El 26 de enero de 1944 nació en Alabama, una de las mujeres más importantes de la historia reciente. Angela Davis, una de las feministas antirracistas con mayor trascendencia en la academia fue pionera en hablar de perspectiva de clase en los debates de feminismo. La claridad de sus ideas y la negación rotunda al silencio, se convirtieron en la entrada a la brutalidad y la represión a su vida. Estuvo presa y fue acusada de cooperación al asesinato tras ser detenida en un hotel de Nueva York. "Apareció en la pantalla una fotografía mía: "Angela Davis –dijo una voz grave– es uno de los diez criminales más buscados por el FBI. Probablemente va armada; si la ven, no intenten hacer nada; póngase en contacto inmediatamente con el FBI'", cuenta la propia Davis sobre su periodo como fugitiva. "En otras palabras, dejen al FBI, 'que probablemente va armado', el honor de pegarle un tiro", contó alguna vez en una entrevista.Con 78 años, sigue siendo un referente obligado y una fuente de primera mano al hablar de feminismo intersecciones y racial. Su voz es todavía una de las más escuchadas no solamente en la academia, sino en los debates políticos del país; aún en medio de la pandemia y tras los distintos casos de abuso policial contra personas afro, Davis no temió en hablar de racismo estructural y el respaldo de un gobierno supremacista: "El racismo se ha vuelto más violento, más explícito, con expresiones de supremacismo blanco como el ataque de Charlottesville. Pero estamos constatando una mayor conciencia del racismo en EEUU que nunca, probablemente, en la Historia. No solo entre los negros, latinos, indios, asiáticos, también entre blancos, que están siendo más conscientes del racismo", recalca la activista.En el libro Mujeres, raza y clase, Davis hace un análisis riguroso y esclarecedor que pone de manifiesto las estrategias de lucha de las mujeres negras y los problemas de composición de las diferencias que siguen desgarrando los movimientos políticos actuales. Atraviesa con profunda claridad 13 puntos que van desde el legado de la esclavitud, el movimiento sufragista, la educación y liberación desde la perspectiva de las mujeres negras, hasta la violación y el mito del violador negro, para ahondar en el racismo y los trabajos domésticos como un oficio determinado por la clase. A continuación, un fragmento de el primer capítulo del libro.El legado de la esclavitud: modelos para una nueva feminidadEn 1918, cuando el influyente estudioso Urich B. Phillips declaró que la esclavitud, en el Viejo Sur, había estampado sobre los salvajes africanos y sobre sus descendientes americanos el sello glorioso de la civilización, dispuso el escenario para un largo y apa- sionado debatel. En las décadas posteriores, a medida que el debate se fue recrude- ciendo, un historiador tras otro declaraba, con aplomo, haber descifrado el verdadero significado de esta «institución peculiar». Pero en medio de toda esta actividad académi- ca la situación específica de la mujer esclava permanecía sin ser penetrada. Las continuas discusiones en torno a su «promiscuidad sexual» o a su tendencia «matriarcal» oscurecían, mucho más que iluminaban, la condición de las mujeres negras duran- te la esclavitud. Herbert Aptheker continúa siendo uno de los pocos historiadores que intentaron establecer unas bases más realistas para la comprensión de la mujer esclava.Durante la década de 1970, el debate sobre la esclavitud resurgió con un renovado vigor. Eugene Oenovese publicó RoU, Jardan, Roll: che World che Slaves MadeJ. Apareció The Slave Communiry4 de John Blassingame, como también lo hicieron e! desacertado libro de Foge! y Engennan Time OTI me Cross5 y la monumental obra de Herbert Out- man Black Family in Slavery and Freedom. Como reacción ante este rejuvenecido debate, Stanley Elkins decidió que era e! momento de publicar una edición ampliada de su estudio de 1959, Slavery. Llamativamente se echa en falta en este torbellino de publi- caciones un libro expresamente dedicado a las mujeres esclavas. Quienes hemos esperado ansiosamente un estudio de la mujer negra durante el periodo de la esclavitud, por el momento, seguimos decepcionados. Igualmente, ha sido decepcionante descubrir que, exceptuando las tradicionales y discutibles cuestiones sobre la promiscuidad versus e! matrimonio y sobre el sexo con hombres blancos forzoso versus voluntario, los auto- res de estos libros han dedicado una escasa atención a las mujeres.El más revelador de todos estos recientes estudios es la investigación realizada por Herbert Outman sobre la familia negra. Al proporcionar pruebas documentales de que la vitalidad de la familia se demostró más fuerte que los rigores deshumanizantes de la esclavitud, Outman ha destronado la tesis de! matriarcado negro popularizada por Daniel Moynihan, junto a otros autores, en 1965. Sin embargo, dado que sus observaciones sobre las mujeres esclavas están, en general, encaminadas a confirmar la inclinación de éstas a la conyugalidad, la consecuencia que inmediatamente se desprende es que únicamente diferían de sus homólogas blancas en la medida en que sus aspiraciones domésticas se vieron nunca- das por las exigencias del sistema esclavista. En opinión de Gutman, aunque las reglas ins- titucionalizadas sobre los esclavos concedían a las mujeres un amplio margen de libertad sexual antes del matrimonio, al final ellas se amoldaban a matrimonios estables y fundaban familias basadas tanto en las contribuciones de sus maridos como en las suyas propias. Los argumentos convincentes y ampliamente documentados de Gutman contra la "tesis del marriarcado son extremadamente valiosos. Pero este libro podria haber sido muchísimo más concluyente si hubiera explorado, en concreto, el papel multidimensional de las mujeres negras dentro de la familia y del conjunto de la comunidad esclava.El día en que alguien exponga la realidad de las experiencias de las mujeres negras bajo la esclavitud mediante un análisis histórico riguroso, ella (o él) habrá prestado una ayuda inestimable. La necesidad de emprender un estudio de estas características no sólo se justifica en aras de la precisión histórica, sino que las lecciones que se pueden extraer del periodo de la esclavitud arrojarán luz sobre la batalla actual de las mujeres negras, y de todas las mujeres, por alcanzar la emancipación. Como persona lega en el estudio histórico, únicamente puedo proponer algunas hipótesis que, tal vez, sirvan para guiar una reexaminación de la historia de las mujeres negras durante la esclavitud.Proporcionalmente, las mujeres negras siempre han trabajado fuera de sus hogares más que sus hermanas blancas. El inmenso espacio que actualmente ocupa el trabajo en sus vidas responde a un modelo establecido en los albores de la esclavitud. El trabajo forzoso de las esclavas ensombrecía cualquier otro aspecto de su existencia. Por lo tanto, cabria sostener que el punto de partida para cualquier exploración sobre las vidas de las mujeres negras bajo la esclavitud seria una valoración de su papel como trabajadoras.El sistema esclavista definía a las personas negras como bienes muebles. En tanto que las mujeres, no menos que los hombres, eran consideradas unidades de fuerza de trabajo económicamente rentables, para los propietarios de esclavos ellas. también podrian haber estado desprovistas de género. En palabras de cierto académico, "la mujer esclava era, ante todo, una trabajadora a jornada completa para su propietario y, sólo incidentalmente, esposa, madre y ama de casa. A la luz de la floreciente ideología decimonónica de la feminidad que enfatizaba el papel de las mujeres como madres y educadoras de sus hijos y como compañeras y amas de casa gentiles para sus maridos, las mujeres negras eran, prácticamente, anomalías.Aunque ellas disfrutaban de algunos de los dudosos beneficios de la ideología de la feminidad, se asume en ocasiones que la esclava típica era una criada doméstica que desempeñaba el trabajo de cocinera, de doncella o de mammy para los niños en la «casa grande». El Tío Tommy Samba siempre han encontrado fieles compañeras en Tía Jemi- ma y en la Mammy Negra, que encaman los estereotipos que aspiran a capturar la esencia del papel de la mujer negra durante el periodo de la esclavitud. Al igual que en tantas otras ocasiones, la realidad es diametralmente opuesta al mito. Como la mayoría de los esclavos, la mayor parte de las esclavas trabajaba en el campo. A pesar de que es posible que en los Estados fronterizos una proporción significativa de los esclavos trabajase desempeñando tareas domésticas, en el Sur Profundo el auténtico hogar del reino de la esclavitud- los esclavos eran predominantemente trabajadores agrícolas. A mediados del siglo XIX, siete de cada ocho esclavos, tanto hombres como mujeres, trabajaban en el campoll.Del mismo modo que los muchachos eran enviados a los campos al hacerse mayo- res, las chicas eran destinadas a trabajar la tierra, a recoger el algodón, a cortar caña y a recolectar tabaco. Jenny Proctor, una anciana entrevistada durante la década de los treinta, describía del siguiente modo su iniciación infantil al trabajo agrícola en una plantación