Se saben cosas de Manuel Mejía Vallejo. Por ejemplo que comenzó a escribir desde niño y que fue su mamá la que a hurtadillas le entregó a León de Greiff La tierra éramos nosotros. Un libro escrito por su hijo y que ella, con ojos subjetivos, pero no ingenuos descubrió belleza y un universo propio que merecía más lectores. De Greiff pensó lo mismo y compartió la lectura con Los Panidas, un grupo literario al que pertenecía y que a principios del siglo XX discutían sobre literatura, filosofía y arte. Esta lectura favorable del grupo de intelectuales logró que La tierra éramos nosotros fuese publicado en el año 1945, cuando Vallejo tenía 22 años. La escritura de Vallejo se configuró en un momento violento y subversivo del país. Y eso detonó en sus narraciones la creación del universo simbólico de la provincia: códigos de montañas y montes que encerraban a los personajes en medio de ciudades nacientes. Sin embargo, podríamos decir que una de las características más reconocibles de Vallejo fue su profunda lealtad en la forma de narrar la cultura oral de Antioquia. Sus libros cantan en paisa: una lengua con el ritmo de una bestia lenta. Se ha considerado que su obra está dividida en tres momentos. La primera, desde 1945 a 1957 "es caracterizada por ficciones tradicionales", en este momento estarían en consideración La tierra éramos nosotros y Tiempo de sequía. En la segunda etapa, Vallejo sufre una innovación de su técnica en Al pie de la ciudad y El día señalado entre los años 1959 y 1964. En la última parte de su obra ya Vallejo se reconoce como un autor que ha crecido, al que el tiempo le ha hecho mella no solo a él como individuo, sino a su obra. El fenómeno de lo moderno que se disipa por toda la región latinoamericana alcanza a afectarlo. Se puede decir que La casa de las dos palmas (1988) es la culminación de su trayecto entre la juventud narrativa y su madurez. Según Juan Gustavo Cobo Borda "Dentro del amplio ciclo de la novela d e la violencia colombiana -unas setenta y cuatro publicadas entre 1951 y 1972-, la obra d e Mejía Vallejo es una de las que mejor depuran ese "inventario de muertos" y que trasciende lo testimonial hacia una reconstrucción literaria sobria". Algo importante por mencionar es que Vallejo se mantuvo siempre en la frontera de los reflectores. Es decir, su trabajo durante toda su vida fue originado desde y por Medellín. Siendo profesor durante muchos años de Literatura en la Universidad Nacional con sede en la capital del Antioquia, hasta dirigir la Red de Bibliotecas Públicas de la ciudad, Mejía Vallejo nunca fue un escritor de la centralidad. Incluso, mucha de la crítica menciona que su literatura, como mucha de sus contemporáneos, se vio eclipsada por el Nobel de Gabriel García Márquez. Sobre eso, Cobo Borda menciona: "Quizá por ello Manuel Mejía Vallejo, como Héctor Rojas Herazo, autor de una novela precursora de Cien años de soledad: Respirando el verano ( 1962), se llamaron a silencio durante largo tiempo. García Márquez , con el corpus total de su ficción, había resumido el problema en forma fulgurante . De este modo, Mejía Vallejo prefirió desviar su atención del campo y concentrarla en la ciudad: los dos millones y medio de habitantes que mu y pronto alcanzaría Medellín. Ese Medellín que , al ensancharse , había ido dejando al margen, como reductos perdidos, los viejos barrios de la prostitución y la bohemia. De la llegada, en Dota, de los emigrantes del campo". Después de 100 años del nacimiento de Manuel Mejía Vallejo, su literatura se abre como una flor sepultada el hielo. Da pistas claras sobre una época de transformación física y emocional de los habitantes de las que serían las grandes ciudades. Vallejo se concentró en el emigrante local que atravesado por el deseo se somete al desarraigo, la violencia y el desalojo de su raíz.
