La subasta de la residencia romana de los príncipes Ludovisi Boncompagni, con un excepcional mural de Caravaggio, fue declarada desierta, informó este martes a la AFP el notario encargado. "Nadie participó en la subasta", aseguró Camilo Verde, quien precisó que la próxima subasta tendrá lugar el 7 de abril y partirá de un valor reducido en cerca de un 20%.El monumental Casino de la Aurora, más conocido como Villa Ludovisi, un imponente palacio de 2.800 metros cuadrados, repartido en seis plantas con un suntuoso jardín, ubicado en el corazón de Roma, a pocos de pasos de la célebre Vía Veneto y de Villa Borghese, se encuentra en uno de los sectores más elegantes de la capital.La residencia campestre de una de las familias aristocráticas más ricas y poderosas de Italia conserva además del Caravaggio, frescos de Guercino (1591-1666), reconocido pintor barroco de Bolonia, así como antiguas estatuas. Se estimaba que el Casino de la Aurora, una verdadera joya del barroco romano, tenía un valor de 471 millones de euros (537 millones de dólares), pero esa estimación bajó a 376 millones de euros para la próxima subasta.Si la residencia se vende a un precio cercano al fijado como inicio por la subasta, sería una de las ventas de bienes raíces registradas públicamente más caras de la historia. La subasta fue decidida por un tribunal de Roma para poner fin a las disputas entre los herederos del príncipe Niccolo Ludovisi Boncompagni, quien falleció en 2018 a los 77 años.El enfrentamiento familiar entre la tercera esposa del príncipe, Rita Jenrette Boncompagni Ludovisi, una pintora estadounidense de 72 años que posó para Playboy, y los hijos nacidos del primer matrimonio, obligó a los jueces a subastar la villa debido a que ninguno ha podido hacer frente a la hipoteca por los altos gastos de mantenimiento.Una petición lanzada por la página change.org ha recaudado más de 35.000 firmas para pedir que el Estado intervenga. Los firmantes piden que Italia ejerza su derecho de compra y conviertan el lugar en un museo y centro cultural. Según la ley italiana, el gobierno puede ejercer su derecho sólo después de que haya sido efectivamente adquirida por un particular, dentro de un plazo de 60 días de la conclusión de la venta y ofreciendo el mismo precio de compra.
Desde la conversación de un escritor colombiano y uno venezolano, hasta lo que parece una acalorada discusión de hombres sin pies, estas son algunas imágenes de obras de arte que se han realizado por todo el mundo en representación de lo que los seres humanos hacemos todo el tiempo: hablar. Es entendible que algunas personas quieran sumarse a las charlas de algunas estas figuras inanimadas y creen diálogos imaginarios para, incluso, no sentirse tan solas en sus causas.
Vincent van Gogh encarna quizás al genio creativo cuya obra cautivo a todos los públicos por su fuerza y energía expresiva. Su vida, breve y surcada de efusivas amarguras que le condenaron a la locura empujándole a un trágico final, constituyeron una parte fundamental de este pintor holandés de pinceles chorreantes de vigor y mucho color que transformó paisajes y objetos e hizo de la luz un exquisito estilo para la historia del arte, creando un lenguaje artístico y personal que influenciaría de forma decisiva el desarrollo de las principales vanguardias artísticas del siglo XX.Fueron treinta y siete años los que vivió Vincent y aunque como escribió en sus memorias, siempre se consideró un hombre de pasiones. Pero se equivocó: él era la pasión de un espíritu atormentado por la grandeza de unos ideales por los que sacrificó toda su vida. Lograr adentrarse en la mente de este genio es penetrar un alma capaz de renunciar a todo para comunicar sus más íntimos sentimientos aunque pese a sus más de cuarenta retratos, su rostro aún siga siendo un misterio.Todo en su vida está estrechamente entrelazado: su correspondencia, sus sentimientos y su vida; es una mezcla indisoluble y homogénea que no es común en cualquier artista. La proclamada locura que padecía Vincent se entrecruzó entre las absentas y el brandy que solía beber en el segundo piso del pueblo en que vivía. Algunos llegan a creer que poseía demencia sifilítica; otros en cambio, decían que sufría de esquizofrenia. No obstante, la versión más aceptada (y aceptada por algunos académicos) afirma que Van Gogh padecía de psicosis epileptoide de carácter hereditario.Los primeros conocimientos que aprendió, los adquirió de manera irregular, pues tan solo acudió a la escuela un año y pasó dos en un internado de Zevenbergen. En su adolescencia viajó a Bruselas donde sufrió su primer desengaño al no conseguir la mano de Eugénie Loyer, la hija de la