Una parte de la música clásica mexicana ha quedado en el olvido, pues aunque tiene piezas con composiciones de alto nivel, muchos músicos prefieren interpretar a los clásicos europeos, dijo la pianista mexicana Argentina Durán.“Me di cuenta que hay muchas obras que no se conocen, que casi ni las quieren tocar por alguna razón, el mexicano como que no se adentra tanto en su repertorio o lo hace un poco menos al compararlo con compositores europeos, pienso que es nuestra responsabilidad difundir nuestro arte a la par de esos compositores”, dijo la música originaria del sureño estado de Veracruz.En una visita a Guadalajara (oeste de México), previa al concierto que ofrecerá el 25 de mayo con la Orquesta Solistas de América, Durán aseguró que hay muchas composiciones mexicanas de calidad que no son conocidas.En su más reciente álbum Rapsodia mexicana, la música rescató una pieza inédita del compositor de origen indígena Jesús Corona, cuyas partituras las encontró en la Fonoteca Nacional y le sorprendieron por su complejidad.“En una época donde todos los compositores eran criollos y españoles, él se destaca por esta composición parecida a la de (Franz) Liszt, o sea, con tanta dificultad técnica, arpegios, escalas por doquier, es una obra muy complicada, por lo cual yo creo que no se había grabado antes”, detalló.En el álbum incluyó también canciones de autores variados como José Rolón, Manuel M. Ponce, Alfredo Carrasco y los también veracruzanos, Alejandro Corona y Mario Ruiz Armengol.Además del repertorio, el disco es especial, pues es el primero de música clásica mexicana en ser diseñado y grabado en Dolby Atmos, una tecnología de sonido inmersivo que hará que quien escucha se sienta como si estuviera al lado del piano, detalló Durán.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Música clásica para jóvenesLa mexicana, quien es pianista principal de la Orquesta Sinfónica Nacional, no solo ha difundido las obras de su país y de otras latitudes en conciertos y producciones discográficas, sino también en sus redes sociales, en la que es considerada una 'influencer' y ha logrado reunir a casi medio millón de seguidores en la plataforma de videos TikTok.Su idea de difundir la música clásica nació en pandemia y fue creciendo gracias a la interacción con sus seguidores, principalmente jóvenes, quienes ahora la siguen en sus conciertos.“Rompió muchos estereotipos, muchos prejuicios, sí me considero pionera cuando menos en México y en Latinoamérica de haber llevado la música clásica a las redes sociales, eso generó mucho movimiento cultural porque llegaban jóvenes masivamente a los conciertos en Bellas Artes y agotaban los boletos en 20 minutos, cosa que nunca se ve en música clásica”, declaró.La pianista consideró que las redes sociales son un buen vehículo para popularizar la música clásica, que por mucho tiempo ha sido considerada como un arte para conocedores o para personas con un alto nivel socioeconómico.“Muchos de los músicos tal vez no han sabido aprovechar y utilizar las tecnologías que tenemos en este momento, creo que sí estamos ante una oportunidad histórica de darle difusión a nuestro género que tal vez ha estado dentro de un prejuicio de que sólo es para ciertos estratos sociales, o personas de cierta edad o que es aburrido”, señaló.La música se presentará el 25 de mayo en el Conjunto de Artes Escénicas de Guadalajara junto a la Orquesta Solistas de América.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Heinrich Ignaz Franz von Biber entró muy joven al servicio de la música del Príncipe Obispo de Olmütz , quien era no sólo un cultivado y celoso hombre de iglesia, sino también amigo de las artes y generoso patrocinador de la música. Su capilla privada, encomendada a la dirección de Biber contaba con un buen elenco de músicos y gozaba de una excelente reputación.La prolífica obra de von Biber muestra una predilección por el canon y por un diapasón armónico. Se le conocía como virtuoso del violín y su fama actual se debe sobre todo a sus obras para este instrumento, muchas de las cuales emplean diferentes afinaciones de las cuerdas.Sin lugar a dudas una de sus obras más características es su Harmonia Artificiosa-Ariosa, una serie de siete partitas y cada una de ellas empieza con un elaborado movimiento abstracto (Sonata, Praeludium o Intrada), seguido de varias danzas (Allamande, Sarabande, Gigue, Canario, Balletto) y variaciones. También incluye algunos bailes que parecen haber sido especialmente populares en las cortes de los Habsburgo.A Heinrich Ignaz Franz von Biber se le debe reconocer como el más notable de los compositores alemanes de su tiempo, además de gozar de una amplia reputación internacional como violinista. Su propia técnica le permitía alcanzar fácilmente complicados pasajes polifónicos y explorar las diversas posibilidades de afinación de la scordatura (afinación de un instrumento de cuerda que es diferente de la afinación normal y estándar). 