En el marco de la conmemoración de los 70 años de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, el lunes 5 de febrero, la destacada artista colombiana Doris Salcedo fue galardonada con el doctorado honoris causa en diseño, arte y ciencia. Salcedo, escultora y egresada de esta misma institución con el título de Maestra en Bellas Artes, completó su programa de estudios en 1982."Mi obra es un intento por ser fiel a los testimonios que he escuchado toda mi vida”, dijo la artista que nació en Bogotá en 1958 y es considerada una artista que ha respondido a la realidad política y social de Colombia a través de su obra.El profesor Elkin Rubiano Pinilla, director del área académica de Humanidades y Estudios Literarios y Edición, quien participó en la ceremonia, compartió: “Velar y enterrar a los muertos es un derecho sagrado, un derecho que es violado en contextos de violencia extrema. Y es precisamente este contexto el marco para la obra de la maestra Doris Salcedo, una obra que se configura como una unidad, tanto material como formal”.A continuación un fragmento del discurso de Pinilla en la entrega del reconocimiento a Salcedo: "Se pueden enumerar algunas persistencias en su trabajo, como los “actos de memoria” y las “acciones de duelo” en el espacio público, en las que ha creado colectivamente imágenes poderosas. Estas acciones se han hecho, según la propia artista, con un carácter urgente en medio del conflicto: 8 días después del asesinato del periodista y humorista Jaime Garzón (agosto 20 de 1999), 15 días después del asesinato de 11 diputados del Valle del Cauca (3 de julio de 2009), 9 días después del resultado del plebiscito que No refrendó los Acuerdos de Paz (11de octubre de 2016) y, con un tiempo más espaciado, la intervención realizada en conmemoración de las víctimas de la toma y retoma del Palacio de Justicia en 2002. Siendo esta la persistencia en la obra de Doris Salcedo, vale la pena recordar las palabras de la teórica holandesa Mieke Bal, quien dice: ‘Aunque nunca ha dado los nombres de las víctimas cuya desventura impulsa sus obras, como una Antígona contemporánea las rescata del olvido por otros medios’. Efectivamente, Doris Salcedo busca realizar un derecho que en las guerras constantemente es violado: el derecho sagrado de enterrar a los muertos, de separar el mundo de los vivos del mundo de los muertos. Su obra crea simbólicamente el ritual sagrado que ha sido negado. Ese es su inmenso valor y, desde hace tiempo, su legado”, destacó el director académico sobre la obra de Salcedo".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El escultor colombiano John Castles falleció el pasado jueves 14 de diciembre por complicaciones de salud. Castles fue una de las figuras fundamentales para entender el arte colombiano en la década de los setenta. Castles pertenecía a la generación de artistas como Édgar Negret, Ramírez Villamizar, Feliza Burzstyn y Carlos Rojas.El escultor era un mago del hierro, sus piezas habitan las calles de Bogotá y se caracterizan por ser imponentes y gigantes. "Fue un maestro del hierro; sus esculturas ‘pequeñas’ no pesan menos de 200 kilos y logran un equilibrio fantástico y misterioso. Era un hombre discreto, de pocas palabras, pero con una memoria enciclopédica sorprendente y una generosidad sin límites, por su trabajo como curador, por ejemplo, se reivinidicó la obra de Marco Ospina (1912-1983) como uno de los pioneros del arte abstracto colombiano", menciona el diario El Tiempo quien le realizó un perfil. Castles nació en Barranquilla pero convertió a Bogotá en su casa, así como a otras ciudades del país como Medellín. Sus esculturas pueden visitarse en varios puntos de la ciudad como la sede del Compensar de la 68 o en el Museo de Arte del Banco de la República. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La Casa Museo Quinta de Bolívar se ha venido consolidando como un espacio de intercambio de saberes, construcción de memorias locales y procesos colectivos de creación artística gracias a proyectos de formación con enfoque artístico, social y medioambiental.De esa línea de acción nació Rompiendo el molde. Este proceso de formación artística, en el que mujeres de diferentes localidades de Bogotá confeccionaron un corsé y lo intervinieron para contar sus historias y reflexiones en torno a la feminidad y los roles y expectativas de género; contó con siete sesiones realizadas entre el 16 de septiembre y el 11 de noviembre del 2023. Cada una de ellas tuvo un componente teórico, en el que se exploraron los roles femeninos en la Nueva Granada durante el período colonial y republicano, una conferencia sobre cultura libre de sexismo en Bogotá y un componente práctico en el que se instruyó el patronaje, corte y ensamblado de la prenda.En cada encuentro, además, hubo espacios para socializar reflexiones e historias de cada participante