"Es un gran honor ser nombrada directora del National Theatre", reaccionó Rubasingham en un comunicado publicado el miércoles en el sitio web del teatro."Para mí es el mejor trabajo del mundo", añadió.Rubasingham es también la primera persona de una minoría que se hace cargo de este teatro, situado a orillas del Támesis, en el centro de la capital británica.Nacida en Sheffield, en el norte de Inglaterra, en una familia originaria de Sri Lanka, estudió teatro en la Universidad de Hull, en el noreste del país.Rubasingham era desde 2012 directora artística del Kiln Theatre, ubicado en un barrio multicultural del noroeste de Londres, convirtiéndolo en uno de los centros culturales más prestigiosos de la capital.La nueva responsable del National Theatre trabajará junto a Kate Varah, directora ejecutiva, en el marco de una codirección.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Madre coraje es un texto que se presenta como homenaje a Bertolt Brecht con motivo del 125 aniversario de su nacimiento. El texto está escrito por el reconocido dramaturgo italiano Michele Santeramo y forma parte de un ciclo dramatúrgico (“Fantasmas”) sobre el que Santeramo está realizando una interesantísima investigación, valiente e inédita.La dramaturgia está habitada por el personaje de Anna Fierling, la madre coraje de Brecht, que regresa de la oscuridad del escenario para crear una relación directa con el espectador, lo que le dará la sensación de que la actriz le esté hablando “a mí, sólo a mí mismo”.Nuestra Madre Coraje comparte con el espectador algunos temas actuales y necesarios, en particular, sobre la guerra y sobre el ser madre en el marco de un conflicto armado: “¿Quién dijo que la guerra duele? Vamos, este tiempo tuyo no es diferente de los anteriores, ni de los venideros. El que habita cada tiempo conocido es el ser humano, entonces, ¿qué piensas que pueda ser diferente? A veces la gente todavía me juzga, cuando conocen mi historia me juzgan porque dicen que no tengo corazón de madre, que pienso en las cosas porque las cosas son más valiosas que las personas. Cualquiera que me juzgue mal es a lo mejor un hipócrita con el culo sentado en el calorcito. Ya lo dije, uno es bueno, solo mientras pueda permitirse el lujo de ser bueno. No todo el mundo debe tener ideales elevados, a veces es suficiente el seguir con vida dentro de la guerra; eso es lo que todos hacemos”.El espectador tendrá la impresión de encontrarse frente a ella, a la verdadera Anna Fierling, con su tono provocador, irónico, despectivo, cínico, despiadado y, a veces tierno, de madre.La obra tendrá funciones el 7 y 9 de diciembre a las 8:00 p.m. 8 y 10 de diciembre a las 4:00 p.m.Sobre el director Gianluca BarbadoriActor, director y pedagogo italiano, ha trabajado con maestros como: Orazio Costa, Al Yamanouchi, Giancarlo Sorgi, Stefano Vercelli, Luisa Pasello, Silvia Pasello, François Kahn, Alessandro Tognon, Sandro Lombardi, Laura Colombo, Anton Adassinskij, Anne Zènour, Roberto Bacci, entre otros. En 1992, trabajó en el Workcenter de Jerzy Grotowsky y Thomas Richards. En Italia colaboró en el C.S.R.T. de Pontedera, con el Teatro Stabile delle Marche, con el Festival Inteatro en Polverigi y con el Teatro Metastasio Stabile della Toscana. Ha trabajado en proyectos con comunidades, adolescentes, personas con habilidades diferentes y actores profesionales. Ha dirigido más de 60 obras y realizado talleres y seminarios en Italia, Argentina, Brasil, Colombia, Grecia, Irán, Uruguay y E.E.U.U.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El primer ministro ruso, Mijail Mishustin, "firmó la decisión sobre el nombramiento de Valeri Guerguiev al puesto de director general del Teatro Bolshói por una duración de cinco años", indicó el gobierno en Telegram.Numerosas orquestas occidentales boicotearon el año pasado al maestro de 70 años y tradicional partidario del presidente Putin, por no haber denunciado la ofensiva rusa contra Ucrania iniciada en febrero de 2022.Valeri Guerguiev, que también es director del teatro Mariinski de San Petersburgo desde 1996, ciudad donde Vladimir Putin comenzó en política a principios de los años 1990, dirigirá ahora los dos principales escenarios del país.Putin sugirió en marzo de 2022 fusionar la dirección de los dos prestigiosos teatros, como era habitual antes de la revolución de 1917.La cercanía de Guerguiev con el jefe del Kremlin, especialmente durante la anexión de Crimea en 2014, le ha acarreado varias polémicas.En marzo de 2022, la Orquesta Filarmónica de Múnich decidió despedirlo por no haber denunciado el ataque de Ucrania. Igualmente, varias orquestas y festivales en Europa y Estados Unidos anularon sus compromisos con el músico.Hasta ahora, el director de orquesta no ha hecho ninguna declaración sobre el conflicto. A principios de año realizó una gira por China, pero actualmente dirige por lo esencial en Rusia.Su nombramiento se produce en un momento en el que oenegés y medios denuncian una purga cultural en Rusia, con despidos o huidas de artistas que han sido críticos con el poder y que no han mostrado su apoyo públicamente.Valeri Guerguiev reemplaza en el Bolshói a Vladimir Urin, que firmó al inicio de la ofensiva en Ucrania una carta abierta de artistas y actores en la que se pedía "a todas las partes" cesar los combates.Urin, que dirigía el teatro moscovita desde 2013, tomó posición públicamente en favor del Kremlin en varias ocasiones.