posadera donde se hospedaba. Tuvo varios pasajes en su corta vida, entre los que vivió junto a los hombres más pobres en Borinage, reduciendo su dieta en agua y pan, dándolo todo a los más necesitados. En 1880 partió a Bruselas siguiendo el consejo que su hermano Theo le había dado: dedicarse a la pintura.Vincent asistió a la Escuela de Bellas Artes donde sintió gran admiración por la obra de Millet y su cercanía con las pinturas campesinas. Durante su estadía en la casa de su padre, se enamoró de Kee Vos, su prima, una reciente viuda que tenía a su cargo un niño de cuatro años. Pero nuevamente los desengaños vendrían luego que ella se rehusara a amarlo y al sentirse rechazado, huyó a Ámsterdam.Vincent reconoció en alguna de sus memorias que no le era posible vivir sin amor y se declaraba un hombre con pasiones. Temía en convertirse en una piedra si no encontrara una mujer pronto. En tanto como olvidó a su prima, conoció a Clarine Hoormik; ella no solo había posado de modelo para él, sino gran parte de su vida había ejercido la prostitución. Sin embargo, esta historia de amor no duraría mucho, pues Clarine lo abandonó luego de tener otro hijo. Van Gogh estaba solo de nuevo.Era 1883 y para entonces, este genio había pintado ya más de treinta y cuatro óleos y empezaba a vivir la etapa más productiva de su obra. Dos años más tarde, sufrió la muerte de su padre y las indiscriminadas acusaciones por el supuesto asesinato de Margot Begemann, una mujer que se enamoró obsesivamente de él y que al no ser correspondida, decidió envenenarse.Vincent viajó a Amberes y allí se reencontró con el sentimiento puro de Rembrandt y los colores de Frans Hal, donde desarrolló la etapa media de su obra antes de viajar a París en 1886 donde estableció una amistad con Toulouse-Lautrec. Allí en la ciudad luz consolidó su pasión por la estética japonesa, cuyas estampas que había empezado a coleccionar desde su estadía en Amberes, le proporcionaron más lecciones de arte que sus propias conversaciones con Pissarro, Gauguin y Signac.En París empezó a pintar flores, abandonando las gamas grisáceas de sus primeros óleos y adentrarse en una escalada de colores exóticos y vivos. El artista ya había pintado desde la heterodoxia a partir de conceptos puntillistas y simbolistas pero sin encontrar un estilo que fuese suyo. En 1888 llegó a Arles, la que consideró un sueño japonés por la gama de colores de sus paisajes y el lugar que habría de servir para asentar una comunidad de artistas que el había soñado una vez. Si Van Gogh encontró en París el color, en Arles encontró la luz que plasmó una y otra vez en los lienzos que pintó.Aunque fueron los girasoles los que le aglutinaron su sentir con el amarillo como la síntesis de la luz, fueron las intensas noches provenzales las que despertaron en él una gran pasión por las estrellas impregnando sus obras nocturnas de un vertiginoso dinamismo y una energía que no había aparecido en sus anteriores óleos. Una de sus obras capitales, "La noche estrellada", lo demuestra.Una persona altiva y segura como Gauguin no podría jamás entender un espíritu indefenso como el del apasionado van Gogh y en cambio, debía tener en cuenta que pudiera terminar enfrentándose violentamente con él. Y sí sucedió. Para diciembre de 1888, la situación entre estos dos viejos amigos se agravó al punto que Vincent intentó agredirlo con una navaja de afeitar y al no lograrlo, se cortó el lóbulo de una de sus orejas para entregárselo a una prostituta amiga suya.Aunque estos sucesos señalaron a Gauguin de intentar asesinar a su amigo, en aquella ciudad no simpatizaban para nada con el pintor extranjero y exigían que fuera recluido en un sanatorio mental. A finales de 1890 fue internado en Saint Paul de Mausole, lugar donde convivió con quince enfermos mentales. Allí aceptó perder el miedo a la locura, una enfermedad que el mismo creía padecer. Como si presintiera el fin de sus días, aceptó la propuesta de su amigo Pissaro de trasladarse a Auvers-Sur-Oise, muy cerca de París a casa del doctor Paul Gachet, un amante del arte que podría cuidarle.En casa del doctor Gachet, van Gogh siguió pintando y entabló una estrecha amistad con él hasta junio de 1890, cuando recibió una carta de su hermano Theo en que le contaba las penurias y la enfermedad que sufrían él y su esposa. Luego de visitar a su hermano, cayó en un nuevo episodio depresivo, lo que llevó a que esta vez se disparara una bala en el estómago. Herido y ensangrentado, logró llegar al albergue por su propia cuenta y donde falleció cerca de la una de la mañana del 29 de Julio de 1890. "Me gustaría ir a casa ahora", fueron las últimas palabras que pronunció antes de morir.
