Una encuesta realizada por el medio para determinar qué está ocurriendo con los museos mostró que están volviendo a la normalidad y que durante 2023 muchos de los más grandes del mundo registraron números de visitantes similares a los de 2019, el año antes de que cerraran sus puertas.Incluso algunos recibieron exactamente la misma cantidad, entre ellos el Rijksmuseum en Amsterdam, que recibió tanto en 2019 como en 2023 unos 2,7 millones de visitantes, apoyado por la exhibición de las obras del holandés Johannes Vermeer, mientras que el Museo Nacional de Escocia tuvo la misma experiencia con 2,2 millones ambos años y el Getty Villa en Los Ángeles con 442.000 en prepandemia y 443.000, respectivamente.Destaca que en total los 100 principales museos recibieron en conjunto en 2023 175 millones de personas, comparado con los 141 millones del año anterior, pero aún distante de los 230 millones previo al cierre por la pandemia.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.No obstante, otros aún luchan por atraer la atención del público como los museos en Moscú afectados por la guerra contra Ucrania y el colapso del turismo extranjero mientras que los diez principales del Reino Unido también están en general un 13 % por debajo de los niveles que registraron antes de la pandemia, asegura el medio.De acuerdo con theartnewapaper, la lucha de los museos de Nueva York no parece ser distinta con el Museo de Arte Moderno (MoMa) registrando más de 2,8 millones de visitantes en 2023, un 2 % más que en 2018 cuando operó a toda capacidad previo a abrir sus puertas por solo seis meses en 2019 por remodelación. En contraste, el Whitney, recibió un 26% menos de visitantes (768.000) en 2023 al compararlo con el nivel prepandemia.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El museo abre mañana martes una gran exposición sobre esa muestra, innovadora en muchas facetas, y la sitúa en su contexto histórico. Obras maestras de Renoir, Manet, Monet, Degas, Cézanne o Morisot figuran entre las 157 piezas que se presentan, llegadas de museos y colecciones privadas de Europa y Estados Unidos.La exposición de 1874 "se ha convertido en legendaria" y cambió "la historia del arte". Esta es "la primera vez" que se trata de forma específica, y se hace con otra exposición, explicó la conservadora de pintura Sylvie Patrie, una de las dos comisarias, durante la presentación de la exhibición.Fue un 15 de abril de 1874 cuando el estudio del fotógrafo de moda Nadar en París, un edificio de cuatro plantas a dos pasos de la Ópera, sirvió para presentar unos 215 cuadros (se desconoce el número exacto) de 31 pintores, muchos de los cuales no pasaron a la posteridad.La idea revolucionaria comenzó ya con su concepción, puesto que los pintores crearon una cooperativa para poder exponer juntos, y lo hicieron al margen del Salón, la exhibición oficial anual de arte, un evento mucho más académico y conservador.El contexto histórico era complicado. Francia acababa de salir de la dura derrota en la guerra contra Prusia (1870) y de la revolución de la Comuna de París y su sangrienta represión (1871).Apenas una cincuentena de las pinturas de esa primera exposición podrían ser consideradas 'impresionistas', un estilo que supuso una ruptura radical tanto con los temas plasmados como con la técnica pictórica.La revolución industrial y la creciente importancia de la burguesía generó temas nuevos, como el ferrocarril, los espectáculos o el turismo, ya que los impresionistas querían mostrar "la vida moderna" y "su visión de una ciudad en plena transformación", añadió Patry.Sobre todo, la forma de pintar "no tiene nada qué ver" con lo que se hacía antes, por el uso revolucionario de la pincelada y el color para plasmar la luz y recrear la impresión que deja en la retina, señaló por su parte la otra comisaria, Anne Robbins."La novedad es tanto la elección de los temas como la recuperación de la sensación, de la impresión", incidió Robbins, conservadora de pintura en el Orsay.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Origen del término 'impresionismo'El nombre 'impresionismo' llegó de un comentario con voluntad despectiva del crítico de arte Louis Leroy a partir del ya inmortal cuadro Impresión, sol naciente, una brumosa interpretación del puerto de Le Havre por Claude Monet, que evidentemente no falta en este homenaje.El término 'impresionista' pasó a ser reivindicado por los artistas en sentido positivo.Otra cosa, precisó Patry, es el "mito" creado a comienzos del siglo XX y que pretende que "un grupo marginal de revolucionarios que pintaban de forma diferente organizaron una exposición de vanguardia", una idea falsa alimentada después por algunos de los artistas y que aún perdura.La nueva exposición, titulada París 1874: Inventar el impresionismo, incluye veinte pinturas de la muestra original en el estudio de Nadar. Muchas de las otras no tenían calidad y se desconoce su nombre.Entre las obras maestras presentes destacan La bailarina, El palco y La parisina (Renoir), Boulevar de los Capuchinos (Monet), Une moderne Olympia (Cézanne) o Ensayo de ballet sobre el escenario (Degas).También está Baile en el molino de la Galette, de Renoir, una de las obras cumbres del movimiento, pero que se presentó en la tercera exposición impresionista, en 1877.Tampoco faltan varias pinturas de la consagrada Berthe Morisot (parte de la exposición original) o de Eve Gonzalès, que luchaba para abrirse paso, a fin de resaltar la presencia femenina en la génesis del impresionismo.Las dos comisarias han dedicado toda una sala a cuadros del Salón de ese año, de factura y temáticas mucho más clásicas, para "reexaminar la radicalidad" estética que supuso la propuesta de los impresionistas.La exhibición del Orsay, que cerrará el 14 de julio, día de la Fiesta Nacional francesa, va acompañada de una experiencia inmersiva con gafas 3D, en el mismo museo, sobre un espacio de 650 metros cuadrados y que permite visitar esa primera jornada de la exposición original de 1874.