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Festival NODO - Cuerpos en movimiento se llevará a cabo en el Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella, en colaboración con la Bienal Internacional de Danza de Cali y Pro Helvetia: fundación suiza para la cultura, desde el jueves 9 hasta el lunes 20 de noviembre.Un encuentro de varias fechas para celebrar la diversidad y creatividad en el mundo de la danza. Su propósito será explorar la danza como un territorio formado por múltiples componentes que enlazan distintas formas de expresión de las dramaturgias del movimiento: el cuerpo es un nodo conectado a otros en una red de expresión.Junto con las presentaciones de danza, el festival incluirá talleres que permitirán a participantes de diversas edades y niveles de experiencia explorar la riqueza y diversidad de la danza. Los talleres incluyen la improvisación del Piso Móvil bajo la dirección de la Compañía Cortocinesis, el laboratorio cinestésico SOMA impartido por Javier Martín, enfocado en explorar las sensaciones físicas y su relación con el lenguaje del movimiento. Además, Crazy Smooth ofrecerá un taller de Hip Hop y Breaking, mientras que la Compañía Linga presentará un taller de danza contemporánea.Le contamos de algunas agrupaciones que se presentarán en el marco del Festival: In My Body por Bboyizm / Crazy Smooth (Canadá)Una exploración de la experiencia de envejecer desde la perspectiva de los b-boys y b-girls que llega a la sala Teatro Colón el 15 de noviembre, a las 7:30 p.m. La pieza reúne a un grupo de bailarines intergeneracionales y un equipo creativo internacional para abordar la confianza y la fuerza que los bailarines de la calle muestran en el escenario frente a la vulnerabilidad que experimentan con el paso del tiempo. Entradas disponibles en Tu Boleta.Flow por Compañía Linga (Suiza)Es una obra inspirada en los movimientos colectivos sincrónicos de cardúmenes y bandadas de estorninos, que se presentará en la sala Teatro Colón del Delia el jueves 16 de noviembre a las 7:30 p.m. Examina la relación entre el individuo y el grupo, así como los límites entre la construcción y el instinto. La producción involucra a seis bailarines y dos músicos en vivo. Entradas disponibles en Tu Boleta.Yumé por Beaver Dam Company (Francia / Suiza)Se presentará en la sala Delia Zapata en tres fechas: sábado 18 a las 3:00 p.m., domingo 19 a las 11:00 a.m. y el lunes 20 de noviembre a las 10:00 a.m. (función escolar). Las entradas están disponibles en Tu Boleta. Se trata de una narración sin palabras que convoca a niños y adultos mayores en una actuación de misterio y fantasía. Inspirada en cuentos japoneses y películas animadas, la obra sigue la travesía de una heroína en busca de su sombra perdida.Figuras del Umbral por Javier Martín (España)Una producción compuesta de siete ‘cuadros’ en los que el bailarín toma la forma de siete figuras diferentes, inspiradas en personajes del acervo cultural, que se presentará en la sala Teatro Colón el domingo 12 de noviembre a las 5:00 p.m. con entradas disponibles en Tu Boleta. La obra explora la reflexión de nuestra cultura ancestral y cuestiona nuestra relación con la tecnología, los usos y los orígenes.Volátil, recitales de la desaparición por Compañía Cortocinesis (Colombia)Se presentará en la sala Fanny Mikey el sábado 11 de noviembre a las 7:30 p.m. con entradas disponibles en Tu Boleta. Es una reflexión sobre la desaparición y explora temas como la pérdida, la fragilidad y la persistencia. La danza se convierte en una metáfora sobre la carne que se niega a desaparecer, preservando sus surcos y cicatrices como narradores de historias fragmentadas.Inmóvil por Compañía Periferia (Colombia)Explora la reacción ante un acontecimiento trágico. La pieza está influenciada por las reflexiones filosóficas de Schopenhauer y Nietzsche sobre un sentimiento funesto. La obra refleja la lucha de los afectados por el conflicto colombiano, cómo seguir adelante o cambiar el curso de la historia. Se verá en la Plazoleta del CNA el sábado 11 de noviembre a las 5:00 p.m. con entrada libre.Telares por Compañía Sas Bequia (Colombia)Es una obra inspirada en el tejido como práctica cultural tradicional. "Telares" explora la importancia del tejido en la construcción de la identidad y la cultura femenina. Se presentará en la Plazoleta del CNA el domingo 12 de noviembre a las 4:00 p.m. con entrada libre.No Cosa por Nahad Reyes Rossi (Colombia, ganadores de convocatoria)La veremos en la sala Delia Zapata el viernes 10 de noviembre a las 6:00 p.m. con entrada libre. Es una pieza de danza contemporánea que utiliza nuevas tecnologías y sonido para crear una experiencia única en espacios públicos. El espectáculo busca acercar a los artistas a su público y llevar el arte y la cultura a la vida cotidiana de los ciudadanos.Links, enlázate a tu humanidad por Kinesis Crew (Colombia, ganadores de convocatoria)Links es una obra de danza urbana que aborda la deshumanización en un mundo donde las personas son reducidas a números y estadísticas. Los personajes luchan por preservar su sensibilidad en un sistema implacable. Se presentará en la sala Delia Zapata el sábado 11 de noviembre a las 4:00 p.m. con entrada libre.El Bucaranueces Street por Guerreros del Asfalto (Colombia, ganadores de convocatoria)Es la adaptación del clásico cuento navideño ‘El Cascanueces’ situada en el año 2023. Los asistentes podrán disfrutar de la función en la sala Delia Zapata el jueves 9 de noviembre a las 6:00 p.m. con entrada libre. La obra combina distintos estilos de danza para contar la valiente lucha del Bucaranueces contra el Rey Rata.Escucha lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Una de las grandes producciones del Teatro Nacional este 2023, llega el 19 de octubre al escenario de La Casa del Teatro Nacional. Orestíada, la adaptación contemporánea de la feroz tragedia de Esquilo recreada por la mente creativa del brillante Robert Icke, dirigida en Colombia por Pedro Salazar y llevada a las tablas por un gran elenco.La historia de la venganza de Orestes, desde el asesinato de su hermana Ifigenia a manos de su padre Agamenón (Juan Camilo Prada), hasta el juicio que lo exime del asesinato de su madre, Clitemnestra (Camila Valenzuela), nos enfrenta, a través de una mirada