No es un detalle menor que, al hablar de Frida Kahlo, su vida personal sea al centro del relato. Su relación extensa y tormentosa con Diego Rivera, algunos amoríos con mujeres y su enfermedad son las primeros recuerdos que algunas personas tienen sobre ella. Justo después de esa aparente intimidad, se habla de su obra. ¿A qué se debe ese principio de prioridad en la información? El investigador Luis-Martín Lozano se ha propuesto alterar el orden de la historia y priorizar la atención en la obra de Kahlo en el libro "Frida Kahlo. Obra pictórica completa". Allí, Lozano enfatiza en la poca relevancia que mujeres artistas tienen en la historia del arte y ahonda en la obra de Kahlo a lo largo de nueve capítulos. El autor parte de una premisa para explicar la obra de la pintora mexicana, quien ha sido considerada pionera del discurso político en materia de género, sexualidad y feminismo. Lozano plantea que, a partir de un accidente aéreo al que sobrevivió la artista, su obra se centra en la representación metafórica del trauma personal, a raíz del dolor y alimentado por la infidelidad De Diego Rivera con su hermana.A través de ensayos teóricos, Lozano aborda varios puntos de la vida de la artista y su obra, sus relaciones y las miradas reducidas al analizar su aporte a la pintura revolucionaria de Kahlo en México. Además, asegura que es un error hablar de su pintura como una mera reflexión autobiográfica.Analizando a Kahlo como artista y la época en la que gestó su obra, Lozano subraya que es indispensable hablar de la capacidad autodidacta que tuvo la artista en su formación. Contrario a sus contemporáneos, la educación de Frida fue intuitiva y devino de su entorno más cercano como su padre, quien siendo fotógrafo le enseñó sobre composición, teoría de color y luz. Ese insumo fue vital en el estilo de Kahlo.En varias de sus obras, Kahlo parte de fotografías para intervenirlas. Incluso para dar forma a su obra "Retrato de Ruth Stallsmith", un usa una fotografía de su padre."Frida Kahlo. Obra pictórica completa" recorre 152 pinturas de la artista y ahonda en su descripción a la luz de la pintura novohispana del siglo XVIII, el retrato del renacimiento tardío italiano, el lenguaje cubista o el estridentismo, una vanguardia mexicana cercana al futurismo. En los ensayos, Lozano exalta la curiosidad e inteligencia de la artista y cómo esa forma de ver la pintura, le permitió estar en el grupo de artistas mas importantes de ese momento en México. ¿Para qué estudias tanto? ¿Qué secretos buscas? Los años de aprendizaje 1925-1929 14: Se me abrieron los ojos y vi cosas nuevas. La pintora que expande horizontes 1930-1938; Pintaré el dolor, el amor y la ternura. Las lecciones de la madurez y la experiencia 1939-1946; Ya no abrigo la menor esperanza. Espero no volver jamás. La voluntad de pintar hasta el final 1947-1954; Diario y cartas de Frida; Biografía. Luis-Martín Lozano Marina Vázquez Ramo; Frida y Diego; La Casa Azul y Catálogo de pinturas, son los nueve capítulos que componen el libro que ya está disponible en la web de la editorial TASCHEN.
A través de sus redes sociales, el artista británico Banksy ha confirmado la autoría de varias pinturas callejeras que aparecieron a principios de agosto en algunos pueblos costeros del este de Inglaterra. En su cuenta de Instagram, el artista documentó el viaje que efectuó en una caravana que llamó "A Great British Spraycation" ("vacaciones con espray por Gran Bretaña"), donde dejó plasmada su obra.En las primeras imágenes se ve a un hombre con capucha, supuestamente Banksy, que lleva una sombrilla y una nevera de camping con botes de espray y que se aleja del muro de la playa de Lowestoft, donde ha pintado un ratón. La primera obra apareció el pasado 6 de agosto en Great Yarmouth, en el condado de Norfolk, y representa a una pareja bailando sobre el tejado de una parada de autobús, mientras un acordeonista sentado en el borde de la estructura toca su instrumento.A esta le siguieron otras durante ese fin de semana, como la pintura hallada en Gorleston, también en Norfolk, donde una pared sobre un banco sirvió al artista para dibujar una grúa como las de los locales recreativos, con las que los usuarios tratan de capturar regalos en una urna.La última pieza apareció el pasado domingo en Great Yarmouth en un parque de miniaturas y es una de las más inusuales, ya que sus responsables descubrieron una nueva cabaña de miniatura que presentaba señales del artista, incluida su firma en rojo sobre una de las fachadas. En un lateral de la cabaña se ve también el dibujo de un ratón que está sobre una rueda de carreta real y junto a una frase que dice: "GO BIG OR GO HOME" ("hazlo a lo grande o vete a casa").En los últimos años, el artista que mantiene su identidad oculta, ha alcanzado cifras récord en las casas de subastas. En marzo, una obra que destacaba la labor de los trabajadores sanitarios fue subastada por 20 millones de euros, un récord, destinados al servicio público de salud británico.
