La flauta travesera es un instrumento musical que ha cautivado a oyentes y músicos durante siglos. Su historia es rica y fascinante, llena de innovación, adaptación y belleza musical. Desde sus humildes comienzos en la antigüedad hasta su prominencia en la música clásica y su versatilidad en géneros contemporáneos, la flauta travesera ha dejado una huella indeleble en la historia de la música. En este artículo, exploraremos la historia de este instrumento querido.Orígenes AntiguosLa flauta travesera tiene sus raíces en la antigüedad, y los primeros ejemplos de flautas traversas se remontan a la Edad de Piedra, hace más de 35,000 años. Estos instrumentos primitivos estaban hechos de hueso y madera y eran utilizados por culturas de todo el mundo, desde los aborígenes australianos hasta los nativos americanos.Sin embargo, el antepasado directo de la flauta travesera moderna se desarrolló en Europa durante la Edad Media. Las flautas traversas medievales eran cilíndricas y generalmente estaban hechas de madera, con seis agujeros para los dedos. A medida que avanzaba el tiempo, se realizaron mejoras en el diseño y la técnica de fabricación, lo que llevó a la flauta travesera renacentista y, posteriormente, a la flauta barroca.La era Barroca y la transformación del diseñoLa flauta travesera barroca, que floreció en los siglos XVII y XVIII, experimentó una serie de cambios significativos en su diseño. Uno de los avances más notables fue la adición de llaves, que permitieron a los músicos tocar notas que de otra manera serían inaccesibles. Esto llevó a un mayor rango y una mayor facilidad de ejecución.Uno de los fabricantes de flautas más influyentes de la época fue Theobald Boehm, un alemán que vivió en el siglo XIX. Boehm diseñó una flauta travesera completamente nueva, con llaves y un sistema de agujeros cónicos que mejoró significativamente la afinación y la calidad del sonido. Su diseño, conocido como la "flauta Boehm", se convirtió en el estándar para la flauta travesera moderna y sigue siendo utilizado en la actualidad.La flauta travesera en la música clásicaLa flauta travesera desempeñó un papel importante en la música clásica durante los siglos XVIII y XIX. Compositores como Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Claude Debussy escribieron piezas destacadas para el instrumento, que se convirtieron en parte integral del repertorio clásico. La flauta travesera a menudo se asociaba con la belleza y la expresión lírica en la música de la época.Uno de los momentos más icónicos para la flauta travesera en la música clásica es el solo de flauta en la ópera "El Pájaro de Fuego" de Igor Stravinsky, una pieza que ha cautivado a audiencias de todo el mundo.El siglo XX y más alláA medida que avanzaba el siglo XX, la flauta travesera se diversificó aún más en términos de estilos y géneros musicales. Músicos de jazz, rock y música contemporánea comenzaron a incorporar la flauta travesera en sus composiciones, lo que amplió su versatilidad y la hizo aún más popular.Hoy en día, la flauta travesera es un instrumento versátil y apreciado en todo el mundo. Se utiliza en una variedad de géneros musicales, desde música clásica hasta jazz, música folclórica y música contemporánea. Su sonido claro y melodioso sigue siendo un elemento crucial en muchas composiciones y grabaciones.La historia de la flauta travesera es un testimonio de la capacidad humana para innovar y perfeccionar un instrumento a lo largo de los siglos. Desde sus inicios, la flauta travesera ha sido un instrumento querido y duradero. Su capacidad para evolucionar y adaptarse a lo largo del tiempo es un reflejo de su belleza y versatilidad musical, y su legado perdurará en la música durante generaciones venideras.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El año 1924 fue memorable para George Gershwin, pues comenzó su carrera como compositor e intérprete de música de concierto y escribió Blue Monday su primera comedia musical en Broadway con la colaboración de su hermano Ira. Esta obra impresionó gratamente al director de orquesta Paul Whitemann quien le propuso hacer un concierto dedicado a la música americana y de paso componer una obra de carácter serio para tal evento.Gershwin aceptó, pero poco versado en las formas musicales, optó por la forma libre de la rapsodia.Así, en febrero de 1924, el autor interpretó la parte solista de su Rhapsody in blue, para piano y jazz-band, hacia el final de un programa que incluía a Schöenberg y Elgar. El éxito fue enorme. Los críticos se dividieron, pero a partir de ese momento se impusieron los reproches que siempre se la harían a la música de Gershwin: trivial, ligera, ingenua, superficial. También sus merecidos elogios: gracia, espontaneidad, melodiosidad, sensualidad expresiva y cierto gancho en su producción, fuera comercial o seria.A comienzos de la década de los treinta George Gershwin y su hermano Ira marcharon hacia Hollywood, dejando Broadway detrás de ellos. De aquellos años datan, además de gran número canciones, La Segunda Rapsodia, estrenada en 1931 y la Obertura Cubana, compuesta en 1932 cuando Gershwin visitó La Habana. Durante su estancia frecuentó la estación radial CMCJ donde actuaba el Septeto Nacional del compositor Ignacio Piñeiro. Allí entablaron una gran amistad e intercambiaron anotaciones musicales. Fruto de estas anotaciones es Obertura Cubana, en la cual Gershwin utiliza temas del son-pregón Échale salsita.Desde principios de la década de 1920, George Gershwin había trabajado frecuentemente con el letrista Buddy DeSylva. Juntos crearon la ópera experimental de jazz en un acto Blue Monday, (ambientada en Harlem), la cual es considerada la precursora de la innovadora Porgy and Bess. La culminación de la carrera como compositor de Gershwin llegó en 1935 con la ópera Porgy and Bess. George Gershwin murió dos años después, el 11 de julio de 1937, con tan sólo38 años de vida, pero con su ópera Porgy and Bess nos dejó un retrato de la vida de una comunidad negra en el sur de Estados Unidos, en la que el autor, fiel a su estilo, sintetizó las dos tradiciones que conocía: la estadounidense, representada por el jazz y el espiritual, y la sinfónica europea.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
