Este viernes 26 de julio llega al centro de Bogotá la tercera edición de ‘Tardeando el centro’ una iniciativa liderada por la Fundación Gilberto Alzate que una amplia oferta cultural en más de 35 establecimientos entre teatros, galerías, museos, bares, librerías, espacios culturales independientes, hostales, hoteles, cafés y restaurantes de la zona.Las actividades, que irán desde la 1:00 p. m. hasta las 11:00 p. m., están enmarcadas además en la estrategia distrital ‘El Centro Vive’, en alianza con ‘I Love la Candelaria’, con la que se busca promover la asistencia masiva de la ciudadanía a actividades artísticas y culturales por medio de cooperaciones con diferentes organizaciones y agentes del ecosistema cultural y creativo del corazón de Bogotá.“En la FUGA venimos trabajando de manera articulada con universidades, salas de teatro y de exposiciones, entidades públicas y privadas y establecimientos comerciales del sector, con el fin de consolidar una oferta artística y cultural robusta que permita a todos los ciudadanos vivir el Centro desde su multiculturalidad. Los invitamos a todos a ‘tardear’ el Centro con nosotros”, expresó Blanca Andrea Sánchez, directora de la FUGA, en le marco del estreno de esta actividad el pasado 31 de mayo.Además de la agenda cultural, en esta edición también se realizará el lanzamiento de la estrategia “Fúgate al Centro y Camina Seguro”, proyecto que busca revitalizar y resignificar el espacio público, haciendo especial énfasis en la Plaza la Concordia, el Parque Santander y la Media Torta Girardot.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Al evento, que tendrá lugar en la Plaza La Concordia a las 5:00 p. m., asistirá el alcalde de Bogotá, Carlos Fernando Galán y se expondrán los pilares del proyecto: recuperación y resignificación del espacio público, inclusión y participación comunitaria, y fortalecimiento del capital social.“Queremos que la integración de estos lugares en la cotidianidad de los residentes y visitantes promueva entre la comunidad la vigilancia natural, la reducción de violencias y la mejora de las percepciones generales en estos sectores de Bogotá, nuestra ciudad, nuestra casa”, señaló Sánchez.Por otro lado, entre las actividades destacadas de esta jornada, I Love Candelaria presentará una tarde a bordo del emblemático Tranvía de Bogotá, mientras que en CityU, la ciudadanía podrá disfrutar del Coro Filarmónico Prejuvenil.Para los interesados en el emprendimiento, la Feria del Distrito ARCU abre sus puertas. La oferta musical en vivo incluye a Sergio Arias con MalAlma en el Hostal Fátima y a Lady Arias en el Hostal El Botánico. El Restaurante Temático ofrecerá un espectáculo de Pop Art, Rock and Roll y Circo, mientras que en La Kzona se podrá disfrutar de "Arrullo con Marimbas" con artistas del Pacífico. Además, el restaurante "Casa de Citas" presentará al grupo musical "Los Cuatro de Belén de Cuba".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Anna Holland y Phoebe Plummer, ambas de 22 años, dañaron el marco de la obra postimpresionista con dos latas de sopa y después se arrodillaron frente al cuadro y pegaron sus manos a la pared mientras portaban camisetas de Just Stop Oil en octubre de 2022.Un jurado popular declaró "culpables" a las activistas este jueves por este incidente, pero tanto Holland como Plummer negaron los cargos contra ellas frente a varios compañeros de Just Stop Oil que estuvieron presentes en el juicio durante el veredicto.El juez Christopher Hehir, que la semana pasada encarceló a cinco miembros del grupo medioambiental, comunicó a las activistas que quedarán en libertad bajo fianza hasta la lectura de la sentencia, prevista para el 27 de septiembre.Sus condiciones bajo fianza estipulan que "no deben llevar pegamento, pintura o cualquier sustancia adhesiva" en un lugar público y tienen prohibido visitar cualquier galería o museo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."¿Qué vale más, el arte o la vida? ¿Vale más que la comida o que la justicia?", dijo Plummer frente a 'Los Girasoles', minutos antes de que los miembros de seguridad del museo londinense escoltasen a las activistas y cerrasen al público la sala en la que se encontraba la pintura de Van Gogh.El ataque a la célebre obra postimpresionista fue el segundo que Just Stop Oil llevó a cabo como forma de protesta en la National Gallery, meses después de que otros dos activistas pegasen sus cuerpos a "La carreta de heno" del pintor inglés John Constable.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El arte sacro o también conocido como arte religioso, es una manifestación artística cuyo propósito principal es evocar lo divino, expresar la espiritualidad y reforzar la fe de los creyentes. Este tipo de arte ha sido una parte fundamental de la historia de la humanidad, especialmente en contextos donde la religión ha desempeñado un papel central en la vida cotidiana y la estructura social.Características principales del arte sacroTemática Religiosa: El arte sacro está intrínsecamente ligado a temas religiosos. Representaciones de deidades, escenas bíblicas, santos y mártires son recurrentes en estas obras.Simbología: La simbología juega un papel crucial en el arte sacro. Cada color, gesto y figura tiene un significado específico y suele estar cargado de simbolismo teológico. Por ejemplo, el color azul a menudo representa la pureza y la santidad en el arte cristiano.Función Devocional: Más allá de su valor estético, el