La que fuera esposa del famoso actor y director fallecido en 1989, será recordada, entre otras muchas cosas, por interpretaciones en cintas como 'Las crónicas de Spiderwick' (2008), 'Daniel el travieso' (1993) o 'Enchanted April' (1991)Su actuación en 'Stalin' (1992) le reportó un Globo de Oro a mejor actriz de reparto y en 'Enchanted April' también recibió una nominación.Plowright, que también obtuvo un papel protagonista en 'Love You To Death', junto con River Phoenix, destacó en los escenarios teatrales del West End londinense y el neoyorquino Broadway antes de alcanzar un éxito más internacional.Según reveló hoy su familia en un comunicado, la actriz "falleció en paz el 16 de enero rodeada de sus familiares en Denville Hall (residencia para artistas) a la gloriosa edad de 95 años".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Su brillante carrera será recordada por muchos, y su maravilloso ser siempre será celebrado por sus hijos, Richard, Tamsin y Julie-Kate, sus familias y los muchos amigos de Joan", apuntó la nota.La boda de Plowright con 'lord' Olivier en 1961 fue la sensación del año y su matrimonio duró hasta el fallecimiento del actor en 1989 con 82 años.Anteriormente, estuvo casada con Roger Leonard Gage (desde 1953 a 1960).🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Germaine Tailleferre fue una destacada compositora francesa y la única mujer del influyente grupo de compositores conocido como "Les Six". Su vida y obra reflejan una combinación de innovación, talento y adaptabilidad, características que le permitieron destacarse en un mundo dominado por figuras masculinas de la música clásica.Tailleferre nació en Saint-Maur-des-Fossés, cerca de París, en una familia de clase media. Desde temprana edad mostró un talento prodigioso para la música, pero su padre se oponía a que siguiera una carrera artística. Con el apoyo de su madre, Tailleferre ingresó al Conservatorio de París, donde estudió piano y composición. Allí conoció a figuras que marcarían su carrera, como Darius Milhaud y Arthur Honegger, quienes más tarde formarían parte de "Les Six".Les Six y el estilo musicalEn la década de 1920, Tailleferre se unió a "Les Six", un grupo de jóvenes compositores franceses influenciados por Erik Satie y en contra del romanticismo alemán. Sus miembros, Darius Milhaud, Francis Poulenc, Arthur Honegger, Georges Auric, Louis Durey y Tailleferre buscaban un estilo más directo, fresco y despreocupado, que a menudo combinaba elementos de la música popular con técnicas clásicas. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La compositora destacó por su capacidad de integrar armonías modernas con una elegancia que recordaba a los grandes maestros franceses como Ravel, a quien admiraba profundamente.Su música se caracteriza por una luminosidad y claridad únicas, con influencias del impresionismo y el neoclasicismo. Aunque no alcanzó el mismo reconocimiento que sus compañeros masculinos, Tailleferre fue una compositora prolífica, dejando un legado que abarca géneros como música de cámara, ópera, conciertos, música para cine y piezas para piano.Algunas obras recomendadas"Concierto para piano y orquesta" (1924): Esta obra representa una síntesis de su estilo, con un equilibrio entre virtuosismo pianístico y un enfoque melódico accesible. El concierto es un ejemplo perfecto de su capacidad para combinar la tradición clásica con un lenguaje armónico moderno."La Nouvelle Cythère" (1929): Una suite para piano que muestra su refinamiento y delicadeza. Inspirada en la mitología griega, esta obra evoca paisajes sonoros etéreos y es considerada una de sus creaciones más personales."Concertino para arpa y orquesta" (1927): Una obra que pone de relieve su habilidad para escribir para instrumentos específicos. Aquí, Tailleferre aprovecha la riqueza tímbrica del arpa, creando una atmósfera encantadora y sofisticada.A lo largo de su vida, Tailleferre enfrentó numerosos desafíos personales, incluyendo problemas financieros y matrimonios fallidos. Sin embargo, nunca dejó de componer. Incluso en sus últimos años, cuando la salud comenzó a fallarle, siguió produciendo música con un espíritu indomable.El legado de Germaine Tailleferre ha sido redescubierto y valorado en las últimas décadas, en particular por su contribución a la música del siglo XX y por ser una pionera en un campo donde las mujeres enfrentaban innumerables barreras. Su música sigue siendo interpretada en todo el mundo, y su historia inspira a nuevas generaciones de músicos y compositoras.