En una entrevista con EFE, Hessel abre ese canon a "otras formas de arte a las que no se suele prestar tanta atención, como el textil, la costura o la confección de collares". Es directora de la cuenta de Instagram @thegreatwomenartists, que celebra diariamente a las mujeres artistas desde octubre de 2015.Su propósito es que, cuando se hable de artistas que definen el canon, no solo se piense en Giotto, Botticelli, Tiziano, Leonardo, Caravaggio, Rembrandt, David, Delacroix, Manet, Gauguin, Van Gogh, Kandinsky o Pollock. Pide que se reconozca también a Sofonisba Anguissola, Lavinia Fontana, Elisabetta Sirani, Artemisia Gentileschi, Angelica Kauffman, Harriet Powers, Edmonia Lewis, Frances Macdonald, Margaret Mackintosh, Clara Peeters, Suzanne Valadon, Hannah Höch, Ruth Asawa, Lee Krasner, Ana Mendieta, Howardena Pindell y Lubaina Himid."Historia del arte sin hombres" (editorial Ático) comienza en el Renacimiento (siglo XVI) con la monja dominica Plautilla Nelli, "primera que pintó 'La Última Cena'", pero da noticia de otras anteriores, como Hildegarda de Bingen en el siglo XII, y advierte que el escritor romano Plinio ya hace referencia a algunas mujeres artistas, sin que hayan quedado registros de sus obras.Recoge Hessel ejemplos de artistas latinoamericanas que despuntaron, sobre todo en el comienzo del siglo XX, como la brasileña Tarsila do Amaral, "una pintora clave en la redefinición de la identidad brasileña en las primeras décadas del siglo pasado", o Frida Kahlo y Tina Modotti, en México.La primera gran artista renacentista fue, según Hessel, la italiana Sofonisba Anguissola, que vivió en un tiempo en el que las mujeres tenían prohibido dedicarse a la pintura de escenas religiosas, por lo que tuvieron que limitarse a los retratos. "Trabajó para la corte española y se ciñó con maestría a las convenciones retratísticas, aunque también compuso retratos con escenas, retratos femeninos de grupo en los que sus rostros dan cuenta de la agudeza psicológica de su autora, y además se deleitó en la pintura de fondos paisajísticos en algunos de sus retratos", explica Hessel.Obra femenina, autor masculinoEn muchos casos, la casi inexistencia de artistas mujeres se ha debido a que sus obras acabaron atribuyéndose a autores masculinos. "Un cuadro del siglo XIX, el retrato 'Marie Joséphine Charlotte du Val d'Oignes', atribuido durante largo tiempo a Jacques-Louis David, y adquirido en 1917 por el MET de Nueva York por unos 200.000 dólares, se descubrió posteriormente que lo había pintado una mujer", según ilustra Hessel."Más que un enmascaramiento de la identidad de la autora, es que, una vez que el cuadro entraba en los mecanismos del mercado, se atribuía a un autor masculino, porque así era más fácil venderlo", apunta. Con una visión diacrónica, Hessel concluye que las mujeres se vieron relegadas a retratos y bodegones con maestría hasta el siglo XIX; en el Siglo de Oro neerlandés, la pintora Rachel Ruysch "dominó el mercado del arte" de su país, "incluso llegó a cotizar por encima de Rembrandt en vida".Libertad y ebulliciónEn el siglo XX, con las primeras vanguardias, se produce un momento efervescente, a juicio de la historiadora, porque, "de repente, todo cambia, la gente tiene más libertad, las mujeres obtienen el derecho al voto, pueden viajar solas y empezar a plantearse las posibilidades del arte".A finales de esa centuria, continúa, irrumpen "las artistas que en sus 'performances' utilizan su propio cuerpo a la vez como sujeto y objeto, con lo que, libres del escrutinio patriarcal, confrontan y cuestionan una larguísima tradición de cosificación de sus cuerpos".Admite Hessel que la fotografía y el cine mejoraron las condiciones de acceso de las mujeres a la creación artística, por ser "artes que no tenían siglos de patriarcado a sus espaldas". Y se detiene en un caso paradigmático del siglo XIX, la estadounidense Harriet Powers, que nació en la esclavitud, aprendió el oficio de la artesanía en su familia y confeccionó 'quilts' extraordinarios.Más llamativa es la historia de la baronesa alemana Elsa Von Freytag-Loringhoven, que inventó el concepto de "object trouvé" antes que Marcel Duchamp y fue la primera dadaísta. Y ahora, por primera vez, hay mujeres en las direcciones de los museos encargadas de las exposiciones, que ven que ha llegado el momento de la obra de más mujeres, y "hay también conciencia de la falta de representatividad en términos de género".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
10 Mujeres relatará la historia de diez mujeres víctimas de feminicidio en México, el podcast es una producción de Dudas Media, Amazon Music y Wondery con una idea original de Ashley Frangie y Leticia Sahagún, producción ejecutiva de Paulina Herrera, con un trabajo de investigación de la periodista, documentalista y escritora Daniela Rea y escrito por Alma Delia Murillo.En cada episodio se narra la vida de 10 mujeres: Fátima, Ericka, Bianca, Maicha Pamela, Sagrario, Idaly, Paola, Mara, Fernanda y una vida más por recordar y nombrarlas a través de las voces de actrices y personalidades como: Angélica Aragón, Yalitza Aparicio, Mabel Cadena, Zuria Vega, Bárbara López, Karol Sevilla, Morganna Love, Natasha Dupeyron y Eréndira Ibarra.