de algodón en Alabama: Teníamos unas cabañas viejas y cochambrosas hechas de estacas. Algunas de las hendi- duras de las grietas se habían rellenado con barro y musgo y otras no. Ni siquiera teníamos buenas camas, sólo catres clavados al muro exterior de estacas y con las mantas corroídas tiradas encima. Claro que era incómodo para dormir, pero hasta eso sentaba bien a nuestros molidos huesos después de los largos y duros días de trabajo en el campo. Cuando e.ra una cría, yo me ocupaba de los niños e intentaba limpiar la casa exactamente como la vieja seño- ra me decía. Luego, en cuanto cumplí los diez años, el viejo amo dijo: .Esta negra estúpida de aquí a aquella parcela de algodón".La experiencia de Jenny Proctor era típica. El destino de la mayoría de las jóvenes y de las mujeres, al igual que el de la mayoría de los jóvenes y de lbs hombres, era el trabajo forzoso de sol a sol en los campos. Respecto al trabajo, la fuerza y la productividad bajo la amenaza del látigo tenían más peso que las consideraciones sexuales. En este sentido, la opresión de las mujeres era idéntica a la opresión de los hombres. Pero las mujeres también sufrían de modos distintos, puesto que eran víctimas del abuso sexual y de otras formas brutales de maltrato que sólo podían infligirséles a ellas. La actitud de los propietarios de esclavos hacia las esclavas estaba regida por un crite- rio de conveniencia: cuando interesaba explotarlas como si fueran hombres, eran contempladas, a todos los efectos, como si no tuvieran género; pero, cuando podían ser explotadas, castigadas y reprimidas de maneras únicamente aptas para las mujeres, eran reducidas a su papel exclusivamente femenino.Cuando la abolición de la trata internacional de esclavos comenzó a amenazar la expansión de la joven industria del cultivo de algodón, la clase propietaria de esclavos se vio obligada a depender de la reproducción natural como método más seguro para repo- ner e incrementar la población esclava doméstica. Así pues, la capacidad reproductiva de las mujeres experimentó una revalorización. Durante las décadas anteriores a la guerra civil, las mujeres negras fueron evaluadas cada vez más en función de su fertüidad - Q de su incapacidad para reproducirse- y, en efecto, en tanto que madre potencial de 10, 12, 14 o, incluso, más niños, ella se convirtió en un codiciado tesoro. Pero esto no significa que las negras, como madres, poseyeran un status más respetado del que poseían como traba- jadoras. La exaltación ideológica de la maternidad -a pesar de la gran popularidad de la que gozó durante el siglo XIX- no se extendió a las esclavas. De hecho, a los ojos de sus pro- pietarios, ellas no eran madres en absoluto, sino, simplemente, instrumentos para garanti- zar el crecimiento de la fuerza de trabajo esclava. Eran consideradas «paridoras», es decir, animales cuyo valor monetario podía ser calculado de manera precisa en función de su capacidad para multiplicar su número.Puesto que las esclavas entraban dentro de la categoría de «paridoras» y no de la de «madres», sus criaturas podían ser vendidas y arrancadas de ellas con entera libertad, como se hacía con los temeros de las vacas. Un año después de que la importación de africanos fuera intertumpida, un tribunal de Carolina del Sur dictaminó que las muje- res esclavas no tenían ningún derecho legítimo sobre sus hijos. Por lo tanto, en virtud de esta disposición, los niños podían ser vendidos y apartados de sus madres a cualquier edad y sin contemplaciones porque «las crias de los esclavos [... ) tenían la misma consideración que el resto de animales».En tanto que mujeres, las esclavas eran esencialmente vulnerables a toda forma de coerción sexual. Si los castigos más violentos impuestos a los hombres consistían en fla- gelaciones y mutilaciones, las mujeres, además de flageladas y mutiladas, eran violadas. De hecho, la violación era una expresión descamada del dominio económico del pro- pietario y de! control de las mujeres negras como trabajadoras por parte de! capataz.Así pues, los especiales abusos infligidos sobre las mujeres facilitaban la explotación económica despiadada de su trabajo. Las demandas de esta explotación hacían que, excepto para fines represivos, los propietarios de esclavos dejaran de lado sus ortodoxas actitudes sexistas. Si las negras difícilmente eran «mujeres» en el sentido aceptado del término, el sistema esclavista también desautorizaba el ejercicio del dominio masculino por parte de 105 hombres negros. Debido a que tanto maridos y esposas como padres e hijas estaban, de la misma forma, sometidos a la autoridad absoluta de sus propietarios, el fortalecimiento de la dominación masculina entre los esclavos podria haber provo- cado una peligrosa ruptura en la cadena de mando. Además, ya que las mujeres negras, en tanto que trabajadoras, no podían ser tratadas como e! «sexo débil,. ni como «amas de casa», los hombres negros no podían aspirar a ocupar e! cargo de «cabeza de fami- lia» y, evidentemente, tampoco de «sostén de la familia,.. Después de todo, tanto hom- bres como mujeres y niños eran, igualmente, los «sostenes» de la clase esclavista.Las mujeres trabajaban junto con sus compañeros en los campos de algodón, de tabaco, de maíz y de caña de azúcar. En palabras de un ex esclavo:La campana suena a las cuatro de la mañana y tienen media hora para prepararse. Los hombres y las mujeres empiezan a la vez y ellas deben desempeñar las mismas tareas y tra- bajar tan intensamente como ellosLa mayoria de los propietarios establecían sistemas para calcular el rendimiento de sus esclavos en función de las tasas de productividad media que estimaban exigibles. De este modo, los niños solían considerarse la cuarta parte de una unidad de mano de obra. y, por regla general, se asumía que las mujeres equivalían a una unidad de mano de obra completa, a menos que expresamente se les hubiera asignado ser "paridoras" o "nodrizas,., en cuyo caso, en ocasiones, se consideraba que equivalían a menos de una unidad.
Wood hizo las acusaciones -que Manson niega- en el documental de HBO "Phoenix Rising", que se estrenó en el festival de cine de Sundance. "Habíamos discutido una escena de sexo simulada. Pero una vez que las cámaras estaban rodando, comenzó a penetrarme de verdad", dijo la estrella de la serie de televisión "Westworld". "Nunca accedí a eso".Wood comenzó a salir con Manson, cuyo nombre real es Brian Warner, en 2006, cuando ella tenía 18 años y él 37. Manson dijo que la canción "Heart-Shaped Glasses" estaba inspirada en la imagen de Wood usando las gafas con forma de corazón que se hicieron famosas en el póster de la película "Lolita", de Stanley Kubrick. "No sabía cómo defenderme ni sabía cómo decir que no, porque me habían condicionado y entrenado para no responder nunca, solo para seguir adelante", dijo Wood. "Me di cuenta de que el equipo estaba muy incómodo y nadie sabía qué hacer" ."Fui forzada a participar en un acto sexual comercial con falsos pretextos... Básicamente me violaron frente a la cámara". Según el documental, posteriormente Manson presionó a Wood para que les dijera a los periodistas que no había habido sexo real durante la filmación del video. La madre de Wood recuerda haber escuchado de boca de un integrante del equipo de filmación que Manson le estaba dando licor de absenta a Wood "y cualquier otra cosa", y que ella no estaba en condiciones de dar su consentimiento cuando él se salió del guión.El abogado de Manson, Howard King, negó la acusación en un comunicado enviado a AFP. "De todas las falsas acusaciones que Evan Rachel Wood ha hecho sobre Brian Warner, su recuento imaginario del rodaje del video de 'Heart-Shaped Glasses' hace 15 años es la más descarada y fácil de refutar porque había varios testigos", escribió.King dijo que Wood estaba "totalmente coherente" durante el rodaje de tres días y "profundamente involucrada en la planificación de la preproducción y posproducción del clip". "La escena de sexo simulado requirió varias horas de rodaje con varias tomas usando diferentes ángulos y pausas largas entre cámaras". "Brian no tuvo sexo con Evan en aquel set, y ella sabe que esa es la verdad".Manson ha sido acusado por varias mujeres de agresión sexual, entre ellas la actriz de "Game of Thrones" Esme Bianco. La policía de Los Ángeles confirmó el año pasado que estaban investigando acusaciones de violencia doméstica contra el cantante. Manson, quien durante mucho tiempo ha cultivado una imagen polémica con su maquillaje fantasmal y un nombre artístico que evoca al asesino en serie Charles Manson, se separó de su sello discográfico Loma Vista Recordings y de la agencia de Hollywood CAA desde que se hicieron públicas las acusaciones. Pero continúa grabando música y el año pasado participó en el álbum "Donda" de Kanye West.El documental "Phoenix Rising" repasa los esfuerzos de Wood y otras sobrevivientes de abusos sexuales para extender el plazo de prescripción de estos delitos y disponer de más tiempo para buscar justicia después del abuso. El festival de cine de Sundance, que se lleva a cabo en línea nuevamente este año debido a la pandemia, se extenderá hasta el 30 de enero.
