“¿Qué es poesía? ¿Y tú me lo preguntas? / Poesía... ¡eres tú!”, remataba en una de sus rimas más célebres el poeta sevillano Gustavo Adolfo Bécquer, que había nacido en el barrio San Lorenzo un 17 de febrero de 1836. Huérfano desde niño y criado por su tía, Bécquer tuvo que lidiar desde sus primeros años de vida, mucho más que con el amor, con el otro extremo de la vida: la muerte.Bécquer publicó muchos de su escritos en periódicos locales como El Contemporáneo, el Museo Universal, El Porvenir, La España Artística y Literaria, La Iberia y La Ilustración de Madrid. En 1858, Bécquer había terminado la quinta entrega de "Historia de los Templos de España". En ese mismo año contrajo una enfermedad grave. Sin embargo, logró publicar "El caudillo de las manos rojas". Bécquer sufrió varias desventuras amorosas a lo largo de su vida, hechos que acabarían por darle todo el suspiro poético que debatió su obra entre el dolor y la gloria: primero conoció a Julia Espín, de quien se enamoró a pesar de no ser correspondido; luego, se enamoró de Elisa Guillén, quien lo abandonó.Además, Bécquer pasó tiempos de gran penuria y nunca logró éxito económico en su vida. En 1864 consiguió un puesto gubernamental como censor de novelas, que ocuparía entre 1864-65 y luego entre 1866-68 y que aliviaría un poco su situación económica. Comenzó a escribir "Cartas desde mi celda" en 1864, durante una estancia de reposo en el monasterio de Veruela, donde el poeta se había refugiado para reponerse después de otro ataque de tuberculosis. Para Bécquer, el poema era un vehículo mediante el cual se intentaba comunicar una belleza inefable e ideal.En este archivo que reposa en la HJCK de 1970, presentamos un programa concedido por la UNESCO ese mismo año en que celebraba el centenario del fallecimiento del reconocido poeta sevillano.
Durante mucho tiempo, los poetas japoneses del siglo XVI lograron transmitir en unas cuantas líneas la sabiduría de su cultura contenida en milenios. De la misma manera, más allá de ser conocido como el autor de "El dinosaurio", el cuento más corto de la historia de la literatura, Augusto Monterroso se consagró como uno de los últimos grandes escritores clásicos de la narrativa castellana. Guatemala fue la nacionalidad que escogió como destino, habiendo nacido en Tegucigalpa, Honduras, el 21 de diciembre de 1921, y vivido la mayor parte de su vida exiliado en Ciudad de México, donde murió el 7 de febrero de 2003. Allí, Monterroso escribió libros que lo convirtieron en uno de los autores canónicos del siglo XX, siguiendo la huella y la pluma de uno sus grandes maestros, José Batres Montúfar, de quien heredó la ironía para romper con los trances de la vida.Monterroso fue condecorado con la Medalla del Águila Azteca en 1988 por su trabajo como diplomático. Este reconocimiento se suma a la lista donde se encuentran el Premio Xavier Villaurrutia de novela en 1975 y el Premio FIL de Literatura en 1996. Años más tarde, en el 2000, le fue otorgado el Premio Príncipe de Asturias de las Letras (hoy Premio Princesa de Asturias). En este audio que reposa en nuestro archivo HJCK, les presentamos la voz de Augusto Monterroso en la narración de dos de sus grandes cuentos: "Sinfonía concluida" y "El dinosaurio", ambos de 1959.