“10 Mujeres es un podcast en el que honramos la memoria de cada una, contamos sus historias de quiénes eran, cómo eran y las nombramos para dejar de reducir sus historias a un expediente, un número o al cómo fueron asesinadas”, comentan Ashley Frangie y Leticia Sahagún. “Este podcast, doloroso e incómodo, está dedicado a ellas porque olvidarlas sería condenarlas a una segunda muerte y porque su vida importa tanto como su ausencia”, agregaron.En México, según el Sistema Nacional de Seguridad Pública, más de 10 mujeres son asesinadas cada día, pero detrás de cada cifra hay una vida, una historia y una familia con un vacío irremplazable, un espacio que nunca llenarán.El número de mujeres víctimas de feminicidio es preocupante ya que sólo el 24% de todos los casos son investigados y perseguidos como feminicidio. Es alarmante el alto porcentaje de asesinatos que quedan impunes, por no hablar de los millones de historias no contadas o de los expedientes de feminicidio que quedan congelados y nunca salen a la luz.Sara Hayley Kerr, head de Podcast en México para Wondery, comentó "los podcasts han ganado terreno y se han consolidado en la amplia gama de contenidos de entretenimiento. Con la integración de 10 Mujeres a Amazon Music, buscamos seguir ofreciendo a los escuchas contenidos de calidad, diversos y trascendentes que generen conversación entre nuestros usuarios”.10 Mujeres estrenó, el 1 de marzo, los dos primeros episodios y, cada miércoles, estará disponible un nuevo episodio a través de Amazon Music, y un episodio cada semana a partir del 8 de marzo en cualquier servicio de streaming. Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
3¿Qué implica protestar por el sufrimiento, a diferencia de reconocerlo?La iconografía del sufrimiento es de antiguo linaje. Los sufrimientos que más a menudo se consideran dignos de representación son los que se entienden como resultado de la ira, humana o divina. (El sufrimiento por causas naturales, como la enfermedad o el parto, no está apenas representado en la historia del arte; el que causan los accidentes no lo está casi en absoluto: como si no existiera el sufrimiento ocasionado por la inadvertencia o el percance). El grupo escultórico de Laoconte y sus hijos debatiéndose, las incontables versiones pintadas o esculpidas de la Pasión de Cristo y el inagotable catálogo visual de las desalmadas ejecuciones de los mártires cristianos, sin duda están destinados a conmover y a emocionar, a ser instrucción y ejemplo. El espectador quizá se conmisere del dolor de quienes lo padecen —y, en el caso de los santos cristianos, se sienta amonestado o inspirado por una fe y fortaleza modélicas—, pero son destinos que están más allá de la lamentación o la impugnación.Al parecer, la apetencia por las imágenes que muestran cuerpos dolientes es casi tan viva como el deseo por las que muestran cuerpos desnudos. Durante muchos siglos, en el arte cristiano las descripciones del infierno colmaron estas dos satisfacciones elementales. De cuando en cuando, el pretexto puede ser la anécdota de una decapitación bíblica (Holofernes, Juan Bautista) o el folletín de una masacre (los varones hebreos recién nacidos, las once mil vírgenes), o algo por el estilo, con rango de acontecimiento histórico real y destino implacable. También se tenía el repertorio de crueldades, que es duro mirar, proveniente de la antigüedad clásica; los mitos paganos, aún más que las historias cristianas, ofrecen algo para todos los gustos. La representación de semejantes crueldades está libre de peso moral. Sólo hay provocación: ¿puedes mirar esto? Está la satisfacción de poder ver la imagen sin arredrarse.Está el placer de arredrarse. Estremecerse frente al grabado de Goltzius El dragón devora a los compañeros de Cadmo (1588), que representa la cara de un hombre arrancada de su cabeza de un mordisco, difiere mucho del estremecimiento que produce la fotografía de un ex combatiente de la Primera Guerra Mundial cuya cara ha sido arrancada de un disparo. Un horror tiene lugar en una composición compleja —las figuras en un paisaje— que pone de manifiesto la maestría de la mano y la mirada del artista. El otro es el registro de una cámara, un acercamiento, de la terrible e indescriptible mutilación de una persona real: eso y nada más. Un horror inventado puede ser en verdad abrumador. (Por mi parte, me resulta difícil ver el espléndido cuadro de Tiziano en el que Marsias es desollado, y sin duda cualquier otra imagen con este tema). Pero la vergüenza y la conmoción se dan por igual al ver el acercamiento de un horror real. Quizá las únicas personas con derecho a ver imágenes de semejante sufrimiento extremado son las que pueden hacer algo para aliviarlo —por ejemplo, los cirujanos del hospital militar donde se hizo la fotografía— o las que pueden aprender de ella. Los demás somos voyeurs, tengamos o no la intención de serlo.En cada caso, lo espeluznante nos induce a ser meros espectadores, o cobardes, incapaces de ver. Los que tienen entrañas para mirar desempeñan un papel que avalan muchas representaciones gloriosas del sufrimiento. El tormento, un tema canónico en el arte, a menudo se manifiesta en la pintura como espectáculo, algo que otras personas miran (o ignoran). Lo cual implica: no, no puede evitarse; y la amalgama de observadores desatentos y atentos realza este hecho.La práctica de representar sufrimientos atroces como algo que ha de deplorarse y, si es posible, evitarse, entra en la historia de las imágenes con un tema específico: los sufrimientos que padece la población civil a manos del desbocado ejército victorioso. Es un tema intrínsecamente secular, que