Y podría tratarse solo de la punta del iceberg ya que las aseguradoras temen que las pérdidas de patrimonio cultural sean una de las más graves de la historia de Estados Unidos.El galerista Ron Rivlin, que tiene una galería de arte en Los Ángeles, ha señalado al New York Times que su casa de Pacific Palisades ha quedado reducida a ceniza. En su interior había cerca de 200 obras de arte, aproximadamente 30 piezas de Andy Warhol y docenas de otros artistas contemporáneos como Keith Haring, Damien Hirst, John Baldessari y Kenny Scharf.Pérdidas millonariasEntre las obras perdidas se encuentran un grabado de Warhol de la reina Isabel II, varias piezas de las icónicas latas de sopa Campbell y otras piezas similares de Superman, Mickey Mouse y Howdy Doody. El galerista asegura que, en su caso las perdidas ascienden a varios millones de dólares.Varias aseguradoras consultadas por Artnews, señalan que todavía es pronto para hacer cálculos, pero que las cifras serán sustanciales.El especialista en seguros de bellas artes y director general de Risk Strategies, Simon de Burgh Codrington, afirmó que "posiblemente sea una de las pérdidas de arte más impactantes jamás vividas en Estados Unidos".La Villa Getty, que atesora numerosas obras, se encuentra ubicada en la zona afectada por los incendios pero cuenta con un sistema de riego en su perímetro ideado para frenar incendios y que se puso en marcha el pasado 8 de enero cuando el fuego alcanzó el jardín, por lo que el edificio no se ha visto afectado.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíVarios artistas y sus estudios han visto desaparecer sus casas y estudios por los incendios y han tenido que cancelar o postponer sus exposiciones. Entre los afectados se encuentran Diana Thater, T. Kelly Mason, Camilla Taylor, Kelly Akashi, Paul McCarthy y Ross Smonini, señala Artnews.El New York Times también estima que cerca de 100.000 partituras del compositor Arnold Schoenberg han quedado destruidas. Sus herederos atesoraban y gestionaban el legado a través de una editorial ubicada en Palisades.El archivo personal y la biblioteca del editor literario y crítico de arte Gary Indiana, que contaba con numerosas piezas únicas, también ha sido destruida en el incendio, como explica en un testimonio en primera persona el escritor Colm Tóibín, que ha contado su experiencia en el medio London Review of Books.Tóibín vive en Highland Park, cerca de Pasadena, un área limítrofe con Altadena, donde se iba a ubicar el legado de Gary Indiana -fallecido en octubre en Nueva York- que precisamente llegó a Altadena un día antes de que comenzara el incendio."Fue el día equivocado. Si ellos (las ediciones firmadas, los libros de arte raros, los libros extraños, los libros que Gary atesoraba) hubieran llegado un día después, no habría habido una dirección donde entregarlos, por lo que se habrían salvado", lamenta Tóibín.Arquitectura en peligroLos incendios también amenazan con hacer desaparecer una gran parte del legado arquitectónico de Los Ángeles. Entre las casas que han desaparecido se encuentran la de estilo ranchero del cómico y actor Will Rogers o la casa Keeler House del arquitecto Ray Kappe, ambas en Palisades.En Altadena, las llamas se han cobrado otras dos joyas artquitectónicas: Zane Gray Estate y la Casa Andrew McNally.En Palisades se encuentra algunas obras referentes de la historia de la arquitectura como la Casa Eames, que fue vivienda y estudio de los diseñadores Charles y Ray Eames, y todo un símbolo del experimentación de mediados de siglo, y que todavía sigue en pie.Y más allá de su valor arquitectónico, algunas espectaculares mansiones de famosos también han desaparecido. Entre ellas, las de Jamie Lee Curtis, Mel Gibson, Jeff Bridges, Anthony Hopkins, Paris Hilton, Billy Crystal, Adam Brody y Leighton Meester o Rosie O'Donnell.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El museo londinense permanecerá abierto durante 24 horas en el último fin de semana de la exposición, con franjas horarias adicionales desde las 21:00 GMT del viernes 17 de enero hasta las 10:00 GMT del sábado 18.Se trata de la segunda vez en la historia que la National Gallery abre en horario nocturno, trece años después de la primera por motivo de la exposición 'Leonardo Da Vinci: Pintor en la Corte de Milán'.La exhibición "Van Gogh: poetas y amantes" es la primera exposición que la National Gallery dedica a Vincent van Gogh y la única a nivel mundial que se centra en las "transformaciones imaginativas" del artista, con más de 60 obras y préstamos de museos y colecciones privadas.La muestra de pago, inaugurada el pasado 14 de septiembre, ha recibido más de 280.000 visitantes hasta la fecha y las entradas para esta sesión nocturna ya están agotadas.