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Biber escribió una de las primeras piezas conocidas para violín solo, la monumental pasacalles de las Sonatas de Misterio (una colección de 15 sonatas cortas para violín y continuo, con un pasacalles final para violín solo). Se presume que las Sonatas de Misterio se completaron alrededor de 1676, pero fueron desconocidas hasta su publicación en 1905.Durante la segunda mitad del siglo XVII, Heinrich Ignaz Franz von Biber fue considerado, junto con los compositores de la escuela de Dresde (Johann Jakob Walther y Johann Paul von Westhoff), uno de los mejores y más influyentes violinistas de Europa. Pero a diferencia de la mayoría de los compositores para violín, Biber no se limitó a la música para instrumento. También fue un prolífico compositor de obras vocales sacras: misas, réquiems, motetes, etc. Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Heinrich Ignaz Franz von Biber en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 6 de mayo a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Según Graham Sadler (estudioso de la música francesa): "Un melómano francés del siglo XVIII seguramente se sorprendería de la escasa atención prestada a Mondonville en nuestro siglo. Se trataba de un hombre que ocupaba algunos de los cargos musicales más prestigiosos de Francia, un hombre que, en su apogeo, era considerado casi igual a Rameau como compositor de ópera y muy superior a él en el ámbito del motete.Sin embargo, hasta los últimos años las representaciones modernas han sido raras. Una razón de este abandono es que la música de Mondonville no siempre parece especialmente interesante en la página. Sin embargo, en la interpretación cobra vida de una manera sorprendentemente directa". Les fêtes de Paphos se representó por primera vez en la Académie Royale de Musique de París el 9 de mayo de 1758 y fue un éxito popular. Así disfrutó de veintinueve representaciones consecutivas y, aunque sólo se revivió el tercer acto, la popularidad del conjunto nunca estuvo en duda.Les Fêtes de Paphos, aunque se describe en la portada como un ballet heroico, se clasifica mejor como una ópera-ballet.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Aquí el argumento y acción de este primer acto:Marte, el dios de la guerra, decide seducir a Venus, pero primero debe deshacerse de Adonis, el rival a quien Venus ama. A pesar de las protestas de Venus, Adonis con un grupo de cazadores va a destruir un monstruo temible que aterroriza al vecindario, pero él mismo resulta herido de muerte. Cuando exhala su último suspiro, Venus lo transforma en una anémona. Marte, no contento con la muerte de su rival, desea destruir la flor, pero el propio Júpiter interviene para devolverle la vida a Adonis. Marte se va, amenazando con que las furias de la guerra lleguen hasta el cielo. Venus y Adonis, junto con las Ninfas y las Gracias, celebran su amor.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral este domingo, 5 de mayo a las 9:00 p. m. por la señal en vivo de la HJCK.
En 1910, Wilhelm Stenhammar (1871-1927) compuso sus “Dos romances sentimentales para violín y orquesta” con dos intenciones bien marcadas. Por un lado, quería que siempre se interpretaran juntos y que el uno no pudiera existir sin el otro, pero por infortunio para el compositor no ha sido así. Por otro lado, al emplear la palabra “sentimentales” no deseaba proporcionarles a sus obras un tinte sensible o romántico, más bien intentaba reflejar lo que para él y su tiempo significaba la palabra “sentimental”: idealismo emocional.Estas piezas serán ejecutadas por el sueco Christian Svarfvar, en compañía de la Filarmónica de Bogotá, dirigida por Joachim Gustafsson, en lo que se ha denominado como “Postales musicales para Suecia y Colombia”, celebrando los 150 años de prósperas relaciones binacionales. De ahí que en esta serie de conciertos se interpreten obras emblemáticas de compositores de los dos países. Hugo Alfvén (1872-1960), Blas Emilio Atehortúa (1943-2020), Wilhelm Stenhammar (1871-1927), Victoriano Valencia (1970-), Milciades Garavito (1901 – 1953) y la dupla Andersson - Ulvaeus (integrantes del grupo ABBA) hacen parte de esta fiesta musical.Además, en este marco especial se realizará el estreno mundial de la obra “Ensueño de una orquídea”, de la compositora Danna Lorena Botero. Las citas con esta unión entre Suecia y Colombia serán el viernes 3 de mayo (7:00 p.m.) en el Auditorio Fabio Lozano –con boletería– y el sábado 4 (4:00 p.m.) en el León de Greiff, con entrada libre.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El violinista sueco Christian Svarfvar, quien acompañará a la Filarmónica, es un célebre músico reconocido por ser uno de los violinistas más consumados y versátiles de Escandinavia, con un historial de interpretar los principales conciertos para violín junto a prestigiosas orquestas. Ha grabado varios álbumes, incluidos tres en colaboración con la Orquesta Filarmónica de Londres.Con una pasión profundamente arraigada por la música y una trayectoria profesional notable, se erige como uno de los talentos musicales más apreciados del país nórdico. Su arte resuena en todas partes, al actuar en lugares prestigiosos de todo el mundo, incluidas actuaciones como solista en escenarios como Carnegie Hall, Musikverein, Concertgebouw, Cité de la Musique, Kölner Philharmonie, Birmingham Symphony Hall, Bozar, Seoul Art Center, Tchaikovsky. Sala de Conciertos, Filarmónica de Luxemburgo y Megaron, Atenas.Criado en una familia de músicos, el viaje de Svarfvar comenzó bajo la dirección de su padre, Sven-Ole Svarfvar, exprimer concertino de la Ópera Noruega y la Orquesta de Cámara Sueca. Con apenas doce años, hizo su debut solista con el concierto para violín de Mendelssohn junto a la Orquesta de Cámara Sueca. Este momento crucial marcó el inicio de un gran viaje en el que Svarfvar continuaría su educación musical.Su reciente e innovador lanzamiento, los “Conciertos para violín” de Bach en versión de Johan Ullén, fueron grabados con la Filarmónica de Londres en los estudios Abbey Road, y atrajeron la atención internacional con más de un millón de reproducciones un mes después de su lanzamiento. Christian Svarfvar toca un violín Sanctus Seraphin 1736 que le ha cedido la Fundación Järnäker.