surge en el siglo XVII, cuando la reorganización de los poderes contemporáneos se convierte en materia prima para los artistas. En 1633 Jacques Callot publicó una serie de dieciocho grabados titulada Les misères et les malheurs de la guerre [Las miserias y desgracias de la guerra], la cual representa las atrocidades que cometieron las tropas francesas contra los civiles durante la invasión y la ocupación de su Lorena natal a comienzos del decenio de 1630. (Seis grabados pequeños del mismo tema que Callot había ejecutado antes de la serie mayor aparecieron en 1635, el año de su muerte). La perspectiva es amplia y profunda; son escenas con muchas figuras, escenas procedentes de una historia, y cada pie es un sentencioso comentario en verso sobre las diversas energías y destinos funestos retratados en las imágenes. Callot comienza con una lámina sobre el reclutamiento de soldados; muestra combates feroces, masacres, saqueos y violaciones, las máquinas de tortura y ejecución (la garrucha, el árbol de la horca, el pelotón de fusilamiento, la hoguera, la rueda), la venganza campesina contra los soldados; y termina con una distribución de recompensas. La reiteración de la ferocidad del ejército conquistador lámina tras lámina es asombrosa y no tiene precedentes, pero los soldados franceses son sólo los malhechores protagonistas de la orgía de violencia, y hay lugar en la sensibilidad cristiana y humanista de Callot no sólo para llorar el fin de la autonomía del ducado de Lorena, sino para dejar registro del apremio de los soldados desamparados en la posguerra que piden limosna acuclillados al lado del camino.Callot tuvo algunos sucesores, como Hans Ulrich Franck, un artista alemán menor que en 1643, hacia el final de la guerra de los Treinta Años, comenzó a elaborar lo que a la postre (en 1656) fueron veinticinco grabados que representan a soldados asesinando campesinos. Pero es de Goya la preeminente concentración en los horrores de la guerra y en la vileza enloquecida de los soldados a comienzos del siglo XIX. Los desastres de la guerra, una serie numerada de ochenta y tres grabados realizados entre 1810 y 1820 (y publicados por primera vez, salvo tres láminas, en 1863, treinta y cinco años después de su muerte), representan las atrocidades que los soldados de Napoleón perpetraron al invadir España en 1808 con objeto de reprimir la insurrección contra el yugo francés. Las imágenes de Goya llevan al espectador cerca del horror. Se han eliminado todas las galas de lo espectacular: el paisaje es un ambiente, una oscuridad, apenas está esbozado. La guerra no es un espectáculo. Y la serie de grabados de Goya no es una narración: cada imagen, cuyo pie es una breve frase que lamenta la iniquidad de los invasores y la monstruosidad del sufrimiento infligido, es independiente de las otras. El efecto acumulado es devastador.Las crueldades macabras en Los desastres de la guerra pretenden sacudir, indignar, herir al espectador. El arte de Goya, como el de Dostoievski, parece un punto de inflexión en la historia de la aflicción y los sentimientos morales: es tan profundo como original y exigente. Con Goya entra en el arte un nuevo criterio de respuesta ante el sufrimiento. (Y nuevos temas para la solidaridad: como su pintura, por ejemplo, de un albañil herido al que alejan a cuestas del solar). La relación de las crueldades bélicas está forjada como un asalto a la sensibilidad de los espectadores. Las expresivas frases en cursiva al pie de cada imagen comentan la provocación. Si bien la imagen, como cualquier otra, es una inducción a mirar, el pie reitera, las más veces, la patente dificultad de hacerlo. Una voz, acaso la del artista, acosa al espectador: ¿puedes mirar esto y soportarlo? Un pie afirma: «No se puede mirar». Otro señala: «Esto es malo». Otro responde: «Esto es peor». Uno grita: «¡Esto es lo peor!». Uno más declama: «¡Bárbaros!». «¡Qué locura!», pregona otro. Y otro más: «¡Fuerte cosa es!». Y aun otro: «¿Por qué?».El pie de una fotografía ha sido, por tradición, neutro e informativo: una fecha, un lugar, nombres. Es improbable que una fotografía de reconocimiento de la Primera Guerra Mundial (cuando por primera vez se hizo uso extensivo de cámaras para el espionaje militar) se titulara «¡Cuánta urgencia de invadir!» o se anotara en la radiografía de una fractura múltiple «¡Tal vez el paciente quede cojo!». Tampoco ha de ser preciso hablar en nombre de la fotografía con la voz del fotógrafo, ofreciendo garantías de la veracidad de la imagen, como hace Goya en Los desastres de la guerra al escribir al pie: «Yo lo vi». Y debajo de otra: «Esto es lo verdadero». Por supuesto, el fotógrafo lo vio. Y salvo que se haya falsificado o tergiversado, es lo verdadero.El habla común fija la diferencia entre las imágenes hechas a mano como las de Goya y las fotografías, mediante la convención de que los artistas «hacen» dibujos y pinturas y los fotógrafos «toman» fotografías. Pero la imagen fotográfica, incluso en la medida en que es un rastro (y no una construcción elaborada con rastros fotográficos diversos), no puede ser la mera transparencia de lo sucedido. Siempre es la imagen que eligió alguien; fotografiar es encuadrar, y encuadrar es excluir. Además, la manipulación de la foto antecede largamente a la era digital y los trucos de Photoshop: siempre ha sido posible que una fotografía tergiverse las cosas. Una pintura o un dibujo se consideran falsos cuando