y sus intenciones con la pieza que confeccionaron. Esta metodología fue construida en conjunto con la Secretaría de la Mujer de Bogotá, aliado estratégico y asesor para la integración de un enfoque de género en el proceso.Por otra parte, la exposición, producto de las diferentes sesiones realizadas, estará compuesta por tres capítulos con los cuales se hizo una agrupación temática de los corsés que serán exhibidos:El corsé. Una prenda con historia: Lo que inició como una prenda de moda entre la realeza francesa en el siglo XVI, se fue adoptando en las sociedades occidentales como un símbolo de clase, feminidad y buena educación. Si bien su uso como prenda diaria decreció en Occidente a mediados del siglo XX, hoy en día sigue estando sujeta a experimentación artística y ha sido comúnmente adoptada en estéticastransgresoras y obras con mensajes críticos sobre la feminidad y los roles de género.En Rompiendo el molde, las participantes tienen la oportunidad de reinterpretar y recontextualizar al corsé al confeccionarlo de manera que refleje sus propias intenciones.Expresión: El vestuario no es sólo una forma de proteger el cuerpo del clima y los entornos agrestes. También es una forma de expresión de clase, género, etnia y, recientemente, ha servido para la expresión individual: el poder destacarse entre los demás. En Rompiendo el molde, la capacidad comunicativa del vestuario es aprovechada por las autoras para narrar historias personales o reflexiones sobre su contexto y la sociedad.Control: Con la moda también se ejerce control. Durante siglos, las normas y leyes sobre la vestimenta han sido una forma de controlar la apariencia de los integrantes de una sociedad de acuerdo a los estándares vigentes de su respectiva época. En Rompiendo el molde, el control se evidencia como uno ejercido a través de imaginarios que cada mujer ha proyectado sobre sí misma y que les ha dictado el “deber ser” de una mujer, una madre o una esposa. La idea de control también se manifiesta como aquellas condiciones materiales hostiles para ellas como trabajadoras o campesinas, y como violencias ejercidas sobre ellas o sus allegadas.La muestra dialogará con imágenes de apoyo de algunas obras de la colección del Museo de la Independencia Casa del Florero y estará abierta en los horarios habituales del museo, de martes a domingo, 9:00 a.m. - 5:00 p.m.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La ciudad italiana de Milán (norte) acoge hasta el 4 de febrero en el Museo della Permanente la muestra "Botero. Via Crucis", con sesenta obras en las que se revela la particular relación de este maestro de la contemporaneidad con la iconografía cristiana.Se trata de la primera exposición póstuma de Botero, fallecido el pasado 15 de septiembre a los 91 años y cuyas cenizas precisamente reposan en el pueblo italiano de Pietrasanta (centro), durante décadas su segundo hogar, junto a las de su esposa y artista, Sophia Vari."El maestro rompe fronteras y va más allá de todo. Hace un llamado al pasado y a la actualidad, porque hemos sido indiferentes ante el dolor y la violencia", explica a EFE la embajadora de Colombia en Italia, Ligia Margarita Quessep Bitar, durante la inauguración.La pasión de BoteroEl pintor pergeñó a lo largo de su carrera universos sensuales y folclóricos, con su personalísima concepción del volumen y la forma, pero también se zambulló en la potente imaginería cristiana y en las escenas de devoción tan propias de la Colombia de su infancia.Por eso, la exposición de Milán, organizada en colaboración con la Embajada de Colombia en Italia, entre otras instituciones, gira en torno a su ciclo realizado entre 2010 y 2011 sobre la Pasión de Cristo compuesto con 27 lienzos y 33 dibujos.Sobre la tela o el papel, los colores vivos y las formas blandas y suaves tan propias de su arte dan forma a las escenificación misma del dolor, al camino de Jesús a la Cruz.Pero el Cristo de Botero no tiene viso alguno de divinidad, es un hombre corriente que sufre en un mundo de pecado que podría ser hoy o, segura y lamentablemente, mañana.Contra la indiferenciaPor eso, en una escena un Cristo gordo recibe el beso traicionero de un Judas moderno, con camisa y reloj de muñeca, de piel verdosa, mientras dos soldados romanos esperan a apresarlo entre una multitud de sujetos indiferente, entre la que le maestro se autorretrató.En otro momento del ciclo, el mesías aparece rendido, cubierto por la sangre que emana de su frente herida por su martirio, un "Ecce Homo" humillado más si cabe por la indolencia de más personajes de aspecto moderno que ni siguiera le miran.Pero al final del recorrido de Botero se alza el símbolo más excelso de la devoción, María, retratada en una enorme tela, gigante y con el pecho abierto, mientra sostiene en su regazo a su hijo ya inerte, a los pies de una cruz que, como Él, sangra.En definitiva, aquel