arte sacro tiene una función devocional. Se utiliza en ritos y ceremonias religiosas, sirviendo como medio para la meditación y la conexión espiritual.Estética Elevada: Las obras de arte sacro suelen caracterizarse por una estética elevada y una técnica depurada. Las catedrales góticas, los frescos renacentistas y las esculturas barrocas son ejemplos de cómo este arte busca inspirar asombro y reverencia.Materiales Nobles: A menudo se utilizan materiales nobles como el oro, la plata, los mármoles y los pigmentos preciosos. Esto no solo resalta la importancia de la obra, sino que también busca reflejar la majestuosidad y la eternidad de lo divino.Referentes históricos del arte sacroEl arte sacro ha producido algunos de los mayores tesoros culturales de la humanidad. A continuación, se presentan algunos de sus mayores referentes:Edad media y RenacimientoGiotto di Bondone: Considerado el precursor del Renacimiento italiano, Giotto revolucionó el arte sacro con sus frescos en la Capilla Scrovegni en Padua. Sus figuras humanas y escenas narrativas mostraban una emotividad y un realismo sin precedentes.Miguel Ángel: Sus obras en la Capilla Sixtina, especialmente el fresco de "La Creación de Adán", son iconos del arte sacro renacentista. Su habilidad para capturar la belleza del cuerpo humano y su profundo conocimiento de la anatomía hicieron de sus obras un puente entre lo humano y lo divino.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.BarrocoGian Lorenzo Bernini: Maestro del Barroco, Bernini es conocido por sus esculturas dramáticas y emocionales. Su "Éxtasis de Santa Teresa" en la iglesia de Santa Maria della Vittoria en Roma es un ejemplo sublime de cómo el arte sacro puede transmitir experiencias místicas.Caravaggio: Con su uso innovador del claroscuro y su enfoque en escenas bíblicas llenas de realismo y crudeza, Caravaggio redefinió el arte sacro en el siglo XVII. Obras como "La vocación de San Mateo" muestran la interacción directa entre la luz y la oscuridad como metáfora de lo divino y lo humano.El estudio del arte sacro en la modernidadA pesar de los cambios culturales y la secularización de muchas sociedades, el estudio del arte sacro sigue siendo relevante y fascinante. Las universidades y los institutos de arte alrededor del mundo ofrecen cursos especializados en arte religioso, explorando tanto su contexto histórico como su impacto contemporáneo.En la actualidad, el arte sacro no solo se estudia desde una perspectiva religiosa, sino también desde el punto de vista de la historia del arte, la sociología y la antropología. Investigadores analizan cómo las obras de arte sacro reflejan y moldean las creencias y las prácticas religiosas de diferentes épocas y culturas.Además, la digitalización y las nuevas tecnologías han permitido una accesibilidad sin precedentes a estas obras. Plataformas en línea y museos virtuales ofrecen recorridos digitales por las grandes catedrales y las galerías más prestigiosas, permitiendo a los estudiantes y aficionados explorar el arte sacro desde cualquier parte del mundo.El arte sacro es un testimonio poderoso de la búsqueda humana por lo divino y lo trascendental. A través de sus características distintivas y sus mayores exponentes, este tipo de arte no solo ha embellecido nuestros lugares de culto, sino que también ha nutrido el alma y el espíritu de generaciones enteras. En la modernidad, su estudio continúa revelando nuevas capas de significado y conexión, demostrando que la relación entre el arte y la fe sigue siendo tan relevante y vibrante como siempre.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La muestra, que podrá visitarse desde el 13 de octubre hasta el 26 de enero, profundizará en el "momento excepcional" de los albores del Renacimiento italiano y se centrará en el "papel fundamental" de los artistas de la Escuela de Siena en la "definición de pintura occidental", informó hoy la institución.Titulada 'Siena: The Rise of Painting, 1300-1350', la exhibición, en cuya organización también ha participado la National Gallery de Londres, reunirá más de 100 obras que ofrecerán "una nueva perspectiva de la importancia de Siena", desde la influencia de Duccio hasta la difusión de estilos artísticos más allá de Italia.Estará integrada por creaciones que supusieron un punto de inflexión en la trayectoria de estos artistas sieneses y también por otras que permanecieron en un contexto más privado.Entre las que destacan 'La Virgen y el Niño', de Duccio; la 'Anunciación', de Ambrogio Lorenzetti; o el políptico 'Orsini', de Simone Martini."Siena fue un epicentro de innovación y ambición artística en los siglos XIV y XV. Su impacto en el desarrollo del arte europeo y en la evolución de la pintura no puede subestimarse", indica el director y consejero delegado del Met, Max Hollein, en un comunicado.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.A lo que el comisario de la exposición, Stephan Wolohojian, agrega en el mismo comunicado que "el lenguaje artístico distintivo de Duccio, los hermanos Lorenzetti, Simone Martini, y sus contemporáneos cambió por completo el curso de la pintura europea".El Met acogerá diversos programas educativos relacionados con esta exposición, para la que se habilitará una versión digital en la página web del museo.Tras su exhibición en el Met, la muestra podrá verse en la National Gallery de Londres del 8 de marzo al 22 de junio de 2025.