ORACIÓNNo más amaneceres ni costumbres,no más luz, no más oficios, no más instantes.Solo tierra, tierra en los ojos,entre la boca y los oídos;tierra sobre los pechos aplastados;tierra entre el vientre seco;tierra apretada a la espalda;a lo largo de las piernas entreabiertas, tierra;tierra entre las manos ahí dejadas.Tierra y olvido.LA PATRIAEsta casa de espesas paredes colonialesy un patio de azaleas muy decimonónicohace varios siglos que se viene abajo.Como si nada las personas van y vienenpor las habitaciones en ruina,hacen el amor, bailan, escriben cartas.A menudo silban balas o es tal vez el vientoque silba a través del techo desfondado.En esta casa los vivos duermen con los muertos,imitan sus costumbres, repiten sus gestosy cuando cantan, cantan sus fracasos.Todo es ruina en esta casa,están en ruina el abrazo y la música,el destino, cada mañana, la risa son ruina;las lágrimas, el silencio, los sueños.Las ventanas muestran paisajes destruidos,carne y ceniza se confunden en las caras,en las bocas las palabras se revuelven con miedo.En esta casa todos estamos enterrados vivos.
¿Por qué se celebra el Día Internacional del Archivo?Cada 9 de junio se celebra el Día Internacional del Archivo con el fin de promover su preservación para la investigación y la memoria histórica de alguna organización. El Consejo Internacional de Archivos o International Council on Archives (ICA) declaró este día en el 2008 ya que el 9 de junio de 1948 la UNESCO estableció la creación del Consejo Internacional de Archivos.En los años 50's un par de amigos amantes de la cultura decidieron crear conversaciones alrededor de una mesa y café, aquellos quienes llegaban a esta mesa se convirtieron luego en los referentes culturales que vemos en la actualidad.La historia de nuestro archivoLos pioneros de estas charlas fueron los fundadores de esta emisora que día a día se alimenta de la cultura, actualmente tenemos más de 20.000 registros de archivo entre voces y música, este es el tesoro del que Laura Restrepo habló en una de nuestras entrevistas.El archivo de la HJCK ha sido alimentado a través de los años y se ha transformado en aquel ente que nos abraza y sostiene nuestra emisora, gracias a Alvaro Castaño, a Gloria Valencia, a Gonzalo Caro y a tantos quienes han hecho parte de este camino que nos ha llevado al archivo cultural privado más grande de Colombia.Una de las piezas que hemos atesorado es la primera entrevista de Gabriel García Márquez en la que el poeta y periodista colombiano Arturo Camacho Ramírez le pregunta ¿Cuál es su hobby?, uno de los programas que se emitía en 1954 por la HJCK. Allí Gabo habla de su fascinación por las pesadillas, sueños y supersticiones.Hace dos años recopilamos la mayoría de registros de Gabo y creamos el primer capítulo de “De Memoria”, el podcast que reúne el archivo de la emisora. Aquí le dejamos el episodio:Debemos admitir que nuestro archivo de vinilos también es algo impresionante, hace poco decidimos compartirlo con nuestra audiencia en redes sociales trayendo las voces de quienes leemos y de quienes nos enseñaron de literatura, por ejemplo, la profunda voz de la escritora chilena Gabriela Mistral.Así como tenemos las voces de la literatura latinoamericana también contamos con las de la música, en este caso nos gustaría recordar a Mercedes Sosa, una de las cantantes más emblemáticas de América Latina. En este fragmento de nuestro archivo Mercedes habla de la vida, la música y la fe.También tenemos voces de la música clásica actual como la pianista uruguaya Polly Ferman quien en una entrevista con la HJCK cuenta las veces que ha empezado de nuevo, los respiros que ha tomado en su vida y los momentos en que ha dejado de tocar piano.Otro ejemplo de voces maravillosas es el poeta colombiano Aurelio Arturo leyendo un fragmento de “Morada azul”, la grabación hace parte del casete “Piedra y cielo” lanzado en 1989. Arturo publicó más de 70 piezas poéticas durante su juventud entre 1925 y 1970.Así se va complementando el equipaje de este barco que navega en los mares de la cultura, que viaja por las notas musicales de los pianos y los violines, que hace cercano eso que alguna vez fue imposible de poseer. El archivo de la HJCK es, sin duda alguna, el retrato de la memoria cultural colombiana.Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK.