Henri Matisse es considerado el más grande colorista en la historia del siglo XX y una de las figuras clave para entender el arte moderno. Aunque su debut como pintor lo hizo bajo la vanguardia posimpresionista, para 1904 ya era reconocido por ser el líder del fauvismo; concretamente de Les Fauves ("las bestias salvajes"), un grupo de artistas que preferían el uso de colores brillantes en el lienzo. Su obra, que abarca el grabado, la escultura y el dibujo, representa la naturaleza muerta y la figura humana. Las formas fuertes y vibrantes de Matisse en sus cuadros estaban predominantemente influídas por el color blanco como referente del juego de luces que aparecen en las sombras.El movimiento fauvista, que duró poco menos de un lustro (1904-1908), estuvo liderado por el propio Matisse y su colega, el también artista francés André Derain. Visualmente, el fauvismo podría describirse visualmente como un híbrido entre las dos vanguardias que le precedieron: el puntillismo y el posimpresionismo. Además, el grupo de Les Fauves logró alcanzar un alto grado de abstracción visual de los objetos cuyas pinceladas salvajes y aparentemente llenas de colores vivos eran únicas, cambiando la paleta de los colores terrosos (propios del impresionismo) por unos más brillantes.En 1906, Matisse conoció a Picasso, y aunque se hicieron grandes amigos de toda la vida, también eran conocidos artistas rivales, ya que sus obras a menudo eran comparadas por su estilo. Aunque ambos pintaban la figura femenina y la naturaleza muerta, Picasso las concebía desde su imaginación mientras que Matisse se inspiraba en la naturaleza. Estos dos grandes artistas se reunieron por primera vez en el salón de París de Gertrude Stein, una coleccionista de arte estadounidense que vivió en la capital francesa. Stein y sus amigos recopilaron cientos de obras de Matisse y Picasso, defendiéndolos como artistas importantes y dándoles la bienvenida a su círculo social de élite.En 1912, Matisse pasó siete meses en Marruecos, produciendo alrededor de 24 pinturas y numerosos dibujos. En 1917 se trasladó a Niza, Francia, donde residió el resto de su vida, incluso durante la Segunda Guerra Mundial y la ocupación nazi de Francia. Conforme avanzaron las primeras décadas del siglo XX, el estilo de Matisse se hizo más abstracto y fragmentado, hasta que finalmente, en la última década de su vida realizó obras utilizando básicamente recortes de papeles de color.Los últimos años de MatisseDiagnosticado con cáncer abdominal en 1941, Henri Matisse se sometió a una cirugía que le cambió la vida y lo dejó postrado a una silla de ruedas y a su cama. Pintar y hacer esculturas se habían convertido en desafíos físicos imposibles, por lo que desarrolló una nueva técnica. Comprometido con la forma y el color, tomó un par de tijeras y comenzó a crear collages de recortes de papel.Con la ayuda de sus asistentes, Matisse recortaba formas abstractas de hojas de colores intensos pintadas con gouache (temperas) y luego las ordenaba en composiciones llenas de vida. Inicialmente, las primeras piezas eran de tamaño pequeño, pero eventualmente, se convirtieron en murales del tamaño de una habitación. El resultado fue una forma de arte innovadora que no era del todo pintura, pero tampoco escultura, y se convirtió en su medio característico durante la última década de su vida.En esta entrevista de RFI, habla Wanda de Guebriand, responsable de los archivos de Matisse, Anne Baldassari e Isabel Monaud Fontaine, comisarias de la exposición en el Grand Palais y Brigitte Leal, conservadora del Centro Georges Pompidou de París, sobre la exposición que se llevó a cabo en 2002.
En la página bautizada "Museo de la falsificación", MSCHF asegura haber comprado "Fairies" , un dibujo de 1954 del maestro del pop art, por el que habría pagado 20.000 dólares. El colectivo de arte neoyorquino MSCHF puso a la venta mil ejemplares de un dibujo de Andy Warhol al mismo precio, con el original entre ellos.El objetivo del colectivo creado en 2016, que se especializa en operaciones de reapropiación de obras de arte y el comercio de objetos, era hacer 999 copias exactas que puso a la venta mezcladas con el auténtico, el que asegura que ahora no es capaz de identificar.El lunes puso a la venta los 1.000 ejemplares de lo que MSCHF considera como una nueva obra, titulada "Quizá la verdadera copia de hadas de Andy Warhol". "Se vendieron todos el mismo día" por 250 dólares la pieza, aseguró el colectivo.MSCHF (por "Mischief", travesura en inglés), que tiene sede en Brooklyn, puso en la web un vídeo que muestra la técnica utilizada para hacer las copias: un robot que copiar el dibujo, un proceso de "envejecimiento artificial" gracias a la luz, calor y humedad y después una reproducción manual del sello de la fundación Warhol y anotaciones a lápiz, explicó Kevin Wiesner, uno de los integrantes del colectivo, en un correo a la AFP."Si un conservador pudiera comparar cada dibujo, acabaría por descubrir el original, pero este escenario tiene pocas probabilidades de producirse", agregó. Más allá de la exitosa operación financiera, pues recaudó 250.000 dólares con la venta, MSCHF asegura que busca criticar el concepto de "autenticidad" y "exclusividad" que imperan en el mercado del arte."Nuestro objetivo es 'destruir' el dibujo rompiendo la cadena de confianza", aseguró Wiesner. Uno de sus últimos golpes de MSCHF fue la creación y venta de zapatillas deportivas "satánicas" (a 1.018 dólares el par) que supuestamente contenían una gota de sangre humana en la suela, en asociación con el rapero estadounidnese Lil Nas X.Atacado en la justicia por Nike, fabricante del modelo inicial, por falsificación y difuminación de la marca, MSCHF decidió llamarlas "Satan shoes".