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Titulada 'Francis Bacon: Human Presence' (Francis Bacon: Presencia Humana), la exhibición, que estará abierta al público a partir del próximo 10 de octubre, trazará la carrera de Bacon a través de más de 50 pinturas del artista y explorará su compromiso con el retrato de finales de la pasada década de los años cuarenta.Se trata de retratos clave, incluidos de los amantes Peter Lacy, George Dyer y John Edwards; y amigos como Isabel Rawsthorne, Henrietta Moraes, Lucian Freud y Muriel Belcher.Las pinturas se exhibirán junto con fotografías y retratos de Bacon rara vez vistos de la colección de la galería, capturados por destacados fotógrafos del siglo XX, incluidos Cecil Beaton, Arnold Newman y Bill Brandt, indicó la galería en un comunicado. El artista nacido en Dublín ha sido considerado durante mucho tiempo uno de los pintores más destacados del siglo XX.'Francis Bacon: Human Presence', que estará abierta hasta el 19 de enero de 2025, explorará el profundo y complejo compromiso de Bacon con el retrato, puntualiza el museo.La muestra estará organizada en forma temática y cronológica, comenzando con obras realizadas a finales de la década de 1940 y terminando con retratos pintados al final de su vida, uno de los cuales quedó inacabado en un caballete de su estudio.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.A través de cinco fases clave -Los retratos emergen, Más allá de la apariencia, Pintura de los maestros, Autorretratos y Amigos y amantes-, la exposición trazará la evolución de la práctica de Bacon, explorando cómo abrazó y desafió las definiciones tradicionales del retrato."Francis Bacon estaba profundamente comprometido con el retrato, desafiando las expectativas arraigadas sobre lo que debería implicar un retrato. Para él, era el género pictórico por excelencia, capaz de expresar lo que significaba ser humano", dijo la comisaria principal de colecciones del siglo XX de la galería, Rosie Broadley."Como uno de los pintores británicos (e irlandés) más importantes del siglo pasado, estoy encantado de traer tantas obras de Bacon a la National Portrait Gallery por primera vez, mientras presentamos la primera exposición en Londres dedicada a sus numerosos retratos, fusionando imagen y pintura de una manera verdaderamente única", agregó.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El comediante Ayman Nahas dice que ha mantenido un "perfil bajo" desde el 7 de octubre, temeroso de las represalias contra los artistas árabes en Israel en medio de la guerra en la Franja de Gaza.Nahas es uno de los numerosos artistas árabes en Israel o Jerusalén Este que dicen enfrentar creciente hostilidad y acoso, y temen que los detengan o les corten el financiamiento."Nunca sabes cuál es tu lugar y ese no es el clima adecuado para actuar", comentó Nahas, quien también es director artístico del teatro de lengua árabe Sard, en la ciudad de Haifa, en el norte de Israel.Su teatro depende de subsidios gubernamentales, "al igual que 99% de los espacios culturales" en Israel, afirma.Pero teme que le corten los fondos, como ocurrió en 2015 con Al Midan, otro teatro en la ciudad árabe-judía de Haifa, luego de montar una obra inspirada en un prisionero encarcelado por Israel por un ataque contra soldados.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Un actor de 25 años quien pidió usar el seudónimo de Elías para evitar represalias, contó que durante un tiempo cambió su sombrero de actor por el de un instructor de natación de Tel Aviv, para evitar otro papel de "chico malo" o de "árabe gay rechazado por su familia".Elías acaba de conseguir un papel en una obra de teatro en Berlín. "Tengo que exiliarme para poder practicar mi arte", se lamenta."Ya no uso mi brazalete de 'Palestina Libre' y cuido lo que subo en redes sociales. Tengo amigos que han sido visitados por la policía", indicó.Otros actores árabes dicen que no consiguen empleo en Israel desde el inicio de la guerra.AmenazasLa oenegé Mossawa ha documentado un aumento en las violaciones de derechos humanos contra la minoría árabe en Israel desde octubre, incluyendo detenciones, discriminación laboral y hostigamiento en escuelas, así como limitaciones al derecho a la protesta.La cantante Dalal Abu Amneh, quien también es neurocientífica, estuvo detenida 48 horas por una publicación en redes sociales luego del ataque de Hamás del 7 de octubre en el que dijo que "el único vencedor es Dios".Abu Amneh afirmó que posteriormente fue hostigada en su pueblo natal de Afula, de mayoría judía en el norte de Israel. Su abogado dice que ha recibido centenares de "amenazas de muerte".Alrededor del 20 % de los 9,5 millones de habitantes de Israel son árabes y muchos se identifican como palestinos.Dicen que suelen ser blanco de discriminación de parte de la mayoría judía y sus reclamos han crecido en los casi nueve meses de guerra entre Israel y el grupo militante Hamás en Gaza.Los ataques del 7 de octubre en el sur de Israel dejaron 1.195 muertos, en su mayoría civiles, según un balance de AFP basado en cifras israelíes. Entre los muertos había más de 300 militares.La represalia israelí ha matado al menos 38.584 personas en Gaza, en su mayoría mujeres, adolescentes y niños, según el Ministerio de Salud del territorio gobernado por Hamás."Silencio cultural"Huda Imam, quien promueve sitios culturales palestinos en Jerusalén, dijo que "se ha impuesto un silencio cultural desde el 7 de octubre"."Hubo un choque, una incapacidad de producir