Elisa Mujica nació el 21 de febrero de 1928 en Bucaramanga (Santander, Colombia) y falleció el 27 de marzo de 2003 (Bogotá, Colombia). Antes de los ocho años de edad, se mudó a Bogotá junto con su familia. Se interesó desde muy joven por la escritura y la literatura. El habitar la ciudad despertó en ella un sentir particular, una inquietud por su historia, la forma de su distribución y como era narrada.Elisa Mújica publicó desde finales de los 40, sin parar de escribir en gran diversidad de géneros, como la novela, el cuento, la entrevista, la crónica y el ensayo; escribió para niños, reescribió cuentos populares, rescató historias del centro bogotano y participó en ediciones críticas de obras de la literatura colombiana. Queremos destacar la obra y recordar la vida de esta mujer, que se distinguió entre sus contemporáneos y que es ejemplo del gran aporte que las mujeres colombianas han hecho a la literatura.Elisa Mújica fue una mujer que exaltó el papel de la mujer en la esfera pública y la privada; pero también le dedicó líneas a la vida en Bogotá, especialmente en el barrio La Candelaria. Vivió durante muchos años en una casa en la calle 12 con carrera 2ª, y en sus obras: "hizo de Bogotá el principal escenario de su obra y reflejó en ésta diversos rostros de la ciudad. A través de la literatura 'adulta' manifestó el abatimiento femenino frente al destino marcado para las mujeres en un país machista, y en los relatos para niños dibujó la fantasía perdida en la ciudad del pasado"A finales de los años sesenta Bogotá ya no era la ciudad que Mújica conoció de niña y, particularmente, la relación con la iglesia católica se volvió cada vez más compleja. Esto impresionó a la joven escritora, pues sus preceptos religiosos se estaban enfrentando con su trasegar en la literatura y en la ciudad. El barrio La Candelaria (Bogotá, Colombia) fue especial para la escritora, lo cual reflejó en textos como “La Candelaria: crónicas y cuadros” de 1974; “Cuentos para niños de La Candelaria” de 1993; “Las casas que hablan guía histórica del barrio de La Candelaria de Santafé de Bogotá” de 1994, entre otros. Adicionalmente, en su última novela Bogotá de las nubes de 1984, Mújica ahondó en las transformaciones urbanísticas de la capital, la marginalidad social y la posición femenina en un contexto urbanístico tan azaroso.
“¿Qué es poesía? ¿Y tú me lo preguntas? / Poesía... ¡eres tú!”, remataba en una de sus rimas más célebres el poeta sevillano Gustavo Adolfo Bécquer, que había nacido en el barrio San Lorenzo un 17 de febrero de 1836. Huérfano desde niño y criado por su tía, Bécquer tuvo que lidiar desde sus primeros años de vida, mucho más que con el amor, con el otro extremo de la vida: la muerte.Bécquer publicó muchos de su escritos en periódicos locales como El Contemporáneo, el Museo Universal, El Porvenir, La España Artística y Literaria, La Iberia y La Ilustración de Madrid. En 1858, Bécquer había terminado la quinta entrega de "Historia de los Templos de España". En ese mismo año contrajo una enfermedad grave. Sin embargo, logró publicar "El caudillo de las manos rojas". Bécquer sufrió varias desventuras amorosas a lo largo de su vida, hechos que acabarían por darle todo el suspiro poético que debatió su obra entre el dolor y la gloria: primero conoció a Julia Espín, de quien se enamoró a pesar de no ser correspondido; luego, se enamoró de Elisa Guillén, quien lo abandonó.Además, Bécquer pasó tiempos de gran penuria y nunca logró éxito económico en su vida. En 1864 consiguió un puesto gubernamental como censor de novelas, que ocuparía entre 1864-65 y luego entre 1866-68 y que aliviaría un poco su situación económica. Comenzó a escribir "Cartas desde mi celda" en 1864, durante una estancia de reposo en el monasterio de Veruela, donde el poeta se había refugiado para reponerse después de otro ataque de tuberculosis. Para Bécquer, el poema era un vehículo mediante el cual se intentaba comunicar una belleza inefable e ideal.En este archivo que reposa en la HJCK de 1970, presentamos un programa concedido por la UNESCO ese mismo año en que celebraba el centenario del fallecimiento del reconocido poeta sevillano.