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En total, nueve pinturas de Gilot -siete de ellas ocupan por completo una sala- aparecen en la nueva exhibición del museo, estrenada durante este mes, con unas 400 obras en total de diferentes formatos, en parte de algunos artistas muy relacionados con Picasso.La sala de Gilot "es una gran novedad", explica Virginie Perdrisot, conservadora de la institución, quien explica que el objetivo es "dar un contrapunto" a la obra de Picasso con cuadros de autores que formaron parte de su entorno.Picasso y Gilot convivieron entre 1944 y 1953 y, tras romper, ella publicó el libro "Vivir con Picasso", que el artista malagueño intentó bloquear legalmente. Su enfado le llevó a no querer ver a los hijos que tuvieron en común, Claude y Paloma.En los últimos años, las relaciones de Picasso con las mujeres de su vida están en el punto de mira, ya que ahora se consideran marcadas por los abusos. En este nuevo contexto, Perdrisot señala que "se quiere que las mujeres estén más presentes en el recorrido, pero no dar una respuesta definitiva" sobre este asunto.Además de los siete cuadros de Gilot en una pequeña sala dedicada solo a la artista y crítica de arte fallecida el año pasado en Nueva York, otros dos complementan una sala dedicada al período en que la familia vivía en Vallauris y que también tiene otras obras de Picasso.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El museo decidió organizar de nuevo su colección, ya que, después de las numerosas conmemoraciones en 2023 por el cincuenta aniversario del fallecimiento de Picasso y con muchas de sus obras en préstamo por todo el mundo por este evento, quería marcar con una novedosa configuración "el gran retorno de la integridad de la colección", detalla Perdriset.Algunas salas muestran de forma cronológica la evolución del artista, como la que analiza su "giro radical" en 1906, y otras lo hacen de forma temática, como "Prehistoria" o "Laboratorio". Esta última detalla cómo Picasso aprovechaba y reciclaba cualquier tipo de material para crear arte.Otra sala está dedicada en exclusiva a una de las obras maestras de la colección, "La Alborada", y también hay un pequeño espacio con pequeños poemas manuscritos en trozos de papel.Aún así, el recorrido "es eminentemente cronológico", añade la conservadora, e incluye obras de su colección personal de otros grandes artistas a los que admiraba, especialmente Matisse.La colección del museo, alimentada sobre todo por donaciones de la familia del artista tras su fallecimiento, reúne en total unas 120.000 piezas, la mayoría del fondo documental.Hay unos dos centenares de cuadros, que junto a esculturas cerámicas y obras gráfica totalizan unos 5.000 obras.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Lo han comprobado y demostrado científicos de España, Italia y Argentina, que han datado cinco refinadas canoas recuperadas en el yacimiento arqueológico submarino de La Marmotta, localizado en el lago Bracciano, a unos 60 kilómetros de Roma, y hoy publican las conclusiones de su trabajo en la revista Plos One.Todos los restos han sido recuperados a unos 300 metros de la orilla actual y a unos 11 metros de profundidad (8 de agua más 3 de sedimentos), lo que ha permitido la conservación de numerosos restos y útiles realizados en madera, entre ellos las cinco piraguas -datadas gracias a la técnica del "Carbono 14"-, pero también arcos, hoces, cucharas y miles de semillas, explicó el arqueólogo Juan Francisco Gibaja, investigador principal del trabajo.Los trabajos de investigación en La Marmotta se suceden desde hace varias décadas y ganaron un importante impulso tras el acuerdo de colaboración que firmaron en 2018 la Institución Milà y Fontanals de Investigación en Humanidades del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (IMF-CSIC), la Escuela Española de Historia y Arqueología en Roma y el Museo delle Civiltà (Roma).Auténticos ingenieros navalesAlgunas de las civilizaciones más importantes de Europa se originaron a orillas del Mediterráneo y durante el Neolítico las comunidades viajaban y comercializaban a través del agua, como demuestran los registros arqueológicos y los asentamientos en costas y en islas.El investigador italiano Mario Mineo, del Museo delle Civiltà (Roma) destacó en una nota difundida hoy por el CSIC que las canoas sorprenden no sólo por su tamaño, también por la complejidad con la que se elaboraron. "Estamos ante el trabajo de verdaderos ingenieros navales".Las cinco embarcaciones recuperadas en La Marmotta fueron construidas con cuatro tipos diferentes de madera, algo inusual en yacimientos similares, e incluyen técnicas de construcción muy avanzadas, como los refuerzos laterales; una de ellas se asocia además a tres objetos de madera en forma de "T", cada uno con una serie de agujeros que se utilizarían probablemente para sujetar cuerdas atadas a velas u otros elementos náuticos.Los investigadores han corroborado que se trata de embarcaciones aptas para navegar en el mar y que son ejemplos "excepcionales" de embarcaciones prehistóricas que requirieron para su construcción un conocimiento estructural y de las propiedades de la madera, además de una mano de obra muy especializada y bien organizada.Y lo más importante para el equipo científico: las similitudes entre estas canoas y las tecnologías náuticas más recientes respaldan la idea de que muchos avances importantes en la navegación se realizaron durante el Neolítico temprano, así como la "asombrosa" sofisticación tecnológica de las primeras comunidades agrícolas y pastoriles.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Claves para entender la expansión desde Oriente PróximoJuan Francisco Gibaja observó que se trata de las embarcaciones más antiguas de Europa del periodo Neolítico (primeros agricultores y pastores) y las únicas recuperadas hasta ahora del Neolítico inicial en el Mediterráneo, y detalló que alguna de las canoas tiene hasta 11 metros de longitud y varios elementos que revelan los conocimientos que tenían aquellas sociedades para construir este tipo de barcos."La expansión de las sociedades del Neolítico desde Próximo Oriente por vía marítima se entiende con claridad cuando estás delante de unas embarcaciones tan grandes", manifestó Gibaja, de la Institución Milà y Fontanals de Investigación en Humanidades del CSIC.El investigador aseguró que este tipo de embarcaciones eran aptas para transportar personas o mercancías "normalmente observando la costa", y se refirió a los experimentos realizados por otros colegas con reproducciones de piraguas idénticas a las que se han hallado en La Marmotta y que han demostrado su fiabilidad llevando 12 remeros y algunos kilos de cereal y obsidiana -un tipo de roca-.En la investigación, liderada por la Institución Milà y Fontanals de Investigación en Humanidades (IMF-CSIC), han participado la Escuela Española de Historia y Arqueología en Roma (EEHAR-CSIC), el Museo delle Civiltà (Roma), la Universidad de Pisa y el Centro Nacional de Aceleradores (CNA), en Sevilla, donde se han datado las canoas mediante la técnica del "carbono 14".Este yacimiento submarino se está convirtiendo en un filón para la ciencia y el conocimiento profundo de las sociedades neolíticas. "Cada día es una sorpresa", indicó Juan Francisco Gibaja, y valoró la calidad y especialización del equipo internacional implicado en el proyecto y la utilización de las últimas técnicas en investigación para conocer al máximo unos restos que por su estado de conservación se pueden considerar "únicos".