Los museos del mundo se han visto limitados por las restricciones que han impuesto las redes sociales y particularmente, sus políticas de publicación frente a contenidos explícitos y sexuales. Obras como la Venus de Willendorf y lienzos de desnudos como los que realizó el italiano Modigliani, parecen haber quedado contenidos únicamente en los espacios físicos de los museos. En búsqueda de espacios digitales que permita la circulación de las obras, algunos museos de Viena han abiertos cuentas oficiales en OnlyFans, el servicio inglés de suscripción que permite la publicación de contenido sexualmente explícito. La Oficina de Turismo de la capital austriaca ha estado a cargo de la estrategia con el fin de "abrir el debate sobre el papel de los algoritmos y los gigantes tecnológicos en el arte", según declaró el director del centro, Norbert Kettner.Los museos han estado activos en la plataforma desde septiembre y cuentan ya con suscriptores que han reconocido esa decisión como una defensa de la libertad artística. De acuerdo con Kettner, esta iniciativa deviene de las estrategias digitales de los museos y las dificultades que han encontrado por las políticas que sancionan la desnudez y la pornografía, sin que reglas que distingan los tipos de contenido, en este caso, artísticos."Venus de Willendorf", que hace parte de la colección del Museo de Historia Natural ha sido eliminada varias veces, luego de su publicación. Esta figura de más de 30.000 años de antigüedad es una de las muestras artísticas del periodo paleolítico y para Facebook es contenido pornográfico. Klaus Pokorny, portavoz del Museo Leopold, afirma que es "extraño e, incluso, ridículo que hoy en día la desnudez sea todavía objeto de controversia, cuando debería ser natural".La misma suerte han corrido las obras de Egon Schiele, pintor austriaco, como si nada hubiera cambiado cien años después de la muerte del gran pintor modernita que, en su tiempo, causó revuelo en el campo más conservador del mundo del arte. Por su parte, en el museo La Albertina, las pinturas del artista italiano Amedeo Modigliani han sido consideradas vulgarmente explícitas. Esto, asegura Pokorny, "nos obliga y fuerza a abrir una cuenta en OnlyFans, porque las plataformas internacionales más famosas como TikTok, Facebook o Instagram no aceptan nuestras pinturas".Thomas Schlesser, autor de un libro titulado "El arte frente a la censura", se refiere a esa iniciativa como una lectura inteligente del ecosistema digital. “Al pasar a la red social de OnlyFans, las obras retoman el carácter provocador e, incluso, pornográfico que pudieron tener en su época”, comenta este historiador del arte, director de la Fundación Hartung-Bergman.El tema va más allá del arte clásico, añade el responsable de la Oficina de Turismo, que observa una "autocensura inconsciente de muchos jóvenes creadores", que no pueden privarse de la visibilidad que ofrecen Facebook y otras plataformas. Estos últimos, a menudo criticados por la eliminación automática de imágenes, aseguran que sus reglas han evolucionado y presentan más "matices" para hacer excepciones en cuanto a desnudez en el caso, por ejemplo, del arte."Dijeron que se habían esforzado", comenta Olivier Ertzscheid, profesor e investigador en Ciencias de la Información de la Universidad de Nantes. "Pero la realidad es que en lo que respecta a la representación de los cuerpos (especialmente el femenino), nada ha cambiado realmente, sea o no una forma artística", indica Ertzscheid, refiriéndose a una "forma de mojigatería o marketing mojigato".Mientras tanto, Kettner espera que haya conversaciones al respecto para avanzar, pero no ha habido ningún acercamiento por ahora. Además, asume sin complejos la asociación de la ciudad con el sitio OnlyFans, que se ha consolidado durante varios años como un destino importante para los creadores de contenido erótico o pornográfico de pago.En busca de una imagen más respetable, la plataforma con 150 millones de usuarios ahora se enfoca en videos de recetas de cocina, fitness o consejos de salud. "No es una cuestión de nuestro éxito en las redes sociales, sino una cuestión de principios", resume Pokorny. "Es como una guerra con otros medios; luchamos por nuestros derechos, nuestra libertad, contra las personas que quieren regular nuestras vidas", concluye el portavoz del Museo Leopold.
Tras huir en enero de Afganistán al vecino Tayikistán, Omar Khamosh, un artista callejero, se instaló en Vahdat, cerca de la capital Dusambé, para abrir allí su taller donde da clases de pintura y dibujo."De mis amigos y todos los que dibujaban o eran artistas, ninguno trabaja" en Afganistán por la influencia de los talibanes y su ideología islamista rigurosa, lamentó Khamosh, de mirada suave, barba corta y chaleco rojo."Las fronteras están cerradas, ellos no pueden escapar. Se quedan en sus casas sin poder trabajar. Se esconden porque temen por sus vidas", comentó. Temiendo lo peor, Khamosh abandonó Afganistán antes del retorno de los talibanes al poder en agosto, tras una ofensiva relámpago que provocó el colapso del gobierno apoyado por Estados Unidos.Tras conquistar Kabul, las nuevas autoridades buscaron borrar pinturas, murales, graffitis y otras representaciones artísticas reprobadas por su ideología.En contraste, el pequeño taller de Khamosh tiene los aires de un paraíso de artistas. Al pie de un muro cubierto de graffitis reposan unas piedras pintarrajeadas. Una de ellas tiene dibujada una sonrisa, otra saca la lengua.En el interior, el clima es al mismo tiempo caluroso y nostálgico. Sobre la pared, una pintura representa la bandera de Afganistán en forma de pupila en un ojo lleno de lágrimas.Inclinados sobre sus hojas, los alumnos de Khamosh se dedican a dibujar retratos y paisajes que evocan a su país, del que muchos salieron a la fuerza."En Kabul nuestras vidas corrían peligro. Nadie quería dejar su tierra, abandonar todo y venir aquí", aseguró Sapan Nazari, sosteniendo con una mano el elegante velo oscuro que cubre sus cabellos.Dibujar, es todo"El futuro... ¿Qué nos va a decir? Yo quiero aprender a dibujar bien, es todo por el momento", agregó la joven de 19 años. Tayikistán es uno de los tres países exsoviéticos fronterizos con Afganistán, pero es el único en negarse a tener contacto directo con los talibanes y defiende fuertemente la importancia de la minoría tayik en Afganistán. Siendo la más pobre de las exrepúblicas soviéticas, evita abrir sus fronteras a un gran número de refugiados.Khamosh era parte de la vibrante escena de artistas callejeros de Kabul, surgida tras la caída del primer gobierno talibán en 2001. Huyó tras la muerte de su padre a manos de hombres armados, que él atribuye a religiosos conservadores. "Yo vine a Tayikistán porque no tenía otro lugar a donde ir", explicó.En el espacio artístico que abrió hace tres meses, los lamentos y las esperanzas de los exiliados están expuestos sobre las paredes.Un dibujo representa el combate entre un caballo blanco y uno negro, una metáfora de la lucha entre las varias identidades de Afganistán, un país atravesado por diferencias culturales, lingüísticas, religiosas y étnicas.Un hombre joven hace un bosquejo del comandante Ahmad Shah Massoud, un héroe de la lucha contra los talibanes asesinado en 2001.Su vecina termina su representación de un árbol que crece sobre un suelo rocoso, ¿quizás un mensaje de esperanza?Para Oranos Nodiri, una mujer de 24 años que fue a Afganistán con su esposo y dos hijos, los esfuerzos de los talibanes por acallar las artes están destinados al fracaso."Los talibanes recurren a la violencia porque la gente no es la misma hoy día que hace 20 años", declaró ella. "La gente no quiere volver a aquella vida".