resulta que no son del artista a quien se le habían atribuido. Una fotografía —o un documento filmado disponible en la televisión o en Internet— se considera falsa cuando resulta que se ha engañado al espectador en relación con la escena que al parecer se representa.Que las atrocidades perpetradas por los soldados franceses en España no hayan sucedido exactamente como se muestra —digamos que la víctima no quedara exactamente así, que no ocurriera junto a un árbol— no desacredita en absoluto Los desastres de la guerra. Las imágenes de Goya son una síntesis. Su pretensión: sucedieron cosas como éstas. En contraste, una fotografía o secuencia de película pretende representar con exactitud lo que estaba frente a la lente de la cámara. Se supone que una fotografía no evoca sino muestra. Por eso, a diferencia de las imágenes hechas a mano, se pueden tener por pruebas. Pero ¿pruebas de qué? La sospecha de que «Muerte de un soldado republicano» de Capa quizá no muestra lo que se dice que muestra (una hipótesis afirma que presenta un ejercicio de instrucción cerca del frente) sigue rondando los debates sobre la fotografía bélica. Todo el mundo es literal cuando de fotografías se trata.Traducción: Aurelio Major
El anverso de la moneda, una aleación de cobre y níquel, muestra la imagen de la heroína, conocida como "La Pola", basada en un retrato al óleo de 1855 del pintor José María Espinosa, y lleva las inscripciones "Policarpa Salavarrieta" y "200 años del sacrificio de la heroína".En el reverso está la casa donde vivió la heroína en la población de Guaduas, en el departamento de Cundinamarca, con la inscripción "República de Colombia" y la denominación de "10.000 pesos", así como 2019, que es el año en que fue acuñada, informó el Banco de la República (autoridad monetaria).La moneda fue acuñada en cumplimiento de la Ley 1903 del 22 de junio de 2018, para conmemorar "el bicentenario del sacrificio de la heroína nacional Policarpa Salavarrieta acaecido el 14 de noviembre de 1817, resaltando el esfuerzo, dedicación y sacrificio de la mujer en la lucha de Independencia y la construcción de la República".Salavarrieta "es la heroína más popular de la Independencia de Colombia. Nació hacia 1795 y fue fusilada en Bogotá (...) por conspirar y espiar en favor de los patriotas de los Llanos de Casanare, en plena época de la Reconquista española", agregó el Banco de la República."La moneda conmemorativa es de curso legal y podrá ser utilizada para realizar cualquier tipo de transacción monetaria por el equivalente a su valor facial", indicó la autoridad monetaria.En la década de 1970, "La Pola" fue homenajeada en el billete de 2 pesos y en la de 1980 su figura apareció en las monedas de 5 pesos. Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Julieta Venegas regresa este 11 de noviembre con el lanzamiento de su disco Tu historia, producción que se escribió y cocinó en medio de la pandemia junto al artista y productor Alex Anwandter. Una obra de amores y desamores con los sonidos característicos de la cantante mexicana. Ya se han escuchado abrebocas del disco, canciones como Mismo Amor, Caminar Sola, En Tu Orilla Te Encontré y La Nostalgia son apenas la entrada a otras cinco que elevan la voz de Venegas junto a los arreglos y sonidos de cuerdas que reflejan la nostalgia de lo que ha quedado atrás y al mismo tiempo dan luz de esperanza. Estas canciones acompañaron a Julieta Venegas en la gira que tuvo estos últimos meses por Estados Unidos, México, Colombia, España, Uruguay, Argentina y Chile. La cantante visitó Bogotá en el marco del Festival Cordillera, el primer evento de música latinoamericana en el país. Venegas habló acerca de por qué eligió el nombre de Tu historia: "elegí el título de Tu Historia, porque para mí hay que reconocer nuestro pasado como parte nuestra, creo que cuando haces a tu pasado parte de tu aprendizaje te enriquece. Yo siempre fui peleadora del pasado, pero ahora estoy más con la idea de que ese pasado me ha enseñado y construido, por lo cual soy quien soy con todo, mis aciertos, y también mis errores".Para la promoción del álbum se estrenará en simultaneo el vídeo y la canción promocional que lleva el título homónimo del proyecto, Tu historia, compuesta en letra y música por Venegas y producida por Alex Anwandter. "Cuando empecé a escribir las canciones de este disco, simplemente estaba buscando un rincón para desconectarme durante unas horas al día. Estábamos apenas al principio de la pandemia, y en ese momento la música se puso al centro de mis días, tocando el piano durante varias horas, y poco a poco retomando una escritura que había pausado durante un tiempo. Después de varias semanas de sentarme y empezar a grabar demos, sentía que estaba formándose algo, que quería darle forma y producir un disco. Había hecho el proyecto para La Enamorada, un monólogo de teatro que habíamos sacado en 2019. Pero hacía tiempo que mis energías estaban más en hacer shows, y pensé en preguntar a amigos su opinión, para ver si tenía material suficiente para hacer algo largo", menciona la cantante en un comunicado. Venegas se presentará en la Ciudad de México el próximo 25 y 26 de noviembre en el Teatro Metropólitan; y ofrecerá un concierto único en la ciudad de Nueva York el 29 de noviembre.