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'Redescubrir Van Eyck', presentada este martes, reúne junto al cuadro restaurado otros cinco del pintor, del que solo han llegado a nuestros días una quincena de obras, además de unas 60 piezas, entre pinturas de la época, esculturas y libros iluminados.Pintado hace casi seis siglos, hacia 1430, la obra del Louvre "estaba muy sucia" y tenía "muchas capas" de barniz amarillo y grueso "que impedían apreciar los volúmenes de las figuras, la paleta de colores y la precisión de los detalles", explica a EFE la comisaria de la exposición, Sophie Caron.El proceso de restauración incluyó un cuidadoso análisis, que duró más de seis meses, a través de rayos X e infrarrojos para determinar el estado del panel de madera de roble sobre el que está pintada la obra.Este cuadro tiene la particularidad de que no fue concebido para estar colgado, sino que está pintado también por detrás, con una hábil imitación del mármol veteado verde, ya que estaba pensado como ornamentación de un monumento funerario para ser visto por ambos lados, lo que también explica su formato casi cuadrado (69x71 centímetros), inusual en la época.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Nicolas Rolin, canciller del ducado de Borgoña (entonces una gran entidad cuyos territorios se repartían entre Francia y el Imperio Germánico), encargó la obra para usarla como altar portátil en sus viajes y después incorporarla a la tumba que se construyó en la iglesia de su localidad natal de Autun (norte de Francia).La restauración permitió ver que bajo la pintura había un dibujo sobre el que pintó el autor. Después, los especialistas retiraron las capas de barniz y restauraron la parte trasera.La iglesia de Autun fue destruida durante la Revolución Francesa y el cuadro acabó en el Louvre en 1805, donde se mostraba colgando, lo que impedía ver la parte trasera.Luz, color y atención al detalle'La Virgen del canciller Rolin' que resurge de la restauración es ahora un cuadro que cautiva por su luminosidad y su colorido, pero también por la atención minuciosa del artista por los pequeños detalles, como bordados, joyas o pliegues textiles."Van Eyck es un maestro de la luz", explica Caron, "y fue admirado por sus contemporáneos por su manera de mostrar cómo la luz reacciona en diferentes superficies y materias", como cristal, terciopelo, pelo animal o piedra.Además, esta pintura muestra, como otros de maestros flamencos o italianos del final de la Edad Media, la superposición de distintos planos, el uso de elementos arquitectónicos, el trabajo de la perspectiva o el inicio de la técnica del 'sfumato'."El agrupamiento de todos estos parámetros condensa en una sola obra muchos temas que se ven en otras de Van Eyck", resume.Pero Caron, que es conservadora de pintura en el Louvre, reconoce que en esta obra Van Eyck no buscó "una construcción matemática a la italiana", ya que algunas perspectivas "no son muy exactas".En este trabajo se muestra "como un maestro de la construcción (de los planos), al tiempo que se libera del aspecto matemático" de la perspectiva, explica.Igualmente, la pintura muestra, igual que otras de sus coétaneos, una creciente preocupación por el realismo, mostrando arrugas o cicatrices de los personajes.La comisaria no descarta que Van Eyck (nacido hacia 1390 y fallecido en 1441, y que tuvo su taller en Brujas, Bélgica), pudiera haberse inspirado en elementos arquitectónicos o paisajísticos que conoció en la península ibérica, ya que acompañó a la comitiva que viajó para solicitar la mano de Isabel de Portugal, casada en 1429 con el duque Felipe el Bueno.La obra maestra de Van Eyck es el retablo de la catedral de Gante (Bélgica), un políptico de doce tablas realizado junto a su hermano Hubert.La muestra, que terminará el 17 de junio, incluye cinco cuadros más de Van Eyck, como 'La Anunciación', prestado por la Galería Nacional de Washington, y también algunos de su paisano y coetáneo Rogier van de Weyden.También hay libros religiosos iluminados, esculturas, capiteles y otros elementos arquitectónicos que ayudan a poner en perspectiva el trabajo de los artistas a comienzos del siglo XV, cuando el arte medieval evolucionaba de forma inexorable hacia el Renacimiento.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Paolo Roversi es conocido por sus fotos con polaroid y la superposición de colores, un estilo onírico que evoca, a menudo con imágenes borrosas, la ropa, los cuerpos o los rostros de los modelos."Sé que vivo en la duda, pero me gusta dudar. Estimo que las dudas son creadoras. Las certezas son puertas cerradas, lo bloquean todo", explicó Roversi, de 76 años, en entrevista con la AFP.Su estilo se fue desarrollando a través de tanteos, e incluso de errores de revelado. "Algunos diseñadores quieren ver sus ropas de manera nítida, por supuesto. Pero otros aceptaron mi imprecisión como algo poético e interesante, algo que le da otro perfume a los vestidos", añadió.Entre esos diseñadores que se rindieron a la magia de Roversi están algunas de las marcas más prestigiosas del mundo de la moda, como el japonés Yohji Yamamamoto, Dior o Comme des Garçons, con los que ha trabajado durante décadas. O estrellas como el modisto John Galliano, o Catalina, la princesa de Gales, en 2021."Me sorprendió la resonancia mundial de esa foto (...) Fue muy agradable trabajar con ella, una persona muy simpática y disponible", recuerda. "Hasta la hice bailar en un momento. Bailaba y fue muy bonito, se sentía libre", añadió el fotógrafo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Roversi es un admirador declarado de los pioneros de la fotografía del siglo XIX. Retratistas que hacían posar durante largos segundos, incluso minutos, a las personas que se ponían delante de su cámara."Una pose larga le da tiempo al alma para surgir. Y le da al azar el tiempo de intervenir" explica el fotógrafo en una de las paredes de la exposición.Es la primera vez que el Palacio Galliera, sede del Museo de la Moda de París, abre sus puertas para exponer a un fotógrafo vivo. En total son cerca de 140 obras en color y blanco y negro y color de Roversi, que empezó su carrera profesional en París en 1973.La exposición, abierta hasta el 14 de julio, se abre con una diminuta foto, la primera que tomó Paolo Roversi, con 10 años, a su hermana en vestido de gala, que cumplía 18 años.Y se cierra con una serie de desnudos en blanco y negro de conocidas modelos, como Inès de la Fresange. O Guinevere, una modelo que ha trabajado durante más de 20 años con Roversi dijo a la prensa: "Cuando posas para él tienes la sensación de que te está pintando".