A diferencia de sus contemporáneos (Schöenberg, Stravinski, o Prokofiev), Dmitri Shostakovich nunca, en sus setenta años de vida, se atrevió a hablar libremente sobre sus motivaciones estéticas. Tampoco salió nunca de Rusia, que entonces era la Unión Soviética, salvo en pequeños viajes siempre organizados por el Partido Comunista. Es decir, fue un caso totalmente diferente del de Prokofiev o Stravinski, que vivieron también una vida propia en Occidente.Su arraigo le llevó a recibir influencias como la del pueblo judío uno de los pueblos más numerosos de la zona. Es así como en sus obras encontramos muchos ritmos y modos tomados del pueblo judío, e incluso canciones concretas.Cuando Stalin ascendió al poder Dmitri Shostakovich estableció una férrea distinción entre los géneros considerados mayores (sinfonías, conciertos) y los géneros menores (música de cámara, obras para instrumento a solo, lieder).De este modo, las obras mayores, cuya representación estaba controlada por el poder soviético, siempre trataban de adherirse a las directrices del partido. En cambio, en las obras menores, Shostakovich podía permitirse un mayor grado de libertad.De esta forma su música de cámara es mucho más interesante y original que su música sinfónica, e incorpora elementos incluso de la vanguardia de los años sesenta. Por ejemplo, de todos los cuartetos de Shostakovich, el N° 8 Op. 110 ha llegado a ser el más difundido.El autor lo dedicó A la memoria de las víctimas del fascismo y de la guerra. En julio de 1960 el compositor se encontraba en Dresden, dedicado a la composición de Mayo 5, música para una película producida juntamente por la Unión Soviética y la Alemania Oriental; la tremenda trama de esta película impresionó fuertemente a Shostakovich. Y entonces compuso en tres días el cuarteto Octavo, bajo la impresión de esta profunda experiencia. En esta obra por vez primera, Shostakovich aprovechó temas de obras suyas, de la ópera Katerina Ismailova, del Trío con piano, de la Décima sinfonía, del Concierto para violoncello y otras.A fines de la década de 1920 y principios de la de 1930, Shostakovich estaba vinculado con el TRAM (la clase social de los asalariados, aquellos miembros de una sociedad cuya única posesión de valor significativo es su fuerza de trabajo, su capacidad de trabajo), que lo protegió del ataque ideológico. Gran parte de este período lo dedicó a escribir su ópera Lady Macbeth of Mtsensk, que se representó por primera vez en 1934. Inicialmente, tuvo un éxito inmediato, tanto a nivel popular como oficial. Fue descrita como el resultado del éxito general de la construcción socialista, de la política correcta del Partido y como una ópera que solo podría haber sido escrita por un compositor soviético educado en la mejor tradición de la cultura soviética.De las quince Sinfonías de Shostakovich, la N° 9 en mi bemol mayor, compuesta en un mes, agosto de 1945 y estrenada al mes siguiente bajo la dirección de Evgeni Mravinski, es la más corta, la más ligera, pero también la menos popular. Como la Octava está escrita en cinco movimientos: Allegro, Moderato, Presto, Largo, Allegretto. Los tres últimos se encadenan.Las partes más originales son el Moderato con su melodía un poco orientalizante con el clarinete, y el Largo, único momento dramático, con graves sonidos en los trombones y de bellos recitativos de fagot. Estrenada después de finalizar la guerra, ella provoca, según el propio compositor, la cólera de Stalin.Dmitri Shostakovich buscó inspiración en la música antigua, descubierta a través de su maestro Glazunov, verdadero especialista en Josquin y Lasso. Esta influencia se ve sobre todo a través de la importancia que da al empleo y resalte de las voces internas.Existe también una importante presencia tanto en los ballets y Canciones de Shostakovich como en sus sinfonías, de los poetas y escritores antiguos y contemporáneos: Chéjov, Yevtushenko, Ilf y Pétrov, Maiakovski o Blok. La mayoría de estos autores son cómicos, otros satíricos.Al compositor no le gustaba, en general, sentarse a reflexionar sobre inquietudes filosóficas. De hecho, cuando alguien intentaba explicarle que se sentía intelectualmente incapaz, traumatizado artísticamente o algún otro concepto enrevesado, solía contestar simplemente, bebe menos vodka.Podrá escuchar obras seleccionadas y más datos acerca del pianista Dmitri Shostakovich el próximo 25 de septiembre en nuestra nueva edición de El músico de la semana a las 3:00 p.m. por nuestra señal en vivo.