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí"Nuestros visitantes tendrán la oportunidad única y especial de contemplar los cuadros de Van Gogh durante la noche y las primeras horas de la mañana, siguiendo los pasos de artistas como Freud, Bacon y Hockney, que vinieron aquí en esos momentos para inspirarse en la colección de la galería", explicó el director de la National Gallery, Gabriele Finaldi, en un comunicado.Asimismo, la iniciativa se enmarca dentro del programa de eventos por el 200 aniversario del museo, que a lo largo de este 2025 también incluirá las exposiciones de pago 'Siena: el auge de la pintura' y la primera muestra en el Reino Unido dedicada al artista mexicano José María Velasco, a partir del próximo mes de marzo.Igualmente, el 10 de mayo, la National Gallery reabrirá su Sainsbury Wing, tras completar la renovación más amplia de la institución en los últimos años.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El nombre de Margaret Keane renació de la oscuridad tras reconocer sus obras como suyas, los ojos tristes y nostálgicos que adornaban las salas de las familias en Estados Unidos sabían en el fondo qué manos los pintaron y a quien pertenecía su expresión de tristeza.La artista nació el 15 de septiembre de 1927 en Nashville, Tennessee. Desde temprana edad mostró un gran talento para el arte, destacándose especialmente en la pintura y el dibujo. Estudió en la Escuela de Arte Watkins en Nashville y posteriormente en la Escuela de Arte del Instituto de San Francisco.El sello de su obra fueron los personajes con ojos gigantescos que emanaban tristeza y melancolía. En 1955 se casó con el vendedor de arte Walter Keane quien decidió atribuirse a sí mismo las obras de Margaret, el marido vendía y comercializaba las obras de su esposa en todo Estados Unidos y comenzó a tener un reconocimiento absoluto en la escena artística de la época.Walter Keane comentaba en diferentes entrevistas que la inspiración para los cuadros habían sido los huérfanos europeos que había visto mientras prestaba el servicio militar en el marco de la Segunda Guerra Mundial. En realidad, nunca se encontraron registros de que Keane prestara servicio en ningún lugar del mundo.Mientras Keane comercializaba las obras, Margaret pasaba horas pintando en el estudio de su casa, creyendo que su marido estaba apoyando su trabajo artístico ya que según él era una época difícil para el arte hecho por mujeres.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa artista descubrió que su marido estaba mintiendo cuando alguien que visitaba su galería le preguntó si ella también pintaba como lo hacía su esposo. Tras este suceso enfrentó a Keane, pero no logró hacer mucho porque él la convenció de que las mujeres artistas no tenían futuro. Además la convenció de que ya era muy tarde y que no pasaría nada ya que ella firmaba con el apellido Keane.El arte de Margaret se convirtió en un ícono de los años 60 por tener piezas accesibles y retratos de niños que no se habían visto en ningún otro lado. Keane estuvo hasta 1970 con su marido quien se convirtió en un hombre alcohólico y vividor.Al llegar el divorcio Walter Keane aún sostenía que las obras eran suyas así que el juez decidió ponerlos a prueba para saber quién era el verdadero autor, les pidió que hicieran un retrato en simultáneo, Margaret lo terminó en 53 minutos y Walter se negó a hacerlo por una supuesta molestia en el hombro. El juez determinó que la autoría de los cuadros era de Margaret y que el marido debía darle cuatro millones de dólares como indemnización, dinero que nunca pagó por entregarse al alcohol. Walter Keane falleció en el año 2000, arruinado por sus adicciones.Tras su separación con Keane, Margaret pintó más que nunca. Se le atribuyó todo su trabajo y se le concedió el reconocimiento que merece, se mudó a Hawaii junto a su hija y allí tuvo gran inspiración para sus cuadros, un ejemplo de eso es su pintura Eyes Upon You, realizada en 1972.En el año 2014 el director Tim Burton se inspiró en su historia y estrenó Big eyes, un filme que relata la vida de la artista y el dilema con la identidad de su obra. La película es protagonizada por la actriz Amy Addams quien es fiel admiradora de Margaret. Otro tributo a Keane han sido las campañas de moda, por ejemplo Miu miu con Gigi Hadid en el 2023.Margaret Keane inventó una forma de ver el mundo a través de unos ojos inmensos atravesados por la nostalgia, este sello personal la llevó a ser una de las caras más importantes del arte en el siglo XX. La artista falleció el 26 de junio de 2022 a los 94 años.