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Entre el 7 y el 30 de marzo, el Centro Cultural Gabriel García Márquez, sede del Fondo de Cultura Económica ofrecerá al público la exposición “Qhapaq Ñan: el gran camino inca”. Organizada por la Embajada de Perú en Colombia, esta exhibición ofrece un detallado y fascinante recorrido visual por el Qhapaq Ñan.Durante todo el mes, la exposición estará abierta al público desde las nueve de la mañana hasta las seis de la tarde en la Sala Débora Arango Fondo de Cultura Económica. El recorrido brindará a los asistentes la oportunidad de descubrir las diversas expresiones culturales de los pueblos incas a lo largo de este antiguo camino.“Conocer el Qhapaq Ñan es comprender gran parte de nuestra historia y la magnitud de nuestra herencia andina. Es entender lo bien organizados que se encontraban nuestros antepasados y cómo a partir de esta red vial, los pueblos contemporáneos todavía pueden seguir tejiendo un futuro de esperanza”, destaca el Ministerio de Cultura de Perú en su promoción de esta ruta histórica. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Fondo de Cultura Económica Colombia (@fcecolombia) ¿Qué es el Qhapaq Ñan?A lo largo de 30.000 kilómetros, esta compleja red de caminos conectó a los incas con seis países de la región sudamericana, abarcando las cumbres nevadas de los Andes y la costa del Pacífico.Si bien las rutas iniciales de este sistema vial datan de hace más de 500 años, fueron los incas, durante el siglo XV quienes unificaron y construyeron las rutas como parte de un gran proyecto político, militar, ideológico y administrativo que se conoció como Tawantinsuyu. Estos caminos les permitieron articular política, económica y socialmente a pueblos, regiones y recursos del extenso territorio andino con la capital del Tahuantinsuyo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Las cuatro rutas principales desde las cuales se forjó el Qhapaq Ñan se desprenden desde lo que hoy en día conocemos como la Plaza de Armas de Cusco, de allí se originaron otras rutas menores, pero que abarcan extensos territorios de Sudamérica. Además de Perú, estos caminos están en Colombia, Ecuador, Bolivia, Argentina y Chile.Dada la importancia de esta red, el 21 de junio de 2014 fue declarado por la Unesco como Patrimonio Mundial de la Humanidad. “El nuevo sitio del patrimonio mundial, que consta de 274 componentes y se extiende a lo largo de más de 5.000 kilómetros. Los componentes se han seleccionado para poner de relieve la importante función social y política de la red viaria; las obras maestras de arquitectura e ingeniería y las infraestructuras conexas dedicadas a las actividades mercantiles, el alojamiento y el almacenamiento de mercancías; y los sitios con un significado religioso”, dijo entonces la Unesco.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Uniformes a rayas de Auschwitz, botones tomados de la ropa arrancada al llegar al campo de la muerte de Sobibor, emotivas cartas y fotos: el museo exhibe 2.500 objetos, muchos de ellos nunca antes vistos por el público.Antes de la guerra y la ocupación nazi, Países Bajos albergaba una vibrante comunidad judía de unas 140.000 personas, principalmente en Ámsterdam. Pero para cuando terminó el Holocausto, 75% de ellas -102.000 personas- habían sido asesinadas.El edificio donde se ubica el museo, un antiguo jardín infantil en el histórico barrio judío de Ámsterdam, tuvo un papel crucial en la historia neerlandesa del Holocausto.Al frente se encuentra un teatro donde las familias judías eran llevadas a esperar la deportación a los campos de la muerte. Los niños eran separados y llevados al jardín infantil para su deportación.Unos 600 niños fueron sacados ocultos, a menudo en cajas o cestas bajo las narices de los guardas nazis, y llevados a sitios seguros por la resistencia neerlandesa.Los visitantes pueden caminar por el "corredor de escape", por donde sacaban a los niños, que en su mayoría nunca volvieron a ver a su familia o amigos.Fotos de niños que no tuvieron la misma suerte adornan los muros, todos muertos en los campos de exterminio."En unos centenares de metros cuadrados del centro de Ámsterdam tienes la historia de la deportación, la colaboración, la parte oscura de la historia", comentó a AFP la curadora Annemiek Gringold."Y del otro lado, tienes un edificio que representa a la humanidad, la solidaridad y el tremendo coraje de los rescatistas gentiles que se arriesgaron para salvar vidas judías", agregó.En los muros del museo colgaron textos de las leyes antijudías que impusieron los nazis, incluyendo un requerimiento de 1942 para llevar una Estrella de David amarilla.Las leyes relatan una historia brutal de persecución, en que los judíos tenían prohibido ir a los parques y se ofrecían recompensas por "denunciar" judíos a las autoridades.Para darle un rostro a algunos de los miles de judíos asesinados, el museo presenta el retrato de algunas víctimas con un breve texto sobre sus vidas."Contamos la historia de la humillación extrema y dignificamos a las víctimas al presentar sus objetos de manera muy especial", indicó Gringold.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.ExclusiónEl museo será inaugurado el domingo por el rey Guillermo Alejandro, y su apertura se da en momentos de creciente antisemitismo en Países Bajos.El número de incidentes antisemitas se duplicó en 2023, informó en febrero el coordinador gubernamental contra el antisemitismo. En un caso, vándalos pintaron esvásticas en una sinagoga de la localidad sureña de Middelburg.