El Centro Felicidad Chapinero, inaugurado en octubre de 2024, fue el escenario del anuncio de uno de los proyectos culturales de la Alcaldía de Bogotá para el 2025: la realización de la primera Bienal Internacional de Arte y Ciudad BOG25.A través de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte, SCRD, propone fomentar y fortalecer el ecosistema de las artes plásticas y visuales, la arquitectura y el diseño en Bogotá y amplificar otra rama de la cultura y el arte en la ciudad.Con la ciudad como escenario, esta bienal tendrá lugar del 20 de septiembre al 7 de noviembre de 2025, abriendo el espacio de la ciudad al arte, con un ejes temáticos que girarán entorno a la arquitectura de Bogotá, las migraciones, la felicidad, el goce y el ocio, los rituales y la naturaleza, entre otros. Santiago Trujillo, secretario de Cultura, aseguró que la bienal estará en las calles, barrios e incluso en el Transmilenio, permitiendo que artistas emergentes y artistas consolidados de la ciudad dialoguen con artistas de otras partes del mundo.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí“Hicimos una inversión presupuestal de más de 7 mil millones de pesos por ahora y esperamos que aumente porque estamos convencidos de que es muy importante una ciudad como Bogotá que haya un escenario de reflexión y gozo alrededor de las artes plásticas, de las artes del diseño e instalativas”, dijo y puntualizó que el hecho de que una ciudad logré tener una bienal de arte, representa su mayoría de edad cultural.Una mayoría de edad que la ciudad ha venido transitando a través de otras propuestas culturales enfocadas en las artes plásticas durantes las últimas dos décadas como como ArtBo y el Distrito de Arte de San Felipe, entre otras iniciativas públicas y privadas que anualmente se realizan en galerías y espacios convencionales y no convencionales de la ciudad.En el anuncio de la bienal, que estuvo acompañada también por el alcalde Carlos Fernando Galán, se dio a conocer el equipo que lidera esta propuesta cultural, que tendrá dos codirectores y un comité curatorial. Los gestores culturales Diego Garzón y Juan Ricardo Rincón, fundadores de La Feria del Millón, plataforma dedicada al arte emergente que se realiza en distintos espacios de Bogotá desde hace 12 años, son los codirectores de la bienal.“Las bienales internacionales normalmente giran alrededor de un curador, pero por ser la primera bienal de esta envergadura propusimos armar un comité plural, que permite agrupar muchas miradas”, explicó Garzón sobre la conformación del equipo que conforma el comité curatorial.María Wills, historiadora del arte y curadora especializada en arte contemporáneo; Jaime Cerón, investigador, crítico de arte, curador independiente y gestor cultural; y Elkin Rubiano, doctor en Teoría del Arte y Arquitectura, hacen parte desde ya de este comité. Wills aseguró que “la gente está buscando cada vez más una espiritualidad y el arte en muchos casos está dispuesta a brindar experiencias que van a ser muy oportunas dentro de estos ensayos sobre la felicidad”, sobre los ejes que tendrá la bienal.La bienal ofrecerá espacios de intercambio creativo, pero también de diálogo y reflexión crítica. Al descentralizar sus actividades, que incluyen programación educativa y talleres, la BOG25 promoverá la inclusión social y el acceso al arte para todos los públicos, incluidos niños, jóvenes y adultos de sus barrios y localidades.Durante el evento, el Secretario también destacó que, en línea con el objetivo de internacionalización de Bogotá, y del espíritu de intercambio cultural que inspira a la BOG25, se hará en los próximos días un importante anuncio como resultado de su reciente visita a Ciudad de México, donde se reunió con Ana Francis Mor, secretaria de Cultura de esa capital, para firmar un Memorando de Entendimiento entre las dos ciudades.Desde el Centro Felicidad Chapinero, donde se rindió homenaje a los artistas Beatriz González y Alfredo Jaar, la Secretaría también anunció a los ganadores de las primeras tres convocatorias de la bienal: intervenciones artísticas barriales, curadurías artísticas independientes y arte popular, entre las que se entregarán incentivos por 309 millones de pesos.