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El dadaísmo es uno de los movimientos artísticos y literarios más provocativos del siglo XX. Nacido en el contexto de la Primera Guerra Mundial, este movimiento surgido en Zúrich, Suiza, en 1916, se presentó como una respuesta de rebeldía ante la irracionalidad de la guerra, los valores tradicionales y las estructuras de poder. Liderado por artistas que buscaban cuestionar todo lo establecido, el dadaísmo se caracterizó por su irreverencia, su absurda lógica y su afán por destruir los límites entre el arte y la vida cotidiana.El dadaísmo se define por una serie de características que lo distinguen de otros movimientos artísticos:Rechazo de las normas tradicionales: Los dadaístas cuestionaron las nociones clásicas de belleza, técnica y composición. Uso del absurdo y el azar: Incorporaron elementos ilógicos, el humor y la espontaneidad para desafiar el pensamiento racional.Experimentación con materiales y formas: Utilizaron objetos cotidianos, collages, fotomontajes y ready-mades. Crítica social y política: Muchas de sus obras son comentarios sobre la guerra, el capitalismo y la sociedad burguesa.Interdisciplinariedad: El dadaísmo se expresó en diversas disciplinas, como la pintura, la literatura, la escultura, la performance y el teatro.A través de estas características, el dadaísmo redefinió los límites del arte y provocó una ruptura con las tradiciones establecidas.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíPrincipales exponentesMarcel Duchamp (1887-1968) es uno de los nombres más asociados al dadaísmo y una figura clave en la historia del arte moderno. Su obra más icónica, Fountain (1917), consiste en un urinario invertido firmado con el seudónimo "R. Mutt". Este ready-made desafió la definición tradicional de arte al presentar un objeto cotidiano como obra artística, enfatizando que el valor del arte reside más en el concepto que en la técnica o el material.Duchamp también exploró el humor y la ironía en piezas como L.H.O.O.Q. (1919), una reproducción de la Mona Lisa a la que le añadió un bigote y una barba. A través de su trabajo, Duchamp no solo redefinió el arte, sino que también estableció las bases del arte conceptual, una influencia que resuena hasta hoy.Hannah Höch (1889-1978) fue una de las pocas mujeres reconocidas en el movimiento dadaísta y una de sus figuras más importantes en el desarrollo del fotomontaje. Su trabajo exploró temas de género, identidad y política, desafiando las normas sociales de su época.Su obra más conocida, Corte con el cuchillo de cocina Dada a través de la última época cultural alemana (1919-1920), es un collage que combina imágenes de periódicos, fotografías y textos para criticar el orden patriarcal y el caos político de la Alemania de posguerra. Höch fue pionera en abordar la fragmentación de la realidad y la identidad a través de sus obras, creando una estética visual única que influyó en generaciones de artistas posteriores.Tristan Tzara (1896-1963), nacido en Rumanía, fue uno de los fundadores del dadaísmo y su principal teórico. Como poeta y escritor, Tzara jugó un papel fundamental en la articulación de los principios dadaístas, publicando manifiestos que desafiaban las convenciones artísticas y literarias.Tzara también fue conocido por su poesía absurda y experimental, en la que empleó técnicas como la escritura automática y el collage textual. Una de sus obras representativas es el poema Para hacer un poema dadá, en el que instruye al lector a cortar palabras de un periódico, mezclarlas al azar y usarlas para componer un poema. Este enfoque subraya la importancia del azar y la espontaneidad en la creación artística, pilares fundamentales del dadaísmo.Aunque el movimiento dadaísta como tal tuvo una corta duración, su impacto en el arte y la cultura fue profundo y duradero. El dadaísmo preparó el terreno para movimientos posteriores como el surrealismo, el arte conceptual y el posmodernismo. Al desafiar las normas establecidas y cuestionar qué constituye el arte, los dadaístas ampliaron los horizontes de la expresión creativa.En un mundo cada vez más fragmentado e impredecible, el espíritu irreverente y crítico del dadaísmo sigue siendo una fuente de inspiración para artistas que buscan confrontar las estructuras de poder y explorar nuevas formas de significado. El dadaísmo no solo fue un movimiento artístico, sino también una declaración política y filosófica que nos invita a cuestionarlo todo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Más de 25 carrozas, algunas de hasta 15 metros de largo y 10 de alto, compitieron