimiento es haciendo la música bajo tu convicción".Para Chabuco, "la mezcla entre el folclore campesino, que es de donde yo vengo allí en Guajira, con la música que más me ha gustado, desde que he crecido escuchando a muchos artistas diferentes, hace que mi música tenga una particularidad: el encuentro entre el campo con la música moderna".Chabuco comenzó su recorrido musical a final de la década de 1990 y a mediados de los 2000 publicó su primer álbum como solista, titulado "Morirme de amor".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Antes había menos oportunidades para los artistas que querían mostrar su música, pero ahora, con todas estas cosas de las plataformas digitales, creo que todos tenemos una cabida para mostrar nuestros discos y que no solamente por medio de negocios entre disqueras puedas sacar tu música".Con la discográfica Sony publicó el álbum "Encuentro", en el que colaboró con Alejandro Sanz. Chabuco aconseja a los jóvenes artistas que, al margen de compañías discográficas, "crean en su música y en lo que hacen para que así la música pueda coger su cauce sincero hacia lo que ellos quieren, porque lo demás se va juntando en el camino".Su actual gira, que comenzó en febrero, tiene un formato acústico y, aunque en Colombia tiene su banda, Chabuco dice que "hay momentos en los que tengo que hacer giras acústicas. Me gusta de las dos formas. El piano es un poco más desnudo, más puntual con la gente, pero siempre me gusta tocar con mi banda, que es un cuarteto de músicos maravillosos".El colombiano se siente muy satisfecho de la acogida que está teniendo en España: "Está siendo una gira maravillosa por todo este país que amo, donde la gente me recibe con mucho cariño".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este 18 de mayo es el Día Internacional de los Museos y en Bogotá se celebrará con entrada gratuita al Museo Nacional de Colombia y a todos los museos regionales del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes.Tras la declaratoria del Consejo Internacional de Museos (ICOM) en 1977, esta fecha une cada año, a través de una variada agenda cultural y educativa, a la comunidad museística de más de 150 países y territorios. El año pasado participaron más de 37.000 museos alrededor del mundo.En el 2024, el tema central de este encuentro será “Museos por la educación y la investigación”, con el cual se reconoce a estos espacios como centros educativos dinámicos que fomentan la curiosidad, la creatividad y el pensamiento crítico.Es por eso que este 18 de mayo, en el Museo Nacional de Colombia, celebraremos también el trabajo de años del equipo de Acción Educativa y Cultural, encargado de los programas que, más allá de fortalecer y desarrollar conocimientos, generan experiencias y reflexiones sobre las colecciones, el Museo y el patrimonio. Cada una de sus estrategias son didácticas y accesibles para todo público, incluida la población en condición de discapacidad.Desde hace más de 20 años, el Museo Nacional de Colombia cuenta con el Curso de Formación y Voluntariado, un espacio de encuentro ciudadano que promueve la apropiación y reconstrucción de saberes. Este año, este curso contará con una nueva generación.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En Bogotá, la Casa Museo Quinta de Bolívar, el Museo de la Independencia Casa del Florero, el Museo Santa Clara y el Museo Colonial se unen a la celebración mundial con una programación cultural y educativa que incluye talleres y recorridos.Conozca la programaciónMuseo Nacional de Colombia📍Carrera 7 n.° 28-66Jornada de estampación serigrafía: Conéctate con los museos como lugares donde podemos compartir, aprender, cuestionar y crear. Trae tu prenda o papel para estampar. 2:00 p. m. a 4:00 p. m.Crea tu museo: ¿Alguna vez has pensado cómo sería el museo de tus sueños? ¿Cuáles objetos tendría? ¿Qué historias contaría? Reflexionemos sobre nuestro pasado, presente y futuro. Crea tu propio museo a través de nuestro material didáctico. 