El documental "The Janes" y la película llena de estrellas "Call Jane" retratan al colectivo homónimo que en los años 1960 ayudaba en Chicago a mujeres embarazadas a entrar en contacto con doctores que trabajaban encubiertos, mientras que el premiado drama "Happening" sigue a una joven que arriesga todo para abortar en la Francia de esa misma década. "Habiendo vivido esa época, créeme, no queremos volver a eso", dijo Sigourney Weaver, que protagoniza "Call Jane". "Espero que podamos involucrar a la generación más joven que siempre ha contado con esto y que puede estarlo tomando por sentado. Colocar de nuevo el foco en la mujer", agregó. El festival trae estas producciones al tiempo que se cumplen 49 años del caso Roe v. Wade, con el que la Corte Suprema sentó jurisprudencia para avalar el derecho al aborto en Estados Unidos. Este derecho constitucional está bajo ataque, en momentos en que varios estados dominados por el Partido Republicano aprueban leyes que dificultan a las mujeres el acceso a un aborto. Los defensores del derecho al aborto temen que la actual configuración de la Corte Suprema, que incluye tres jueces conservadores nominados por el expresidente republicano Donald Trump, restrinja o incluso elimine ese derecho. Phyllis Nagy, directora de "Call Jane", dijo que estaba "impactada por la necesidad de contar una historia acerca de mujeres que permita a otras mujeres emanciparse, y quería hacerlo con humor, con un toque de ligereza, y con cierta urgencia". "Creo que hay muchas películas, porque es un tema importante. Esto es extremadamente necesario para que nuestro preciado derecho a elegir no desaparezca de inmediato", comentó. - "Pensábamos que habíamos ganado" - El colectivo "Jane", que emergió a fines de los años 1960 enraizado en los movimientos de los derechos civiles y contra la guerra de Vietnam, operó hasta 1973, cuando el aborto fue legalizado. En aquella época, voluntarios, en su mayoría mujeres, daban asesoramiento telefónico y ofrecían sus apartamentos para improvisar clínicas. Usaban sus carros para trasladar a las mujeres embarazadas y ayudaban a quienes no tenían recursos colectando dinero para pagar por estas operaciones ilegales. Algunas de las "Janes" incluso aprendieron a realizar los procedimientos. "Sin estas mujeres yo no habría podido disfrutar de las libertades de las cuales disfruté toda mi vida", dijo Elizabeth Banks, protagonista de la cinta. Varios miembros del grupo fueron entrevistados para la grabación del documental de HBO "The Janes", que se estrenó este lunes. Entre ellos, Heather Booth, quien fundó el colectivo al encontrar un médico que atendió a la hermana de una amiga que comenzó a tener pensamientos suicidas después de quedar embarazada. "Incluso hablar sobre realizar un aborto era considerado una conspiración para cometer un crimen", recuerda Booth. Para cuando el fallo de Roe v. Wade sentó jurisprudencia y volvió innecesario su trabajo, varios miembros del grupo habían sido arrestados e inculpados. "Estábamos emocionados, y pensamos que había acabado. ¿Quién sabía lo que vendría después? Pensamos que habíamos ganado", dijo otra integrante del grupo identificada apenas como "Jeanne". - "Deber" - "Happening", de la periodista francesa Audrey Diwan, conquistó el León de Oro a la Mejor película en el festival de Venecia el año pasado. Basado en la novela autobiográfica de Annie Ernaux, captura no sólo los riesgos de la cárcel o incluso la muerte que enfrentaban quienes se involucraban en un aborto ilegal, sino también el rechazo, la soledad y el estigma que sufrían las jóvenes embarazadas en los años 1960. "Mi expectativa es que la gente que no está de acuerdo conmigo vea esta película y ver cómo reaccionan", dijo Diwan en entrevista con AFP. "Una cosa es decir 'estoy contra el aborto', pero ¿estás de acuerdo con que un ser humano tenga que atravesar por todo eso?". La película fue lanzada en Sundance antes de su estreno en Estados Unidos, previsto para la primavera boreal. "En los años 1960 en Francia, las leyes eran realmente estrictas. Incluso tratar de ayudar a alguien a abortar podría llevarte a la cárcel", dijo Diwan. "Y digo esto porque infelizmente sé que esto pasa en otros países actualmente". Anamaria Vartolomei, la protagonista de la película, dijo que sintió "un cierto deber" por tener una hija de 22 años "con derechos, libre". "Es destinada a impulsar el debate, por lo que espero que lo haga. Estoy contenta de ver cómo guiará el debate sobre este tema en Estados Unidos". El festival de Sundance, que exhibe lo mejor del cine independiente, se extiende hasta el 30 de enero.
La autora británica Virginia Woolf nació el 25 de enero de 1882 en Kensingto y murió el 28 de marzo de 1941 en Lewes, Reino Unido. Leer sus diarios hacen sentir el cosquilleo en el estómago mientras imaginamos la velocidad del tren, pese a que, no hayamos viajado en uno. Una vez comencé a leer los diarios, mis pasos y mi mente se trasladaron a Asheham House, Sussex, lugar donde más que su casa era su refugio. Aún no llegaba a la última página, iba a penas en la mitad, pero eso no importaba. Poco a poco iba descifrando sus gestos y en cada tarde iba grabándome su forma elegante de narrar. Entre más la leía más entendía sus emociones, desde el primer momento me dispuse a leerla en voz alta, supongo que quería que de sus palabras resultaran ecos y así quedara algún rastro de que por una semana había vivido y pisado las calles junto a ella.De repente me encontré esta entrada del 26 de noviembre de 1917: “No me gusta el domingo; lo mejor es convertirlo en día laborable & intentar desenmarañar la mente de Brooke: Con el tañido de las campanas de la iglesia resultó bastante adecuado”. Al igual que yo la señora Woolf detestaba los domingos, los encontraba oscuros y aburridos. Fue por eso por lo que, me decidí a salir de la casa. Me negaba a dejar el libro solo. Sí, hacía mucho el libro había dejado de ser solo un objeto así que, lo acomodé en mi mochila café, lo guardé con tal cuidado como si fuese una bola de cristal que al menor impacto podría romperse.Llegué a la pastelería de siempre y mientras Victoria quien es la mesera de aquel lugar, se esforzaba por atender a más de cinco personas, moví mis manos en señal de que no se preocupara. Tenía todo el tiempo del mundo para esperar mi café y mi ponqué de siempre. “jueves, 22 de noviembre: Presumí tanto de este diario & de la fascinación por llenarlo de la fuente inagotable de Garsington que me avergüenzo de saltarme días; & aun así, como señalo, la única posibilidad de que este diario sobreviva es esperar a que yo esté de humor para escribir”. Habría que imaginarla en su cuarto prendiendo un cigarrillo mientras escribía con la mano izquierda todos los detalles de los amaneceres y anocheceres en Londres. Le encantaba mirar la luna y contar cuantas estrellas podía observar desde su ventana, Se propuso escribir sin falta después de tomar el té pues no quería renunciar a sus palabras. Caminaba de lado a lado mientras pensaba como podía empezar su novela “Noche y día”. Había momentos donde se negaba a sus primeros episodios causados por la bipolaridad, enfermedad que padeció desde pequeña. Aunque se esforzaba le era imposible no acordarse de la primera vez que enloqueció. Fue en 1895 cuando su madre Julia Stephen murió. Ella tenía tan solo trece años. Posteriormente se enteró del fallecimiento de su hermana Stella. Desde allí empezó a escuchar diversas voces que no la dejaban dormir. Se recuperó gracias al apoyo y amistad de Violet Dickinson. Después, de nueve años volvió a tener otro episodio tras saber la noticia de que su padre Leslie Stephen había muerto de cáncer. Por lo que, su hermana mayor Vanessa Stephen decidió trasladar a su familia a Gordon Square, Bloomsburry. Allí conoció a cuatro jóvenes que estudiaban en Cambridge. Turner, Clive Bell, junto con Saxon Sydney y Lytton Strachey con quienes compartiría hasta su vejez.Seguramente, por eso su obsesión de escribir cada día sobre los lugares y personas a las que frecuentaba. En enero de 1915 volvió a comprar un nuevo cuaderno para escribir todas las tardes aprovechando que su esposo Leonard Woolf salía a llevar las reseñas que había escrito durante toda la semana. Sin embargo, su última entrada, fue el 15 de febrero de aquel año. Sus constantes dolores de cabeza, sumado a varias noches de insomnio la llevaron a sufrir una crisis quizá la peor de toda su enfermedad, su esposo tuvo que contratar a varias enfermeras pues su actuar violento era hacía él. Esta crisis duró alrededor de tres meses en las Leonard no pudo ni asomarse a su cuarto. En 1917 decide continuar con su cuaderno, allí se percibe a una mujer que va paso tras paso para llevar a cabo una de las cosas que sueña: Seguir viviendo su experiencia como diarista. “lunes 8 de octubre: El descubrimiento de un viejo cuaderno que escribí en 1915, en una caja de madera guardada en mi armario y que aún hoy hace que nos riamos de Walter Lamb, me anima a intentar llevar este diario ahora que empiezo. Así pues, seguiré