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El nombre de Margaret Keane renació de la oscuridad tras reconocer sus obras como suyas, los ojos tristes y nostálgicos que adornaban las salas de las familias en Estados Unidos sabían en el fondo qué manos los pintaron y a quien pertenecía su expresión de tristeza.La artista nació el 15 de septiembre de 1927 en Nashville, Tennessee. Desde temprana edad mostró un gran talento para el arte, destacándose especialmente en la pintura y el dibujo. Estudió en la Escuela de Arte Watkins en Nashville y posteriormente en la Escuela de Arte del Instituto de San Francisco.El sello de su obra fueron los personajes con ojos gigantescos que emanaban tristeza y melancolía. En 1955 se casó con el vendedor de arte Walter Keane quien decidió atribuirse a sí mismo las obras de Margaret, el marido vendía y comercializaba las obras de su esposa en todo Estados Unidos y comenzó a tener un reconocimiento absoluto en la escena artística de la época.Walter Keane comentaba en diferentes entrevistas que la inspiración para los cuadros habían sido los huérfanos europeos que había visto mientras prestaba el servicio militar en el marco de la Segunda Guerra Mundial. En realidad, nunca se encontraron registros de que Keane prestara servicio en ningún lugar del mundo.Mientras Keane comercializaba las obras, Margaret pasaba horas pintando en el estudio de su casa, creyendo que su marido estaba apoyando su trabajo artístico ya que según él era una época difícil para el arte hecho por mujeres.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa artista descubrió que su marido estaba mintiendo cuando alguien que visitaba su galería le preguntó si ella también pintaba como lo hacía su esposo. Tras este suceso enfrentó a Keane, pero no logró hacer mucho porque él la convenció de que las mujeres artistas no tenían futuro. Además la convenció de que ya era muy tarde y que no pasaría nada ya que ella firmaba con el apellido Keane.El arte de Margaret se convirtió en un ícono de los años 60 por tener piezas accesibles y retratos de niños que no se habían visto en ningún otro lado. Keane estuvo hasta 1970 con su marido quien se convirtió en un hombre alcohólico y vividor.Al llegar el divorcio Walter Keane aún sostenía que las obras eran suyas así que el juez decidió ponerlos a prueba para saber quién era el verdadero autor, les pidió que hicieran un retrato en simultáneo, Margaret lo terminó en 53 minutos y Walter se negó a hacerlo por una supuesta molestia en el hombro. El juez determinó que la autoría de los cuadros era de Margaret y que el marido debía darle cuatro millones de dólares como indemnización, dinero que nunca pagó por entregarse al alcohol. Walter Keane falleció en el año 2000, arruinado por sus adicciones.Tras su separación con Keane, Margaret pintó más que nunca. Se le atribuyó todo su trabajo y se le concedió el reconocimiento que merece, se mudó a Hawaii junto a su hija y allí tuvo gran inspiración para sus cuadros, un ejemplo de eso es su pintura Eyes Upon You, realizada en 1972.En el año 2014 el director Tim Burton se inspiró en su historia y estrenó Big eyes, un filme que relata la vida de la artista y el dilema con la identidad de su obra. La película es protagonizada por la actriz Amy Addams quien es fiel admiradora de Margaret. Otro tributo a Keane han sido las campañas de moda, por ejemplo Miu miu con Gigi Hadid en el 2023.Margaret Keane inventó una forma de ver el mundo a través de unos ojos inmensos atravesados por la nostalgia, este sello personal la llevó a ser una de las caras más importantes del arte en el siglo XX. La artista falleció el 26 de junio de 2022 a los 94 años.