“Queremos que Bogotá poco a poco se posiciona con un evento como la bienal; la idea es que así como hay gente que viaja desde otros países para eventos como el Estéreo Picnic o Rock al Parque la bienal en el corto y mediano plazo convoque a personas de otros países a ver arte”, espera Garzón.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Gracias al proyecto 'Nel segno del genio. Velázquez en los documentos del Archivio di Stato di Roma', hasta el próximo 9 de febrero podrán verse estas piezas en la Galería de las Colecciones Reales, el Museo del Prado y la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, que muestran información del segundo viaje del pintor a Roma, entre 1649 y 1651.Los documentos demuestran su papel como intermediario cultural entre España e Italia durante el Siglo de Oro, periodo que se desarrolló entre los siglos XVI y XVII, en el que España vivió un auge del pensamiento, las artes y las letras.Velázquez fue enviado a Italia por el rey Felipe IV para comprar cuadros y esculturas con las que decorar el Alcázar de Madrid (residencia de los reyes).En concreto, los textos describen varios encargos realizados por Velázquez para fabricar copias de esculturas clásicas italianas, a menudo con instrucciones precisas sobre la técnica a emplear así como sobre la materia prima.Por ejemplo, el manuscrito exhibido en la Academia de San Fernando está firmado por él y el escultor Orazio Albrizio para realizar en yeso tres esculturas ubicadas entonces en el Cortile del Belvedere (en el Vaticano) 'Nilo', 'Apolo' y 'Antinoo'.A su lado, en la muestra se exhiben varios vaciados de obras como 'Ariadna dormida' o 'Hermes Loghios' que fueron encargados personalmente por Velázquez, o a través de un apoderado o procurador, con contratos similares al expuesto.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíDe la misma manera, la Galería de las Colecciones Reales acoge el contrato para realizar copias en bronce de tres esculturas de colecciones italianas que decoraron la Sala Octogonal del antiguo Alcázar de Madrid.Por último, el Museo del Prado muestra el contrato entre Velázqucz y Matteo Bonuccelli para la realización de doce leones de bronce que sirvieron de soporte a seis tableros de pórfido destinados a adornar el Salón de los Espejos del Alcázar de Madrid.De ello queda constancia en el retrato de Carlos II de Juan Carreño de Miranda que es parte de la colección del museo, así como en varias mesas de piedras duras que están expuestas en la Galería Central, pues con el tiempo varios de estos leones se utilizaron para sustentar sus tableros.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Hemos de reconocer que la pérdida de patrimonio cultural en Palestina es algo sistemático e intencionado. Hago un llamamiento para que haya responsabilidad, justicia y acciones que confronten este genocidio cultural", dijo la delegada ante la decimonovena sesión del Comité Intergubernamental para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Unesco, celebrada en la ciudad paraguaya de Luque.La representante aseguró que "todos los aspectos" de la Convención para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Unesco 2003 han sido amenazados por la guerra que se libra en la Franja de Gaza.En ese sentido, expresó la necesidad "urgente" de una "acción internacional unificada" y permanente para proteger el patrimonio cultural palestino."La comunidad internacional, incluida la Unesco, debe intensificar sus esfuerzos para salvaguardar el patrimonio palestino y apoyar la resiliencia y creatividad de los artistas que siguen inspirándonos pese a esta situación difícil", instó la diplomática, que hizo un llamado a Israel a que "cesen las acciones militares contra las instituciones culturales palestinas y los artistas".