por miedo y respeto" a las víctimas de la guerra, agregó."Había una vida cultural palestina antes de la guerra, especialmente en Jerusalén Este", señaló Imam sobre ese sector que Israel tomó en 1967 y luego anexó, una medida que no ha sido reconocida por la mayor parte de la comunidad internacional."La gente ya no sale". Generalmente son exiliados "quienes dan voz a Palestina", dijo Imam, citando al rapero Saint Levant quien tocó en el festival musical de Coachella en abril, y la cantante y flautista Nai Barghouti.Algunos artistas cuestionan la relevancia actual de su trabajo."Enciendes el televisor y ves la guerra en vivo. La realidad es más poderosa que cualquier obra artística", sostuvo Amer Khalil, director del Al Hakawati de Jerusalén Este, también llamado Teatro Nacional Palestino.El teatro, fundado en 1984, "ha sido cerrado más de 200 veces en 40 años" y nuevamente está en la mira de las autoridades israelíes, según Khalil."Dirigir un teatro siempre es difícil, pero después del 7 de octubre todo se volvió aún más complicado", declaró. Agregó que Al Hakawati prepara un montaje sobre ese día. "Es un juego, como la censura, va y viene".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Las trenzas sobre la cabeza adornadas con flores, el poncho colorido postrado en los hombros débiles de la enfermedad y las manos milagrosas que pintaron la vida en medio de la muerte, así veo a Frida Kahlo, la artista que dibujó el amor y el dolor en las mismas obras.La pintora mística vestía pantalones y se ataba el pelo como un hombre, a veces se ponía faldas abullonadas y encajes sobre los hombros, pintaba sus labios de rojo, así como usaba ese color en sus cuadros que fueron la muestra viva del dolor que le causaba su enfermedad.El 17 de septiembre de 1925 viajaba en bus con su compañero Alejandro Gómez Arias, el autobús se chocó con un tranvía y ocasionó el accidente que cambiaría el rumbo de su vida y su arte. En ese golpe, Frida se perforó la pelvis con el pasamanos del tranvía, se fracturó la columna y las costillas, se partió la pierna en once partes y se rompió la clavícula.Sostenida por un yeso y postrada en cama, la artista comenzó a pintarse a sí misma con un espejo que ubicaba sobre su cama en una especie de caballete mutante. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Pintaba su cara porque era lo único que podía ver mientras estaba inmóvil, creó una nueva perspectiva de su ser, se dibujó desnuda y de metal, pintó su frondoso pelo de flores y coronó su quietud en una numerosidad de cuadros fascinantes.A Frida le llegó el amor, un hombre gigantesco junto al que se veía diminuta. La quiso, por supuesto, pero también hirió su corazón profundamente. Ese dolor fue transmitido por las manos adoloridas a los cuadros y a la poesía, esto fue lo que le escribió Frida a Diego Rivera en una carta que no tiene fecha:“Hoy he pensado en ti. Aunque no te lo mereces, tengo que admitir que te quiero. ¿Cómo olvidar el día en que te pedí por primera vez una opinión sobre mis cuadros? Yo, todavía una joven tonta, tú, un gran señor de mirada lasciva. Me diste la respuesta que esperaba, para mi satisfacción, para verme feliz, sin siquiera conocerme me empujaste a seguir pintando. Mi Diego, mi alma ha recordado que siempre te amaré aunque no estés a mi lado. En mi soledad te digo que amar no es un pecado imperdonable. [...] Le pregunté a mi corazón por qué a ti y no a otro”.Después del accidente, la pintora sufrió dos abortos involuntarios, el anhelo de ser madre se desvaneció en el dolor y la sangre, pintó las pérdidas y el cansancio de estar en una cama de hospital atada a una cama fría que ahuyentaba todo deseo de maternar la vida.Frida Kahlo pintó más de 200 cuadros, pintó frenéticamente y creó una visión de sí misma dimensionada en cientas de Fridas como clones que habitan un mundo singular, el mundo de su mente y de su cuerpo, que también fue lienzo del pincel que disparaba en el corazón con llamas amarillas.Sus manos mágicas dibujaron la historia de una mujer que amó y sobrevivió a la hostilidad del mundo, que mandó cartas con lágrimas y que lloró el dolor de un cuerpo enfermo. Esa misma mujer que ahora es símbolo de cultura, fue un pájaro que voló sobre el miedo y pintó con sus alas inmensas las tierras de América Latina.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
TeamLab Planets Tokyo consiguió esta cifra entre el 1 de abril de 2023 y 31 de marzo de 2024, superando al museo de Van Gogh en Ámsterdam (1.686.766 visitantes) y al museo de Picasso en Barcelona (1.047.094 visitantes) además de ser el quinto museo más popular del mundo en búsquedas de Google, según certificó este miércoles Guinness World Records."Estoy muy feliz de saber que tanta gente visita teamLab" (...) "La razón por la que este museo atrae a todos estos visitantes, honestamente, no la sé", declaró entre risas Toshiyuki Inoko, fundador de teamLab, con motivo de este reconocimiento.En sus instalaciones interactivas, teamLab explora "el concepto universal de que nosotros mismos y el mundo estamos en una relación continua", explicó Inoko. "Somos parte del mundo y el mundo también es parte de nosotros", subrayó."Siempre estamos buscando la experiencia que verbalice esta relación continua y esta experiencia continua", aseguró el creador nipón.El reconocimiento entregado este miércoles es el segundo récord Guinness que consigue una exposición de teamLab tras lograr el mismo título en 2019 gracias a la muestra teamLab Borderless, situada en Odaiba, Tokio, que atrajo 2.198.284 visitantes ese año.Además de la ceremonia de recogida del récord Guinness, Inoko presentó nuevas instalaciones al centro teamLab Planets llamadas 'Athletics Forest', 'Future Park' y 'Catching and Collecting Forest', tres experiencias que combinan la interacción del espectador con la obra añadiendo detalles educativos y que serán añadidas a principios de 2025."En total, vamos a desvelar más de 10 obras de arte", aseguró el artista japonés, que explica cada una de las nuevas adiciones y su relación con una idea principal: el papel del cuerpo en la percepción humana.