Ámsterdam destinó 900.000 euros (976.000 dólares) a la seguridad del museo, que tiene grandes rocas al frente para impedir una arremetida con coche.La asociación Barrio Cultural Judío Neerlandés, que administra el museo, dijo que estar "seriamente preocupada" con el impacto de la guerra en Gaza sobre Países Bajos, donde dijo que ha habido un repunte del antisemitismo, la islamofobia y la polarización."Es lamentable que la apertura del Museo Nacional del Holocausto coincida con esta guerra. Hace que nuestra misión sea más urgente", indicó la asociación en un comunicado.Según Gringold, el museo exhibe varias advertencias aplicables a la actualidad, algunas sobre la propaganda, el nacionalismo y el debilitamiento del imperio de la ley."Creo que cada pueblo necesita conocer su historia, estar consciente de lo que los seres humanos son capaces de hacer a otros y con otros", afirmó.Roosje Steenhart-Drukker, una sobreviviente del Holocausto de 82 años, aportó los zapatos que usaba a los dos años de edad cuando sus padres judíos la dejaron, con la esperanza de que fuera encontrada."Estoy sumamente feliz de que nuestra historia no se haya perdido después de tanta tragedia, tanta tristeza", declaró a AFP.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Y uno de los grandes virtuosos en esa faena fue Gerardus Mercator, un genio de la cartografía que nació pobre el 5 de marzo de 1512 en la ciudad flamenca de Rupelmonde con el nombre de Geert de Kremer, que más tarde latinizaría.Mercator tendrá un nuevo museo en Bélgica en 2025 y se convertirá también en reclamo turístico del pueblo en la margen del río Escalda donde nació, que se dispone a restaurar la torre donde estuvo encerrado por hereje.Rupelmonde habilitará también el molino del antiguo castillo, que data del siglo XVI, cuando "Mercator correteaba por aquí con cinco años", y que aún está en funcionamiento, explica a EFE el responsable de la oficina turística de Flandes Sam Versele."Si abres un mapa en una aplicación como Google maps, todavía están basados en la proyección de Mercator", agrega.El cartógrafo repartió su vida entre las ciudades pre-belgas de Rupelmunde, Lovaina y Amberes y la germana Duisburgo. Estudió, viajó, chocó con la Inquisición, fabricó globos terrestres, inventó el concepto de atlas, fue profesor universitario y tiene un cráter en la Luna con su nombre.Pero su obra más notable, la que le ha valido que desde 1935 un cráter de la Luna lleve su nombre, fue la Proyección de Mercator de 1569, la primera que permitía desplegar el globo terráqueo en las cartas náuticas.El archiconocido mapa consiste en una proyección cilíndrica donde todas las líneas que representan la dirección entre dos puntos son rectas (líneas laxodrómicas), de forma que los marinos podían además trazar un rumbo entre dos puntos manteniendo un ángulo constante con respecto a los meridianos.El mapamundi del geógrafo flamenco resultó especialmente útil en una época de apogeo del comercio marítimo tras el descubrimiento de América y de esplendor para la industria de los mapas, gracias al impulso de la imprenta y al interés de los poderosos reyes Carlos V y Felipe II en las matemáticas y en la cartografía, cercanos al cartógrafo flameco.La proyección de Mercator fue dominante hasta el siglo XIX y ha perdurado hasta nuestros días en ámbitos como la navegación, pero además contribuye a un debate sociológico.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.¿Cómo vemos el mundo?Mercator ofrece una representación distorsionada del planeta Tierra, igual que los mapamundis del romano Ptolomeo en el siglo II o del español Beato de Liébana en el siglo VIII y los de Winkel (1921), Kavrayskiy (1939), McBryde-Thomas (1949) o Hobo-Dyer (2002), porque no se puede desplegar una esfera sobre un plano sin sacrificar algún aspecto de la realidad tridimensional.Y eso afecta a la manera en que se piensa el mundo. Basta mirar al revés un mapa conocido para sentir que el planeta está patas arriba.A Mercator se le reprocha que Europa y Norteamérica resulten desproporcionadamente grandes en su mapa y se muestren en posiciones dominantes en relación con otras regiones del mundo, un sesgo eurocentrista que reforzaría una visión imperialista.Los críticos con Mercator suelen proponer como alternativa la proyección de Gall-Peters, descrita por el clérigo escocés James Gall en el siglo XIX y popularizada por el alemán Arno Peters en 1974.Con formas extrañas a golpe de vista, se considera más equitativa y más justa que la de Mercator, pero aún así contiene imprecisiones, pues alarga las masas de tierra hacia los polos y altera las direcciones.En la televisiónEn la cultura popular, el dilema entre Peters y Mercator cuenta con una célebre escena en la serie de televisión 'El ala oeste de la Casa Blanca' ('The West Wing'), cuando dos asesores del presidente de Estados Unidos reciben a la minoritaria Asociación de Cartógrafos por la Igualdad Social, que pretende que los colegios adopten el mapamundi de Gall-Peters.Los bienintencionados cartógrafos muestran dos mapas de Groenlandia y de África extraídos de la proyección de Mercator, y todos coinciden en que ambas masas de tierra aparentan tener una superficie equivalente.Los académicos revelan entonces que África es en realidad catorce veces más grande que Groenlandia, Sudamérica el doble que Europa, México más amplio que Alaska y que Alemania debería mostrarse escorada al norte y no centrada como proyectó el cartógrafo belgo-germano."Se preguntará usted qué tiene todo esto que ver con la igualdad social, supongo", dice uno de los cartógrafos."No. Me pregunto dónde está de verdad Francia", contesta atónita la asesora.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el marco del Día Internacional de la Mujer, conmemorado por la ONU cada 8 de marzo desde 1975, la Casa Museo Quinta de Bolívar y el Museo de la Independencia Casa del Florero ofrecen durante todo el mes de marzo, una variada programación educativa y cultural dirigida a la feminidad y multiculturalidad colombiana.Actividades en el Museo de la Independencia Casa del FloreroRecorridos 8M: Mujeres y luchas.En este recorrido haremos énfasis en algunas de las mujeres colombianas que han dejado huella en la historia del país, gracias a sus prácticas de independencia frente a contextos y situaciones difíciles en sus tiempos.Viernes, 8 de marzo. 11:00 a.m. y 3:00 p.m.Valor de entrada al museo.¡Estampa tu cartel!A través de la técnica de serigrafía, estamparemos carteles enfocados en la reivindicación del Día Internacional de la Mujer. ¡Acompáñanos!Viernes, 8 de marzo. 2:00 p.m.Valor de entrada al museo.Relatos femeninos en el centro Histórico de Bogotá - Recorrido conjunto Casa Museo Quinta de Bolívar, Museo de la Independencia Casa del Florero y Museo Santa Clara.Las calles del Centro Histórico de Bogotá guardan muchas historias femeninas; la vida conventual en clausura, ser dueña de una chichería, ser una espía o una líder política. Conozca la ciudad a través de estos y más relatos femeninos.Sábado, 9 de marzo. 