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En su primera entrevista sobre las causas de su repentina salida del cargo, Dudamel dice que "llegó un punto en el que no tenía tiempo material para digerir todo lo que sucedía a nivel profesional" y "a nivel personal"."No era feliz, y en el fondo creo que esa fue la razón esencial", añadió.Sus múltiples compromisos internacionales, y su deseo de pasar más tiempo con su familia son citados por el afamado director, de 43 años, actualmente a cargo de la Filarmónica de Nueva York.Pero Dudamel reconoce que hubo divergencias en el seno de la orquesta de la Ópera de París, con la que tenía previsto realizar una gira en abril de 2023.Los desacuerdos laborales entre la dirección y los miembros de la orquesta sobre esa gira fueron "quizás la gota de agua que hizo desbordar el vaso", añade.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Hay mucha gente, con buenas intenciones" en la Ópera de París, una "casa enorme", explicó."Personalmente tuve la sensación de que no podría realizar mis ambiciones artísticas", explicó.A pesar del cierre de esa etapa artística, Dudamel elogió la calidad artística del proyecto parisino. "Siento un gran amor, una admiración por una (...) institución extraordinaria", asegura.Dudamel protagonizará con la Filarmónica de Nueva York dos conciertos en la Filarmonía de París el 30 y 31 de mayo.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Antonín Leopold Dvořák fue un compositor posromántico natural de Bohemia (territorio entonces perteneciente al Imperio austríaco), uno de los primeros compositores checos en lograr el reconocimiento mundial y uno de los grandes compositores de la segunda mitad del siglo XIX.Anton Dvořák estudió con Antonín Liehmann en la Escuela de Órgano de Praga entre 1857 y 1859, luego se unió como intérprete de viola al grupo que llegaría a ser el núcleo de la orquesta del nuevo Teatro Provisional, que Smetana dirigió desde 1866. La enseñanza privada y sobretodo la composición ocuparon su tiempo a partir de 1873, luego ganó una beca del gobierno austriaco en tres oportunidades (y llamó la atención de Brahms).El autor germano gestionó la edición de algunas obras suyas con Simrock en 1878. Se multiplicaron las interpretaciones en el extranjero, especialmente de las Danzas Eslavas, la Sexta Sinfonía y el Stabat Mater, y con ello importantes encargos.En Inglaterra encontró una especial acogida. Allí estrenó algunas composiciones y recibió un doctorado honorario de Cambridge. En 1890 continuó editando nuevas obras en Praga y en Londres, visitó Rusia y en 1891 comenzó a enseñar en el Conservatorio de Praga. Antes de viajar a Estados Unidos realizó una gira por Bohemia tocando su nuevo Trío Dumky.Entre 1892 y 1895 fue director del Conservatorio Nacional en Nueva York, enseñó composición y produjo obras tan famosas como la Novena Sinfonía (Del Nuevo Mundo), el Cuarteto de cuerdas en fa mayor (Americano), el Quinteto en mi bemol mayor y el Concierto para violoncello. Dificultades financieras y la nostalgia motivaron su retorno a Praga, donde comenzó a escribir poemas sinfónicos y, finalmente, vio recompensados sus esfuerzos en la música dramática con el éxito de su ópera Rusalka.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La sombra de la muerte rondó sobre la primera gran obra religiosa de Anton Dvořák, de quien conmemoramos los 120 años de su fallecimiento. Mientras estuvo dedicado a la composición del Stabat Mater (esbozado en la primavera de 1876 y puesto en limpio a finales del otoño de 1877), perdió a sus tres primeros hijos a causa de enfermedad y accidentes.Son varias las circunstancias que indujeron a Dvořák a abordar el Stabat Mater en forma de amplia cantata: la devoción a la Virgen María, que a finales del siglo XIX alcanzó un punto culminante, y el hecho que, desde Rossini, nadie había vuelto a poner con autenticidad en música la secuencia latina escrita hacia el año 1300 por el franciscano Jacopone da Todi. A estos dos hechos hay que agregar la veneración de María como Madre Dolorosa que se extendió en forma especial en los territorios católicos de lengua eslava de donde procedía Dvořák.La primera representación del Stabat Mater de Dvořák tuvo lugar el 23 de diciembre de 1880 en el concierto de la Asociación de Artistas Musicales, en Praga.La obertura de concierto Carnaval, Op. 92, fue escrita por Anton Dvořák en 1891. Es parte de la trilogía Naturaleza, Vida y Amor de oberturas escritas por Dvořák. La primera de estas oberturas, la Op. 91 corresponde a la Naturaleza, la segunda (la obertura Carnaval) a la Vida y la tercera, la Op. 93 lleva por título Otelo y corresponde al Amor.La obertura de concierto Op 92, Carnaval que escucharemos en unos instantes, está orquestada para dos flautas, flautín, dos oboes, corno inglés, dos clarinetes, dos fagotes, cuatro trompas, dos trompetas, tres trombones, tuba, timbales, triángulo, platillos, pandereta, arpa y cuerdas.El 25 de marzo de 1904 Anton Dvořák al terminar el estreno de su ópera Armida en el Teatro Naciona de Praga, abandonó el escenario debido a una enfermedad. El 18 de abril sufrió un ataque de gripe y falleció el 1° de mayo de 1904 de una causa no determinada, a los 62 años, dejando muchas obras sin terminar.Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Anton Dvorak en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 29 de abril a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Ludwig van Beethoven, sin duda alguna, es uno de los compositores más influyentes en la historia de la música clásica. Su legado abarca una amplia gama de obras maestras, pero son sus sonatas para piano las que destacan como algunas de las composiciones más icónicas y revolucionarias de su tiempo. En este artículo, exploraremos algunas de las sonatas más famosas de Beethoven, que han dejado una marca indeleble en el mundo de la música clásica.Sonata para Piano No. 14 en Do sostenido menor, Op. 27, No. 2, "Claro de Luna"Conocida comúnmente como la "Claro de Luna", esta sonata es una de las obras más reconocibles de Beethoven. Compuesta en 1801, esta pieza captura la esencia del Romanticismo con su atmósfera evocadora y su melodía conmovedora. El primer movimiento, Adagio sostenuto, presenta un delicado y fluido flujo de notas que establece el tono melancólico de la pieza. La famosa sección de tercer movimiento, Presto agitato, contrasta con la serenidad del primer movimiento, exhibiendo la capacidad de Beethoven para crear dramatismo y emoción en su música.Sonata para Piano No. 8 en Do menor, Op. 13, "Patética"Esta sonata, apodada "Patética", es otra de las obras más conocidas de Beethoven. Compuesta en 1798, esta pieza es un ejemplo temprano del estilo expresivo y poderoso que caracterizaría muchas de las obras posteriores de Beethoven. El primer movimiento, Grave - Allegro di molto e con brio, establece de inmediato un tono sombrío y dramático que continúa a lo largo de la obra. El segundo movimiento, Adagio cantabile, ofrece un respiro de la intensidad del primero, con una melodía lírica y emotiva. El tercer movimiento, Rondo: Allegro, regresa con fuerza y energía, concluyendo la sonata con un final emocionante y triunfante.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sonata para Piano No. 23 en Fa menor, Op. 57, "Apassionata"La "Apassionata" es una de las obras más virtuosísticas y apasionadas de Beethoven. Compuesta en 1804, esta sonata es un ejemplo sobresaliente de la madurez artística de Beethoven y su habilidad para fusionar la expresión emocional con la técnica pianística avanzada. El primer movimiento, Allegro assai, comienza con un tema poderoso y enérgico que establece el tono apasionado de la pieza. El segundo movimiento, Andante con moto, ofrece un momento de calma relativa antes de que el tercer movimiento, Allegro ma non troppo - Presto, regrese con fuerza y vigor, llevando la sonata a una conclusión emocionante y explosiva.Sonata para Piano No. 21 en Do mayor, Op. 53, "Waldstein"La "Waldstein" es una de las sonatas más innovadoras y expansivas de Beethoven. Compuesta en 1804, esta pieza es un ejemplo notable de la capacidad de Beethoven para explorar nuevas formas y estructuras musicales. El primer movimiento, Allegro con brio, presenta un tema brillante y virtuoso que establece el tono optimista de la obra. El segundo movimiento, Introduzione: Adagio molto - Attacca, ofrece un momento de contemplación antes de que el tercer movimiento, Rondo: Allegretto moderato - Prestissimo, regrese con energía y vitalidad, concluyendo la sonata con un final jubiloso y triunfante.Estas son solo algunas de las sonatas más famosas de Beethoven, pero cada una de ellas ofrece una ventana fascinante hacia la mente creativa de uno de los compositores más grandes de todos los tiempos. A través de su música, Beethoven logró trascender las barreras del tiempo y el espacio, dejando un legado perdurable que continúa inspirando e impactando a oyentes de todas las generaciones.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Si el Estado no apoya y contribuye a la cultura, el futuro es realmente peligroso", advirtió Argerich, quien también cuenta con la nacionalidad suiza, país donde reside habitualmente.Las Becas Martha Argerich, creadas en 2021 y otorgadas por el departamento de Cultura del Gobierno argentino, tienen la finalidad de ayudar a jóvenes músicos de las Orquestas Infantiles y Juveniles de los barrios populares.Según Argerich, los docentes forman a estos jóvenes con "indudable seriedad, dedicación y mucho amor"."Lamentablemente, las autoridades del gobierno nacional de mi país decidieron interrumpir las Becas (que debieron comenzar en febrero de este año) y despidieron a esos, y otros profesores de las Orquestas Infantiles (...) Están privando a los jóvenes de la oportunidad de tener un brillante futuro musical", consideró la pianista de 82 años.Argerich, una de las pianistas más reconocidas del mundo y una destacada intérprete del repertorio de compositores como Chopin, Liszt, Bach o Schumann, aseguró que ella misma recibió el apoyo del Estado Argentino en su juventud.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."