el siguiente plan: escribir después del té y hacerlo sin reservas; y, a propósito, Leonard ha prometido añadir una página cuando tenga algo que decir. Tiene que superar su modestia”.Me había tomado el café y la torta, pero sentía mucho frío. Desde las ventanas del lugar donde me encontraba podía ver la luz que provenía del sol y de un cielo claro. No obstante, mi mente se encontraba en Inglaterra, donde los amaneceres estaban dibujados por una gran niebla qué impedía ver con claridad y saber hacía donde podíamos dirigirnos. Entonces, mientras pasan los días en su narración se lee a Virginia como una mujer tranquila que, aunque lucía más delgada, estaba en un momento de serenidad, leer sus diarios nos lleva a encontrarla más humana y fuerte pues de esta manera, está protegiendo a sus empleadas del servicio para que no enloquezcan a causa de la guerra. “Luego cogimos el tranvía a Kingston & tomamos el té en Atkinson, donde ya solo te sirven un bollo. Hay escases de todo. La mayoría de las carnicerías están cerradas. No se pueden comprar bombones y las flores son tan caras que me conformo con las hojas que recojo… De repente, la guerra se ha hecho presente en todas partes”. Las explosiones y ataques parecían rodearlos. Por lo que, la señora y el señor Woolf decidieron dejar algunos colchones en la cocina. Tan pronto como escuchaban ataques aéreos se refugiaban en el primer piso. Llevar este diario hizo que Virginia se percatara de que los bombardeos en Londres solían ser en las noches de luna llena. Entonces, se preparaban y tomaban una taza de cacao mientras los estruendos sonaban cada vez más cerca. Virginia subía el tono de su voz y les contaba a sus empleadas algunos chismes de sus amigos para que sus empleadas se distrajeran. La guerra había dejado herido a Philip hermano de Leonard. El jueves 7 de marzo Virginia se encontraba nostálgica y anotó la siguiente frase: “Cuando más ve uno los efectos de la guerra en jóvenes que tendrían que estar felices más odias todo el asunto”.Sin duda, la guerra seguía y con esto se cerraban las posibilidades de salir a cualquier lugar, aunque en el día no solían haber ataques, el terror invadía cada parte de la ciudad. Por su parte, Virginia Woolf se aferraba cada día más a su cuaderno. Allí podía ser ella, incluso contar las peleas que tenía con su esposo. Fue la guerra lo que la llevó a hablar con sus amigos sobre todo con Clive Bell sobre el arte. Hablaban de arte para no morir, para no dejarse conducir por los días grises y de profundo dolor. Asistir al club y presenciar conversaciones interesantes era lo que ayudaba a que no volviera a encontrarse de nuevo con su enfermedad. Por eso, escribía para huir de las voces, para reflexionar sobre la guerra y los días desesperanzadores. Resistía para no dejar de plasmar en su diario.“viernes, 11 de enero: Otro día sedentario que, sin embargo, merece una nota por el placer de consignar que la cámara de los Lores ha aprobado la ley del sufragio. No me siento mucho más importante, aunque tal vez sí un poco más. Es como un título nobiliario: puede ser útil para impresionar a gente a la que se desprecia”. Es evidente que leer los volúmenes de los diarios de la escritora británica no solo nos acerca a sus pensamientos y a su vida íntima, además, nos conduce por momentos donde la sociedad logró un cambio, como la noche de 1918 donde las mujeres de más de treinta años por primera vez podían votar. Concentrarse en los gestos y palabras de las personas que visitaba la llevaban siempre a un momento de reflexión. El poder de la escritura la hacía una mujer que aún en situaciones deprimentes a causa de la guerra y de las voces que desde los trece años la atormentaban no la hiciera desistir al narrar momentos agradables y al mismo tiempo angustiantes de su vida. Aun con todas las bombas y muertes que la desgarraban, en un rinconcito de Inglaterra se refugiaba una mujer que esperaba pacientemente encontrar silencio en la madrugada para escribir inolvidables líneas como: “Me sorprendió que la edad consista no en cambiar de opiniones, sino en tener las mismas, pero marchitas”. Virginia siempre eterna.
Este 25 de enero se cumplen ciento cuarenta años del nacimiento de Adeline Virginia Stephen, más conocida como Virginia Woolf, probablemente una de las escritoras más extraordinarias de la literatura universal. Esa autora que quiso hilvanar la luz entre sus palabras y evocar el movimiento del agua, tanto en el océano como en el movimiento incesante de la ciudad. Y, si bien lo que se recuerda este año más que nada es el aniversario de su nacimiento, hay otro evento muy significativo de su vida que también vale la pena destacar: los cien años de Jacob’s Room, su tercera novela, publicada en 1922. Un libro que no suele recibir la atención que se merece y que sin embargo es fundamental para entender ese salto que da Woolf desde sus dos primeras obras, Fin de Viaje y Noche y Día (obras publicadas en Duckworth Press, la editorial de su hermanastro, quien abusó de ella en variadas ocasiones) a esas maravillas que son La Señora Dalloway, Al Faro, Orlando y Las Olas (por solo mencionar algunas), publicadas por la editorial que creó junto a su marido, Leonard: Hogarth Press. Ella misma notó ese brillo distinto y lo anotó en su diario (Woolf llevó un diario durante toda su vida, estaba siempre en conversación consigo mismo y con su obra), diciendo que por fin a los cuarenta años había conseguido escribir algo en una voz propia.En la habitación de Jacob se empieza a perfilar una libertad distinta, una voluntad de experimentación, una forma diferente de marcar la ausencia, de jugar con la página.En Jacob’s Room tenemos otra elegía, una nueva pérdida que se marca como una ausencia: marca que quedará de ahí en más en la obra de Woolf. Por ella la muerte pasa sin que nos detengamos a contemplarla o dolernos, lo que nos queda es la ausencia, las sillas sin ocupar a la mesa, unos brazos que se estiran sin encontrar a nadie, unos zapatos con los que nadie más saldrá a caminar. Woolf marca la ausencia de Jacob sobre la página, el vacío que queda, el fantasma que conjuran las palabras de otros y también el blanco que va distanciando a los fragmentos entre sí, una experiencia ciertamente distinta a la composición más tradicional de Fin de Viaje (una suerte de novela de formación degradada, con un personaje que no es capaz de vivir de acorde a las expectativas de la época) y Noche y Día (donde comienzan a marcarse con más fuerza, aunque se delinearon algo en su libro anterior, las dos protagonistas recurrentes de la ficción de la autora: la gran anfitriona y la artista (o la rara, en el mejor de los sentidos)).Pero volvamos un poco atrás. A la vida de una mujer que vivió muy joven la muerte de su madre y de su hermana Stella (que asumió el rol materno por unos años), que luego padeció la muerte de su padre (un hombre al que admiraba y consideraba un tirano doméstico en partes iguales y quien le enseñó a leer y a escribir en largos paseos) y saltó por una ventana en un primer intento de suicidio. Que sufrió abusos de parte de su hermanastro George Duckworth, que admiró y envidió profundamente a su hermana Vanessa Bell (quien encarnara para ella la mezcla perfecta entre la gran anfitriona y la artista; Vanessa fue una excelente pintora y diseñó las portadas de varios libros de su hermana), que cargó siempre como un fantasma la muerte de su hermano Thoby y se rodeó de los amigos de su hermano Adrian conformándose así el grupo de intelectuales de Bloomsbury.Woolf fue autodidacta pero con gran disciplina y ferocidad. En sus diarios y cartas va marcando sus lecturas y cómo se desafía a aprender griego, a leer todo Shakespeare, a todos los rusos. Y esa figura de la lectora voraz, que es andrógina y no calzaría nunca en un solo sexo, queda inmortalizada en Orlando, una obra magnífica y apasionada. Una obra que llevaba el subtítulo de “Una biografía” como descripción, burla y desafío pues a ella siempre le pareció que escribir una biografía era algo imposible.Para Woolf, las personas están cambiando todo el tiempo, a cada segundo y, con eso, con tantas versiones, la idea de una sola narrativa que de cuenta de una vida se vuelve francamente imposible, sobre todo si quien escribe no conoce a la persona en cuestión. No importa cuán cerca esté esa persona, siempre estamos cambiando. Algo que resuena con particular intensidad si se piensa que Leslie Stephen, padre de Virginia, tuvo a su cargo el Dictionary of National Biography.La biografía de Orlando es una biografía cambiante e imposible: Orlando pasa de ser hombre a mujer de un día para otro y sin mayor drama y la biografía abarca tres siglos. El ejercicio es llevado aún más lejos por la autora un par de años después cuando publica Flush, una biografía del perro de la poeta Elizabeth Barrett Browning. El gesto es audaz pues pone en cuestión el tipo de personas que suelen ser dignos de una biografía: ¿por qué no una persona común y corriente? ¿Por qué no un animal? Algo que también se une con una