Durante mucho tiempo, los poetas japoneses del siglo XVI lograron transmitir en unas cuantas líneas la sabiduría de su cultura contenida en milenios. De la misma manera, más allá de ser conocido como el autor de "El dinosaurio", el cuento más corto de la historia de la literatura, Augusto Monterroso se consagró como uno de los últimos grandes escritores clásicos de la narrativa castellana. Guatemala fue la nacionalidad que escogió como destino, habiendo nacido en Tegucigalpa, Honduras, el 21 de diciembre de 1921, y vivido la mayor parte de su vida exiliado en Ciudad de México, donde murió el 7 de febrero de 2003. Allí, Monterroso escribió libros que lo convirtieron en uno de los autores canónicos del siglo XX, siguiendo la huella y la pluma de uno sus grandes maestros, José Batres Montúfar, de quien heredó la ironía para romper con los trances de la vida.Monterroso fue condecorado con la Medalla del Águila Azteca en 1988 por su trabajo como diplomático. Este reconocimiento se suma a la lista donde se encuentran el Premio Xavier Villaurrutia de novela en 1975 y el Premio FIL de Literatura en 1996. Años más tarde, en el 2000, le fue otorgado el Premio Príncipe de Asturias de las Letras (hoy Premio Princesa de Asturias). En este audio que reposa en nuestro archivo HJCK, les presentamos la voz de Augusto Monterroso en la narración de dos de sus grandes cuentos: "Sinfonía concluida" y "El dinosaurio", ambos de 1959.
Al compás de paseos, merengues, sones y puyas, Nicolás "Colacho" Mendoza y Lisandro Meza, dos jóvenes acordeoneros, se batieron una tarde en franca lid sobre una tarima atiborrada de un bullicioso público que entre aplausos, arengas y rechiflas contemplaban este duelo entre los dos vallenatos. Era 1968 y se celebraba la segunda edición del Festival de la Leyenda Vallenata en la capital del César. Sin embargo, mientras que la decisión del jurado -presidido por Consuelo Araújo Noguera, una de sus fundadoras- fue unánime al declarar a Mendoza como ganador, el público inconforme, acabó por aclamar al músico vencido al que bautizaron como "El rey sin corona".Pero esta aparente derrota sobre la tarima de Francisco el Hombre, el templo donde se miden a pulso los mejores intérpretes de la música vallenata, en lugar de representar un obstáculo para Lisandro, resultó fundamental en la creación de un nuevo estilo que lleva su impronta y que lo desmarcó de la ejecución de los cuatro aires tradicionales del vallenato para así construir una propuesta con mayor énfasis en el sonido sabanero fusionándolo con el fandango, el porro y la música de corraleja.Lisandro Meza nació en septiembre de 1939 en El Piñal, un pequeño corregimiento del municipio Los Palmitos, en Sucre. Desde muy joven, Lisandro ya había elegido al acordeón como su instrumento compañero con el que animaba las fiestas de los trabajadores de la finca de su padre al son de las canciones de Luis Enrique Martínez. Su carrera musical se inició al lado del conjunto de Alejandro Durán, el primer rey vallenato, del que fue su guacharaquero por varios años, alternando en algunas grabaciones con el Conjunto Carrizal de Aníbal Velásquez, el rey de la música sabanera.Para 1962, Lisandro, que ya había adquirido gran renombre en la región sabanera, fue invitado por Antonio Fuentes, dueño de Discos Fuentes, a ser parte de un nuevo proyecto que sería el producto estrella de su compañía: Los Corraleros de Majagual. A su llegada, se codeó con Eliseo Herrera, César Castro, Lucho Argaín, Calixto Ochoa, Alfredo Gutiérrez, Chico Cervantes y los demás miembros de la banda. Aunque sus gritos sabaneros ya eran populares en los pasillos de la discográfica, debutó como cantante hasta 1966 con dos composiciones suyas: "La vieja Pancha" y "Swing bailable". Pero los hits que se apuntó con la banda vendrían al año siguiente con "La burrita de Eliseo" y "La gorra".Al mismo tiempo, decidió conformar su propio conjunto, con el que grabaría una treintena de producciones entre 1966 y mediados de la década de los años ochenta, y con los que se paseó desde la salsa, el porro, la cumbia, la guaracha, los fandangos y el vallenato con un amplio catálogo de canciones como "Baracunatana", El polvorete", "El guayabo de la ye", "Entre Rejas", "La cumbia del amor", "Todo o nada", "Mar azul" y "Esta noche es mía", entre otras. Pero si hubo una obra con la que se destacó fue con las décimas de "La miseria humana", una adaptación en aire de paseo vallenato de este poema escrito