"Estamos comprometidos con un casting inclusivo y diverso. Para cada papel, por favor envíe intérpretes cualificados, sin tener en cuenta el origen étnico, sexo, discapacidad, raza, orientación sexual, identidad de género", anuncia una convocatoria difundida en internet este lunes.El casting busca niños que tengan entre 9 y 11 años en abril de 2025 y que sean residentes del Reino Unido e Irlanda.Los niños que quieran participar tendrán que mandar dos videos: uno de treinta segundos máximo en el que reciten un poema, que no tenga nada que ver con Harry Potter, y en el que usen su propio acento; y otro más personal de un minuto máximo en el que hablen sobre ellos mismos y sobre un miembro de su familia, entre otros aspectos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.HBO recibirá las candidaturas hasta el 31 de octubre y la convocatoria dice que la serie se filmará en el Reino Unido durante 2025-2026.En abril de 2023, el conglomerado de medios y de entretenimiento anunció que la serie estaba en producción y que basarían cada temporada en un libro de la escritora J.K. Rowling.Este año, el director general de Warner Bros. Discovery, David Zaslav adelantó que la adaptación televisiva de las novelas fantásticas llegará a la plataforma de 'streaming' Max en 2026, pero no anunció una fecha específica.El proyecto está planeado para tener una década de duración y la escritora, quien en los últimos años ha estado en el ojo del huracán por sus polémicas declaraciones consideradas como "transfóbicas", será la productora ejecutiva.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
A sus casi 81 años, el cineasta ha sido galardonado con la Medalla de Oro de la Academia del Cine español, distinción que recibirá este jueves en Buenos Aires.Por ese motivo, y para hablar de su trayectoria, cita a la Agencia EFE en el Bar Macondo, donde es un parroquiano más, un vecino al que todos saludan y donde conocen a la perfección cómo toma el café."Del cine nunca te retirás", afirma rotundamente cuando se le pregunta por las dos décadas transcurridas desde el estreno de su último trabajo, 'Roma' (2004), deliciosa película interpretada por José Sacristán, Susú Pecoraro y Juan Diego Botto, con toques autobiográficos, como una madre profesora de piano o sus recorridos de juventud por las tiendas 'under' de libros y vinilos en la noche porteña."A mí las ganas me vienen cuando veo una historia que me gusta. Nunca fui de decir 'quiero hacer', 'quiero filmar', 'extraño'. Yo no extraño filmar para nada. Estoy muy tranquilo en casa, leyendo, escuchando música. No extraño filmar, pero tiene que haber algo que me mueva y me entusiasme. Y hasta ahora no ha aparecido", señala.En realidad sí apareció, pero tenía un presupuesto inalcanzable, unos 10 o 12 millones de dólares: una película sobre el bandoneonista y compositor Ástor Piazzolla, "el único genio que ha existido en este país", según Aristarain."Piazzolla no puede tener sucesores, porque todos los que quieren seguir a Piazzolla lo imitan. Y es inimitable. O sea, es imposible: es que Piazzolla es como Bach", asevera.Para el proyecto consiguió los derechos del libro 'Astor' (1986), escrito por su hija, Diana Piazzolla, quien durante muchos años estuvo alejada de su padre por cuestiones políticas."Me atraía mucho de la historia la relación padre-hija. Cuando Piazzola acepta la invitación de (el dictador Jorge) Videla de ir a cenar a la Casa de Gobierno, la hija no le habla más, le retira la palabra y se va, se exilia en México. Pasan 4 años y Piazzola va a dar un concierto en un teatro de México (...) Entonces, se vuelven a amigar", relata el cineasta.La génesis del libro, que el propio Piazzolla propone a su hija, y los conciertos del compositor con su Quinteto eran la columna vertebral de una "maravillosa" película que, resume, "era carísima".Enamorado desde niño de la literatura, del cine y de la música, busca que le "cuenten historias", algo que se ha traducido después en su manera de narrar en la gran pantalla en filmes inolvidables como 'Tiempo de revancha' (1981), 'Un lugar en el mundo' (1992), 'La ley de la frontera' (1995) o 'Martín (Hache)' (1997), con amplio reconocimiento internacional."Si no me estás contando nada, es posible que me levante del cine y me vaya; si es un libro lo cierro y a otra cosa. Es decir, me tiene que atrapar la historia que me están contando", afirma Aristarain, quien resalta que si el director "cree" lo que ve en cámara, eso traspasa la pantalla.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El cineasta se refiere todo el tiempo al cine como "un oficio" y confiesa que no planifica movimientos de cámara, porque estos "están supeditados a lo que hacen los actores"."Nunca obligo al actor a hacer algo determinado", reafirma Aristarain, quien reconoce que eso exige mucho más trabajo al realizador, aunque razona: "No puedes separar el oficio de la imaginación".Pese a sus casi 60 años en la industria del cine, en los que hizo distintas funciones, confiesa que "jamás" dijo: "Yo quiero ser director"."Sentía que estaba aprendiendo un oficio" y que "estaba en casa", explica Aristarain, quien se define como "uno de estos memoristas" que conocía las fichas de los filmes que veía.Y es cierto: durante la charla desgrana títulos de películas y su listado de intérpretes. Pese a admirar a directores como John Ford o Howard Hawks y haber trabajado con otros como el español Mario Camus, con quien fraguó una gran amistad, no siente "envidia" de nadie, sí "el asombro y la admiración por las películas que están muy bien hechas".Sin duda, la palabra que mejor define su manera de hacer cine es la "honestidad", de manera que "si no hay trampa en lo que pasa, las películas funcionan en cualquier lado". Esa es la receta para que haya triunfado su cine, ese lugar en el mundo del que "nunca" piensa retirarse.