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEntre los 28 artistas y escritores fallecidos desde el ataque del grupo radical Hamás, que dio inicio a la guerra el 7 de octubre de 2023, Taweel recordó la muerte de la poeta y novelista Heba Abu Nada, recién comenzó la confrontación, y del pintor Fathi Ghaben, en febrero pasado."No son sólo creadores, sino que eran el corazón que late de la comunidad palestina, eran los que narraban las tradiciones, las aspiraciones de nuestro pueblo. Su pérdida es irreemplazable en un panorama cultural que ha quedado vacío", afirmó la representante de Palestina, que obtuvo reconocimiento como Estado miembro de la Unesco en 2011.El último informe de la Unesco estableció que 69 de los 120 sitios que vigila a través de imágenes satelitales en Palestina han sido dañados por la guerra, entre ellos espacios religiosos, edificios de interés histórico y/o artístico, depósitos de bienes culturales, monumentos y lugares arqueológicos.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Del tiempo que pasa” es la más reciente exposición del arquitecto y artista Luis Fernando Peláez que retoma la experiencia creada anteriormente en el Museo de Antioquia, en la exposición “El Río” en el año 2010. Esta obra presenta las piezas como una instalación envolvente que invita al espectador a recorrerla y sumergirse en las distintas atmósferas.La canoa a la deriva con una maleta flotando en su interior, el novillo en el agua, la casa flotando sugieren un paisaje intenso que confronta nuestra historia: la lluvia o la fuerza de la naturaleza, por ejemplo, o la errancia y el desarraigo. Estas obras se entrelazan en dos salas impregnadas de silencio, una oscura y otra clara, invitando a explorar lo que yace oculto en nuestra memoria colectiva.En palabras de Lucía González Duque, quien entonces era la directora del Museo de Antioquia, Peláez es “uno de los más destacados artistas en el panorama artístico nacional desde la década de 1980, cuando tuvo un gran reconocimiento en el país al recibir el primer premio del Salón Nacional de Artistas, distinción que compartió con Doris Salcedo. Ambos escultores son hoy destacados representantes de las artes plásticas colombianas tanto dentro como fuera del país”.Además de la exposición, esta obra de Peláez se complementa con la publicación homónima de Ediciones Arte Dos Gráfico de Bogotá. El libro contiene veintidós textos en caligrafía de Peláez sobre el acto creativo.La creación artística de Luis Fernando Peláez está profundamente atravesada por una carga poética. En sus objetos, ensamblajes e instalaciones, cada componente es un gesto lleno de poesía; todo parece insinuarse, contenerse y reflejarse en el conjunto.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíSus obras están llenas de relaciones, correspondencias, conexiones y simetrías: el arte se convierte en un medio para revelar los secretos más íntimos de las cosas, capturar sentimientos, suspender emociones y evocar diferentes estados emocionales.“Luis Fernando Peláez nos muestra en este libro que esas cosas, esas atmósferas, esos sueños que sus manos saben construir con cristales y maderas y resinas, mundos poderosamente quietos y elocuentemente mudos, también los sabe construir con palabras. Su nostalgia es contagiosa, nos impone su existencia, y sabe nombrar lo que perdimos; nos entrega esos momentos y nos conmueve al revelarnos que nosotros también los vivimos: esos seres que están ahí tal vez son los mismos que alguna vez amamos, esos inviernos están instalados hace siglos en nuestra memoria, esas despedidas nunca nos abandonaron”, comenta William Ospina.Podrá visitar esta exposición de lunes a viernes, en horario de 10:00 a. m. a 6:00 p.m. y los sábados entre las 10:00 a. m. y las 2:00 p.m. Tenga en cuenta que las visitas este año estarán disponibles hasta el 24 de diciembre y en 2025 desde el 15 de enero. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Galería Sextante (@galeriasextante)🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Bridget Bate Tichenor (1917–1990) fue una pintora franco-británica-mexicana cuya obra se inscribe en las complejidades del surrealismo y la magia realista. Su vida, marcada por desplazamientos geográficos y transformaciones personales, refleja un tránsito constante entre mundos: Europa, Estados Unidos y, finalmente, México. Fue en este último donde encontró no solo un hogar físico, sino también el ámbito espiritual y cultural que dio forma definitiva a su arte.Nacida Bridget Diana Bate en París en 1917, Tichenor creció en una familia de privilegio. Su madre, la exótica Vera Bate Lombardi, estaba conectada a la élite europea, lo que situó a Bridget en un entorno cosmopolita desde temprana edad. Su educación transcurrió entre Inglaterra, Italia y Francia, lo que le proporcionó una perspectiva culturalmente rica pero emocionalmente compleja. Estudió en la Slade School of Fine Art en Londres y más tarde en la Académie de la Grande Chaumière en París, instituciones que cimentaron su formación académica pero que no definieron del todo su enfoque artístico.A mediados del siglo XX, Tichenor emigró a México, un país que entonces se había convertido en un imán para artistas e intelectuales exiliados o marginados por las corrientes dominantes. Allí encontró su conexión más profunda con el simbolismo, el esoterismo y los paisajes interiores, temas que pronto se volverían centrales en su trabajo.La evolución de su estilo y su conexión con el surrealismoAunque vinculada frecuentemente con el surrealismo, el trabajo de Tichenor no se limitaba a las premisas automáticas o oníricas del movimiento encabezado por André Breton. Su obra se encuentra más cerca de lo que podría describirse como "realismo mágico" pictórico, un término que enfatiza la cohabitación de lo mundano y lo extraordinario en un mismo espacio visual.En sus óleos, ejecutados con una meticulosidad obsesiva, se percibe una influencia técnica que remite a los maestros flamencos como Jan van Eyck, con un énfasis en el detalle minucioso y la representación de texturas. Sin embargo, el contenido simbólico y espiritual de sus obras pertenece al ámbito de lo arquetípico. Sus figuras —frecuentemente híbridas, animales antropomorfizados y seres mitológicos— dialogan con las cosmogonías indígenas mexicanas y con un esoterismo universal que bebe tanto del ocultismo europeo como de las tradiciones chamánicas mesoamericanas.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíA diferencia de artistas como Remedios Varo o Leonora Carrington, quienes también exploraron lo fantástico en México, Tichenor permaneció relativamente al margen de los círculos artísticos establecidos, desarrollando un estilo aún más introspectivo y menos narrativo. Si bien Carrington y Varo usaban lo surreal como una extensión de sus experiencias personales, Tichenor parecía más interesada en trascender lo individual y abordar lo eterno.Contexto social y cultural: México como crisol creativoCuando Tichenor llegó a México en la década de 1950, el país atravesaba un periodo de efervescencia cultural. La Revolución Mexicana había dado paso a una identidad nacionalista que glorificaba el mestizaje y las raíces indígenas, lo que atrajo a artistas extranjeros en busca de autenticidad cultural. En este ambiente, Tichenor se sumergió en la riqueza de las tradiciones mexicanas, adoptando prácticas como el uso de textiles indígenas en su vida cotidiana y absorbiendo las cosmovisiones locales.La posición de Tichenor, sin embargo, era ambigua: aunque profundamente conectada con México, siempre mantuvo un aire de outsider, una figura que observa desde los márgenes. Esta dualidad —la de pertenecer y estar alienada al mismo tiempo— es evidente en sus obras, que trascienden el paisaje mexicano para situarse en una dimensión metafísica y atemporal.Muerte y legadoBridget Bate Tichenor murió en 1990 en Valle de Bravo, México, un lugar cuya geografía y atmósfera habían influido profundamente en su trabajo. En vida, su obra fue poco conocida, en parte debido a su carácter reservado y a su falta de interés en las estructuras comerciales del arte. Solo en décadas recientes ha comenzado a recibir un reconocimiento más amplio, especialmente en exposiciones que reevalúan el papel de las mujeres artistas en el surrealismo y el modernismo.El aislamiento de Tichenor la diferencia de contemporáneas como Frida Kahlo, cuya obra también