Al compás de paseos, merengues, sones y puyas, Nicolás "Colacho" Mendoza y Lisandro Meza, dos jóvenes acordeoneros, se batieron una tarde en franca lid sobre una tarima atiborrada de un bullicioso público que entre aplausos, arengas y rechiflas contemplaban este duelo entre los dos vallenatos. Era 1968 y se celebraba la segunda edición del Festival de la Leyenda Vallenata en la capital del César. Sin embargo, mientras que la decisión del jurado -presidido por Consuelo Araújo Noguera, una de sus fundadoras- fue unánime al declarar a Mendoza como ganador, el público inconforme, acabó por aclamar al músico vencido al que bautizaron como "El rey sin corona".Pero esta aparente derrota sobre la tarima de Francisco el Hombre, el templo donde se miden a pulso los mejores intérpretes de la música vallenata, en lugar de representar un obstáculo para Lisandro, resultó fundamental en la creación de un nuevo estilo que lleva su impronta y que lo desmarcó de la ejecución de los cuatro aires tradicionales del vallenato para así construir una propuesta con mayor énfasis en el sonido sabanero fusionándolo con el fandango, el porro y la música de corraleja.Lisandro Meza nació en septiembre de 1939 en El Piñal, un pequeño corregimiento del municipio Los Palmitos, en Sucre. Desde muy joven, Lisandro ya había elegido al acordeón como su instrumento compañero con el que animaba las fiestas de los trabajadores de la finca de su padre al son de las canciones de Luis Enrique Martínez. Su carrera musical se inició al lado del conjunto de Alejandro Durán, el primer rey vallenato, del que fue su guacharaquero por varios años, alternando en algunas grabaciones con el Conjunto Carrizal de Aníbal Velásquez, el rey de la música sabanera.Para 1962, Lisandro, que ya había adquirido gran renombre en la región sabanera, fue invitado por Antonio Fuentes, dueño de Discos Fuentes, a ser parte de un nuevo proyecto que sería el producto estrella de su compañía: Los Corraleros de Majagual. A su llegada, se codeó con Eliseo Herrera, César Castro, Lucho Argaín, Calixto Ochoa, Alfredo Gutiérrez, Chico Cervantes y los demás miembros de la banda. Aunque sus gritos sabaneros ya eran populares en los pasillos de la discográfica, debutó como cantante hasta 1966 con dos composiciones suyas: "La vieja Pancha" y "Swing bailable". Pero los hits que se apuntó con la banda vendrían al año siguiente con "La burrita de Eliseo" y "La gorra".Al mismo tiempo, decidió conformar su propio conjunto, con el que grabaría una treintena de producciones entre 1966 y mediados de la década de los años ochenta, y con los que se paseó desde la salsa, el porro, la cumbia, la guaracha, los fandangos y el vallenato con un amplio catálogo de canciones como "Baracunatana", El polvorete", "El guayabo de la ye", "Entre Rejas", "La cumbia del amor", "Todo o nada", "Mar azul" y "Esta noche es mía", entre otras. Pero si hubo una obra con la que se destacó fue con las décimas de "La miseria humana", una adaptación en aire de paseo vallenato de este poema escrito por el poeta soledeño Gabriel Escorcia Gravini en el que canta una oda al amor fallido y a la inminente presencia de la muerte. Es considerado el vallenato más largo de la historia.El tema de Lisandro Meza, convertido en un absoluto éxito radial, además de rescatar del olvido la malograda memoria de Gravini, también marcó un hito dentro del catálogo de Discos Fuentes, ya que con sus más de diez minutos, fue incluido en la edición de 1977 de los 14 Cañonazos Bailables (una legendaria recopilación de los éxitos musicales de cada año que no superaban más de 3 minutos de duración) y en el que ocupó más de la mitad del lado B del popular disco de larga duración.Para 1980 Lisandro Meza creó una nueva agrupación, Los Hijos de la Niña Luz, y con ellos impuso un nuevo éxito para ese año: "Las tapas", una cumbia de Ivo Otero que le dio proyección internacional, haciéndole popular en el continente africano. En las décadas siguientes, con éxitos como "Estás pillao'", "Sal y agua" y "El hijo de tuta", Lisandro se ha consolidado como uno de los intérpretes infaltables del fin de año en Colombia, además de ser un ídolo de la colonia hispana y sonidera en EE.UU. y México, siendo recordado como uno de los más venerados intérpretes del acordeón.En esta entrevista concedida el 29 de junio de 1969 para Carta de Colombia, Lisandro Meza habla sobre sus primeras composiciones y su experiencia en el entonces Festival de la Leyenda Vallenata, celebrado en Valledupar, en el que perdió ante "Colacho" Mendoza y fue declarado el "Rey sin corona".