entre varias categorías para quedar entre las mejores de este año."Es el culmen de la fiesta, un día apoteósico, la creatividad a flor de piel. Con profundo compromiso con el Patrimonio Cultural Inmaterial desfilan por la senda del carnaval disfraces individuales, murgas, comparsas, carrozas, con temas en los que emergen figuras ancestrales, lo sagrado y lo profano, mitos y leyendas propios o universales, verdaderas obras de arte", reseña la organización del Carnaval en sus redes sociales.Edgar Rivas, que nació en Pasto pero que vive hace años en Cali, capital del Valle del Cauca, estuvo desde la madrugada de este lunes en la calle por donde pasaba el Desfile Magno para asegurarse un sitio y disfrutar del espectáculo."Es increíble ver toda la magia del Carnaval de Negros y Blancos y la espera de más de cuatro horas no es nada", aseguró a Rivas, quien dijo que ha asistido sin falta al carnaval en los tres últimos años.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíPor su lado, el alcalde de Pasto, Nicolás Toro, destacó la afluencia de turistas a la ciudad y aseguró que por lo menos 100.000 personas, incluso hasta 150.000, visitan la ciudad, lo que permite que la economía se dinamice.Trabajo de mesesLa elaboración de las carrozas supone el trabajo mancomunado de hasta 50 personas que durante más de seis meses se reúnen para darle vida al proyecto que primero se esboza en papel y luego se pasa a una maqueta, para más adelante comenzar a construirla.Lorena Burbano, directora de comunicaciones del carnaval, explicó a que este año se habilitó "la Ciudadela Carnaval", un espacio privado en el que los artistas pudieron trabajar con mayor libertad porque tenían vigilancia y estaban en un espacio cerrado, pues antes ocupaban calles y parques, que dificultaban el normal desplazamiento de la gente por la ciudad.Además, cada uno de los grupos que pasó el filtro para concursar en el Desfile Magno recibió un auxilio de 72 millones de pesos (unos 16.500 dólares de hoy) para construir sus carrozas.El Desfile Magno hace parte del 'Día de blanquitos', en el que la gente que sale a la calle es pintada con talco, harina y espuma, vivenciando con alegría y efusividad la magia de un ritual que motiva a familiares, amigos y moradores.Esta actividad sigue al 'Día de negritos', en alusión esclavos negros que tomaban restos de carbón y tiznaban las caras de cuantas personas se cruzaran en su paso. También es una forma de rendir homenaje al único día que los esclavos tenían libertad para hacer actividades lúdicas y compartir momentos de esparcimiento durante la época colonial.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Distintas obras del mundo quedarán en el dominio público tras el 1 de enero de 2025 según el Centro Duke de dominio público de los Estados Unidos. El centro anunció que las obras realizadas en el último año de la década de 1920 podrán ser "copiadas, compartidas y se podrá crear a partir de ellas”.En el ámbito cinematográfico entran en la lista películas emblemáticas como Chantaje de Alfred Hitchcock, El reloj negro de John Ford y Dinamita de Cecil B. De Mille, además entra el cortometraje The Karnival Kid (El chico del carnaval), donde Mickey Mouse habló por primera vez.Si hablamos de literatura en el 2025 serán del dominio público los siguientes títulos: Una habitación propia de Virginia Woolf, El misterio de las siete esferas de Agatha Christie, El ruido y la furia de William Faulkner, El halcón maltés y Cosecha Roja de Dashiell Hammett, la versión original en alemán de Cartas a un joven poeta de Rainer Maria Rilke y Adiós a las armas de Ernest Hemingway.Popeye, el marino y la primera versión de los comics de Tin tin también hacen parte de la lista. "Entre las nuevas composiciones de dominio público se encuentran Un americano en París de Gershwin, Bolero de Ravel , Ain't Misbehavin' de Fats Waller y el número musical Cantando bajo la lluvia", menciona el Centro Duke en el anuncio de la lista. 💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíTres obras del pintor español Salvador Dalí también entran allí, Placeres iluminados, Las acomodaciones del deseo y El gran masturbador, estas obras cumplen con el requicito de haber sido realizadas hace más de 95 años. Autores colombianos que estarán en el dominio público en 2025La Biblioteca Nacional de Colombia anunció los autores colombianas que estarán bajo el dominio público el otro año, entre ellos hay poetas, escritores e investigadores. Esta es la lista: Teófilo Albán Ramos, Benjamín Belalcázar B., Víctor Eduardo Caro, Luis de Greiff Obregón, Jesús María Henao, Joaquín Quijano Mantilla, Juan María Restrepo, Ricardo Rivas, Elías Mauricio Soto Uribe y Juan Clímaco Vélez Carmona. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El arte realista es un movimiento que surgió como una respuesta directa al idealismo y a los temas imaginativos que predominaban en el arte romántico del siglo XIX. Su enfoque principal es la representación precisa y fiel de la realidad, mostrando la vida cotidiana y las experiencias humanas tal y como son, sin idealización ni embellecimiento. Este movimiento busca capturar la verdad de la existencia, reflejando las condiciones sociales, económicas y políticas de su época.El realismo como corriente artística se distingue por una serie de características que lo definen:Temas cotidianos: el arte realista se centra en representar escenas de la vida diaria, desde campesinos trabajando en el campo hasta las luchas de las clases obreras en las ciudades.Detallismo: los artistas realistas ponen gran énfasis en los detalles, buscando una representación fiel y precisa de personas, objetos y paisajes.Compromiso social: Este movimiento a menudo aborda temas sociales y políticos, exponiendo las injusticias y desigualdades de la sociedad.Ausencia de idealización: a diferencia del romanticismo, el realismo no busca embellecer o idealizar; muestra la vida tal y como es, incluso con sus aspectos más crudos y difíciles.Técnica precisa: los artistas realistas utilizan técnicas meticulosas para lograr una gran fidelidad en sus obras, prestando especial atención a la luz, la textura y la perspectiva.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíA lo largo de la historia del arte, varios artistas han sobresalido en la representación realista, dejando un legado imborrable. A continuación, destacamos cuatro exponentes clave del movimiento:Gustave Courbet (1819-1877): considerado uno de los fundadores del realismo, Courbet se centró en representar a campesinos y trabajadores en su entorno cotidiano. Obras como El entierro en Ornans y El taller del pintor muestran su compromiso con la realidad social de su tiempo.Honoré Daumier (1808-1879): conocido por sus agudas caricaturas y pinturas que reflejan la vida de las clases bajas y medias en Francia, Daumier denunció las desigualdades sociales y la hipocresía política en obras como Los pasajeros de tercera clase.Jean-François Millet (1814-1875): especializado en representar la vida campesina, Millet capturó con maestría el arduo trabajo rural en obras como El ángelus y Las espigadoras, donde destaca su empatía por las clases trabajadoras.Ilía Repin (1844-1930): pintor ruso que llevó el realismo a nuevas alturas, Repin retrató la vida del pueblo ruso con una profundidad psicológica impresionante. Obras como Los sirgadores del Volga reflejan la dureza de las condiciones de trabajo y la fuerza del espíritu humano.El arte realista es una ventana a la verdad de la existencia humana, una forma de comprender y reflexionar sobre las condiciones sociales y culturales de distintas épocas. Al capturar la vida cotidiana con una fidelidad inquebrantable, este movimiento nos invita a mirar más allá de la superficie y a enfrentarnos con la realidad tal cual es. Los exponentes mencionados no solo definieron el realismo, sino que también inspiraron a generaciones futuras a buscar la autenticidad en el arte. Explorar sus obras es adentrarse en un mundo de honestidad y compromiso social que sigue siendo relevante en la actualidad.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Con el arribo del buque "Sinaia", el 13 de junio de 1939, al puerto de Veracruz, México empezó a recibir miles de intelectuales, poetas y artistas, quienes, además de salvar su vida y la de sus familias mientras perseguían la libertad, enriquecieron su nueva patria o se nutrieron de ella.Parte de ese éxodo fueron hijas, madres, abuelas o hermanas, que, como tantos más, pensaron que volver a casa sería cuestión de unos meses. La historia se encargó de desengañarlas. Lo único que derrocó al régimen de Francisco Franco fue su muerte en 1975.Durante ese tiempo, varias de ellas, ya formadas como artistas en su país de origen, pudieron crear sin censura en México. Ese fue el caso de Manuela Ballester (1908-1994), polifacética artista valenciana, comprometida con los ideales democráticos y los derechos de su género, fallecida en Berlín.También la madrileña María Teresa Toral (1911-1994), distinguida grabadora, brillante científica y farmacéutica encarcelada en España. Tras exponer internacionalmente en la década de los 60 y 70, su obra pudo ser apreciada en su tierra natal hasta 1975.