Diegues falleció en Río de Janeiro por "problemas derivados de una cirugía", señaló el grupo Globo. Nacido el 19 de mayo de 1940, en la ciudad de Maceió, en el empobrecido nordeste brasileño, el también director, productor y escritor es uno de los grandes nombres del séptimo arte.Sus obras han sido objeto de estudios en universidades de Brasil y en otros países. Diegues era uno de los 'inmortales' de la Academia Brasileña de las Letras (ABL) y fue reconocido internacionalmente.La mayoría de sus 18 películas participaron en los grandes festivales internacionales, como Cannes, Venecia, Berlín y Toronto, y fueron exhibidas en Europa, Estados Unidos y América Latina.Francia le concedió el título de la Orden de las Artes y las Letras y el Gobierno brasileño le agració con la medalla de la Orden de Rio Branco, la más alta condecoración del país, entre otros reconocimientos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Fue uno de los fundadores del 'Cinema Novo', movimiento que denunció durante las décadas de los 60 y 70, en medio de la dictadura militar (1964-1985), las enormes desigualdades sociales y el racismo que aún hoy padece Brasil.Sus tres primeros largometrajes, Ganga Zumba (1964), A Grande Cidade (1966) y Os Herdeiros (1969), reflejan los principios de una corriente que se vio influenciada por el neorrealismo italiano y la Nouvelle Vague francesa.Polemista inquieto, su oposición a la dictadura le obligó a abandonar Brasil en 1969 y vivir en Italia y Francia.De vuelta a Brasil, en 1976, dirige Xica da Silva, su mayor éxito popular. Con el regreso de la democracia, cambia de registro sin dejar la crítica social con Chuvas de Verão (1978) y Bye Bye Brasil (1980), otros dos grandes éxitos de su filmografía.En 1981, fue miembro del jurado del Festival de Cannes, un honor que hasta entonces solo había experimentado otro brasileño: el gran poeta Vinicius de Moraes.Tieta do Agreste (1996), Orfeu (1999) y Deus é Brasileiro (2002), adaptaciones de obras literarias y teatrales, forman parte de sus últimos títulos y tuvieron igualmente una respuesta positiva del público brasileño.Su labor de cineasta la compaginó con la de escritor de críticas y ensayos en la prensa, actividad que mantuvo hasta el final de sus días.Padre de cuatro hijos, los dos primeros de su primer matrimonio con la cantante Nara Leão, Diegues estaba casado desde 1981 con la productora cinematográfica Renata Almeida Magalhães.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El documental La música de John Williams celebra la trayectoria del afamado compositor, cuyas bandas sonoras han dejado una huella imborrable en la historia del cine y se han convertido también en parte de la banda sonora de la cultura popular.Dirigida por Laurent Bouzereau, esta producción de 2024 ofrece una mirada profunda al legado de Williams, quien ha dado vida a icónicas partituras de películas como Star Wars, Tiburón, E.T. el Extraterrestre, Indiana Jones y las tres primeras películas de la saga de Harry Potter, notas que han acompañado a tres generaciones y han resaltado el rol de la música como un personaje más en el séptimo arte.Un homenaje a una leyenda musicalEl documental presenta entrevistas exclusivas con cineastas y artistas que han trabajado junto a Williams o han sido influenciados por su música. Figuras como Steven Spielberg, George Lucas, J.J. Abrams y Gustavo Dudamel comparten sus experiencias y reflexiones sobre el impacto del compositor en la industria cinematográfica y en la cultura popular.A lo largo de sus 105 minutos de duración, La música de John Williams combina material inédito de sesiones de grabación, anécdotas personales del compositor y fragmentos de sus bandas sonoras más memorables.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLas participaciones de Lucas y Spielberg en el documental son particularmente importantes, pues ha sido con estos dos cineastas que Williams ha hecho sus más grandes colaboraciones.Su colaboración con Lucas, por ejemplo, comenzó en 1977 con Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza. Lucas quería una banda sonora épica y sinfónica que evocara las grandes partituras de Hollywood de los años 30 y 40. Williams compuso entonces una de las bandas sonoras más reconocidas de la historia, con temas inolvidables como la Marcha Imperial, el tema de Luke Skywalker y el tema de la Fuerza.Williams continuó trabajando en todas las trilogías de Star Wars, componiendo