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cineasta, de 66 años, destapó la estrella número 2.788 aupado por cientos de seguidores que se agolparon frente a 'Hollywood Toys & Costumes', una conocida de tienda de artículos de Halloween donde se decidió inmortalizar su nombre."Cuando descubrí que estaría aquí (la estrella) casi me pongo a llorar porque he estado viniendo aquí desde que era un niño pequeño y la tienda no ha cambiado en absoluto", dijo.El cineasta estuvo acompañado por los actores Winona Ryder y Michael Keaton, protagonistas de 'Beetlejuice Beetlejuice', la secuela de la exitosa película 'Beetlejuice' de 1988 que se estrena este viernes y que cuenta además con la participación de Jenna Ortega ('Wednesday') y de su pareja, Monica Bellucci ('Maléna').Tanto Ryder como Keaton, que formaron parte del elenco de la primera entrega de 'Beetlejuice', celebraron la creatividad, la originalidad y la contribución de su "gran amigo" al cine."Tim tiene una comprensión tan hermosa y única del corazón humano.Conoce el dolor de los incomprendidos, los raros e inusuales.No solo los entiende, los celebra. Ya sean marginados, bichos raros, aterradores o divertidos, les da profundidad, humor y siempre cierta caballerosidad, y les da su dignidad", dijo Ryder en un discurso como invitada de honor de la ceremonia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Un legado de películaBurton (1958) creció en Burbank, en el condado de Los Ángeles, y asistió al Instituto de las Artes de California (CalArts), donde estudió animación de personajes y creó sus primeros cortometrajes.Mientras trabajaba en Disney en 1982, dirigió su primer cortometraje, 'Vincent', una película en blanco y negro de 6 minutos que narra la historia de un niño introvertido de 7 años llamado Vincent Malloy, que sueña con ser igual que su ídolo, el actor estadounidense Vincent Price. Bajo su estilo tan distintivo y su temática oscura-gótica, acuñada como "burtoniana", sus obras abarcan numerosos títulos, como 'Corpse Bride' ('La novia cadáver'), 'Batman', 'Edward Scissorhands' ('Eduardo Manostijeras') o 'Planet of the Apes ('El planeta de los simios').Con 'Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street' (Sweeny Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet'), ganó en 2007 el Globo de Oro a la Mejor Película (Musical o Comedia).Cintas como 'Ed Wood' (1994), 'Sleepy Hollow' ('La leyenda del jinete sin cabeza', 1999), 'Big Fish' ('El gran pez', 2003) o 'Alice in Wonderland' ('Alicia en el país de las maravillas', 2010) han obtenido numerosos galardones de la Academia, premios BAFTA y nominaciones y premios Globos de Oro, consolidando su estatus como uno de los mejores cineastas de todos los tiempos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
‘Ro ro’, ‘monchito’ o ‘Ron Damón’, eran algunos de los sobrenombres con los que personajes como Doña Cleotilde o El chavo llamaban a Don Ramón, uno de los personajes cómicos más queridos del programa El chavo del 8 y de la televisión mexicana, que por generaciones ha acompañado a los latinoamericanos.Detrás de las rabias, los coscorrones y los problemas de dinero de Don Ramón estaba Ramón Esteban Gómez Valdés y Castillo, conocido por el mundo como Ramón Valdés y apodado ‘moncho’ por su familia, en la que de un total de diez hermanos, cuatro de ellos se convirtieron en artistas destacados del cine mexicano. Nació el 2 de septiembre de 1924 en Ciudad de México, aunque desde niño, su familia se mudó a Ciudad Juárez, el lugar que lo acogió y lo vio brillar.El mayor de los Valdés, Germán, recordado como ‘Tin Tan’ es uno de los referentes de la época de oro del cine mexicano y el encargado de llevar a sus hermanos a la pantalla, a Manuel, ‘el loco Valdés’; Antonio, ‘el ratón Valdés’ y Ramón, ‘monchito’, todos artistas, todos cómicos.A Ramón, de oficios y trabajos varios, tantos como los que tuvo su personaje de la vecindad, fue Tin Tan quién lo acercó a las películas para solventar su situación económica, precaria por ese entonces. Participó en numerosas producciones durante los años cincuenta y sesenta, más de cincuenta películas, en la mayoría con roles secundarios donde Tin Tan era protagonista; El revoltoso (1951), El rey del barrio (1950), El capitán Mantarraya (1969) y ¡Ay amor... cómo me has puesto! (1951), por mencionar algunas.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Ramón se hizo un nombre en la industria del cine de su país, independiente de su hermano Germán, participando así en otras producciones de comedia junto a Mario Moreno, ‘Cantinflas’, como Entrega inmediata (1963), El señor doctor (1965) y El profe (1971). También participó en películas protagonizadas por el cantante de la época Pedro Infante, entre ellas, La vida no vale nada (1955), El inocente (1956) y Escuela de vagabundos (1955).Pero ninguna de estas películas marcó tanto la carrera de Valdés como el drama cómico El cuerpazo del delito (1970), pues fue allí donde se acercó a Roberto Gómez Bolaños, ‘Chespirito’, quien años más tarde lo llamaría para formar parte de El chavo del 8, y otros éxitos como Chespirito, El chapulín colorado y El chanfle.Desde entonces, la cercanía y amistad entre los dos creció. Chespirito, pese a ser un productor, actor y guionista de programas de comedia, era conocido por ser de risa difícil e incluso en repetidas ocasiones confesó que era Ramón quien lograba hacerlo reír.Así, con esta relación que solo se hacía más fuerte, el protagonista de El Chanfle lo convocó para hacer parte de la génesis de la vecindad, la serie Los supergenios de la mesa cuadrada, que había tenido sus primeros pinos en 1968 en un programa de fines de semana, donde Bolaños interpretaba al Doctor Chapatín; Ramón, al Ingeniebrio Ramón Valdés; María Antonieta de las Nieves, a Mococha Pechocha y Rubén Aguirre como el profesor Rubén Aguirre y Jirafales.Después de la emisión de este programa, entre 1970 y 1973, llegó ese mismo año El Chavo del 8, la cúspide de la carrera de Ramón en la televisión, dándole vida a un personaje que se parecía tanto a él, que Chespirito no escribía demasiadas líneas para ese personaje, la dirección era “ser él mismo”.Durante una década hizo parte del proyecto de Bolaños, fue el padre de la Chilindrina, el amor eterno de la bruja del 71, el deudor, también eterno, de la renta que le cobraba el señor Barriga, el doliente de los golpes de doña Florinda y siempre hincha del Necaxa. También es recordado por ser Súper Sam, el rival del Chapulín Colorado.En los ochenta, Valdés dejó el programa y a Chespirito, tomaron distancia, pero el respeto permaneció intacto, así como los derechos de Ramón sobre su personaje. Volvió momentáneamente para grabar algunos capítulos, pero finalmente se marchó e incursionó en un breve serie cómica, ¡Ah qué Kiko!, protagonizada por Carlos Villagrán.Don Ramón era un fumador empedernido, Ramón también y en la línea difusa entre la ficción y la realidad, su hábito lo llevó a padecer cáncer de estómago, la causa de su muerte el 9 de agosto de 1988, con un su último “hasta lueguito, dijo Monchito”.