¡Adiós a Chuck Close! Nacido en 1940 en el estado de Washington, se hizo famoso por sus gigantes retratos o autorretratos; algunos de los cuales eran mosaicos y otros tan detallistas que, a simple vista, parecían fotos.Entre sus retratados se cuentan personalidades como el ex presidente estadounidense Bill Clinton, el compositor Philip Glass o la leyenda del rock Lou Reed. Con exhibiciones en grandes museos como el MoMA o el Guggenheim en Nueva York, sus obras también adornaron el metro subterráneo de Nueva York.En 2017 varias mujeres dijeron a medios estadounidenses que Close, que estaba discapacitado y en silla de ruedas por un colapso de la arteria espinal, les pedía que se desnudaran, se les acercaba inapropiadamente o realizaba comentarios inadecuados cuando visitaban su estudio.Tras esas denuncias, la Galería Nacional de Arte de Washington canceló una exhibición de su obra que estaba programada, pero otros museos del mundo siguieron mostrando sus enormes pinturas.Close negó las acusaciones que se conocieron en medio de una ola de denuncias de conductas sexuales inapropiadas en varios sectores de la sociedad estadounidense.
Japón conmemora este viernes el lanzamiento de la bomba atómica sobre Hiroshima, el 6 de agosto de 1945, con una controversia este año por la negativa del Comité Olímpico Internacional (COI) de pedir un minuto de silencio durante los Juegos de Tokio en curso.Sobrevivientes, allegados y un puñado de dignatarios extranjeros asistieron a la ceremonia matinal en Hiroshima (oeste) para honrar a las víctimas y hacer un llamado por la paz en el mundo. Lea también: "El museo olímpico de Atenas, un viaje por la historia de los Juegos".Dada la persistencia de la pandemia del coronavirus, la ceremonia no fue abierta al público, pero se pudo seguir en internet.Los participantes, con mascarillas y muchos vestidos de negro, guardaron un minuto de silencio a las 08H15 locales (23H15 GMT del jueves), la hora en que la bomba atómica estadounidense fue lanzada sobre la ciudad hace 76 años. Sobrevivientes y la municipalidad de Hiroshima habían propuesto al COI invitar a los atletas de los Juegos a unirse al minuto de silencio desde Tokio.Sin embargo, el presidente del COI, Thomas Bach, no acogió la propuesta y respondió que la ceremonia de cierre de los Juegos, el domingo próximo, dará la oportunidad de rendir homenaje a las víctimas de todos los acontecimientos trágicos de la historia. No deje de leer: "Entre el éxito y la obsesión: la salud mental en los Juegos Olímpicos"."Es decepcionante, aunque apreciamos el hecho de que el presidente Bach visitó Hiroshima" antes de los Juegos, dijo Tomohiro Higaki, un alto cargo de la ciudad.Bach estuvo en Hiroshima el 16 de julio para marcar el inicio de la tradicional "tregua olímpica", que busca garantizar la suspensión de las hostilidades en el mundo durante los juegos. La bomba atómica dejó 140.000 muertos en Hiroshima, y la que se lanzó el 9 de agosto de 1945 en Nagasaki dejó 74.000 muertos. Japón capituló el 15 de agosto de 1945, poniendo fin a la Segunda Guerra Mundial.
El asunto había sacudido a la comunidad de paleoarqueología desde la publicación de un artículo en 2018 que atribuía el pigmento ocre rojizo encontrado en la cúpula estalagmítica de la Cueva de Ardales, en el sur de España, a nuestra extinta especie de "primos". La investigación sugirió que el arte tenía al menos 64.800 años, y fue hecho en un momento en que los humanos modernos no habitaban el continente.Pero el hallazgo fue controvertido y "un artículo científico dijo que quizás estos pigmentos eran algo natural", como resultado del flujo de óxido de hierro, dijo a la AFP Francesco d'Errico, coautor de un nuevo artículo difundido en la revista PNAS. Un nuevo análisis reveló que la composición y la colocación de los pigmentos no eran consistentes con los procesos naturales; en cambio, los pigmentos se aplicaron mediante salpicaduras y soplado.Además, su textura no coincidía con las muestras naturales tomadas de las cuevas, lo que sugiere que los pigmentos provienen de una fuente externa. Una datación más detallada mostró que los pigmentos se aplicaron en diferentes momentos, separados por más de diez mil años.Esto "apoya la hipótesis de que los neandertales vinieron en varias ocasiones, durante varios miles de años, para marcar la cueva con pigmentos", explicó d'Errico, de la Universidad de Burdeos.Es difícil comparar el "arte" neandertal con las pinturas murales realizadas por humanos modernos prehistóricos, como las que se encuentran en la cueva Chauvet-Pont d'Arc de Francia, de más de 30.000 años de antigüedad.Pero el nuevo hallazgo se suma a la creciente evidencia de que los neandertales, cuyo linaje se extinguió hace unos 40.000 años, no eran los groseros parientes del Homo sapiens como durante mucho tiempo se describió.