Valentino Liberace, un nombre que evoca imágenes de extravagancia, talento deslumbrante y un estilo único en el mundo del piano. Nacido el 16 de mayo de 1919 en West Allis, Wisconsin, este icónico pianista, cuyo nombre real era Władziu Valentino Liberace, dejó una marca indeleble en la historia de la música y el entretenimiento.Desde una edad temprana, Liberace mostró un prodigioso talento musical. Su madre, Frances Liberace, fue su primera maestra de piano y lo alentó a perfeccionar su habilidad innata. Su dedicación incansable y pasión por el piano lo llevaron a estudiar en el Instituto de Música de Wisconsin y más tarde en el Conservatorio de Música de Milwaukee.Valentino Liberace desarrolló un estilo de interpretación que iba más allá de la música: era un espectáculo en sí mismo. Sus actuaciones eran opulentas y extravagantes, con trajes de lentejuelas, abrigos de piel y joyas ostentosas que reflejaban su personalidad carismática. A menudo, su piano también estaba adornado con detalles brillantes. Estas características hicieron que su nombre se convirtiera en sinónimo de exceso y lujo en el mundo del entretenimiento.Su repertorio incluía una amplia variedad de música, desde clásica hasta pop, pasando por jazz y música de películas. Entre sus obras más destacadas se encuentran "Claire de Lune" de Claude Debussy, "Rhapsody in Blue" de George Gershwin, y su propia composición, "Concerto for the Birds". Liberace tenía la habilidad de hacer que cualquier pieza musical sonara única y emotiva a través de su técnica excepcional y su estilo personal.A lo largo de su carrera, Valentino Liberace cosechó una inmensa cantidad de seguidores y fans leales. Su programa de televisión, "The Liberace Show", se emitió desde 1952 hasta 1955, y más tarde en los años 60 y 70, lo que lo convirtió en uno de los artistas más queridos de la televisión estadounidense. Sus actuaciones en vivo, que a menudo se realizaban en escenarios enormes, atraían a multitudes igualmente grandes, y su carisma en el escenario lo convirtió en un fenómeno de la cultura pop.Además de su música, Valentino Liberace era conocido por su generosidad. Donó grandes sumas de dinero a organizaciones benéficas y causas filantrópicas a lo largo de su vida.Lamentablemente, su salud se deterioró en sus últimos años debido al VIH, que contrajo en una época en que la enfermedad todavía era mal comprendida. Valentino Liberace falleció el 4 de febrero de 1987, a la edad de 67 años. Su legado musical y su impacto en la cultura popular perduran hasta el día de hoy.Valentino Liberace fue mucho más que un pianista virtuoso; fue un maestro del entretenimiento, un ícono de la música y una figura emblemática que dejó su huella en la historia. Su destreza en el piano y su espectacular presencia en el escenario lo convierten en una leyenda que sigue inspirando a músicos y artistas de todo el mundo.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Los violines Stradivarius fueron creados por el famoso luthier italiano Antonio Stradivari, quien nació en Cremona, Italia, en 1644. Stradivari es conocido por ser uno de los luthiers más influyentes de la historia de la música. Comenzó su carrera como aprendiz de Nicolò Amati, otro destacado luthier de Cremona.A lo largo de su vida, Stradivari perfeccionó su técnica de construcción de violines, violas y violonchelos. Sus instrumentos se destacaron por su artesanía meticulosa, la elección de maderas de alta calidad y su diseño innovador. Stradivari experimentó con diferentes formas, tamaños y tipos de madera, y refinó su proceso de construcción para lograr un sonido excepcional.Los violines Stradivarius se volvieron sumamente populares entre los músicos de la época debido a su excepcional calidad de sonido y su capacidad para proyectar el sonido de manera única en grandes salas de conciertos. Músicos célebres como Niccolò Paganini, Fritz Kreisler y Jascha Heifetz, entre otros, tocaron y elogiaron los violines Stradivarius.Uno de los aspectos que contribuyen a la fama de los Stradivarius es su rareza. Se estima que de los aproximadamente 1,100 violines que Stradivari construyó en su vida, solo alrededor de 650 han sobrevivido hasta hoy. Además, el secreto de la madera y las técnicas exactas que utilizó Stradivari para crear sus instrumentos ha sido objeto de investigación y debate continuo a lo largo de los años, lo que añade un toque de misterio a su legado.Valor y precios récordLos violines Stradivarius son objetos de deseo para músicos y coleccionistas, y se han vendido a precios extraordinarios en subastas. En 2011, el "Lady Blunt", un Stradivarius de 1721, se subastó por más de 15 millones de dólares, estableciendo un récord mundial.¿Qué obras se han tocado con violines Stradivarius?Los violines Stradivarius han sido utilizados en interpretaciones de algunas de las piezas musicales más icónicas de la historia. Algunos ejemplos notables incluyen:"El Messías" de Georg Friedrich Händel, que fue interpretado por el virtuoso del violín Fritz Kreisler en un Stradivarius."Concierto para violín en Re mayor" de Johannes Brahms, que ha sido interpretado por destacados violinistas como Jascha Heifetz en un Stradivarius."Concierto para violín en mi menor" de Felix Mendelssohn, tocado por músicos como Niccolò Paganini en un Stradivarius.