la música de la saga completa (excepto en Rogue One y Solo). Su música ayudó a definir la identidad de la franquicia y es considerada una de las mejores composiciones de la historia del cine.La relación con Spielberg es aún más extensa y profunda. Su primera colaboración fue en The Sugarland Express (1974), pero fue con Tiburón (1975) que su sociedad se consolidó. El famoso tema de Tiburón demostró el genio de Williams y ayudó a que la película se convirtiera en un fenómeno.Desde entonces, Williams ha sido el compositor de prácticamente todas las películas de Spielberg, incluyendo: E.T. el Extraterrestre (1982), Indiana Jones (toda la saga), Jurassic Park (1993), La lista de Schindler (1993), Rescatando al soldado Ryan (1998), Las aventuras de Tintín (2011) y Los archivos del Pentágono (2017).Una vida dedicada a la músicaJohn Williams nació el 8 de febrero de 1932 en Floral Park, Nueva York. Desde joven mostró un gran talento musical y estudió en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) y en la prestigiosa Juilliard School en Nueva York. Inicialmente, Williams comenzó su carrera como pianista de jazz antes de convertirse en un reconocido compositor de bandas sonoras para cine y televisión.A lo largo de su carrera, ha compuesto más de 100 bandas sonoras y ha sido galardonado con numerosos premios, incluidos cinco premios Óscar, 25 premios Grammy y varios Globos de Oro. Su colaboración con Steven Spielberg ha sido particularmente notable, creando la música de películas como Jurassic Park, Schindler’s List y Saving Private Ryan.Los cinco Óscar cosechados por Williams son El violinista en el tejado (1971), en la categoría de Orquestación: adaptación y coro original y en la categoría de Mejor banda sonora original, Tiburón (1975), Star wars (1977), E.T. el Extraterrestre (1982) y La lista de Schindler (1993).En este documental, que está disponible en Disney+, usted podrá conocer detalles sobre el proceso creativo de John Williams y su impacto en la industria cinematográfica.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Adaptada de una obra de Régis Debray y del médico Claude Grange, "El último suspiro" relata los debates filosóficos sobre la muerte entre un médico en cuidados paliativos (Kad Merad) y un escritor (Denis Podalydès).La película se estrena la próxima semana en Francia, y a finales de abril en España. El veterano director de "Desaparecido" o "La confesión" sabe que el final no está lejos. "Quisiera que ese final sea bueno", declaró a la AFP en el Festival Lumière en Lyon en octubre."Sin dolor, sin drama, sin agonía permanente", pide. "En nuestra sociedad no están disponibles todos los medios para que las personas (...) tengan un buen final", medita. "La muerte nos da un miedo terrible desde que somos pequeños y no queremos hablar de ella. ¡No, hay que hablar de ella y prepararse!", afirma. "Por eso hice esta película, para mí"."Estoy en una especie de confusión inmensa" tras haber mirado a la muerte de frente "bastante serenamente, bastante ligeramente," comentó por su parte Denis Podalydès, comparando la película a un "carrusel extremadamente suave.""Eso se pospone"Nacido el 13 de febrero de 1933 en Loutra-Iraias, en el Peloponeso, Konstantinos Gavras tuvo que abandonar Grecia debido al activismo antimonárquico de su padre. Llegó a París en 1955. "Estoy profundamente orgulloso de la manera en la que fui recibido en Francia," recuerda. "Por primera vez me llamaron señor."Costa-Gavras impuso su nombre desde finales de los años sesenta con sus thrillers políticos, como "Z" (1969), en reacción al golpe de los coroneles en Atenas, o "La Confesión" basada en el testimonio de Artur London contra las purgas comunistas en Checoslovaquia."Desaparecido", protagonizado por Jack Lemmon, es un alegato contra el golpe de Estado de 1973 en Chile. "Siempre es difícil hacer una película" política, reconoce este maestro del cine: "esto asusta a los productores y también a los financiadores".Costa-Gavras asegura que su libertad creativa se debe a su esposa Michèle Ray Gavras, "que organizó nuestra vida de tal manera que yo pudiera hacer las películas que quería hacer", y al éxito de sus primeras cintas.