reflexión constante de la autora: los momentos que marcan la vida de una persona (o un perro) no son necesariamente los hitos que destacaría un biógrafo. Así, por ejemplo, en La señora Dalloway, la novela no nos muestra ni la boda de Clarissa ni el momento en que se convierte en madre pero sí se menciona, como el momento más importante de la protagonista, un beso que le dio su amiga Sally Seton un verano.La vida que fluye y que se escapa es el material de la obra de Woolf, los paseos por la memoria, sí, pero también las condiciones materiales que hacen posible la vida. Así, para escribir, nos dice la autora, no solo se necesitan ideas o un arrebato de inspiración, sino que un cuarto propio y dinero suficiente. En otras palabras: la posibilidad de cerrar una puerta a las interrupciones y requerimientos del mundo, independencia económica suficiente para poder comprarse una tajada de tiempo. Y Woolf tuvo su cuarto propio pero también su buena dosis de interrupciones. Interrupciones muchas veces marcadas por su marido Leonard Woolf y sus sirvientes que la obligaban a comer o le prohibían ir a la ciudad o escribir más de quince minutos diarios, o bien por los doctores que le recomendaban que descansara, que le sacaron dientes pensando que con eso controlarían su depresión y que le prohibieron embarazarse para no agravar aún más las cosas. Pero en la tajada de tiempo que sí tuvo, y que ella mismo marcó con un final, arrojándose al río Ouse, Woolf mostró todos los mundos que guarda la realidad, todas las versiones que viven dentro de una persona, especialmente de las mujeres.Todas esas voces, todas esas posibilidades, todos esos futuros.Esa ficción moderna que, nos dijo Woolf en su ensayo : “Modern Fiction”, es realista no cuando ordena y organiza sino cuando abraza al caos, al desorden.Woolf escribió muchas fiestas en sus obras, eran parte del decorado de sus grandes anfitrionas, lo que ponía sus vidas en movimiento. Probablemente la más espectacular y conmovedora sea la de La señora Dalloway, que se narra como un regalo, una ofrenda, que Clarissa quiere hacerle a su ciudad, Londres, que sigue adolorida, y llena de vacíos, luego de la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, a Virginia no le gustaban tanto. O no en la realidad. Sí le gustaba lo que ella llamó “el espíritu de la fiesta” y que consistía en la forma en que una celebración así transforma nuestra experiencia del tiempo: la anticipación, los preparativos; también la belleza de la decoración, de los vestidos, de las flores y luego los comentarios después de ella.Para Woolf, la fiesta perfecta, era aquella a la cual no se asistía. Y así se quedó muchas veces en su casa, arreglada para salir, con la ventana abierta, escuchando la música a lo lejos, los invitados apurando el paso, y esperando que alguien luego regresara para contarle cómo estuvo todo.Se cumplen 140 años de todas las Virginias Woolf que existieron sobre la Tierra. Todas sus versiones, todas sus alegrías (ese humor despiadado que mostraba en diarios y cartas; les recomiendo especialmente el volumen que contiene las de ella y su gran amigo Lytton Strachey), toda su melancolía profunda y conmovedora atención sobre las vidas y pensamientos de los personajes en sus obras (ese descenso a la mente de Septimus, soldado que vuelve de la guerra cargando fantasmas), toda esa inteligencia en sus lecturas y ensayos (El cuarto propio, sí, pero también El lector común) y todos esos dolores que la llevaron muy temprano a la muerte. Leerla (a ella, pero también leer sobre ella) es deslumbrarse frente a todas esas versiones, frente a ese mundo cotidiano que está enamorado de la vida a pesar de todo, aunque sea por un momento.** María José Navia es una escritora y académica chilena. Doctora en Literatura y Estudios Culturales por la Universidad de Georgetown, Profesora en la Facultad de Letras de la Pontificia Universidad Católica de Chile y autora de tres libros de cuentos y tres novelas. Una de ellas, Kintsugi, fue publicada en Colombia por Himpar editores en 2020, editorial que también publicará una de sus colecciones de cuentos, Una música futura, este 2022.
"Es con gran tristeza y pesar que les informamos del fallecimiento de la cantante y compositora Elza Soares, de 91 años, a las 15:45 horas en su domicilio de Río de Janeiro, por causas naturales", informó la familia de la cantante a través de un comunicado oficial. Con una ecléctica carrera que empezó en los años 60 y que incluye más de 30 discos, Soares, diva negra con una inconfundible voz rasgada, es considerada una de las mayores voces de la música brasileña.La vida golpeó una y otra vez a Elza Gomes da Conceição, pero también la convirtió en símbolo de resistencia y coraje y en sus últimos años, en figura de culto. Hija de un obrero y una lavandera, nació en junio de 1930 en Río de Janeiro, y se crió en la favela de Moça Bonita. Su padre la obligó a casarse a los 12 años, y un año después nació su primer hijo. Con su primer marido tuvo siete hijos, pero los primeros dos, prematuros y desnutridos, murieron muy pequeños. Soares llegó a confesar que llegó a robar comida para alimentarlos. A los 21 años ya era viuda.Tras quedar viuda a los 21 años de su primer esposo, con quien tuvo cinco hijos, Soares inició una relación de pareja con el recordado futbolista brasileño Manuel Francisco dos Santos, más conocido como Mané Garrincha. Dicho vínculo estuvo marcado por el alcoholismo del futbolista y la violencia física que ejercía contra la cantante. Ambos tuvieron un hijo en 1976, pero al poco tiempo ella abandonó al polémico deportista. Garrincha moriría también un 20 de enero, pero de 1983, y el hijo de ambos, 'Garrinchinha', perdería la vida tres años después en un accidente automovilístico, hecho que provocó una fuerte depresión en Soares."Ícono de la música brasileña, considerada una de las mayores artistas del mundo, la cantante elegida como la Voz del Milenio, tuvo una vida apoteósica, intensa, que emocionó al mundo con su voz, su fuerza y su determinación", señala el comunicado. Con más de 60 años de carrera -comenzó a finales de los años 50- y 34 discos lanzados, Soares es considerada una de las artistas musicales más importantes del país, y en los últimos años supo incursionar en otros estilos como el jazz, el funk, la música electrónica o el hip hop."La amada y eterna Elza descansó, pero estará para siempre en la historia de la música y en nuestros corazones y de los millones de fans por todo el mundo. Hecha la voluntad de Elza Soares, cantó hasta el final", agrega el comunicado
"Nuestro amado ángel en la tierra, Ronnie, dejó este mundo en paz hoy después de una breve batalla contra el cáncer", expresó en un comunicado la familia. "Ronnie vivió su vida con un brillo en los ojos, una actitud valiente, un retorcido sentido del humor y una sonrisa en su rostro", agregó el comunicado.Nacida como Veronica Greenfield en el Harlem hispano de Nueva York, el 10 de agosto de 1943, Spector era hija de una madre afroamericana-cherokee y un padre irlandés-estadounidense.Formó el grupo musical más tarde conocido como The Ronettes con su hermana Estelle Bennett y su prima Nedra Talley, ganando adeptos en el área de Nueva York con sus conmovedoras canciones de amor juvenil, antes de firmar en 1963 con el entonces legendario productor Phil Spector, con quien ella luego se casó.Con sus ojos vampíricos y párpados pesados, peinados altísimos y faldas cortadas por encima de la rodilla, las Ronettes ofrecieron una serie de éxitos durante su apogeo a principios de la década de 1960, incluidos "Baby, I Love You" y "(The Best Part of) Breakin' Up", junto con la amada "Be My Baby", canción que en 1999 fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy.Junto con las Supremes, las Ronettes se encontraban entre los principales grupos de la época y el único grupo de chicas que realizó una gira con los Beatles, abriendo para ellos en su gira de 1966.Al incluir al trío en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2007, Keith Richards de The Rolling Stones recordó haber sido telonero de las Ronettes en la década de 1960."No necesitaban nada. Tocaron mi corazón allí mismo y todavía lo tocan", dijo Richards. Las Ronettes se separaron en 1967 después de una gira de conciertos por Europa.En 1968, Ronnie se casó con Phil Spector, alguna vez el rey de los productores de rock'n roll, quien en 2009 fue encarcelado por asesinato.La pareja se divorció en 1974, y en su autobiografía la cantante relató años de comportamiento terriblemente abusivo perpetrado por su ex. Tras la ruptura de las Ronettes, Spector continuó una carrera en solitario, que incluyó una serie de colaboraciones con artistas como Eddie Money y la E Street Band de Bruce Springsteen.En 2006 lanzó "Last of the Rock Stars", un álbum que incluía colaboraciones de Richards y Patti Smith."Estaba llena de amor y gratitud", se lee en el comunicado de su familia. "Su sonido alegre, naturaleza juguetona y presencia mágica vivirán en todos los que la conocieron, escucharon o vieron".