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Director Titular de la Filarmónica de Bogotá, el maestro sueco Joachim Gustafsson, el lunes 18 de septiembre de 2023 radicó una demanda ante la Fiscalía General de la Nación, con el objetivo de que se investiguen las circunstancias en que en días pasados le fue enviada una amenaza a través de las redes sociales.Durante el 21 de julio de 2023, vía Facebook, el maestro recibió una publicación realizada contra él, por parte de alguien que se autodenomina “Sicario Cultural” y que aparece como Francisco Lequerica.En el texto del mensaje, el autor sentencia: “ut ur mitt land, din javla blodtörstiga viking”, que en sueco significa: “fuera de mi país, maldito vikingo sediento de sangre”. En un mensaje anterior la misma persona aseguraba que "La gentuza que gerencia el arte en Colombia no entiende de diplomacia, de empatía, ni de solidaridad. Lo único que los mueve a ceder es el miedo a la violencia física. (...) Invito a la comunidad a considerar urgentemente esas otras opciones”.La Orquesta Filarmónica de Bogotá anunció en un cominucado: "la Filarmónica de Bogotá, sus músicas, músicos, maestros formadores, funcionarios y contratistas se solidarizan por lo sucedido al maestro Gustafsson, quien después de ser elegido por las personas que integran la orquesta principal ha sido su director musical desde julio de 2021 y ha hecho enormes aportes al desempeño, visibilidad e internacionalización del sistema de orquestas y de formación musical Filarmónica de Bogotá"."Quienes hacemos parte de la Filarmónica solicitamos a la Fiscalía General de la Nación investigar con urgencia está posible amenaza e incitación a la violencia. De igual manera, insistimos en que la música es un vehículo de transformación social y cultural, en el que la búsqueda de la convivencia y la paz siempre debe ser un propósito", agregaron.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HCJK, el arte de escuchar.
Malcolm Arnold fue uno de los creadores más prolíficos de la música contemporánea con cerca de trescientas composiciones repartidas entre música para cine y concierto.Arnold estudió trompeta, dirección de orquesta y composición en el Real Colegio de Londres. Posteriormente fue solista de trompeta en la Filarmónica de Londres y a partir de 1948 se consagró enteramente a la composición, forjándose un estilo de escritura melódico y armónico que atrajo de inmediato al gran público.Malcolm Arnold compuso más de una veintena de conciertos para diferentes instrumentos: para clarinete, flauta, oboe, trompa, trompeta, dos violines, cello, guitarra.Todos ellos fueron dedicados a solistas concretos, razón por la que en todos queda reflejada de una u otra manera el estilo del solista al que iban dirigidos: Benny Goodman (clarinete), Larry Adler (flauta travesera), Julian Lloyd Webber (violoncello) o Yehudi Menuhin (violín) fueron algunos de sus destinatarios. Entre estos conciertos uno de los más interpretados y conocidos es el Concierto Op. 67, compuesto para el guitarrista inglés Julian Bream.Las obras orquestales de Malcolm Arnold, descontando sus conciertos con solista y sus sinfonías, son principalmente oberturas melódicas, con fuertes reminiscencias del lenguaje musical cinematográfico, muchas de ellas compuestas con fines ceremoniales o conmemorativos por encargo.Son sus obras para orquesta menos densas y más ligeras, destacando sus series de Danzas orquestales ambientadas en diferentes territorios del Reino Unido: dos series de Danzas Inglesas (encargadas por la BBC para un concierto en el que habían de interpretarse las Danzas Eslavas de Anton Dvorák), Danzas Escocesas, Danzas de Cornualles, Danzas Irlandesas y Danzas Galesas.A pesar de no ser sus obras más complejas en el apartado técnico, las Danzas Inglesas son, probablemente, las más conocidas de las obras orquestales de Arnold.Las sinfonías son el principal legado musical de Malcolm Arnold. Aunque poseen elementos comunes, cada una de ellas refleja de diferentes maneras el estilo del autor. Se ha señalado con frecuencia la influencia de Mahler, a pesar del distanciamiento expreso de Arnold del concepto que de la sinfonía tenía el músico austriaco.Mucho más evidente es la influencia de Shostakovich, lo que le valió a Malcolm Arnold el sobrenombre de el Shostakovich inglés. Otras influencias geográficamente más cercanas serían las de Edward Elgar, Benjamin Britten, o las de su amigo el compositor inglés William Walton, o la orquestación del inglés Gustav Holst en su obra Los planetas.Las sinfonías de Arnold cubren el período comprendido entre 1949 y 1986, y a pesar de ser piezas importantes en el conjunto de la música inglesa del Siglo XX, y en concreto en el recorrido histórico del sinfonismo inglés, son muy poco conocidas fuera del Reino Unido.En la producción musical de Malcolm Arnold se destacan sus obras de cámara. Entre ellas, su Sonata para flauta y piano Op. 121, escrita en 1977 por encargo del Welsh Arts Council. La Sonata fue dedicada a James Galway, quien la estrenó junto con el pianista Anthony Goldstone durante el Festival de Cardiff.Escuche una selección de obras maravillosas y más datos acerca del maestro Malcolm Henry Arnold en esta nueva edición de El músico de la semana, el lunes 18 de septiembre a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Con libreto en inglés de Franco Zeffirelli basándose en la obra Antonio y Cleopatra de Shakespeare, fue representada por primera vez en Nueva York el 16 de septiembre de 1966, en la inauguración de la nueva sede del Metropolitan Opera House en el Lincoln Center.Aquí dejamos el argumento y acción del primer acto de Antonio y Cleopatra con música de Samuel Barber.Antonio, en Alejandría, dice a su compañero de armas Enobarbus, que regresará a Roma. Enobarbus le predice que Cleopatra no lo aceptará. Cleopatra entra y los enamorados se ofrecen una despedida