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Si tuviera que comenzar hoy en el cine diría que lo mejor es ni siquiera tomar una cámara, sino papel y lápiz para escribir ideas, pensamientos, pequeñas narraciones. Creo que hay que evadirse, huir del exceso de información, acudir a algún lugar tranquilo en el campo, trabajar en un buque mercante, permitir que la imaginación se desarrolle y no se vea saturada de información", aconsejo el realizador australiano en una rueda de prensa previa al galardón.La Mostra veneciana le ha distinguido con su León de Oro de honor por considerarle "uno de los grandes directores del cine moderno", artífice de cintas inolvidables como 'Gallipoli' (1981), 'The year of living dangerously' (1982) y 'The mosquito coast' (1986)."Celebrando el gusto de la narración y un romanticismo innato, Weir ha logrado reforzar su propio lugar en Hollywood al tiempo que marcaba una distancia neta con el sistema del cine estadounidense", justificó el director del certamen, Alberto Barbera.Ahora Weir, a sus 80 años, recientemente distinguido con el Óscar honorífico, lleva una vida apacible en Sídney, dedicado sobre todo a la lectura de libros históricos y a "pensar en el mundo".Ese es, a su parecer, el mejor modo de ejercitar la creatividad: "Hagan ejercicios con los músculos del cerebro. Somos capaces de cosas extraordinarias con nuestra mente, mucho más de lo que se puede hacer con internet. Tenemos dentro de nosotros un ordenador extraordinario que debe ser ejercitado", aconsejo al público, en el que había numerosos jóvenes cinéfilos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.A él, por ejemplo, visitar Italia y su imponente patrimonio cultural e histórico, o ciudades únicas como Venecia, le "recarga la batería de la creatividad".La Mostra entregó en su primer día otro León de Oro honorífico a la actriz Sigourney Weaver quien, durante la ceremonia, agradeció públicamente a Weir por haberla hecho "enamorarse del cine" con papeles en cintas como 'The year of living dangerously'.Acto seguido, el cineasta pasó por la alfombra roja de la Mostra para asistir a la gala de premios: "Mi vida ha sido rica pero extraña. No importa cuánto domines tu oficio, hay algo que nunca podrás controlar: la inspiración", aseguró ya con el galardón en las manos.Después, los asistentes a la ceremonia pudieron disfrutar de uno de los filmes más aclamados de este realizador, 'Master and Commander: The far side of the world' (2003).🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El deceso se produjo el jueves 30 mientras dormía en su residencia de Versalles, a las afueras de París.Tacchella, nacido en Cherburgo en septiembre de 1925, se mudó a París con 19 años para cumplir su sueño de dedicarse al cine tras haber hecho sus estudios en Marsella.En la capital francesa se relacionó con figuras como André Bazin, Alexandre Astruc, René Clément o Jean Cocteau.Como realizador firmó dos cortos y once largometrajes entre 1970 y el año 2000, de entre los cuales el más destacado es la comedia romántica 'Cousin, cousine', que además de las dos candidaturas al Óscar (mejor película en lengua extranjera y mejor actriz para Marie-Christine Barrault), le valió también una nominación a un globo de oro.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Fue más prolífico como guionista, ya que su nombre apareció en casi una veintena de créditos, incluidos los de 'Cousins' (1989), que fue la versión estadounidense de su película realizada por Joel Schumacher.Tacchella fue nombrado presidente de la Cinemateca francesa en 2001 y se convirtió en presidente de honor de esa misma institución en 2003.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Con los años me había desilusionado con la industria del cine", ha dicho en rueda de prensa acompañado por Michael Keaton y Winona Ryder, que recuperan sus personajes del filme original y las nuevas incorporaciones de Jenna Ortega, Mónica Bellucci, Justin Theroux y Willem Dafoe."Siento que me había perdido un poco y esta película ha sido reenergizante para mi (...), me ha hecho darme cuenta de que la única manera de tener éxito es hacer lo que me gusta", ha asegurado el director de 'Eduard Manostijeras' o 'El extraño mundo de Jack'.Treinta seis años después, el cineasta estadounidense ha regresado a sus 66 años a la casa encantada de Winter River para demostrar que no siempre las secuelas empeoran al original.Burton ubica su nueva comedia plenamente en el mundo de hoy y lanza dardos envueltos de humor contra el abuso de los móviles, las pseudoterapias, las nuevas masculinidades de postín o la superficialidad de algunos discursos supuestamente emocionales.Si tiene un alter ego en el filme sería el personaje de Winona Ryder, Lydia, ha asegurado, convertida tres décadas después en la presentadora de un programa de éxito sobre fantasmas y manipulada por su marido (Theroux), que encarna esos nuevos discursos contra los que se rebela Burton."Me di cuenta de que si iba a hacer algo tenía que ser desde el corazón", ha asegurado. "Pensaba en el personaje de Lydia y a la vez en qué había pasado en mi propia vida y finalmente se trata de una película emocional sobre una extraña familia".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Burton no quería hacer "una gran secuela" sino algo personal y ni siquiera vio la película original para prepararse. "Realmente está hecha con el mismo espíritu que la primera", ha subrayado.El corazón emocional del filme está en la relación de Lydia con su hija adolescente y rebelde, Astrid, papel para el que Burton ha elegido a Jenna Ortega, convertida en ídolo adolescente tras protagonizar su serie para Netflix 'Merlina'.Comparando los dos personajes, Ortega ha dicho que Astrid es similar a Merlina, pero tiene algunas diferencias. "Es más segura de si misma, sabe lo que hace, pero también tiene este enfado y resentimiento hacia el mundo a causa de un trauma".Keaton, que ha bromeado con lo que "ha madurado" su personaje respecto al filme original, ha confesado su entusiasmo por volver a trabajar con Burton. "Hay muy pocas ocasiones de hacer algo que sea cien por cien original y único", dijo.Belluci, actual pareja de Burton, encarna a una "criatura" con aires de mujer fatal que succiona las almas de los hombres y les deja hechos un pellejo. "Amo su dualidad porque es malvada pero también encantadora, es una metáfora de la vida", ha dicho la italiana que la ve también como "una muñeca rota"."Esta es también una película sobre mujeres -agregó Bellucci- hay tres generaciones de mujeres que se aman y se apoyan incluso cuando se pelean entre ellas y esto en un momento importante para las mujeres en la sociedad".Sobre el hecho de trabajar con Burton destacó que "su creatividad inspira a todos" en el set de rodaje y confesó que fue él quien le descubrió las películas de Mario Bava, a quien expresa más de un guiño en el filme.Burton despliega su imaginación visual y sentido del humor en la creación de un Más Allá al que se llega en tren a ritmo de soul aunque no se libra de la burocracia, pero reniega del abuso de efectos especiales y apuesta por el retorno a lo artesanal. "No va ganar un premio a los mejores efectos especiales, eso seguro", dijo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Entre el 6 y el 8 de septiembre llega a Bogotá una nueva edición del MUBI fest Bogotá, un festival de cine independiente que celebra lo mejor del cine mundial con una mezcla de clásicos remasterizados y estrenos.MUBI, como