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíArte con un denominador común: el exilio de España"Exiliadas de España. Artistas en México” es el nombre de una colección de más de 200 piezas que dan cuenta de la figura y trabajos de estas y otras creadoras. La exposición puede admirarse en el Antiguo Colegio de San Ildefonso de la capital mexicana entre 11 de diciembre de 2024 y el 27 de abril de 2025.La exhibición gira en torno a "29 mujeres de diferentes edades con diferentes experiencias artísticas, hay muchísima variedad, pero con algo en común: un vínculo con España, con el exilio que marcó su trayectoria vital y profesional”, explica Yolanda Guasch Marí, co-curadora de la muestra.Pinturas, fotografías, bocetos, serigrafías, tapices, documentos e incluso poemas ofrecen una visión artística de la memoria, la resiliencia de aquellas que dejaron todo atrás, al igual que el significado de ser hijas, nietas o bisnietas del exilio, nacidas y criadas al otro lado del océano. "Regina Raull, Mary Martín, Lucinda Urrusti o Marta Palau vinieron de niñas, pero se formaron e integraron de otra manera”, agrega la especialista.Obras que ven la luzA menudo, el talento de Josep Renau, Vicente Rojo o Enrique Climent ha sido centro de homenajes, catálogos y muestras individuales o colectivas en ambos lados del Atlántico. Pocas mujeres han tenido este honor.El discurso museográfico busca sacar del anonimato nombres como Carmen Millá, Loty de la Granja, Alma Tapia Bolívar, Guadalupe y Nela Gaos, Paloma Altolaguirre, Montserrat Aleix, Elena Climent, Josefina Ballester, Puri Yáñez y Yani Pecanins, empezando por su país de acogida o nacimiento."Estas artistas que hoy valoramos son a la vez españolas y mexicanas, desgraciadamente mucho más mexicanas por el reconocimiento que han tenido aquí, pues en España son poco conocidas”, explica Rafael López Guzmán, co-comisario de la exposición.Algunas excepciones son la pintora y escritora geronesa Remedios Varo (1908-1963), perteneciente a la Generación del 27 e ícono del surrealismo. En México, a donde llegó en 1941, colaboró con Marc Chagall en el vestuario del ballet "Aleko” e hizo amistad con Frida Kahlo y un nexo entrañable con otra surrealista, la inglesa Leonora Carrington.Asimismo, Elvira Gascón (1911-2009), ilustradora ibérica, docente de dibujo y activa muralista ha sido ejemplo de "mujeres que quedaron en silencio, como tantas veces, en la historia del arte. De alguna manera oscurecidas, marginadas de la visión central o dominante del arte”, lamenta Eduardo Vázquez Martín, coordinador ejecutivo del Antiguo Colegio de San Ildefonso.En una pintura monumental en el templo de San Antonio de las Huertas, Elvira Gascón plasmó pasajes biográficos de San Antonio de Padua, obra borrada por mostrar más piel de lo debido, relatan los comisarios, catedráticos de la Universidad de Granada.Mary Martín asistió a Diego Rivera en su mural para el Teatro de los Insurgentes. Regina Raull retrató en gran formato "La educación del niño mexica”, en el Museo Nacional de Antropología, pero eso apenas sabe. Anécdotas como estas y otras detallan las vicisitudes enfrentadas por las artistas, a la par de la deuda pendiente del arte para con ellas.Pese a hallar "un espacio de libertad en México que les permite desarrollar toda su capacidad creativa, hay que tener en cuenta que sus principios no fueron fáciles: tuvieron que hacerse cargo de hijos, familia, de problemas de sanidad o educación”, plantea López Guzmán.Del hogar al caballeteJulia Giménez Cacho (1921-2000) era un ama de casa de 26 años cuando dejó España, rumbo a Estados Unidos. Mucho después volvió a su natal Madrid convertida en artista plástica, ocupación descubierta casi treinta años más tarde, durante su estadía mexicana.De encerrarse en el baño para que no la vieran pintando por la pena de la edad cuando empezó a hacerlo -contaba la pintora, madre de seis hijos-, pasó a ser considerada "una maga del color” por su mentor Gilberto Aceves Navarro, gran exponente del expresionismo abstracto mexicano.A decir de López Guzmán, Julia Giménez Cacho -de formación autodidacta- "es uno de los personajes más importantes rescatados en la muestra, aunque aún falta recuperar un alto número de sus obras. Una cantidad inmensa que, por la etapa en que comenzó a pintar, ha sido muy poco conocida”.Toda su producción gira en torno a la mujer, influenciada por Francisco Goya. A diferencia de varias de sus colegas, sus cuadros sí pudieron ser apreciados de manera individual, más de una ocasión, en suelo español.Su última exposición, "Siempre mujeres”, se programó para septiembre de 2000 en el Instituto de México en España. Ella ya no llega, sólo sus pinturas. Pereció en la ciudad de Cuernavaca