11:00 a. m. a 12:30 m.Fragmentos: Espacio de Arte y Memoria📍Carrera 7 n.º 6b-30Exposición Desminar: Una instalación de la artista mexicana Tania Candiani, con curaduría de Gabriela Rangel. Desminar fue creada para este lugar específico y propone un análisis topográfico del contra monumento Fragmentos a partir de un detector de minas con el que se busca traducir, en imagen y sonido, la memoria de violencia que subsiste en cada una de las placas de metal que integran el suelo de este espacio. Martes a domingo / 9:00 a. m. a 5:00 p. m. Entrada libre y gratuita.Casa Museo Quinta de Bolívar📍Calle 21 n.° 4A-30 EsteRecorrido:Un viaje por las historias y anécdotas no sólo de su huésped más memorable, sino de otros personajes y acontecimientos que hacen que la Casa Museo Quinta de Bolívar sea uno de los espacios más destacados para visitar en el centro de Bogotá. 11:00 a. m. y 3:00 p. m.Taller memes, stickers e iconografía: ¿Qué tienen que ver los memes que usamos en redes sociales con las pinturas del siglo XIX? En esta nueva propuesta pedagógica se analizará uno de los fenómenos culturales más interesantes de la era digital: los memes y cómo representan nuestras formas de consumo cultural actual, así como en el siglo XIX las imágenes de los próceres, las batallas y las costumbres cumplieron su función y se consumieron y dieron lugar a una nación. 2:00 p. m. (inscripción aquí).Museo de la Independencia Casa del Florero📍Carrera. 7 #11-28Recorridos: Conoce la historia y la colección de este Museo. ¿Cuándo se dejó de llamar Museo del 20 de Julio? ¿Cuántas piezas y cuáles hacen parte de los procesos de independencia? ¿Qué pasó en Bogotá y en el país en 1810? Preguntas, reflexiones y anécdotas que hacen parte tanto del lugar como de la misma historia reciente del país. 11:00 a. m. y 3:00 p. m.Costurero de independencias- Taller de foto bordado: En este taller se analizarán intervenciones en fotografías históricas del centro de Bogotá y del Museo de la Independencia Casa del Florero. Se compartirán historias sobre el museo, los cambios que ha experimentado Bogotá y el patrimonio cultural que la rodea. 10:00 a. m. (inscripción aquí).¡Imprime tu postal!: Visita nuestra estación de sellos e imprime manualmente tu postal, con distintos motivos de las láminas de la Comisión Corográfica. 9:00 a. m. a 5:00 p. m.Recorrido por el centro histórico de Bogotá: ciencia, educación y revoluciónAlgunos lugares del centro histórico de Bogotá estuvieron ligados al pensamiento revolucionario del proceso de independencia de la Nueva Granada. A propósito del Día Internacional de los Museos, se realizará un recorrido por algunos espacios e instituciones científicas y educativas, como la Casa de la Expedición Botánica, el Colegio Mayor de San Bartolomé y la Universidad del Rosario.Punto de encuentro: iglesia de San Agustín, carrera 7 n.° 6C-25 Bogotá10:00 a. m. ( inscripción aquí: htps://forms.office.com/r/VucmLwfajU)Recorrido por La Candelaria y sus museosSe explorarán lugares tal vez desconocidos para quienes recorren las calles de La Candelaria. Se descubrirán los patios interiores de lugares icónicos de la zona, con los museos de la calle sexta. Áreas educativas del Museo del Oro, Museo de Trajes, Museo Arqueológico Musa y Museo Colonial. 11:00 a. m. (inscripción aquí). Punto de encuentro: Museo del Oro (carrera 6 n.° 15-88).Museo Colonial📍Carrera 6 #9-77Visita-taller: La imagen en la Colonia y el tarot: Este espacio fusiona la historia, el arte y la interpretación. Primero se realizará un recorrido donde se explorarán piezas seleccionadas y se abordará la imagen colonial con algunas claves iconográficas inspiradas en el tarot. En la segunda parte, las talleristas proponen una actividad manual, en la que cada participante creará su propia carta o arcano aplicando la técnica del collage. Materiales incluidos. 2:00 p. m. (inscripciones aquí).No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.