En un tiempo invadido por la onda à gogo y yeyé, Armando Manzanero impuso un nuevo sonido en la escena musical de los años sesenta, invadiendo con romanticismo el sabor del bolero. Manzanero nació en la península de Yucatán en 1935 y creció en una familia de músicos: su padre fue fundador de una orquesta, su madre fue bailarina, su tía abuela dirigió una escuela de Bellas Artes en Mérida donde Manzanero estudió desde que apenas era un niño. Rápidamente aprendió a tocar el acordeón y luego el piano hasta que decidió partir a la Ciudad de México en mayo del año 1957.Manzanero tocó serenatas con amigos, trabajó en una editorial de música y en la casa disquera CBS Internacional, y eventualmente empezó a componer y a tocar el piano para otro famoso de los boleros, como Lucho Gatica, que residía en Ciudad de México desde 1955. Junto a él, hizo su primera gira en Estados Unidos y allí conoció a las crecientes estrellas latinas del norte, como a Celia Cruz.Manzanero también visitó las discográficas de Ciudad de México llevando las canciones de Luis Demetrio, y conoció a Rubén Fuentes y a Rafael de Paz, que le abrieron las puertas en la disquera RCA donde Manzanero grabó su famoso sencillo: el hit Adoro, de 1967. Fue su primer éxito de ventas, pero sobre todo un clásico que se ha consolidado con los años, siendo reinterpretado por decenas de artistas como Los Panchos, Juan Gabriel, Ricardo Montaner, Plácido Domingo o Alejandro Sanz.En esta entrevista de HJCK en abril de 1968, Armando Manzanero conversa con Gloria Valencia de Castaño sobre sus primeros años y su llegada a la industria musical como intérprete de boleros.
Con una producción corta, Belisario Betancur dejó su huella propia en la poesía Colombiana. Bajo el título "Poemas del caminante", el exmandatario publicó un compilado de 40 poemas que, antes de habitar un volumen, hicieron parte de la revista Golpe de datos, bajo la dirección de su buen amigo Mario Rivero. Fue el 2003, bajo el sello Villegas Editores, que el libro tomó forma. Los versos de Betancur nacían en la noche, en medio de un traje de corbata abandonada a la suerte del día y atravesando un sentimiento íntimo, profundo, distante de la imagen pública y la posición política que durante buena parte de su vida el escritor habitó. Nunca hubo un encuentro de esas dos pulsiones desde una esfera pública, la figura presidencial no se presentó como un poeta nocturno, sino que tuvo la capacidad de soltar una piel de la otra, como si se tratara de un relevo de papeles.Su pluma estuvo cerca a los clásicos. Antes de aventurarse a escribir sus propios versos, Betancur tradujo obras de escritores como Cavafis y Marguerite Yourcenar. De ese tono bebe su propia escritura, una identidad creativa que navega la vida y da cuenta que lo que sucedía en su día a día. No es vano, varios poemas están fechados durante viajes, en otras ciudades e incluso, varias de sus composiciones fueron dedicadas a ellas. Nueva York, especialmente el Central Park, fue una de sus grandes inspiraciones. Esa fascinación por el movimiento y el descubrir el mundo se extiende en “Poemas del caminante”, una antología de poemas dedicados a distintos lugares del mundo como la India, un país que parece haberlo fascinado a raíz de un viaje que emprendió a finales de la década de los 90. Todo el universo físico del lugar se convierten en el centro de la descripción de Betancur, los colores, música, olores y dioses toman fuerza en el relato. Con un tono que bebe de Zalamea Borda, Betancur aterriza buena parte de los recuerdos de su infancia en “Nocturno” —un gran guiño a Jose Asunción Silva— un poema que evoca los paisajes colombianos y la particularidad, el clima y la imagen que habitó en su cabeza a partir de la imaginación. Así habla del Eje Cafetero, uno de los pocos lugares del territorio nacional que hacen parte de su inspiración. Desde nuestro Archivo HJCK recordamos "Elegía de las rosas" en la propia voz del poeta.