El cuadro "Mata Mua", uno de los más famosos del francés Paul Gauguin (1848-1903), seguirá exhibiéndose en Madrid después de que el gobierno español aprobase el alquiler de la colección del que forma parte a su propietaria, que se lo había llevado del país.El ministerio de Cultura anunció el martes la aprobación del acuerdo de alquiler de la colección de Carmen Thyssen por 15 años y un montante de 97,5 millones de euros (unos 116 millones de dólares), con "derecho de adquisición preferente sobre toda o parte" de ella, según su comunicado.El alquiler incluye más de 300 obras, entre las que las hay de Canaletto, Fragonard, Courbet, Boudin, Monet, Sisley, Renoir, Degas, Gauguin, Rodin, Matisse o Picasso.El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid alberga la colección del noble suizo y heredero de un poderoso linaje industrial Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza -fallecido en España en 2002-, que el Estado español compró en 1993 por 338 millones de dólares.En la adquisición jugo un papel determinante que la última esposa del barón Von Thyssen fuera la española Carmen Cervera -luego Carmen Thyssen- que además fue formando su propia colección. Los cuadros de la coleccionista se exhiben en la actualidad en el museo madrileño, en virtud de un contrato de préstamos gratuito suscrito en febrero de 2002 y sucesivamente prorrogado.Sin embargo, en 2020, cuando el museo estaba cerrado por la pandemia de coronavirus, Carmen Thyssen se llevó el "Mata Mua" de España, haciendo temer al gobierno que las obras de la coleccionista acabaran abandonando la institución.En una entrevista al diario El País en febrero, Carmen Thyssen dijo sobre el "Mata Mua": "volverá cuando se haya firmado el contrato de alquiler y se cumpla con los trámites para el traslado de una obra de esa importancia". El museo ahora está pendiente de su regreso.
"Este espacio tiene la vida cotidiana de la familia Weiz Carrington, que habitó por más de 60 años. Tenemos catalogados más de 8.600 objetos", dijo a la AFP Alejandra Osorio, directora Cultural de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM). Pablo Weisz Carrington, hijo de la pintora, vendió la vivienda a la UAM por 500.000 dólares con la condición de que se convirtiera en un museo.A cambio, el pasado 19 de mayo donó obras de su madre valoradas en tres millones de dólares. El sitio será inaugurado cuando la UAM reabra sus instalaciones, lo que dependerá de la evolución de la pandemia en México, indicó Osorio.Con Casa Estudio Leonora Carrington suman tres los museos dedicados a la artista en México, adonde llegó en 1942 para luego nacionalizarse. Las otras salas están en el estado de San Luis Potosí (norte).En la casa museo, situada en el icónico barrio de la Roma, hay 45 obras escultóricas y cientos de objetos que Carrington usó durante el tiempo que la habitó. En la cocina se pueden apreciar los condimentos que utilizaba en sus platillos y hasta los últimos maquillajes que usó.La obra de la también escultora está inspirada en gnomos, duendes, gigantes y fantasmas, producto de su educación irlandesa y del contacto con la mitología celta, añadió Osorio. Entre esas piezas está "The Palmist", inspiración para la premiada cinta "El Laberinto del Fauno", del director mexicano Guillermo del Toro.La intención es "conservar el carácter íntimo del comedor, la habitación, la cocina y el estudio con la idea de presentarlos lo más cercano a como estaban en la vida cotidiana de la artista", expresó Osorio.A Leonora Carrington "no le gustaba explicar su obra", de allí la importancia de adentrarse en su cotidianidad, apuntó Osorio en el estudio donde se aprecian las brochas y pigmentos.Carrington nació el 6 de abril de 1917 en Clayton Green, una aristocrática mansión del pueblo de Chorley, Lancashire, Inglaterra, y murió en Ciudad de México el 25 de mayo de 2011.
Seis frescos sustraídos hace años a las ruinas de antiguas villas romanas fueron devueltos al parque arqueológico de Pompeya, cerca de Nápoles, en el sur de Italia, informó este martes la policía.Tres de los frescos, uno que representa un querubín, otro una bailarina y el tercero la cabeza de una mujer, procedían de dos antiguas habitaciones romanas de Stabia, una localidad a pocos kilómetros de Pompeya. Agentes especializados en bienes de arte los descubrieron y confiscaron el año pasado en el marco de "una investigación más amplia sobre el tráfico internacional de bienes arqueológicos".Los otros tres frescos fueron hallados por la policía en 2012 en una excavación ilegal en Civita Giuliana, a unos 700 metros al noroeste de Pompeya, antes de que los ladrones se los llevaran. Desde entonces el lugar está a cargo de las autoridades, por lo que los arqueólogos encontraron el año pasado los restos de dos víctimas de la erupción del Vesubio, el de un joven esclavo y su patrón.El yacimiento arqueológico de Pompeya, la ciudad romana que quedó enterrada por una erupción volcánica hace 2.000 años, es considerado una de mayores maravillas arqueológicas del mundo.Alberga restos muy bien conservados de la ciudad destruida por la erupción del volcán en el 79 d.C., así como de las personas que residían y que no tuvieron tiempo de huir. Las ruinas estuvieron por siglos cubiertas por una capa de polvo y ceniza volcánica de un metro de espesor, lo que garantizó su elevado nivel de conservación casi intacto hasta nuestros días.