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."A través de tu cuerpo, buscas a los animales, los encuentras, los capturas y los conoces en detalle", comentó Inoko sobre la primera adición, 'Athletics Forest', un espacio tridimensional que simula un bosque con solo animales y especies extintas y donde el visitante se debe comprometer físicamente para sumergirse en la obra.'Catching and Collecting Forest', otra de las nuevas experiencias, será un espacio que simulará un bosque u océano con especies extintas y donde, a través de la cámara del teléfono móvil, el espectador podrá observar estas "criaturas" y "capturarlas"."Siempre he querido aprender más sobre lo que está sucediendo en el mundo", asegura Inoko, quien confía en que los animales extintos desde el nacimiento de la humanidad que son retratados en la exhibición inviten a la reflexión de los visitantes.Inoko creó en 2001 el colectivo de arte teamLab y, desde un inicio, una idea les desmarcó de coleccionistas o museos: "Siempre hemos querido que las personas experimenten las obras que creamos" (...) "Hemos creado nuestras propias obras y, desde el principio, no pensamos en venderlas; quizás sea una de las mayores diferencias entre nosotros y el resto del mundo".Sobre nuevas exhibiciones de teamLab previstas en Japón, Inoko enumera algunas: "Alrededor de otoño, esperamos abrir una en la parte norte de Kanto, queremos convertir un viejo arrozal escalonado en un espacio de arte" (...) "También tenemos un museo al aire libre en un bosque y jardín muy antiguos de una zona remota de Kyushu, con más de 1.000 años de antigüedad".Además, también anunció un museo enorme en Kyoto que se espera para 2025 o 2026 y que se sumaría a las diversas exposiciones que tiene teamLab no solo en el país asiático, sino en otros lugares del mundo, como Los Ángeles, Pekín, Nueva York, Londres o Sao Paulo.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La compañía teatral está especializada en fusionar investigación periodística y creación escénica, para presentar un teatro 'documento'."Trabajamos a partir de preguntas que nos interesan", cuenta el dramaturgo Carles Fernández, buscando ideas que sean alternativa al pensamiento actual: "no tienen porqué ser nuevas".Del 10 al 14 de julio en las Naves de Matadero en Madrid se muestra el viaje de vuelta a sus orígenes de un miembro de la comunidad Huni Kuin -gente de la tierra- de la Amazonía brasileña, donde las aldeas de la zona, amenazadas por la crisis ecológica y la explotación de recursos naturales, deben decidir si abrirse al exterior, a la tecnología y el etnoturismo.Fernández, que se encarga también de la dirección, comparte autoría de Guardianes del corazón de la tierra con Eugenio Szwarcer, Txana Bane y Gabriela Olivera, un texto con el que acompañan en su vuelta a los orígenes a Txana Bane, un miembro de la comunidad Huni Kuin.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Los cuatro se suben al escenario para mostrar ese viaje de vuelta desde el corazón de Alemania, donde Bane reside la mitad del año, hasta el interior de la selva, en el estado de Acre en Brasil, uno de los lugares más remotos de la Amazonía, donde ha fundado una comunidad."Partimos de una base analítica que compartimos con el público para mostrar qué queremos descubrir y una pregunta: si podemos tenerlo todo en esta sociedad, ¿cómo es que mucha gente no está bien?", reflexiona Fernández.El montaje experimenta el impacto que produce en la mentalidad occidental el acceso a otras formas de ver el mundo, la naturaleza y el ser humano."Hemos perdido conexión con la tierra, con nuestro entorno. El montaje es sencillo y pretendemos descubrir la esencia de algunas personas que conocimos allí", reseña el director, para hay un debate abierto en las comunidades amazónicas sobre de qué manera deben abrirse al exterior y al turismo."Todos piensan que debe de haber una apertura, pero hasta qué punto y de qué manera" está por decidir, se pregunta. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por La Villarroel (@la_villarroel) 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El colosal mundo del artista colombiano Fernando Botero llega por primera vez a Roma, donde paseantes y turistas podrán admirar a partir de este miércoles ocho de sus más famosas obras en lugares tan emblemáticos como la plaza del Pueblo o la plaza de España, una exposición que habría "conmovido" al maestro."Para nosotros es un privilegio enorme", pero "él estaría conmovido de ver sus obras en lugares tan icónicos del centro histórico romano", explicó Lina Botero, la hija del artista fallecido en septiembre pasado y comisaria de esta exposición al aire libre: "Botero en Roma".Las ocho esculturas que componen la muestra, "de extrema complejidad" dada la enorme cantidad de obras de renovación de la