Reconocido erróneamente como uno de los escritores del boom latinoamericano, Germán Arciniegas es uno de los más destacados periodistas y ensayistas del siglo XX en Colombia. Su obra, que está más asociada al movimiento de los americanistas, se caracteriza por cuestionar siempre la historia oficial de América y del mundo y por su sentido del humor frente a hechos representativos de esta.Hijo del hacendado Rafael Arciniegas Tavera y de Aurora Angueyra Figueredo, Germán quedó huérfano de padre a temprana edad mientras su madre quedó sola y encargada de sus siete hijos. Graduado de derecho en la Universidad Nacional de Colombia, se vinculó al diario El Tiempo en 1928, del cual fue columnista, director de la sección editorial, jefe de redacción y director del Suplemento Literario de los domingos durante muchos años. Durante los años de la dictadura, sus obras se vieron señaladas y censuradas por el General Gustavo Rojas Pinilla, quien lo acusó de ser comunista.En su faceta como político, Germán Arciniegas fue ministro de Educación en dos ocasiones, entre 1941-1942 bajo el gobierno de Enrique Santos, y nuevamente entre 1945-1946, bajo el mandato de Alberto Lleras Camargo. En su primer mandato, fundó el Instituto Caro y Cuervo, el Museo de arte Colonial de Bogotá, y trasladó el Museo Nacional de Colombia al edificio que actualmente ocupa.Luego de crear el Colegio Mayor de Cundinamarca y el Colegio Mayor de Antioquia, tras la llegada de los conservadores al poder, su vida fue amenazada y se vio obligado a exiliarse con su familia en Estados Unidos, aprovechando que le habían ofrecido un puesto como docente en la Universidad de Columbia. Durante 1980 estuvo en Guatemala como representante de la cultura letrada colombiana en la Semana Cultural Colombo-Guatemalteca, junto a Rogelio Echavarría, Antonio Cacua Prada.En nuestro archivo reposa este audio de 1962 con la voz del ensayista e historiador colombiano Germán Arciniegas, leyendo para la HJCK la primera página de "El estudiante de la mesa redonda", su primera novela publicada en Madrid en 1932, que ubica al lector en la mente de un estudiante que con sus ideas revolucionarias, pide a “gritos” el cambio de la estructura social y política.
Rescatamos de nuestro archivo HJCK la voz de Almudena Grandes, una de las más grandes narradoras de la literatura hispanoamericana, durante el evento "Las líneas de su mano 5" en el Gimnasio Moderno. Durante la conversación con Jorge Iván Parra, habló sobre su primera novela, "La edades de Lulú", sobre sus primeros años de escritora anónima, "de negra" (como le llaman en España)."Cuando tú crees en un libro, conviene que luches por él y lo mandes a editoriales, que aunque eso parezca que no funciona, de vez en cuando sirve", dice. Habló también sobre sus primeros años. "Hice la corrección de estilo de un cursillo de punto de cruz que se vendía en los quioscos". Luego de salir del anonimato, habló también sobre su proceso como escritora reconocida. "Este libro puso mi vida boca abajo", dice cuando le preguntan por "Las edades de Lulú", su primera novela.
El nombre de Sor Juana es pronunciado con familiaridad por los mexicanos. Algunos de sus versos (las redondillas imprecatorias a la necesidad masculina, por ejemplo) han pasado a engrosa el archivo de las sentencias populares y el repertorio de los más ínfimos aficionados a la recitación. La figura de Sor Juana, en lo que tiene de novelesco, ha despertado la imaginación de algunos de los más ilustres escritores de habla hispana, desde Amado Nervo hasta Emilio Abreu Gómez y Octavio Paz.Los eruditos se han mostrado más remisos a su encanto. Hubo de intervenir el celo de un sacerdote, Alfonso Méndez Plancarte para que se dispusiera de un retrato de la monja jerónima, de su vocación intelectual y religiosa, del ambiente en el que se forjó, de los obstáculos ante los que adquirió la reciedumbre, de sus particularidades y sus frustraciones, de la manera en como su obra se entroncó con la tradición y de los matices con que las enriquece; de la multiplicidad de los temas que solicitan su pluma; de los géneros en que ejercita su destreza; de su cultura; de sus renunciamientos cada vez más extremos y de su muerte, como la preconizaba Rilke, escogida y asumida con entera voluntad. Lea también: "Esta es la voz de Carlos Fuentes".Sor Juana Inés de la cruz nació el 12 de noviembre de 1651. Respira por su primera herida: la ilegitimidad. Sus padres no estaban unidos en matrimonio. De sus cinco hermanos, tres llevaron su apellido. Sor Juana crece con su abuelo materno, al pie de los volcanes, en Amecameca; antes de cumplir los tres años aprende a leer y a los ocho, compone una loa en honor al Santísimo Sacramento. En 1667 ingresa en el Convento de San José de Carmelitas Descalzas, pero tres meses más tarde lo abandona porque la fragilidad de su salud, no soporta el rigor de la orden.Sus biógrafos la describen como una mujer diligente, cumplida con sus oficios de contadora y archivista; hábil para cocinar y una humilde molendera de chocolate. Aunque lo auténtico de Sor Juana Inés no está en las anécdotas sino su obra, su peor enemigo es ella misma. Su índole reflexiva es su talón de Aquiles. Se toma como objeto de meditación, se pone entre paréntesis para dilucidar si lo que constituye su personalidad es verdaderamente valioso. El silencio último de la poetisa, de la intelectual, de la monja, no significa sabiduría, ni sobreabundancia de bienes, gozo y plenitud. Su silencio último no es alusión a lo inefable. La obra de Sor Juana es casi siempre impersonal, hecha por encargo, ceñida a las circunstancias. La distancia en es alma de lo bello, dice Simone Weil. Pero también la condición del humor. Y esta artista, más que admirable y conmovedora, más allá de su soledad del fracaso de su vuelto más alto, supo sonreír.