dialoga con lo simbólico pero está anclada en un discurso político y autobiográfico explícito. Mientras que Kahlo expone su dolor de manera visceral, Tichenor opta por un simbolismo más abstracto y universal. En términos de técnica, su atención al detalle puede ser comparada con la de Varo, pero sin la narrativa expansiva que caracteriza a esta última.Bridget Bate Tichenor es, en última instancia, una artista cuya obra desafía categorizaciones simples. Su legado reside en su capacidad para fusionar lo físico y lo metafísico, lo humano y lo animal, lo histórico y lo eterno, creando un universo visual que permanece inquietantemente resonante.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El dibujo, elegido por Verlaine para ilustrar la primera edición de las obras completas del "Poeta maldito" en 1895, se expondrá al público por primera vez con motivo de la venta de la colección Hugues Gall por la casa de subastas Drouot."Es la joya de la colección", comenta con entusiasmo Ambroise Audoin, experto de la subasta. La obra tiene un recorrido "típico de los objetos rimbaldianos", conservada durante 130 años en colecciones privadas, según él.Rimbaud, con 17 años en ese momento y una silueta desgarbada, está representado de perfil, con el cabello largo cubierto por un sombrero, las manos en los bolsillos y fumando en pipa.Lejos de las caricaturas del poeta de la época, Verlaine "presenta al joven Rimbaud tal como era cuando llegó a París, con las manos en sus bolsillos rotos", describe Audoin.El dibujo, realizado "de memoria" por Verlaine en una fecha desconocida, representa "un momento decisivo de su historia común, de la historia literaria de Rimbaud", según el experto.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEn junio de 1872 Rimbaud ya había sido introducido y luego rechazado por los círculos literarios parisinos, hartos de sus escándalos."Es en ese momento que el destino de los dos amantes se entrelaza", continúa Audoin.A partir de julio de ese mismo año Verlaine y Rimbaud se embarcan en un viaje a Bélgica y Londres, donde vivirán los momentos más intensos de su historia de amor.En su prefacio a las "Poesías Completas", publicadas en 1895 -cuatro años después de la muerte del poeta en 1891- Verlaine escribe: Rimbaud "tenía un rostro perfectamente ovalado de ángel en exilio, con una boca roja intensa de gesto amargo".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El imperio de la luz" ("L'Empire des lumieres"), de 1954, había sido tasada en 95 millones de dólares. El valor final superó el récord anterior para una obra de Magritte (1898-1967), que había sido de 79 millones.Tras una puja de 10 minutos, la pintura que juega con luces y sombras hasta confundir el día con la noche fue rematada por 121.160.000 dólares, "un récord mundial para el artista y para una obra de arte surrealista en una subasta", afirmó la casa Christie's.La obra del maestro del surrealismo integraba la colección privada de la diseñadora y mecenas de origen rumano Mica Ertegun, fallecida a los 97 años en diciembre pasado.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa venta del Magritte, que coincide con el centenario del movimiento surrealista, era uno de los destaques de la actual temporada de subastas en Nueva York, cuyo mercado espera recuperarse del retroceso sufrido el año pasado.En la misma sesión del martes, la icónica obra "Standard Station", del estadounidense Ed Ruscha, se vendió por 68,26 millones de dólares, un nuevo récord en subastas para el referente del arte pop, actualmente de 86 años.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