La efigie de la poeta y activista afroestadounidense Maya Angelou aparece en una nueva generación de "quarters", las famosas monedas estadounidenses de 25 centavos de dólar, cuyos primeros ejemplares ya fueron acuñados por la Casa de la Moneda de Estados Unidos y pronto estarán en circulación. Las monedas se producirán en grandes volúmenes para el uso diario y se acuñan en Filadelfia y Denver, según un comunicado publicado el lunes.La nueva edición es el resultado de un proyecto de ley de la legisladora demócrata electa por el estado de California Barbara Lee, votado a finales de 2020. En sus 90 años de historia, la moneda de 25 centavos ha tenido al primer presidente de Estados Unidos, George Washington, en una cara y un águila en la otra. "Cada vez que realizamos el rediseño una moneda o un billete, tenemos la oportunidad de decir algo de nuestro país, lo que valoramos, y cómo hemos avanzado como sociedad", señaló la secretaria del Tesoro, Janet Yellen, en un comunicado.En 1999, se lanzó una serie de "quarters" en honor a los 50 estados. El programa se amplió para incluir los territorios y parques nacionales del país. El de Maya Angelou es el primer ejemplar de una serie denominada "Prominent American Women", que homenajeará a varias mujeres ilustres como Sally Ride, la astronauta y física; Wilma Mankiller, primera mujer nativa americana jefa de la Nación Cherokee; Nina Otero-Warren, política y activista hispana; y la actriz Anna May Wong aclamada como la primera estrella de ascendencia asiática.Conocida por sus memorias y poesía, Maya Angelou, quien murió en 2014 a los 86 años, es considerada una de las autoras más emblemáticas sobre la condición de las comunidades negras en Estados Unidos.Amiga del activista y líder religioso negro Malcolm X y militante en el movimiento del líder y pastor Martin Luther King, Marguerite Johnson, su nombre de pila, escribió ampliamente sobre la vida en el sur de Estados Unidos, una región marcada históricamente por la segregación racial y de donde ella es originaria.La Administración del presidente estadounidense, Joe Biden, ha señalado su intención de conseguir que Harriet Tubman, una esclava afroamericana que se convirtió en abolicionista, sea la imagen de los nuevos billetes de 20 dólares en el futuro próximo.
Tenía trece años cuando las escuchó por primera vez. En medio de un césped a medio crecer, como si estuvieran a penas a dos pasos de ella las voces de San Miguel, Santa Catalina y Santa Margarita rompieron el suelo de su cerebro y la hicieron sentir, por primera vez, parte de algo. Después de ese momento, en el campo de Domrémy-la-Pucelle, Francia, Juana de Arco no volvería nunca más a estar sola. Uno de lo los Santos que inspira a Juana es Miguel, un santo militar, que lidera al ejército hacia la victoria en el final de los tiempos. Según Helen Castor, historiadora y autora de la elogiada biografía Juana de Arco: una historia, algo que hace diferente a las voces que escucha Juana, es que "ella dice que Dios quiere que sea ella misma la que luche. Normalmente, los visionarios traían mensajes de Dios para los reyes o políticos, pero eran estos últimos quienes tenían que implementar las órdenes".En los primeros meses de 1429, en el transcurso de la Guerra de los Cien Años y cuando los ingleses estaban a punto de capturar Orleans, esas voces la exhortaron a ayudar al Delfín, más tarde el rey de Francia Carlos VII, quien todavía no había sido coronado debido a las luchas internas y a la pretensión inglesa al trono de Francia.Juana de Arco le explicó que ella tenía la misión divina de salvar a Francia. Un grupo de teólogos aprobaron sus peticiones y se le concedieron tropas bajo su mando con las que condujo al ejército francés a una victoria decisiva sobre los ingleses en Patay al tiempo que liberaba Orleans.Respetada, creída y seguida por el rey y sus discípulos, la suerte de Juana dio un giro brusco poco tiempo después. En mayo de 1430 fue capturada por soldados franceses aliados a Inglaterra, vendida a los ingleses y condenada por herejía a la hoguera, en la que murió calcinada.Cuando Juana fue llevada a juicio por la Iglesia, el proceso se centró —además de en sus vestimentas de hombre—, en el origen de sus visiones. No se trataba de entender si Juana había o no escuchado voces, sino de dilucidar su procedencia: o eran del paraíso, o eran un mensaje del demonio, tal y como finalmente determinó la autoridad eclesiástica."Todo su cuerpo quedó hecho cenizas, no quedó nada", explica Linda Seidel, profesora emérita del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Chicago, en Estados Unidos, y autora del ensayo Changing images of Joan of Arc. "Los ingleses querían que no quedase ninguna señal de ella, ninguna reliquia que pudiera ser rescatada y que pudiese inspirar un movimiento religioso en su nombre".No bastó el fuegoA pesar de los intentos por borrar de la historia a Juana de Arco, su papel en la guerra y las leyendas que se tejieron alrededor de su nombre lograron que hasta la actualidad sea un personaje que inspira películas, libros, poemas y hasta hechizos. Estas son algunas de las cintas que han contado la vida de esta guerrera. Juana de arco, de Cecil B. DeMille (1916): La primera película de entidad sobre la Doncella de Orleans llegó de la mano de Cecil B. DeMille, en los comienzos de la carrera del prolífico cineasta. Este cumplió con creces con su idea de conformar un largometraje espectacular, empezando a dejar patente su habilidad para dirigir a grandes masas en las secuencias de las batallas. Por contra, el conjunto quedó lastrado por su escasa fidelidad a la historia real. La producción fue concebida con fines propagandísticos en apoyo a la intervención de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial.La pasión de Juana de Arco, de Carl Theodor Dreyer (1918): En los últimos años de la época muda, el danés Dreyer firmaría la indiscutible obra maestra sobre la heroína francesa. El realizador se ciñó a las actas originales del juicio, desarrollando una narración cimentada en el profuso empleo de primeros planos. Juana tuvo los rasgos de una excelsa Maria Falconetti, que no haría nada reseñable ni antes ni después, pero quedaría inmortalizada para la historia con su atormentada composición. Toda una lección de cine.Santa Juana, la dama de hierro, de Otto Preminger (1957): Hollywood volvería a colocar el foco en la santa francesa, a través de este acercamiento de estilo teatral, llevado a cabo por Otto Preminger. El papel protagonista recayó en la debutante Jean Seberg, elegida entre miles de candidatas. Pese a la presencia de Preminger, la propuesta se resiente por ciertas incongruencias argumentales y por la inconsistente traslación a la pantalla del rey Carlos VII.El proceso de Juana de Arco, de Robert Bresson (1962): El personalísimo Robert Bresson, siempre interesado por las temáticas espirituales, abordó el mismo episodio de la vida de Juana (su juicio y condena) que Dreyer, con un trabajo mucho más sobrio y pausado. El francés confeccionó el reparto con intérpretes no profesionales, logrando una de las mejores aproximaciones hacia su compatriota, aunque sin alcanzar el magistral nivel de la versión de Dreyer, con la que es inevitable la comparación.
El músico y productor Ben Gibbard se ha propuesto celebrar el cumpleaños número 89 de Yoko Ono con música. Gibbard ha sido la mente detrás de "Ocean Child: Songs of Yoko Ono", un álbum que reúne algunas de las mejores canciones de la carrera musical de Yoko Ono, en las voces de distintos artistas. Buena parte de la idea de Gibbard apela a la falta de reconocimiento de Ono como compositora, “Como defensor, el obstáculo más alto a superar siempre ha sido la ignorancia del público en cuanto a la amplitud del trabajo de Yoko”, escribió. “Para ponerlo en contexto: esta es un artista cuya producción ha abarcado desde la vanguardia hasta el pop en un solo álbum. Durante años, ha sido mi posición que su composición se ha pasado por alto criminalmente. Constantemente ha creado melodías tan memorables como las de los mejores escritores pop. Como letrista, siempre ha escrito con conmoción, sofisticación y profunda introspección", aseguró Gibbard en la presentación del proyecto.Buena parte de la fama de Yoko Ono se deriva de su relación con John Lennon. Sin embargo, su legado artístico ha quedado oculto por la culpa que le achacaron los mitos artísticos difundidos entre los fans del cuarteto de Liverpool que, no está demás recordar, el documental "Get Back" desmiente. Con el objetivo de dejar en el centro de la atención el talento de Ono, Death Cab for Cutie, David Byrne, Yo La Tengo, Japanese Breakfast, Sharon Van Etten y Flaming Lips se suman a las voces que la homenajean, reversionando algunas de sus canciones más reconocidas.Además de la música, el álbum contará con un contenido en audio exclusivo, un podcast en el que Gibbard y la reconocida periodista musical Jenny Eliscu conversan sobre el legado que Yoko Ono ha construido en su extensa carrera artística. Los invitados serán los artistas que intervienen en los diferentes tracks del disco. Una parte de las ganancias del álbum se donará a WhyHunger, una organización sin fines de lucro que Ono ha apoyado durante décadas en sus esfuerzos por transformar el sistema alimentario mundial mediante la construcción de la justicia social y atacando las causas fundamentales del hambre y la pobreza. Ono ha donado millones de dólares a causas benéficas y no violentas a lo largo de los años.Estas son las canciones de "Ocean Child: Songs of Yoko Ono"1. Sharon Van Etten – “Toyboat”2. David Byrne And Yo La Tengo – “Who Has Seen The Wind”3. Sudan Archives – “Dogtown”4. Death Cab For Cutie – “Waiting For The Sunrise”5. Thao – “Yellow Girl (Stand For Life)”6. US Girls – “Born In A Prison”7. Jay Som – “Growing Pain”8. Stephin Merritt (of Magnetic Fields) – “Listen, The Snow Is Falling”9. Deerhoof – “No No No”10. We Are KING – “Don’t Be Scared”11. The Flaming Lips – “Mrs Lennon”12. Japanese Breakfast – “No One Sees Me Like You Do”13. Yo La Tengo – “There Is No Goodbye Between Us”14. Amber Coffman – “Run Run Run”
"Maus: relato de un superviviente", la novela gráfica del historietista Neil Gaiman se publicó por primera vez entre 1980 y 1991, dividida en entregas a través de la revista Raw. La historia está basada en la vida del padre de Gaiman que en la novela reconstruyen la travesía de un judío polaco en medio de la Segunda Guerra Mundial y la relación conflictiva con su hijo, en medio de profundas reflexiones sobre el eco de la violencia que resuena en la memoria de quienes hacen parte de una guerra. La forma en la que se cuenta la historia y los giros en el tiempo dentro de la misma, a través del recurso de flash-back, convirtieron a Gaiman en un referente y a su novela, en uno de los relatos más conmovedores sobre el hecho histórico.Dentro de los muchos premios que ha conquistado la novela gráfica, en 1992 le fue otorgado a Premio Pulitzer y se ha convertido en un relato transversal, leído por adultos y niños, en clubes de lectura, ceremonias de conmemoración del Holocausto y escuelas. Un nuevo debate se ha abierto, luego que una escuela de Tennessee prohibiera su lectura.Por unanimidad, los 10 miembros de la junta escolar justificaron su decisión en aras de proteger el lenguaje y las expresiones que se les enseñan a los alumnos, al señala los diálogos con groserías y maldiciones que aparecen en el libro. El "material" del la historia fue calificado como innecesario y a través de un comunicado, los docentes aseguraron "No necesitamos habilitar o promover este material, ¿por qué el sistema educativo promueve este tipo de cosas? No es sabio ni saludable", señalando las imágenes de suicidio que aparecen el Maus.También se refirieron al autor como un adoctrinador por el uso de los animales dentro de la historieta, porque para los docentes, se convierte en un distractor para los padres mientras envía un mensaje violento para los niños que se enfrenten a su lectura. Además, cuestionaron su trabajo al señalarlo como uno de los gráficos que tuvo en algún tiempo la revista Playbloy, dato que es apenas una suposición. Gaiman dijo en redes sociales que la sorpresa de la prohibición del colegio lo había tomado por sorpresa, sin embargo, señaló que "Solo hay un tipo de personas que votarían para prohibir Maus, como sea que se llamen a sí mismos en estos días".
René Robert fue durante décadas el ojo de los espectáculos, festivales y shows más recordados de flamenco. El fotógrafo inmortalizó a las más importantes figuras del género e hizo parte de varias transformaciones en el universo de la fotografía. A los 84 años, el artista franco-suizo tuvo un accidente en París en medio de una de sus acostumbrados paseos, una caída en la calle que por la edad y la gravedad del golpe lo dejó inconsciente, donde permaneció tendido varias horas sin recibir ayuda.Robert falleció por hipotermia, según informó el periodista Michel Mompontet a través de sus redes sociales y en su programa de televisión:“Asesinado por la indiferencia. Esta noche a las 19:20 en France Info TV mi homenaje a René Robert, que murió solo en una concurrida calle de la capital sin que nadie se detuviera a socorrerlo... Este trágico y repugnante final de vida nos enseña sobre nosotros mismos".De acuerdo con Mompontet, un habitante de calle lo encontró sobre las 6:30 de la mañana con una hipotermia severa. Llamó a una ambulancia que rápidamente lo socorrió y lo trasladó a urgencias. Sin embargo, el estado de gravedad de Robert dio pocas opciones al equipo médico, quienes no pudieron hacer nada para salvarle la vida.