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Totó La Momposina, una de las artistas más representativas de la música colombiana, decidió retirarse de los escenarios. Con 82 años y más de seis décadas de carrera, Sonia Bazanta ha llevado el legado de la música caribeña en su espalda. Desde niña su madre la llevaba a los ensayos de su grupo de baile y se encaminó por la música para siempre, Totó se convirtió en una figura emblemática para la cultura colombiana. Su música recorrió el mundo en giras por Europa, América Latina y Estados Unidos, entre muchos países que visitó.En 2013, los Grammy Latino le atribuyeron el premio a la trayectoria musical y se ha llevado decenas de galardones dejando en alto la cultura y la música del Caribe colombiano. Marco Vinicio Olaya, su hijo, le comentó a Radio Nacional: “esto viene de las abuelas, de las tías, yo me siento orgulloso, llevo toda mi vida al lado de ella, no es fácil esta despedida. Sé todo el esfuerzo e interés que ella le ha puesto para que las personas conozcan la música de la identidad, la vivan".Su familia y su equipo anunció el retiro en sus redes sociales, también se hará un concierto de despedida en donde la acompañará toda su familia y amigos. Sin duda alguna, Totó La Momposina es una figura fundamental de la cultura colombiana, le agradecemos profundamente por su trabajo, por su música y su esencia tan auténtica, por su representación y el amor que le tiene a Colombia, así de grande es el que le tenemos a ella. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Fragmentos, espacio de Arte y Memoria abre sus puertas a una exposición del trabajo más reciente de la artista colombiana Beatriz González; la inauguración será el próximo 15 de septiembre y estará de manera permanente hasta mayo de 2023. Esta exposición será una conmemoración a las víctimas de desaparición forzada a través de las pinturas de la artista, de allí el nombre de BRUMA que aún no se disipa y tiene atrapadas tantas historias, claridad, nombres y cuerpos. Habrá 27 obras reunidas de A posteriori, una instalación exclusiva de la muestra: también se presentarán más de 20 pinturas y 6 dibujos que González ha hecho recientemente. "BRUMA es, sobre todo, una imagen interior surgida desde lo profundo de la memoria de Beatriz González; se trata de imágenes que aluden a la muerte violenta y a la desaparición forzada. BRUMA es una imagen prerretiniana, donde Beatriz González cuenta desde adentro con una iconografía que ha interiorizado tanto en una vida que ya no corresponde a una representación, sino a una encriptación de la memoria. Esto hace que estas pinturas sean eternas", menciona María Belén Sáez de Ibarra, curadora de la exposición. A posteriori, una de las muestras en la exposición, tendrá seis de los ocho dibujos originales de Cargueros se repiten en pinturas convertidas en papel de colgadura. BRUMA también tendrá una vitrina de quince metros como recurso de exhibición, donde se muestran otros personajes de Beatriz González que existen en las lápidas del cementerio de San Lorenzo, en Medellín.La artista mencionó que “aquí se retoma la intención que tiene mi obra, que es la repetición, porque hay que insistir mucho en Colombia, en ciertas frases, en ciertos pensamientos; es una insistencia en la situación del país, es una insistencia en que no se repita más".Esta serie de pinturas surgieron de las noticias del 2019, donde se publicaron los hallazgos de fosas comunes en el cementerio Las Mercedes, del municipio de Dabeiba, Antioquia, donde fueron hallados los cuerpos de decenas de jóvenes campesinos asesinados por las fuerzas armadas de Colombia, quienes fueron engañados con promesas de trabajo y luego dados de baja haciéndolos pasar por miembros de las guerrillas muertos en combate.“Me esforcé en buscar unos colores que son más referidos al duelo, porque son oscuros, como el negro sobre los zafiros de los cielos, que voy echando capa sobre capa sobre capa, con veladura. Siempre he usado la veladura, pero ahora más, para que nada tenga contorno porque así es la memoria traumática, nunca es clara", dice Beatriz González acerca de la exposición. Aparte de la nueva obra de la artista, también se presentarán algunos cuadros anteriores como: Dolores (2000), Verónica (2003) y Cada uno con su ofrenda (2010); además estarán algunos trabajos más recientes como: Friso del duelo (2017), Enterrador de Barranca (2019), Variaciones de la Paz (2019), Miedo-Pánico I y II (2019), Libreta Funebria (2019), Da-ve-y-va I y II (2020), Cinta amarilla difusa (2020), Silueta de hombre con pica (2020), Panorámica agreste (2021), Proyecto Telón de Guerra y Paz I –Guerra (2021) y Cargueros con montañas (2022). Esta exposición está dentro de la programación por la paz y la vida liderada por Patricia Ariza, la Ministra de Cultura, también es apoyada por el Museo de Arte de la Universidad Nacional y la Asociación de Amigos del Museo Nacional. BRUMA estará abierta al público desde el próximo 15 de septiembre hasta mayo de 2023, en Fragmentos, espacio de Arte y Memoria ubicado en la Carrera 7 # 6b-30, Bogotá, de martes a domingo, de 9:00 a.m. a 5:00 p.m. Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El expolicía Melchor Marín, protagonista de la serie, se ha convertido en una nueva estrella de la novela negra en España e incluso se prepara una serie televisiva sobre el primer volumen de sus aventuras, "Terra Alta", revela Cercas en entrevista vía Zoom con la AFP."El castillo de Barbazul" sale en francés el 5 de abril (Actes Sud), al mismo tiempo que una edición de libro de bolsillo de "Terra Alta", el primer volumen de la trilogía. "Inicialmente iban a ser cuatro libros, pero de momento se van a quedar en tres. Me encanta dejaros (a los lectores) en ascuas", dice Cercas con una sonrisa. "De hecho, gran parte de la cuarta parte está escrita" asegura, "pero de momento lo voy a dejar ahí".Mieles del éxito"Terra Alta" fue Premio Planeta en 2019 en España, y rápidamente fue seguida de "Independencia", otro éxito de ventas. Cercas descubrió las mieles del éxito con "Soldados de Salamina" (2001), adaptada luego a la gran pantalla por David Trueba, sobre la búsqueda de un soldado republicano décadas después de la Guerra Civil."Anatomía de un instante", un estudio sobre el golpe de Estado del 23 de febrero de 1981, también tuvo eco. "Terra Alta" fue "un intento de reinventarme. Nunca he querido repetirme" explica Cercas. "Aspiro a encontrar todos los escritores que soy. No somos uno, somos multitud", añade.Columnista en el diario El País, Cercas ha explorado últimamente otras facetas profesionales, como una entrevista filmada con el presidente francés Emmanuel Macron. Y una cena, que despertó algunas suspicacias, en el Elíseo junto al rey emérito Juan Carlos I y el escritor Mario Vargas Llosa con motivo de la entrada de éste último en la Academia Francesa, en febrero.La cena, que duró más de tres horas, "superó todas mis expectativas", explica Cercas. "Hablamos de política, de historia, de literatura, sin ninguna cortapisa. Fue una gran experiencia", añade, sin querer entrar en detalles."Mi parte maldita"País de aficionados a la novela negra, Francia ha acogido también con interés la trilogía de Melchor Marín, un inspector en tierras catalanas que se cruza con grupos de narcotraficantes y políticos locales corruptos. En "El castillo de Barbazul", Marín debe enfrentarse con un multimillonario, en un caso de abuso de menores que le afecta muy personalmente.Exconvicto y luego expolicía, Melchor Marín es un lector compulsivo de novelas del siglo XIX. Su libro de cabecera es "Los Miserables", de Victor Hugo. "En un momento determinado me pregunté qué libro podía cambiar la vida de un tipo como él: un auténtico salvaje, un chaval que ha nacido en el barrio más duro de Barcelona, cuya madre es prostituta", explica Cercas. "Si me apuras, estas novelas se pueden leer como una versión de 'Los Miserables'", añade.Pero una versión peculiar, en la que Melchor Marín es una mezcla de ambos protagonistas de la novela de Hugo: Jean Valjean y su implacable perseguidor, el inspector Javert. El personaje surge "de lo que yo llamaría mi parte maldita. Todos conocemos la furia, el dolor, los deseos de venganza", explica Cercas.¿Qué podría despertar esa parte siniestra de un escritor con gafas y aspecto de profesor inofensivo? "Contestaré muy claramente: estas novelas nunca se hubieran escrito sin lo que ocurrió en Cataluña en el otoño de 2017", revela Cercas.La aventura independentista de parte de la clase política catalana, que convocó un referéndum ilegal, desgarró a esa región y puso a prueba la democracia española. Cercas, que vive en Cataluña, se posicionó contra ese referéndum y cosechó duras críticas. "Para mi hay un antes y después. Mi vida cambió. A partir de ese momento, todo cobra un sentido distinto y me llena de dolor. Por fortuna pude meterlo todo en una novela", confiesa.Conéctese a la señal en vivo de la HJCK y escuche lo mejor de la música clásica.
El nombre se popularizó en los últimos años en las revistas del corazón. El actor y Angelina Jolie compraron en 2008 el dominio de 500 hectáreas, 50 de ellas de viñedos, que se convirtieron en objeto de disputa durante su ruidoso divorcio entre las dos estrellas.Pero los aficionados de la música saben también que este rincón rodeado de olivos, viñedos y cipreses albergaba los vestigios de unos estudios de grabación icónico, donde resonaron las voces y los instrumentos de Pink Floyd, AC/DC o The Cure antes de caer en el abandono durante casi dos décadas.A finales de 2021, una publicación en Instagram anunció la resurrección de los estudios para el verano boreal de 2022 con una imagen de Brad Pitt, con sudadera verde y gorro blanco, junto a Damien Quintard, un mago del sonido francés desconocido para el gran público. "Un día recibo un mensaje de Brad Pitt que quiere verme la próxima semana. Pensaba que era una broma", rememora Quintard en videoconferencia con la AFP."No sabía que era por los estudios Miraval. Fue una sorpresa total cuando Brad me entregó el dossier y me preguntó qué podría hacer", continúa el treintañero. La estrella de la gran pantalla escuchó hablar de este ingeniero de sonido y productor debido a la disposición sonora que preparó para la reapertura del MoMA (Museum of Modern Art) de Nueva York en 2019."Santuario""Siempre ha habido proyectos para restaurar el estudio, que tiene una gran historia y del que esperábamos poder hacer algo especial", dijo Pitt, guitarrista aficionado en su tiempo libre, al medio musical estadounidense Billboard.Y qué historias alberga... Por ejemplo, la grabación de una sesión del grupo Yes en los años 1980, contada por su líder Joan Anderson. "Terminamos en la torre cargados de micrófonos, que grababan los fuegos de artificio lanzados en dirección a la torre para obtener el efecto de un maravilloso final sinfónico... Es posible que hubiéramos bebido mucho vino esa noche", afirma.La anécdota está recogida en un libro dedicado a Patrice Quef, ingeniero de sonido del