Ciudad Eterna debido a la inminencia del Jubileo de 2025, llegan ahora a Roma tras haber sido objeto de "más de 25 exposiciones en otros lugares tan simbólicos como los Campos Eliseos de París", señaló Lina.Esa muestra parisina, en 1992, fue el origen de "un recorrido extraordinario" que la ha llevado a lugares como Park Avenue, en Nueva York; Rodeo Drive, en Los Ángeles; el Paseo de Recoletos, en Madrid, o la puerta de Branderbugo, en Berlín, además de llegar a Shanghai o Hong Kong.El Ayuntamiento de la Ciudad Eterna ha querido crear "un paseo romano con Botero" que comienza con su Venus durmiente (1994) y su Mujer extendida (2003) en la Terraza del Pincio, en el parque de Villa Borghese y que se eleva, con una vista excepcional, sobre la Plaza del Popolo, donde se podrán apreciar sus Adán y Eva (1992).El recorrido sigue por la céntrica via del Corso hasta el Largo Lombardi, donde se ha colocado el Caballo con bridas (2009), mientras su voluminoso Gato (1999) ocupa la plaza de San Lorenzo in Lucina, y en la siguiente parada una Mujer sentada (2003) observa a los paseantes en la plaza de San Silvestro.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Otra Mujer sentada de bronce, esta vez de 1991, cierra el homenaje que la capital de Italia le ha querido dedicar al artista en la majestuosa plaza de España, en un lateral justo frente a la Embajada española ante la Santa Sede."Se trata de uno de los paseos más formidables de la ciudad", dijo el concejal de Cultura del Ayuntamiento romano, Miguel Gotor, en la presentación de la muestra, que permanecerá a la vista de romanos, turistas y curisosos hasta el próximo 1 de octubre.Las obras de Botero en Roma servirán también para "recalcar el vínculo tan especial" del artista con Italia, que "se convirtió en su segunda patria por muchas razones, pero sobre todo por la pintura del 'Cuatrocento', cuando comenzó el Renacimiento y que tanto influyó en su obra".Su hija recordó con emoción cómo Botero llegó "como un joven pobre" con 19 años a Madrid, donde pasaba los días visitando el Museo del Prado y copiando obras de artistas inmortales, hasta que un día, al salir de la pinacoteca al atardecer, vio un libro abierto en una imagen de un fresco de Piero della Francesca (1412-1492), uno de los grandes pintores renacentistas. "Fue un auténtico shock eléctrico, un relámpago que cambió su vida para siempre", enfatizó Lina.En ese mismo instante, "decidió cambiar su rumbo" y "unos días después se fue con un amigo en moto a Italia para estudiar en Florencia" el arte que le había llegado tan dentro, lo que le permitió "racionalizar su tendencia innata al volumen", como se ve ya en acuarelas que pintó con solo 17 años."Fue fundamental en vida y en su obra" porque sus estudios florentinos le permitieron "entender su fascinación por el volumen", integrarla y convertirla en el signo de identidad de su arte, lo que de verdad le hace diferente a cualquier otro artista de la historia.Con la escultura comenzó en 1973 y en los 80 se compró una casa en Pietrasanta, una pequeña localidad de la Toscana (centro), donde desde entonces pasó los veranos y que a lo largo de las últimas décadas acabó atrayendo a importantes artistas de todo el mundo, gracias a sus canteras y marmolistas."El sentía un respeto total por los artesanos que trabajan allí, por unas técnicas que habían pasado de generación en generación", aseguró Lina sobre el "segundo hogar" del maestro, fallecido el pasado 15 de septiembre a los 91 años, y que fue el elegido por Botero para el reposo final de sus cenizas junto a las de su esposa y artista, Sophia Vari.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El monasterio de San Hilarión, ubicado en el sur de Gaza, fue inscrito como Patrimonio de la Humanidad e inmediatamente incluido en la lista de lugares en peligro "en vista de las amenazas que suponen para este sitio el conflicto en curso", indicó la Unesco en un comunicado.Fundado en el siglo III pero en ruinas desde que fue destruido en el año 614, su nuevo estatus le permitirá "un mayor acceso a los mecanismos de asistencia financiera y técnica internacionales".Durante la reunión anual del organismo de la ONU, que se celebra en Nueva Delhi, también se decidió incluir en la lista de Patrimonio de la Humanidad al brasileño Parque Nacional de Lençóis Maranhenses. Se trata del mayor campo de dunas de Sudamérica, con 155.000 hectáreas de extensión y que alberga una amplia biodiversidad."Este es el 24º sitio brasileño inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial de la Unesco. Me gustaría felicitar a Brasil por su firme compromiso con la protección de su patrimonio cultural y natural”, declaró la Directora General de la Unesco, Audrey Azoulay, tras la inscripción de la propiedad.En total, la Unesco reconoció trece localizaciones por su excepcional valor.