No es más que una banana pegada a una pared, pero la obra del artista conceptual italiano Maurizio Cattelan causó otra sensación en el mercado del arte neoyorquino este miércoles por la noche: fue comprada por 6,2 millones de dólares por un empresario chinoestadounidense.En la casa de subastas de Sotheby's, siete compradores o sus representantes compitieron por adquirir la pieza titulada "Comedian", un plátano colgado de un muro con ayuda de un gran trozo de cinta adhesiva plateada.Después de varios minutos, el precio subió de 800.000 dólares a 5,2 millones -o 6,2 millones sumando comisiones-, cuando sonó el martillo.Poco después, Justin Sun, fundador de la plataforma de criptomonedas Tron, aseguró ser el comprador en un comunicado de Sotheby's."Esto no es sólo arte. Representa un fenómeno cultural que crea puentes entre los mundos del arte, los memes y la comunidad de criptomonedas", aseguró el empresario de Xining (China).💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíPrometió comerse "personalmente la banana como parte de esta experiencia artística única, honrando su lugar tanto en la historia del arte como en la cultura popular".El ejecutivo, de 34 años, ya se había hecho notar por adquirir en 2021 una escultura de Alberto Giacometti, "La nariz", por 78,4 millones de dólares. La famosa banana prometía ser una de las estrellas de la semana de subastas de otoño de Nueva York.Según su descripción, la obra del iconoclasta y provocador Cattelan, de la que existen tres ejemplares, cuestiona la noción de arte y su valor. Ha dado mucho que hablar desde su primera exposición en 2019 en Miami, donde otro artista se la comió para denunciar su precio, que entonces era de 120.000 dólares.La copia restante fue donada al Museo Guggenheim de Nueva York.Sotheby's había fijado el miércoles su estimación para la pieza entre 1 y 1,5 millones de dólares. Las condiciones de la venta incluyen un certificado de autenticidad e instrucciones sobre cómo reponer la fruta."Comedian" superó en valor a otra notoria obra rematada, "Despacho Oval (Estudio)" del ícono del Pop Art estadounidense Roy Lichtenstein, que alcanzó los 4,2 millones de dólares.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Un rostro masculino llena la mitad del lienzo, un ojo agrandado la otra. Tonos sombríos de gris, marrón y negro dominan el cuadro de 2,2 metros de altura, que es un retrato del matemático británico Alan Turing (1912-1954).Por primera vez, los compradores de la casa de subastas londinense Sotheby's pujaron por un cuadro hecho por un robot controlado por inteligencia artificial. El precio de compra -algo menos de 1,1 millones de dólares estadounidenses- superó todas las expectativas. Los expertos de Sotheby's habían estimado que alcanzaría una quinta parte de la cantidad final.¿Qué implica este sorprendente suceso en el mercado del arte para las obras creadas por inteligencia artificial? ¿Valen lo que cuestan? ¿Está el arte creado por el hombre a punto de quedarse atrás? Es más, ¿es realmente arte la obra AI God ("dios de la IA”) que Sotheby's ofrecía en su subasta en línea? El debate está en plena ebullición.¿Quién es el artista?Uno de los sorprendidos por la subasta de Londres es Henrik Hanstein, director de la veterana casa de arte Lempertz de Colonia. "No me lo esperaba”, afirma en una entrevista. Hanstein no está convencido de que un cuadro de IA sea una obra de arte."El arte de la IA es creado por máquinas, es decir, por ordenadores que trabajan con datos de otras obras de arte. Me parece muy difícil”, afirma este renombrado experto en el mercado del arte.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíDe hecho, AI God fue creado por una mano biónica, es decir, la de un robot: fue la artista robot humanoide Ai-Da quien pintó el retrato de Turing. A este matemático se le considera el padre de la informática moderna, por lo que el motivo reflejado en el cuadro es muy apropiado. Por su parte, la artista robot Ai-Da lleva el nombre de la matemática británica Ada Lovelace (1815-1852). Fue desarrollada en la Universidad de Oxford en 2019.La robot humanoide Ai-Da, con peinado de paje, tiene cámaras en los ojos, un brazo robótico y puede hablar gracias a un modelo de lenguaje de IA. Controlada por algoritmos, ya ha creado varias obras de arte, entre ellas un retrato de la reina Isabel II (1926-2022). Para el cuadro de Alain Turing, pintó varios cuadros que se combinaron para crear una nueva imagen.