No es un detalle menor que, al hablar de Frida Kahlo, su vida personal sea al centro del relato. Su relación extensa y tormentosa con Diego Rivera, algunos amoríos con mujeres y su enfermedad son las primeros recuerdos que algunas personas tienen sobre ella. Justo después de esa aparente intimidad, se habla de su obra. ¿A qué se debe ese principio de prioridad en la información? El investigador Luis-Martín Lozano se ha propuesto alterar el orden de la historia y priorizar la atención en la obra de Kahlo en el libro "Frida Kahlo. Obra pictórica completa". Allí, Lozano enfatiza en la poca relevancia que mujeres artistas tienen en la historia del arte y ahonda en la obra de Kahlo a lo largo de nueve capítulos. El autor parte de una premisa para explicar la obra de la pintora mexicana, quien ha sido considerada pionera del discurso político en materia de género, sexualidad y feminismo. Lozano plantea que, a partir de un accidente aéreo al que sobrevivió la artista, su obra se centra en la representación metafórica del trauma personal, a raíz del dolor y alimentado por la infidelidad De Diego Rivera con su hermana.A través de ensayos teóricos, Lozano aborda varios puntos de la vida de la artista y su obra, sus relaciones y las miradas reducidas al analizar su aporte a la pintura revolucionaria de Kahlo en México. Además, asegura que es un error hablar de su pintura como una mera reflexión autobiográfica.Analizando a Kahlo como artista y la época en la que gestó su obra, Lozano subraya que es indispensable hablar de la capacidad autodidacta que tuvo la artista en su formación. Contrario a sus contemporáneos, la educación de Frida fue intuitiva y devino de su entorno más cercano como su padre, quien siendo fotógrafo le enseñó sobre composición, teoría de color y luz. Ese insumo fue vital en el estilo de Kahlo.En varias de sus obras, Kahlo parte de fotografías para intervenirlas. Incluso para dar forma a su obra "Retrato de Ruth Stallsmith", un usa una fotografía de su padre."Frida Kahlo. Obra pictórica completa" recorre 152 pinturas de la artista y ahonda en su descripción a la luz de la pintura novohispana del siglo XVIII, el retrato del renacimiento tardío italiano, el lenguaje cubista o el estridentismo, una vanguardia mexicana cercana al futurismo. En los ensayos, Lozano exalta la curiosidad e inteligencia de la artista y cómo esa forma de ver la pintura, le permitió estar en el grupo de artistas mas importantes de ese momento en México. ¿Para qué estudias tanto? ¿Qué secretos buscas? Los años de aprendizaje 1925-1929 14: Se me abrieron los ojos y vi cosas nuevas. La pintora que expande horizontes 1930-1938; Pintaré el dolor, el amor y la ternura. Las lecciones de la madurez y la experiencia 1939-1946; Ya no abrigo la menor esperanza. Espero no volver jamás. La voluntad de pintar hasta el final 1947-1954; Diario y cartas de Frida; Biografía. Luis-Martín Lozano Marina Vázquez Ramo; Frida y Diego; La Casa Azul y Catálogo de pinturas, son los nueve capítulos que componen el libro que ya está disponible en la web de la editorial TASCHEN.