mítica al trauma, la culpa, el sacrificio, la venganza, la justicia y la desintegración de la familia en medio de la guerra.En este montaje contemporáneo, Icke se centra en la mirada femenina sobre la tragedia de la Casa de Argos de Clitemnestra y en el porqué de sus acciones, y sitúa a Orestes, en el medio. No solo como el asesino de su madre y su amante, sino como la conciencia que recompone la concatenación de acciones que han conducido esta historia a un final tan funesto.En cuanto concepto escénico, esta versión de Icke, combina elementos tecnológicos con la interpretación viva de un elenco sorprendente, Erik Rodríguez, Camila Valenzuela, Juan Camilo Prada, Natalia Ramírez, Juan Manuel Barona, Martha Millán, Manuela Salazar, Matilde Acevedo, David Suárez y Juan Pablo Gómez quienes reflexionan entre monólogos filosóficos y charlas de peluquería, con un discurrir liviano que en ningún caso simplifican la complejidad de la sangrienta historia.Esta nueva versión contemporánea de Orestíada, está atravesada por un eje temático universal, la guerra. Que se encuentra profundamente ligada al contexto colombiano en relación con las grandes familias terratenientes y militares que han manejado los hilos de esta.«Son muchos los temas de esta adaptación que se relacionan con las preguntas que nos hacemos los colombianos en relación a, la justicia, la venganza, las consecuencias de la violencia. De otro lado, la puesta en escena contemporánea en manos de Pedro Salazar es un aporte que el Teatro Nacional propone para la diversidad de un lenguaje siempre cambiante y que se fortalece con nuevas interpretaciones de los textos clásicos». Afirma Nicolás Montero, director artístico del Teatro Nacional.Otro aspecto importante en esta actualización creada por Robert Icke, es el papel de los medios de comunicación en la guerra. Hay toda una zona de la obra que se especializa en mostrar el modo en que los medios masivos sacan a la superficie del mundo social aspectos de lo privado, al tiempo que banalizan los asuntos de interés público. Para ello se usan en el montaje dispositivos de video que están a cargo de la videógrafa Carmen Gil."La casa de Agamenón es la casa de los grandes generales de un país como Colombia, responsables de una parte de su tragedia. Vale la pena instalarse en esta zona poco explorada del circuito de la guerra, reponer una pieza más en su cartografía, con toda la seriedad que el asunto merece", comenta el Teatro Nacional.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La sordoceguera es un desafío. Una condición en la que la persona experimenta simultáneamente deficiencia auditiva y visual, lo cual convierte tareas sencillas y cotidianas en grandes retos. A esto se suman circunstancias sociales y espaciales que en una ciudad como Bogota no permiten el óptimo desarrollo de aquellos que la padecen. "Con Sentidos" es una obra de teatro que invita a explorar la sordoceguera desde una perspectiva completamente nueva, invitando al público a conocer las vidas de sus protagonistas, quienes no solo desafían la adversidad, sino que también muestran belleza, empatía y perseverancia.La obra que llega en tres únicas funciones el 20 y 25 de octubre a los escenarios de las universidades Pedagógica, Nacional Abierta y a Distancia y Distrital Francisco José de Caldas. Narra la historia de una familia que se enfrenta a la posible paternidad de uno de sus hijos. Hecho que desata una serie de preguntas y situaciones que reflexionan sobre las condiciones idóneas de vida que debe tener una persona en condición de discapacidad.Con una gran dosis de humor, donde se burlan de sus propias carencias, pero también de fortaleza para afrontar los desafíos planteados en la obra y en sus vidas, Cristina Velandia, Pedro y David Quintero, Pilar Barragán y José Richard Gallego llevan al público en un viaje único y conmovedor. A partir de diálogos cortos y acciones precisas, que reflejan sus experiencias diarias, buscan dar otra mirada a esta condición, así como sensibilizar a los espectadores de sus necesidades y capacidades.El proceso de creación de la obra implicó una inmersión profunda en las vidas y particularidades de cada uno de los actores. Para entender que Pedro y José Richard, padecen el Síndrome de Usher, una enfermedad hereditaria que causa sordera temprana y deterioro de la visión, o que David tiene Glaucoma Congénito con pérdida auditiva desde su nacimiento. Además, cada uno, necesita un sistema de comunicación diferente como: voz amplificada, escritura en la palma de la mano, braille manual o lengua de señas, por lo cual están en permanente acompañamiento de los guias - intérpretes Jennifer Villamil, Katherine González y Enrique King, ellos logran aterrizar el universo teatral al de las señas.Aunque se han superado obstáculos, llevar este proyecto al escenario no fue una tarea sencilla. En Bogotá más de 18,000 personas en condición de sordoceguera enfrentan diariamente dificultades para acceder a la educación, encontrar oportunidades laborales, lidiar con una infraestructura pública inadecuada y prejuicios por parte de las personas regulares. Por eso “Con Sentidos”, desea crear emociones profundas.“La intención es evitar la victimización de la discapacidad y, en su lugar, mostrar a los personajes como seres humanos, personas creativas, con una capacidad de imaginar muy alta y que cuentan con un universo sensorial único. Que despiertan empatía en el público, pero sin provocar lástima”, afirma Rodrigo Susa, quien asume junto a Sara Barbosa la dirección de este proceso, el cual surge en el 2015 como un espacio para la utilización del tiempo libre para personas en condición de sordoceguera, donde el teatro y el arte se convirtió en la principal herramienta.CON SENTIDOS - Entrada LibreFunción 1: Universidad Pedagógica Nacional - calle 72 #11-86 TORREÓN B323, viernes 20 de octubre a las 3:00 p.mFunción 2: Universidad Nacional Abierta y a Distancia - Calle 14 Sur #14-23 - miércoles 25 de octubre a las 11:00 a.mFunción 3: Universidad Distrital Francisco José de Caldas - Sede Aduanilla de Paiba- Cl. 13 #31-75 – miércoles 25 de octubre a las 3:00 p.m
Nacido en Buenos Aires en 1932, Jorge Lavelli viajó a París para estudiar con Charles Dullin y Jacques Lecoq.En 1963 se dio a conocer en Francia con su versión de "Boda" del polaco Wiltold Gombrowicz, que le mereció el gran premio de puesta en escena en un concurso de compañías jóvenes.Naturalizado francés en 1977, fundó una década después y dirigió hasta 1996 el teatro parisino de La Colina, dedicada a la dramaturgia contemporánea.Lavelli creó un estilo propio a la hora de sorprender al espectador con efectos de escena inesperados. Reveló al mundo la obra de Gombrowicz o del argentino Copi, que mezclaba humor y tragedia."El teatro no es hablar, lo que tiene importancia para el actor es expresar, significar algo, entrar y salir de un mundo complejo, pero siempre sorprender. Yo sería capaz de poner en escena la guía telefónica", dijo Lavelli en 2015.Puso en escena a los más grandes del siglo XX, entre ellos Eugène Ionesco, Fernando Arrabal, Lars Noren, Pierre Bourgeade o Serge Rezvani. Firmó puestas en escena del repertorio lírico para la Ópera de París o el Teatro Colón de Buenos Aires, donde en 2014 puso en escena Idomeneo, de Mozart.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
Perplejos y llenos de curiosidad, aunque estén apurados por llegar a la oficina o volver a casa, quienes pasan por el Teatro Solís se detienen sin dudarlo a observar y fotografiar el conjunto de plantas que cubre la fachada que encabeza en letras blancas un "Macondo". Tocar el hielo"Muchos años después, frente al pelotón de fusilamiento, el coronel Aureliano Buendía había de recordar aquella tarde remota en que su padre lo llevó a conocer el hielo". Así comienza la novela que da pie a una obra donde antes de ir a la sala se puede desde tocar el hielo hasta conocer a los gitanos macondianos y que se autodefine como "una aventura del sí".Así al menos lo asegura a EFE la dramaturga Marianella Morena, quien junto a Paula Villalba dirige el espectáculo de la Comedia Nacional -elenco estable de la capital- estrenado el pasado domingo y destaca cómo hacer esta obra fue evitar decir "no" y animarse a hacer algo innovador."Es un canto literalmente a la libertad, a una forma de pensar, crear y producir desde lo polifónico, donde hay un colectivo enorme de artistas que trabajamos para proyectar, pensar y relacionarnos con un material previo", dice, y la compara, por "completamente experimental", con un laboratorio armado "en tiempo récord".Sobre cómo dio con la idea germinal del proyecto, que trasciende lo teatral al rodearse de charlas, conciertos, talleres y otras actividades, el director de la Comedia Nacional, Gabriel Calderón, explica que fue en la planeación de una temporada dedicada a los "nuevos clásicos", cuando se mencionó a "100 años de soledad"."Tuve hace años un proyecto con el Teatro Nacional de Croacia, que me había invitado junto a un director argentino amigo, Luciano Delprato, a hacer '100 años de soledad' y en ese momento no lo llegamos a hacer pero habíamos planteado hacer 100 monólogos en el teatro. Con esto empezó la idea", cuenta.Después, añade, pasó "lo que pasa cuando invitas a artistas", aportaron muchas nuevas ideas y se solidificó la de que, como la novela leída en voz alta "lleva 14 horas" y era "imposible" escenificarla, unos 40 autores latinoamericanos aportaran textos para montar una versión propia."Transportar 100 años de soledad literariamente a la obra de teatro era algo que no queríamos hacer, nos decíamos 'quien quiera ver 100 años de soledad que se compre el libro y la lea, que está ahí es perfecta, nosotros tenemos que hacer otra cosa'", remarca Calderón. ¿Rosie la remachadora o Úrsula Iguarán?Bajo la araña de cristal del Teatro Solís, que quedó dentro de una tienda hecha de coloridas telas, una gitana invita a conocer el futuro. Junto a ella unas hojas cuentan historias: la cubana Elaine Vilar, el colombiano Fabio Rubiano o la uruguaya Fernanda Trias juegan con los personajes de la insigne novela garciamarquiana."Esa posibilidad de pensar también un espectáculo que se va escribiendo y se va creando sobre la marcha habilita poder introducir estas otras miradas, 'yo lo miro desde acá', 'yo ingreso esta otra posibilidad'", acota Morena, quien señala que toda revisión emergen "contextos de escritura" con los que había que dialogar.Así, sobre el carácter feminista que acompaña una puesta musicalizada a la vez por la Banda Sinfónica y la Orquesta Filarmónica y donde hay desde canto hasta intervención audiovisual, dice que no fue "una decisión" sino que se dio por la cantidad de personajes femeninos, Úrsula Iguarán, Rebeca, Amaranta, Remedios, Pilar Ternera, entre otras."Ese fue el germen o el generador de que aparecieran tres Úsurlas, que aparecieran tres Rebecas o que aparecieran textos que tienen un perfil muy feminista", expresa quien dice haber imaginado que habría "una manifestación feminista en la puerta" contra algunos de los textos basados en la novela de 1967.A lo que el embajador de Colombia en Uruguay, Juan José Quintana recuerda que García Márquez es "el colombiano más importante de la historia", pues "escribía tocado por la gloria", revela que le sorprendió "mucho" el multifacético abordaje de "Macondo"."No tengo duda que va a generar reacciones críticas, porque contiene mensajes políticos, de género, de sátira (...); seguramente habrá gente que no comparta todos, pero pues es arte, representación cultural y claramente el cielo es el límite", redondea.En esto coincide con Moreno, quien preguntada sobre la posibilidad de llevar la obra fuera de Uruguay dice que por ahora no existe y reivindica lo significativo de que, en su lugar, se viaje para verla."(En Uruguay) estamos muy acostumbrados a generar turismo, vamos a ver espectáculos, y está bueno también que se empiece a concebir que Montevideo puede ser un foco de atracción turística a nivel de espectáculos, como lo es Buenos Aires, entonces que vengan a vernos", invita.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
1. Niklas Sivelöv y la Filarmónica de Bogotá: un repaso por Beethoven desde el piano y la orquesta.Como uno de los principales músicos escandinavos en la actualidad, el pianista y compositor Niklas Sivelöv ha llevado su carrera a insospechadas alturas internacionales con un extenso catálogo de grabaciones para prestigiosos sellos y con presentaciones constantes en cuatro de los cinco continentes.Ahora llega a Colombia para interpretar dos de los principales conciertos para piano y orquesta de Ludwig van Beethoven (1770 - 1827) y lo hará al lado de la Filarmónica de Bogotá, con la guía de su director titular, Joachim Gustafsson. El programa para este sábado 7 de octubre a las 4.00 p.m. en el Auditorio Fabio Lozano (Universidad Jorge Tadeo Lozano) se complementa con dos oberturas del mismo compositor: “Las ruinas de Atenas” y “Egmont”.Beethoven jugó un papel fundamental en el desarrollo del repertorio para piano y del instrumento mismo. Muy populares son sus 32 sonatas y los cinco conciertos para piano que compuso, y que muestran la evolución de su estilo a lo largo de los años. El Concierto para piano y orquesta N. 2 en si bemol mayor, Op. 19 lo empezó a componer en 1787 cuando tenía 17 años y aún vivía en Bonn.El Concierto para piano N. 24 de Mozart, fue el modelo para el Concierto para piano y orquesta N.3 en Do menor, Op. 37. Los primeros bocetos de Beethoven datan de 1796 y la obra se estrenó en Viena el 5 de abril de 1803 con el propio autor como solista en una presentación que incluyó también su segunda sinfonía y su oratorio “Cristo en el monte de los olivos”.2. Esquina BerlínLou Reed. Una Calle. Un vidrio roto. Agujas. Cigarillos. Leche. Rock, mucho rock. Berlín como una historia de amor. Será en el Teatro Libre del Centro estreno 8 de octubre a las 8:00 p.m. 3. Exposición BrumaLa curaduría de la obra de Ben Rivers, fue hecha por Diana Bustamante. El artista y cineasta, combina el cine, la fotografía y el arte experimental. Será en la Cinemateca Distrital de martes a viernes 2:00 p.m. a 6:00 p.m. sábados, domingos y festivos de 11:00 a.m. a 6:00 p.m.4. Concierto de Katie JamesEste 7 de octubre en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán se presenta la cantante. katie James nació en la pequeña isla irlandesa de Inishfree y llegó a Colombia cuando tenía tan solo 2 años, junto a su familia. Su madre, de origen inglés, y su padre, irlandés, fundaron una comunidad hippie anglo-irlandesa llamada "Atlantis" en las montañas del Tolima, donde Katie creció.
El Festival Internacional de Títeres Manuelucho"consta de 25 funciones a cargo de cinco compañías internacionales provenientes de España, México, Argentina, Bolivia y Venezuela. Por Colombia se harán presentes agrupaciones de Medellín, Bogotá y Tunja, del 6 al 29 de octubre en la sala de la Libélula Dorada. Además, este año se suma La sala Gaitán y la red de escenarios del distrito, permitiendo que más público pueda vivir una experiencia inolvidable.El Festival Internacional de Títeres Manuelucho de la Libélula Dorada, es una ventana que revela la diversidad y riqueza cultural de diferentes partes del mundo. Cada obra promete ser una experiencia inolvidable para los asistentes, quienes podrán disfrutar de lo mejor del teatro de muñecos y descubrir el encanto, la creatividad y la magia inherente a esta ancestral forma de expresión artística. “Las obras más interesantes y seductoras son aquellas que logran contar algo que valga la pena descubrir y conocer. Eso implica contarlas desde una forma que ojalá no se le haya ocurrido ni imaginado a nadie. Esto significa potenciar la imaginación para escapar de los lugares comunes”, afirma Iván Álvarez, titiritero y cofundador de La Libélula Dorada, que año tras año se preocupa por incluir dentro de la programación del evento nuevos montajes y propuestas.Es así, como este año llega desde España, el grupo La Sonrisa del Lagarto, una compañía teatral hispano-brasileña creada por dos actrices, directoras y dramaturgas con la obra La mona Simona. Un espectáculo inspirado en la amistad y el amor a la naturaleza. Innovador al mezclar técnicas del teatro de sombras chinescas, títeres, la narración e interpretación. México estará presente con La carpa de los 2 colores del grupo Guiñoleros UAS y El día en que el mundo se llenó de tortugas del colectivo Mano y contramano, bajo la dirección de Carlos Converso. La primera es la historia de dos circos que buscan instalarse en un pueblo ante la oposición de un vecino gruñón. La segunda obra es un cuento a manera de parábola con animales que habla sobre el obstinado deseo de vivir muchos años. Ambos grupos con propuestas artísticas enfocadas en fortalecer la función social del teatro de títeres.Paralamano, representa a Bolivia desde hace veintitrés años y se hace presente en el Festival con Una ratita presumida, la historia de Tita, quien espera encontrar a alguien que le invite a tomar té, para su desgracia lo único que consigue es la invitación de un ratón a pasear en bicicleta. Cuentos del sombrero y del viento desde Venezuela, un grupo con amplia experiencia que ha presentado sus trabajos en diferentes países trae una propuesta que combina actuación, títeres y narración escénica en Los amigos del río.Por Colombia hace parte de la programación El que nada sabe como que no ve, de la agrupación colombiana El Carriel, fundada en el año 1980 por Julio César Quecán, en Tunja. Obra que resalta el valor de la amistad y su importancia al momento de desarrollar cómo individuos el sentido de pertenencia con la comunidad. Desde Medellín, Jabrú Teatro de títeres presenta Navegante de papel, donde una titiritera y un titiritero a través del papel construyen al protagonista de esta historia quien con sus pequeñas máscaras pintadas con marcador regala a los observadores distintas emociones. Jabrú, apuesta por una dramaturgia que genera una experiencia artística a través de la estimulación de la capacidad de imaginar.De Bogotá, Teatro Comunidad presenta Macondo, El cuento que se llevó el viento, un acercamiento al realismo mágico de la obra del Nobel Gabriel García Márquez; con música y títeres los comediantes cuentan, cantan, narran, actúan, ilustran y maromean la historia de Macondo y de la familia Buendía. Los anfitriones, La Libélula Dorada con César e Iván Álvarez en el escenario presentarán: La rebelión de los títeres y los héroes que vencieron todo menos el miedo y La increíble historia de la nariz del Dr. Freud.Además, en esta edición, se rendirá homenaje al maestro, director, dramaturgo, gestor y titiritero Julio Quecán, director del Grupo el Carriel de Tunja, por cincuenta años de vida artística. Este reconocimiento busca visibilizar y exaltar la trayectoria de quienes con su labor han contribuido al desarrollo del teatro de títeres en Colombia. Además, a la par de las funciones tendrá lugar la clase magistral a cargo de Iván Darío Álvarez: ¿Cómo abordar desde la escritura los procesos creadores? y el taller El trabajo del director en el teatro de títeres con el maestro internacional Carlos Converso.Es así como año, tras año, El Festival rinde homenaje al personaje Manuelucho Sepúlveda, creado en 1916 por Sergio Londoño en Manizales, con el fin de retornar a esa magia que tienen los títeres, tal como explica Iván Álvarez: “Escapar del mundo de lo real, hacernos sentir en otra dimensión. El títere es por eso una creatura fantástica que va más allá de lo humano, siempre convoca a la imaginación, a realizar lo imposible, a subvertir lo unidimensional. El simple hecho de que un muñeco se convierta en imagen, que hable o se mueva con gracia ya encanta y embruja”.Cabe resaltar que El Festival Internacional de Títeres Manuelucho es un evento que cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura, Idartes y Bibliored; Además es reconocido como evento de impacto metropolitano por La Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte del Distrito.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
El actor británico Bernard Hill interpretó al capitán Edward Smith en el filme sobre la tragedia del transatlántico ganadora del Óscar en 1997 y también al rey Théoden en la trilogía de El Señor de los Anillos.Ha sido el único actor que ha aparecido en dos películas que ganaron once Óscar de la Academia de Hollywood cada una, en El Señor de los Anillos: el retorno del rey y Titanic.Entre otras actuaciones, destaca la de Yosser Hughes, un personaje cuya vida se desmorona en el programa Boys from the Blackstuff de los pasados años 80.Nacido en la localidad de Blackley (norte de Inglaterra) el 17 de diciembre de 1944, el actor creció en el entorno de una familia católica de mineros y desde edad temprana se inclinó por el arte dramático, lo que le llevó a estudiar en Escuela Politécnica de Drama de Manchester. Estaba casado con la actriz Marianna Hill.También dio vida al sargento Putnam en el filme Gandhi, de 1982, dirigido por el cineasta Richard Attenborough, mientras que hizo papeles pequeños en varios programas dramáticos en la televisión británica, como en I, Claudius (1976), como el personaje de Gratus.Entre otros trabajos, se puso en la piel de Thomas Howard, tercer duque de Norfolk, en la adaptación de la BBC en seis partes de las novela de la escritora Hilary Mantel Wolf Hall.La actriz Barbara Dickson, que protagonizó con él un musical basado en los Beatles, estuvo entre los que este domingo le rindieron homenaje y lo describió como un "actor maravilloso" en la red social X."Con gran tristeza conozco la muerte de Bernard Hill. Trabajamos juntos en John, Paul, George, Ringo y Bert, (por) Willy Russell, maravilloso espectáculo 1974-1975. Un actor realmente maravilloso. Fue un privilegio haberme cruzado con él. Benny x", agregó.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La directora de BBC Drama, Lindsay Salt, dijo hoy que Hill "abrió un camino en la pantalla y su duradera carrera llena de papeles icónicos y notables es un testimonio de su increíble talento".Desde Boys from the Blackstuff hasta Wolf Hall, y muchos más, "nos sentimos realmente honrados de haber trabajado con Bernard en la BBC. Nuestros pensamientos están con sus seres queridos en este momento triste", agregó Salt.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Según Graham Sadler (estudioso de la música francesa): "Un melómano francés del siglo XVIII seguramente se sorprendería de la escasa atención prestada a Mondonville en nuestro siglo. Se trataba de un hombre que ocupaba algunos de los cargos musicales más prestigiosos de Francia, un hombre que, en su apogeo, era considerado casi igual a Rameau como compositor de ópera y muy superior a él en el ámbito del motete.Sin embargo, hasta los últimos años las representaciones modernas han sido raras. Una razón de este abandono es que la música de Mondonville no siempre parece especialmente interesante en la página. Sin embargo, en la interpretación cobra vida de una manera sorprendentemente directa". Les fêtes de Paphos se representó por primera vez en la Académie Royale de Musique de París el 9 de mayo de 1758 y fue un éxito popular. Así disfrutó de veintinueve representaciones consecutivas y, aunque sólo se revivió el tercer acto, la popularidad del conjunto nunca estuvo en duda.Les Fêtes de Paphos, aunque se describe en la portada como un ballet heroico, se clasifica mejor como una ópera-ballet.