un servicio de streaming, productora y distribuidora de películas, es la encargada de ofrecer este festival con diversidad de proyecciones, charlas con realizadores, cineasta y actores, y espacios musicales.Después de su paso entre julio y agosto por Ciudad de México, Manchester, São Paulo y Chicago, el festival llega a Bogotá con la Cinemateca Distrital como escenario principal y algunas actividades en el Gimnasio Moderno y el Planetario de Bogotá. Posteriormente, este evento visitará Buenos Aires, Santiago de Chile, Estambul y Milán.Este año, la programación incluye la proyección de 16 películas, entre estrenos y clásicos remasterizados. Por ejemplo, en la inauguración, el 6 de septiembre, se proyectará la premier en Latinoamérica de The substance, la película dirigida por Coralie Fargeat, que se estrenó mundialmente en el 77º Festival de Cine de Cannes, donde ganó el premio al Mejor Guion. Protagonizada por Demi Moore, esta cinta llegará a los cines del país el 26 de septiembre.Entre los clásicos remasterizados en 4K que los espectadores podrán ver se encuentran Oldboy, del director surcoreano Chan-Wook Park; El Sacrificio, la obra maestra final de Andréi Tarkovsky; y París, Texas, del director alemán Wim Wenders, que celebra su 40º aniversario.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Dentro de los focos temáticos, destaca también la inclusión de tres títulos colombianos, el documental Amor, Mujeres y Flores, de Marta Rodríguez y Jorge Silva, un documental que expone las duras condiciones laborales de las mujeres en las plantaciones de flores en Colombia, esta proyección contará con Q&A con su directora.Pura Sangre, el clásico de terror de 1982 del director Luis Ospina, se presentará en sinergia con la exposición sobre el Grupo de Cali, en la Cinemateca de Bogotá. Voix Tonnerre, del artista Colombo-Francés NIETO protagonizado por Denis Lavant y con música de Marco Suárez-Cifuentes, también será presentada en una alianza con el festival No Convencional y Novavetera, en el impresionante domo del Planetario de Bogotá.Además de las películas, también tendrán lugar actividades adicionales del festival que incluyen una proyección al aire libre, una función especial en el Domo del Planetario, charlas abiertas al público con talentos de la industria como Laura Mora, Jorge Navas, Alejandra Rocas y Maximiliano Cruz.Los suscriptores de la plataforma tendrán acceso a una preventa especial de boletos a partir del 27 de agosto, mientras que la venta de boletería abierta al público será desde el 29 de agosto, ambos a través de Tu Boleta.Esta es la programación del MUBI fest Bogotá 2024:Viernes, 6 de septiembre6:00 p. m. - ‘The substance’ - Cinemateca de Bogotá (Sala Capital)10:00 p. m. - Fiesta MUBI - Latora (Avenida Caracas # 60-45)Sábado, 7 de septiembreCinemateca de Bogotá2:00 p. m. - Selección musical por Rumberto en Calle Museo2:30 p. m. - ‘Evil does not exist’ (Sala Capital)4:30 p. m. - ‘Amor, mujeres y flores’ + Q&A con Marta Rodríguez (Sala 2)5:00 p. m. - ‘Paris, Texas’ 4K (Sala Capital)5:00 p. m. - Charla: Culto y horror: divergencias del género (Labs) *entrada gratuita7:00 p. m. - ‘Pura sangre’ (Sala 2)8:00 p. m. - ‘Oldboy’ 4K (Sala Capital)Planetario de Bogotá4:00 p. m. - ‘Voix tonnerre’ (Domo)Domingo, 8 de septiembreCinemateca de Bogotá2:00 p. m. - Selección musical por María Cecilia Sánchez en Calle Museo2:00 p. m. - ‘La chica de la fábrica de fósforos’ (Sala 3)3:00 p. m. - ‘Ariel’ (Sala Capital)3:30 p. m. - Charla: Aki Kaurismäki: el proletariado en tres actos (Labs) *entrada gratuita4:00 p. m. - ‘El sacrificio’ (Sala 2)4:00 p. m. - ‘La práctica’ (Sala 3)5:00 p. m. - ‘Motel Destino’ (Sala Capital)6:30 p. m. - ‘Casa Rocheli’ (Sala 3)7:00 p. m. - ‘Control’ (Sala 2)7:00 p. m. - ‘Le havre’ (Sala Capital)Gimnasio Moderno2:00 p. m. - Selección musical por Santiago Rivas4:00 p. m. - Fotos con Paula Thomas4:30 p. m. - Impresión de afiches en vivo con UNO ESTUDIO5:00 p. m. - ‘Perfect days’ *entrada gratuita🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En 1979 llegaron los xenomorfos por primera vez al cine en Alien: el octavo pasajero, dirigida por el británico Ridley Scott. Esta historia interplanetaria, de futuros distópicos y seres insospechados se sumó al auge de la ciencia ficción de finales de los años sesenta y la década de los setenta en el que vieron la luz sagas que en la actualidad siguen vigentes, con nuevas películas, series y libros.Por ejemplo, en los años previos a Alien se publicó la trilogía original de los libros de Dune, de Frank Herbert; entre 1968 y 1973 se estrenaron las cinco primeras películas de El Planeta de los Simios; años más tarde, en 1977 fue estrenado el Episodio IV: una nueva esperanza, de Star Wars y en el mismo año de estreno de Alien, llegó Mad Max.Con este contexto llegamos a Alien, una historia de terror y ciencia ficción, que a través de sus nueve entregas se ha decantado por el terror, en principio, y hacia la ficción en las películas de este siglo.Lo que inició como una novedad por sus efectos especiales y por el descubrimiento de una raza alienígena hostil, ha ido mutando con los años a una pregunta por nuestro origen, por la humanidad y las características que nos hacen únicos como especie.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Esas son las dos grandes temáticas que aborda la historia. Por un lado, nos encontramos con los xenomorfos, seres aterradores, violentos, con un cráneo alargado y con ácido en vez de sangre; y junto a los humanos, los androides o seres sintéticos, con similitudes y dilemas que llegan a intimidar tanto o más que los aliens.De las nueve películas en las que los xenomorfos son protagonistas, nuestra lista va estar compuesta por las siete que hacen parte de la franquicia original. Las dos películas adicionales son Alien vs. Depredador 1 y 2, estrenadas en 2004 y 2007 respectivamente. Las historias que allí cuentan están temporalmente ubicadas en el presente distan del panorama que plantean las películas que sí son consideradas canon en la saga.Actualmente todas las películas de la saga Alien están disponibles en la plataforma Disney+. Para verlas, no en orden de estreno, sino siguiendo la línea cronológica debe seguir esta lista.“Prometeo” (2012)Esta película marcó el regreso de Ridley Scott (Gladiador, Napoleón) a la dirección de esta franquicia, después de dirigir Alien: el octavo pasajero. Situados en el 2093, conocemos a Peter Weyland, el inventor de los androides, quien a su vez pretende encontrar a los creadores de la raza humana. En su búsqueda se encuentra con rastros con uno de ellos, ya agonizante, y con el virus con el que pretendían destruir su propia a las personas.La cinta está protagonizada por Noomi Rapace, Charlize Theron, Guy Pearce, Idris Elba y, como David, el sintético que se cuestiona la fragilidad de los seres humanos y desarrolla emociones, a Michael Fassbender.