Los organizadores de una exposición inmersiva sobre Van Gogh en Toronto tuvieron la idea de conciliar el arte y la pandemia: crear un espacio y un espectáculo dedicado exclusivamente a automovilistas, una iniciativa presentada como una primicia mundial.La exposición sobre el universo del famoso pintor debía inaugurarse a principios de mayo en Toronto, pero la epidemia de coronavirus obligó a los organizadores a posponerla y buscar alternativas. En tanto la principal ciudad canadiense sale poco a poco del desconfinamiento, la exposición "Immersive Van Gogh" pudo comenzar la semana pasada.Consiste en dos salas: una con círculos de distancia física proyectados en el suelo, para aquellos que prefieren caminar; y la otra destinada a quienes optan por acudir a bordo de sus vehículos. Ver el espectáculo desde la comodidad de su automóvil permite a los que tienen salud más delicada o son más aprensivos disfrutar del arte de manera segura, dice. Se trata de una experiencia única."Ustedes nunca han tenido una experiencia como esta desde su automóvil", dijo Ross. "Es como si el coche estuviera flotando a través de la obra de arte". El espectáculo se elaboró en colaboración con los creadores de la exposición "Van Gogh, La noche estrellada", presentada el año pasado en L'Atelier des Lumières de París. Al volanteCon un concepto similar, la exposición de Toronto es una experiencia de arte digital con obras del pintor holandés animadas y proyectadas en gran formato sobre enormes muros.Diseñada originalmente para peatones, la exposición ha sido adaptada para recibir personas a bordo de coches. La sala puede albergar unos diez automóviles, que se estacionan en lugares definidos.Los motores permanecen apagados durante la proyección, que transcurre acompañada de música. La altura de las obras se ha reducido para que puedan verse a través del parabrisas. Sentados detrás del volante, con el teléfono en la mano para tomar fotos y los niños arrodillados, los visitantes se sumergen durante 35 minutos en el mundo del pintor."Realmente es una experiencia de inmersión que no se puede tener en una galería de arte clásico", dice Jessica Counti, una joven de 17 años, que acudió con su familia al estreno de esta suerte de autocine para celebrar el cumpleaños de su hermana.Y aunque celebra el éxito de su creación, Corey Ross cree que el fenómeno será temporal. "Tan pronto como tengamos la oportunidad de experimentar el arte de la manera que nos gusta, es decir en un grupo, con personas con las que podemos hablar, encontrar a gente desconocida (...) y ser parte de una comunidad, creo que volveremos a eso", afirma.Las reservas para visitar la sala para automovilistas están casi completas hasta el cierre de la exhibición, previsto para el 9 de agosto. La exposición peatonal se extenderá hasta finales de septiembre.
La pandemia amordazó a los movimientos sociales. Pero una nueva manera de protestar se propaga a través de las paredes de grandes ciudades de América Latina, donde artistas proyectan mensajes que refuerzan luego en redes sociales."Decidimos que era una bonita idea (...) no dejar que el coronavirus opaque cosas (...) Que si ya no podemos salir a la calle, pues que los muros nos sirvan un poco de imprenta", explica a la AFP Laura Mora, cineasta colombiana de 39 años.Hasta las paredes de los edificios de Sao Paulo ha llegado el grito de guerra de los opositores del presidente brasileño, "Fora (fuera) Bolsonaro". También, en las de las construcciones de Medellín, el desahogo de los que saludaron la detención del expresidente colombiano Álvaro Uribe el 4 de agosto: "Nadie está por encima de la ley".La generación del coronavirus encontró sus propios medios de expresión. Una noche de abril, Laura y su compañero músico Sergio Parsons, de 42 años, subieron a la terraza de su edificio en Medellín, decididos a romper la monotonía del confinamiento impuesto desde el 25 de marzo con un cineclub al aire libre.Un vecino instaló un proyector. Pero "vino un ventarrón (...) y se cayó la pantalla, y nos dimos cuenta que teníamos este muro", dice, apuntando al edificio de enfrente.El espíritu de protestaAunque son poco prácticos para una película, los muros son perfectos para proyectar "frases que tenían que ver con el momento de la cuarentena como 'Todo está muy raro' o 'Salud pública para todos'", que el grupo redacta al momento."Salimos un poco inspirados por este espíritu que se (ha) visto con las marchas" de finales de 2019, agrega la realizadora que publica fotos de la instalación por internet. "Mucha gente me escribió, uno me dijo: yo tengo un proyector. ¡Unámonos!".Domingo siguiente, los muros de diferentes barrios de Medellín (noroeste) se iluminaron de noche. Hasta ese momento ni el artista callejero ni la ilustradora, el editor, el músico o el documentalista se conocían entre ellos. Hoy, con seis o siete proyectores, dan voz a las fachadas de la segunda ciudad