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La anfitriona India vio incluido en la lista el sistema de túmulos funerarios de la dinastía Ahom, en el estado nororiental de Assam. Los Tai-Ahom crearon túmulos funerarios durante 600 años acompañados por banianos y otros árboles, además de crear masas de agua artificiales."Este reconocimiento subraya los esfuerzos del Servicio Arqueológico de la India (ASI) y del Gobierno de Assam a la hora de preservar estos tesoros históricos", afirmó el viceministro de Cultura y Turismo del país asiático, Gajendra Singh Shekhawat, en un comunicado.China vio inscritas en la lista dos localizaciones: los santuarios de aves migratorias en el litoral del Mar Amarillo y del Golfo de Bohai, así como el desierto de Badain Jaran, el tercero mayor del país.El asentamiento rural del siglo quinto Umm Al-Jimal en el norte de Jordania, la cueva de Vjetrenica en Bosnia Herzegovina, o los yacimientos arqueológicos que documentan la aparición de la humanidad moderna en Sudáfrica fueron otros de los lugares registrados como Patrimonio de la Humanidad.Francia, el Reino Unido, Etiopía y Burkina Faso también vieron reconocidos lugares en la lista de la Unesco, que extendió la inclusión de las colonias de la iglesia morava a tres municipios fundados en el siglo XVIII en Alemania, Estados Unidos y el Reino Unido.Está previsto que las deliberaciones para inscribir nuevos bienes continúen en Nueva Delhi hasta el domingo, con la inclusión de más de una veintena de sitios a debate.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'Sauce ciego, mujer dormida' incorpora seis relatos cortos de tres recopilatorios de Murakami y se proyectará en 43 cines del archipiélago japonés, la gran mayoría en la región de Kanto (este), donde se encuentra la capital del país, y en la región de Kansai (oeste), donde se ubican importantes ciudades como Osaka o Kioto.El filme llega a las salas japonesas con el visto bueno de Murakami, que el pasado junio se unió a Foldes para dialogar en directo tras una proyección de la película en un festival literario de su alma mater, la Universidad de Waseda, organizado por la Casa Internacional de la Literatura, biblioteca construida en su honor.El escritor elogió allí la adaptación cinematográfica de Foldes y señaló la aparición por primera vez en la gran pantalla de Frog, un personaje reconocido entre sus lectores.El filme de Foldes es una de varias adaptaciones al cine de relatos del autor nipón que han cobrado cierto protagonismo, como 'Burning' (2018), del director surcoreano Lee Chang-dong (adaptación del relato 'Barn Burning'); o 'Drive My Car' (2021), del japonés Ryusuke Hamaguchi, ambas galardonadas con prestigiosos premios, esta última con el Oscar a mejor largometraje internacional en 2022.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La película animada, de 108 minutos de duración, se estrenó en 2022 y su lanzamiento japonés llega este mes de julio con especial interés por ser la primera adaptación a la animación de una obra de Murakami, uno de los novelistas japoneses más prestigiosos a nivel global y que cuenta con libros reconocidos como 'Tokio Blues' (1987), 'Sputnik, mi amor' (1999) o 'Kafka en la orilla' (2002).Murakami, eterno nombre en las quinielas del Premio Nobel de Literatura, posee otros importantes galardones como el Frank Kafka o el Yomiuri de Literatura, y en 2023 recibió el Premio Princesa de Asturias de las Letras de España, que se sumó a la Orden de las Artes y las Letras y al Premio Internacional de Cataluña que recibió por parte del Estado español en 2009 y 2011, respectivamente.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La inscripción del parque nacional en el listado de la Unesco se aprobó durante la reunión anual del organismo que se celebra en Nueva Delhi. Esta decisión llega siete años después de que Brasil nominase el parque para entrar en la ansiada lista, que le confiere un mayor grado de protección y facilita el acceso a apoyo financiero.Ubicado en el estado de Maranhao, la ficha del parque elaborada por Brasil lo describe como "uno de los destinos más bellos del país" y "un paisaje que no se encuentra en ningún otro lugar del planeta"."Este es el 24º sitio brasileño inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial de la Unesco. Me gustaría felicitar a Brasil por su firme compromiso con la protección de su patrimonio cultural y natural”, declaró la Directora General de la Unesco, Audrey Azoulay, tras la inscripción de la propiedadGracias a la entrada a la lista, "este impresionante paisaje de dunas y lagunas, modelado por condiciones climáticas y geológicas excepcionales, se beneficiará del más alto nivel de protección internacional", aseguró.El órgano de áreas protegidas ya había destacado su importancia estética, la biodiversidad que acoge y su valor por representar etapas importantes de la historia de la Tierra.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El parque está compuesto por alrededor de 90.000 hectáreas de dunas móviles que van desde los diez a los treinta metros de altura, y que dan lugar a un fenómeno inusual cuando llueve y el agua queda atrapada en la parte baja de las dunas, sin filtrarse al subsuelo por la presencia de una capa de roca, lo que crea lagunas de varios colores.Además, acoge 133 especies de plantas y 112 especies de aves, algunas de ellas endémicas o amenazadas. El lugar obtuvo la calificación de parque nacional en 1981.Las deliberaciones para inscribir nuevos bienes está previsto que continúen hasta el domingo. En total, la Unesco debatirá la inclusión de más de una veintena de sitios en su listado.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Se acerca el estreno en Colombia de una de las películas más aclamadas en la edición número 77 del Festival de Cine de Cannes, La sustancia (The substance). Bajo la dirección de la cineasta francesa Coralie Fargeat, está película obtuvo el premio al Mejor guion durante el festival tras su estreno.Ahora, el 26 de septiembre llegará a los cines del país con una apuesta espeluznante que le da la vuelta a la cultura de la belleza tóxica, centrada en el consumo excesivo, la superficialidad y el control sobre el cuerpo de la mujer a través de la fábula de “cuidado con lo que deseas”.Protagonizada por las estrellas de Hollywood, Demi Moore, Margaret Qualley y Dennis Quaid esta provocadora película ofrece una visión única de la belleza desde la perspectiva de la directora.