A través de sus redes sociales, el artista británico Banksy ha confirmado la autoría de varias pinturas callejeras que aparecieron a principios de agosto en algunos pueblos costeros del este de Inglaterra. En su cuenta de Instagram, el artista documentó el viaje que efectuó en una caravana que llamó "A Great British Spraycation" ("vacaciones con espray por Gran Bretaña"), donde dejó plasmada su obra.En las primeras imágenes se ve a un hombre con capucha, supuestamente Banksy, que lleva una sombrilla y una nevera de camping con botes de espray y que se aleja del muro de la playa de Lowestoft, donde ha pintado un ratón. La primera obra apareció el pasado 6 de agosto en Great Yarmouth, en el condado de Norfolk, y representa a una pareja bailando sobre el tejado de una parada de autobús, mientras un acordeonista sentado en el borde de la estructura toca su instrumento.A esta le siguieron otras durante ese fin de semana, como la pintura hallada en Gorleston, también en Norfolk, donde una pared sobre un banco sirvió al artista para dibujar una grúa como las de los locales recreativos, con las que los usuarios tratan de capturar regalos en una urna.La última pieza apareció el pasado domingo en Great Yarmouth en un parque de miniaturas y es una de las más inusuales, ya que sus responsables descubrieron una nueva cabaña de miniatura que presentaba señales del artista, incluida su firma en rojo sobre una de las fachadas. En un lateral de la cabaña se ve también el dibujo de un ratón que está sobre una rueda de carreta real y junto a una frase que dice: "GO BIG OR GO HOME" ("hazlo a lo grande o vete a casa").En los últimos años, el artista que mantiene su identidad oculta, ha alcanzado cifras récord en las casas de subastas. En marzo, una obra que destacaba la labor de los trabajadores sanitarios fue subastada por 20 millones de euros, un récord, destinados al servicio público de salud británico.
¡Adiós a Chuck Close! Nacido en 1940 en el estado de Washington, se hizo famoso por sus gigantes retratos o autorretratos; algunos de los cuales eran mosaicos y otros tan detallistas que, a simple vista, parecían fotos.Entre sus retratados se cuentan personalidades como el ex presidente estadounidense Bill Clinton, el compositor Philip Glass o la leyenda del rock Lou Reed. Con exhibiciones en grandes museos como el MoMA o el Guggenheim en Nueva York, sus obras también adornaron el metro subterráneo de Nueva York.En 2017 varias mujeres dijeron a medios estadounidenses que Close, que estaba discapacitado y en silla de ruedas por un colapso de la arteria espinal, les pedía que se desnudaran, se les acercaba inapropiadamente o realizaba comentarios inadecuados cuando visitaban su estudio.Tras esas denuncias, la Galería Nacional de Arte de Washington canceló una exhibición de su obra que estaba programada, pero otros museos del mundo siguieron mostrando sus enormes pinturas.Close negó las acusaciones que se conocieron en medio de una ola de denuncias de conductas sexuales inapropiadas en varios sectores de la sociedad estadounidense.
La 64ª edición de los premios Grammy se celebrará el 3 de abril en Las Vegas, tras haber sido pospuesta debido al avance de la variante ómicron, anunciaron los organizadores de la gala este martes. El comediante Trevor Noah - a cargo del programa "The Daily Show" - será el anfitrión de la prestigiosa ceremonia que premia lo mejor de la música y que será realizada en el MGM Grand Garden Arena.La Academia de la Grabación pospuso hace dos semanas el evento previsto originalmente para el 31 de enero "en medio de crecientes preocupaciones por la variante ómicron". La altamente contagiosa variante representa casi la totalidad de los nuevos casos registrados en Estados Unidos.En California, el estado más poblado del país, las autoridades sanitarias anunciaron este martes que fueron contabilizados más de un millón de nuevos contagios en la última semana, totalizando siete millones desde que comenzó la pandemia. Esta explosión de casos alteró la temporada de premios de Hollywood, posponiendo algunos eventos y llevando otros de vuelta al formato virtual.La ceremonia de los Grammy volvió a su formato presencial el 14 de marzo del año pasado, luego de ser pospuesta en 2021 por la pandemia de coronavirus. Se espera que este año la premiación marque el regreso al glamour de la celebración tradicionalmente realizada en el Staples Center, en Los Ángeles, y que consagre a artistas como Justin Bieber, Billie Eilish y Olivia Rodrigo, así como al músico de jazz y rhythm and blues (R&B) Jon Batiste, que tiene once nominaciones."Estamos emocionados de llevar los premios Grammy a Las Vegas por primera vez y de poner un espectáculo de primera línea", dijo en un comunicado Harvey Mason Jr., director ejecutivo de la Academia de la Grabación.
Se trata de un espacio de consulta, disponible de manera libre y gratuita, donde se tiene acceso a obras audiovisuales, libros, revistas, carteles, fotografías, pressbooks, catálogos de festivales, programaciones, archivos de prensa, y publicaciones especializadas, entre otros. Porque el cine se ve, se lee y se investiga, la Cinemateca de Bogotá ha dispuesto este espacio para todos los amantes del cine de la ciudad.Les contamos cuáles son los pasos que deben seguir para consultar el catálogo de la BECMA.El horario de atención es de martes a viernes de 9:00 a.m. a 5:00 p.m. y los sábados, a partir del mes de Noviembre, de 9:00 a.m. a 1:00 p.m. Hay un aforo del 50%, por la contingencia el ingreso a la BECMA dependerá del aforo diario permitido. Se debe realizar búsqueda previa en el catálogo bibliográfico disponible en línea y solicitar el acceso a los materiales al personal de la biblioteca. Al ingresar se debe haber pasado por los controles del personal logístico en el punto de acceso a la Cinemateca de Bogotá.En la Cinemateca de Bogotá hay servicio de casillero. Para evitar un posible contagio de COVID -19, durante la visita a la biblioteca, es obligatorio portar tapabocas, así como mantener la distancia de un metro con los demás asistentes. Para visualizar material audiovisual se deben traer audífonos propios. Evitar tocar los libros y materiales que se encuentren en las estanterías. El material que se consulte estará en aislamiento durante las 48 horas siguientes. Es indispensable cumplir con los protocolos de bioseguridad estipulados por el escenario.Los visitantes pueden acceder a los siguientes servicios: Atención y asesoría profesional para la búsqueda y recuperación de información especializada en cine y medios audiovisuales, consulta del catálogo bibliográfico disponible en línea, acceso en línea a las publicaciones de la Cinemateca por medio del portal web, Idartes se muda a tu casa, donde se pueden descargar los Cuadernos de Cine Colombiano, la Revista Cinemateca y los Catálogos Razonados entre otros.Acceso a la sala de lectura para consulta de material impreso sobre diferentes temáticas que abarcan las artes audiovisuales, acceso a las estaciones de visionado para consulta de las obras cinematográficas de diversos países que conforman nuestra colección audiovisual, acceso a las salas de consulta para investigadores, acceso a los equipos de cómputo necesarios para apoyar el proceso de investigación y finalmente, quienes pertenezcan a grupos de población de riesgo o no puedan asistir al espacio físico pueden acceder a los servicios de asesoría virtual disponibles.