Rescatamos entre la colección de vinilos de nuestro archivo, una conversación entre la primera dama de los Estados Unidos y activista defensora de los derechos humanos, Eleanor Roosevelt, con el periodista y locutor Ben Grauer, grabada el 02 de julio de 1957. En la entrevista, habla acerca del legado de su esposo, el presidente Franklin Delano Roosevelt, sus más grandes contribuciones políticas en su país, su filosofía, y la crisis que sobrevino en el mundo luego del Día D, en 1945.
Pablo Neruda es uno de los más recordados poetas chilenos. Su obra fue galardonada con reconocimientos como el Premio Nacional de Literatura y el Premio Nobel de Literatura. Además fue diplomático y miembro del partido comunista, por esa razón su visión política permeó gran parte de su producción literaria. Desde el Archivo HJCK recordamos su visita al país en 1968. En este audio declama uno de sus poemas y habla del eco que Colombia dejó en su obra y la influencia de su prosa.
La 64ª edición de los premios Grammy se celebrará el 3 de abril en Las Vegas, tras haber sido pospuesta debido al avance de la variante ómicron, anunciaron los organizadores de la gala este martes. El comediante Trevor Noah - a cargo del programa "The Daily Show" - será el anfitrión de la prestigiosa ceremonia que premia lo mejor de la música y que será realizada en el MGM Grand Garden Arena.La Academia de la Grabación pospuso hace dos semanas el evento previsto originalmente para el 31 de enero "en medio de crecientes preocupaciones por la variante ómicron". La altamente contagiosa variante representa casi la totalidad de los nuevos casos registrados en Estados Unidos.En California, el estado más poblado del país, las autoridades sanitarias anunciaron este martes que fueron contabilizados más de un millón de nuevos contagios en la última semana, totalizando siete millones desde que comenzó la pandemia. Esta explosión de casos alteró la temporada de premios de Hollywood, posponiendo algunos eventos y llevando otros de vuelta al formato virtual.La ceremonia de los Grammy volvió a su formato presencial el 14 de marzo del año pasado, luego de ser pospuesta en 2021 por la pandemia de coronavirus. Se espera que este año la premiación marque el regreso al glamour de la celebración tradicionalmente realizada en el Staples Center, en Los Ángeles, y que consagre a artistas como Justin Bieber, Billie Eilish y Olivia Rodrigo, así como al músico de jazz y rhythm and blues (R&B) Jon Batiste, que tiene once nominaciones."Estamos emocionados de llevar los premios Grammy a Las Vegas por primera vez y de poner un espectáculo de primera línea", dijo en un comunicado Harvey Mason Jr., director ejecutivo de la Academia de la Grabación.
