Un artista integral, que exploró la música, la fotografía y la pintura, y que encontró en el cine y la televisión los medios para dar a conocer al mundo un estilo estético, perturbador y atrapante. David Lynch es considerado uno de los cineastas más influyentes de la historia, nominado tres veces al premio Óscar a Mejor director y merecedor de este premio honorífico en el año 2000.Las obras de Lynch se caracterizan por ser impactantes visualmente y porque en sus películas el sonido es un personaje más, trascendental para llevar la tensión y el misterio a su punto más alto en sus historias.El trabajo del estadounidense desafió la lógica convencional del tiempo y el espacio en sus historias e hizo de lo ambiguo y lo simbólico parte de su sello artístico. Lynch inspiró a cineastas como Quentin Tarantino, Darren Aronofsky, Denis Villeneuve y Yorgos Lanthimos.A continuación le contamos sobre algunas de las películas más representativas de Lynch:💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.‘Cabeza borradora’ (‘Eraserhead’) - 1977Esta película de terror y fantasía es la ópera prima de David Lynch, y una de sus obras más icónicas. Es una obra influyente en la historia del cine, experimental y profundamente surrealista que se ha convertido en un clásico de culto.La historia que narra gira en torno a Henry Spencer (interpretado por Jack Nance), un hombre tímido y reservado que vive en un entorno urbano industrial y opresivo. Henry se entera de que su novia, Mary X, ha dado a luz a un bebé que es impresionantemente deforme y que podría no ser completamente humano.Lo más representativo de la película llega con las imágenes oníricas y perturbadoras que exploran la psique de Henry, sus miedos, sus deseos reprimidos y su aislamiento existencial tras quedarse al cuidado de la criatura.El impacto de la cinta, por ejemplo, se evidencia en la anécdota del también cineasta Stanley Kubrick, quien le mostró a su elenco de El resplandor para inspirarlos.‘El hombre elefante’ (‘The Elephant Man’) - 1980Con un elenco encabezado por John Hurt y Anthony Hopkins, Lynch se inspiró en la historia real de Joseph Merrick, un joven inglés que vivió con terribles malformaciones que lo llevaron a ser conocido como ‘el hombre elefante’.La conmovedora historia cuenta cómo Merrick es explotado como una atracción de feria a causa de sus deformidades y posteriormente rescatado de las deplorables condiciones en las que vivía por el doctor Frederick Treves, un cirujano que lo lleva al Hospital de Londres.A medida que Treves cuida de Merrick, descubre que detrás de su apariencia grotesca se esconde un hombre profundamente sensible, inteligente y con un alma noble. La película muestra los esfuerzos de Merrick por encontrar dignidad y aceptación en una sociedad que lo juzga por su apariencia.Pese a no ganar ninguna estatuilla, esta historia fue nominada a ocho premios Óscar y consolidó a Lynch en la industria cinematográfica.‘Terciopelo azul’ (‘Blue Velvet’) - 1986Esta es una de las obras más emblemáticas y polémicas de David Lynch. Con una mezcla de misterio, surrealismo, erotismo y violencia, Terciopelo azul es un thriller psicológico que desentraña el lado oculto de la aparente normalidad.La película se desarrolla en el pequeño pueblo ficticio de Lumberton, que parece tranquilo y perfecto en la superficie. Sin embargo, la historia revela que bajo esa fachada idílica se esconden secretos oscuros y perturbadores.La trama comienza cuando Jeffrey Beaumont (interpretado por Kyle MacLachlan), un joven universitario, regresa a su ciudad natal después de que su padre sufre un colapso. Mientras pasea cerca de un terreno baldío, Jeffrey encuentra una oreja humana cortada en el suelo. Intrigado, lleva la oreja a la policía, pero decide investigar por su cuenta.‘Sueños, misterios y secretos’ (‘Mulholland Drive’) - 2001En 2001 se estrenó una de las mejores y más enigmáticas películas de Lynch, aclamada por su mezcla de misterio, surrealismo y exploración psicológica. Esta es la historia de Betty Elms (interpretada por Naomi Watts), una joven actriz llena de optimismo que llega a Los Ángeles con la esperanza de triunfar en Hollywood.Al llegar al apartamento de su tía, encuentra a una mujer amnésica (interpretada por Laura Harring) escondida allí. La mujer adopta el nombre de Rita, inspirado en un póster de Gilda, mientras intenta recordar quién es y qué le sucedió.‘Imperio’ (‘Inland Empire’) - 2006El último largometraje dirigido por Lynch es considerado como el más desafiante y complejo de su trayectoria, tanto en su narrativa como en su estilo visual, y representa una culminación de muchas de las obsesiones artísticas de Lynch. Fue filmada íntegramente en formato digital y es conocida por su estructura no lineal, sus imágenes oníricas y su atmósfera profundamente inquietante.Entre laberintos y saltos en el tiempo, la película sigue a Nikki Grace (interpretada por Laura Dern), una actriz que consigue el papel principal en una película titulada On High in Blue Tomorrows, dirigida por Kingsley Stewart (Jeremy Irons). Sin embargo, pronto descubre que el proyecto está maldito, ya que es un remake de una película polaca nunca terminada debido a los asesinatos de sus protagonistas.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En abril de 1988 la productora japonesa Studio Ghibli dio a conocer al mundo la historia de Seita y su hermana pequeña Setsuko en La tumba de las luciérnagas, una de las películas animadas más conmovedoras y tristes sobre la Segunda Guerra Mundial. En su estreno, la película no llegó a las salas de cine del país, pero ahora, desde el 23 de enero será proyectada por primera vez en cines colombianos.Antes de la fantasía y los mundos inimaginados de El niño y la garza, El castillo vagabundo y El viaje de Chihiro existió esta película del aclamado Studio Ghibli. Inspirada en la novela semiautobiográfica de Akiyuki Nosaka, esta película relata con crudeza y belleza la lucha por sobrevivir de dos hermanos, Seita y Setsuko, en un Japón devastado por la guerra.Ambientada en el Japón de los años cuarenta, hacia finales de la Segunda Guerra Mundial, esta es la historia de dos hermanos quienes quedan huérfanos durante un ataque aéreo en Kobe, Japón. Refugiados en un búnker y con sus raciones de comida agotadas, ambos intentan sobrevivir en medio de la hostilidad de un mundo en guerra.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíElogiada por la crítica mundial como “una de las películas de animación más sorprendentes y conmovedoras de la historia” (The New York Times), “de las mejores películas de guerra que jamás se han hecho” (Roger Ebert), y como una obra que “te arrancará el corazón” (Rolling Stone), esta película también fue galardonada con el Premio a Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Chicago en 1994 y está posicionada entre las mejores 40 películas de todos los tiempos en IMDB.Dirigido por Isao Takahata, este clásico del cine será estrenado en cines de Latinoamérica el próximo 23 de enero, ofreciendo funciones subtituladas y dobladas al español.En el caso de Colombia, la fecha de estreno será la misma y estará disponible en salas seleccionadas de cinemas Cinépolis y Cinemark. Este último ya tiene abierta la venta de boletería en preventa en las salas de Atlantis, Parque la Colina, Gran Plaza el Ensueño, Floresta y Gran Plaza Soacha.Vea el tráiler aquí:🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El director estadounidense Robert Eggers estrenó Nosferatu, su nueva película que es su versión del clásico de cine mudo alemán estrenado en 1922 y dirigido por F.W. Munrau. Protagonizado por Bill Skarsgard, Lily Rose Deep y Nicholas Hoult, este filme cuenta la misma historia del original en la que un trabajador de bienes raíces se ve envuelto en una terrorífica travesía en los Montes Cárpatos para negociar el castillo del Conde Orlok.El Conde Orlok es una versión distinta del Drácula de Bram Stoker, sin embargo, ambas historias tienen muchas similitudes. Robert Eggers actualizó la versión alemana y decidió hacerla con su oscuridad característica, en repetidas entrevistas el director comentó que este personaje lo había obsesionado desde muy joven hasta que pudo convertirlo en un filme completo y con un elenco ejemplar.La película ha sido aclamada por la crítica y por los fans en internet y el personaje del conde ha sido reconocido por las nuevas generaciones gracias a un programa infantil, nada más y nada menos que Bob Esponja.En una entrevista con el Hollywood Reporter, el propio Eggers agradeció a las caricaturas por haber ubicado a Nosferatu en el mapa de las generaciones nuevas y de quienes no han visto la película de 1922. Las apariciones del conde han sido recordadas por años y pusieron de nuevo en conversación al Conde Orlok antes del estreno de la película.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí¿Cuándo aparece Nosferatu en Bob Esponja?El Conde Orlok aparece un total de diez veces en las caricaturas de Bob Esponja, pero su primera aparición es en el capítulo ‘Turno de noche’, emitido en el 2002. En este episodio Bob Esponja y Calamardo se quedan a hacer un turno de 24 horas en el Crustáceo cascarudo, Calamardo trata de asustar a Bob con todo tipo de historias terroríficas hasta que amanece, al final del episodio se apagan y se prenden las luces, luego los personajes descubren que es Nosferatu quien está jugando con las lámparas.De allí en adelante Nosferatu se convierte en un personaje más de la serie animada ya que también aparece en otros episodios como ‘La hamburguesa de noche’ en el que es el empleado nocturno del Crustáceo o en ‘Calaferatu’ donde los personajes pasan una noche en el castillo del conde.El vampiro pasó de ser una aparición a ser un habitante más del fondo de bikini, el mundo de Bob Esponja. Además de esos episodios el conde también apareció en dos especiales de animación 3D que hizo la franquicia.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En 1994 el mundo fue cautivado con la historia de Forrest Gump, un joven con una leve discapacidad mental que desde su inocencia se enfrenta al amor, las pérdidas y la crueldad del mundo y de la guerra.Además, Forrest es testigo y participa en este drama cómico de algunos de los momentos más relevantes de la historia estadounidense del siglo XX, lo que también hace de este clásico una oda a la cultura de ese país.Ganadora de seis premios Óscar en 1995, incluyendo los de Mejor película, dirección y actor principal, esta película está dirigida por el cineasta estadounidense Robert Zemeckis y está basada en la novela homónima de Winston Groom.A través de divertidos montajes sobre hechos históricos de Estados Unidos, Forrest, encarnado por Tom Hanks, participa en eventos como marchas en contra de la Guerra de Vietnam, comparte una charla con John Lennon e incluso se relaciona sin intención con el escándalo de Watergate.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíPero pese a que la historia de Estados Unidos avanza junto al crecimiento de Forrest, su vida se ve más interpelada por personajes cercanos con quienes desarrolla importantes lazos. Su madre, y gran apoyo; su amigo de la Guerra de Vietnam, Bubba; su interés romántico, Jenny y el inigualable teniente Dan.El actor Gary Sinise da vida en esta historia al teniente Dan Taylor, interpretación que le dio una nominación al Óscar a Mejor actor de reparto. De la frialdad de la guerra y el poder militar, heredada de generación en generación, el teniente busca morir en batalla en Vietnam, pero Forrest arriesga su vida para salvarlo.De regreso en Estados Unidos, Dan busca vengarse de Forrest por arruinar sus planes de morir en batalla y en cambio terminar como un militar herido en batalla que perdió sus piernas. La relación entre estos personajes se configura como una de las más atractivas de la trama, al encontrarse desde su soledad y desolación y reunirse en torno a la esperanza y la amistad.En el tramo de la historia que recorren juntos hay un momento específico que se ha adentrado en la cultura popular: la celebración de Año Nuevo. El teniente y Forrest pasan la noche de fin de año en un bar donde vemos al joven celebrar y animar a Dan, mientras este se encuentra disociado, triste y sucumbiendo al alcohol para mitigar el dolor de su existencia fuera las fuerzas militares.En los últimos años la celebración desairada del teniente ha sido motivo de memes y chistes, e incluso celebrar el nuevo año junto a la escena del teniente Dan se convirtió en una buena excusa para volver a ver este clásico del cine.Si entre sus planes está recibir el año acompañado de esta historia o también quiere ver esta película junto a sus seres queridos y gritar “Feliz año nuevo, teniente Dan”, sincronice su reloj y asegúrese de reproducir la película desde el inicio a las 10:38 de la noche con 50 segundos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
"No quiero escapar de Bond. Estoy muy, muy orgulloso de las películas que hice y solo las recuerdo con cariño", asegura Craig en una entrevista por su trabajo en el filme de Guadagnino, que se estrena este miércoles en España y por el que ha sido nominado al Globo de Oro o al Premio de Cine Europeo.Y los medios especializados le sitúan entre los firmes candidatos a la nominación al Óscar, aunque el británico asegura que solo quiere hacer su trabajo lo mejor que pueda, sin buscar reconocimientos, aunque considera "maravillosa" cualquier nominación.Este reconocimiento no buscado llega tras una carrera de más de treinta años en la que ha hecho multitud de papeles, entre los que destaca el del agente 007 que interpretó en cuatro ocasiones, entre 2008 y 2021.Su trabajo en la saga Bond era tan absorbente que reconoce que no podría haber hecho una película como 'Queer' mientras aún encarnaba al agente secreto."No hay que buscar ninguna otra razón que no fueran razones prácticas, tenía mucho que hacer", afirma Craig, que considera que no podía haber puesto toda la energía que necesita un personaje como el de William Lee, el alter ego de William Burroughs en la historia de 'Queer', adaptación de un relato del escritor, uno de los principales representantes de la generación beat.Escrita en 1985 por Burroughs como una continuación de 'Junkie' (1953), es una novela semiautobiográfica en la que el protagonista vive en México, sobreviviendo con trabajos temporales para financiar su adicción a las drogas y tratando de saciar su deseo sexual.Una historia que requería mucho trabajo y que no hubiera podido compatibilizar con Bond, algo que sí hizo con las dos entregas de la saga 'Knives Out' ('Puñales por la espalda'). Pero el proyecto de Guadagnino le llegó en el momento perfecto para poder aceptarlo y meterse de lleno en Lee.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíUn personaje que cree que tiene más en común con él mismo que el de 007. "James Bond es un personaje muy alejado de mí, mucho más que este personaje, mucho mucho más lejos que este personaje. Tengo mucho más en común con William Lee que con Bond", dice gesticulando y provocando la risa del guionista de 'Queer', Justin Kuritzkes, que le acompaña en la entrevista.Kuritzkes adaptó la obra de Burroughs en la que es su segunda colaboración con Guadagnino, tras 'Challengers' ('Rivales', 2024) y para ambos era importante entender "el libro en sus propios términos" sin aplicar ningún juicio ni trasponer los personajes a una sensibilidad moderna.Por eso, al mismo tiempo que honraba el libro de Burroughs, se apartó de él para buscar la emoción cinematográfica e incluso escribió algunas escenas pensando en el placer que sería ver a Guadagnino dirigirlas.Y el director italiano, responsable de películas como 'Call Me by Your Name' (2017), aportó su sensibilidad a la hora de rodar escenas de sexo, algo que dio una mayor profundidad a la historia y los personajes. "Estoy fascinado por alguien tan complejo, alguien que busca algo, que anhela el amor en su vida. Es un personaje realmente fascinante de interpretar", reconoce Craig sobre William Lee.Un personaje que tuvo que trabajar mucho antes del rodaje para construirlo junto a Guadagnino. "Pero luego llegas al set y tratas de olvidarlo todo y solo hacer la película", explica el actor, que califica de "maravillosa" la experiencia.Porque asegura que nunca considera las películas como proyectos difíciles, si no "como grandes experiencias".En 'Queer', Craig comparte protagonismo con Drew Starkey, que interpreta a su joven amante, Eugene, en un filme que se desarrolla en una pesada atmósfera, bajo un asfixiante calor de una Ciudad de México que se recreó en los estudios romanos de Cinecittà.Y en la que también participan actores como Lesley Manville o Jason Schwartzman en papeles muy diferentes a lo que han hecho hasta ahora.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde un clásico como La aventura del Poseidón a la poesía del corto El tsunami y la flor de cerezo, los tsunamis han proporcionado mucha inspiración al mundo audiovisual.'Lo imposible' (2012), una historia realBayona escuchó en la radio el relato de una familia española - una pareja y sus tres hijos- que estaba de vacaciones en Tailandia y sobrevivieron al tsunami. El director español decidió contar su historia y lo hizo a lo grande, con una gran despliegue técnico y un reparto encabezado por Naomi Wats y Ewan McGregor, además de suponer el debut a los 14 años del que ahora es una estrella mundial, Tom Holland.'Tsunami' (2006), una ficción basada en testimoniosBasada en los testimonios de supervivientes y en investigación propia, esta miniserie de dos partes de HBO cuenta varias historias que se entrecruzan en los días posteriores al tsunami y cuenta en su reparto con Tim Roth, Chiwetel Ejiofor, Sophie Okonedo, Hugh Bonneville o Toni Collette.'Más allá de la vida' (2010), poderes y más alláClint Eastwood decidió dar una vuelta de tuerca al cine de catástrofes con esta historia que comienza con el tsunami del Índico y cómo una periodista francesa (Cécile de France) sobrevive pese a haber sido dada por muerta. Su relación con el más allá la acerca a otros personajes, como el parapsicólogo que interpreta Matt Damon, o un niño que ha perdido a su hermano.'La última ola' (2015), un tsunami a la noruegaTras el tsunami de Tailandia proliferaron todo tipo de películas sobre el poder destructivo del agua, como esta noruega en la que un geólogo alerta de un posible colapso de la cordillera que rodea al fiordo de Geiranger. Una historia basada en el riesgo real de esta zona, arrasada en 1905 por un tsunami y cuyos habitantes viven con el temor de que se repita.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí'La aventura del Poseidón' (1972): famosos + catástrofesGene Hackman, Ernest Borgnine, Shelley Winters, Roddy McDowall o Stella Stevens fueron algunas de las estrellas que participaron en este filme sobre un barco azotado por un maremoto que responde a una moda de los setenta en la que Hollywood mezclaba catástrofes y rostros famosos en una fórmula que dio títulos como 'The Towering Inferno' o 'Airport'.'El hundimiento de Japón' (2006), un tsunami tras un terremotoUn brutal terremoto es el punto de partida de esta película japonesa que versiona un clásico de 1973 del cine de desastres nipón, 'Submersión of Japan', que a su vez adapta la novela 'Japan Sinks'. Y tras el seísmo, llega un tsunami, pero lo peor es la amenaza de que el país quedará sumergido bajo las aguas en un plazo máximo de 40 años. Una historia épica no exenta de lirismo.'Tidal Wave' (2009), desastres coreanos al estilo americanoPrimera película de desastres realizada en Corea del Sur, 'Haeundae' copia todos los estereotipos de los filmes americanos y traslada la acción a Busan, aunque más allá del posible exotismo de la localización, no aporta nada nuevo al género de cine de catástrofes.'El día después de mañana' (2004), la catástrofe globalEsta película dirigida por el especialista en cine de acción Roland Emmerich, es el ejemplo del desastre global y definitivo provocado por el cambio climático. No solo olas gigantes, también frío polar, tormentas monumentales, ciclones, granizo gigante... pero es americana y, por supuesto, un científico (Dennis Quaid) y su hijo (Jake Gyllenhall) encuentran solución a todo.'Una tormenta perfecta' (2000), George Clooney frente al marEn el años 2000 George Clooney estaba en la cima de su popularidad y decidió meterse en este proyecto sobre un barco pesquero capitaneado por el actor y que se ve sorprendido por una gigantesca tormenta y olas de más de 25 metros contra las que poco se puede hacer. La dirección del siempre eficaz Wolfgan Petersen aporta solidez y espectacularidad a una película que no deja de ser un vehículo para el lucimiento de su estrella.'Tsunami: race against time' (2024), el documental ¿definitivo?Una narración minuto a minuto de lo que ocurrió hace 20 años en el Índico, con una visión global que pretende ser el documental definitivo sobre aquel evento. Dirigido por Daniel Bogado, conocido por '11-S: Testigos de la tragedia Título original' ('9/11: One Day in America'), son cuatro episodios en los que se ha utilizado material y testimonios inéditos.'El tsunami y la flor de cerezo' (2011): poesía en imágenesUn corto documental que utiliza imágenes reales del tsunami que azotó Japón en marzo de 2011 y que es capaz de encontrar poesía en el florecimiento de los cerezos apenas un mes después de la tragedia. La delicadez con la que algunos supervivientes se centran en el cuidado de los árboles permite ver un lado muy distinto de las consecuencias de una catástrofe.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Más de setenta películas, ochenta ficciones televisivas y quince obras de teatro dan idea de la trayectoria de esta 'chica Almodóvar' que pronunció frases que han pasado a la historia del cine español: "¿Existe alguna posibilidad, por pequeña que sea...de salvar lo nuestro?" ('La flor de mi secreto', 1995).El director español le dio también papeles míticos en 'Tacones Lejanos' (1991), y apareció en 'La piel que habito' (2011), mientras que le puso el hábito de 'Sor Estiércol' en 'Entre tinieblas' (1983).Las primeras actuaciones de Paredes se produjeron en los años sesenta, en películas como 'Canción de cuna' (1961), de José María Elorrieta, en la que actuó también siendo adolescente, o la muy notable 'El mundo sigue' (1965), de Fernando Fernán Gómez. A finales de esa década, en 1967, apareció en un episodio de los cuentos de terror de 'Historias para no dormir' de Narciso Ibáñez Serrador en la televisión pública española.Ya en los setenta se prodigó mucho por la pequeña pantalla en las series teatrales que tanto se popularizaron en blanco y negro en España.En los años ochenta siguió compaginando la televisión (como en el programa teatral 'Estudio 1') y el cine ('Ópera prima', 1980, Fernando Trueba; 'Las bicicletas son para el verano', 1984, de Jaime Chávarri, o la ya citada 'Entre tinieblas').💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíA partir de los noventa compaginó sus colaboraciones con Almodóvar con la televisión y otros directores que ya conocía como Chávarri, del que protagonizó 'Tierno verano de lujurias y azoteas' en 1993 junto a Gabino Diego e Imanol Arias.Además, en esa década rodó las cintas extranjeras como 'Tombés du ciel' (1993, Philippe Loiret), 'La nave de los locos' (1995, Ricardo Wulicher) o 'Trois vies et une seule mort' (1996, Raoul Ruiz), con Marcello Mastroiani.Es de esa década su participación en la italiana 'La vita è bella' (1997, Roberto Benigni), en la que interpreta a la madre de Dora, la mujer protagonista de esta película ganadora de tres Óscar.Posteriormente participó en títulos como 'El espinazo del diablo' (2001, del mexicano Guillermo del Toro), 'Crepúsculo rojo' (2003, del argentino Edgardo Cozarinsky), la ópera prima del español Pablo Malo, 'Frío sol de invierno' (2004), o 'Espelho mágico' (2005, del portugués Manoel de Oliveira.Durante la segunda década de los años 2000 trabajó en 'El dios de madera' (2010, Vicente Molina Foix), por la que se llevó el premio a mejor actriz del Festival de Málaga; 'Gigolá' (2010), una arriesgada película de toque lésbico que dirigió la francesa Laure Charpentier a partir de su propia novela; 'La piel que habito' (2011, de nuevo con Pedro Almodóvar), 'Traumland' (2013, Petra Biondina Volpe) y 'Petra' (2018, Jaime Rosales).Aquí el tráiler de 'La flor de mi secreto':🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Marisa Paredes fue una actriz polivalente y comprometida que trabajó en cine, teatro y televisión con grandes nombres de la pantalla y de la escena, una gran diva de la interpretación española y 'chica Almodóvar' que dedicó su vida al impulso y defensa de los y las profesionales del cine.Si un nombre ilustre ha acompañado a Paredes durante su trayectoria, ése ha sido el de Pedro Almodóvar, su director en 'Entre tinieblas' (1983), 'Tacones lejanos' (1991), 'La flor de mi secreto' (1995) y 'La piel que habito' (2010).Nacida el 3 de abril de 1946 en Madrid, a los 15 años pisó un escenario por primera vez. De ahí, al teatro universitario, y de ahí a una carrera emblemática llena de reconocimiento y admiración.Porque Paredes, fallecida este martes a los 78 años de manera repentina, obtuvo –entre otros galardones– el Premio Nacional de Cinematografía, la Medalla de Oro a las Bellas Artes y el Goya de honor por "una prolífica y prolongada carrera, trayectoria que mantiene con absoluto vigor, apostando en numerosos trabajos por proyectos cinematográficos nacionales e internacionales definidos por el riesgo y el prestigio".Además, trabajó junto a grandes directores como el mexicano Guillermo del Toro ('El espinazo del diablo', 2001), el italiano Roberto Benigni ('La vita è bella', 1997) o el francés Philippe Loiret ('Tombés du ciel', 1993), y compartió reparto con otros como Marcello Mastroianni ('Toris vies et une seule mort').El trampolín de la televisiónLos primeros pasos los da Paredes en la televisión pública española (TVE), en concreto en el programa de realización de obras teatrales 'Estudio 1', gracias al que alcanzó un prestigio que le permitió saltar al cine y al teatro, convirtiéndose en referencia, pero sin dejar la pequeña pantalla.En las tablas españolas fue una de las grandes. Protagonizó obras como la lorquiana 'Comedia sin título' (1990), 'Beckettiana' (1991), 'Hamlet' (2007), la adaptación de "Sonata de otoño", de Ingmar Bergman (2008).💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíIlustre en el cineCineastas españoles como Fernando Trueba ('Ópera prima', 1980), Jaime Chávarri ('Las bicicletas son para el verano', 1984), Agustí Villaronga ('Tras el cristal', 1986) o Jaime Rosales ('Petra', 2018) han contado con la profesionalidad de Paredes.Su carrera en el cine español le valió dos nominaciones a los premios Goya: mejor actriz de reparto por 'Cara de Acelga' (1987) y mejor actriz protagonista por 'La flor de mi secreto' (1995).Además del Premio Nacional de Cinematografía, Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, y Goya de Honor, fue reconocida en España con la Espiga de Honor de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci), con la Gran Medalla Vermeil de la Villa de París, así como premios cinematográficos en certámenes como el de Karlovy Vary (República Checa), Taormina (Italia), Gijón o Málaga, en España.El 8 de marzo de 2000, Día Internacional de la Mujer, dejó su legado en la Caja de las Letras del Instituto Cervantes junto a la escritora y periodista Rosa Montero y la cantautora Rosa León. Marisa Paredes tiene una hija, la también actriz María Isasi, de su relación con el director Antonio Isasi-Isasmendi.Compromiso socialEn 2003, cuando estaba al frente de la Academia de Cine española, durante su discurso en la gala de entrega de los premios Goya, Paredes afirmó: "No hay que tener miedo a la cultura ni al entretenimiento, ni a la libertad de expresión, ni mucho menos a la sátira, ni al humor. Hay que tener miedo a la ignorancia y el dogmatismo. Hay que tener miedo a la guerra".Son palabras que reflejan su compromiso en la defensa de su profesión y de su sector, y su compromiso social, porque su etapa como presidenta de la Academia coincidió con las movilizaciones ciudadanas por la guerra de Irak.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Su nombre brilla en el firmamento del jazz al lado de Oscar Peterson, Bill Evans y Ahmad Jamal", señaló este viernes en un comunicado Dati, que también destacó que Solal deja "el recuerdo de su elegante interpretación, la nostalgia de las bodegas de Saint-Germain-des-Prés" y, sobre todo, "su maravillosa música".Nacido en Argel en 1927, hijo de un cantante de ópera, Solal comenzó a estudiar piano clásico a los seis años y desde muy joven se inclinó por el jazz.Se trasladó a París en 1959, donde se convirtió en una figura destacada de los clubes de jazz del barrio de Saint-Germain-des-Prés. Fue contratado por Benny Bennet y llegó a tocar con el guitarrista Django Reinhardt poco antes de su fallecimiento.En 1953 grabó su primer disco e inició una carrera que demostró su virtuosismo y le llevó por todo el mundo, tanto en solitario como acompañando a leyendas del jazz como Ella Fitzgerald o Sidney Bechet.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíA principios de los años 60 participó en algunos festivales de jazz importantes, como los de Newport (Estados Unidos) o Montreux (Suiza) y también empezó a componer para el cine.Su trabajo más destacado en el mundo cinematográfico fue la banda sonora de À bout de souffle, título esencial de la nouvelle vague francesa, dirigido por Jean-Luc Godard.En los 70 decidió perfeccionar su técnica en el Conservatorio de París y renovó su estilo, lo que le llevó a grabar varios discos con el saxofonista Lee Konitz. Y además se quedó en el centro parisino como profesor.De sus últimas formaciones destaca el trío que formó con Paul Motian y Gary Peacock, con quienes grabó varios discos, entre ellos Just Friends (1997).En 2003 realizó un concierto resumen de su carrera en el Village Vanguard de Nueva York, que quedó registrado en un disco: NY-1. Live at the Village Vanguard.Fue nominado dos veces a los Premios Grammy y, entre los galardones que recibió en su extensa carrera, destaca el Django Reinhardt de la Academia Francesa del jazz, la distinción más importante de Francia en el terreno jazzístico.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Abrahams, que fue el guionista y director junto con sus amigos desde la infancia en Wisconsin, Jerry y David Zucker, de esos clásicos del cine disparatado, falleció el martes por causas naturales en su casa de Santa Mónica, en California, informó su hijo Joseph a THR.El trío firmó su primera película para el público en general al escribir Locura yanqui (Kentucky Fried Movie) (1977), llena de sketches y dirigida por John Landis en su preludio a Casa de Animales (Animal House).También trabajaron juntos en Top Secret! (1984), protagonizada por un joven Val Kilmer, y Ruthless People (¡Por favor, maten a mi mujer!, 1986), con Bette Midler y Danny DeVito, recuerda la revista especializada.Abrahams dirigió Big Business (Sopa de gemelas, 1988), protagonizada por Midler y Lily Tomlin, y coescribió y dirigió Hot Shots! (1991) y su secuela de 1993, ambas protagonizadas por Charlie Sheen.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEl humor de Zucker, Abrahams y Zucker, o ZAZ como llegaron a ser conocidos, repleto de chistes y juegos de palabras, era rápido, frenético y sencillamente tonto. La parodia era su especialidad. Todo era propicio para el ridículo: cuanto más absurdo, mejor, señala THR.El último crédito como guionista de Abrahams llegó con Scary Movie 4 en 2006. También tuvo pequeños créditos como actor en The Kentucky Fried Movie, Airplane!, Top Secret! y Coming to America (El príncipe de Zamunda).Le sobreviven su esposa Nancy Cocuzzo, su hija Jamie, sus hijos Joseph y Charlie y sus nietos Caleb, James e Isaac, según Variety.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