colombiana.Cada grupo idea frases e imágenes, y las comparte en un "chat" común. Las consignas coquetean con la filosofía, "No hay otro mundo. Hay simplemente otra manera de vivir"; también retoman reivindicaciones sociales como "Aborto legal ya" o denuncian la "narcodemocracia" en Colombia, primer productor mundial de cocaína y sacudido por la violencia que financia el tráfico ilegal.De México a Chile"Nos resultó muy interesante seguir gritando las cosas que había que decir", agrega Juan David Mesa, un productor de cine de 29 años, quien desde la Plaza de Bolívar apunta el proyector hacia los muros de la catedral de Medellín.Mientras el país debió replegarse, esta nueva forma de protestar saltó las fronteras, ganando capitales y metrópolis por medio de las redes sociales."Nos empezamos a conectar con un colectivo de proyección en Sao Paulo, Brasil; otro en Chile, una chica en Uruguay (...). Ahora están proyectando también unas chicas en México (...) y ellas se mueven con un proyector móvil", se alegra Laura, quien sueña con adoptar el mismo método.El movimiento sigue siendo tímido en Colombia. Apenas llegó a Bogotá por una politóloga que proyecta desde su balcón. Sin embargo, chocó con la hostilidad de un vecino que le pidió apagar el aparato. Pero en general este 'performance' genera reacciones positivas o, en su defecto, indiferencia en las calles casi desiertas.De las fachadas a las redesLas personas "reciben reflejos, voltean, paran, leen, toman algunas fotos y ya después se voltean a ver de dónde viene la proyección (...) a veces se ríen o saludan", describe Maritza Sánchez, de 37 años y periodista de una radio alternativa.Pero el éxito es sobre todo virtual. Laura abrió en Instagram la cuenta @lanuevabandadelaterraza, cuyo nombre proviene de una pandilla de los años 90. Estos artistas antiviolencia quisieron darle un nuevo sentido. En tres meses, sedujo a más de 6.500 usuarios.Las proyecciones tienen lugar cada domingo, aunque hay excepciones según la actualidad, como cuando la justicia ordenó la detención domiciliaria del expresidente Uribe (2002-10) por una presunta manipulación de testigos contra un opositor.Esa noche, la publicación de la proyección "Edición especial para este histórico 4 de agosto" fue saludada por más de mil "like": sobre una fachada, un retrato del influyente líder de derecha con medio rostro descompuesto hasta el hueso.Expuesta en el edificio vecino, la imagen llevaba la consigna: "Apoyemos a Uribe, pero contra los barrotes". "Al ponerlo aquí, lo pueden ver los vecinos, pero luego las redes lo hacen permanente", se felicita Tatiana Ríos, diseñadora visual de 30 años y quien espera que el movimiento continúe tras el confinamiento.
Con esta edición de INTENSIVO, Espacio Odeón reunirá colectivos y agentes que privilegian el arte y el símbolo como medios que incomodan, resignifican, convocan y transforman. Son cuerpos en emergencia, es un estallido social que creció y se visibilizó durante las manifestaciones en Colombia. INTENSIVO abre un espacio para fortalecer y ampliar una red de proyectos artísticos, comunitarios y de resistencia que se vienen construyendo desde hace años, que cada vez se apropian más del espacio público; son manifestaciones culturales cargadas de una necesidad colectiva de cambio.A lo largo de tres semanas, los espectadores encontrarán en INTENSIVO un performance sobre el fusilamiento de José Padilla (1828), otro alrededor del fenómeno de la minería, una pintura hecha en vivo que se pregunta sobre la figura de Quintín Lame, entre otras manifestaciones. También habrá espacio para el baile a través de laboratorios de danza (abierta al público y gratuita) y muestras de Voguing, una expresión activista de resistencia contra la marginación de grupos minoritarios que nació en la década de los ochenta en Estados Unidos.Además, INTENSIVO será la oportunidad para construir memoria sobre la protesta social en Colombia. Por ejemplo, tendremos archivos y proyecciones de diferentes movimientos estudiantiles y barriales que han sido fundamentales en el estallido social, ofreceremos una cocina colectiva alrededor de la cual queremos reflexionar sobre el territorio, sus luchas, las huertas urbanas o el compostaje en las ciudades, y construiremos un mapa colectivo y colaborativo del paro y su geografía. En total serán más de 15 invitados y cerca de 20 acciones que se desarrollarán en el Espacio Odeón, pero también en otros lugares de Bogotá y Cali.La programación será una oportunidad para expresarse, reclamar, refugiarse, crear y explorar sobre la urgencia y la necesidad de articular un proceso de reconocimiento y de análisis colectivo. Mucho más, teniendo en cuenta este momento de hartazgo, de afectación y de transformación social. Será un lugar para compartir saberes, experiencias y gestos que nos atraviesan históricamente y se manifiestan con cada vez más fuerza en el espacio público y el cuerpo colectivo.
Como parte de las apuestas y estrategias para difundir el legado vivo que la Comisión de la Verdad le dejará a la sociedad colombiana y al mundo al final de su mandato, del 16 de septiembre al 7 de octubre, los martes y jueves a las 6:00 p.m., en la página de Facebook de Artes Visuales MinCultura, la Comisión de la Verdad y el Ministerio de Cultura llevarán a cabo una serie corta de conversaciones interdisciplinarias entre distintos miembros de la Comisión de la Verdad y siete artistas que están exponiendo una de sus piezas en los 17 Salones Regionales de Artistas. Las charlas también se replicarán en la cuenta de Facebook de la Comisión de la Verdad.Los artista y moderadores de la Comisión de la Verdad pertenecen a cada una de las siete regiones en las que están estructurados los Salones Regionales, y su obra reflexiona sobre la relación entre el arte y el territorio desde distintos temas de especial interés para el trabajo de la Comisión de la Verdad.En términos generales, los Salones Regionales de Artistas son uno de los programas nacionales más importantes para los artistas emergentes en Colombia, y resulta interesante articularlo con el trabajo de la Comisión de la Verdad no solo porque ambos comparten un enfoque territorial, sino porque algunos de los artistas jóvenes que están exponiendo este año reflexionan sobre problemáticas relacionadas con la misión de la Comisión de la Verdad, como la violencia, el patriarcado, el racismo, la estigmatización, las afectaciones al medioambiente por cuenta del conflicto armando interno, la resistencia, el arraigo y la defensa del territorio, los procesos de memoria y la construcción de paz.El objetivo de estas charlas es entonces promover un diálogo interdisciplinario con un enfoque territorial entre algunos artistas que participan en los Salones y los coordinadores de las macroterritoriales de la Comisión de la Verdad. Hablar desde el arte de estos temas le permite a la Comisión de la Verdad reflexionar desde otros lenguajes sobre las problemáticas sociales, políticas, económicas y culturales propias de cada territorio, y que han aparecido en su ejercicio de investigación, reconocimiento y escucha profunda a lo largo de su mandato.El cronograma acordado para este ciclo de conversaciones es el siguiente: Jueves 16 de septiembre / 6:00 p.m.Región Orinoco-AmazoniaObra: El indio dormido, de Pablo Andrés González RojasConversa con: Heriberto Tarazona, coordinador de la territorial Guaviare de la Comisión de la VerdadPablo González Rojas nació en Mesetas, Meta, Colombia (1988). Inició su trayectoria artística en el año 2015 cuando ingresó al pregrado de Artes Plásticas en la Fundación Universitaria de Bellas Artes. Indaga sobre el trauma individual y colectivo a causa de la violencia política en Colombia y su consecuencia sobre el territorio, la memoria y la identidad. Fue uno de los ganadores del programa de Estímulos por parte del Ministerio de Cultura en la categoría de reconocimientos nacionales en el 2020 y participante del III encuentro de Investigación en la Fundación Universitaria Bellas Artes en el 2018. Actualmente, continúa su carrera como artista en la Universidad de Antioquia.Descripción breve de la obra: El indio dormido aborda la relación del territorio y los conflictos sociales. Utiliza el machete como parte de la construcción simbólica que constituye la violencia en Colombia, sobre todo en los Llanos Orientales.Martes 21 de septiembre / 6PMRegión OrienteObra: Intervalo, de Paula TorradoConversa con: Lorena Corvera, coordinadora territorial de Norte de Santander de la Comisión de la VerdadPerfil de la artista: Artista visual y magíster en Museología y Gestión del Patrimonio de la Universidad Nacional de Colombia. Su trabajo artístico explora las intersecciones de la memoria cultural, la cultura visual y el entorno construido en espacios fronterizos con identidades inciertas. Sus intereses en el campo de la museología se enfocan en las prácticas decoloniales en las instituciones culturales y en los procesos de construcción de memoria histórica a través del arte.Descripción breve de la obra: Intervalo es un ensayo visual sobre un tránsito a través de la frontera colombo-venezolana, y sobre el margen en constante mutación que contiene las historias en territorios marcados por la migración.Jueves 23 de septiembre / 6:00 p.m.Región Centro-OccidenteObra: Hijos de hilos, deshilándose, de Laura Vallejo VelásquezConversa con: Óscar Martínez, coordinador territorial Pereira de la Comisión de la VerdadPerfil de la artista: Laura Vallejo Velásquez nació en Medellín. Es artista plástica de la Universidad Nacional de Colombia y comunicadora gráfica publicitaria de la Universidad de Medellín. Trabaja en el equipo de educación del Museo de Antioquía desde 2019. Fue ganadora de la convocatoria de estímulos “Arte con alma” del Instituto de Cultura y Patrimonio de Antioquía, con la obra Al amparo de los días. Ha participado en exposiciones colectivas y ha sido finalista de diferentes convocatorias artísticas en Medellín. Los temas de su obra son la familia, el cuerpo, las emociones y las herencias.Descripción breve de la obra: La obra plástica está conformada por una trilogía de videos cuyo hilo es un narrador que reflexiona sobre la ausencia, el duelo, el peso emocional, físico y psicológico de la pérdida.Martes 28 de septiembre / 6:00 p.m.Región CaribeObra: Encuentros 1, de Ramón Eduardo LinerosConversa con: Ángela Rodríguez, coordinadora de la territorial Córdoba de la Comisión de la VerdadPerfil del artista: Ramón Lineros Picón nació en Ocaña, Norte de Santander, Colombia, en 1994. Es artista y gestor cultural, vive y trabaja en Aguachica, departamento del Cesar. Es egresado de Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia. Actualmente es director de “PaEntro” Espacio, una institución dedicada a la creación y difusión de prácticas artísticas en el sur del Cesar, Magdalena Medio y Catatumbo, propiciando laboratorios, residencias, exhibiciones, encuentros, viajes, podcasts y movilizaciones con comunidades rurales y urbanas.Descripción breve de la obra: Encuentros 1 es una serie de encuentros con comunidades de Aguachica, Gamarra y Loma de Corredor, Cesar, que reactiva manifestaciones musicales tradicionales del río Magdalena, y reflexiona sobre el territorio, la historia y la memoria.Jueves 30 de septiembre / 6:00 p.m.Región PacíficoObra: Marimba expandida, de Daniel Escobar VásquezConversa con: Gerardo Peña, coordinador de la territorial Cauca de la Comisión de la VerdadPerfil del artista: Daniel es comunicador social de la Universidad del Valle con estudios de Ingeniería Electrónica, y Magíster en Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas de la Universidad Nacional de Tres de Febrero de Argentina. Nació en Cali y le interesa el diálogo entre tecnologías y medios digitales, y prácticas culturales tradicionales. Descripción breve de la obra: Marimba expandida es una instalación interactiva que utiliza como interfaz una marimba de chonta, combinando proyecciones de video sobre arena y una proyección de videomapping sobre la misma marimba. La instalación invita al público, sea músico o no, a que toque la marimba. Este trabajo explora el intercambio entre los saberes ancestrales de la construcción y ejecución de instrumentos musicales artesanales, y los saberes de la creación visual y electrónica.Martes 05 de octubre / 6:00 p.m.Región SurObra: Abuelo, de Carlos ZúñigaConversa con: Diana Trujillo, coordinadora de la territorial Tolima de la Comisión de la VerdadPerfil del artista: Carlos es Maestro en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad del Tolima. Nació en el municipio de Rioblanco al sur del departamento del Tolima. Es artista con estudios en Modelado y Texturizado 3D. Obtuvo una tesis meritoria por su trabajo de grado Narrativas de río, donde aborda de la normalización de la violencia en su natal Rioblanco.Descripción breve de la obra: El abuelo es una obra que reflexiona sobre el río como testigo de la violencia en Colombia. En su municipio natal, al río lo conocen como el abuelo, y en la década de los noventa el grupo paramilitar AUC amenazaba a la población con mandarlos a hablar con él.Jueves 07 de octubre /6:00 p.m.Región CentroObra: El reloj de arena, de Pedro Gustavo JiménezConversa: con Darío Sendoya, coordinador de la territorial Bogotá de la Comisión de la VerdadPerfil del artista: Pedro Gustavo es artista plástico y educador. Es maestro en artes plásticas y visuales, con estudios en Literatura, promoción de lectura y escritura, ymediación cultural. Le interesa el trabajo comunitario y el reconocimiento de saberes y memorias locales y territoriales. Participó en un programa de promoción de lectura y escritura en espacios no convencionales de Fundalectura dirigido a niños y niñas, adolescentes y jóvenes, y en la exposición Voces para transformar a Colombia del Museo de Memoria de Colombia.Descripción breve de la obra: El reloj de arena es una obra que se compone de un archivo de relatos e imágenes de la historia de sus abuelos paternos, atravesada a su vez por la historia de las migraciones del campo a la ciudad y el proceso de expansión urbana de Bogotá.
Como aporte a la reactivación económica de la ciudad y con el fin de resaltar la importancia del conocimiento y uso de las plantas en la alimentación humana, este fin de semana el Instituto para la Economía Social - IPES y el Jardín Botánico de Bogotá se unen para realizar el primer Festival Gastronómico "Sabores del Jardín".Coincidente con las actividades que la Administración Distrital viene programando para celebrar el Día del Amor y la Amistad, este 18 y 19 de septiembre las dos entidades se lanzan en una apuesta de sabores, aromas, conocimientos, secretos de las abuelas, saberes ancestrales y otras experiencias en torno a la cocina tradicional de plazas de mercado como La Concordia, La Perseverancia, Trinidad Galán, 7 de Agosto y Las Ferias, que en esta ocasión se desplazan desde sus lugares de origen hasta la plazoleta exterior del Jardín Botánico para el deleite de visitantes nacionales y extranjeros.Tras la reapertura gradual y controlada de varios sectores de la economía, desde junio de este año el IPES y el Jardín Botánico han comenzado a desplegar estrategias encaminadas a apoyar a los comerciantes de las plazas de mercado así como a las y los agricultores urbanos, generando canales de venta de excedentes de sus productos en las jornadas que se han denominado “Bogotá es mi huerta : mercados campesinos agroecológicos”, que también cuentan con el respaldo de la Secretaría Distrital de Desarrollo Económico.Así las cosas, se dispuso la realización de un primer encuentro de sabores de la plaza, esta vez en el Jardín, con un enfoque que reivindica la importancia de las plantas aromáticas, condimentarias, medicinales y frutos de las huertas domésticas, comunitarias e institucionales para la seguridad alimentaria de la población.Desde la línea de investigación científica y de la mano con los profesionales de educación ambiental del Jardín Botánico, semanalmente se desarrollan espacios orientados a exaltar los usos y aplicaciones de las plantas a través de jornadas virtuales y presenciales enfocadas al conocimiento de la gastrobotánica y a la divulgación de recetas únicas y especiales en el espacio Botánica a la mesa.Antójese, aprenda y disfruteEl Festival Gastronómico "Sabores del Jardín" pone a disposición de los visitantes el mejor ajiaco santafereño de 2020, platos típicos del altiplano cundiboyacence con representantes de alta calidad, chocolates del pacífico colombiano, sándwiches artesanales, postres, ensaladas de frutas y jugos serán, entre otros, los protagonistas de este evento.El festival incluye además productos en su estado natural como frutas, verduras, especies y frutos secos; productos ciento por ciento orgánicos y otros procesados que entrarán a formar parte de la oferta alimenticia de esta primera versión.“No solo estamos aportando a la reactivación económica de nuestros productores agroecológicos sino, además, a la alimentación sana, divertida y con valor agregado para la ciudadanía que entiende que lo que está consumiendo hace parte de la enorme riqueza botánica de nuestra ciudad –región y que la naturaleza de manera generosa nos brinda salud y bienestar”, destacó Martha Liliana Perdomo, directora del Jardín Botánico de Bogotá.Por su parte, el director del IPES, Libardo Asprilla Lara, subrayó que este trabajo colaborativo “permite resignificar la labor de cientos de personas que viven de la preparación de platos tradicionales en un momento de transición y rescate de nuestras costumbres para enfrentar con alegría la nueva normalidad que dejará la pandemia”.