calvario bíblico reinterpretado por el maestro colombiano no solo se suma a la gran tradición religiosa de la Historia del Arte sino que plantea una profunda reflexión sobre la violencia y las injusticias sociales de nuestro tiempo.Tal es así que con este "Via Crucis", el artista, ya en edad madura, culminó una serie sobre la indefensión, integrada por "Violencia en Colombia" (2001), sobre las décadas de dolor y guerra, y "Abu Ghraib" (2005), sobre las torturas estadounidenses en Irak.Un viaje de vueltaLas pinturas que componen este ciclo proceden de su país natal, en concreto del Museo de Antioquia, al que se las donó hace una década, y resuenan con más fuerza si cabe en un país, Italia, del que bebió, que fue una inconmensurable fuente de inspiración para el artista."Él no está presentando directamente un Vía Crucis bíblico, sino más bien el de los hombres y mujeres en la contemporaneidad, en un pueblo latinoamericano o italiano o de cualquier parte, donde la indiferencia, la muerte y el dolor están presentes permanentemente", resume la directora del Museo colombiano, María del Rosario Escobar.La embajadora consideró que esta muestra es "una grandísima oportunidad" para Colombia de seguir celebrando al "gran embajador de arte" que fue el artista.Por eso, estas obras llegadas desde dicho museo, en su ciudad natal, Medellín, pasarán dos meses en Milán para después ser llevadas a la ciudad española de Sevilla y luego regresar a Italia, a Turín (norte).La exposición se vio trastocada por la pandemia y solo ha podido celebrarse ahora, sin el autor, aunque siempre quedaran sus obras para reivindicar las cruces que porta la Humanidad: "Nos hace mucha falta el maestro Botero. Es como un mundo nuevo sin él", lamenta la directora del Museo de Antioquia.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La última subasta del año de Lefebre subastas, tendrá lugar este 15 de noviembre, con un total de 193 lotes, con modalidades presencial y virtual, ofreciendo una amplia gama de precios desde los $300.000 hasta los $160 millones. Esta subasta se distingue por su extensa colección de piezas decorativas y obras de arte que abarcan diversas épocas, estilos y técnicas.Esta subasta incluirá obras que datan del siglo XVII hasta la contemporaneidad, divididas en cuatro departamentos: pintura antigua, joyas, monedas y libros, artes decorativas y muebles, así como arte moderno y contemporáneo. Este último comprende obras muy diversas, desde arte figurativo hasta arte cinético, abstracto, y una variedad de medios como pintura al óleo, pastel, acuarela y obras gráficas. Destacados artistas nacionales, como Ana Mercedes Hoyos, Carlos Rojas, Omar Rayo, Beatriz González, Enrique Grau, María Fernanda Cardozo, Maripaz Jaramillo, Negret, Roda y David Manzur entre otros serán parte del evento, junto con artistas internacionales como el español Salvador Dalí, Rembrandt, René Magritte, Jesús Rafael Soto y Andy Warhol.Entre los lotes más destacados se encuentra una pieza de la serie "Mutantes" de Carlos Rojas, caracterizada por fusionar elementos humanos y animales, creando figuras híbridas que se sitúan entre la escultura y la pintura. También hará parte un intrigante collage de Edgar Negret titulado "Aparato mágico", además de una variedad de sus esculturas que abarcan diferentes escalas. Por otro lado, en cuanto a los artistas internacionales vale la pena mencionar las seis serigrafías de Andy Warhol de Marilyn Monroe, que, a pesar de ser póstumas reflejan el interés del artista por explorar la reproducción en masa y la naturaleza efímera de la celebridad en la cultura pop. Estas imágenes desafían las nociones tradicionales del arte al incorporar elementos de la cultura popular y su iconografía.“Esta subasta corresponde a la más importante del año, ya que nuestro cierre recapitula la tendencia que marcó el comercio del arte durante el 2023. Es la subasta que permite tener una lectura de mercado para coleccionistas y amantes del arte, con una selección de piezas pensada en nuestro público con el fin de identificar y ofrecer en nuestros cuatro departamentos piezas únicas en cuanto a su especialidad, destacando las principales corrientes y géneros agrupados y seleccionadas por nuestro equipo generando un aporte de contenido social, artístico y cultural a todos los amantes del arte.Las personas pueden participar en una subasta no solo por un interés legítimo derivado de la sensibilidad artística que genera cada una de las piezas a subastar, sino por la oportunidad económica que se genera como fenómeno de inversión. El arte hoy en día catalogado como activo diverso, permite que las personas identifiquen un concepto de sostenibilidad y rendimiento logrando perpetuar la inspiración de los artistas, de igual manera al tratarse de un mercado secundario genera la opción de obtener piezas valiosas a precios razonables convirtiendo sus inversiones en oportunidades tangibles y crecientes”, comenta la directora de Lefebre, Catalina Martínez.La exposición estará abierta al público hasta el 15 de noviembre, de lunes a viernes de 10 am a 7 pm, y sábados de 11 am a 5 pm y la subasta se llevará a cabo a las 7 pm del 15 de noviembre. Aquellos interesados podrán participar de manera presencial o a través de la aplicación Lefebre Subastas, disponible en la Apple Store y Google Play, así como en la plataforma de subastas internacionales Invaluable.