temporal.En el Senado de Roma, César Octaviano recibe a Antonio fríamente, por haberse apartado de sus deberes. Discuten y Agripa trata de disuadirlos para que lleguen a un acuerdo, sugiriendo que Antonio se case con la hermana de César, Octavia, como signo de paz entre ellos. Antonio acepta.En su palacio de Alejandría, Cleopatra se entera del matrimonio de Antonio y castiga al mensajero que le trae la noticia. Sólo se alegra cuando sus cortesanos le aseguran que Octavia es poco atractiva según los estándares isabelinos: baja, estrecha la frente, cara redonda y con mal pelo, pero se retira preocupada.En un salón de banquetes romano, los soldados celebran la reconciliación’ de César y Antonio. César lega a su hermana a Antonio, quien encuentra a Octavia y le pide que no haga caso de su reputación pasada. Octavia y César se retiran y los ebrios soldados incluyendo a Antonio se quedan dormitando.Enobarbus asegura que Antonio no podrá abandonar a Cleopatra. En sueños a Antonio le parece ver a Cleopatra llamándolo y se despierta diciendo que ‘parte hacia Egipto’.Podrá escuchar esta obra maravillosa el domingo 17 de septiembre a las 9:00 p.m. en la señal en vivo de la HJCK.
Una niña menuda y morena asoma las manos por el piano, escalando por las teclas, los dedos comienzan a correr por los escalones blancos y negros; así comenzó la travesía de Alicia de Larrocha por el instrumento rey, la niña y el monstruo musical. Alicia de Larrocha dio su primer concierto cuando tenía seis años, "el 14 de mayo de 1929 fue presentada en público por primera vez en la Academia Marshall, interpretando obras de Bach, Mozart y Granados. Fue el compositor y crítico, Joaquín Turina, quien escribió la introducción del programa, explicando la sorpresa y admiración que sintió cuando escuchó tocar a aquella niña con un talento musical excepcional", se lee en la biografía de la pianista.De Larrocha realizó varios recitales en territorio español, su carrera hizo una pausa por la Guerra Civil Española, sin embargo, regresó a los escerarios en 1940. Debutó en Estados Unidos en 1954, el maestro Alfred Wallestein la invitó a una gira de nueve conciertos con la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles.Su biografía también cuenta que "en 1959, año del fallecimiento de su maestro Frank Marshall, Alicia asumió la dirección de la Academia Marshall, continuadora de la Academia Granados, donde, además de supervisar la labor docente del centro, impartía, cuando su dilatada agenda se lo permitía, clases magistrales de piano, especialmente de música de compositores españoles".Las interpretaciones de De Larrocha han sido de las más reconocidas en el mundo, sus manos tocaron de manera impecable y sentida piezas de compositores como Bach, Handel, Couperin, Scarlatti, Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Schumann, Liszt, Chopin, Brahms, Rachmaninoff, Debussy, Ravel, Fauré, Poulenc, Katchaturian, Ginastera, Rodrigo, Suriñach, Montsalvatge, Mompou, Nin-Culmell, Esplá, entre muchísimos otros. De sus más famosas interpretaciones están las de Iberia de Isaac Alberníz, de hecho, esta pieza le otorgó el Premio Grammy a Mejor Interpretación Instrumental Solista (sin orquesta). La Suit Española de Alberníz y su interpretación por la pianista están entre las más reconocidas y hermosas de la música clásica. En el 2004, De Larrocha realizaba clases magistrales de la Academia Marshall. En septiembre debía dar una clase acerca de Iberia de Alberníz, dos días antes de terminar las lecciones se fracturó el femur y tuvo que ser operada. Tras esto se dedicó a estar presente en las clases de la academía hasta que su salud se lo permitió.La pianista falleció el 25 de septiembre del 2009, tras su muerte se han hecho cientos de homenajes alrededor del mundo. En la HJCK, la tenemos presente para nuestros programas de El Piano y Sus Intérpretes o conciertos clásicos. Alicia de Larrocha fue premiada con cuatro Grammys, en la categoría de Mejor Interpretación Instrumental Solista en 1974, 1975, 1988 y 1991. También la apodaron Lady Mozart por su habilidad para interpretar al compositor alemán, su sentimiento al conectarse con el piano es uno de los más impresionantes y conmovedores de los intérpretes hispanoamericanos. La pequeña niña que saltaba por las teclas acompañó a Alicia de Larrocha hasta siempre, ella decidió prestarla a quienes querían seguir sus pasos y ahora ronda en todos los que la recuerdan como la maga del piano, la hechicera de las teclas. Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Si estás interesado en adentrarte en el apasionante mundo de la música clásica pero no sabes por dónde empezar, has llegado al lugar adecuado. La música clásica es un género vasto y enriquecedor que ofrece una experiencia auditiva única. Aquí te proporcionamos algunos consejos clave y ejemplos para que puedas comenzar tu viaje musical clásico de manera satisfactoria.Comienza con los grandes compositores:Una excelente forma de adentrarse en la música clásica es empezar con los compositores más conocidos. Algunos nombres icónicos incluyen a Ludwig van Beethoven, Wolfgang Amadeus Mozart, Johann Sebastian Bach y Pyotr Ilyich Tchaikovsky. Escucha sus obras más famosas, como la Novena Sinfonía de Beethoven, el Requiem de Mozart o las Suites Orquestales de Bach.Explora diferentes períodos y estilos:La música clásica abarca varios períodos, desde el Barroco hasta el Romanticismo y el siglo XX. Dedica tiempo a explorar diferentes estilos, ya