10:00 a.m.Entrada gratuita. Inscripción previa aquí.Punto de encuentro: Museo Santa Clara. Carrera 8. No. 8-91.Charla: Las mujeres Rrom en ColombiaEn este espacio, Ana Dalila Gómez, líder de la comunidad Rrom en Colombia, nos hablará sobre el rol de las mujeres gitanas en la sociedad colombiana y la lucha por defender sus derechos.Miércoles, 13 de marzo. 3:00 p.m.Entrada libre.Ciclo de talleres “Gráficas de resistencias- Mujeres y Espiritualidad”En este ciclo abordaremos las perspectivas y vivencias de las mujeres desde la época colonial hasta la actualidad, conversaremos sobre los sincretismos religiosos entre las prácticas espirituales indígenas, afro, coloniales y mestizas. Iniciaremos con un recorrido por locales religiosos y esotéricos del centro de Bogotá, los cuales guardan historias y perspectivas religiosas que nos darán insumos para los 5 talleres de co-creación que se desarrollarán en el mes de marzo y abril alrededor de la técnica artística del grabado en punta seca y la narración especulativa. Al final de este ciclo, tendrás la oportunidad de exponer el resultado de tu aprendizaje en el Museo de la Independencia Casa del Florero.Proceso de 6 encuentros:Primera sesión: Recorrido tiendas centro histórico.Viernes 15 de marzo. 2:30 p.m.Sábados, 23 y 30 de marzo. 10:00 a.m.Sábados, 6, 13, 20 de abril. 10:00 a.m.Entrada gratuita. Inscripción previa aquí.Recorrido Especializado: “Imágenes transfiguradas: Símbolos religiosos y nacionales en el Punk y el Metal Colombiano”.En este recorrido, exploraremos la representación de Colombia creada desde las comunidades urbanas del Punk y el Metal a través de la modificación de imágenes y símbolos religiosos y nacionales. Un espacio para vincular diversos elementos como la música, las letras de canciones, posters con la violencia, la religión, la libertad y la identidad en el país.Sábado, 16 de marzo. 11:00 a.m.Entrada gratuita. Inscripción previa aquí.Recorrido Comentado: "Religión y muerte - Tres formas de despedir a los muertos en Colombia"Este recorrido, Abordaremos las formas de despedir a los muertos en Colombia, tanto en el pasado como en el presente, considerando los sincretismos entre conocimientos propios de las comunidades y las tradiciones del catolicismo.Miércoles, 27 de marzo. 3:00 p.m.Jueves, 28 de marzo. 3:00p.m.Entrada gratuita. Inscripción previa aquí.Estación de sellos- Las mujeres en la comisión corográficaA través de la estampación con sellos conoceremos más sobre las vidas de las mujeres en el siglo XIX representadas en las láminas de la comisión corográfica. Personalizaremos las postales con estos sellos para dedicárselas a nuestros seres queridos.Viernes, 29 de marzo. 11:00 a.m.Valor de entrada al museo.Actividades en la Casa Museo Quinta de BolívarRecorrido especializado por la exposición “Rompiendo el molde. Relatos sobre lo femenino”¿Qué significa para ti romper el molde? Para 20 mujeres habitantes de Bogotá, representó la posibilidad de expresar, reconocer y valorar sus luchas. ¡Acompáñanos a conocer sus obras textiles hechas en el proceso de creación textil Rompiendo el Molde!Miércoles, 6 de marzo. 3:00 p.m.Entrada gratuita.Recorridos 8m – Manuelita Sáenz: una lucha por encontrar su lugar en el mundoA Manuela Sáenz se le conoce por su relación con Simón Bolívar, pero ¿sabías que combatió en la batalla de Ayacucho y que era tan influyente que la visitaba Herman Melville? Este 8M, te invitamos a conocer más de su historia y de cómo rompió los esquemas de su época.Viernes, 8 de marzo. 11:00 a.m. y 3:00 p.m.Valor de entrada al museo.Conversatorio- Mujeres creadoras: el quehacer artístico, la educación y el trabajo en comunidad¿Cómo es ser una mujer artista en Bogotá? En este espacio, tres creadoras que participaron en el proceso expositivo “Rompiendo el Molde” de la Casa Museo Quinta de Bolívar, nos contarán sobre su experiencia como artistas en la ciudad, la educación como uno de los medios de desarrollo profesional y el trabajo femenino en colectivo como una herramienta para la sororidad. Con: Adriana Camargo, Claudia Marcela Escobar y Alely Beltrán, artistas de la exposición temporal "Rompiendo el molde” de la Casa Museo Quinta de Bolívar.Miércoles, 13 de marzo. 3:00 p.m.Entrada gratuita. Inscripción previa aquí.Mujeres próceres, el invisibilizado protagonismo de la mujer en la independenciaEn este espacio, recordaremos a algunas de las protagonistas y episodios en que la mujer lideró la marcha hacia la independencia.Miércoles, 20 de marzo. 11:00 a.m. y 3:00 p.m.Valor de entrada al museo.Taller Mi ropa mi cuento-Un armario mágico.Dirigido a niños entre 5 y 11 añosUna aventura en la que podrás descubrir lo que tu ropa dice de ti. Exploraremos tus memorias, tus juguetes favoritos, tus sueños y todo lo que te hace feliz. ¡Te esperamos!Sábado, 23 de marzo. 10:00 a.m.Martes, 26 de marzo. 10:00 a.m.Cupos disponibles 15 niños.Entrada gratuita. Inscripción previa aquí.Ashé: una experiencia de tradición, espiritualidad y feminidad afrocolombianaParticipe en una experiencia de armonización y espiritualidad de la mano y voz de la poeta, compositora y líder social afrocolombiana Alba Nelly Mina. En esta sesión, endulzaremos la palabra alrededor del saber ancestral y caminaremos la tradición de la fe afrocolombiana del Pacífico.Miércoles, 27 de marzo. 3:00 p.m.Entrada gratuita. Inscripción previa aquí.Histeria Patria: Show de comedia con La Cata con BotasCatalina Guzmán es una de las exponentes femeninas del stand up comedy más destacadas del país. Ella, con su particular humor, nos contará un poco sobre el rol de la mujer en la independencia. Domingo, 31 de marzo. 12:00 p.m.Entrada libre. Cupo limitado.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En una ceremonia presidida por Felipe VI y la reina Letizia, el autor, nacido en León en 1942, repasó su vida literaria, sus lecturas y su escritura desde niño en el discurso posterior a recibir el galardón en el Paraninfo de la Universidad de Alcalá de Henares (Madrid).En presencia del presidente del Gobierno español, Pedro Sánchez, otras autoridades y personalidades de la cultura, el escritor reconoció su "precaria incapacidad para escribir" lo que le pasa."Lo que en mi existencia sucede, lo que mi biografía propone, nada me interesa menos que yo mismo, y lo digo con una radicalidad sospechosa", aseguró el autor de obras como 'La fuente de la edad', ‘La ruina del cielo' y la trilogía ‘El reino de Celama’El escritor y miembro de la Real Academia Española, creador del mítico territorio de Celama, indicó que contar la vida ha sido siempre su aspiración, que ha vivido la literatura en la "conquista de lo ajeno" y que Don Quijote llegó a él de niño como un héroe "entrañable".Hasta que comenzó a saber que se trataba más bien de un "antihéroe" al que se fueron pareciendo sus propios personajes, que son, más bien, "héroes del fracaso".Precisamente, el autor recibió el Cervantes por “ser uno de los grandes narradores de la lengua castellana, heredero del espíritu cervantino, escritor frente a toda adversidad, creador de mundos y territorios imaginarios”, según destacó el jurado en su momento.