En septiembre, Film&Arts presenta “Victoria” en Colombia, la serie protagonizada por Jenna Coleman que retrata la vida de la reina Victoria. Con tan solo 18 años, Victoria asume el trono y con ello una historia llena de logros, compromiso, amoríos y lucha continúa. “Victoria” llega a la pantalla los jueves a partir del 30 de septiembre a las 10:00 pm.La vida de la joven Victoria, se transforma completamente cuando se convierte en reina. Ya no está escondida en el palacio Kensington y aunque su madre, la duquesa de Kent, confabulada con su consejero Conroy intentan reinar a través de ella, Victoria está determinada a ser independiente, aunque su inexperiencia la llevará a cometer errores e incluso le desatará algún escándalo.Hija del príncipe Eduardo IV hijo del rey Jorge III, Victoria fue criada bajo la supervisión de su madre. A pesar de vivir en constante debate interno entre la inmadurez de su propia edad, Victoria no actúa solo con ímpetu sino que tiene sus ideas sobre la vida monárquica, por lo que no pasará mucho tiempo para intentar influir en las decisiones políticas, convirtiéndose así en un ícono nacional con grandes valores férreos reflejo de la época en la que transcurre la historia.El guion de Victoria es el primer trabajo como escritora de Daisy Goodwin, novelista y antigua productora de televisión, quien declaró en un prólogo sobre la serie: “Nunca había escrito un guion antes, pero había vivido con la voz de Victoria durante tanto tiempo que casi parecía que ella misma lo estaba escribiendo. Tampoco faltaba material para la trama: ahora miramos hacia atrás y pensamos en su reinado como una época de magnificencia osificada, pero cuando llegó al trono había muchas personas cercanas a ella, además de la nación en general que pensaban que con apenas metro y medio de estatura y un nombre que sonaba peculiar, esa joven no sería capaz de ser la soberana del país que se estaba convirtiendo rápidamente en la nación más poderosa del mundo”.Victoria fue desarrollada por Rebecca Eaton y Damien Timmer, del equipo que produjo el drama de época Poldark. Además del protagónico de Jenna Louise Coleman (Doctor Who), el reparto de Victoria cuenta con Rufus Sewell (El ilusionista, Judy) como Lord Melbourne, Tom Hughes (Cruce de destinos) como el príncipe Alberto, David Oakes (Los Borgia) como Ernesto, y la actriz alemana Daniela Holtz (Phoenix) quien se encarga de dar vida a la baronesa Louise Lehzen, entre otros.El canal Film&Arts está disponible en Colombia por Claro (1621), Directv (746), Movistar (607).Film&Arts es el único canal de América Latina dirigido a los amantes de las artes y el espectáculo en todas sus manifestaciones. Con una imagen moderna y vanguardista que subraya “el arte del entretenimiento”, el canal brinda a su audiencia una amplia gama de contenidos de alto nivel entre los que destacan grandes espectáculos de Broadway, eventos en vivo y algunas de las series de época más aclamadas de la actualidad, así como programas de entrevistas, documentales y destacadas películas orientadas a las artes. Disponible en HD las 24 horas del día, Film&Arts es contenido de alto valor estético para una audiencia exigente.
Luego de ser presentada la incompleta delegación de autores colombianos invitados a la edición 80 de la Feria de Madrid, evento en el que Colombia es el país invitado de honor, una oleada de críticas cuestionaron el modelo de selección de autores y el peligro de la neutralidad en los discursos oficiales.Algunas librerías españolas se pronunciaron en defensa de la libertad de los escritores. "Las listas negras de autores y autoras, no olvidemos, son solo la punta del iceberg de un país donde decenas de chicos y chicas que estaban en las protestas han sido desaparecidos, torturadas, violadas, perseguidos, estigmatizadas o directamente asesinados", aseguraron algunos de los miembros de las compañía editoriales.Tras algunos días álgidos y luego de las declaraciones del embajador en España, Luis Guillermo Plata, el Presidente Iván Duque ha cancelado el foro literario en el que presentaría su nuevo libro, el segundo volumen sobre Economía Naranja, en compañía del ex ministro Felipe Buitrago, durante el 16 y 17 de septiembre.Al momento de la publicación de esta noticia, no se ha pronunciado la Cancillería ni el presidente sobre la cancelación del evento.