Marca de agua es un Laboratorio de co-creación enfocado en la recopilación de memorias personales, colectivas e históricas de los habitantes de Ciudad Bolívar. Desde la Biblioteca Pública El Mirador, la Biblioteca Digital de Bogotá y varios aliados de la localidad de Ciudad Bolívar se llevó a cabo un trabajo de investigación para definir qué y cómo contar las memorias de las montañas del sur de la ciudad.Como resultado los y las ciudadanas podrán visitar una exposición digital en la Biblioteca Digital de Bogotá, además en noviembre tendremos la presentación de la exposición física en la sala LEO de la Biblioteca Pública El Mirador con objetos que cuentan memorias de la localidad y sus habitantes y, posteriormente, se presentará la publicación del libro ‘Marca de agua’."Marca de Agua" es un viaje en el tiempo a través de las experiencias y recuerdos de los habitantes de Ciudad Bolívar. La exposición digital presenta una amplia variedad de contenidos relacionados con la historia y las memorias de este territorio, abordando temas cruciales como la legalización de los barrios, la autoconstrucción, el acceso a los servicios públicos y la identidad única de la localidad.Los visitantes de esta exposición podrán sumergirse en las historias, fotografías, documentos y testimonios que revelan la verdadera esencia de Ciudad Bolívar. "Marca de Agua" es un espacio en línea donde el pasado cobra vida y se une al presente, permitiendo a todos apreciar y comprender mejor la rica historia de esta comunidad.Las secciones de 'Marca de agua'Contracorriente: Muestra las historias de formación de algunos barrios de la localidad como un recorrido en una dirección que desafía el curso de las aguas. Podrás conocer la localidad desde la distancia mediante un mapa interactivo.Hechos de Agua: Cuenta hechos históricos de Ciudad Bolívar asociados al agua. Lavaderos comunitarios, acueductos veredales y paros hacen parte de esta muestra del valor del agua en la vida cotidiana.Agu(a)rdiente: Reconoce liderazgos sociales, culturales y ambientales. Descubre vídeos y crónicas de esos líderes que han luchado porque los habitantes de la localidad puedan ejercer sus derechos.Entre dos aguas: Evidencia de la Ciudad Bolívar de hoy, desde la voz de los jóvenes a partir de la literatura y las artes gráficas. Recorre murales y relatos que imaginan el presente y futuro de la localidad 19 de Bogotá.La exposición "Marca de Agua" ya está disponible en la Biblioteca Digital de Bogotá Conózcala haciéndo clic aquí.
Este espectáculo es un apasionado y poderoso tributo al tango argentino de los años 50, fusionando la estética de la danza contemporánea con los pasos tradicionales del tango, las voces en vivo de los cantantes Edwin Roa y Victoria Sur, junto al recientemente nominado al Grammy Latino El Quinteto Leopoldo Federico."Tu nombre me sabe a tango" más que un espectáculo, es una experiencia que sumerge al espectador en el profundo romanticismo de este género, lo lleva a través de sus diversas facetas, con especial énfasis en el amor y la nostalgia. Todo esto, a partir de un recorrido por tangos clásicos del repertorio universal y tomando como referencia las emblemáticas películas de principios de siglo de Gardel. La obra se adentra en las entrañas del tango, en las pasiones que cuenta y en el lenguaje sentimental que provoca. Es el arrabal expuesto, la verbena, la fiesta como lugar de encuentro con el otro y con uno mismo."En esta pieza nos adentramos profundamente en el romanticismo y el universo tanguero, pero con una perspectiva contemporánea. Aunque los bailarines masculinos son expertos en tango, las bailarinas provienen predominantemente del mundo de la danza contemporánea. Este contraste nos permitió explorar el tango desde su esencia tradicional y, al mismo tiempo, desde una óptica más actual. En esta nueva versión, aunque mantenemos la estructura original del espectáculo, el remontaje tiene un matiz especial: hemos incorporado a nuevos bailarines, una pareja consolidada en el mundo del tango. Sin embargo, en esta ocasión, no actúan como una pareja tradicional, sino que se integran en la obra como parte de un conjunto de seis personajes solitarios, aportando una rica dimensión a la interpretación de la pieza” afirma la directora.Es así como esta mirada contemporánea, logra fusionar la potencia de