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí"Alrededor de una mesa"Costa-Gavras está convencido de que "todas las películas son políticas, no solo las mías". "Sí, estoy comprometido, ¡pero todos estamos comprometidos cuando hacemos cine!", exclama."Para mí, las películas son como una conversación que tienes con amigos alrededor de una mesa: hemos bebido bien, hemos comido bien, y nos contamos historias. Cada uno intenta contar una historia que le afecta profundamente," estima el director. "Así es como trato de hacer las películas. Pienso que no hay otra manera de hacerlas", dijo.Más que una técnica o una estética, Costa-Gavras insiste en la importancia de los actores. Durante mucho tiempo filmó con su grupo de amigos compuesto especialmente por Yves Montand y Simone Signoret."Siempre hay que establecer una relación muy estrecha con un actor para que se convierta en el personaje que queremos que sea," dice. "No dirijo a los actores, colaboro con ellos".Cuando se le pregunta si se da cuenta del camino recorrido, asegura no mirar mucho hacia atrás. Ya tiene nuevas ideas, "sobre todo viviendo en un mundo que ha cambiado tanto, y que es muy provocador en varios sentidos" dice.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los galardones de la más alta categoría en Hollywood serán entregados el próximo 2 de marzo en Los Ángeles, la historia de los Premios Óscar ha estado llena de momentos icónicos que recordamos a lo largo de los años. Aquí los que más recordamos para esta edición número 97.El acto de protesta de Marlon BrandoEn marzo de 1973, el legendario Marlon Brando ganó el premio a mejor actor por su trabajo en "El padrino", imponiéndose a una brillante lista de competidores formada por Michael Caine, Peter O'Toole, Laurence Olivier y Paul Winfield.Brando, sin embargo, decidió no asistir a la gala y mandó en su lugar a la actriz y activista apache Sacheen Littlefeather, que salió a recoger su premio. Cuando el actor Roger Moore quiso entregarle la estatuilla dorada, la joven alzó la mano en señal de rechazo y él y la copresentadora, Liv Ullmann, dieron un paso atrás cuando esta comenzó a hablar. Ante un público atónito, Littlefeather contó que Brando "lamentablemente no podía aceptar este generoso premio" en protesta por el trato que la industria del cine daba a los nativos estadounidenses. Sus palabras levantaron aplausos, vítores y algunos abucheos entre el público.La historia repetida de ‘Amor sin barreras’En 1962, la puertorriqueña Rita Moreno ganó el Óscar a la mejor actriz de reparto por su interpretación de Anita en la versión original de "Amor sin barreras". En el 2022 Ariana DeBose conquistó la estatuilla por el mismo papel en la versión de Steven Spielberg.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí"¡No puedo creerlo! Señor. Los dejo con eso", exclamó Moreno en su brevísimo discurso al recibir el premio de manos de Rock Hudson. Por otro lado, DeBose pronunció en su discurso “Imagino a esta niña, la miro a los ojos, veo a una mujer de color abiertamente queer, una afrolatina que encontró su fuerza en la vida a través del arte, y eso es lo que creo que estamos aquí para celebrar. Esto es para que cualquiera que alguna vez haya puesto en duda su identidad, que sepa que hay un sitio para ustedes”.Ese Óscar, el primero para una mujer latina, fue el primer paso de Moreno en su camino al estatus EGOT, que implica conquistar un Emmy, un Grammy, un Óscar y un Tony. Es un club pequeño, con sólo 16 personas que alcanzaron este codiciado altar.La selfie de EllenEn la gala de los Óscar del 2014, la presentadora y comediante Ellen Degeneres se tomó una selfie en medio de la ceremonia con un grupo de celebridades entre las que estaban ? Meryl Streep, Brad Pitt, Jennifer Lawrence, Bradley Cooper, Julia Robert, Angelina Jolie y Lupita Nyong’o.Halle Berry, la única mujer afro en ganar Mejor actrizEn el 2002 Halle Berry ganó el premio a Mejor Actriz por su papel en Monster's Ball (2001), convirtiéndose en la primera mujer afroamericana en la historia de los Óscar en ganar esa categoría. Hasta ese momento, las actrices afroamericanas habían sido nominadas en contadas ocasiones en la categoría de Mejor Actriz, pero ninguna había ganado. Actrices como Dorothy Dandridge ( Carmen Jones ,1954) o Whoopi Goldberg ( El color púrpura , 1985) fueron nominadas, pero no premiadas.Entre lágrimas, Berry ofreció un discurso poderoso en el que destacó que su victoria no era solo para ella, sino para todas las mujeres de color que venían detrás de ella y para todas aquellas que nunca habían tenido una oportunidad en Hollywood. Sus palabras fueron: "Este momento es mucho más grande que yo. Este premio es para