que cada período tiene su propio carácter y emociones. Por ejemplo, el Barroco tiende a ser ornamentado y estructurado, mientras que el Romanticismo es emocional y expresivo.Utiliza plataformas de streaming y listas de reproducción:Plataformas como Spotify, Apple Music o YouTube ofrecen una amplia selección de música clásica. Busca listas de reproducción temáticas o curadas por expertos que te ayuden a descubrir nuevas piezas y artistas. Ejemplo: "Música Clásica Relajante" o "Grandes Conciertos de Piano".Aprende sobre los instrumentos:Familiarízate con los instrumentos típicos de la música clásica, como el violín, el piano, la flauta o la viola. Puedes buscar videos en línea que te muestren cómo se tocan y cómo contribuyen al sonido general de una composición. Asiste a conciertos en vivo:Nada se compara con la experiencia de presenciar una actuación en vivo. Busca conciertos locales o incluso eventos en línea y experimenta la música clásica en su forma más pura.Lee sobre la música y sus contextos:Investiga la historia y el contexto detrás de las piezas que escuchas. A menudo, conocer la historia de una composición o el contexto en el que se creó puede hacer que la experiencia sea aún más enriquecedora.Mantén una mente abierta:La música clásica es diversa y puede abordar una amplia gama de emociones. No dudes en explorar obras menos conocidas y experimentales. Puedes descubrir joyas ocultas que te encantarán.Recuerda que la música clásica es una forma de arte que se disfruta mejor con paciencia y curiosidad. Tómate tu tiempo para explorar y descubrir qué obras y compositores resuenan más contigo. ¡Disfruta de tu viaje musical clásico y sumérgete en un mundo de belleza sonora atemporal!No olvide escuchar nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cantautor cubano Silvio Rodríguez lanzará en junio Quería Saber, su primera producción discográfica en tres años y en la que incluye temas compuestos durante este "maltrecho" siglo, informaron este jueves sus estudios Ojalá."El próximo viernes, 7 de junio, se presentará en las principales plataformas digitales de música el álbum Quería saber, de Silvio Rodríguez", señaló Ojalá en un comunicado publicado en el blog Zurrón del Aprendiz, del famoso artista.Según Ojalá, antes del lanzamiento, los seguidores de Rodríguez, de 77 años y fundador de la Nueva Trova Cubana, podrán disponer de dos sencillos: Quería saber, el 24 de mayo, y América, siete días después.Es el 22º disco de la extensa carrera de Rodríguez, autor de temas antológicos como La era está pariendo un corazón y Ojalá.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La única canción del disco "que no es de este siglo" es "Tonada para dos poemas de Rubén Martínez Villena", un destacado escritor y revolucionario cubano que vivió entre 1899 y 1934, cuya música compuso a principios de la década de 1970."Las demás canciones, las actuales, las canté en muchos conciertos de barrio, y creo que son como este joven y maltrecho siglo, al que espero que un buen día le crezcan alas", afirma Rodríguez en el comunicado, refiriéndose a los más de 100 recitales que realizó entre 2010 y 2020 para llevar su música a los barrios más humildes del país.El artista también reflexiona sobre el título del álbum: "Es difícil ponerle nombre a un disco"."Primero iba a ser Canciones del siglo XXI (menos una). Después pensé en Después. Por último, me he decidido por Quería saber. Aunque quizá debería llamarse Quiero saber, porque eso es lo que me mueve", apuntó.Su última producción discográfica data de 2021 cuando presentó Silvio Rodríguez con Diákara, según Zurrón del Aprendiz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Chabuco (Valledupar, Colombia, 1975), que este sábado actúa en Sevilla (sur de España) acompañado de Rocío Soto y otros artistas invitados, dijo en una entrevista con EFE que para él "todas las colaboraciones con mis amigos músicos son importantísimas. He tenido muchas que me han llenado de sueños y se me han cumplido, pero todavía me faltan muchas por cumplir porque considero que en la música y en el arte en general se trata de compartir, no de dividir".El colombiano señala que la música vallenata, que él fusiona con otros géneros como el jazz, el bolero o el rock, tiene una "gran aceptación" y "a pesar de la discriminación que sufrió durante muchos años, se mantiene vigente"Sobre si un artista debe tener su sello personal o adaptarse a los cambios de gustos musicales, Chabuco responde que los músicos "debemos tener nuestro propio camino. Yo por mi trabajo y experiencia creo en lo que hago, en la música de mis raíces, y creo que si hay que recibir algún reconocimiento es haciendo la música bajo tu convicción".Para Chabuco, "la mezcla entre el folclore campesino, que es de donde yo vengo allí en Guajira, con la música que más me ha gustado, desde que he crecido escuchando a muchos artistas diferentes, hace que mi música tenga una particularidad: el encuentro entre el campo con la música moderna".Chabuco comenzó su recorrido musical a final de la década de 1990 y a mediados de los 2000 publicó su primer álbum como solista, titulado "Morirme de amor".