por el poeta soledeño Gabriel Escorcia Gravini en el que canta una oda al amor fallido y a la inminente presencia de la muerte. Es considerado el vallenato más largo de la historia.El tema de Lisandro Meza, convertido en un absoluto éxito radial, además de rescatar del olvido la malograda memoria de Gravini, también marcó un hito dentro del catálogo de Discos Fuentes, ya que con sus más de diez minutos, fue incluido en la edición de 1977 de los 14 Cañonazos Bailables (una legendaria recopilación de los éxitos musicales de cada año que no superaban más de 3 minutos de duración) y en el que ocupó más de la mitad del lado B del popular disco de larga duración.Para 1980 Lisandro Meza creó una nueva agrupación, Los Hijos de la Niña Luz, y con ellos impuso un nuevo éxito para ese año: "Las tapas", una cumbia de Ivo Otero que le dio proyección internacional, haciéndole popular en el continente africano. En las décadas siguientes, con éxitos como "Estás pillao'", "Sal y agua" y "El hijo de tuta", Lisandro se ha consolidado como uno de los intérpretes infaltables del fin de año en Colombia, además de ser un ídolo de la colonia hispana y sonidera en EE.UU. y México, siendo recordado como uno de los más venerados intérpretes del acordeón.En esta entrevista concedida el 29 de junio de 1969 para Carta de Colombia, Lisandro Meza habla sobre sus primeras composiciones y su experiencia en el entonces Festival de la Leyenda Vallenata, celebrado en Valledupar, en el que perdió ante "Colacho" Mendoza y fue declarado el "Rey sin corona".
Septiembre es el mes de la prevención del suicidio, según la Organización Mundial de la Salud más de 700.000 personas en el mundo mueren por este motivo cada año, tan solo en Estados Unidos hay 14,4 suicidios por cada 100.000 personas.Sabemos que esta es una decisión personal e intima, pero queremos recordar que hablar de enfermedades mentales puede ayudar a encontrar un camino de tratamiento y solución. Sentirse a acompañado y escuchado puede ser un gran inicio y las historias que les contaremos hoy pueden servirles en los procesos que tú o alguien que conoces está afrontando. Traemos cinco libros acerca de depresión, ansiedad y diferentes enfermedades mentales que han sido representadas en la literatura.'La campana de cristal' de Sylvia PlathEste libro es la historia de Esther Greenwood, una joven escritora que se ve envuelta en su bipolaridad y su escritura. La novela que tienes tintes autobiográficos describe los sentimientos de la protagonista de manera cercana, así como su esfuerzo por encajar en la sociedad.'El peligro de estar cuerda' de Rosa Montero La escritora española hace un recuento basado en su investigación acerca de la creatividad y la inestabilidad mental. Es una mezcla entre ensayo y ficción donde el lector descubre lo que pasa en nuestro cerebro cuando juntamos las emociones y la habilidad de crear.'Las vírgenes suicidas' de Jeffrey EugenidesEl libro narra la historia de las hermanas Lisbon, quienes se suicidan en un lapso de año y medio. Veinte años después algunos hombres que vivían en el mismo barrio deciden investigar que sucedió y descubren el origen del misterio.'La madre de Frankenstein' de Almudena Grandes Es una de las novelas que hacen parte del ciclo de los “Episodios de una guerra interminable”, la escritora relata la historia de un joven psiquiatra que regresa a España tras la guerra y se encuentra con una joven que tiene un pasado que quiere olvidar, así como con los abusos del manicomio de mujeres en Ciempozuelos.'Yo maté a un perro en Rumania' de Claudia Ulloa Donoso Este libro narra la historia de una protagonista anónima que está sumida en una terrible depresión y uno de sus amigos decide llevarla a Rumania con temor de que algo le suceda mientras él no está. En este viaje se le revela la forma real de su amigo, un país completamente distinto y la inminencia de estar viva.Bonus: 'El tapiz amarillo' de Charlotte PerkinsEste relato es la historia de una mujer encerrada diagnosticada con “depresión nerviosa temporal”, obligada a estar en su habitación la protagonista se obsesiona por el papel tapiz de su cuarto y todo lo relata en su diario.Estos son solo algunos de los libros que han narrado las condiciones mentales, cuéntenos si conoce más. Si se encuentra en una situación complicada, no dude hablar con alguien o buscar ayuda y recuerde que los libros también pueden ser gran compañía.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK.