cada mujer de color sin rostro y sin nombre que ahora tiene una oportunidad porque esta puerta se ha abierto esta noche".El error entre “La la land” y “Moonlight”El momento más impactante de la historia reciente de los Óscar ocurrió, sin duda, en 2017, cuando el principal galardón de la noche, el de mejor película, fue otorgado durante dos minutos al musical La La Land, pese a que el verdadero ganador era el drama sobre el tránsito a la madurez Moonlight.El problema ocurrió cuando los auditores de PricewaterhouseCoopers, la empresa responsable de vigilar y preservar los votos de los Óscar, dieron a los presentadores del galardón Warren Beatty y Faye Dunaway el sobre equivocado. Los veteranos actores recibieron un duplicado del que contenía el premio a mejor actriz, que acababa de llevarse Emma Stone por La La Land, en vez del que tenía a Moonlight como vencedor de mejor película.La cachetada de Will Smith a Chris RockUno de los momentos más impactantes de los últimos tiempos fue cuando Will Smith abofeteó a Chris Rock en vivo tras un chiste sobre su esposa, Jada Pinkett Smith. El incidente ocurrió cuando Rock, presentador de la categoría a Mejor Documental, hizo una broma sobre la cabeza rapada de Pinkett Smith, quien sufre de alopecia. Smith subió al escenario y golpeó a Rock ante la mirada atónita del público y espectadores. Poco después, Smith ganó el Óscar a Mejor Actor por King Richard y, en su discurso, se disculpó con la Academia pero no con Rock. El incidente generó una gran controversia y derivó en una suspensión de Smith de los Óscar por diez años.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Murphy, que falleció en su domicilio el domingo, había trabajado estrechamente con la directora de teatro Joan Littlewood desde los inicios de su carrera.Más recientemente, apareció en episodios del drama médico de la BBC Holby City, el programa de 'sketches' The Catherine Tate Show y la comedia de la cadena ITV Benidorm, así como en el programa de comedia Last of the Summer Wine, recuerda la BBC.Rindiendo homenaje a su "talento y humanidad", el amigo y agente de Murphy, Thomas Bowington, lo describió como un "hombre alegre y profundamente bondadoso", añade la cadena.Murphy había estado filmando una comedia antes de Navidad y tenía previsto empezar la producción de una película en junio en la que actuaría junto a Linda Regan como marido y mujer.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíBowington dijo que Regan todavía planeaba protagonizar la película, pero que "primero tendrían que tomarse un respiro" antes de elegir a su coprotagonista, ya que, dijo, "Brian no es fácilmente reemplazable".Según el agente, Murphy había desarrollado un dolor en la espalda hace unas tres semanas y, tras hacerse una revisión médica, los doctores le dijeron que tenía cáncer en la columna y los hombros.Murphy conoció a su mujer en 1990 cuando protagonizaron una obra juntos como marido y mujer, y se casaron en 1995. En una declaración a los medios, Regan dijo que tuvo la suerte de haber encontrado a su "alma gemela, Brian, a quien amaré por siempre".Nacido en la Isla de Wight en 1932, Murphy se formó en la Real Academia de Arte Dramático y su carrera empezó en los pasados años 50 cuando se convirtió en miembro del pionero Theatre Workshop.Fundado por Joan Littlewood y su socio Gerry Raffles, se dedicó a modernizar el teatro y llegar a las audiencias de la clase trabajadora.Murphy actuó en muchas producciones del dramaturgo inglés William Shakespeare dirigidas por Littlewood, y trabajó en su único largometraje, la comedia 'Sparrows Can't Sing'.Pero fue sobre todo conocido por su papel en Man About the House (Un hombre en casa), una comedia de la cadena ITV que explora la dinámica de un hombre y dos mujeres que comparten piso en londres en los años 70.Posteriormente, protagonizó el 'spin-off' George and Mildred (Los Roper), en el que Murphy interpretó a un gruñón y egoísta George Roper dominado por su esposa, encarnada por su compañera en el Theatre Workshop Yootha Joyce.Según los medios británicos Murphy tenía dos hijos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La historia de ficción del visionario arquitecto László Toth se ha posicionado como una de las grandes favoritas en esta temporada de premios tras alzarse con tres de los siete Globos de Oro a los que fue nominada y llegar a la edición 97 de los Óscar con diez nominaciones. The brutalist promete ser