¿Pueden las obras de IA ser arte?Según Sotheby's, AI God es la primera obra de arte de un robot humanoide que se subasta. El precio récord marca un "momento en la historia del arte moderno y contemporáneo” y refleja la "creciente intersección entre la inteligencia artificial y el mercado mundial del arte”.Henrik Hanstein, experto en el mercado del arte, se muestra mucho más escéptico: "Por supuesto, la cantidad de siete cifras está dando la vuelta al mundo”, afirma, "pero no hay que sobrevalorarla, podría ser una casualidad”.Sin embargo, Hanstein no quiere descartar por completo la posibilidad de que las obras generadas por IA puedan ser arte, aunque no cree que un museo exponga tales obras.Los derechos de autor "El mercado del arte es muy crítico. Los coleccionistas y comisarios reconocen la calidad muy rápidamente”. El experto en arte considera que la cuestión más importante es quién pertenece realmente una obra de arte generada por IA. ¿Al programador? ¿Al proveedor? ¿O a los artistas a los que ha recurrido la IA? Los expertos en derechos de autor llevan mucho tiempo debatiendo esta controvertida cuestión.En lo que respecta al arte de la IA, Hanstein duda de que un ordenador pueda ser tan creativo como un artista adelantado a su tiempo. "Pero, con gusto, me dejo sorprender", dice.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El reconocido artista italiano, Michelangelo Buonarroti, conocido en español como Miguel Ángel, habría representado en 1509 a una mujer con aparente cáncer de mama en su obra llamada 'El diluvio universal', según revela un sorprendente análisis científico publicado en la revista The Breast.'El diluvio universal' corresponde a una de las nueve escenas que narran la historia bíblica del Génesis en la bóveda de la Capilla Sixtina, en el Vaticano. Por orden del papa Julio II, Miguel Ángel trabajó durante cuatro años para completar su obra, que incluye más de 300 figuras del Antiguo Testamento.Lo habría hecho a propósitoLos autores del nuevo estudio, entre los cuales se encuentran médicos, historiadores del arte y genéticos, sostienen que el artista italiano era reconocido por no dejar ningún detalle al azar. Por lo tanto, sugieren, no solo conocía muy bien esta enfermedad mortal, sino que también la representó en la obra de manera intencional.Además, debido a su gran habilidad como escultor y conocimiento de la anatomía humana, los científicos creen que es improbable que la deformidad de esta mujer en su pecho haya sido un simple descuido del artista.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíSimbologías que revelan el destinoLos historiadores entregan otras claves: el pañuelo de color azul es un signo de su estado civil, mientras que su dedo apuntando a la tierra sugiere que su muerte es inminente."La patología mostrada es probablemente un cáncer de mama, muy probablemente relacionado con el significado simbólico de una muerte inevitable, tal y como se expresa en el libro del Génesis", escriben los investigadores.Claras características de un cáncerPor su parte, el equipo médico ve características claras de la existencia de un cáncer de mama. Por ejemplo, en el seno derecho existe un sombreado indicativo de piel retraída alrededor de la región areolar.Además, se logra ver una protuberancia sutil un poco más arriba, cerca de la axila, que podría representar un aumento en el tamaño de los ganglios.Las pinturas de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina han sido restauradas en el pasado, pero las imágenes previas no muestran cambios significativos en el sombreado del seno que se observa, según los especialistas."Un significado de castigo"De acuerdo a Science Alert, otra obra similar de Miguel Ángel habría despertado anteriormente el interés de un grupo de oncólogos, que observaron un pecho distorsionado en una figura femenina de la tumba de Juliano de Médici.El motivo de Miguel Ángel para representar a una figura femenina con cáncer de mama seguirá siendo un misterio. Sin embargo, los científicos proponen una explicación: "La representación de un probable cáncer de mama está vinculada al concepto de la impermanencia de la vida y tiene un significado de castigo", concluyen.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