Iniciamos estos recomendados y sus detalles con el concierto de Paula Sanabria, pianista de doce años, se presenta con la Orquesta Filarmónica de Mujeres. La Orquesta Filarmónica de Mujeres acompaña la consolidación de una talentosa pianista de doce años. Se trata de Paula Sanabria Barbosa, quien ha recibido el respaldo de figuras como Svetlana Solodovnikova (Rusia), Rhami Bahrami (Irán) y Giovanni Bietti (Italia), y ahora está lista para interpretar el “Concierto para piano No. 1 en sol menor, Op. 25” de Felix Mendelssohn (1809 – 1847), este viernes 22 de septiembre a las 6:30 p.m. en el Auditorio Mario Laserna (Universidad de los Andes), con entrada libre con previa inscripción.La Orquesta Filarmónica de Bogotá junto al guitarrista suizo Christoph Denoth,en Auditorio Fabio Lozano, el sábado 23 de septiembre, a las 4:00 p.m, harán un recorrido musical por España, Francia y Rusia. El Teatro Libre del Centro inaugura este 22 de septiembre, su temporada 2023 con un clásico de Bertold Brecht, “La evitable ascensión de Arturo UI” bajo la dirección de Diego Barragán. Una obra sobre el ejercicio del poder que tiene como escenario a Estados Unidos de los años 30’s, pero que puede ser cualquier país del mundo. Se presentará de viernes a domingo en las instalaciones del teatro: Cl. 12b # 2-44. Viernes y Sábado: 8:00 p.m y domingos: 3:00 pm.La Cinemateca Distrital desarrollará este 23 de septiembre ESPECTRO. Una experiencia artística donde niño y niñas serán investigadores de la luz a partir de las viejas y nuevas tecnologías. Horario: 10:00 a.m. a 11:00 a.m., de 11:00 a.m. a 12:00 m y de 2:00 p.m. a 3:00 p.m. /Lugar: Sala Rayito /Cupo Máximo: 28 participantes. Entrada libre. En la programación cinematográfica desde el 19 de septiembre hasta el 4 de octubre, el Festival de Cine Francés. La Biblioteca Pública Carlos E. Restrepo junto al Parque Arqueológico y del Patrimonio Cultural de Usme realizarán el “Laboratorio de Arqueología Infantil” del 21 al 27 de septiembre. Inscripciones en la Sala Infantil de la Biblioteca.El Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) presentará hasta el 1 de Octubre la exposición: (Te busco en otro nombre). Bitácora guatemalteca 1987 -2023. Proyecto ganador de la segunda edición a las artistas latinoamericanas. https://www.mambogota.com/exposicion/te-busco-en-otro-nombre/No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
La novela de Esquivel, publicada en 1989, está traducida a más de 30 idiomas y ya fue adaptada al cine en 1992, convirtiéndose en una de las películas latinoamericanas más exitosas, dirigida por el mexicano Alfonso Arau.La producción original de HBO comenzó ya a rodarse en México esta semana, según la fuente, bajo la dirección de Julián de Tavira y Ana Lorena Pérez Ríos y con las interpretaciones de Irene Azuela ("Quemar las naves"), Azul Guaita ("Mi marido tiene familia"), Ari Brickman ("Sr. Ávila" y "Asesino del olvido"), Ana Valeria Becerril ("Las Bravas"), Andrea Chaparro ("¿Encontró lo que buscaba?"), Andrés Baida ("Los elegidos"), Ángeles Cruz ("Capadocia") y Louis David Horné ("La negociadora").Este proyecto "reúne todos los elementos que como creadores de contenido aspiramos a tener en una historia: una trama potente que nos sumerja en un universo tan particular como el del realismo mágico latinoamericano, muy arraigado en nuestra cultura, realizada en conjunto con grandes creadores y talento local, con una enorme proyección para viajar globalmente y desarrollada con el sello de calidad que caracteriza a HBO", dijo Mariano César, de Warner Bros Discovery.Los protagonistas son Tita de la Garza y Pedro Muzquiz, una pareja de enamorados que no pueden estar juntos debido a arraigadas costumbres familiares, lo que obligará a Tita a transitar entre el destino dictado por su familia y la lucha por su amor, mientras vive en su mayor refugio, la cocina.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