Obras surrealistas de Alberto Giacometti, inspiradas en su amistad con los artistas de este movimiento y más particularmente con el poeta André Breton, se exponen a partir del miércoles y hasta abril en el instituto Giacometti en París.Tres esculturas muy diferentes de "El hombre que camina", están en el centro de esta exposición, que pone de relieve los estrechos vínculos que mantenían los dos artistas y sus influencias recíprocas a través de su correspondencia y de cuadernos de dibujo de Giacometti.También se exponen una decena de cuadros (Miro, Arp, Dalí, Ernst...), procedentes de museos franceses y extranjeros y de colecciones privadas, así como una serie de fotografías que ponen de relieve a varias artistas mujeres de la época: Dora Maar, Leonora Carrington y Meret Oppenheim.Esta última realizó especialmente "La oreja de Giacometti", sorprendente pequeña escultura de bronce de 10 cm de altura, presentada en la exposición. En el corazón de este universo se encuentra la "Bola suspendida" (metal y yeso), una jaula dentro de la cual una esfera suspendida parece poder deslizarse sobre la arista de una medialuna, adquirida en 1930 por André Breton, líder del grupo surrealista.A su lado, el "Cubo" -poliedro irregular de doce caras, vinculado a la muerte y a la melancolía-, realizado por Giacometti a la muerte de su padre, y "El objeto invisible", una mujer semisentada que sostiene en sus manos un objeto invisible, inspirada por una semimáscara de metal, descubierta por los dos amigos en el mercado de pulgas en 1934.Compartiendo el gusto de los surrealistas por el automatismo, la irracionalidad, el onirismo o el juego del amor cruel, Giacommetti integrará el grupo durante cinco años (1930-1935) antes de alejarse, debido a divergencias de puntos de vista políticos y estéticos, entablando fuertes relaciones de amistad que conservará con varios de sus integrantes, en particular Breton.
El artista estadounidense Kaws instaló este martes sus pinturas pop y esculturas de colores en la Serpentine Gallery de Londres pero también en la réplica virtual del museo, situada dentro de Fortnite, el videojuego con cientos de millones de seguidores.En medio del césped helado de Hyde Park, en el centro de Londres, los espectadores apuntan con sus teléfonos al techo de la Serpentine Gallery. Pero no para tomar fotos del edificio de ladrillos rojos y columnas blancas sino porque, gracias a sus teléfonos móviles, aparece en realidad aumentada una gran escultura de un hombre azul sentado en el tejado, invisible a simple vista.La escultura es del neoyorquino, en cuya exposición, "Kaws: New Fiction", se entrelazan lo virtual y lo real. La exposición se compone de "tres capas", explica a la AFP el director artístico Hans Ulrich Obrist. "Está la exposición física en la Serpentine Gallery con pinturas y esculturas, luego los elementos de realidad aumentada y también la Serpentine Gallery en Fortnite", uno de los videojuegos más populares del mundo.Durante una semana, los 400 millones de seguidores del juego de Epic Games tienen acceso a una réplica exacta del museo dentro del videogame, que pueden recorrer con su avatar para ver las obras. Epic Games ha colaborado de forma similar con cantantes de renombre internacional para que den conciertos dentro del juego."Pero es la primera vez que Fortnite colabora con las artes visuales, con una galería pública", dice Obrist. Aunque considera que es "muy diferente" ver una exposición en un juego o físicamente, cree que las experiencias son "complementarias", sobre todo porque muchos visitantes no familiarizados con el mundo de los videojuegos pueden interesarse por ellos, y viceversa. "Para nosotros, se trata de llegar a públicos muy diferentes" y crear "un diálogo transgeneracional", añade el director artístico."La edad media de los jugadores de Fortnite", muy popular entre los adolescentes, "es mucho más joven que el visitante medio del museo", subraya Hans Ulrich Obrist, que "espera que toda una nueva generación se acerque a la galería". Sobre todo porque este proyecto "llegará a un público que probablemente sea diez veces mayor que el de la Bienal de Venecia", afirma el comisario de la exposición, Daniel Birnbaum. También para el artista, Brian Donnelly (su nombre real), el interés radica en hacer más accesible su obra.Sus estilizados personajes con cabeza de calavera ya se han visto en todo el mundo, en instalaciones gigantes y productos promocionales. Y ahora podrán atraer al público más joven de Fortnite con su aspecto pop, accesible y colorido. Kaws, que colabora por segunda vez con Fortnite, explica que sus obras se expondrán en el "creative hub", un modo específico del juego alejado de las partidas donde los jugadores luchan por ser el último superviviente. "No habrá tiroteos en la exposición", bromea, asegurando que la comunidad de jugadores es "diferente a lo que pensamos".En cuanto a si los jugadores se detendrán realmente a contemplar sus obras en el juego, "es difícil de decir", reconoce el artista. "Si llevas a un niño de once años a un museo tradicional, no sabes si va a mirar las obras. Es lo mismo", asegura.