(El apoyo público) fue fundamental para mi formación y posterior carrera artística", dijo.Además, la pianista lamentó que el Ejecutivo de Milei esté "quitando el apoyo a numerosos espacios de la cultura"."Si no se apoya la cultura, el futuro de los niños y jóvenes, y de todo el pueblo, corre peligro. Confío en que las autoridades vuelvan a pensar en continuar de alguna forma con estos programas", concluyó Argerich.Por su parte, el secretario de Cultura de Argentina, Leonardo Cifelli, se mostró sorprendido por las quejas de Argerich y confirmó a la prensa local que está particularmente interesado en la continuidad del programa de Becas Martha Argerich y que hablaría personalmente con la intérprete para aclarar la situación.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Alberto Ginastera pertenece, culturalmente, al movimiento musical sudamericano moderno. Este hecho marcó toda su obra ya que se le considera el sucesor de Villa-Lobos a la cabeza de dicha corriente cultural.Alberto Ginastera parecía el arquetipo del intelectual latino, con sus cabellos tirados hacia atrás y sus gruesas gafas, y emprende desde su infancia en el Río de la Plata sus estudios musicales.En el año 1941 Alberto Ginastera compuso la música de Estancia, un ballet por encargo del American Ballet Caravan, una compañía estadounidense. Cuando el compositor puso manos a la obra, tenía en mente diversas escenas rústicas de las pampas, y en su momento, no había otro compositor más calificado para tal empresa.Ginastera terminó la obra puntualmente de acuerdo al encargo, pero el American Ballet Caravan se disolvió en 1942, de modo que el ballet tuvo que esperar para ser estrenado. El 12 de mayo de 1943, en el Teatro Colón de Buenos Aires, se tocó la suite de Estancia, y el ballet completo fue estrenado hasta el 19 de agosto de 1952, en el mismo escenario de la capital argentina.Durante sus 67 años de vida y sus cuarenta y cinco años de composición, Alberto Ginastera construyó paciente, obstinada y meticulosamente una obra que no se parece a ninguna otra, aunque las influencias de su tiempo se reflejen.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Una obra que forma un bloque en constante mutación, desde las aparentes facilidades del folclor hasta las audacias controladas de la música contemporánea. Una obra que ha hecho del músico argentino el más conocido de los compositores latinoamericanos del siglo XX.Una beca de la Fundación Guggenheim lleva a Alberto Ginastera a los Estados Unidos, donde reside de 1945 a 1947 y trabaja con Aarón Copland. Cuando vuelve a su país, lo hace para componer y enseñar, como tal, es director de Conservatorios, fundador de un instituto de composición y forma toda una generación de creadores sudamericanos, como el argentino Luis María Serra o el brasileño Jorge Antunes.El estilo de composición de Alberto Ginastera se divide en tres periodos que él mismo bautizó: nacionalismo objetivo (con presencia de elementos folclóricos), nacionalismo subjetivo (música académica con la influencia de sus estudios en Nueva York), y neoexpresionismo (por la técnica dodecafónica). Muchas de las obras de Ginastera se inspiraron en la tradición gauchesca. Esta tradición sostiene que el gaucho, o jinete sin tierra nativo de los llanos, es un símbolo de Argentina.A diferencia de otros compositores nacionalistas, Alberto Ginastera, nuestro Músico de la Semana HJCK.com, quien nació el 11 de abril de 1916, no solo mostró una sensibilidad hacia los aspectos de su cultura local, sino que también se interesó por las corrientes compositivas internacionales del momento. La obra de Ginastera es el reflejo de un músico que se impregna de la historia, el folclore y la literatura de su país natal, al mismo tiempo que encuentra en las técnicas contemporáneas de composición, como el serialismo dodecafónico y la politonalidad, su medio de expresión.Podrá escuchar obras maravillosas del compositor Alberto Ginastera en la nueva edición de El Músico de la Semana el lunes 8 de abril a las 3:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
Hace 300 años la ciudad de Leipzig en Alemania se vistió de gala para escuchar una de las obras que Johann Sebastian Bach, (quien por aquel entonces sólo llevaba nueve meses activo como cantor de la Iglesia de Santo Tomás) había compuesto para el servicio religioso del Viernes Santo de ese 1724.La Pasión según San Juan BWV 245 que transmitiremos hoy en Canto y Música Coral por HJCK.com, se interpretó por primera vez en la iglesia de San Nicolás de Leipzig el Viernes Santo, 7 de abril de 1724 (aunque parte de la música puede datar de un período anterior).Según las notas del crítico musical Malcolm Boyd, "Bach había planeado estrenar la obra en la iglesia de Santo Tomás, donde había más espacio para acomodar a sus cantantes e intérpretes, pero al final tuvo que ceder. Por lo tanto, repitió la obra, en una versión revisada, en Santo Tomás al año siguiente, y hubo al menos dos representaciones más en Leipzig durante su vida. En cada caso Bach hizo modificaciones, en parte para adaptar la obra a las nuevas condiciones interpretativas, pero quizás también para hacerla más aceptable para las autoridades eclesiásticas.No existe, por tanto, una versión definitiva de la obra; el que normalmente se interpreta (y que escucharemos hoy 300 años