“Alien: Covenant” (2017)En el 2104 los tripulantes de la nave Covenant, en busca de un lugar habitable, descubren un planeta que aparenta tener las condiciones perfectas para recibir a los humanos. Sin embargo, se encuentran con que en realidad fueron atraídos a una trampa ideada por David (Michael Fassbender), quien ahora habita el planeta y experimenta con variantes de los xenomorfos.Al igual que Prometeo, también está dirigida por Scott y profundiza en el ser humano, su capacidad de crear y de sentir. El desarrollo de los personajes y las decisiones que toman en el desarrollo de la película son cuestionables, pero por el contrario, los efectos especiales y los dilemas que presenta son los puntos fuertes de la historia.“Alien: El octavo pasajero” (1979)Protagonizada por Sigourney Weaver como Ellen Ripley, esta es la primera película de la saga, ganadora del premio Óscar a Mejores efectos visuales. Situados ahora en el 2122, los tripulantes de la nave Nostromo desvían su ruta para atender una señal de auxilio de un planeta cercano, guiado por el sintético que los acompaña, Ash (Ian Holm). Al llegar descubren que era una alerta de precaución frente a los seres que habitan el lugar, pero Ash pretendía capturar a un alien y prescindir de los viajeros humanos.“Alien: Romulus” (2024)La más reciente película de la franquicia, actualmente en salas de cine, retoma los tintes de terror que caracterizan a las entregas originales. Dirigida esta vez por el uruguayo Fede Álvarez, (Posesión infernal y No respires) y producida por Scott cuenta la travesía de un grupo de jóvenes que buscan salir del planeta minero en el que se ven obligados a trabajar, el año es 2142. De nuevo, la presencia de los sintéticos pone en tela de juicio que la capacidad de tener emociones sea exclusiva de los seres vivos, además, cuenta con una recreación digital de uno de los actores de la primera película.“Aliens” (1986)Dirigida por James Cameron, esta secuela pone a Ripley en el año 2179, quien 57 años después de los eventos ocurridos en la Nostromo, regresa a la Tierra después de estar a la deriva en el espacio en un hipersueño. Todavía guardando el terror de su predecesora, la película lleva a la protagonista, nominada al Óscar por este papel, a enfrentarse a la reina de los xenomorfos en el planeta LV-426.“Alien 3” (1992)David Fincher es el director que culmina la trilogía inicial, en la que Ripley se ve obligada a convivir con algunos de los personajes más violentos en un planeta que hace las veces de prisión de máxima seguridad. Allí se enfrenta en su última batalla con los xenomorfos.“Alien: la resurrección” (1997)En el año 2379, cuando pensábamos que ya no había manera de traer a la saga a Ripley, un equipo de genetistas resucita a la oficial cruzando su ADN con el de un alien. En esta versión, la nueva Ripley lucha por rescatar su parte más humana, y conoce a Call, una joven interpretada por Winona Ryder, que en realidad es un androide. La película, dirigida por el francés Jean-Pierre Jeunet (Amelie) marca el final de la cronología de Alien.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La historia de Minalima, como la de Harry Potter, también comenzó con una carta. En 2001, el joven brasileño Eduardo Lima se trasladó a vivir al Reino Unido y, animado por una amiga común, escribió a Miraphora Mina con el objetivo de "saber más sobre la industria del cine en Londres" y tomarse un café que, finalmente, acabó en una relación "mágica, creativa y natural" de más de dos décadas y se consagró con su estudio en la capital británica.Al conocerse, los 'Minalima' -que proviene de la unión de sus dos apellidos- sintieron una "chispa" profesional instantánea y Miraphora invitó a Eduardo a trabajar con ella en el diseño gráfico de la película de 'Harry Potter y la Cámara Secreta', convirtiéndose así en los "padres" de miles de pequeños objetos que han conseguido trascender la pantalla y convertirse en auténticos tesoros para los seguidores de la saga.Mientras que Lima destacaba por su buen ojo con los colores y el pensamiento visual, Mina aportaba su experiencia con el trabajo manual, aportándose mutuamente, pero si hay una seña de identidad presente en todo el imaginario visual del mundo de 'Harry Potter' y todos los proyectos posteriores de Minalima es, sin duda, su obsesión por el detalle."Cada detalle tiene mucha información en él, incluso cosas que pueden parecer absurdas, pero es la suma de todas esas partes la que te hace sentir que es un mundo real y auténtico. Ningún detalle sobra. Y esa es nuestra metodología para todo", comenta Mina, que trata de encontrar siempre la tipografía y técnica de impresión adecuada para cada trabajo.En lo referente a la saga de 'Harry Potter', cuentan que fue la propia Mina la que escribió a mano la célebre carta de Hogwarts que tantos esperan recibir algún día; mientras que la propaganda rusa de los años 20 inspiró el diseño del diario mágico 'Daily Prophet' y los "diseños incongruentes" de los años 70 sirvieron como base para crear el empaquetado zafio de la tienda de los Weasley, uno de los proyectos más difíciles a los que se enfrentaron, confiesan.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Nunca debes diseñar basándote en si es bonito, sino preguntándote el porqué", dice Mina, que explica que, en las películas, cada objeto encierra el trabajo colaborativo de numerosos equipos y nada está hecho al azar, pues los materiales, las texturas o los colores son "piezas de información" que permiten informar y generar respuestas emocionales en la audiencia.Por ese motivo, los Minalima se sienten agradecidos por haber tenido "toda la libertad" -dentro de los márgenes del cine- para dar vida a objetos como el favorito de ambos, el Mapa del Merodeador, aunque también confiesan haber tenido momentos de crisis con algunos "fallos ortográficos" que, fruto del frenético ritmo de trabajo, acabaron saliendo en las películas y que retan a los espectadores a encontrar.Tras más de dos décadas de labor conjunta la complicidad entre ambos es evidente y Eduardo dice sentirse como si le hubiese "tocado la lotería dos veces" por poder trabajar con Miraphora y haber creado con ella el imaginario de 'Harry Potter', pero el reto de los Minalima ahora es conseguir quitarse esa etiqueta y empoderar su propia marca personal explorando nuevos horizontes y plataformas.Lo que comenzó con ellos dos solos, ahora se ha materializado en 'House of Minalima', una tienda-estudio en el barrio londinense de Soho en el que emplean a más de 60 personas y donde la dupla creativa se siente como si fuesen todavía "niños jugando" y expone gran parte de sus trabajos."Al crecer tanto el negocio, nosotros tenemos menos