Matilde Landeta, una figura icónica en la historia del cine mexicano, dejó una huella indeleble en la industria cinematográfica del país. Nacida el 20 de septiembre de 1913en Ciudad de México, Landeta se convirtió en una de las primeras directoras de cine en México y una defensora apasionada de los derechos de las mujeres en la industria cinematográfica.Su carrera en el cine comenzó en 1945 cuando se convirtió en asistente de dirección. Pese a que nunca asistió a una escuela, su trabajo con Emilio Fernández, Julio Bracho y Roberto Gavaldón, le mereció el reconocimiento de la industria. Sin embargo, a lendeta nunca le fue fácil conseguir apoyo para financiar sus películas. A finales de los años 40, hizo una hipoteca de su casa para crear su propia compañía productora TACMA S. A. de C. V.Sus primeros dos largometrajes fueron adaptaciones de novelas de Francisco Rojas González, Lola Casanova (1948) que tardó un año en estrenarse y tuvo mala distribución y difusión. Su segunda película La negra Angustias (1949), también sufrió un boicot similar, y Trotacalles (1951) su tercera película, le generó numerosos problemas sindicales que le imposibilitó volver a filmar hasta 40 años después.Landeta iba a dirigir Tribunal de menores, sin embargo, Eduardo Garduaño, miembro del Banco Nacional de Cinematografía, la convenció de vender su guion. Garduaño vendió la película al director Alfonso Corona Blake, quien le cambió el título a El camino de la vida. Trataron de excluir su nombre de los créditos, pero Landeta terminó demandándoles y logró mantener el reconocimiento para su guion. Sin embargo, debido a este incidente, le impidieron trabajar en la industria del cine mexicano, por lo que decidió trabajar en Estados Unidos. Durante los siguientes años escribió el guion de más de 100 cortometrajes de media hora para la televisión estadounidense. También impartió clases en la primera escuela de cine. Fue responsable de la supervisión de guiones en el Banco de Guiones de la Sociedad General de Escritores de México y ella misma continuó escribiendo. En 1957 recibió el premio Ariel en la categoría de mejor argumento por El camino de la vida.Fue dos veces Presidenta de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas entre 1983-1994 y entre 1985 a 1986. En 1991 a los 78 dirigió su último largometraje, Nocturno a Rosario. Se vio obligada a vender sus tres películas anteriores en España para costear con Imcine la producción de la misma.Murió el 26 de enero de 1999 en Ciudad de México.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La pieza es una composición musical escrita por el compositor francés Erik Satie en 1888. Esta obra es una de las piezas más conocidas y emblemáticas de Satie, y es apreciada por su belleza y simplicidad melódica.Las gimnopedias fueron danzas celebradas en julio-agosto en honor al dios Leto y sus hijos Apolo y Artemisa. En ellas, jóvenes espartanos bailaban desnudos haciendo posturas de batalla. Algunos historiadores y filósofos, las mencionaron en sus obras: en “la Hélenicas” de Jenofonte; en las “Leyes” de Platón y en el “Tratado de música” de Plutarco. Satie desde pequeño tuvo acercamiento al idioma griego, de allí, que nombre “Gymnopédies” a sus tres obras más famosas en piano.A pesar de que su nombre significa una fiesta, la Gymnopédia No. 1, por el contrario, es reconocida y representada en películas, series y programas de televisión y radio como una pieza de piano triste. Pero, ¿Qué la hace triste?, es muy sencillo: agregarle séptimas, menores a los acordes y emplear ña “cadencia rota”. Según el analista musical y youtuber Jaime Altozano, la obra inicia con las notas SOL(maj), Re(maj) que si bien no son tristes, Satie le introduce séptimas mayores a los acordes: Sol (maj7) – Re (maj7) y esto, cambia la sensación de la Gymnopédie No1. A media que la pieza avanza, pasa de acordes mayores a menores. La obra empieza triste y tiene un punto de quiebre en caída libre cuando agrega el acorde de séptima dominante Re7 y juega, de nuevo, con los acordes menores y mayores, crea una “cadencia rota”. La “cadencia rota” es un concepto musical que se utiliza para describir una progresión armónica que difiere de la estructura típica de la cadencia perfecta. En una cadencia rota, la resolución de los acordes no sigue el patrón de tensión y relajación esperado en una cadencia convencional. En lugar de resolver un acorde final de manera satisfactoria y conclusiva, la cadencia rota introduce una sorpresa o giro inesperado en la armonía.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar