1. Niklas Sivelöv y la Filarmónica de Bogotá: un repaso por Beethoven desde el piano y la orquesta.Como uno de los principales músicos escandinavos en la actualidad, el pianista y compositor Niklas Sivelöv ha llevado su carrera a insospechadas alturas internacionales con un extenso catálogo de grabaciones para prestigiosos sellos y con presentaciones constantes en cuatro de los cinco continentes.Ahora llega a Colombia para interpretar dos de los principales conciertos para piano y orquesta de Ludwig van Beethoven (1770 - 1827) y lo hará al lado de la Filarmónica de Bogotá, con la guía de su director titular, Joachim Gustafsson. El programa para este sábado 7 de octubre a las 4.00 p.m. en el Auditorio Fabio Lozano (Universidad Jorge Tadeo Lozano) se complementa con dos oberturas del mismo compositor: “Las ruinas de Atenas” y “Egmont”.Beethoven jugó un papel fundamental en el desarrollo del repertorio para piano y del instrumento mismo. Muy populares son sus 32 sonatas y los cinco conciertos para piano que compuso, y que muestran la evolución de su estilo a lo largo de los años. El Concierto para piano y orquesta N. 2 en si bemol mayor, Op. 19 lo empezó a componer en 1787 cuando tenía 17 años y aún vivía en Bonn.El Concierto para piano N. 24 de Mozart, fue el modelo para el Concierto para piano y orquesta N.3 en Do menor, Op. 37. Los primeros bocetos de Beethoven datan de 1796 y la obra se estrenó en Viena el 5 de abril de 1803 con el propio autor como solista en una presentación que incluyó también su segunda sinfonía y su oratorio “Cristo en el monte de los olivos”.2. Esquina BerlínLou Reed. Una Calle. Un vidrio roto. Agujas. Cigarillos. Leche. Rock, mucho rock. Berlín como una historia de amor. Será en el Teatro Libre del Centro estreno 8 de octubre a las 8:00 p.m. 3. Exposición BrumaLa curaduría de la obra de Ben Rivers, fue hecha por Diana Bustamante. El artista y cineasta, combina el cine, la fotografía y el arte experimental. Será en la Cinemateca Distrital de martes a viernes 2:00 p.m. a 6:00 p.m. sábados, domingos y festivos de 11:00 a.m. a 6:00 p.m.4. Concierto de Katie JamesEste 7 de octubre en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán se presenta la cantante. katie James nació en la pequeña isla irlandesa de Inishfree y llegó a Colombia cuando tenía tan solo 2 años, junto a su familia. Su madre, de origen inglés, y su padre, irlandés, fundaron una comunidad hippie anglo-irlandesa llamada "Atlantis" en las montañas del Tolima, donde Katie creció.
El Festival Internacional de Títeres Manuelucho"consta de 25 funciones a cargo de cinco compañías internacionales provenientes de España, México, Argentina, Bolivia y Venezuela. Por Colombia se harán presentes agrupaciones de Medellín, Bogotá y Tunja, del 6 al 29 de octubre en la sala de la Libélula Dorada. Además, este año se suma La sala Gaitán y la red de escenarios del distrito, permitiendo que más público pueda vivir una experiencia inolvidable.El Festival Internacional de Títeres Manuelucho de la Libélula Dorada, es una ventana que revela la diversidad y riqueza cultural de diferentes partes del mundo. Cada obra promete ser una experiencia inolvidable para los asistentes, quienes podrán disfrutar de lo mejor del teatro de muñecos y descubrir el encanto, la creatividad y la magia inherente a esta ancestral forma de expresión artística. “Las obras más interesantes y seductoras son aquellas que logran contar algo que valga la pena descubrir y conocer. Eso implica contarlas desde una forma que ojalá no se le haya ocurrido ni imaginado a nadie. Esto significa potenciar la imaginación para escapar de los lugares comunes”, afirma Iván Álvarez, titiritero y cofundador de La Libélula Dorada, que año tras año se preocupa por incluir dentro de la programación del evento nuevos montajes y propuestas.Es así, como este año llega desde España, el grupo La Sonrisa del Lagarto, una compañía teatral hispano-brasileña creada por dos actrices, directoras y dramaturgas con la obra La mona Simona. Un espectáculo inspirado en la amistad y el amor a la naturaleza. Innovador al mezclar técnicas del teatro de sombras chinescas, títeres, la narración e interpretación. México estará presente con La carpa de los 2 colores del grupo Guiñoleros UAS y El día en que el mundo se llenó de tortugas del colectivo Mano y contramano, bajo la dirección de Carlos Converso. La primera es la historia de dos circos que buscan instalarse en un pueblo ante la oposición de un vecino gruñón. La segunda obra es un cuento a manera de parábola con animales que habla sobre el obstinado deseo de vivir muchos años. Ambos grupos con propuestas artísticas enfocadas en fortalecer la función social del teatro de títeres.Paralamano, representa a Bolivia desde hace veintitrés años y se hace presente en el Festival con Una ratita presumida, la historia de Tita, quien espera encontrar a alguien que le invite a tomar té, para su desgracia lo único que consigue es la invitación de un ratón a pasear en bicicleta. Cuentos del sombrero y del viento desde Venezuela, un grupo con amplia experiencia que ha presentado sus trabajos en diferentes países trae una propuesta que combina actuación, títeres y narración escénica en Los amigos del río.Por Colombia hace parte de la programación El que nada sabe como que no ve, de la agrupación colombiana El Carriel, fundada en el año 1980 por Julio César Quecán, en Tunja. Obra que resalta el valor de la amistad y su importancia al momento de desarrollar cómo individuos el sentido de pertenencia con la comunidad. Desde Medellín, Jabrú Teatro de títeres presenta Navegante de papel, donde una titiritera y un titiritero a través del papel construyen al protagonista de esta historia quien con sus pequeñas máscaras pintadas con marcador regala a los observadores distintas emociones. Jabrú, apuesta por una dramaturgia que genera una experiencia artística a través de la estimulación de la capacidad de imaginar.De Bogotá, Teatro Comunidad presenta Macondo, El cuento que se llevó el viento, un acercamiento al realismo mágico de la obra del Nobel Gabriel García Márquez; con música y títeres los comediantes cuentan, cantan, narran, actúan, ilustran y maromean la historia de Macondo y de la familia Buendía. Los anfitriones, La Libélula Dorada con César e Iván Álvarez en el escenario presentarán: La rebelión de los títeres y los héroes que vencieron todo menos el miedo y La increíble historia de la nariz del Dr. Freud.Además, en esta edición, se rendirá homenaje al maestro, director, dramaturgo, gestor y titiritero Julio Quecán, director del Grupo el Carriel de Tunja, por cincuenta años de vida artística. Este reconocimiento busca visibilizar y exaltar la trayectoria de quienes con su labor han contribuido al desarrollo del teatro de títeres en Colombia. Además, a la par de las funciones tendrá lugar la clase magistral a cargo de Iván Darío Álvarez: ¿Cómo abordar desde la escritura los procesos creadores? y el taller El trabajo del director en el teatro de títeres con el maestro internacional Carlos Converso.Es así como año, tras año, El Festival rinde homenaje al personaje Manuelucho Sepúlveda, creado en 1916 por Sergio Londoño en Manizales, con el fin de retornar a esa magia que tienen los títeres, tal como explica Iván Álvarez: “Escapar del mundo de lo real, hacernos sentir en otra dimensión. El títere es por eso una creatura fantástica que va más allá de lo humano, siempre convoca a la imaginación, a realizar lo imposible, a subvertir lo unidimensional. El simple hecho de que un muñeco se convierta en imagen, que hable o se mueva con gracia ya encanta y embruja”.Cabe resaltar que El Festival Internacional de Títeres Manuelucho es un evento que cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura, Idartes y Bibliored; Además es reconocido como evento de impacto metropolitano por La Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte del Distrito.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
Una ópera es una obra de teatro musical que se caracteriza por contar una historia a través del canto de los personajes y la música de fondo interpretada por una orquesta. A diferencia de otras formas de música vocal, en la ópera, la música y la narrativa se entrelazan de manera inseparable para transmitir la trama y las emociones de los personajes.Elementos de una óperaMúsica: La música es un componente fundamental de la ópera. Compositores famosos como Giuseppe Verdi, Wolfgang Amadeus Mozart y Richard Wagner han creado algunas de las obras más icónicas en este género. La música varía desde arias emotivas y duetos apasionados hasta coros majestuosos y oberturas grandiosas.Canto: Los cantantes de ópera, conocidos como "voces", desempeñan un papel central en una ópera. Sus interpretaciones vocales expresan las emociones y personalidades de los personajes. Los roles principales suelen ser desempeñados por sopranos, mezzosopranos, tenores y bajos, cada uno con su propia gama vocal distintiva.Libreto: El libreto es el texto hablado y cantado de la ópera. Está escrito en el idioma en el que se presenta la obra y proporciona la historia y los diálogos que los cantantes interpretan. El libreto a menudo se basa en obras literarias existentes o en historias originales creadas para la ópera.Escenografía y vestuario: La puesta en escena y el diseño de vestuario son elementos esenciales para dar vida a la historia. Los decorados, los trajes y la iluminación ayudan a crear la atmósfera y a transportar al espectador a la época y el lugar en que se desarrolla la trama.Orquesta: Una orquesta en vivo proporciona la música que acompaña a los cantantes y realza la experiencia auditiva de la ópera. La orquesta es dirigida por un director de orquesta, quien coordina la música con la acción en el escenario.A continuación, algunas de las óperas más famosas de diferentes épocas y estilos:"La Traviata" de Giuseppe Verdi: Esta ópera, basada en la novela "La Dama de las Camelias" de Alexandre Dumas hijo, es una de las obras más conocidas de Verdi. Narra la trágica historia de amor entre Violetta, una cortesana, y Alfredo Germont. Su emotiva música y arias como "Sempre libera" la han convertido en una de las óperas más populares."Carmen" de Georges Bizet: Esta ópera francesa es conocida por su pasión y sensualidad. La historia gira en torno a Carmen, una gitana, y su relación con el soldado Don José. La Habanera y la Seguidilla son algunas de las arias más destacadas de esta obra."La Flauta Mágica" de Wolfgang Amadeus Mozart: Esta ópera cómica es una de las obras más queridas de Mozart. Combina elementos de fantasía y masonería en su trama y presenta algunas de las arias más memorables, como "Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen"."Madama Butterfly" de Giacomo Puccini: Puccini es conocido por sus óperas emocionales y melódicas, y "Madama Butterfly" no es una excepción. Narra la desgarradora historia de Cio-Cio-San, una joven japonesa, y su amor por un oficial estadounidense. "Un bel dì vedremo" es una de las arias más conmovedoras de la ópera."Tosca" de Giacomo Puccini: Otra obra maestra de Puccini, "Tosca" es una ópera llena de pasión y tragedia. Sigue a la cantante Floria Tosca mientras lucha por salvar a su amante, Cavaradossi, de las garras del malvado barón Scarpia. "Vissi d'arte" es una de las arias más emblemáticas de la obra."El Anillo del Nibelungo" de Richard Wagner: Esta es una tetralogía de óperas que incluye "El Oro del Rin," "La Valquiria," "Siegfried" y "El Ocaso de los Dioses." Es una epopeya operística que se extiende por más de 15 horas en total y es conocida por su complejidad musical y temática."Don Giovanni" de Wolfgang Amadeus Mozart: Esta ópera se basa en las aventuras del legendario seductor Don Juan. Mozart combina música dramática y cómica en esta obra maestra."Rigoletto" de Giuseppe Verdi: Esta ópera cuenta la trágica historia de Rigoletto, el bufón de la corte del Duque de Mantua. "La donna è mobile" es una de las arias más famosas de la ópera.No olvide sincronizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
A partir de los años 60 del siglo XX, el contexto social latinoamericano se caracterizó por las dictaduras militares y la violación de derechos humanos. El teatro de esta región, influenciado por el teatro europeo de Antonin Artaud y Bertolt Brecht, asumió el compromiso político de denunciar la desigualdad económica y los abusos de poder. Se convirtió en un escenario de ideologías de izquierda e instigador de revoluciones locales, como se observa en las obras dramáticas de Santiago García y Enrique Buenaventura. Pero, también con la puesta en escena de clásicos que invitaran al público a pensarse su realidad. Esa ha sido la tarea y la propuesta del Teatro Libre.¿Cuál es la historia de “La Evitable ascensión Arturo UI"? D.B: Esta es una historia que habla de cómo alguien va cogiendo poder y cómo va invadiendo la esfera de los demás hasta llegar a tener un poder máximo, un poder que no puede ser combatido tan fácilmente. Esto de la evitable, que siempre me ha parecido una palabra extraña que puso Brecht en el título de esta obra, me hace pensar en cómo siempre que ascienden este tipo de personajes, alguien pudo hacer algo, o el pueblo, o ciertas personas pudieron hacer algo, pero no se hizo. Entonces, esta es la historia de un mafioso que tiene muy poco poder, y que, aliándose con las personas correctas, empieza a tener cada vez más y más y más poder. Empieza a manipular más y empieza a eliminar a sus adversarios y convence a los demás de que él es algo, que no es, que él representa la paz y la seguridad y a partir de esta idea va adquiriendo poder, hasta que llega a invadir a todo Estados Unidos desde Chicago.Situarse en el contexto de la obra, y sobre todo, en el de sus creadores, nos brinda elementos que posibilitan una interpretación más profunda, también, nos conduce a pensarnos en ella ¿Cuál era el contexto de Bertolt Brecht en 1941 cuando la escribió?D.B: Brecht hace una de las cosas que me parece muy inteligentes en el teatro y, es sacar la obra de la idea original, del contexto original. ¿Cuál es el contexto original? Hitler asciende al poder. Hitler se va tomando el poder y va subiendo en el partido, se hace nombrar canciller, y de ahí para adelante, pues es un proceso, que termina en el 39 siendo la Invasión a Polonia y con la Primera Guerra Mundial. Brecht tuvo que salir corriendo de Alemania en el 33 por su posición política, cuando Hitler sube al poder. Brecht es tan inteligente en ese sentido que no va a escribir una obra sobre sobre Hitler y su ascensión, sino que va a escribir una obra sacando a Hitler de ahí, cambiándole de nombre, poniéndolo en otro país, cambiándole el contexto, pero buscando casi que hacer ese paralelismo en un lugar donde nadie creería que eso podría pasar. Equiparándolo además con un mafioso, por su mentalidad por su discurso, por su manera de hacer las cosas.Si pensamos en las alegorías explícitas, por ejemplo, la de Brecht sobre Hitler y su ascenso en Alemania (quien en su política de muerte arrasaba con toda la oposición que el mismo creaba) ¿Por qué traer este clásico a la actualidad?D.B: Es algo que se sabe dentro del teatro. Si una obra llega a ser un clásico y llega a mantener en el tiempo, es porque ha trascendido las barreras del tiempo y el espacio. Brecht mismo lo demuestra cuando saca a Hitler de Alemania y lo pone en una obra. Desde ahí es muy fácil o no es complicado comparar ese proceso de Arturo Ui con lo que hemos vivido en Colombia en los últimos años. Es más, diría que para muchos países no es difícil, yo creo que cada país tiene su Arturo Ui. Cada país tiene en su momento ese proceso donde alguien se vende como el salvador, se vende como el protector de la seguridad, se vende como la panacea de la paz, y termina siendo todo lo contrario. Lo hemos visto desde ejemplos como Napoleón, como Hitler, tantos dictadores que ha tenido Latinoamérica; gente que mantiene la unidad, la paz, la región y las buenas maneras, pero terminan siendo tiranos. En Colombia no es tan difícil rastrearlo, si uno mira los procesos que hemos tenido desde 2000 para acá, y si miramos desde antes, de hecho, desde la ascensión de figuras como Pablo Escobar, que hubieran podido evitarse también, si no fuera porque una clase imperante en este país no le hubiera apoyado sus primeros cargamentos. La historia lo ha demostrado de distintas maneras y eso se puede leer en muchos libros, cómo él en sus comienzos cuando contrabandeaba Marlboro, tuvo el apoyo de gente importante y de familias prestantes, incluso de este país, cosa que era evitable también.Si lo miramos desde ahí hasta la época actual, pues hemos tenido varios personajes que se han vendido como esa panacea de la seguridad, especialmente uno. Me parece pertinente si el público lo identifica dentro de la sala. ¿Cuál es ese personaje? El que nosotros de verdad aludimos como el personaje que se vende, como el el que viene a salvar a un país en problemas y termina hundiéndolo. Lo vemos actualmente en una problemática donde no se sabe quién es el bueno y quién es el malo y todos quieren tirar para su lado y todos quieren robar para su lado. Los bandos se desbaratan y solo se piensa en la violencia, en la ambición, en la corrupción, en la guerra. La idea es que el público se siente allá e identifique, es más, que aprenda un poco, aunque para mí esta labor educativa del teatro, se la dejo más a Brecht que a mí mismo, yo creo que el público debe sacar sus propias conclusiones. Pero, nos gusta pensar en el Teatro Libre que el público se sienta ahí, entiende unas dinámicas y puede de alguna manera ponerlas como en su cabeza y llegar a sus propias conclusiones.Introduciéndonos la apuesta teatral de Bertolt Brecht, podemos notar que su teatro representaba una reacción al enfoque del drama realista desarrollado por Konstantin Stanislavski, que buscaba involucrar al público a través de la emoción y el melodrama, imitando el comportamiento humano real. En contraste, Bertolt Brecht confrontaba a la audiencia con situaciones que requerían cambios. El espectador se convertía en un participante activo, tomando decisiones a favor o en contra de lo que se presentaba en escena. ¿Qué de esta apuesta teatral de Brecht podemos ver “La evitable ascensión de Arturo UI”? y ¿qué de Brecht está en Diego Barragán?D.B: He pensado en Arturo Ui desde 2008 -2009. Empecé este proceso montado la obra con estudiantes del Teatro Libre, en el entorno académico. Yo, de verdad, rara vez quise meterme con las teorías del teatro de Brecht, y claro, ellos me preguntaban, “¿Diego, el teatro épico?, ¿Diego, el distanciamiento?”. Y, hay cosa dentro de las obras que me parece que se explican por sí solas y que funcionan mecánicamente por si solas. Personalmente, y es una visión desde mi dirección, acercarme a la teoría me da un poco de miedo; es un intento por entender al autor, pero ese intento siempre va a ser fallido. El mismo Brecht en sus escritos a lo largo de su vida se contradijo , al igual que Stanislavski y Grotowski al final. Entonces, para mí desde el principio, haciendo Arturo Ui en el entorno académico, no quise pensar en cómo el teatro épico llega al público.Yo fui formado en esta escuela del Teatro Libre por Ricardo Camacho, por Jorge plata, por Héctor Bayona, gente que empezó haciendo un teatro muy comprometido con la realidad del país. Gente que empezó en las plazas públicas enseñándole a la gente, cuál fue la gesta comunera y por qué era tan importante para la política y para los procesos políticos del siglo pasado, por qué fue tan importante todo lo que estaba pasando en los grandes latifundios de la costa y del llano. Gente que además se fue, no solamente hizo teatro aquí en Bogotá, sin conocer a los campesinos, sino que se fue con un movimiento que tuvo el MOIR, llamado “Los Descalzos”. Gente que se fue al territorio para enseñar de política y economía. Regresan a Bogotá, se reúnen y dicen “tenemos que hacer un cambio, no podemos seguir toda la vida contando las mismas historia”. Historias que incluso, a veces no alcanzamos a tocar, porque era muy difícil que un Jorge Plata o un Ricardo Camacho se parecieran a un campesino del Cauca. De alguna manera, hay una distancia y ¿qué deciden hacer? casi el mismo proceso de Brecht, distanciar la cosa y empezar a jugar con e clásico, para que a través de estos se le hablara a las personas. Yo vengo de esa corriente y, creo que hay una inteligencia suprema también en hacer eso así, como la hay, obviamente, la creación colectiva. Estos procesos teatrales que buscan que la gente vea directamente reflejada su realidad, ejemplos como Arturo Ui, son muy interesantes y son muy enriquecedores también para el público. Lo mismo hace Arthur Miller con las “Brujas de Salem”, quien vive en la época del macarthismo en Estados Unidos y ve la cacería de las brujas, cuando empiezan a cazar comunistas en un tribunal. Vive esa situación, la mastica, la mastica tanto, que la saca y la puede poner en 1792 en una provincia de Massachussets que se llama Salem, donde porque alguien empezó a gritar “¡bruja!, ¡bruja!” terminan quemando a casi todo el pueblo. Esto es aislar, poner en otro lugar y hacer que la gente piense en su realidad, a través del tiempo y el espacio, casi sin darse cuenta. Esto está en Arturo Ui, cuando la gente, al final de la obra dice “me tocó, me molestó, no estoy de acuerdo” o el extremo “viva Arturo Ui”, entonces, ahí está esa labor de ese teatro épico que golpea de frente el pecho del espectador. Pero, nunca lo pensé, ni nunca lo hablé con mis alumnos o actores del teatro épico, la obra habló por si sola.El Teatro Libre está celebrando sus 50 años de la forma que mejor lo sabe hacer, montando clásicos. “La evitable ascensión de Arturo Ui” está en temporada hasta el ocho de octubre.Viernes y sábado: 8:00 p.m.Domingos: 3:00 p.m puede comprar sus entradas aquí.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
La Compañía Nacional de las Artes (CNA) celebra diez años de trabajo artístico ininterrumpido con la inauguración de una nueva sala de teatro en la CASA CNA, la cual abre sus puertas, con la temporada de estreno del 28 de septiembre al 8 de octubre de la obra Flores para Laura. Una adaptación libre para teatro de "El zoológico de cristal" de Tennessee Williams, dirigida por Jorge Cao, reconocida figura del arte escénico latinoamericano, quien celebra 60 años de trayectoria. La pieza cuenta con la adaptación y actuación de César Morales, quien comparte el escenario con los actores Fernanda Guerra, Jacqueline Osorio y Alejandro Gómez co- fundador de la compañía.Flores para Laura ofrece una interpretación contemporánea y conmovedora de la icónica obra de Tennessee Williams, "El Zoológico de Cristal", la cual sumerge al público en la complejidad de las relaciones familiares y la lucha por la felicidad en medio de las dificultades. La adaptación del texto, realizada por Morales aporta una nueva perspectiva a esta historia atemporal, mientras que la dirección de Cao ofrece una experiencia teatral fresca y emocionante, donde se entremezclan recuerdos y momentos del presente, haciendo evidente las luchas internas y externas de los personajes, todo enmarcado en una atmosfera musical y sonora única creada por Catalina Gómez.La historia de esta obra se centra en la vida de una familia desgarrada y disfuncional. Amanda, una madre dominante y nostálgica, intenta controlar a sus hijos. Tomás, quien se debate entre el deber hacia su familia y el deseo de escapar de su monótona vida; y Laura, una joven introvertida y delicada que encuentra refugio en una pequeña colección de figuritas de cristal. A través de estos personajes, la pieza explora temas como la memoria, la desilusión, la lucha entre el deber y el deseo, la presión social y la autoaceptación.“Esta historia habla del amor filial y cómo este deja huellas que nos marcan para toda la vida. Sin embargo, a pesar de esos fuertes lazos, el protagonista siente la necesidad de buscar sus propios sueños para alcanzar su realización personal. Esa es la esencia de la historia que voy a narrar. En esta obra, se verá esa lucha interna entre el deber y el deseo personal, entre la familia y los sueños individuales. Por supuesto, más allá de esta trama central, cada personaje aporta sus propias individualidades, añadiendo riqueza y complejidad al relato”, comenta Jorge Cao sobre el montaje.Además del estreno de Flores para Laura, también tendrá lugar como parte de la celebración de los 10 años de la Compañía, en cuatro únicas funciones del 21 al 24 de septiembre y dirigida por el joven director Nicolás Martínez, el estreno de El paria. Esta pieza, narra la historia de Lee Il Cheol, un norcoreano, que se embarca en un peligroso viaje tras sospechar una infidelidad de su esposa, Nam. Inspirada en el texto "La Fuga del Norte" del misterioso autor norcoreano Bandi. En 2013, este manuscrito eludió la censura norcoreana y se publicó en Corea del Sur bajo el título de "La acusación", brindando al resto del mundo una visión interna de Corea del Norte, una ventana a la vida silenciada de este país hermético, que resalta la importancia de la libertad de expresión y los derechos humanos.Es así, como la celebración de una década de investigación y creación de La Compañía Nacional de las Artes (CNA), ofrece una mirada amplia y contrastante al quehacer teatral de la ciudad y consolida la Casa de la CNA como un espacio importante para artistas de diversas disciplinas, promoviendo la exploración y creación interdisciplinaria, transdisciplinaria y multidisciplinaria en la escena contemporánea.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
¿Cómo representar la historia violenta de un país? ¿Cuál es la función de las artes en la construcción de memoria y en los procesos de reconciliación?. Estas preguntas, tal vez, han los sido ejes de creación y acción en diversas geografías y colectivos. Cada producción de la memoria recurre a ciertas construcciones de signos que se constituyen por recuerdos y sensibilidades. La memoria atraviesa los cuerpos y, precisamente, el teatro a sido uno de esos dispositivos de memoria, reconciliación y construcción colectiva. El Centro de Memoria, Paz y Reconciliación presentará la obra "Ubasuka… Desarraigo del olvido" dirigida por Paola Guarnizo, producto de la creación colectiva del taller de teatro."La Ubasuka... Desarraigo del olvido". Es la apuesta por poner en escena las inquietudes y exploraciones de más de 30 participantes de un taller de creación colectiva que retrata los hechos violentos por los que ha pasado Colombia, por medio de metáforas y un acto poético de resistencia cultural.Narrar con el cuerpo En el escenario los participantes, después del proceso del taller, entregarán ese algo que les importa, duele e interesa del país dejándolo en el escenario. “Esto fue una oportunidad maravillosa para recibir todas las inquietudes y experiencias de unos participantes que estaban ávidos de hablar de la ciudad y el país. Ávidos de hablar del dolor que como pueblo colombiano hemos pasado, llegar y traspasarlo al escenario para mí ha sido un honor hacerlo y lograr una muestra de una 1 hora donde artistas se entregan completamente de corazón a la experiencia escénica desde la memoria, paz y reconciliación” comentó Paola Guarnizo directora de la obra.Testimonios participantes“En este proceso cada uno aportó desde sus saberes porque es una creación colectiva, se hicieron varios grupos y se empezó a armar el relato. La obra trata sobre la memoria de nuestro país. Esto, por medio del arte, es terapéutico, se trata de crear desde la memoria, sanar, y ponerlo en escena. Desaprender para aprender del otro” Jackeline García, bailarina de danza teatro.“Mi personaje en la obra es el que “baila con la muerte” que representa Ubasuka cómo vivimos el olvido, cómo lo transitamos, cómo precisamente no olvidar nuestros buenos recuerdos. Nosotros somos de una tierra con mucha esperanza e historia, la historia es muy importante. El proceso colectivo de la creación de la obra ayudó mucho en trabajar en equipo, es muy bonito encontrarse con gente que tiene otro punto de vista totalmente distinto y se resignifica y reaprende el teatro” Juan Camilo Gómez, rapero de la localidad de Engativá y pertenece a la Corporación Uno Cero.Puede escuchar“Vine a realmente hacer una construcción colectiva y crear, desde mi perfil y toda experiencia que estoy viviendo acá, diálogos generativos de construcción de paz, resiliencia y procesos de reflexión que han llevado a construir una familia expresando varias artes. Ha sido un reto porque nunca he hecho teatro. Un escenario que me ha permitido mirar muchas emociones y crecer” Alejandro Forero, psicólogo y miembro de la Fundación Open Paz.“Me parece importante que el arte escénico exprese esto que se llama país desde sus vivencias, historias y sentires. Tenemos un trasegar que nos ha marcado y es necesario darlo a conocer. Por eso, esta muestra que es colectiva y surge del taller, cada uno y una de nosotras expresó de alguna manera aquello que quiere mostrar de la historia de este país” Celia Amaya, es docente de ciencias naturales.“Me recomendaron este taller como algo sanador. Este proceso en el Centro de Memoria me ha permitido conocer el cuerpo político que somos todos como país, ese fue el interés que me trajo acá, reconciliarme con ese cuerpo político. Aquí me he dado cuenta que las lesiones y heridas que uno tiene no solo son corporales sino tienen que ver con la historia de nuestro país” Iris del Mar Lineros, fisioterapeuta.“El teatro es medicina es un ritual. Cada vez que uno va y pone los pies en las tablas hay una línea que diferencia quién eres tú al otro, qué quieres interpretar y esto se conjuga un estado alterado que produce sanación. El proceso colectivo es lo más jugoso que tiene el Centro de Memoria, es un grupo interdisciplinar, donde tenemos la posibilidad de sanar a través del arte” Tephy Piedrahita, artista audiovisual.¿Dónde?Auditorio del Centro de Memoria, Paz y Reconciliación, Bogotá Dirección Cra. 19b #24 - 86. Entrada libre.¿Cuándo?Jueves 21 de septiembre a las 6:30 p.m No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
En primer lugar, la Orquesta Filarmónica de Bogotá tendrá dos conciertos maravillosos en la ciudad. La pianista, productora y directora de orquesta austriaca Nazanin Aghakhani ha sido catalogada por la crítica como “la pionera de un tipo especial” y ella se ha encargado de multiplicar su reconocimiento con su propuesta innovadora al frente de las agrupaciones en gran formato.Durante la segunda semana de septiembre, esta destacada mujer tendrá la misión de guiar, como directora invitada, a la Filarmónica de Bogotá en un programa que incluye obras de Ludwig van Beethoven (1770 - 1827), Camille Saint-Saëns (1835 - 1921) y Piotr Ilich Tchaikovsky (1840 - 1893), además de una interpretación particular de “Ludwig in Isfahan”, una creación de la propia Nazanin Aghakhani.La Filarmónica de Bogotá, bajo la dirección de Aghakhani, se presentará el viernes 15 de septiembre a las 6:00 p.m. en la Catedral San Juan Bautista (Calle 69i # 68 - 58) con entrada libre hasta completar aforo. El sábado 16 de septiembre a las 4:00 p.m. el concierto se realizará en el Auditorio Fabio Lozano (Universidad Jorge Tadeo Lozano). Ingreso con boletería.Por otro lado, el Teatro Libre sede centro está presentando clásicos del teatro como Amo y Criado, que estará desde el 14 al 16 de septiembre sobre las tablas. Es una comedia de capa y espada de personajes de clase media que se desarrolla en Madrid, con el habitual desajuste que siempre provoca la visita de un caballero provinciano, un soldado, a la capital. Su ajuste a la estructura clásica espacio-temporal: tres días y dos espacios nos acercaría la comedia al llamado ciclo Calderoniano, pero Rojas siempre va más allá, y la concentración de tanta acción y tanto suceso en tan poco tiempo hace exclamar al criado Sancho: “¡Y que de cosas/ en un instante han pasado!”. Puede adquirir sus boletas aquí.Finalmente, el próximo 16 de septiembre se realizará la Fiesta de las Librerías en Bogotá. La Cámara Colombiana del Libro (CCL), la Asociación Colombiana de Libreros Independientes (ACLI), Idartes, la Alcaldía Mayor de Bogotá y la Red Distrital de Biblioteca Públicas de Bogotá - BibloRed, que se unen para crear la primera edición de la Fiesta de las Librerías, que tiene como objetivo visibilizar estos espacios de lectura tan importantes en la ciudad.Dentro de la programación cultural se encuentran más de 60 actividades enfocadas en distintos públicos de todas las edades, entre ellas: conciertos, recorridos, lecturas en voz alta, conversatorios, horas del cuento, recitales de poesía, tertulias literarias, presentación de libros, charlas con escritores y talleres artísticos.Estos son los espacios y horarios que harán parte de la fiesta: La Guachafita, (Tv. 54 #103 b-51). 3:00 p.m., Las Cigarras (Cra 45 #22A-16) 6:00 p.m., El Cuarto plegable (Cra. 18 # 39B-69) 6:00 p.m., La Verbena, (Cl. 121 #12-15) 3:00 p.m., La librería de Ana (Calle 134 No. 55 - 30) 4:30 p.m. y la Librería Casa Tomada, (Tv. 19 Bis #45d-23) 6:00 p.m.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Una panadería se convierte en el escenario perfecto para una obra que mezcla lo absurdo con lo cotidiano, explorando las profundidades de la amistad, los sueños y las frustraciones humanas. El sueño de la bomba atómica o la teoría de los glaciares, del director y dramaturgo Julián Arango Osorio -con la actuación de Jimmy Vásquez y Daniel Calderón-, llega en temporada del 7 al 23 de septiembre al Teatro Petra para sumergirnos en una historia que resuena con el afecto irracional y aquellos dolores internos que todos enfrentamos en algún momento de nuestras vidas.Esta comedia negra narra la historia de dos amigos, Amín e Ignacio, que se ven atrapados en una situación inverosímil que les hace reflexionar sobre la vida y sus diversas realidades. A medida que se desarrolla la trama, descubrimos sus anhelos, frustraciones y perspectivas únicas sobre el mundo.Julián Arango Osorio destaca sobre la obra y su particular título: “El sueño sobre una bomba atómica simboliza la ensoñación profunda de un estallido. Aunque se podría pensar que se refiere directamente a una bomba atómica, en realidad actúa como una metáfora. Representa esas "bombas" internas que llevamos dentro: emociones, dolores y frustraciones que se acumulan hasta que finalmente estallan”. Y sobre la teoría de los glaciares sostiene: “Las personas también somos semejantes a estos. Al igual que los glaciares, gigantes e imponentes, flotamos en silencio por la vida. Esta idea es central en la obra y actúa como un leitmotiv que permea la narrativa, sugiriendo que, así como los glaciares, algunas personas simplemente flotan en silencio a través de la existencia”.Es así como el reencuentro de estos dos amigos nos recuerda lo valioso de la amistad y la manera cómo esta puede convertirse la tabla de salvación que nos permita aferrarnos al mundo.Jimmy Vásquez es un reconocido actor que ha desarrollado su trabajo tanto en el cine como en la televisión y el teatro, de la mano de reconocidos directores. Su experiencia escénica lo ha llevado a pisar los escenarios más importantes de nuestra escena nacional. Por su parte, Daniel Calderón es un polifacético artista que navega entre las arenas de la dirección, la producción y la interpretación, explorando diversos formatos y sus disímiles inquietudes artísticas.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El maestro y director de la obra Álvaro Rodríguez explicó el por qué del nombre de la obra de teatro La soledad de los nadies: “Los nadies, en términos de Eduardo Galeano, logra darle una ubicación del análisis del capitalismo. Es decir los nadies son los excluidos, los que el capitalismo desecha y no tiene en cuenta para las cosas fundamentales, ni siquiera para el empleo. Galeano habla de esos nadies, no son partícipes de ese movimiento económico que implica el capitalismo. Eso genera una especie de soledad, aislamiento. No pueden ser partícipes de muchos eventos, porque la situación económica no se los permite. Y lo grabe de eso son las personas que son manipuladas por los medios de comunicación masivos o alternativos. La soledad de no tener dinero es alimentado por el conductismo que se transmite a través de los medios de comunicación y las instituciones”.Rodríguez contó que esta obra está ubicada en tres estadios representados en tres mujeres, estas alimentadas por un hombre. El primer estadio es alimentado por la farándula, es la metáfora de un nadie. El segundo está alimentada, en términos de conducta, por todos los lenguajes de la iglesia, de los artificios de una moral que en el fondo tiene implícita su misma descomposición. Y el tercer estadio está alimentada por la misma religión y moral, y el concepto de “gente de bien” de no untarse y este personaje resulta aislada porque no se mueve naturalmente y se frustra.Este tercer estadio lo actúa Lina Londoño, actriz de la obra y quien interpreta a Eva, que contó que el nombre de La soledad de los nadies habla de cuatro vidas en la que se puede ver reflejada la soledad que cada personaje tiene y esas búsquedas en que cada quien se encuentra. La realidad que cada quien vive dentro de un tejido donde el personaje de Felipe, interpretado por Álvaro Rodríguez, empieza a transitar y a conocer a las otras mujeres Meryam, Albina y Eva, y estas relaciones van afectando su ser, su vida y su cotidianidad. Todo a partir de esas vidas solitarias que cada uno tiene.Tatiana Camargo es actriz de Casa TEA e interpreta Albina en la obra, ella recuerda sobre la primera vez que vió la obra y cómo después empezó a crear nuevas cosas en su personaje:“ son personajes solos y no hay un lugar en el mundo para ellos. Como público uno se compadece. Llegué a interpretar a Albina y su historia y además develar las cosas que las personas no creen que suceden en la iglesia. Esto lo propuse reemplazando una canción que estaba antes. Eso da cuenta de lo que es Albina”.La actriz y dramaturga Paola Guarnizo quien interpreta a Meryam comentó sobre la obra: “esta obra habla sobre los anónimos, de quienes nadie ve, y definitivamente viven con unas existencias anuladas pero son parte de este mundo contemporáneo. Los nadies son esos seres humanos que se encuentran y desencuentran en sus propias memorias, acciones y hablan de la soledad del mundo porque definitivamente tenemos un mundo que nos lleva todo el tiempo preguntándonos qué significa esto de la felicidad. Y esta obra es un homenaje a los anónimos”.La cita es en la calle 19 # 4 - 71 local: 405, sede de Casa TEA. 1 y 2 de septiembre a las 7:30 pm. Taquilla: entrada libre (aporte voluntario).No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
Me permitiré tomar una licencia, mal respaldada por una de esas frases que proliferan en las redes sociales: "No tengo pruebas, pero tampoco dudas". Y es que conversando con los maestros dramaturgos, que por estos días se encuentran en Bogotá participando del Encuentro Iberoamericano de Dramaturgia organizado por Umbral Teatro; surgió en mi una reflexión en torno al poder y su manifestación en todas las esferas de las relaciones humanas, desde las más pequeñas e intimas hasta las más grandes y colectivas.Sin embargo, no permitiré que esta licencia que he decidido tomar de manera arbitraria se desate sin restricciones. En lugar de eso, la desarrollaré a medida que relato la conversación que sostuve con la dramaturga boliviana Diego Aramburo. Les aseguro que no se trata de un error de redacción, ni que hayan leído mal. Diego es legalmente reconocida como mujer, sin haber efectuado ningún cambio en su cuerpo, su nombre o su orientación sexual. Esta determinación se tomó en el año 2018 después de una profunda reflexión que la llevó a cuestionarse: "¿Qué significa el género para mí? ¿Qué implica la identidad sexual?". Casi de manera fortuita, en sus propias palabras, surgió la percepción de cuán privilegiados son los hombres, como compartió con el diario digital La Razón, de Bolivia.Cuando se le pregunta quién es y cómo define su trabajo, ella encuentra una palabra: “la esquizofrenia, porque dentro del teatro he trabajado teatro de artes expandidas, muy liminal; pero también he trabajado en teatros oficiales con puestas en escena bastante convencionales y las dos formas de hacer teatro me reflejan de alguna forma. Y la esquizofrenia se acentúa cuando mi práctica se establece en lo escénico pero también en las artes visuales”. En su obra se pueden percibir ciertas obsesiones que atraviesan sus motivaciones creadoras, tiene que ver con las culturas y el pensamiento andino del que Diego proviene, al respecto nos aclara" el pensamiento andino era muy avanzado, a occidente le tomó hasta el siglo XX para comprender la existencia del pensamiento cuántico. En nuestras culturas ancestrales eso ya estaba presente desde mil quinientos años antes de Cristo”.En su trabajo, Diego destaca estos modelos de pensamiento que surgen como un poderoso contrapunto al pensamiento hegemónico occidental. Conceptos como la iteración y lo fractal le brindan la posibilidad de experimentar con diferentes formas de pensamiento ycomo resultado “otras formas de generar relato y de organizar la escritura”.En este punto, hago una pausa en lo que respecta al diálogo con Diego, y no puedo evitar conectar sus ideas con las reflexiones de Michel Foucault sobre los límites del poder. Foucault sostiene que el conocimiento es lo que un grupo de individuos comparte para luego establecer lo que se considera la verdad.Esta “verdad” determina y sustenta al poder, permitiendo que se perpetúe a través de las generaciones y estableciendo lo que es correcto, normal y bueno... teniendo esto presente, y apuntando que no es una gran novedad, resalta la posibilidad de crear grietas, a través de la creación artística, en esa enorme estructura de “verdad” que el poder ha venido instalando en nuestras mentes y vidas a lo largo de varios siglos. En un mundo dominadopor los relatos occidentales que nos impactan constantemente a través del cine, la televisión, las plataformas de streaming y las redes sociales; la posibilidad de observar otros puntos de vista y otros modelos de pensamiento es una revuelta a lo que damos por establecido y nos da la oportunidad de revitalizar y cuestionar nuestros paradigmas.Suficiente de licencias autoconcedidas (¿un ejercicio de poder quizás?). En el trabajo de Diego está presente el concepto de decolonialidad, pero prefiere citar al poeta brasileño Oswald de Andrade con su manifiesto antropofágico que propone devorar los valores colonialistas europeos e incorporarlos a la realidad de los pueblos colonizados, para acabar con los sentimientos de inferioridad en relación a esas culturas.Diego enfatiza “yo no voy a negar que tengo las dos vertientes, la ancestral andina y la occidental (...) somos “cheje”, la indefinición que se puede observar cuando vemos un perro callejero corriendo, pero que al mismo tiempo tiene características muy definidas, pero sobre todo una característica de “cosa” viva y en movimiento, que va cambiando (...) así me sitúo, así me siento, es más, me voy sintiendo... así, en transitivo”.“Estoy en un momento en el que le hago una critica bastante fuerte a la academia, por sus hábitos autorreferenciales y eurocéntricos (...) me incomoda lo jerárquico. Que la academia se permita decir “vamos a aceptar o no los saberes ancestrales”. (...) la academia debe saber ubicarsemejor frente a los diálogos que sostiene con los saberes ancestrales y mostrar más respeto”. Diego manifiesta una tensión entre estos dos mundos y su interés radica en tender puentes de comunicación entre ellos, y que permitan generar puntos de encuentro y de entendimiento: “entendamos como podemos tener coincidencias y esas coincidencias van a contener disidencias, eso es muy interesante (...) la desesperada búsqueda posmoderna del consenso continuo nos hizo bastante daño, hay que negociar y encontrar puntos que nos permitan avanzar pero ello va a contener disensos y disonancias, características que se pueden encontrar en la música andina”.Diego estuvo en Bogotá impartiendo un Taller de Dramaturgización en el marco del Encuentro Iberoamericano de Dramaturgia. “La dramaturgización es una práctica que permite organizar los elementos de la obra, (que pueden ser cuerpos en un espacio, textos, fragmentos de historias); la administración de estos elementos para generar mayor dramaticidad, mayor contraste y dirigirse a una tensión que posteriormente se resuelva en la obra”. Este práctica se concentra completamente en la forma en la que el espectador percibe la obra y en como despertar y sostener su atención, “la obra solamente existe en la expectación del público, la obra solo existe y dura lo que dura el proceso de digestión del espectador (...) lo que se proponeen el talleres ofrecer técnicas, herramientas y experiencias que puedan estar al servicio de lo que cada creador o creadora quiera hacer con ello, no son reglas verticales, la tarea del creador es reinterpretarlas constantementeen el momento de su creación”. La propuesta de trabajo que se plantea en el Taller de Dramaturgización resulta ser una contrapartida a los procesos de construcción popularizados por algunos manuales de escritura que pretenden crear reglas fijas y milimétricas en los terrenos de la escritura dramática, el guion e incluso en la narrativa, sin embargo, Diego no los desdeña, propone que “todo eso existe y está bueno saberlo para luego romperlo”.En cuanto a la importancia de los espacios generados por proyectos como el de Punto Cadeneta Punto Taller Metropolitano de Dramaturgia, Diego mencionó lo siguiente: "Las culturas están hechas de pensamiento y producción cultural e intelectual, es un deber de los gobernantes propiciar los espacios que nos permitan producir en el presente más propuestas científicas, artísticas que nos relaten e identifiquen para llevarnos a una siguiente instancia y no quedarnos únicamente con lo que nos legó el pasado(...) de lo contrario nos vamos a disolver en una globalidad espantosa, que solo tiene en común la economía que además es asimétrica”.Así terminó este dialogo con Diego Aramburo que me despertó el deseo de hablar un “algo” respecto al poder, después de todo tenía el poder para hacerlo... ¿tendría también la aptitud? No lo sé, por fortuna también tenía el poder de desechar la idea. Ya veremos que pasará, o pasó, o seguirá pasando.
Conversamos sobre el recetario "Saboreando la vida", producido en alianza por la Universidad ECCI y el Instituto Nacional de Cancerología. ¿Cómo se gestó este proyecto y en qué consiste?Es un producto elaborado a dos manos dentro del marco de una de las tareas que tienen las universidades y es la del desarrollo de investigaciones. Como universidad tenemos un convenio con el Instituto Nacional de Cancerología en el que nos pidieron desarrollar un producto, un recetario, con recetas agradables, hablando sensorialmente. También debían ser asequibles y que contaran con las caractarísticas nutricionales adecuadas para contribuir en la calidad de vida de niños y niñas que están padeciendo algún tipo de cáncer.El recetario parte del trabajo con grupos focales en dos horages de paso de Bogotá, ¿cómo fue el proceso de investigación e interacción con estos grupos?En esta investigación necesitábamos capturar información de primera mano, de fuentes primarias, para diseñar las recetas y qué mejor fuente que los albergues infantiles de pacientes con estas características que además están asociados al Instituto Nacional de Cancerología.Utilizamos grupos de enfoque para permitir que los participantes dieran sus opiniones, lo hicimos motivando a los padres de familia, a los pacientes y a las personas que trabajan en los albergues a través de escuelitas de gastronomía. En estas actividades se preparaban cosas fundamentales, básicas, orientados por chefs de la Universidad ECCI y paralelamente capturábamos información.El enfoque de este recetario son los pacientes pediátricos oncológicos, ¿cuáles son los retos de aportar a la dieta de este grupo tan específico?El próposito es suministrar el diseño de alimentos para que sean preparados en las casas de los pacientes, que tengan características nutricionales, que no les vayan a causar perjuicios en razón a su enfermedad o tratamiento; el recetario no busca solucionar o curar la enfermedad, es una aclaración necesaria.Ahora, se eligen pacientes oncológicos pediátricos porque la alimentación de los niños y niñas es muy especial, debe ser placentera; en el caso de los pacientes adultos hay más probabilidad de que accedan a ciertos alimentos.Es un libro diseñado como un genérico para la enfermedad y para los síntomas de tratamiento; por ahora, no está enfocado en un cáncer en especial.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Hay unas dificultades que surgen en razón a la enfermedad misma, pero también hay otros síntomas que son propios del tratamiento, por eso la estructura del recetario está ligada a esa tipología de sintómas, como vómito, diarrea, disfagia, estreñimiento, falta de apetito. Si la niña o el niño están pasando por síntomas de disfagia o estreñimiento, por ejemplo, van a encontrar ideas de lo que pueden hacer, recetas ricas en fibra.En relación con los alimentos y productos que componen esta herramienta, cómo pueden variar dependiendo la región del país en la que están los pacientes. Estas recetas no se salen de un presupuesto común y corriente, son recetas económicas. Infortunadamente, existe la idea de que para alimentarse bien durante el tránsito de estas enfermedades se debe recurrir a recetas muy costosas, pero este no es el caso. Uno de los principios de esta investigación es que los alimentos sean de fácil acceso, pero también que fueran regionales.En cuanto a la diferenciación de recetas normales u ortodoxas, tienen un componente hacia la parte de nutrición y un componente muy específico en cuanto a la tipología del síntoma.¿Cuál fue la participación de los estudiantes de Gastronomía o de otros programas de la Universidad ECCI en esta investigación?Este tipo de proyectos no tiene razón si no hay participación activa de los estudiantes. En esta investigación participaron estudiantes de Gastronomía, en la captura de información, en el trabajo con los grupos de enfoque. También participaron estudiantes de Enfermería, porque también hicimos diálogos grupales con personal médico del Instituto Nacional de Cancerología, en los que participaron médicos, enfermeros, fonoaudiólogos, personal de pediatría.En el diseño del libro mismo también tuvieron parte estudiantes de Publicidad y mercadeo, en el registro visual, en la fotografías. Se anima a los estudiantes a que participen en este tipo de proyectos.¿Cómo incentivar todavía más la participación de estudiantes en proyectos sociales?El mismo objetivo y el próposito cuando es social es suficiente motivador para los estudiantes, es muy interesante para ellos ver que están contribuyendo en algo tangible, algo real, que es útil directamente para la sociedad; que no queda difuso entre el hacer, la apropiación y la utilización en la sociedad.La generación actual es bastante inquieta frente a los problemas sociales. Yo estoy convencido de que cuando ellas y ellos ven estos propósitos sociales se motivan bastante.¿Cómo puede acceder la gente a este recetario?Al ser un producto de investigación, pero con una perspectiva de proyección social, este recetario es completamente gratuito. Se encuentra en la página web del Instituto Nacional de Cancerología y también de la Universidad ECCI. En ambos accesos hay un repositorio donde se puede descargar en PDF gratuitamente.El libro es muy ameno, las recetas están organizadas por sintómas, que a su vez se especifícan por comidas princiaples como lo son el desayuno, almuerzo y cena. También hay otro tipo de recetas para ocasiones especiales.Acceda a este libro haciendo clic aquí. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El ejército ruso ha aniquilado las ciudades ucranianas. Ha exterminado sobre todo la cultura", denunció Loznitsa anoche al presentar el filme, fuera de competición, en las sesiones especiales de certamen de la Costa Azul gala, acompañado por parte de su equipo y por el delegado general del festival, Thierry Frémaux.La guerra lleva presente en Europa "desde hace diez años", recordó el también realizador del exitoso documental 'Maidan' sobre los disturbios civiles de 2013 y 2014 en la plaza central de Kiev, en referencia a que las agresiones rusas comenzaron hace mucho más de dos años, con la anexión unilateral de la península de Crimea en 2014.Pero a comienzos de 2022, enfatizó el director, el conflicto adoptó un "carácter extremadamente salvaje" con la invasión del país a gran escala por parte del régimen de Vladímir Putin.Fue ese mismo año cuando Loznitsa se embarcó en el rodaje de The Invasion, un camino que en cierta medida concluyó anoche, en la tercera jornada de la 77 edición del Festival de Cannes, mostrando al público el "dolor inconmensurable" de todos los ucranianos. "Contamos hoy con compartir ese dolor con vosotros", dijo Loznitsa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La vida interrumpida por las alarmas antiaéreasYa desde su introducción, con imágenes de funerales de soldados caídos en la defensa de Ucrania, The Invasion obliga a recordar que la guerra continúa, a pesar de que su peso en titulares haya decaído, y el impacto que eso tiene en millones de personas todos los días.Loznitsa, fiel a su estilo de planos generales estáticos y pacientes en los que la acción se va revelando por sí misma, bucea en todo tipo de escenas de lo cotidiano de su país.Es un día a día que a veces queda completamente transformado por la presencia permanente del conflicto, pero que en otras ocasiones, a fuerza de costumbre, prosigue solo sutilmente trastocado por la guerra.En las bodas, los novios van vestidos con su uniforme militar. En las calles se reparten víveres indispensables. En las escuelas, los niños dibujan tanques y las profesoras intentan continuar con su lección con normalidad, aunque tengan que dar la clase en refugios antiaéreos por la amenaza de las bombas rusas.Hasta en las librerías, los dependientes invitan tranquilamente a los clientes a salir del local porque han sonado las alarmas y hay que ponerse a cubierto.El realizador ucraniano muestra también que los libros han sido, de hecho, una parte significativa de la guerra al nivel cultural, a través de imágenes de la destrucción de cientos de ejemplares firmados por autores rusos o relativos esa cultura -ni Dostoyevski se salva-, en un intento de reafirmar la identidad ucraniana frente al invasor.De vuelta al nivel más humano de las consecuencias de la guerra, Loznitsa también visita un centro de rehabilitación en el que hombres y mujeres con miembros amputados aprenden a vivir con sus nuevas extremidades ortopédicas y muestra cómo sus compatriotas de fe cristiana ortodoxa continúan con los tradicionales baños helados triples para conmemorar el bautismo de Cristo.Las imágenes de los bombardeos están presentes, pero son siempre de los momentos posteriores. Es decir, no están las explosiones, pero sí sus consecuencias.Y es que a Loznitsa no le ha interesado hacer un documental sobre el frente de batalla -al estilo, por ejemplo, de la oscarizada este año 20 Days in Mariupol ('20 días en Mariúpol')-, sino sobre todo el dolor del pueblo que se encuentra detrás.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El filme, que lleva más de un mes en las carteleras, muestra no solo la distancia cultural, sino también la falta de acceso para entender cómo se percibe la realidad en las comunidades más alejadas del territorio andino peruano."En este país llamado Perú existen varias naciones y, por ende, somos culturas diferentes, me parece que todavía eso no se entiende", declaró Tito Catacora.El codirector, quien quedó a cargo del proyecto tras la muerte repentina de su sobrino Oscar durante el rodaje de la película, señaló que la obra busca mostrar "que el ser humano es cada vez más egocéntrico y piensa que la naturaleza está para dominarla y explotarla"."Nuestra cultura originaria considera que en este mundo nada es inerte, una piedra no es un objeto, sino que tiene vida", aseguró antes de añadir que, desde esa lógica, "el trato es distinto" en la relación con el mundo.El nuevo cine peruano'Yana Wara', que va por su quinta semana en cines a nivel nacional, se describe como una película de arte. "Hacemos este tipo de obras con la finalidad de que el espectador pueda reflexionar y proponer soluciones a los problemas que abordamos", sostuvo Catacora.La elección de lugares, el extenso territorio altiplánico, la lengua aimara como idioma principal en la película y la propuesta visual en blanco y negro, fueron hechas en conjunto por sus directores; sin embargo, el corte final fue liderado por Tito.La etapa de rodaje y edición llevó a que Tito pueda darle un toque más "racionalista y atrevido", lo que hizo que 'Yana Wara' tomara otro rumbo al que Oscar hubiera elegido."Obviamente yo soy más racionalista, a diferencia de Oscar, que era más emotivo. Si él hubiera culminado la película sería distinta. Pero creo que no se ha perdido el espíritu, eso se conserva" añadió.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Perú distanteAunque la ausencia de Oscar fue determinante en la elaboración final de 'Yana Wara', la propuesta de hacer un cine 'diferente', que revele la esencia y reivindique a la cosmovisión andina, es algo que perdura tras su muerte."Nosotros, los pueblos originarios, al estar aislados adolecemos de muchos servicios, educación, salud o incluso orden interno, pero no podemos hacer nada" comentó Tito.Aludió de esa manera a las circunstancias de la muerte de Oscar, quien sufrió una apendicitis en un lugar remoto de los Andes sin servicios de salud, una circunstancia que al igual que sus personajes de ficción lo condujo a la muerte."Un día antes estábamos grabando y es algo raro, pero es lo que ha ocurrido", comentó Tito, quien junto a su familia y el equipo técnico de la película trabajaba con Oscar."He evitado comentar lo que pasó exactamente, porque no soy médico, nosotros somos más pragmáticos, por más que se hable de mi sobrino y se realicen homenajes, mi sobrino no va volver", remarcó.Tito agregó que "solo sus familiares" lo llevan "en el corazón" y para ellos "él ya es como un dios menor". Reconoció, además, que "hacer cine es difícil" en Perú, aunque el legado que construyeron con Oscar es algo que desea continuar. "Seguiremos hasta donde tengamos las posibilidades", prometió. Añadió que, en 'Yana Wara', se puede ver el contraste entre lo místico y lo humano, la visión andina y la de ciudades como Lima Metropolitana.Se menciona, por ejemplo, a personajes fantásticos como el 'Anchanchu', un espíritu maligno que es considerado dueño de la riqueza, y al que muchos mineros se encomiendan por oro y plata. "Nosotros pensamos que, para dar a conocer nuestra visión, era necesario tratar sobre los espíritus malignos", dijo Catacora.A partir de eso, sus directores incorporaron otros temas, como la violencia de género, la medicina andina y la justicia comunal."Para nosotros hablar del 'Anchanchu' no es ningún mito ni algo fantasioso, sino es algo real y tangible, yo mismo los he escuchado y sé cómo se expresan, alguien me dirá que estoy delirando, pero no es así", concluyó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cantautor cubano Silvio Rodríguez lanzará en junio Quería Saber, su primera producción discográfica en tres años y en la que incluye temas compuestos durante este "maltrecho" siglo, informaron este jueves sus estudios Ojalá."El próximo viernes, 7 de junio, se presentará en las principales plataformas digitales de música el álbum Quería saber, de Silvio Rodríguez", señaló Ojalá en un comunicado publicado en el blog Zurrón del Aprendiz, del famoso artista.Según Ojalá, antes del lanzamiento, los seguidores de Rodríguez, de 77 años y fundador de la Nueva Trova Cubana, podrán disponer de dos sencillos: Quería saber, el 24 de mayo, y América, siete días después.Es el 22º disco de la extensa carrera de Rodríguez, autor de temas antológicos como La era está pariendo un corazón y Ojalá.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La única canción del disco "que no es de este siglo" es "Tonada para dos poemas de Rubén Martínez Villena", un destacado escritor y revolucionario cubano que vivió entre 1899 y 1934, cuya música compuso a principios de la década de 1970."Las demás canciones, las actuales, las canté en muchos conciertos de barrio, y creo que son como este joven y maltrecho siglo, al que espero que un buen día le crezcan alas", afirma Rodríguez en el comunicado, refiriéndose a los más de 100 recitales que realizó entre 2010 y 2020 para llevar su música a los barrios más humildes del país.El artista también reflexiona sobre el título del álbum: "Es difícil ponerle nombre a un disco"."Primero iba a ser Canciones del siglo XXI (menos una). Después pensé en Después. Por último, me he decidido por Quería saber. Aunque quizá debería llamarse Quiero saber, porque eso es lo que me mueve", apuntó.Su última producción discográfica data de 2021 cuando presentó Silvio Rodríguez con Diákara, según Zurrón del Aprendiz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Chabuco (Valledupar, Colombia, 1975), que este sábado actúa en Sevilla (sur de España) acompañado de Rocío Soto y otros artistas invitados, dijo en una entrevista con EFE que para él "todas las colaboraciones con mis amigos músicos son importantísimas. He tenido muchas que me han llenado de sueños y se me han cumplido, pero todavía me faltan muchas por cumplir porque considero que en la música y en el arte en general se trata de compartir, no de dividir".El colombiano señala que la música vallenata, que él fusiona con otros géneros como el jazz, el bolero o el rock, tiene una "gran aceptación" y "a pesar de la discriminación que sufrió durante muchos años, se mantiene vigente"Sobre si un artista debe tener su sello personal o adaptarse a los cambios de gustos musicales, Chabuco responde que los músicos "debemos tener nuestro propio camino. Yo por mi trabajo y experiencia creo en lo que hago, en la música de mis raíces, y creo que si hay que recibir algún reconocimiento es haciendo la música bajo tu convicción".Para Chabuco, "la mezcla entre el folclore campesino, que es de donde yo vengo allí en Guajira, con la música que más me ha gustado, desde que he crecido escuchando a muchos artistas diferentes, hace que mi música tenga una particularidad: el encuentro entre el campo con la música moderna".Chabuco comenzó su recorrido musical a final de la década de 1990 y a mediados de los 2000 publicó su primer álbum como solista, titulado "Morirme de amor".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Antes había menos oportunidades para los artistas que querían mostrar su música, pero ahora, con todas estas cosas de las plataformas digitales, creo que todos tenemos una cabida para mostrar nuestros discos y que no solamente por medio de negocios entre disqueras puedas sacar tu música".Con la discográfica Sony publicó el álbum "Encuentro", en el que colaboró con Alejandro Sanz. Chabuco aconseja a los jóvenes artistas que, al margen de compañías discográficas, "crean en su música y en lo que hacen para que así la música pueda coger su cauce sincero hacia lo que ellos quieren, porque lo demás se va juntando en el camino".Su actual gira, que comenzó en febrero, tiene un formato acústico y, aunque en Colombia tiene su banda, Chabuco dice que "hay momentos en los que tengo que hacer giras acústicas. Me gusta de las dos formas. El piano es un poco más desnudo, más puntual con la gente, pero siempre me gusta tocar con mi banda, que es un cuarteto de músicos maravillosos".El colombiano se siente muy satisfecho de la acogida que está teniendo en España: "Está siendo una gira maravillosa por todo este país que amo, donde la gente me recibe con mucho cariño".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.