una gran película de la posguerra.El cineasta estadounidense Brady Corbet cuenta en esta cinta la historia de un arquitecto que se ve obligado a huir de la Europa de la posguerra, hacia Estados Unidos, con la esperanza de reconstruir su vida y su matrimonio con su esposa Erzsébet, de quien tuvo que separarse durante la guerra.En el desafío de migrar a un país desconocido tras la violencia de la Segunda Guerra Mundial se ve enfrentado a intrigas, estigmatizaciones y sacrificios para convertirse en un afamado constructor de la mano de un industrial de la zona de Pensilvania. A muy grandes rasgos esta es la historia que cuenta esta película que tiene una duración de tres horas y 35 minutos.Y aunque por estos días se ha hablado de la duración de la película, esta no es una novedad ni un impedimento para convertirse en una película taquillera o multipremiada. En los últimos años grandes películas de más de tres horas han logrado batir récords en taquilla o llegar a ser consideradas de culto y de gran recordación por el público. Solo por mencionar algunos ejemplos de las últimas décadas están Titanic (3h. 14 min.), Avatar 2 (3h 12 min.), King Kong (3h. 21 min.) y El Señor de los Anillos: el retorno del Rey (3h. 21 min.).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El director Cobert durante el Festival de Cine de Venecia de 2024, donde obtuvo el León de Plata por Mejor Dirección por The Brutalist, defendió los tiempos de la película al afirmar que “es una tontería hablar de la duración, porque es como criticar un libro por tener 700 páginas en lugar de 100″, pues se trata de “cuánta historia hay que contar”.Una novedad de esta película de la productora A24 también es que, si bien el director se toma su tiempo para contar la historia del arquitecto Toth, interpretado por el ganador del Globo de Oro y nominado al Óscar Adrien Brody, le da a los espectadores una pausa sobre la mitad de la película para tomar impulso y disponerse a ver el resto de la historia.Durante quince minutos estará en pausa la película y los asistentes al cine tendrán ese espacio para reacomodarse, ir al baño, comprar más palomitas de maíz, etcétera. En ese lapso la pantalla no quedará congelada ni se apagará, habrá música de fondo y un cronómetro proyectado indicando cuánto tiempo falta para reanudar la película y evitar que las personas se pierdan algo de la cinta.Los intermedios en las películas, una dinámica que no es nueva en el cineAunque en las décadas recientes añadir un intermedio a las películas no es común, ni frecuente, tampoco es algo nuevo. The brutalist nos hace recordar que en las producciones largas de los años dorados de Hollywood esta era una medida que solía utilizarse.Entre 1930 y 1960 Hollywood se convirtió en un emporio del séptimo arte y el referente de la industria a nivel mundial, en este periodo considerado la época dorada, las historias de épica y clásicos de culto incluyeron intermedios.Ese espacio de entre 10 y 15 minutos se reservaba para un momento de suspenso o clímax de la película y servía también como un tiempo para que los asistentes compraran más comida y los operadores cambiaran los rollos de las películas, entonces en formato 35mm.Algunas de las películas más famosas que añadieron un intermedio fueron Lo que el viento se llevó (1939), Ben-Hur (1959), Lawrence de Arabia (1962), Doctor Zhivago (1965) y 2001: Odisea del espacio (1968).Después de los años sesenta, con la mejora en la tecnología de los cinemas, películas con más efectos e historias de acción que incluían un ritmo mucho más acelerado y claro, películas más cortas, los intermedios fueron desapareciendo.En los años siguientes el entretiempo se sigue usando en casos muy específicos, en algunas producciones de India, en versiones extendidas de algunas películas o en proyecciones en festivales y salas seleccionadas. Por ejemplo Gandhi (1982), la versión completa de Hamlet (1996) y en algunos cines en la versión de 70 mm de Los ocho más odiados (2015).Vea aquí el tráiler de The brutalist y recuerde que además de un intermedio de quince minutos, esta historia tiene una escena postcréditos. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Academia informó en nota de prensa sobre la concesión de este galardón con el que reconoce la trayectoria cinematográfica de figuras de alcance y fama mundiales.Gere, que hace unos meses fijó su residencia en Madrid, será premiado con el Goya Internacional por "su extraordinaria contribución al arte cinematográfico, protagonizando algunas de las películas más icónicas de la historia del cine, y por el compromiso social manifestado en lo personal y profesional", indica la entidad organizadora de los Goya.Gere, que tiene 75 años, estrenó recientemente en España dos películas, 'Oh Canada' y 'Longing', y este miércoles trascendió que en unos días presentará en el festival de Barcelona 'BCN Film Fest' el documental sobre el Dalai Lama que ha producido, de título 'Wisdom of happiness'.La Academia española decidió rendir homenaje a un actor con una carrera ya de 50 años, repleta de títulos conocidos por el público como 'Pretty woman', 'An officer and a gentleman' y el musical 'Chicago'.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Nacido en Filadelfia, pero criado en el estado de Nueva York, Gere ha trabajado con cineastas como Terrence Malick, Robert Altman, Francis Ford Coppola, Lasse Hallström o Rob Marshall.El Goya Internacional pretende "reconocer a personalidades que contribuyen al cine como arte que une culturas y espectadores y espectadoras de todo el planeta".Porque Gere, además de su contribución al cine, está activo en una serie de causas políticas y sociales. Creó y dirige una fundación, 'Gere Foundation', que lucha por la autonomía del Tibet y la preservación de la cultura tibetana, y además está implicado en organizaciones que defienden los derechos de personas sin hogar o de pueblos indígenas.La Academia española recordó, además, el compromiso del actor y productor con la protección del medio ambiente y su participación en un proyecto de conservación natural en México.El de Richard Gere será el cuarto Goya Internacional que concede la Academia de cine español tras los entregados a Sigourney Weaver (2024), Juliette Binoche (2023) y Cate Blanchett (2022).🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el vasto universo del cine, ciertas películas logran capturar esa cualidad intangible que Gabriel García Márquez describía como "lo real maravilloso". El realismo mágico, una corriente literaria que en el cine encuentra un territorio fértil, se caracteriza por la coexistencia de lo cotidiano con lo extraordinario, la normalización de lo imposible y una atmósfera en la que lo mágico no necesita explicación. A diferencia del cine fantástico, aquí lo insólito se inserta en la realidad sin aspavientos, con una naturalidad que desarma y seduce.Para los entusiastas de esta estética, hay películas que escapan a las recomendaciones predecibles como Amores perros o La casa de los espíritus. A continuación, una selección de cintas que encapsulan el realismo mágico en el cine de formas sutiles, elegantes y profundamente humanas."Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives" (2010), de Apichatpong WeerasethakulLa filmografía del tailandés Apichatpong Weerasethakul es, en sí misma, una exploración del realismo mágico. Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives, ganadora de la Palma de Oro en Cannes, sumerge al espectador en un mundo donde los fantasmas conviven con los vivos y la transmigración del alma es un hecho cotidiano. La narrativa se desarrolla con un ritmo contemplativo, donde la frontera entre el presente y el pasado, lo humano y lo sobrenatural, se diluye con una sutileza que evoca la literatura de Juan Rulfo."La ciénaga" (2001), de Lucrecia MartelLejos del exotismo fácil, Lucrecia Martel construye en La ciénaga un microcosmos de opresión familiar donde el clima, los silencios y los cuerpos enfermos generan una sensación de inminente descomposición. La magia en su cine no es evidente, pero se filtra en lo cotidiano con la misma insistencia que la humedad que empapa su paisaje. Martel no necesita criaturas fantásticas; su realismo mágico emerge del lenguaje sensorial y de la tensión latente en cada interacción.