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Antes había menos oportunidades para los artistas que querían mostrar su música, pero ahora, con todas estas cosas de las plataformas digitales, creo que todos tenemos una cabida para mostrar nuestros discos y que no solamente por medio de negocios entre disqueras puedas sacar tu música".Con la discográfica Sony publicó el álbum "Encuentro", en el que colaboró con Alejandro Sanz. Chabuco aconseja a los jóvenes artistas que, al margen de compañías discográficas, "crean en su música y en lo que hacen para que así la música pueda coger su cauce sincero hacia lo que ellos quieren, porque lo demás se va juntando en el camino".Su actual gira, que comenzó en febrero, tiene un formato acústico y, aunque en Colombia tiene su banda, Chabuco dice que "hay momentos en los que tengo que hacer giras acústicas. Me gusta de las dos formas. El piano es un poco más desnudo, más puntual con la gente, pero siempre me gusta tocar con mi banda, que es un cuarteto de músicos maravillosos".El colombiano se siente muy satisfecho de la acogida que está teniendo en España: "Está siendo una gira maravillosa por todo este país que amo, donde la gente me recibe con mucho cariño".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este 18 de mayo es el Día Internacional de los Museos y en Bogotá se celebrará con entrada gratuita al Museo Nacional de Colombia y a todos los museos regionales del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes.Tras la declaratoria del Consejo Internacional de Museos (ICOM) en 1977, esta fecha une cada año, a través de una variada agenda cultural y educativa, a la comunidad museística de más de 150 países y territorios. El año pasado participaron más de 37.000 museos alrededor del mundo.En el 2024, el tema central de este encuentro será “Museos por la educación y la investigación”, con el cual se reconoce a estos espacios como centros educativos dinámicos que fomentan la curiosidad, la creatividad y el pensamiento crítico.Es por eso que este 18 de mayo, en el Museo Nacional de Colombia, celebraremos también el trabajo de años del equipo de Acción Educativa y Cultural, encargado de los programas que, más allá de fortalecer y desarrollar conocimientos, generan experiencias y reflexiones sobre las colecciones, el Museo y el patrimonio. Cada una de sus estrategias son didácticas y accesibles para todo público, incluida la población en condición de discapacidad.Desde hace más de 20 años, el Museo Nacional de Colombia cuenta con el Curso de Formación y Voluntariado, un espacio de encuentro ciudadano que promueve la apropiación y reconstrucción de saberes. Este año, este curso contará con una nueva generación.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En Bogotá, la Casa Museo Quinta de Bolívar, el Museo de la Independencia Casa del Florero, el Museo Santa Clara y el Museo Colonial se unen a la celebración mundial con una programación cultural y educativa que incluye talleres y recorridos.Conozca la programaciónMuseo Nacional de Colombia📍Carrera 7 n.° 28-66Jornada de estampación serigrafía: Conéctate con los museos como lugares donde podemos compartir, aprender, cuestionar y crear. Trae tu prenda o papel para estampar. 2:00 p. m. a 4:00 p. m.Crea tu museo: ¿Alguna vez has pensado cómo sería el museo de tus sueños? ¿Cuáles objetos tendría? ¿Qué historias contaría? Reflexionemos sobre nuestro pasado, presente y futuro. Crea tu propio museo a través de nuestro material didáctico. 11:00 a. m. a 12:30 m.Fragmentos: Espacio de Arte y Memoria📍Carrera 7 n.º 6b-30Exposición Desminar: Una instalación de la artista mexicana Tania Candiani, con curaduría de Gabriela Rangel. Desminar fue creada para este lugar específico y propone un análisis topográfico del contra monumento Fragmentos a partir de un detector de minas con el que se busca traducir, en imagen y sonido, la memoria de violencia que subsiste en cada una de las placas de metal que integran el suelo de este espacio. Martes a domingo / 9:00 a. m. a 5:00 p. m. Entrada libre y gratuita.Casa Museo Quinta de Bolívar📍Calle 21 n.° 4A-30 EsteRecorrido:Un viaje por las historias y anécdotas no sólo de su huésped más memorable, sino de otros personajes y acontecimientos que hacen que la Casa Museo Quinta de Bolívar sea uno de los espacios más destacados para visitar en el centro de Bogotá. 11:00 a. m. y 3:00 p. m.Taller memes, stickers e iconografía: ¿Qué tienen que ver los memes que usamos en redes sociales con las pinturas del siglo XIX? En esta nueva propuesta pedagógica se analizará uno de los fenómenos culturales más interesantes de la era digital: los memes y cómo representan nuestras formas de consumo cultural actual, así como en el siglo XIX las imágenes de los próceres, las batallas y las costumbres cumplieron su función y se consumieron y dieron lugar a una nación. 2:00 p. m. (inscripción aquí).Museo de la Independencia Casa del Florero📍Carrera. 7 #11-28Recorridos: Conoce la historia y la colección de este Museo. ¿Cuándo se dejó de llamar Museo del 20 de Julio? ¿Cuántas piezas y cuáles hacen parte de los procesos de independencia? ¿Qué pasó en Bogotá y en el país en 1810? Preguntas, reflexiones y anécdotas que hacen parte tanto del lugar como de la misma historia reciente del país. 11:00 a. m. y 3:00 p. m.Costurero de independencias- Taller de foto bordado: En este taller se analizarán intervenciones en fotografías históricas del centro de Bogotá y del Museo de la Independencia Casa del Florero. Se compartirán historias sobre el museo, los cambios que ha experimentado Bogotá y el patrimonio cultural que la rodea. 10:00 a. m. (inscripción aquí).¡Imprime tu postal!: Visita nuestra estación de sellos e imprime manualmente tu postal, con distintos motivos de las láminas de la Comisión Corográfica. 