Se trata de un espacio de consulta, disponible de manera libre y gratuita, donde se tiene acceso a obras audiovisuales, libros, revistas, carteles, fotografías, pressbooks, catálogos de festivales, programaciones, archivos de prensa, y publicaciones especializadas, entre otros. Porque el cine se ve, se lee y se investiga, la Cinemateca de Bogotá ha dispuesto este espacio para todos los amantes del cine de la ciudad.Les contamos cuáles son los pasos que deben seguir para consultar el catálogo de la BECMA.El horario de atención es de martes a viernes de 9:00 a.m. a 5:00 p.m. y los sábados, a partir del mes de Noviembre, de 9:00 a.m. a 1:00 p.m. Hay un aforo del 50%, por la contingencia el ingreso a la BECMA dependerá del aforo diario permitido. Se debe realizar búsqueda previa en el catálogo bibliográfico disponible en línea y solicitar el acceso a los materiales al personal de la biblioteca. Al ingresar se debe haber pasado por los controles del personal logístico en el punto de acceso a la Cinemateca de Bogotá.En la Cinemateca de Bogotá hay servicio de casillero. Para evitar un posible contagio de COVID -19, durante la visita a la biblioteca, es obligatorio portar tapabocas, así como mantener la distancia de un metro con los demás asistentes. Para visualizar material audiovisual se deben traer audífonos propios. Evitar tocar los libros y materiales que se encuentren en las estanterías. El material que se consulte estará en aislamiento durante las 48 horas siguientes. Es indispensable cumplir con los protocolos de bioseguridad estipulados por el escenario.Los visitantes pueden acceder a los siguientes servicios: Atención y asesoría profesional para la búsqueda y recuperación de información especializada en cine y medios audiovisuales, consulta del catálogo bibliográfico disponible en línea, acceso en línea a las publicaciones de la Cinemateca por medio del portal web, Idartes se muda a tu casa, donde se pueden descargar los Cuadernos de Cine Colombiano, la Revista Cinemateca y los Catálogos Razonados entre otros.Acceso a la sala de lectura para consulta de material impreso sobre diferentes temáticas que abarcan las artes audiovisuales, acceso a las estaciones de visionado para consulta de las obras cinematográficas de diversos países que conforman nuestra colección audiovisual, acceso a las salas de consulta para investigadores, acceso a los equipos de cómputo necesarios para apoyar el proceso de investigación y finalmente, quienes pertenezcan a grupos de población de riesgo o no puedan asistir al espacio físico pueden acceder a los servicios de asesoría virtual disponibles.
Obras surrealistas de Alberto Giacometti, inspiradas en su amistad con los artistas de este movimiento y más particularmente con el poeta André Breton, se exponen a partir del miércoles y hasta abril en el instituto Giacometti en París.Tres esculturas muy diferentes de "El hombre que camina", están en el centro de esta exposición, que pone de relieve los estrechos vínculos que mantenían los dos artistas y sus influencias recíprocas a través de su correspondencia y de cuadernos de dibujo de Giacometti.También se exponen una decena de cuadros (Miro, Arp, Dalí, Ernst...), procedentes de museos franceses y extranjeros y de colecciones privadas, así como una serie de fotografías que ponen de relieve a varias artistas mujeres de la época: Dora Maar, Leonora Carrington y Meret Oppenheim.Esta última realizó especialmente "La oreja de Giacometti", sorprendente pequeña escultura de bronce de 10 cm de altura, presentada en la exposición. En el corazón de este universo se encuentra la "Bola suspendida" (metal y yeso), una jaula dentro de la cual una esfera suspendida parece poder deslizarse sobre la arista de una medialuna, adquirida en 1930 por André Breton, líder del grupo surrealista.A su lado, el "Cubo" -poliedro irregular de doce caras, vinculado a la muerte y a la melancolía-, realizado por Giacometti a la muerte de su padre, y "El objeto invisible", una mujer semisentada que sostiene en sus manos un objeto invisible, inspirada por una semimáscara de metal, descubierta por los dos amigos en el mercado de pulgas en 1934.Compartiendo el gusto de los surrealistas por el automatismo, la irracionalidad, el onirismo o el juego del amor cruel, Giacommetti integrará el grupo durante cinco años (1930-1935) antes de alejarse, debido a divergencias de puntos de vista políticos y estéticos, entablando fuertes relaciones de amistad que conservará con varios de sus integrantes, en particular Breton.