lugar, y recuperado por Manuel Jacquinet, autor de "Estudios de leyenda, secretos e historias de nuestros Abbey Road franceses".Para Quintard, el desafío era enorme: remodelar unos estudios míticos, "cambiar, conservando el alma, honrar el pasado y avanzar al futuro", como lo describe él. En su aventura conjunta con la estrella de Hollywood, trata de mantenerse fiel a la "vertiente santuario del lugar creado por Jacques Loussier (1977) a la que también está apegado Brad"."Un lugar mágico"Fue la cantante Sade, que en el pasado ya había grabado entre esas paredes, la encargada de estrenar la segunda vida de Miraval. "De un lado fue muy emotivo", dice Quintard. "Y como Brad dice, para los estudios, Sade, la primera artista recibida, es la 'Realeza'".French 79, figura de la música electrónica francesa, alabó recientemente en sus redes sociales "un lugar mágico", donde pudo trabajar su álbum "en las mismas máquinas que Pink Floyd, The Cure o AC/DC".Pero también hay tecnología punta, como una sala de control de diseño que recuerda a la nave de "2001: Odisea del espacio", bañada por la envolvente luz de los atardeceres en el sureste de Francia.¿Qué se siente al llevar las riendas de un lugar así? "No hay sensación de logro", comenta Quintard. "Mi objetivo es que salgan de aquí creaciones magníficas. Juzgar el resultado se hará con el tiempo, como con el vino".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
La adolescencia masculina sin la referencia de un padre, la delincuencia y la violencia son temas recurrentes en varias cintas colombianas contemporáneas, como es el caso de "Los reyes del mundo", de Laura Mora, "Un varón", ópera prima de Fabián Hernández, o "El Edén", Gran Premio de la Semana de la Crítica en Cannes, rodada por Andrés Ramírez Pulido.Segunda cinta de la realizadora Laura Mora, premiada con la Concha de Oro en el último Festival de San Sebastián, "Los reyes del mundo" narra ese tumultuoso paso a la edad adulta siguiendo los pasos de un grupo de chicos, como sucede con "El Edén". Mora cuenta el viaje de un grupo de jóvenes que siguen los pasos de un amigo, dispuesto a reivindicar un trozo de tierra de su abuela."El Edén" es la experiencia casi onírica de un grupo de menores delincuentes atrapados en la selva tropical, en un centro de reeducación experimental. "En los últimos veinte años hemos presenciado una producción muy bien estructurada, talentos bien acompañados, toda una política cinematográfica en Colombia", explicó a la AFP Eva Morsch Kihn, coordinadora de la programación de ficción del festival."Lo que nos indicó que había llegado el momento de hablar de ello es la presencia casi sistemática en los últimos tres o cuatro años de películas colombianas en grandes festivales, lo que es un barómetro a varios niveles de ese éxito", añadió.Peligrosa infancia en Medellín"Para nosotros es muy importante todos los espacios de visibilización de esta película, antes de ir al Festival de Cartagena" para su presentación nacional, explicó en entrevista telefónica Fabián Hernández, autor de "Un varón".La cinta narra los recuerdos personales de este cineasta que vivió una peligrosa infancia en las calles de Medellín. "La violencia yo la tuve muy cerca en ese momento de mi vida. Tuve un momento decisivo, ocurrió en una noche, y yo pude perfectamente haber sido un chico como Carlos [protagonista de "Un varón"], como uno de los tantos que estaban ahí, que han muerto o no", explicó.En total, el festival Cinelatino ofrecerá casi 130 películas, entre ellas 11 largometrajes de ficción y siete largometrajes documentales que competirán por distintos premios.El certamen también se fijará en la producción brasileña a través de la selección "Brasil, cine y política" y se acercará al trabajo de actrices y realizadoras, entre las que destaca la chilena Manuela Martelli, actriz, directora y guionista de éxito precoz.Cinelatino debe reunir este año a más de 80 cineastas y 150 profesionales, según la organización. Además de las proyecciones, el festival ofrece en paralelo actividades de animación dirigidas al gran público como cursos de tango o conciertos.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Uno de los primeros latinos en triunfar en Estados Unidos, Feliciano "ha abierto corazones y construido puentes, superando obstáculos, nunca perdiendo la fe y enriqueciendo la bondad y la grandeza de la nación", se lee en la página web del Fondo Nacional de las Artes (NEA, por sus siglas en inglés). La carrera musical de Feliciano, quien nació ciego en Puerto Rico, ha sido inmortalizada con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Acumula 600 canciones a lo largo de 60 años, entre ellas la célebre "Feliz Navidad".Bruce Springsteen, apodado The Boss (El jefe), se ha ganado este premio, el más alto otorgado a artistas y mecenas por el gobierno, porque "celebra nuestros triunfos, cura nuestras heridas y nos da esperanza, capturando el espíritu inquebrantable de lo que significa ser estadounidense", señala el NEA.Los ganadores de la Medalla Nacional de las Artes "han ayudado a definir y enriquecer el legado cultural de nuestra nación a través de su apasionado compromiso" y su trabajo "nos ayuda a ver el mundo de diferentes maneras", afirma Maria Rosario Jackson, presidenta del NEA en la página web.Entre los otros artistas distinguidos destacan la diseñadora Vera Wang, la actriz Julia Louis-Dreyfus y la cantante estadounidense Gladys Knight, conocida