dos meses antes de la apertura.La patria perdidaDurante la primera mitad del siglo XX, México tuvo una gran efervescencia cultural e intelectual. "Exiliadas de España. Artistas en México” detalla el panorama hallado por las artistas a su llegada, quienes pronto se empaparon de él e hicieron sus propias aportaciones a la creatividad de su nuevo hogar, donde moldearon su identidad.Lo hace mediante un recorrido temático de cinco núcleos: 'El final del comienzo', 'Nostalgias', '¿Cómo es posible que una mujer se trepe a los andamios?', 'Continuidades, rupturas y disidencias', y 'Memorias Colectivas'.Su montaje, fruto de una década de investigación de los comisarios, se debe a la colaboración entre la Universidad Nacional Autónoma de México, la Secretaría de Cultura de México y el Gobierno de la capital mexicana.Un tono nostálgico se percibe en algunas piezas, debido al deseo de volver a ver la patria. Los exiliados, relata López Guzmán, "tenían una maleta detrás de la puerta, por si acaso, pensando que Franco caería rápidamente”.El dictador, prosigue el curador, "murió tranquilamente en su cama, y México -esto hay que reconocerlo públicamente- fue el único país de este planeta que nunca reconoció la dictadura franquista".En otras obras se nota la impronta del color o la huella del arte mexicano. Muchas de ellas, asegura Yolanda Guasch, "jamás se han visto o fueron expuestas hace mucho tiempo, veinte, treinta o cuarenta años”.La muestra abre con una pequeña escultura contemporánea de Marta Palau (1934-2022), retratista de Gabriel García Márquez, Carlos Fuentes y Octavio Paz. Unos pies-manos, de arcilla, con una carga simbólica fuerte: la mayoría de los refugiados españoles escaparon a Francia por la frontera catalana. Andar, con todos los sentidos alerta, era el único camino a la libertad.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Cuando se graduó en 2016 no encontró trabajo y empezó un pódcast irreverente llamado 'The Exhibitionist', que reseñaba galerías y museos, y aquello dio lugar a los 'Uncomfortable Art Tours', visitas guiadas no oficiales que exploran cómo se crearon las principales instituciones del mundo del arte con el imperialismo como telón de fondo, recuerda Procter en una entrevista..'El cuadro completo' (Capitán Swing) es la plasmación en papel de aquellas visitas, que tuvieron un gran éxito, e indaga en cómo configuran los museos nuestra memoria y nuestra identidad: "Los museos históricamente fueron creados para relatar historias y conseguir que ciertas narrativas pudieran perpetuarse".En la actualidad, los grandes museos nacionales pretenden ser "una herramienta educativa para que la gente pueda conocer otras partes del mundo a través de la observación de objetos que vienen de otras culturas, pero los visitantes, creo, no entienden del todo cómo se moldearon estos espacios, fruto de decisiones de coleccionistas, de comisarios, de directores de museos, cuyo fin último era crear una narrativa, un relato".En el libro aborda las trayectorias de numerosas obras de arte, como el cuadro propagandístico que la Compañía de las Indias Orientales empleó para justificar su control en la India; los cráneos maoríes mokomokais que fueron comercializados y coleccionados por los europeos como 'objetos de arte' o la controvertida escultura contemporánea de Kara Walker.Procter, que intenta rellenar huecos con los relatos que durante siglos quedaron fuera del canon de la historia del arte, no está segura de que haya un museo perfecto, pero "los mejores museos son aquellos que reconocen las diferentes perspectivas y que admiten su origen desde una posición de poder".Por esta razón, no oculta su predilección por los museos privados porque "suelen ser espacios donde el relato es parte de la exhibición, donde los objetos y las elecciones son parte de la narrativa de estas instituciones, mientras que en los museos nacionales subyace un rigor científico acrítico".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEl favorito de la autora es el Museo de sir John Soane, en Londres, ubicado en la que fue casa de este arquitecto neoclásico del siglo XVIII-XIX, que "está tal como lo dejó (...), con un jarrón de la Grecia antigua al lado de un jarrón chino y junto a una 'veduta' de Venecia; pero hay otros ejemplos, como la David Roche Foundation House Museum de Adelaida (Australia), que "no pretenden mostrar la historia del arte, sino el gusto personal del coleccionista".Denuncia Procter que hay "una tendencia a olvidar el origen monárquico de muchos museos nacionales, sobre todo en Francia, donde el Louvre, hoy colección estatal, es el arquetipo de los museos de la realeza".El