posibilidad de estar involucrados. Podemos estar en el inicio de los procesos, pero no seguirlos de la A a la Z como en los inicios", dice Miraphora sobre los proyectos en los que se encuentran inmersos desde su estudio, a lo que Eduardo añade que es maravilloso ver cómo, especialmente los más jóvenes de su equipo, crean, aprenden y les enseñan a diario.La próxima aspiración de Minalima es crear "pequeñas embajadas" de la tienda londinense en diferentes partes del mundo y seguir trabajando en proyectos tan ambiciosos como la zona temática de 'Harry Potter' que abrirá en 2025 en el parque temático 'Universal Epic Universe' en Orlando (EE.UU.), que les ha llevado 4 años de trabajo y que, según adelantan, "es maravillosa y está llevada a otro nivel".Aunque, sobre todo, después de ayudar a otros a contar sus historias, Minalima quiere empezar a contar las suyas propias desde cero y, tras ilustrar los tres primeros libros de 'Harry Potter' y una serie de clásicos literarios, tienen claro que quieren hacerlo en papel, porque las joyas de estos orfebres del diseño son para tocarlas, sentirlas y olerlas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El largometraje, que fue dirigido por Óscar y Tito Catacora, fue seleccionado por un comité conformado por especialistas del sector cinematográfico nacional, propuestos por los gremios cinematográficos e instituciones educativas.En el caso de los premios Óscar, que otorga la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos, la cinta peruana buscará alcanzar una nominación en la categoría de Mejor Largometraje Internacional.En ese sentido, el Ministerio de Cultura informó que la lista corta de películas en carrera por estos premios será anunciada el 17 de diciembre próximo.El largometraje peruano, que se estrenó en los cines nacionales, a nivel comercial, el 4 de abril de 2024 y se mantuvo seis semanas en cartelera, también competirá por ser uno de las nominados en la categoría de Mejor Película Iberoamericana de los Goya, una lista que se conocerá también en diciembre próximo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Ministerio de Cultura explicó que solo actúa como facilitador del proceso de selección de la cinta que representa al país, pero no cuenta con integrantes en el comité, por lo que no tiene voto en el proceso de selección.En el caso de Yana-Wara, el ministerio recordó que recibió uno de los premios de los Estímulos Económicos que otorga el Concurso nacional de proyectos de largometrajes de ficción en lenguas originarias de 2018. De forma adicional, recibió estímulos económicos para su distribución en 2023.Yana Wara, fue el segundo largometraje del director peruano Oscar Catacora, quien falleció mientras lo rodaba en una localidad remota de la región sureña de Puno, por lo que esta fue concluido por su tío Tito Catacora.Narra la historia trágica de una niña de 13 años que enfrenta la adversidad y la violencia de género en los Andes, en una aproximación a este mundo que rompe la barrera ente el mito y la realidad, muestra la distancia cultural y la falta de acceso para entender cómo se percibe la realidad en las comunidades más alejadas del territorio peruano.En mayo pasado, Tito Catacora declaró que "en este país llamado Perú existen varias naciones" y que la obra busca mostrar "que el ser humano es cada vez más egocéntrico y piensa que la naturaleza está para dominarla y explotarla".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
The Last of the Sea Women (Las últimas mujeres del mar) cuenta la historia de la comunidad matriarcal haenyeo, cuyos miembros se sostienen económicamente pescando en la isla surcoreana de Jeju, utilizando únicamente trajes de buzo, máscaras, aletas, cestas y anzuelos.La comunidad, declarada patrimonio cultural inmaterial de la Unesco en 2016, existe desde hace siglos, pero está en peligro, ya que muchas de las mujeres tienen ahora 60, 70 o incluso 80 años."Buscaba historias de mujeres... Quería historias de su resiliencia. Y cuando oí hablar de este proyecto a (la directora) Sue, pensé: 'Esto es exactamente lo que estoy buscando'", dijo Yousafzai en una entrevista junto a la directora coreano-estadounidense Sue Kim."Cuando veo las historias de las haenyeo, me inspiran sobre las posibilidades y las capacidades que las mujeres tienen en sus cuerpos, en sus mentes", agregó la activista de 27 años, que es una de las productoras de la película.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Mujeres impresionantesEn los años sesenta, 30.000 mujeres haenyeo extraían del mar desde caracoles hasta pulpos para mantener a sus familias. Hoy, ese número se ha reducido a 4.000.La película muestra a las mujeres hablando sobre su difícil trabajo, que implica aguantar la respiración bajo el agua hasta dos minutos, e incluye bellas imágenes submarinas de ellas en plena labor.Además explora cómo intentan revivir su cultura mediante la formación y la promoción de su trabajo en redes sociales, y cómo trabajan juntas para evitar la sobrepesca."Las conocí cuando era una niña y me impresionaron mucho, porque son muy seguras de sí mismas y audaces", explicó Kim, que debuta en la dirección de largometrajes."Son impresionantes. Son físicamente ágiles, hábiles y fuertes, y defienden el medio ambiente y se preocupan por la próxima generación", añadió.Cuando era adolescente, Yousafzai sobrevivió en 2012 a un intento de asesinato por parte de los talibanes por su campaña a favor de los derechos educativos de las niñas. En 2014, a los 17 años, fue galardonada con el Premio Nobel de la Paz.La activista firmó un acuerdo con Apple TV+ en 2021 para promover contenidos centrados en mujeres y niñas y ha creado su propia productora."Contar historias ha formado parte de mi activismo, y creo que necesitamos crear plataformas y oportunidades para que las niñas y las mujeres reflexionen sobre el mundo tal y como lo ven", dijo Yousafzai.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En Colombia, como en el mundo, los nombres de grandes ciudades y pueblos están acompañados por un sobrenombre que les otorga cierta mística, las describe y nutre el sentido de pertenencia de sus habitantes. Varios de ellos aluden a la infraestructura o el clima del lugar, tenemos “la ciudad de la eterna primavera”, “la Atenas Sudamericana”, “la ciudad de los parques” y hasta “la sucursal del cielo”, por mencionar algunas, pero hay una que ha hecho del arte su sinónimo, Ibagué, “la capital musical de Colombia”.Con fiestas y eventos culturales, Ibagué celebra un legado musical que día a día reivindica los ritmos tradicionales del país y en especial de la cordillera central, este año, por ejemplo, celebró la edición 38° del Festival Nacional de la Música Colombiana y la número 50° del Festival Folclórico Colombiano. Y se sumó la quinta edición del Ibagué Festival, llevado a cabo entre el 5 y el 8 de septiembre, con alrededor de seis mil asistentes a los conciertos, talleres y actividades que celebraron a los artistas nacidos en esta región.