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí."Khrustalyov, My Car!" (1998), de Aleksei GermanEl ruso Aleksei German ofrece una visión del realismo mágico profundamente enraizada en la historia política de la Unión Soviética. Khrustalyov, My Car! es un vertiginoso descenso a un mundo donde el absurdo y la represión coexisten con una lógica tan pesadillesca como poética. La narrativa se desenvuelve como un torbellino de imágenes oníricas, en las que la realidad política se distorsiona hasta alcanzar un punto de surrealismo latente."Tumbbad" (2018), de Rahi Anil Barve y Adesh PrasadEsta película india es una fascinante combinación de mito y realidad. Tumbbad se construye alrededor de un folclore ancestral, donde la avaricia humana es castigada por fuerzas sobrenaturales. Su fotografía lúbrica y sus secuencias cargadas de simbolismo convierten a la película en una experiencia sensorial única, donde lo mágico no es un artificio sino un elemento inherente a la vida de sus personajes."O Melissokomos" (1986), de Theo AngelopoulosTheo Angelopoulos, maestro del cine contemplativo, crea en O Melissokomos (El apicultor) una obra donde el tiempo y la memoria adquieren una cualidad casi onírica. La historia de un hombre en busca de su pasado se despliega con una cadencia hipnótica, en la que la realidad se enreda con evocaciones y silencios cargados de significado. La magia en Angelopoulos está en la poética de lo cotidiano, en la forma en que el paisaje se convierte en un personaje más.Estas películas, alejadas del consumo masivo, proponen una visión del realismo mágico que escapa a los convencionalismos. A través de sus atmósferas, sus narrativas fragmentadas y su poética visual, nos recuerdan que lo mágico no siempre está en lo visible, sino en la manera en que elegimos mirar la realidad. Para quienes buscan experiencias cinematográficas que desafíen la percepción, este cine ofrece un refugio, una invitación a ver el mundo con ojos asombrados.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Un artista integral, que exploró la música, la fotografía y la pintura, y que encontró en el cine y la televisión los medios para dar a conocer al mundo un estilo estético, perturbador y atrapante. David Lynch es considerado uno de los cineastas más influyentes de la historia, nominado tres veces al premio Óscar a Mejor director y merecedor de este premio honorífico en el año 2000.Las obras de Lynch se caracterizan por ser impactantes visualmente y porque en sus películas el sonido es un personaje más, trascendental para llevar la tensión y el misterio a su punto más alto en sus historias.El trabajo del estadounidense desafió la lógica convencional del tiempo y el espacio en sus historias e hizo de lo ambiguo y lo simbólico parte de su sello artístico. Lynch inspiró a cineastas como Quentin Tarantino, Darren Aronofsky, Denis Villeneuve y Yorgos Lanthimos.A continuación le contamos sobre algunas de las películas más representativas de Lynch:💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.‘Cabeza borradora’ (‘Eraserhead’) - 1977Esta película de terror y fantasía es la ópera prima de David Lynch, y una de sus obras más icónicas. Es una obra influyente en la historia del cine, experimental y profundamente surrealista que se ha convertido en un clásico de culto.La historia que narra gira en torno a Henry Spencer (interpretado por Jack Nance), un hombre tímido y reservado que vive en un entorno urbano industrial y opresivo. Henry se entera de que su novia, Mary X, ha dado a luz a un bebé que es impresionantemente deforme y que podría no ser completamente humano.Lo más representativo de la película llega con las imágenes oníricas y perturbadoras que exploran la psique de Henry, sus miedos, sus deseos reprimidos y su aislamiento existencial tras quedarse al cuidado de la criatura.El impacto de la cinta, por ejemplo, se evidencia en la anécdota del también cineasta Stanley Kubrick, quien le mostró a su elenco de El resplandor para inspirarlos.‘El hombre elefante’ (‘The Elephant Man’) - 1980Con un elenco encabezado por John Hurt y Anthony Hopkins, Lynch se inspiró en la historia real de Joseph Merrick, un joven inglés que vivió con terribles malformaciones que lo llevaron a ser conocido como ‘el hombre elefante’.La conmovedora historia cuenta cómo Merrick es explotado como una atracción de feria a causa de sus deformidades y posteriormente rescatado de las deplorables condiciones en las que vivía por el doctor Frederick Treves, un cirujano que lo lleva al Hospital de Londres.A medida que Treves cuida de Merrick, descubre que detrás de su apariencia grotesca se esconde un hombre profundamente sensible, inteligente y con un alma noble. La película muestra los esfuerzos de Merrick por encontrar dignidad y aceptación en una sociedad que lo juzga por su apariencia.Pese a no ganar ninguna estatuilla, esta historia fue nominada a ocho premios Óscar y consolidó a Lynch en la industria cinematográfica.