objetivo de Procter, que se siente privilegiada por haber vivido en diferentes lugares del antiguo imperio británico, es que el lector comprenda que "el colonialismo es una forma de estar actual, que sigue desarrollándose y que no es algo del pasado".La exclusión de las mujeres artistas del canon es, a su juicio, parte de la misma narrativa de poder.El primer paso para cambiar esta dinámica podría pasar, según Procter, "por dejar de dividir los museos por áreas geográficas, y mezclar las colecciones para ver cómo trabajan juntas y se complementan".Sobre la controversia por la devolución de los frisos del Partenón de Atenas, que custodia el Museo Británico, Procter entiende el argumento de que traer objetos a Europa, al Reino Unido, pudo haber salvado o protegido algunos objetos de daños, pero no por ello se puede decir que por la mera custodia signifique que sea tuyo, porque la gente quiere ver esos objetos en su lugar de origen".Procter se muestra absolutamente favorable a "la repatriación de esos objetos saqueados o robados".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Nacido en 1939 en Popayán, una ciudad impregnada de tradición y belleza arquitectónica, la infancia de Cárdenas estuvo marcada por un cambio radical: la emigración a los Estados Unidos. Allí, en medio de un ambiente completamente distinto, encontró su camino hacia el arte. Una visita al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York durante su adolescencia actuó como chispa inicial, encendiendo una pasión que definiría su vida. A los 21 años, ya había montado su primera exposición individual, un hito que prometía una carrera luminosa.Sin embargo, la vida de Cárdenas no se definió solo por la pintura. Antes de consolidar su propósito artístico, prestó servicio militar durante la guerra de Vietnam, una experiencia que lo confrontó con las aristas más crudas de la condición humana. En 1965, regresó a Colombia cargado de vivencias que moldearían su visión crítica del mundo.El arte como trincheraDe regreso en su tierra natal, Cárdenas comenzó a establecerse como una figura polémica y contundente dentro del panorama artístico y cultural. Su papel como caricaturista en medios como La República, El Espectador y Semana le ganó tanto admiradores como detractores. En sus caricaturas, temas como la corrupción, la violencia y las desigualdades sociales se materializaban con una mordacidad que pocos podían igualar. Uno de sus episodios más emblemáticos fue su crítica al gobierno de Guillermo León Valencia, la cual le valió una temporada en prisión. Para Cárdenas, el arte no era un refugio, sino una trinchera.Entre galerías y billetesSi bien su labor como caricaturista fue prolífica, la pintura y el dibujo ocuparon un lugar central en su carrera. En 1973, presentó su primera exposición en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, donde su autorretrato cautivó tanto al público como a la crítica, al punto de otorgarle el Premio Nacional de Pintura. “Ha realizado una serie de variaciones en las que un personaje en traje convencional, muchas veces con sombrero, nos enfrenta pensativo y distante”, describió el historiador Germán Rubiano Caballero sobre su obra.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíSu arte también dejó huella en aspectos inesperados de la vida cotidiana. Como diseñador de los billetes colombianos en los años 90, plasmó en el billete de 5.000 pesos el rostro del poeta José Asunción Silva junto con el poema Nocturno III, y en el billete de 20.000 pesos representó al astrónomo Julio Garavito bajo la estampa de la luna. Estos diseños se convirtieron en piezas icónicas que trascendieron su función monetaria para convertirse en un legado cultural.Entre 1969 y 1972, Cárdenas compartió su visión artística como docente en la Universidad de los Andes. Durante esos años, sembró en nuevas generaciones el mismo amor por el arte que había marcado su vida. En 2022, el gobierno colombiano le otorgó la Orden de Boyacá, la máxima distinción del país, reconociendo su aporte invaluable al arte y la cultura.El legado de una mirada incisivaLa obra de Juan Cárdenas Arroyo se erige como un testimonio de una vida dedicada a desentrañar las verdades más profundas y a desafiar las estructuras del poder con valentía y creatividad. Su pincel y su pluma, siempre al servicio de una reflexión aguda y comprometida, dejan un legado que trasciende las fronteras de su tiempo y espacio. Mientras Colombia despide a uno de sus hijos más insignes, su obra permanece: una invitación constante a observar, cuestionar y, sobre todo, a no olvidar.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