El Louvre, el Centro Pompidou, el Museo de Orsay, el Picasso, el Museo de Arte Moderno y el propio museo fundado en honor de Saint Laurent abrirán una exposición simultánea el sábado. Una celebración del 29 de enero de 1962, cuando Saint Laurent, con 26 años, presentó su primer desfile, que causó sensación en París y en el mundo de la moda."La casa ya ha celebrado tantos aniversarios (...). Esta vez quería hacer algo diferente" declaró a la AFP Madison Cox, presidente de la Fundación Pierre Bergé-Yves Saint Laurent. En 1983 varios vestidos de Saint Laurent pasaron a formar parte de los fondos del Museo Metropolitano de Nueva York. Era la primera vez que un modisto vivo entraba en las colecciones de ese museo.La gran retrospectiva de la obra del modisto fallecido en 2008 se celebró en París dos años después. "Hubiera sido aburrido buscar en 2022 un espacio vacío, montar una escenografía como cualquier otra y amueblarla con los vestidos. Era importante integrarlos en las colecciones permanentes", explica Madison Cox. En el Centro Pompidou, los comisarios de la exposición han colocado los vestidos entre obras de arte contemporáneo. Destaca el vestido Mondrian, una de sus creaciones más famosas."Hay diálogos que reivindicó explícitamente Saint-Laurent, pero también nos hemos permitido algunas semejanzas visuales". Como un vestido color naranja, con una ampulosa falda, en medio de las pinturas cinéticas de Sonia Delaunay, explica a la AFP Marie Sarré, del servicio de colecciones modernas del Centro Pompidou. Madison Cox desea mostrar a través de estas exposiciones "de dónde surgían las ideas" de Saint Laurent para sus creaciones intemporales.El Museo de Orsay ha elegido su Salón del Reloj, en pleno centro de la antigua estación de tren, para presentar los vestidos que Saint Laurent creó para un baile de la baronesa de Rothschild. En la galería de Apolón, en el Louvre, se exhibe una creación que se convirtió en un auténtico fetiche del modisto, un vestido que Saint Laurent creó en los años 1960 y que no dejó de versionear a lo largo de su carrera.El Museo de Yves Saint Laurent optó en cambio por presentar 350 bocetos del modisto, en los que se puede apreciar su maestría del dibujo y el color. Era un dibujante "excepcional" asegura Aurélie Samuel, directora del museo. La colección da una idea de conjunto de la evolución de un artista que era exigente consigo mismo. Una vez dibujada y coloreada, se hacía un patrón de la pieza: se cortaba en algodón, y luego con el tejido final que Saint Laurent escogía.Si el vestido no funcionaba "era borrador de la colección y del desfile. Era un artista: hacía un primer borrador, y si no funcionaba, volvía a empezar" explica Aurélie Samuel. Los preparativos de una colección duraban un mes y medio. Las telas se retocaban y ajustaban sobre una modelo, "algo que ya no se hace en la actualidad". "Cada tela era concebida sobre una modelo que tenía caderas, culo, senos. Los modelos actualmente no tienen una silueta que les permite caber en todos los vestidos", opina Aurélie Samuel.
Ante estos herederos, presentes en la tribuna, la ministra de Cultura, Roselyne Bachelot, calificó de "histórico" el texto, que debe ser aprobado definitivamente por el Senado el 15 de febrero. La expoliación era "la negación de la humanidad (de esas familias judías), de su memoria, de sus recuerdos", subrayó la ministra. Entre las 15 obras se encuentra "Rosas bajo los árboles" de Gustav Klimt, conservada en el Museo de Orsay y única obra del pintor austriaco que pertenece a las colecciones nacionales francesas. Fue adquirida en 1980 por el Estado.Investigaciones exhaustivas permitieron establecer que pertenecía a la austriaca Eléonore Stiasny, quien la cedió durante una venta forzada en Viena en 1938 antes de ser deportada y asesinada. Once dibujos y una obra de cera conservadas en los museos de Louvre, de Orsay y del Palacio de Compiègne, así como un cuadro de Utrillo conservado en el Museo Utrillo-Valadon, también forman parte de las restituciones previstas.Un cuadro de Chagall titulado "El padre", conservado en el Centro Pompidou y que entró en las colecciones nacionales en 1988, también se agregó. Fue reconocido como propiedad de David Cender, un músico y fabricante de violines polaco de origen judío que emigró a Francia en 1958.Para 13 de las 15 obras, los legítimos propietarios han sido identificados por la Comisión de Indemnización a las Víctimas de las Expoliaciones (CIVS), creada en 1999. Unas 100.000 obras de arte fueron saqueadas en Francia durante la guerra de 1939-1945, según el Ministerio de Cultura.Unos 60.000 objetos fueron encontrados en Alemania durante la Liberación y devueltos a Francia. De ellos, 45.000 fueron devueltos a sus propietarios entre 1945 y 1950.
El Festival Internacional de Cine de Huesca tiene como objetivo fomentar la cultura cinematográfica a través del cortometraje, descubriendo aquellas propuestas innovadoras en este campo. Para la edición número 50 estarán abiertas tres categorías: iberoamericano, documental e internacional. Los tres concursos optan a los diferentes Premios Danzante que se exponen en el Punto VII y son calificadores para los Premios Goya de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España y los Premios Oscars de The Academy. Para su inscripción, los participantes deberán tomar como referencia el país principal de producción de las obras. La incorrecta inscripción puede dar lugar a la descalificación.El festival está abierto a los cortometrajes de ficción, documental, animación y obras experimentales. Siendo el tema libre, se excluyen las de carácter turístico o publicitario y las series televisivas. Estas son las bases para participar.Para las inscripciones:Los cortometrajes no documentales, deberán inscribirse en el concurso correspondiente (Iberoamericano o Internacional) tomando como referencia el país de producción de las obras. Los cortometrajes documentales deben inscribirse obligatoriamente en el concurso de cortometraje documental, independientemente de su país de producción. La incorrecta inscripción puede dar lugar a la descalificación. Todo cortometraje inscrito deberá ajustarse a las siguientes normas:La fecha límite de inscripción será el miércoles 10 de febrero de 2022. El plazo termina a las 23:59 horas del día 10 de febrero de 2022, encuadrada en la Zona horaria Europea Central CET (UTC+1).La inscripción se hará online a través de la plataforma “Festhome” en www.festhome.com, cumplimentando todos sus apartados obligatorios. El participante asumirá los gastos derivados de esta plataforma y la cuota de inscripción del Festival.En dicha plataforma, se creará una cuenta y se subirá el archivo de vídeo con subtítulos incrustados en inglés, en el caso de obras cuya versión original no sea el español o el inglés.Aquellos participantes que bien, por su ubicación geográfica y conflictos en el país, tengan problemas de inscripción on-line podrán solicitar su participación en el concurso de cortometrajes a través de la siguiente dirección de correo electrónico: peliculas@huesca-filmfestival.comUna vez sean seleccionados los cortos:Todos los cortometrajes seleccionados deberán enviarse obligatoriamente con la copia de proyección limpia de subtítulos y el fichero de subtítulos en español o inglés (formato SRT) aparte, en el plazo indicado tras la notificación de selección. El no envío de material requerido tras la comunicación, en el plazo previsto, podrá ser motivo de descalificación. Los seleccionados deberán enviar a la dirección peliculas@huesca-filmfestival.com (si no subieron anteriormente el material a Festhome) un archivo con un EPK (Electronic Press Kit) compuesto de:Tres fotogramas o fotografías representativas del cortometraje y fotografía del director. El formato preferente será un archivo digital, 300 dpi, JPEG o Tiff con un tamaño aproximado de 10×15 cm.Biofilmografía del director en un máximo de 600 caracteres.Y cumplimentar de manera completa la plantilla de inscripción que se enviará, en el plazo solicitado. La no cumplimentación y envío de dicha plantilla en los plazos marcados y de manera correcta, podrá suponer la no selección final del cortometraje.Los participantes autorizan a la organización del Festival al uso de fragmentos de las obras seleccionadas para su difusión en cualquier medio de comunicación con el fin de promover el Festival. Asimismo, el Festival podrá utilizar fotografías de los cortometrajes y de los directores, en prensa y otros medios de comunicación, así como para la elaboración del catálogo del Festival. El envío de EPK supone la aceptación de la totalidad de estas condiciones.Los cortometrajes seleccionados, en su formato de exhibición, deberán estar en poder del Festival antes del 31 de marzo de 2022. El envío de los archivos se realizará a través del servidor específico que el festival pondrá a disposición de los autores. Se deberá comunicar mediante e-mail la fecha de envío: peliculas@huesca-filmfestival.com. El no cumplimiento de este requisito implicará la exclusión de la obra.Los cortometrajes seleccionados deberán ser presentados en soporte digital DCP, Prores Quicktime o similar, sin subtítulos incrustados. Los subtítulos se aceptarán como “Version File” (VF) vinculado al DCP original o en formato SRT. El festival se reserva el derecho a solicitar copias de proyección adicionales en otros formatos según sus necesidades técnicas.Los cortometrajes seleccionados serán recodificados para su proyección final, añadiendo subtítulos, en inglés o castellano, siendo proyectado finalmente en formato DCP. Además, los seleccionados pasarán a formar parte del archivo de la Fundación Festival Internacional de Cine de Huesca y se autoriza la consulta privada de las mismas con fines educativos o de investigación. Toda obra que no ofrezca las garantías técnicas necesarias para una buena proyección en público puede ser rechazada.