como "la emperatriz del Soul", cuyo talento inspiró a generaciones de artistas. Completan la lista Mindy Kaling, Judith Francisca Baca, Fred Eychaner, Antonio Martorell-Cardona, Joan Shigekawa, The Billie Holiday Theatre y The International Association of Blacks in Dance.Durante la ceremonia, a la que también asistirá la primera dama Jill Biden, se entregará asimismo la Medalla Nacional de Humanidades. Los ganadores "han enriquecido nuestro mundo a través de una escritura que nos conmueve e inspira, erudición que amplía nuestra comprensión del pasado y a través de su dedicación a educar, informar y dar voz a las comunidades y las historias que a menudo se pasan por alto", afirma la presidenta del Fondo Nacional para las Humanidades (NEH, por sus siglas en inglés), Shelly C. Lowe, en la página web de esta agencia.Uno de los que recibirá la medalla es Richard Blanco, hijo de inmigrantes cubanos conocido por el poema One Today (Un Hoy), que leyó en la segunda investidura como presidente de Barack Obama en 2013. Su narración "desafía los límites de la cultura, el género y la clase mientras celebra la promesa de los más altos ideales de nuestra nación", señala el NEH.Entre los demás laureados figuran historiadores, escritores, académicos y activistas: Johnnetta Betsch Cole, Walter Isaacson, Earl Lewis, Henrietta Mann, Ann Patchett, Bryan Stevenson, Amy Tan, Tara Westover, Colson Whitehead, el Native America Calling y el cantante Elton John, quien recibió la medalla en septiembre pasado. Se trata de premios de la edición de 2021 que no se pudieron entregar debido a la pandemia de covid-19.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
La UE trabaja ya desde hace más de un año en un reglamento que ponga orden en el uso de la IA y que al mismo tiempo permita proteger a los usuarios, aunque ChatGPT ha transformado la forma en que esa tecnología es vista por quienes la utilizan.ChatGPT, creado por la empresa estadounidense OpenAI, surgió en noviembre y rápidamente pasó a ser usado por usuarios asombrados por su capacidad para responder preguntas con claridad, escribir sonetos y proporcionar información sobre temas complicados.Productos obtenidos con ChatGPT han incluso superado exámenes médicos y legales diseñados para estudiantes humanos, obteniendo altas calificaciones. Pero la tecnología también conlleva riesgos, una vez que su sistema de aprendizaje y modelos similares de la competencia ya se integran en las aplicaciones comerciales.Por ello, la UE ha tenido que volver al punto inicial en su esfuerzo de desarrollar un marco regulatorio, hasta hallar una forma para regular la IA en forma efectiva. La Comisión Europea, el brazo ejecutivo de la UE, anunció por primera vez en abril de 2021 un plan para un conjunto de reglas sobre IA, y el Parlamento Europeo espera finalizar un proyecto de ley sobre IA en este mes.El comisario europeo de Industria, Thierry Breton, adelantó que los Eurodiputados, la Comisión y los gobiernos del bloque trabajan para "aclarar más las reglas" sobre la tecnología de ChatGPT, conocida como IA de propósito general.Desafíos realesLos usuarios de las redes sociales se han divertido experimentando con la salida de ChatGPT a la escena, pero la tecnología utilizada no es un juego. Profesores y maestros temen que estudiantes la usen para hacer trampa, ya que ChatGPT puede 'escribir' ensayos enteros, al tiempo que legisladores temen que se use con fines de desinformación.Las preocupaciones sobre los riesgos han sido reconocidas por altos funcionarios de la UE. "Como lo demuestra ChatGPT, las soluciones de IA pueden ofrecer grandes oportunidades para las empresas y los ciudadanos, pero también pueden presentar riesgos. Es por eso que necesitamos un marco regulatorio sólido para garantizar una IA confiable basada en datos de alta calidad", dijo Breton.El plan es que la Comisión Europea, el Consejo Europeo -que representa a los estados miembros del bloque- y el Parlamento discutan a partir de abril una versión final de la ley sobre IA. Dragos Tudorache, el eurodiputado rumano que coordina el esfuerzo para aprobar la ley sobre IA en el Parlamento, dijo que ChatGPT es uno de los ejemplos más conocido de IA de propósito general, aunque existen derivados.Usando lo que se conoce como un "modelo de lenguaje extenso", ChatGPT es un ejemplo de IA generativa que, operando sin guía, puede crear contenido original mediante el análisis de datos previos. "De hecho, propondremos un conjunto de reglas para regir la IA de uso general y los modelos básicos en particular", dijo Tudorache.Diversos expertos, sin embargo, se quejan de que los riesgos de sistemas como ChatGPT siempre fueron claros y que las advertencias fueron compartidas con técnicos de la UE ya cuando se comenzó a trabajar en la regulación de la IA. "Nuestra recomendación en ese entonces era que también deberíamos regular los sistemas de IA que tienen una variedad de usos", dijo Kris Shrishak, experto en tecnologías en el Consejo Irlandés para las Libertades Civiles.Shrishak apuntó que la eficacia de la ley dependerá del borrador final, pero dijo que el texto elaborado "establece una buena base", y que "dispone de ciertos mecanismos para identificar nuevos riesgos". Un problema más apremiante sería la aplicación de la regulación, advirtió Shrishak, y por ello Parlamento Europeo se concentraba ahora en fortalecer este aspecto.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.