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Aquí el argumento y acción de este primer acto:Marte, el dios de la guerra, decide seducir a Venus, pero primero debe deshacerse de Adonis, el rival a quien Venus ama. A pesar de las protestas de Venus, Adonis con un grupo de cazadores va a destruir un monstruo temible que aterroriza al vecindario, pero él mismo resulta herido de muerte. Cuando exhala su último suspiro, Venus lo transforma en una anémona. Marte, no contento con la muerte de su rival, desea destruir la flor, pero el propio Júpiter interviene para devolverle la vida a Adonis. Marte se va, amenazando con que las furias de la guerra lleguen hasta el cielo. Venus y Adonis, junto con las Ninfas y las Gracias, celebran su amor.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 5 de mayo a las 9:00 p. m. por la señal en vivo de la HJCK.
Hablamos con la docente Catalina González, docente del programa de diseño de modas de la Universidad ECCI. El diseño de modas, no solo inspirado en las tendencias, lo que está de moda digámoslo así, sino en el bienestar de ciertas poblaciones que tienen unas dificultades determinadas y hablamos de las mujeres que han sufrido cáncer de seno y que ustedes han pensado, no solo qué ropa les sirve, sino cómo apoyarlas. Quisiera que me hablaras de este proyecto. Este proyecto básicamente se centra en desarrollar una cartilla como asesoría de imagen para este tipo de mujeres que han sufrido cáncer de mama que han pasado por una mastectomía radical. Esta cartilla está enfocada en todo lo que es el análisis de su imagen, de enfrentarse nuevamente a lo que son ellas después de este tipo de cirugías. Hablamos sobre el uso de maquillaje, el uso de prendas y adicional a eso contamos también con un apoyo a nivel de psicología para enfrentar todas estas barreras que se tienen a nivel de autoestima y de encontrar nuevamente su rol en la sociedad.Catalina, a veces uno piensa que la ropa es solo ropa y ya y lo hemos hablado con la profesora Alexandra que es la directora de diseño de modas aquí en la ECCI, pero en estos casos la ropa también suple un tema de autoestima y también sirve para decirle a la mujer que no está incompleta. Porque luego de una mastectomía pues ya sabemos la cosas que hay frente al espejo y cuán duro nos puede dar ese reconocimiento. Buscamos que con las prendas que ellas tienen en su guardarropa se sientan seguras y proyecten su nueva imagen a partir de esta cirugía. Entonces, la idea es que no es un un prototipo que nos va a llenar ese vacío porque muchas mujeres pueden utilizar prótesis hay otras que deciden no utilizarlas, la idea es que esas prendas ellas las lleven con poder, con empoderamiento, por ese motivo es importante el apoyo psicológico porque se trabaja desde la parte interna hacia la parte externa y así mismo poder proyectar esa nueva imagen.💬Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.Cuénteme de las prendas, pues sabemos que otras universidades también habían repensado. El tema sobre brasieres, por ejemplo, prendas íntimas, ¿cómo se diseñan estas prendas, qué tienen de particular?Bueno pues conozco de un prototipo que se elaboró que es un brasier, pues es un tejido especial para el proceso de cicatrización para ayudar en ese en postoperatorio y en ese proceso pues nosotros intentamos también desarrollar algunos prototipos de prenda, pero encontramos fue esa debilidad a nivel psicológico, a nivel emocional, que las mujeres necesitaban retomar nuevamente su imagen. El tema de la cartilla, ¿cómo lo elaboraron, cómo fue ese proceso? Bueno actualmente estamos en la prueba de aplicación con las mujeres y a partir de toda esa asesoría esperamos sacar como tal el resultado que es la cartilla. La cartilla básicamente sería: si tienes este tipo de piel puedes utilizar este tipo de prendas, los colores que puedes utilizar son estos... a nivel de accesorios a nivel de maquillaje. Incluso hay un estudiante que también está trabajando con nosotros sobre el tema de la colorimetría para este tipo de mujeres porque las mujeres cuando se enfrentan a quimioterapias o después de un postoperatorio su piel tiende a ponerse un poco más pálida, entonces la idea es que por medio de estos colores de las prendas se realce nuevamente su color natural.¿Cuál es el futuro de este proyecto? ¿Cómo se lo imaginan desde la ECCI?Estamos en conversaciones con el Instituto Nacional de Cancerología porque ellos son los que nos van a dar esa población donde vamos a aplicar realmente esta cartilla y ya a partir de ese estudio de la evaluación que ellas mismas nos hagan. La idea es empezar a replicarlo a otras comunidades, a otras instituciones que puedan colaborarnos con esta población.Catalina yo quisiera que me contarás sobre tu experiencia personal en este proyecto. No como una mujer, también una diseñadora. Impacta, impacta bastante. Darse una cuenta todo lo que puede llegar a dañar a nivel psicológico y a nivel físico este tipo de condiciones de salud, adicional a esto tener un poco más de conciencia, como lo decías al inicio, la moda no es solamente las prendas, la tendencia, sino darle un sentido social a esa prenda, a ese color que vamos a usar de temporada que realmente permita que esa mujer que lo tiene se proyecte y se afiance nuevamente como un rol femenino en la sociedad.Más allá de las mujeres también es un proyecto para las familias. Creo que es una posibilidad para apoyar a su mamá, a su abuela, a su tía, su hermana o a una misma ,una mejor amiga. Se vuelve casi que un impacto más grande que la única persona. No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Spencer Throckmorton, dueño de esta galería del este de Manhattan, cuenta que en 1977 compró una foto de Frida a su sobrina-nieta Cristina sin apenas conocerla y desde entonces ha recorrido el