los reconocidos bailarines de tango: Ivan Ovalle, Lis Franco y Javier Sánchez, con la versatilidad de Ángela Cristina Bello, Alessandra Rudnicka y Gina Collazos, bailarinas provenientes del mundo de la danza contemporánea, creando una obra de gran belleza y sensualidad. Tino Fernández, coreógrafo creador de esta obra en 2015 junto a Juliana Reyes, afirmaba: “La embriaguez de la música en vivo y las palabras cantadas traen al presente aquellos duelos guardados en el último cajón de la memoria... El tango les revela el pasado y los enfrenta al presente con alevosía."2023 año de premios para L’Explose Danza Por otro lado, cabe resaltar que Juliana Reyes, directora, dramaturga y gestora cultural, ha sido distinguida con el Premio Nacional de Danza 2023, otorgado por el Ministerio de Cultura, el cual destaca el trabajo de mujeres pioneras en la coreografía y dirección de la danza. Un galardón avalado por 25 años dedicados a la creación y promoción de la danza a través de La Fundación L’Explose Danza; el cual fue otorgado a su obra “Estela”, un homenaje poético a la vida y la muerte, que realizó en coproducción con el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo.Juliana Reyes, es una artista multifacética en el mundo de las artes escénicas, que ha seguido un viaje inusual, pero enriquecedor e intrínsecamente ligado al cuerpo y la expresión corporal; algo que se hizo aún más evidente cuando conoció a Tino Fernández y comenzó a trabajar en su compañía en 1998, encontrando nuevas formas de expresión y narrativa, donde la versatilidad del cuerpo es capaz de trascender barreras lingüísticas y culturales para contar historias humanas profundas y conmovedoras.Por esto, recibir el Premio Nacional de Danza 2023, no es solo un reconocimiento a su trayectoria y a su contribución a la danza en Colombia, sino también un testimonio del inquebrantable espíritu creativo y de la capacidad de la danza para explorar y expresar los más profundos recovecos del ser humano.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Nuestra alianza con el Museo Nacional de Colombia sigue en pie, ahora con una parte nuestra en la sala del museo. Las voces de los artistas colombianos que hemos grabado en la HJCK ahora podrán ser escuchadas junto a las obras en la sala Ser y Hacer que queda en el tercer piso del museo. Aquí las palabras que escribió Camila Builes, coordinadora editorial de la HJCK, para la sala Ser y Hacer del Museo Nacional de Colombia. "Los artistas expuestos en esta sala dedicaron a la creación su existencia, el carácter de su espíritu y la forma de su vida. No fue una decisión inocente titularla Ser y Hacer, pues cada pieza, pintura, libro e historia que aquí se exhibe, revela que no hay otro camino para convertirse en artista que el que lleva a la humanidad a ser atravesada por la belleza y, al mismo tiempo, por el dolor, la pérdida y el esfuerzo.No hay una única manera de entender el arte colombiano; sus diversas expresiones nos ponen en las manos artefactos etéreos y casi que místicos que a primera vista parecen alejarse de nuestro entendimiento. Sin embargo, no hay que caer en la trampa del miedo, aquí es posible dilucidar que, pese a los distintos orígenes de los artistas, sus influencias y los lugares donde desarrollaron sus obras, los vincula una tierra en común: Colombia. Gracias a las voces de los creadores, grabadas por la HJCK durante más de medio siglo, es posible entender los procesos sociales, culturales y políticos que gestaron algunas de las obras más importantes de nuestro país. Nuestro arte está basado, entre otras cosas, en la mirada y el proceder popular y en estas entrevistas y conversaciones (que encontrará cerca de algunas obras) descubrirá cómo los grandes artistas vieron y entendieron el mundo".Aquí le mostramos cómo acceder a los códigos y algunas obras en las que se encuentran: No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El fiscal Edilson Jutsiñamuy y La periodista Julieta Lezama tratan de descubrir qué hay detrás del hallazgo de unos restos humanos en La Calera. Este es solo el inicio de un viaje sin retorno en el que se van a encontrar cara a cara con lo más retorcido de la Psicopatía Colombiana.Esta adaptación de la novela de Santiago Gamboa es una radiografía de una sociedad enferma en donde la ambición, la corrupción y la relación entre el poder y el crimen marcan el destino de los personajes.Con doce actores en escena, video y música en vivo, el montaje lleva al espectador a ser parte de una investigación donde escena tras escena se va descubriendo quiénes están detrás de los más crueles asesinatos.Este 2023, la celebración de los 50 años del Teatro Libre inició con la presentación de “Hamlet, príncipe de Dinamarca” con la intención de ofrecer a nuestro público una visión clásica del teatro y que, sin duda, ha hecho parte de cientos de obras adaptadas y representadas por el Libre.Ahora, con una mirada más actual y moderna, el Teatro Libre estrena “Colombian Psycho” de Santiago Gamboa, una novela que, como otras del mismo autor, detalla minuciosamente la maldad del pensamiento colombiano.La adaptación para teatro de esta novela, definitivamente, acercará al público a situaciones que marcan la realidad de este país. Dice Diego Barragán.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Débora Arango nació el 11 de noviembre de 1907 en Medellín. Desde temprana edad, mostró un interés inquebrantable por el arte, pero su compromiso con la justicia social la llevó a un activismo implacable. Arango se convirtió en una voz crítica y valiente en una época en la que la sociedad colombiana estaba dominada por valores conservadores y tradicionales. Su obra artística se convirtió en su plataforma para denunciar las injusticias y desigualdades de su tiempo.El trabajo artístico de Débora Arango es conocido por su atrevida confrontación a temas tabú y su capacidad para desafiar las normas establecidas. Su estilo artístico evolucionó a lo largo de su carrera, pero su énfasis en la representación de la realidad social nunca flaqueó. En sus pinturas, dibujos y grabados, exploró temas como la prostitución, la opresión de género, la violencia y la hipocresía religiosa, provocando reacciones diversas en la sociedad. Arango fue pionera en la representación del desnudo en el arte colombiano, rompiendo barreras y desafiando los prejuicios de su tiempo. Su uso del color y la forma era expresionista y enérgico, lo que daba a sus obras una intensidad emocional única. "No les mostraba mis pinturas a los hombres porque hace 50 años, me hubieran quemado. Nunca pinté con la idea de que podía mostrar. No podía mostrar. Si todo esto hubiera llegado antes habría hecho mucho más. Estuve muy cohibida. Todo lo pinté a escondidas", dijo la artista.Su trabajo a menudo fue objeto de censura, y sus exposiciones eran canceladas o vetadas. El Gobierno colombiano, en particular, se oponía ferozmente a su trabajo, considerándolo una amenaza a la moral pública. No obstante, Arango persistió en su búsqueda de la verdad y la justicia social a través del arte.A pesar de la adversidad y la controversia que enfrentó en vida, el legado artístico de Débora Arango perdura. Sus obras se encuentran en importantes museos y colecciones en Colombia y el extranjero, y su influencia se siente en la obra de numerosos artistas contemporáneos. En 1972, recibió el Premio Nacional de Pintura de Colombia, un reconocimiento a su destacada contribución al mundo del arte.Débora Arango donó 233 piezas de su obra de arte al Museo de Arte Moderno de Medellín en 1986. Aunque a menudo fue rechazada durante los años en que estaba produciendo algunas de sus obras más provocativas, ahora es considerada como una de los artistas más importantes de Colombia, como una feminista y como una artista política. Recibió la Orden de Boyacá, el homenaje más alto de Colombia, en 2005. La última imagen que pintó fue para su mejor amigo Mateo Blanco (retrato de un amigo). Esta pintura se fue de gira a Estados Unidos. Murió el 4 de diciembre de 2005, a los 98 años de edad, y solo dejó de trabajar unos años antes de su muerte, cuando su cuerpo simplemente ya no le permitía pintar.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
Yo tenía ocho años. En aquel momento de mi vida, nada me importaba más que el béisbol. Mi equipo era el New York Giants, y seguía las actividades de aquellos hombres de gorra naranja y negra con la devoción de un verdadero creyente. Incluso ahora, al recordar ese equipo que ya no existe, que jugaba en un estadio que ya no existe, soy capaz de recitar los nombres de casi todos los jugadores. Alvin Dark, Whitey Lockman, Don Mueller, Johnny Antonelli, Monte Irvin, Hoyt Wilhelm. Pero ninguno era tan grande, tan perfecto ni tan digno de veneración como Willie Mays, el incandescente Say-Hey Kid.Aquella primavera me llevaron a mi primer partido de liga. Unos amigos de mi padre tenían asientos de tribuna en el Polo Grounds, y una noche de abril fui con mis padres y sus amigos a ver a los Giants contra los Milwaukee Braves. No sé quién ganó, no recuerdo un solo detalle del partido, pero sí recuerdo que, cuando acabó, mis padres y sus amigos se quedaron charlando en sus asientos hasta que todos los espectadores se hubieron marchado. Se nos hizo tan tarde que tuvimos que cruzar el campo y salir por una de las puertas centrales, que era la única que estaba abierta. Y dio la casualidad de que esa salida estaba justo debajo de los vestuarios de los jugadores.En el momento en que nos acercamos a la puerta, atisbé a Willie Mays. No había duda alguna de que era él. Se trataba de Willie Mays en persona, ya sin el uniforme del equipo, vestido con ropa de calle a menos de tres metros de mí. Conseguí que mis piernas me llevaran hacia él, y a continuación, haciendo acopio de todo mi valor, hice que las palabras me salieran de la boca:—Señor Mays —le dije—, ¿podría firmarme un autógrafo?Mays debía de tener unos veinticuatro años, pero fui incapaz de llamarle por su nombre de pila.Su respuesta a mi pregunta fue brusca pero amigable.—Claro, chaval —dijo—. ¿Tienes un lápiz?Recuerdo que estaba tan lleno de vida, hasta tal punto rebosaba juventud y energía, que no dejaba de dar saltitos mientras hablaba.💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Pero yo no llevaba lápiz, de modo que le pedí a mi padre si podía prestarme el suyo. El tampoco llevaba. Ni mi madre. Y resultó que los demás adultos tampoco.El gran Willie Mays seguía allí, mirándome en silencio. Cuando quedó claro que no había nadie en el grupo que llevara nada con lo que escribir, se volvió hacia mí y se encogió de hombros.—Lo siento, chaval —dijo—. Si no tienes lápiz, no puedo firmarte un autógrafo.Y salió del estadio perdiéndose en la noche.No quería llorar, pero las lágrimas empezaron a caerme por las mejillas, y no pude hacer nada para impedirlo. Y lo peor fue que seguí llorando en el coche hasta que llegamos a casa. Sí, estaba abatido, decepcionado, pero también irritado conmigo mismo por no ser capaz de controlar las lágrimas. No era ningún crío. Tenía ocho años, y se suponía que un muchacho de esa edad no debía llorar por algo así. No sólo no tenia el autógrafo de Willie Mays, sino que tampoco tenía nada más. La vida me había puesto a prueba, y yo no había sabido dar la talla.Después de aquella noche, comencé a llevar un lápiz conmigo allí donde iba. Adquirí la costumbre de no salir de casa sin antes asegurarme de que llevaba un lápiz en el bolsillo. No es que planeara hacer nada con él, pero no quería que me cogieran otra vez desprevenido. En una ocasión ya me habían pillado con las manos vacías, y no iba a permitir que eso volviera a pasarme.Cuando menos, los años me han enseñado esto: si llevas un lápiz en el bolsillo, hay bastantes posibilidades de que algún día te sientas tentado a utilizarlo.Como me gusta decirles a mis hijos, así es como me hice escritor.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Paul Auster, nacido el 3 de febrero de 1947 en Newark, Nueva Jersey, fue un autor estadounidense cuyo trabajo significó uno de los paradigmas de la literatura norteamericana contemporánea. A lo largo de su carrera, Auster fue aclamado por su habilidad para explorar temas complejos como la identidad, el azar y la soledad a través de una prosa distintiva y evocadora.💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Uno de los aspectos más destacados de la obra de Paul Auster fue su famosa "Trilogía de Nueva York", compuesta por las novelas "Ciudad de cristal" (1985), "Fantasmas" (1986) y "La habitación cerrada" (1986). Esta trilogía, considerada una obra maestra del género posmodernista, fusionó elementos del thriller, la metaficción y la filosofía existencialista para crear una narrativa absorbente que desafió las convenciones literarias tradicionales.Auster fue conocido por su estilo de escritura conciso y reflexivo, así como por su uso magistral de la estructura narrativa fragmentada y la voz narrativa ambigua. Sus personajes a menudo se encontraban en mundos enigmáticos y laberínticos donde la realidad se entrelazaba con la fantasía, lo que invitaba al lector a reflexionar sobre cuestiones fundamentales de la vida y la experiencia humana.Además de su trilogía más famosa, Auster produjo una amplia gama de obras que abarcaban novelas, ensayos, poesía y memorias. Entre sus obras más destacadas se encontraban "El libro de las ilusiones" (2002), "Brooklyn Follies" (2005), "4 3 2 1" (2017) y "Diario de invierno" (2012). En cada una de estas obras, Auster demostró su maestría para tejer historias complejas y profundamente humanas que resonaban con los lectores a nivel emocional e intelectual.El trabajo de Auster fue destacable por su capacidad para capturar la esencia de la condición humana en todas sus complejidades y contradicciones. Su enfoque introspectivo y su exploración de temas universales como el destino, el azar y la búsqueda de significado consolidaron su lugar como uno de los escritores más influyentes de su generación.Auster falleció el martes 30 de abril a los 77 años después de padecer cáncer de pulmón. A lo largo de su carrera, fue galardonado con numerosos premios y reconocimientos, incluyendo el Premio Príncipe de Asturias de las Letras en 2006. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El martes 30 de abril del 2024 será recordado por el día en el que murió Paul Auster, el renombrado escritor estadounidense conocido por sus obras literarias que cautivaron a lectores de todo el mundo. Auster, de 77 años, partió tras padecer cáncer de pulmón, según lo reportado por el diario The New York Times el martes.Nacido con un don para la narrativa, Auster dejó una huella indeleble en la literatura contemporánea con obras que exploran las complejidades de la existencia humana y la condición moderna. Su famosa "Trilogía de Nueva York", que incluye obras emblemáticas como "Ciudad de cristal", "Fantasmas" y "La habitación cerrada", se ha ganado un lugar destacado en el canon literario.Más allá de su genio creativo, Auster será recordado por su carácter afable y su profundo compromiso con la escritura. Amigo y mentor para muchos, su legado trasciende las páginas de sus libros, dejando una marca perdurable en la comunidad literaria.
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La campaña “Donar un libro es un Hecho de Paz”, liderada por la Misión de Apoyo al Proceso de Paz en Colombia (MAPP/OEA), que cumple veinte años de presencia en Colombia y la Cámara Colombiana del Libro, llega a su quinta edición.Esta iniciativa, que desde 2019, ha entregado más de 17.500 libros en los territorios más afectados por el conflicto armado, la criminalidad y la inequidad, y en diferentes centros carcelarios del país, está pensada principalmente en niñas, niños y adolescentes para incentivar la lectura y su capacidad para transformar realidades sociales en pro de la construcción de paz en sus municipios y comunidades.“Este 2024, la MAPP/OEA cumple 20 años de trabajo ininterrumpido en Colombia acompañando a las comunidades y a las instituciones en los territorios, y con su despliegue territorial en más de 100 municipios de 18 departamentos, a través de 14 oficinas regionales permanentes, está a disposición del país para llevar la lectura como un hecho de paz a aquellos lugares que más lo necesitan”, señaló Roberto Menéndez, Jefe de la MAPP/OEA.Hasta ahora esta campaña ha entregado ejemplares en más de 80 iniciativas locales en todas las regiones del país, como escuelas, organizaciones sociales y de líderes, asociaciones de educadores, consejos comunitarios, colectivos juveniles, centros comunales y bibliotecas en zonas rurales y urbanas de departamentos como La Guajira, Antioquia, Arauca, Norte de Santander, Valle del Cauca, Caquetá, Cauca, Córdoba, Guaviare, Meta, Cesar, Putumayo y Nariño, entre otros.También han estado presentes en centros penitenciarios de Jamundí, Valle del Cauca; La Dorada, Caldas; Apartadó, Antioquia; y el Buen Pastor de Bogotá, como parte del programa “Cultura Para La Libertad” de los Ministerios de Justicia y de Cultura, que con apoyo del INPEC y la MAPP/OEA, impulsan una iniciativa de resocialización e integración para personas privadas de la libertad, a partir del fomento a la lectura, la escritura y la educación.“Como representantes del sector editorial colombiano, es fundamental continuar fortaleciendo los vínculos entre los libros y sus lectores, así como articular las distintas iniciativas que se gestan alrededor de la promoción de la lectura en el país. Esta campaña, que ya llega a su quinta edición, evidencia el interés genuino de los y las ciudadanas, para que las palabras lleguen a todos los rincones del país”, afirma Adriana Ángel Forero, directora de la FILBo, espacio en el que también los interesados podrán hacer donaciones de libros."Desde la Misión celebramos la participación de Brasil, país miembro de la Organización de los Estados Americanos, como invitado de honor a la Feria este año. También, agradecemos el apoyo de la Cámara Colombiana del Libro, Servientrega y las embajadas de países socios y amigos de la MAPP/OEA como Suecia, Países Bajos, España, Reino Unido e India; de entidades como el Centro Nacional de Memoria Histórica; y a miles de colombianas y colombianos que se han querido sumar a esta iniciativa a lo largo de sus distintas ediciones”, agregó Menéndez.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Cómo donar libros? Quienes deseen contribuir a esta campaña deben tener en cuenta que los libros donados deben estar en perfecto estado y abordar temáticas como literatura infantil, juvenil y universal; derechos humanos; niñez, convivencia y diálogo; Paz, equidad y reconciliación; y medio ambiente.Durante los días de la FilBo, podrán entregar los libros en los stands de Servientrega en Corferias o en la oficina de la Cámara Colombiana del Libro, en el segundo piso del pabellón 23.También hay espacios distintos a Corferias para hacer las donaciones: pueden acercarse a la Biblioteca Fundadores Colegio Gimnasio Moderno, ubicada en la carrera 9 #74-99 en Bogotá, o revisar uno de los 65 puntos de recepción de libros dispuestos por Servientrega en todo el país aquí.En la edición 2023 de “Donar un Libro es un Hecho de Paz” se recogieron más de 2.800 libros en todo el país. Este año, con el apoyo de Servientrega, la MAPP/OEA y la FILBo se encargarán de entregar los libros recolectados.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.