“The Substance es una película sobre el cuerpo de las mujeres. Sobre cómo los cuerpos de las mujeres son escrutados, fantaseados y criticados en el espacio público. Sobre lo mucho que, como mujeres, se nos hace creer que no tenemos más remedio que ser perfectas/sexys/sonrientes/delgadas/jóvenes/bellas para ser valoradas en la sociedad. Y lo imposible que es para las mujeres escapar de esto, por muy educadas, fuertes de mente e independientes que seamos”, comenta Fargeat sobre su película.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En la cinta, Demi Moore interpreta a Elisabeth Sparkle, una antigua estrella que ya pasó por la cúspide de su carrera y a la que Harvey (Dennis Quaid), el repelente jefe del estudio, despide repentinamente de su programa de fitness. Ante el panorama desolador se ve atraída por la oportunidad que le brinda una nueva y misteriosa droga: la sustancia.Al acceder a la sustancia logra renacer temporalmente como la atractiva Sue (Margaret Qualley), de nuevo joven, en la llamada ‘flor de la vida’, perfecta. Sin embargo, para lograrlo debe ceder al punto de habitar cada cuerpo, el joven y el suyo, durante una semana cada uno.“Creo firmemente que esta es nuestra cárcel. Una cárcel que la sociedad ha construido a nuestro alrededor y que se ha convertido en un instrumento masivo de control y dominación. Una cárcel que creemos que queremos para nosotros. Y esta película está diciendo: ya es hora de mandar a volar todo esto por los aires”, comenta la directora sobre los cánones de belleza y la crítica que plantea esta historia.Vea aquí el primer tráiler de ‘La sustancia’:🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Richard Wagner, nacido en 1813 en Leipzig, Alemania, es una de las figuras más influyentes en la historia de la música clásica. Su impacto se extiende mucho más allá de sus propias composiciones, influyendo en la estructura, el desarrollo y la percepción de la música en general. Una de las contribuciones más significativas de Wagner fue el desarrollo del leitmotiv, un tema musical recurrente asociado a un personaje, lugar, emoción o idea específica. Este recurso permitió una mayor cohesión narrativa en sus óperas y fue adoptado posteriormente por numerosos compositores, así como por creadores de música para cine y televisión.Wagner promovió la idea del "Gesamtkunstwerk" o "obra de arte total", en la que todas las artes - música, poesía, drama y visuales - se integran perfectamente. Esta visión revolucionaria elevó la ópera a una forma de arte holística, influyendo profundamente en la evolución del género.El compositor expandió las fronteras de la armonía tradicional, utilizando cromatismos y disonancias que desafiaban las convenciones musicales de su tiempo. Su ópera "Tristán e Isolda" es especialmente notable por su uso avanzado de la armonía, anticipando el lenguaje musical del siglo XX.Wagner diseñó el Teatro de Bayreuth específicamente para la representación de sus obras, con innovaciones como el foso de orquesta oculto, que creaba una mejor acústica y una experiencia más inmersiva para el público. Este teatro sigue siendo un importante centro para la interpretación de su obra.Las óperas de Wagner, especialmente su ciclo de cuatro óperas "El anillo del Nibelungo", se caracterizan por su gran escala y duración. Este enfoque monumental desafió las normas de la época y abrió nuevas posibilidades para el desarrollo dramático y musical.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La influencia del compositor alemán se siente en la obra de muchos compositores posteriores. Gustav Mahler, Richard Strauss y Anton Bruckner, entre otros, incorporaron elementos wagnerianos en sus propias composiciones, desde la estructura musical hasta la orquestación y el uso del leitmotiv.Compositores como Arnold Schoenberg y Alban Berg fueron influenciados por las innovaciones armónicas de Wagner, lo que llevó al desarrollo de la música atonal y serial. Incluso compositores que buscaban distanciarse de Wagner, como Claude Debussy, no pudieron evitar responder a su legado de alguna manera.El uso de leitmotivs y la estructuración dramática de la música de Wagner influyeron en la música cinematográfica del siglo XX. Compositores como John Williams, que creó la música para películas como "Star Wars" y "Indiana Jones", han reconocido la deuda que tienen con Wagner.Las ideas de Wagner también resonaron en la filosofía y la literatura. Su amistad y eventual ruptura con Friedrich Nietzsche es bien conocida, y su obra ha sido objeto de extensos análisis filosóficos y literarios.La influencia de Richard Wagner en la música clásica es vasta y profunda. Sus innovaciones en la composición, la estructura operística y la escenografía no solo transformaron la ópera, sino que también dejaron una marca indeleble en la música del siglo XX y en la cultura popular. A través de sus audaces experimentos y su visión artística integral, Wagner redefinió lo que la música podía ser, asegurándose un lugar permanente en la historia de la música.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.