después de su estreno) es la que se reúne a partir de la partitura en limpio (de las cuales las primeras 20 páginas están escritas a mano por Bach y datan aproximadamente de 1739, y un conjunto de partes que reflejan una interpretación de los últimos años de la vida de Bach. La secuencia real de movimientos es la misma que en la versión interpretada por Bach en 1724".Según el musicólogo alemán Martin Geck, "en La Pasión según San Juan de Bach no predomina ni la tradición ni lo nuevo, ni la pintura ni el elemento estructural, ni la teología ni la música. Bach pone a su disposición las ideas de su época de diversas formas, fundiéndolas rápidamente en una obra que se caracteriza por el color e incluso la contradicción. La unidad de esta obra no puede calcularse ni contarse como una cantidad abstracta; es la unidad de la vida en toda su diversidad, domesticada por un artista con gran pensamiento e imaginación".💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Bach siguió los capítulos 18 y 19 del Evangelio de Juan en la Biblia de Lutero, y el Evangelista sigue exactamente las palabras de esa biblia. La estructura de la obra se divide en dos partes.La primera nos trae las escenas en el Valle de Cedrón (al noroeste de la ciudad de Jerusalén) y en el palacio del sumo sacerdote Kaifás. La segunda parte muestra tres escenas, una con Poncio Pilato, otra en el Gólgota y la tercera, finalmente, en el lugar del entierro. El coral del comienzo de la segunda parte recuerda al oyente en qué punto de la narración finalizó la primera: Jesús es apresado de noche como un ladrón, según las palabras tomadas del himno Christus, der uns selig macht, escrito en 1531 por el teólogo protestante Michael Weisse.En la nueva versión de Canto y Música Coral que celebra los 300 años del estreno de La Pasión según San Juan BWV 245 de Johann Sebastian Bach, escucharemos la versión que nos ofrecen Nico van der Meel como El Evangelista; Kristinn Sugmundsson, en el papel de Jesús; Jelle Draijer, quien interpreta a Poncio Pilato y David Barick, como Pedro.A estos personajes principales los acompañan Annegeer Stumphius, James Bowman, Christoph Prégardien, Peter Kooy, Michiel ten Houte de Lange, Adinda de Nijs, el Coro de Cámara Neerlandés y la Orquesta Siglo 18, bajo la dirección de Frans Brüggen.Podrá escuchar la obra completa en la nueva edición de Canto y Música Coral el próximo domingo 7 de abril a las 9:00 p.m. por la señal en vivo de la HJCK.
La Orquesta Filarmónica de Medellín presenta un concierto que une el arte callejero de la ciudad y la música sinfónica bajo la dirección de Paolo Bortolameolli, quien representa la nueva generación latina de directores y es uno de los nombres claves de la música clásica actual.El concierto se presenta en dos momentos. Primero un momento de conexión con los artistas callejeros de la ciudad, en el que el público podrá disfrutar diversas disciplinas artísticas como clown, acrobacia y malabares en varios espacios del teatro. Luego, bajo la dirección de Paolo Bortolameolli, se presenta un concierto de orquestas unidas junto a Filarmed y la Sinfónica EAFIT con el estreno en Colombia de Estallido de M. Farías y la Sinfonía n°. 6 de G. Mahler. "Para la Orquesta Filarmónica de Medellín ha sido muy importante en los últimos siete años ser cercanos a la comunidad y representar a una nueva generación de músicos, en ese sentido siempre estamos buscando directores que personifiquen ese propósito. Paolo es uno de ellos, es cercano, utiliza el concepto de poder hablar de la música clásica en términos coloquiales con la gente y entiende que no es solo para unos pocos. Además, nos complace invitarlo por su manera de dirigir y acoger los proyectos sociales. Desde antes de pandemia quisimos convocarlo a dirigir Mahler, y por fin este año estará por primera vez con nuestra orquesta. Estamos muy felices porque él personifica lo que esperamos en un director invitado y la música clásica", comenta María Catalina Prieto V., directora ejecutiva de Filarmed.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Más de 120 músicos en escena presentan el estreno en Colombia de Estallido de M. Farías y la Sinfonía n°. 6 de G. Mahler. La primera es una obra muy rítmica, con mucha energía, una explosión musical que tiene que ver con la revuelta social que inició en Chile el 18 de octubre de 2019. “Sin darme cuenta estaba describiendo lo que me tocó presenciar desde el lugar donde vivo, comuna de Santiago...los artistas, de cierta manera, somos un reflejo de lo que es nuestro contexto...”, expresó el compositor.Por otro lado, la Sexta de Mahler, expresa la sensibilidad del compositor. A lo largo de sus movimientos, la sinfonía refleja la lucha interna, la tragedia, la esperanza y la belleza. Mahler mismo describió esta sinfonía como "trágica" debido a su intensidad emocional y su representación de la lucha humana.El concierto se llevará a cabo el sábado 25 de mayo en el Teatro Metropolitano a las 6:00 p.m., ya puede adquirir las entradas en latiquetera.com, Premium Plaza, Plazoleta Central La Tiquetera Itagüí.