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Es el único que ha recibido en dos ocasiones el Premio Nacional de Narrativa y el de la Crítica y que tiene también el Nacional de las Letras de España.Vestido con chaqué, que como confesó ayer a los periodistas está acostumbrado a llevar en ocasiones por ser académico pero que a veces le recuerda al conde Drácula, el escritor recordó que, desde niño, tuvo necesidad de escribir para contar lo más ajeno a lo que le sucedía y cómo esto le producía un efecto beneficioso.Don Quijote, compañero de infancia y de creación Y "el libro que escuché con mayor deleite y aprovechamiento, en alguna de aquellas versiones apropiadas de nuestros clásicos, fue Don Quijote de la Mancha, y puedo recordar muy bien la mañana de su primera lectura", recordó Luis Mateo Díez.El hidalgo manchego llegó para quedarse, y poco a poco, en el mundo que fue creando como escritor, los seres de ficción tenían "una incierta imagen quijotesca, una atrabiliaria fisonomía de perdición y extravío, en la que no era accidental la fragilidad de su voluntad luchadora por la vida, el afán de vivirla y sobrellevarla con el rendimiento de la generosidad".No obstante, matizó, sus personajes, que no le pertenecen, tienen "una incierta heroicidad, tan cervantina y quijotesca, en aras de una imaginación liberadora y redentora, siendo, acaso, héroes del fracaso". "A ellos vivo entregado, ya que son ellos quienes me salvan a mí", enfatizo el premio Cervantes.Ahora, literariamente, se encuentra "con la inquietud de un octogenario de salud razonable, y conciencia de las ausencias correspondientes, ya que la edad que procura supervivencia hace irremediable a la vez el curso de las desapariciones".“Un formidable creador de mundos imaginarios”Felipe VI ensalzó la figura de Luis Mateo Díez como “un formidable creador de mundos y de territorios imaginarios”, que corrobora, con su escritura, que “la ficción es una parte imprescindible de la existencia”.“Un novelista excepcional” que acrecienta “el legado de los grandes fabuladores de la literatura universal”, destacó el rey.Además de su “calidad artística y dominio del lenguaje”, del escritor español destacó que haya practicado todos los géneros literarios con maestría, de ahí que “la hibridez sea un rasgo sobresaliente” a lo largo de su trayectoria.“Novelas construidas a base de cuentos, ensayos intercalados de relatos o viceversa, fábulas unificadas en un ciclo y narraciones autónomas que agrupadas constituyen un sugerente mosaico narrativo”, sintetizó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Se trata de un cuadro con el que puede haber sorpresas, siempre que han aparecido cuadros de Klimt en subastas, se han conseguido muy buenas subidas. Lo que podemos decir es que el precio de estimación está fijado moderadamente", explica a Claudia Mörth-Gasser, de im Kinsky, la casa de subastas vienesa que organiza la venta.El retrato de la señorita Lieser es una de las piezas en las que Klimt estaba trabajando cuando murió, en febrero de 1918, a los 55 años.Se sabe que el pintor recibió 10.000 coronas como adelanto y se estima que habría recibido otras tantas al entregar la pieza terminada. Hoy día, esas cantidades equivalen a unos 120.000 euros.Perseguidos por los nazisEl cuadro fue encargado por los Lieser, una familia de empresarios judíos que sufrieron el expolio y la persecución de los nazis cuando Austria se unió al Reich alemán en 1938.A la obra se le pierde la pista en 1925, año del que es una foto en blanco y negro tomada para los preparativos de una retrospectiva de Klimt celebrada al año siguiente, y en la que ni se sabe si llegó a exponerse.Ahora se sabe que en un momento indeterminado fue vendido y que desde la década de 1960 estuvo en una mansión a las afueras de Viena.Varios miembros de la familia tuvieron que huir de Austria durante el nazismo y Lilly Lieser, una conocida mecenas, fue asesinada en el campo de exterminio de Auschwitz.Tras la II Guerra Mundial, sus hijas volvieron a Austria y reclamaron los bienes confiscados por los nazis, pero el cuadro no se menciona en esa petición.Hace 18 meses, Ernst Ploil, uno de los gerentes de im Kinsky y perito experto en arte, recibió la llamada de alguien que contó haber heredado el cuadro y pidió ayuda para subastarlo.La casa de subastas inició una profunda investigación que ha concluido que no hay pruebas de si la obra fue expoliada o no entre 1938 y 1945, durante la dictadura nazi en Austria.Por eso, cuenta Ploil, la casa planteó al actual propietario la condición de llegar a un acuerdo con los herederos de los Lieser.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Repartir lo recaudado"El acuerdo es que subastan juntos y distribuyen lo recaudado", resume Ploil, quien afirma que de esa forma se supera cualquier posible injusticia y da seguridad jurídica.Este abogado describe este trato como un ejemplo de buenas prácticas, en un país que hasta hace relativamente poco tiempo puso muy difícil a los descendientes de víctimas del nazismo recuperar lo robado.Mörth-Gasser adelanta que la subasta ha despertado interés internacional y que es difícil saber cómo será la dinámica mañana, pero confía en el que el hecho de que el valor estimado sea tan "moderado" puede contribuir a que suban las pujas.Algo que añade interés al retrato es que no se sabe quién es la modelo, pero se cree que puede ser la sobrina de Lilly Lieser o, más probablemente, una de sus hijas.Sea quien sea, dice Mörth-Gasser, "tiene una presencia increíblemente cautivadora, un atractivo y una belleza juvenil sencillamente encantadores".Mörth-Gasser destaca cómo Klimt captura en los ojos, en el brillo de las pupilas, la esencia de la modelo, y cómo es capaz de transmitir que es alguien que "tiene aún el mundo por delante" y una mirada abierta sobre la vida. Además, el valor artístico de la obra es enorme.Un salto estilísticoSe considera que es un cuadro inconcluso, aún sin firmar y con un fondo en rojo sobre el que se estima que el pintor iba aún a trabajar.Pero es justo eso lo que, según esta experta, eleva la modernidad y la expresividad de la pieza, y adelanta una nueva etapa creativa."Me da la sensación de que si hubiera vivido otros cinco años se habría convertido en pintor abstracto y se habría orientado hacia Picasso", coincide Ploil.Klimt sigue siendo uno de los artistas más cotizados. En junio de 2023 su Dama con Abanico se subastó por 99,2 millones de euros (107,5 millones de dólares), y se convirtió en la obra de arte más cara vendida nunca en Europa.Serpientes de agua II llegó a los 187 millones de dólares en una venta privada en 2013, y sigue estando entre los diez cuadros más caros de la historia.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
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Según el comunicado de la organización, los autocinemas ya no serán un medio de exhibición válido para las películas aspirantes al galardón, esta medida se había tomado durante la emergencia por la covid-19 en 2020, cuando las salas de cine convencionales estaban cerradas por la pandemia.En su lugar, los largometrajes que optan a un premio Óscar solamente serán elegibles si se estrenan en salas de cine entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de este año y pasan en cartelera al menos siete días (consecutivos o no) en las ciudades estadounidenses de Los Ángeles, Nueva York, Chicago, Miami, Atlanta, la zona de la Bahía y Dallas/Fort Worth, que se añade a la lista para esta edición.En el caso de las aspirantes al premio de mejor película, además tendrán que cumplir con los requerimientos de exhibición que fueron anunciados en 2023 y que contemplan siete días más de exhibición en al menos diez de los cincuenta mercados más importantes de EE.UU. en los 45 días siguientes desde su estreno inicial.Además, aquellos proyectos cuyo lanzamiento se lleve a cabo a finales de este año y sus planes de exhibición están previstos para después del 10 de enero de 2025, tendrán que contar con una verificación de parte de la Academia y completar la exhibición ampliada en salas no más tarde del 24 de enero.Otros cambios significativos anunciados para la edición 97, que se llevará a cabo el 2 de marzo de 2025, recaen en la categoría de mejor banda sonora.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.A diferencia de los años anteriores en los que los compositores principales tenían que presentarse como grupo y solo recibían un galardón, ahora la Academia otorgará hasta tres estatuillas individuales si todos ellos han contribuido plenamente a la partitura.Asimismo, las listas de los precandidatos al óscar -las llamadas ‘shortlist’- en esta categoría pasará de 15 a 20 títulos.Además, los largometrajes de animación que opten al premio a la mejor película internacional podrán aspirar también al premio a la mejor película de animación si cumplen los requisitos establecidos para ambos apartados.Y a diferencia del resto de las películas, el nuevo periodo de elegibilidad de para la categoría de largometraje internacional es del 1 de noviembre de 2023 al 30 de septiembre de 2024.Por otra parte, para ser considerados en la categoría de mejor guion adaptado o mejor guion original, los escritores tendrán que presentar un guión de rodaje final.Cambios en otros premios de la AcademiaLa Academia de Hollywood también anunció cambios en premios como los Governors Awards (premios de los Gobernadores) en el que el reconocimiento Irving G. Thalberg Memorial, otorgado a un productor creativo "cuya obra refleja una alta calidad constante en la producción cinematográfica", se entregará en forma de una estatuilla Óscar y no en la forma del busto con la cabeza del jefe de producción de MGM que da título al premio.Por otra parte, han renombrado dos distinciones especiales otorgadas en los Premios Científicos y Técnicos de la Academia: el premio Gordon E. Sawyer, se denominará a partir de ahora premio a la trayectoria científica y técnica; y el Premio John A. Bonner, ha pasado a denominarse premio al servicio científico y técnico.La 97 edición de los Óscar se celebrará el domingo 2 de marzo de 2025 en el teatro Dolby de Los Ángeles (California, EE. UU.) y los nominados a esta edición se darán a conocer el 17 de enero.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La pieza se halló en el yacimiento egipcio de Tell-el-Amarna. Egipto autorizó a Alemania una excavación para la que buscaba objetos para sus museos en Berlín.Financiada por el comerciante y mecenas berlinés James Simon, la excavación de la Sociedad Oriental Alemana fue realizada por el profesor Borchardt del Instituto Imperial Alemán de Arqueología Egipcia.Desde el principio, el acuerdo con la parte egipcia preveía el entonces habitual reparto a medias de los hallazgos a cambio de financiación.El reparto fue llevado a cabo por el egiptólogo y comisario responsable de la excavación Gustave Lefèbvre en enero de 1913.Los objetos fueron examinados en cajas abiertas y también se dispuso de fotografías de los artefactos más destacados -incluido el busto de Nefertiti-, que reflejaban claramente la belleza y calidad de los objetos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Como representante del Gobierno egipcio, Lefèbvre seleccionó la mitad de los objetos; la otra mitad fue llevada a Berlín. El busto fue trasladado a Alemania en 1913.Como único financiador de la excavación, los objetos de los hallazgos de Amarna pasaron a ser propiedad de James Simon.Al principio conservó el busto de Nefertiti en su villa de la Tiergartenstraße en Berlín, pero en 1920, Simon donó el busto y todos los hallazgos de la excavación a los museos de Berlín.El busto se exhibió por primera vez el 1 de abril de 1924 en el Neues Museum, en el que actualmente se encuentra, con motivo de la primera exposición completa de objetos de la época de la región de Amarna, a mediados del siglo XIV."No se exhibió directamente en el museo ya que este era muy pequeño y no había mucho espacio para presentar toda la colección de Amarna y después llegó la Primera Guerra Mundial", explicó la directora adjunta del Museo Egipcio y Colección de Papiros de Berlín integrado en el Neues Museum, Olivia Zörn.Para preservar la seguridad del busto, durante la guerra se trasladó al Museo Egipcio de Berlín Occidental, en el distrito de Charlottenburg, donde se expuso durante varias décadas hasta que en 2009 volvió al Neues Museum."Lo mejor de Nefertiti es que es muy colorida y esto es muy raro en este tiempo. Los colores están completamente bien conservados, por lo que es un objeto muy singular. No tenemos otros objetos como este y ella es realmente increíble bella", afirmó Zörn.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.