El artista estadounidense Kaws instaló este martes sus pinturas pop y esculturas de colores en la Serpentine Gallery de Londres pero también en la réplica virtual del museo, situada dentro de Fortnite, el videojuego con cientos de millones de seguidores.En medio del césped helado de Hyde Park, en el centro de Londres, los espectadores apuntan con sus teléfonos al techo de la Serpentine Gallery. Pero no para tomar fotos del edificio de ladrillos rojos y columnas blancas sino porque, gracias a sus teléfonos móviles, aparece en realidad aumentada una gran escultura de un hombre azul sentado en el tejado, invisible a simple vista.La escultura es del neoyorquino, en cuya exposición, "Kaws: New Fiction", se entrelazan lo virtual y lo real. La exposición se compone de "tres capas", explica a la AFP el director artístico Hans Ulrich Obrist. "Está la exposición física en la Serpentine Gallery con pinturas y esculturas, luego los elementos de realidad aumentada y también la Serpentine Gallery en Fortnite", uno de los videojuegos más populares del mundo.Durante una semana, los 400 millones de seguidores del juego de Epic Games tienen acceso a una réplica exacta del museo dentro del videogame, que pueden recorrer con su avatar para ver las obras. Epic Games ha colaborado de forma similar con cantantes de renombre internacional para que den conciertos dentro del juego."Pero es la primera vez que Fortnite colabora con las artes visuales, con una galería pública", dice Obrist. Aunque considera que es "muy diferente" ver una exposición en un juego o físicamente, cree que las experiencias son "complementarias", sobre todo porque muchos visitantes no familiarizados con el mundo de los videojuegos pueden interesarse por ellos, y viceversa. "Para nosotros, se trata de llegar a públicos muy diferentes" y crear "un diálogo transgeneracional", añade el director artístico."La edad media de los jugadores de Fortnite", muy popular entre los adolescentes, "es mucho más joven que el visitante medio del museo", subraya Hans Ulrich Obrist, que "espera que toda una nueva generación se acerque a la galería". Sobre todo porque este proyecto "llegará a un público que probablemente sea diez veces mayor que el de la Bienal de Venecia", afirma el comisario de la exposición, Daniel Birnbaum. También para el artista, Brian Donnelly (su nombre real), el interés radica en hacer más accesible su obra.Sus estilizados personajes con cabeza de calavera ya se han visto en todo el mundo, en instalaciones gigantes y productos promocionales. Y ahora podrán atraer al público más joven de Fortnite con su aspecto pop, accesible y colorido. Kaws, que colabora por segunda vez con Fortnite, explica que sus obras se expondrán en el "creative hub", un modo específico del juego alejado de las partidas donde los jugadores luchan por ser el último superviviente. "No habrá tiroteos en la exposición", bromea, asegurando que la comunidad de jugadores es "diferente a lo que pensamos".En cuanto a si los jugadores se detendrán realmente a contemplar sus obras en el juego, "es difícil de decir", reconoce el artista. "Si llevas a un niño de once años a un museo tradicional, no sabes si va a mirar las obras. Es lo mismo", asegura.
La subasta de la residencia romana de los príncipes Ludovisi Boncompagni, con un excepcional mural de Caravaggio, fue declarada desierta, informó este martes a la AFP el notario encargado. "Nadie participó en la subasta", aseguró Camilo Verde, quien precisó que la próxima subasta tendrá lugar el 7 de abril y partirá de un valor reducido en cerca de un 20%.El monumental Casino de la Aurora, más conocido como Villa Ludovisi, un imponente palacio de 2.800 metros cuadrados, repartido en seis plantas con un suntuoso jardín, ubicado en el corazón de Roma, a pocos de pasos de la célebre Vía Veneto y de Villa Borghese, se encuentra en uno de los sectores más elegantes de la capital.La residencia campestre de una de las familias aristocráticas más ricas y poderosas de Italia conserva además del Caravaggio, frescos de Guercino (1591-1666), reconocido pintor barroco de Bolonia, así como antiguas estatuas. Se estimaba que el Casino de la Aurora, una verdadera joya del barroco romano, tenía un valor de 471 millones de euros (537 millones de dólares), pero esa estimación bajó a 376 millones de euros para la próxima subasta.Si la residencia se vende a un precio cercano al fijado como inicio por la subasta, sería una de las ventas de bienes raíces registradas públicamente más caras de la historia. La subasta fue decidida por un tribunal de Roma para poner fin a las disputas entre los herederos del príncipe Niccolo Ludovisi Boncompagni, quien falleció en 2018 a los 77 años.El enfrentamiento familiar entre la tercera esposa del príncipe, Rita Jenrette Boncompagni Ludovisi, una pintora estadounidense de 72 años que posó para Playboy, y los hijos nacidos del primer matrimonio, obligó a los jueces a subastar la villa debido a que ninguno ha podido hacer frente a la hipoteca por los altos gastos de mantenimiento.Una petición lanzada por la página change.org ha recaudado más de 35.000 firmas para pedir que el Estado intervenga. Los firmantes piden que Italia ejerza su derecho de compra y conviertan el lugar en un museo y centro cultural. Según la ley italiana, el gobierno puede ejercer su derecho sólo después de que haya sido efectivamente adquirida por un particular, dentro de un plazo de 60 días de la conclusión de la venta y ofreciendo el mismo precio de compra.