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En la HJCK estrenamos nuestro especial llamado Los ecos de su voz: Gabriel García Márquez vive, allí creamos una nueva sección en la que se encuentra una memoria construida a través del paso del escritor por nuestros micrófonos que han sido testigos de su vida. Este especial está siendo alimentado constantemente por materiales que hacen parte de la historia de García Márquez y la nuestra. Agregamos cinco nuevos audios de archivo con la voz del Nobel en entrevistas y leyendo su propia obra.Por ejemplo, tenemos la lectura de García Márquez de su cuento Un día de estos que hace parte del libro Los funerales de la mamá grande, grabado para la HJCK en abril de 1967. En esta grabación está, además, su voz leyendo De la mala hora, uno de sus relatos más emblemáticos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.También contamos con las palabras de Gabriel García Márquez en el homenaje al poeta y escritor Álvaro Mutis en el Palacio de Nariño, en la celebración de sus 70 años de vida. Mutis y Gracía Márquez sostuvieron una amistad durante años. Ambos eran sus lectores más críticos y, al mismo tiempo, sus compañeros de cruzadas literarias.Dentro de esta selección de audios está la entrevista que le realizó de Patricia Castaño en La Habana, Cuba, aquí habla sobre la música popular en la literatura. Hace referencia también a sus talleres de cine y televisión en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de Lo Baños en Cuba. Además, define el concepto de cine, televisión y el origen del vallenato. Una conversación en 1989 que deja ver los pensamientos claros que tenía García Márquez sobre su obra y el cine.El especial tiene una línea gráfica única de Felipe Cifuentes y música compuesta exclusivamente para ello por Diego Santamaría y Alejandro Santamaría.🦋 Visite el especial"Los ecos de su voz: Gabriel García Márquez vive" haciendo clic aquíy descubra textos inéditos, entrevistas, fragmentos de su obra en su propia voz y más detalles de la vida y obra de nuestro Nobel de Literatura.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En un emocionante anuncio para los amantes de la animación y el cine de autor, Cinetopia en alianza con Sony Pictures Classic presentan el estreno de La vida de Jagna en Colombia el próximo jueves 6 de junio de 2024. De los creadores de Loving Vincent , esta nueva obra ofrece una experiencia visual llevando al público a un viaje fascinante a través del tiempo y el arte.La vida de Jagna es la nueva producción de los creadores de Loving Vincent , la película animada arthouse que se convirtió en un éxito global con 42 millones de USD recaudados en todo el mundo. En esta ocasión, la técnica animada basada en cuadros pintados al óleo vuelve a sorprender por su belleza y originalidad.La película sigue la historia de Jagna, una joven de familia humilde en un pueblo polaco de finales del siglo XIX. Decidida a forjar su propio destino en una comunidad atrapada en chismes y disputas, Jagna se enfrenta a las presiones de un patriarcado arraigado. Obligada a casarse con el terrateniente más rico del pueblo, mucho mayor que ella, Jagna mantiene un romance secreto con su hijo Antek. Su espíritu libre y su lucha por la independencia la convierten en el centro de envidias y odio en la comunidad.La vida de Jagna debutó en el Festival de Cine de Toronto -TIFF- en septiembre de 2023, donde críticos y audiencias celebraron su innovadora técnica visual y profunda historia. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Dirigida por los animadores polacos DK Welchman y Hugh Welchman, quienes trabajaron durante 10 años en esta obra, la película también tuvo un exitoso paso por el London Film Festival en octubre de 2023 y recientemente se presentó con funciones agotadas en el Festival de Cine de Anima, de Bruselas.Producida por el estudio Breakthru Productions , responsable de éxitos como Loving Vincent , La vida de Jagna marca un nuevo hito en la animación por su combinación única de técnica pictórica y narrativa envolvente. Más de 100 animadores trabajaron en estudios ubicados en Polonia, Serbia, Lituania y Ucrania, llevando a la pantalla una historia inspirada en las obras de pintores del período de la Joven Polonia y las escuelas de Barbizon y La Haya.Vea el tráiler de "La vida de Jagna" aquí:No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El escritor británico-estadounidense de origen indio (Mumbai, 1947) participó este lunes en un acto en el Ateneo de Madrid, donde conversó con el escritor Javier Cercas y la periodista Montserrat Domínguez con motivo de la promoción en España de su último libro de memorias 'Cuchillo (Meditaciones tras un intento de asesinato)'.Un obra donde describe su intento de asesinato, el 12 de agosto de 2022, cuando participaba en una conferencia en el estado de Nueva York y 35 años después de que el ayatolá Ruhollah Jomeini, difunto líder iraní, emitiera una 'fatwa' o edicto pidiendo su muerte tras haber escrito 'Los versos satánicos' en 1988."Cambiar el mundo a través de la literatura no se puede (...). Es muy raro que un libro tenga un efecto directo en el hombre (...) Cuando nos vemos ante el horror y la atrocidad, ¿cómo puede la literatura afrontrarlo?", cuestionó.Según el autor, ésto es "muy difícil" y lamentó que ante "estas guerras (Ucrania y Palestina)" son muy "pocas las cosas útiles" que los creadores pueden hacer: "en Ucrania sí que se puede dar voz a aquellos que padecen la guerra, amplificar esas voces y eso es algo que los escritores pueden hacer para apoyar las víctimas"."Putin dice que los ucranianos son nazis, y tenemos a Trump diciendo que las elecciones anteriores fueron un fraude, y hay muchos americanos que piensan que fue así y que le robaron las elecciones pasadas, y es una situación muy peligrosa", afirmó.