“Se trata de resignificar y llenar de contenido actual la vida musical de la ciudad y del departamento. Es necesario implementar una política musical integral que fortalezca y estimule los procesos musicales de lo urbano y lo rural, de lo popular y lo académico, de lo tradicional y lo contemporáneo, de la industria y el mercado musical, así como de la formación, la investigación y la circulación, para consolidar y proyectar con claridad y fuerza hacia el mundo, la voz propia de la región y su singularidad sonora”, aseguró Alejandro Mantilla, director artístico del festival.Los cuatro días del Ibagué festival tuvieron como punto central el llamado a los músicos oriundos de esta tierra, a aquellos que llevan su talento por el mundo, por el país y a quienes hacen parte del talento local haciéndole honor al título que ostenta la ciudad.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Uno de los artistas más destacados de la ciudad, reconocido por sus baladas de amor es el cantautor Santiago Cruz, encargado del concierto de apertura, que junto a la Orquesta sinfónica juvenil del Conservatorio de Ibagué y la Orquesta sinfónica del Conservatorio del Tolima, hicieron del Museo Panóptico de la ciudad un escenario para hablar de gratitud y reconciliación.“Es un sueño cumplido venir a tocar a mi ciudad con músicos del Conservatorio del Tolima, del Colegio Amina Melendro (Conservatorio de Ibagué), con profesores, en un lugar que es uno de los símbolos más hermosos y potentes de la transformación que tanto necesita este país, este panóptico que es motivo de orgullo para nosotros”, dijo Cruz antes de tocar frente a sus paisanos.En medio de las multitudes, tanto que quienes no lograron entrar al evento por un breve momento apelaron a los gritos y la fuerza, el artista dio un concierto sinfónico bajo la batuta del director Germán Gutiérrez, en el que no solo interpretó sus canciones más conocidas como Cuando regreses y Baja la guardia. También hubo un espacio para interpretar Te doy las gracias, que en esa ocasión dedicó a su tierra, e Hijos del calvario, dedicada a las víctimas del conflicto armado y que en 2022 Cruz, junto a la Comisión de la Verdad presentó en su ciudad antes víctimas del conflicto armado de la región.Tras la apertura, las jornadas del festival transcurrieron en medio de músicos de la diáspora que armonizaban la ciudad con un formato de música en las calles donde se presentaron artistas como Afro Fresh, Juliana Valdiri, Phonoclórica, el Cuarteto León Cardona y Tres Palos Ensamble.En simultáneo, músicos locales y de todo el país que visitaron la ciudad, asistieron a clases magistrales, talleres y conversatorios con artistas locales e invitados internacionales. El violinista Samuel Jiménez, por ejemplo, impartió una clase de técnicas y herramientas del violín y desde Francia, el Cuarteto Hermés brindó un taller a maestros sobre música de cámara.También, los escenarios musicales, la geografía de la ciudad y las vías de acceso fueron uno de los temas principales en un conversatorio dedicado a la diáspora musical del Tolima, en el que participaron Santiago Cruz, Jona Camacho, Ana Ospina, Germán Gutierréz, Samuel Jiménez y Juan Felipe Loaiza, todos músicos que han llevado su talento a otras ciudades del mundo.El festival tuvo como escenarios principales el panóptico, el Conservatorio del Tolima y el Teatro Tolima, lo que trae a colación la conservación y mantenimiento de los escenarios dispuestos para acoger las presentaciones musicales.La Concha Acústica dedicada al dueto de los maestros Darío Garzón y Eduardo Collazos, durante los últimos años ha sido la gran ausente de este tipo de eventos debido al deterioro y abandono en el que se encuentra. Sin embargo, se espera que la para la próxima edición del Festival Folclórico Colombiano esté en condiciones de recibir alrededor de cinco mil espectadores, según lo anunciado por la alcaldesa Johana Aranda el pasado 2 de julio en rueda de prensa.El jazz y la diversidad artística en IbaguéA los pasillos, bambucos y torbellinos que con su ritmo sacudieron los ocobos de flores rosadas y lilas se sumaron otros géneros que invitaron a públicos diversos a disfrutar de la música. Pasando por música clásica, rap, dancehall y un espacio especial para el jazz, el festival ofreció música para todos los gustos.“Uno de los rasgos diferenciales del Ibagué Festival es su apuesta por el encuentro entre las músicas y las demás expresiones artísticas. Es un diálogo intertextual entre lenguajes que articulan con autonomía sus estéticas, sus técnicas y sus formas expresivas”, aseguró Mantilla.Los hermanos Pimienta ambientaron el panóptico con La Etnnia que llenó el escenario de energía urbana y rap que, junto a las presentaciones de artistas locales como Afro Fresh y Phonoclórica, llevaron los ritmos locales a otros géneros y regiones.Por otro lado, el jazz estuvo presente a lo largo de los cuatro días, con la presentación del libro Kind of Blue, del periodista y melómano Juan Carlos Garay, y con la participación especial de la banda originaria de Nueva Orleans, Luisiana, los New Orleans Jazz Vipers. Con el ritmo de canciones de Fats Waller, Con Conrad, Duke Ellington, entre otros músicos aclamados en el jazz, acompañaron el inicio y el cierre del festival, además de liderar dos de los talleres para músicos en el Conservatorio del Tolima.César Augusto Zambrano, el maestro homenajeado en su natal IbaguéTras una presentación magistral del Cuarteto Hermès, visitantes desde Francia, el sábado fue, sin duda, el día más emotivo del evento, en el que se rindió homenaje al maestro César Augusto Zambrano, por parte de la Fundación Salvi, principal organizadora del festival.Al maestro, músicos, amigos y organizadores le agradecieron su compromiso indeclinable con el desarrollo cultural y educativo de su región. Pues, por destacar algunos hitos, Zambrano es el fundador del Concurso Internacional de Violín Frank Preuss, de la orquesta sinfónica, el coro y el doble cuarteto de la Universidad del Tolima, del coro de cámara de la ciudad de Ibagué, del sistema coral infantil y la dirección musical de la Fundación Musical de Colombia.Además, el homenaje contó con un concierto de sus obras en el que se destacó la presentación de la rapsodia Señora del paisaje, un homenaje a Leonorcita Buenaventura, conocida como la “novia de Ibagué”, artista amante de su ciudad a la que le dedicó su obra.“Esto es soñar con los ojos abiertos, nunca hice música para esperar estos reconocimientos tan calurosos y sinceros. Ha sido un camino de dedicar una vida a servir, a acercarse a la gente y siempre trabajar para que todo lo que sea importante para la música también sea importante para toda la gente”, agradeció Zambrano.