9:00 a. m. a 5:00 p. m.Recorrido por el centro histórico de Bogotá: ciencia, educación y revoluciónAlgunos lugares del centro histórico de Bogotá estuvieron ligados al pensamiento revolucionario del proceso de independencia de la Nueva Granada. A propósito del Día Internacional de los Museos, se realizará un recorrido por algunos espacios e instituciones científicas y educativas, como la Casa de la Expedición Botánica, el Colegio Mayor de San Bartolomé y la Universidad del Rosario.Punto de encuentro: iglesia de San Agustín, carrera 7 n.° 6C-25 Bogotá10:00 a. m. ( inscripción aquí: htps://forms.office.com/r/VucmLwfajU)Recorrido por La Candelaria y sus museosSe explorarán lugares tal vez desconocidos para quienes recorren las calles de La Candelaria. Se descubrirán los patios interiores de lugares icónicos de la zona, con los museos de la calle sexta. Áreas educativas del Museo del Oro, Museo de Trajes, Museo Arqueológico Musa y Museo Colonial. 11:00 a. m. (inscripción aquí). Punto de encuentro: Museo del Oro (carrera 6 n.° 15-88).Museo Colonial📍Carrera 6 #9-77Visita-taller: La imagen en la Colonia y el tarot: Este espacio fusiona la historia, el arte y la interpretación. Primero se realizará un recorrido donde se explorarán piezas seleccionadas y se abordará la imagen colonial con algunas claves iconográficas inspiradas en el tarot. En la segunda parte, las talleristas proponen una actividad manual, en la que cada participante creará su propia carta o arcano aplicando la técnica del collage. Materiales incluidos. 2:00 p. m. (inscripciones aquí).No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El actor francés Philippe Torreton mostró el martes un pequeño lazo amarillo en la solapa de su traje, en la alfombra roja de la muestra. Este símbolo es en apoyo a las 250 personas que fueron secuestradas por los comandos de Hamás el 7 de octubre en el sur de Israel.La actriz francesa Leila Bekhti, que recientemente grabó un mensaje en favor de los niños de Gaza para Unicef, lució el miércoles un pin con los colores de la sandía, uno de los símbolos de la resistencia palestina.En la muestra, el mensaje más fuerte sobre el conflicto lo protagonizó una de las supervivientes del ataque de Hamás, Laura Blajman-Kadar, con un vestido amarillo que incluía retratos de los rehenes israelíes y una banda en la que se podía leer "Bring them home" ("Devuélvanlos a casa").Esta francoisraelí, que sobrevivió a los ataques en el festival de música electrónica Tribe of Nova, ha escrito un libro sobre esta experiencia, "Croire en la vie" ("Creer en la vida").Pero se trata, por el momento, de gestos discretos, en un festival que acostumbra a ser una caja de resonancia de los conflictos internacionales.La situación podría cambiar este viernes, con la proyección de La belle de Gaza, un documental sobre el restringido círculo de mujeres transgénero palestinas refugiadas en Tel Aviv.Pero lo cierto es que el conflicto israelo-palestino, presente en el filme a través de la dureza de las autoridades ante las "clandestinas" venidas de Cisjordania sin permiso de trabajo, no tiene mucho peso en esta obra de Yolande Zauberman.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La guerra entre Israel y Hamás en la Franja de Gaza estalló tras el ataque sin precedentes del movimiento islamista palestino en el sur del territorio israelí el 7 de octubre, en el que murieron más 1.170 personas, en su mayoría civiles, según un recuento de AFP a partir de datos oficiales.Más de 250 personas fueron secuestradas en el ataque, y 128 siguen cautivas en Gaza, de las que 38 habrían fallecido, según el ejército israelí.En respuesta, Israel lanzó una campaña militar que ha arrasado el enclave palestino, y por ahora han muerto más de 35.300 personas, en gran parte civiles, según el ministerio de Salud de Hamás.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El objetivo es ofrecer un panorama completo del cine español y satisfacer la demanda de alcanzar la mayor diversidad de público posible", explicó este jueves en un comunicado la embajada de España en Colombia.En salas de ocho ciudades colombianas serán proyectadas las más de 25 películas que acercarán el séptimo arte español al público del país, organizadas en cinco categorías: estrenos, animación, Another Way Film Festival, adaptaciones literarias y Festival Internacional de Cine por los Derechos Humanos.La amplia muestra presentará filmes contemporáneos como '20.000 especies de abejas', de la directora Estibaliz Urresola Solaguren, o la ganadora de este año al Goya de Mejor Actor Revelación, 'Te estoy amando locamente'.También habrá clásicos del cine español como la película que muestra la historia del escritor Miguel Delibes, 'Los Santos Inocentes'.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En la oferta no se olvidaron del público más pequeño e incluyeron la película de animación, 'Tadeo Jones 3', ni del cine regional con la presentación de la película en gallego 'Matria', protagonizada por la actriz española María Vázquez, que acudirá presencialmente al evento.Así, catorce salas de Bogotá, Medellín, Cali, Cartagena, Barranquilla, Ibagué, Pereira y Villa de Leyva mostrarán durante una semana un panorama completo del cine español bajo el lema "Ventana al presente".Además, también se organizarán talleres y conversatorios para generar espacios de diálogo, debate y reflexión de problemáticas y temáticas contemporáneas a partir del cine.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.