‘Terciopelo azul’ (‘Blue Velvet’) - 1986Esta es una de las obras más emblemáticas y polémicas de David Lynch. Con una mezcla de misterio, surrealismo, erotismo y violencia, Terciopelo azul es un thriller psicológico que desentraña el lado oculto de la aparente normalidad.La película se desarrolla en el pequeño pueblo ficticio de Lumberton, que parece tranquilo y perfecto en la superficie. Sin embargo, la historia revela que bajo esa fachada idílica se esconden secretos oscuros y perturbadores.La trama comienza cuando Jeffrey Beaumont (interpretado por Kyle MacLachlan), un joven universitario, regresa a su ciudad natal después de que su padre sufre un colapso. Mientras pasea cerca de un terreno baldío, Jeffrey encuentra una oreja humana cortada en el suelo. Intrigado, lleva la oreja a la policía, pero decide investigar por su cuenta.‘Sueños, misterios y secretos’ (‘Mulholland Drive’) - 2001En 2001 se estrenó una de las mejores y más enigmáticas películas de Lynch, aclamada por su mezcla de misterio, surrealismo y exploración psicológica. Esta es la historia de Betty Elms (interpretada por Naomi Watts), una joven actriz llena de optimismo que llega a Los Ángeles con la esperanza de triunfar en Hollywood.Al llegar al apartamento de su tía, encuentra a una mujer amnésica (interpretada por Laura Harring) escondida allí. La mujer adopta el nombre de Rita, inspirado en un póster de Gilda, mientras intenta recordar quién es y qué le sucedió.‘Imperio’ (‘Inland Empire’) - 2006El último largometraje dirigido por Lynch es considerado como el más desafiante y complejo de su trayectoria, tanto en su narrativa como en su estilo visual, y representa una culminación de muchas de las obsesiones artísticas de Lynch. Fue filmada íntegramente en formato digital y es conocida por su estructura no lineal, sus imágenes oníricas y su atmósfera profundamente inquietante.Entre laberintos y saltos en el tiempo, la película sigue a Nikki Grace (interpretada por Laura Dern), una actriz que consigue el papel principal en una película titulada On High in Blue Tomorrows, dirigida por Kingsley Stewart (Jeremy Irons). Sin embargo, pronto descubre que el proyecto está maldito, ya que es un remake de una película polaca nunca terminada debido a los asesinatos de sus protagonistas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En abril de 1988 la productora japonesa Studio Ghibli dio a conocer al mundo la historia de Seita y su hermana pequeña Setsuko en La tumba de las luciérnagas, una de las películas animadas más conmovedoras y tristes sobre la Segunda Guerra Mundial. En su estreno, la película no llegó a las salas de cine del país, pero ahora, desde el 23 de enero será proyectada por primera vez en cines colombianos.Antes de la fantasía y los mundos inimaginados de El niño y la garza, El castillo vagabundo y El viaje de Chihiro existió esta película del aclamado Studio Ghibli. Inspirada en la novela semiautobiográfica de Akiyuki Nosaka, esta película relata con crudeza y belleza la lucha por sobrevivir de dos hermanos, Seita y Setsuko, en un Japón devastado por la guerra.Ambientada en el Japón de los años cuarenta, hacia finales de la Segunda Guerra Mundial, esta es la historia de dos hermanos quienes quedan huérfanos durante un ataque aéreo en Kobe, Japón. Refugiados en un búnker y con sus raciones de comida agotadas, ambos intentan sobrevivir en medio de la hostilidad de un mundo en guerra.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíElogiada por la crítica mundial como “una de las películas de animación más sorprendentes y conmovedoras de la historia” (The New York Times), “de las mejores películas de guerra que jamás se han hecho” (Roger Ebert), y como una obra que “te arrancará el corazón” (Rolling Stone), esta película también fue galardonada con el Premio a Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Chicago en 1994 y está posicionada entre las mejores 40 películas de todos los tiempos en IMDB.Dirigido por Isao Takahata, este clásico del cine será estrenado en cines de Latinoamérica el próximo 23 de enero, ofreciendo funciones subtituladas y dobladas al español.En el caso de Colombia, la fecha de estreno será la misma y estará disponible en salas seleccionadas de cinemas Cinépolis y Cinemark. Este último ya tiene abierta la venta de boletería en preventa en las salas de Atlantis, Parque la Colina, Gran Plaza el Ensueño, Floresta y Gran Plaza Soacha.Vea el tráiler aquí:🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