La cineasta Yang Yonghi solo tenía seis años cuando su hermano mayor se fue de Japón rumbo a Corea del Norte. Era uno de los estudiantes que las familias coreanas regalaban al régimen por el 60º cumpleaños del dirigente Kim Il Sung. Antes de que el barco zarpara de Niigata, bajo una lluvia de confeti y con el himno norcoreano sonando de fondo, su hermano le dio una nota: "Yonghi, escucha mucha música. Mira todas las películas que quieras".Corría el año 1972. Un año antes, sus padres, miembros de la comunidad coreana "Zainichi" de Japón, le habían reservado el mismo destino a otros dos de sus hijos. Lo hicieron encandilados por la promesa del régimen de un paraíso en el que la educación y la atención médica serían gratuitas; y el empleo, abundante.El trauma vinculado a esas dolorosas separaciones impregna todos los filmes rodados por Yang Yonghi. La directora, nacida en Osaka, menciona el sufrimiento padecido por varias generaciones de su familia, desde el fin de la colonización de Corea por parte de Japón a las décadas que siguieron a la división de la península. "Mis padres entregaron su vida a [...] un proyecto insensato que los obligó a sacrificar a sus propios hijos", cuenta, con dolor, Yang, de 57 años. A ella, el cine le ha permitido expulsar sus demonios y darle un sentido a la devoción de sus padres por un Estado aislado y represivo del que sus hermanos nunca han podido escapar.Su padre, activista pro Corea del Norte en Osaka, envió a sus hijos en el marco de un programa de repatriación organizado entre Pyongyang y Tokio. Entre 1950 y 1984, cerca de 93.000 coreanos radicados en Japón se mudaron a Corea del Norte a través de esa iniciativa. El hermano mayor de Yang Yonghi era uno de los 200 estudiantes elegidos para honrar a Kim Il Sung.Las promesas del régimen quedaron prácticamente en agua de borrajas pero los "zainichi" recién instalados se vieron obligados a permanecer en Corea del Norte, y los esfuerzos de sus familias en traerlos de vuelta fueron en vano. Los padres de Yang Yonghi "no tuvieron otra elección que mostrarse aún más comprometidos con el régimen, para que los hijos estuvieran seguros" en Corea del Norte, recuerda la directora. Pero, al contrario que sus padres, ella se rebeló."Yo quería ser libre", explica a la AFP. "Podría haberme hecho pasar por japonesa y no ser honesta sobre todo ese asunto de mi padre y mis hermanos, y hacer como si no viera ningún problema" en ello, señala. "Pero para liberarme realmente, tuve que enfrentarme a todos ellos". Después de dar clases en un liceo vinculado a Pyongyang durante tres años, Yang Yonghi se fue a Nueva York a estudiar cine documental.La dirección de filmes será su catarsis. Su primer documental, "Dear Pyongyang" ("Querido Pyongyang", 2005), fue muy aplaudido por la crítica, sobre todo en los festivales de Sundance y de Berlín. Con planos grabados durante sus visitas a sus hermanos, en Pyongyang, el filme ofrece una mirada independiente e inusual de Corea del Norte. Después de aquello, Yang Yonghi obtuvo la nacionalidad surcoreana por lo que ya no puede visitar a sus hermanos. "Es un precio enorme, pero no me arrepiento en absoluto. Al menos, me he mantenido fiel a mi deseo: hacer una película y contar una historia sobre mi propia familia", enfatiza.El último trabajo de la cineasta es el filme "Soup and Ideology" ("Sopa e ideología"), cuyo estreno está previsto este año. La cinta está dedicada a su madre, Kang Jung-hee, rescatada de la sangrienta represión orquestada por las fuerzas surcoreanas en la isla de Jeju de 1947 a 1954 para aplacar una insurrección y que desembocó en la muerte de al menos 30.000 personas, según los Archivos Nacionales de Corea. Entre ellos, se encontraba su prometido y varios familiares suyos."Mi madre quería desesperadamente una patria. Quería vivir en Jeju, pero la obligaron a irse. Ella no se veía quedándose en Japón", declara Yang. "Buscaba un gobierno en el que pudiera confiar, y creyó en Corea del Norte", cuenta. Durante 45 años, la madre de la directora envió comida, dinero y otros bienes a los hijos que tenía en Pyongyang. La cineasta tiene un recuerdo de su madre "anormalmente y excesivamente feliz" en público, diciéndole a la gente que a sus hijos les iba bien en Pyongyang "gracias a los dirigentes norcoreanos". "Pero en casa, lloraba a solas", dice.Uno de sus tres hermanos ha muerto y los otros dos siguen en Corea del Norte. Sin embargo, Yang no piensa callarse nada. "Desde joven, me han dicho constantemente: 'no digas esto, no digas aquello, di siempre esto', pero yo no quiero, sea cual sea el precio que tenga que pagar", sostiene.