mundo sumando más y convirtiéndose en un experto sobre su vida y obra, incluso descubriendo títulos perdidos.Con su perro descansando a los pies, abre un grueso monográfico de Taschen en el que ha colaborado y muestra las imágenes de dos cuadros que halló: Congreso de los pueblos por la paz (1952) y otro sin firmar: "el ultimísimo" de su vida y "premonitorio", dice, pues el cabello de la pintora, que fue cremada, luce en llamas."Simplemente me enamoré de Frida", resume el galerista, especializado en fotografía latinoamericana y que buscaba fotos tomadas por el padre de la fotografía mexicana Manuel Álvarez Bravo cuando se topó con su retrato de Frida posando con una esfera, que despertó su interés en la exponente del surrealismo.Throckmorton, que pronto aparecerá en un documental sobre Frida al que ha cedido fotos, asegura que la fotografía fue muy importante para esta, pues empezó a pintar retocando las fotos de su padre, el fotógrafo Guillermo Kahlo, a los 8 años, y gracias a él aprendió a posar como lo hizo para numerosos fotógrafos.Nombres como Fritz Henle, Lucienne Bloch, Bernard Silberstein, Leo Matiz o Nickolas Murray, este último su amante, retratan a Frida seria, sonriente, desinhibida, fumando, mostrando sus cuadros y posesiones, y feliz junto al muralista Diego Rivera, probablemente el hombre de su vida, con el que se casó dos veces.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre las rarezas a la vista en la sala, hay tres pequeñas fotos de Frida tomadas por Edward Weston que esconden secretos: la artista dibujó en su reverso pies, manos, ojos y lágrimas; también hay una foto sin firmar en la que Frida, Diego y sus amigos observan un eclipse solar en 1932.Throckmorton va divulgando precios a un marchante interesado -50.000 dólares esta foto, 60.000 aquella- pero asegura que le cuesta despedirse de las obras, por lo que mantiene una selección personal "única" en la que cuenta con fotos tempranas de Frida, con dos y tres años, y tardías, en su lecho de muerte.Y vaticina que seguirá coleccionando fotografías de Frida, de quien le fascina, sobre todo, su "intelecto", revela.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Todo el disco está recorrido por la idea de la madurez de la cantante en el ámbito de los vínculos sentimentales, en un momento en el que sabe lo que quiere, como muestra, por ejemplo, en Training season, donde enumera una serie de sus requisitos para establecer una relación."¿Eres alguien que puede darme eso? No quiero tener que enseñarte; si no eres tú, házmelo saber porque la temporada de entrenamiento ya acabó", canta la artista en este sencillo, que sirvió de anticipo del álbum junto a Houdini e Illusion."Escribir estas canciones es una forma de terapia para mí; escribir tus pensamientos y convertirlos en melodía para que otra gente los consuma me hace sentir vulnerable", dijo en una entrevista publicada dos días antes del estreno por Apple Music.Acorde al títuloDua Lipa cumple lo que promete con el título del disco, y lo hace desde la carátula del álbum —en la que aparece relajada en una piscina observando cómo un tiburón nada a su lado— hasta en su propia página web, donde llama a "registrarse para el optimismo".El concepto que da nombre al álbum le llegó a través de un amigo, quien, durante una entrevista, le dijo que lo que el mundo necesitaba era optimismo radical."Es la idea de seguir pese a los golpes y no dejar que nada te desanime por mucho tiempo", expresó la artista en la conversación con el DJ Zane Lowe, algo que califica como una "parte fundamental del proceso de crecer y madurar".Este optimismo radical que la artista defiende va más allá de las relaciones amorosas y pasa por amistades y otros tipos de vínculos, a los que Dua Lipa mira "en perspectiva", un término que para ella equivale a la madurez emocional.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Pienso mucho sobre emociones, sentimientos, pensamientos… sobre cómo me hace sentir a mí y a otras personas cuando escuchan una canción", razonó.Evolución y crecimientoEn los aproximadamente cuarenta minutos de Radical Optimism de Dua Lipa, la artista se abre más que nunca, en un momento en el que considera que ha encontrado su voz y ese sentido de la felicidad en el que "lo que te corresponde, será para ti".Esta evolución se puede percibir en especial en las dos canciones que cierran el disco.En Maria, la cantante de origen albanokosovar agradece a quienes forman parte del pasado y de los que se aprende —"Te lo debo, el mayor cariño siempre tiene una razón, yo también soy mejor por las personas a las que perdí"—, mientras que en 'Happy for you' también se alegra de cómo alguien que estuvo en su vida está feliz junto a otra persona."No habría sido capaz de escribir esa canción en mis primeros discos porque creo que no había crecido suficiente como persona o como artista para ver cómo alguien a quien quería pasaba página", dijo sobre esta última.Destino, GlastonburyEste verano, Dua Lipa actuará en el Mad Cool en Madrid el 10 de julio y en el NOS Alive de Lisboa el 12 de julio.Días antes, el 28 de junio, encabezará el cartel del festival de Glastonbury, en la localidad británica del mismo nombre y al que dedica la mitad de sus pensamientos diarios, como reconoció en una entrevista para la BBC.De hecho, lo califica como su barómetro, con el que mide si una canción merece estar en el álbum al compararla con cómo sonaría en el festival.En Radical Optimism, la artista deja de lado algunos ritmos electrónicos por ordenador para sustituirlos por instrumentos en directo, logrando lo que ella definió como "pop alternativo, pero con un toque psicodélico"."Por fin estoy en un momento de mi carrera donde me siento muy segura de mí misma; me ha costado mucho llegar hasta aquí", aseguró en la BBC la artista.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.