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Nos vemos en un mundo de falsas narrativas que se nos presentan y se nos inculcan, si te dedicas al relato hay que hacer algo al respecto y los novelistas a menudo acaban diciendo la verdad extrañamente", expresó entre risas Rushdie, a quien Javier Cercas calificó de "ironista".Y Rushdie confirmó que, para él, "el fanatismo excluye el humor", por eso decidió utilizarlo en esta obra: "El humor es una respuesta frente al fanatismo porque es algo que el fanatismo no posee. Este libro, que surgió a partir de un acto de fanatismo horrible y es un libro bastante divertido, no debería serlo, pero lo es. (...), es ligero, lleno de comedia, no son chistes ni bromas, sino humor".Durante su intervención, repasó el tiempo que pasó en el hospital, al igual que lo hace en el libro, y recordó cómo cuando fue acuchillado por un hombre que estaba entre el público de un acto que protagonizaba, escuchó una "voz" que le decía "no mueras, no te mueras"."Creo que esa fuerza vital que me hablaba me hizo superar la situación, es algo que quizá tengamos todos, un instinto de supervivencia del que quizá no seamos conscientes", añadió.Con una vida "normal", aunque rodeado de grandes medidas de seguridad, el escritor explicó que se ha negado a hablar con el autor de su ataque porque pensó que le iba a contestar "una banalidad", así que optó por usar sus "dotes novelísticas".Durante su intervención, confesó su adoración por Gabriel García Márquez, a quien no conoció, pero con quien mantuvo una conversación telefónica; "García Márquez decía que no entendía inglés, pero yo creo que sí, y mi español era bastante malo, hablamos como pudimos, pero fue muy divertida", concluyó este amante de la literatura en español.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Esta nueva publicación de las cartas inéditas de Franz Kafka también revelan un hecho poco conocido y documentado como fue su voluntad insistente en ser reclutado como soldado en la Primera Guerra Mundial, algo que fue evitado por sus jefes porque lo necesitaban como empleado ejemplar, explica Ignacio Echevarría a cargo de la edición de Franz Kafka. Cartas. 1914-1920 (Galaxia Gutemberg), segundo de los tres volúmenes que componen esta producción epistolar, de las que se conservan cerca de dos mil.Entre las más de quinientas cartas reunidas en este volumen, que comprende los años 1914-1920, cerca de un centenar y medio son inéditas en español y recogen los años decisivos, de maduración del autor.Escritor checo de origen judío, Franz Kafka (Praga, 1883 - Kierling, Austria, 1924) desarrolló su carrera literaria en alemán y publicó solo algunos de sus textos. Antes de morir, a los 40 años, ordenó a su íntimo amigo y consejero literario Max Brod que quemara todos sus manuscritos, pero éste no lo hizo y viajó con ellos a Palestina en 1939, editó parte y contribuyó a la publicación de sus obras maestras.El período que comprende este volumen coincide con el estallido de la Primera Guerra Mundial, que es un trasfondo que dura casi 4 años en el recorrido de estas cartas y también con el diagnóstico de la enfermedad de la tuberculosis, dos acontecimientos que son muy agresivos para él.El criterio de ordenación de las cartas ha obviado la tendencia a agrupar las cartas por corresponsales (a Felice Bauer, a Milena Jesenská, a Max Brod, a la familia...) y se ha hecho una secuencia estrictamente cronológica para comprobar las diferentes 'tonalidades' –a veces muy variadas– que Kafka emplea con cada destinatario, y observar las distintas facetas de su personalidad respecto a cada una, señala Echevarría.Y están las cartas a todo su tejido de amistades, a sus amigos de la juventud, a su hermana y a su madre, a otros escritores de la época, a sus jefes en el trabajo, las cartas oficiales a la burocracia checa...💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Lo primero que te sorprende es el humor, era un hombre sonriente. Un hombre atractivo, alto, apuesto, elegante, que tenía mucho encanto personal, tímido, lleno de humor, que se autoparodia", dice este experto.El epistolario empieza con la última etapa de su relación con Felice y acaba con el arranque y su relación con Milena, explica Echevarría: "Pero Kafka era un hombre seductor" y hay cartas a otras mujeres en las que también despliega su encanto personal.Otro dato sorprendente de estas cartas, una cuestión muy debatida y muy poco esclarecida por los biógrafos, agrega Echevarría, es que cuando se declara la Primera Guerra Mundial, él quiere participar y hace todo lo posible para ser reclutado como soldado, siendo un hombre de orientación política más bien de izquierdas y pacifista.Y también aparece en ellas otro tema muy debatido de la vida de Kafka, como fue su acercamiento al judaísmo, que fue proporcional a su distanciamiento del sionismo, explica.Hay muchas cartas que no se han conservado, pero cuya existencia se conoce por otras; y no solo se recogen todas las misivas escritas por Kafka, sino también todas las cartas que se conservan, muy pocas, de las que le escribieron a él.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.