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde el 25 de julio se está llevando a cabo la celebración de los 500 años de la fundación de la ciudad de Santa Marta, algunos sectores de la ciudad no estuvieron de acuerdo con las declaraciones del ministro de las Culturas, las Artes y los Saberes, Juan David Correa, quien habló acerca de conquista y esclavitud."Para nosotros, por Santa Marta no entró la civilización, ni la religión fue un bien para el país, ni el idioma castellano fue un bien para el país", afirmó el ministro, quien agregó: "Para nosotros, lo que va a ocurrir no es una celebración (...) Hubo un enfrentamiento y una colonización, y eso nos hace pensar en las personas que estaban en el territorio antes de que esas otras llegaran".El alcalde de Santa Marta, Carlos Pinedo Cuello, contestó a sus palabras por la red social X, donde mencionó: “desde Santa Marta rechazamos con firmeza las desafortunadas declaraciones del Ministro de Cultura, Juan David Correa, quien ha mostrado una grave falta de respeto hacia nuestra ciudad, su historia y su gente. La celebración de los 500 años de Santa Marta no es solo un evento local; es un hito de importancia nacional e internacional. Menospreciar los aspectos históricos de nuestra fundación es una ofensa no solo para los samarios, sino para todos los colombianos”.La Academia de Historia del Magdalena también se pronunció al respecto: "esta Academia celebrará la hispanidad y seguirá destacando de la ciudad su historia, su papel importante como puerto principal para la exploración y conquista de los territorios internos y lo que históricamente representó para el Reino de España".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En el 2020 se instauró la ley 2058 en la que se decreta a la Nación como partícipe de la celebración del Quinto Centenario de Fundación de la Ciudad de Santa Marta, “ La Nación hace un reconocimiento al Distrito Turístico e Histórico de Santa Marta, declarado patrimonio cultural de la Nación por ser la ciudad sobreviviente más antigua fundada por España en América del Sur y en razón a su riqueza biogeográfica y ecológica, a su diversidad cultural con presencia de los pueblos indígenas Kogui, Arhuaca, Arzaria, Chimila y Wayúu y de población afrocolombiana”, se lee en esta ley.Correa hizo alusión a esta ley y presentó una nueva carta en la que vuelve a mencionar la colonización y la participación de las comunidades en el quinto centenario: “entre otras cosas esa comisión no ha vuelto a sesionar porque uno de sus artículos fue demandado ante la Corte Constitucional (Sentencia C- 189 de 2022) por las comunidades negras, afrodescendientes, raizales y palenqueros por considerar que se había vulnerado sus derechos de participación. La corte tuteló sus derechos y determinó que ellos también integrarían la comisión, la cual se hizo extensiva a los pueblos indígenas, reconociendo de esta manera el lugar fundamental en esta historia.En esta carta el ministro resalta que no debe ser una celebración sino una conmemoración sin dejar de revisar el pasado y el comienzo de la fundación de la ciudad: “pensar en una conmemoración, 500 años después, es entonces un gesto de reconocimiento hacia pueblos indígenas y afrodescendientes que no sólo resistieron largos siglos de colonización, sino que también durante gran parte de la República han hecho esfuerzos para no ser condenados a habitar en los terrenos de la otredad”.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"No hay una estrategia, yo le llamo (a la política lingüista del Gobierno) un proceso confeti: hago aquí un concurso de poesía en náhuatl, aquí publico una novela en zapoteco (...) Pero no hay una estrategia integral", explica Aguilar, quien se muestra crítica con las políticas de protección de las lenguas indígenas por parte del presidente saliente, Andrés Manuel López Obrador (2018-2024).Para la lingüista es significativo que el Instituto Nacional de Lenguas Indígenas "cuente con tres veces menos presupuesto que lo que contó en 2021 la oficina para promover el béisbol", lo que en su opinión deja a las claras la falta de voluntad política al respecto.En el gabinete que ha anunciado la presidenta electa, Claudia Sheinbaum, quien asumirá el próximo 1 de octubre, Aguilar sí ve algunos signos más positivos de cara al próximo sexenio. "Ahora con Claudia hay personas cerca que, creo, podrían influir para hacer una política lingüística necesaria", afirma la escritora.La pérdida de lenguas originarias en MéxicoSegún explica Aguilar, actualmente en México existen 68 lenguas distintas, que a su vez se subdividen en matices regionales creando hasta 365 sistemas lingüísticos diferentes, lo que muestra la riqueza lingüística del país, que no obstante se ha visto enormemente deteriorada, especialmente tras la independencia mexicana de España en 1821."Se calcula que para 1820 aproximadamente entre el 65 % y el 70 % de la población hablaba una lengua indígena y en la actualidad es el 6,1 %", asegura la escritora.Aguilar achaca esta enorme reducción a la construcción nacional de México, ya que parte del proceso de creación del Estado-nación es la disolución de las diferencias identitarias, principalmente las lenguas."En el caso de México la idea fue imponer la lengua de una minoría criolla que era la que hablaba castellano, como única lengua (...) básicamente para construir la idea de una identidad mestiza era importante que dejaran esas identidades y esas pertenencias a pueblos y naciones que no eran del Estado mexicano", explica.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La propia Yásnaya, cuyo idioma natal es el mixe (lengua originaria del occidental estado mexicano de Oaxaca), ha experimentado en primera persona la pérdida paulatina de su lengua."Siempre digo que es muy triste ver en primera fila cómo va muriendo tu lengua", expresa la escritora, al asegurar que el proceso de deterioro de estas lenguas es más notorio entre la población joven."Si ves la tasa de transmisión, claramente ves que la población infantil ya no está jugando entre ella en mixe", señala la lingüista, que ve una gran diferencia entre niños y adultos de la tercera edad, entre quienes todavía abunda la comunicación en mixe.En opinión de Aguilar, la protección y conservación de las lenguas prehispánicas pasa por una menor intervención del estado en la educación de las comunidades indígenas."Pasa por la autonomía, que los pueblos (originarios) puedan tener sus propios sistemas educativos", sostiene la escritora, que defiende el derecho de las comunidades indígenas a la autogestión en este y otros aspectos sociales y políticos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.