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Conocida mundialmente por el cómic y la película "Persépolis", la artista francoiraní Marjane Satrapi llegó a Francia en 1994 y consiguió la nacionalidad en 2006.En julio recibió la Legión de Honor en el rango de caballero, la condecoración honorífica más alta en Francia, pero la artista y directora de cine decidió "rechazar" el galardón invocando su "apego" a su "patria de nacimiento", según una carta dirigida a la ministra de Cultura, Rachida Dati, publicada en Instagram ."No puedo ignorar lo que percibo como una actitud hipócrita de Francia hacia Irán", explicó la creadora, que insistió en que no es un gesto de "desdén".💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíPor las mujeres y jóvenes iraníes, y por los "rehenes franceses"En un video publicado unas horas después en la red social, la artista menciona una "muestra de solidaridad con los iraníes, especialmente con las mujeres y la juventud iraní, pero también con (sus) compatriotas franceses retenidos como rehenes en Irán"."Desde hace un tiempo realmente me cuesta entender la política de Francia hacia Irán", añade Satrapi.Contactada por la AFP, Marjane Satrapi explicó que la entrega de su Legión de Honor debía tener lugar en enero. "Cuando tienes un pueblo que lucha por la democracia (...) hay que apoyarlo", lanzó.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Es un reconocimiento justo, pero que engrandece, es una retroalimentación muy bonita", señaló el mandatario desde el Parque Cultural de Valparaíso (PCdV), ubicado en la excárcel.Boric, que ha expresado en varias ocasiones su admiración por la artista, recomendó su último trabajo –'Autopoiética'– y destacó su alcance y trayectoria: "Estás aquí, en el arte, en el corazón de todos, en las calles de Valparaíso, en la pobreza de sus poblaciones,en la lucha de su gente cotidiana, estás en las anónimas, estás en la memoria".Laferte, oriunda de Viña del Mar, segunda ciudad de la región de Valparaíso, agradeció el reconocimiento y destacó la "emoción" de volver a su lugar de origen: "Vuelvo a mi tierra y me siento de nuevo en casa"."Aquí me crié, en las calles de Valparaíso, cantando, pintando, creando canciones, escribiendo, entonces siento muy bonito de regresar aquí a mi tierra natal", añadió.Durante el acto, enmarcado en el Festival Internacional Valpo a Mil, organizado por la Fundación Teatro a Mil, también se inauguró la exposición 'Te amo, Mon Laferte Visual', exhibida por primera vez en 2023, en el marco del Festival Teatro a Mil en Santiago, donde fue visitada por más de 60.000 personas.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíLa muestra, realizada bajo la curatoría de Beatriz Bustos Oyanedel, es la primera exposición que cantante realizó en Chile y exhibe su faceta de artista visual a través de pinturas, dibujos, poemas, videos, bordados y figuras tridimensionales.Además, incluye objetos personales, como el vestido rojo que Mon Laferte lució en su presentación en el Festival de Viña del Mar de 2017 y el traje negro bordado por artesanas mexicanas que usó en los premios Grammy 2021, cuando recibió la estatuilla a Mejor Álbum de Cantautor.En octubre, Mon Laferte inauguró en el Centro Cultural Matucana 100, ubicado en la capital, otra exposición con el nombre de su último disco que podrá visitarse hasta el 19 de enero y que, según explicó entonces ella misma, invita a "visualizar con ironía los estereotipos y formas de vida que imponen discursos de culpa y violencia”.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Con el arribo del buque "Sinaia", el 13 de junio de 1939, al puerto de Veracruz, México empezó a recibir miles de intelectuales, poetas y artistas, quienes, además de salvar su vida y la de sus familias mientras perseguían la libertad, enriquecieron su nueva patria o se nutrieron de ella.Parte de ese éxodo fueron hijas, madres, abuelas o hermanas, que, como tantos más, pensaron que volver a casa sería cuestión de unos meses. La historia se encargó de desengañarlas. Lo único que derrocó al régimen de Francisco Franco fue su muerte en 1975.Durante ese tiempo, varias de ellas, ya formadas como artistas en su país de origen, pudieron crear sin censura en México. Ese fue el caso de Manuela Ballester (1908-1994), polifacética artista valenciana, comprometida con los ideales democráticos y los derechos de su género, fallecida en Berlín.También la madrileña María Teresa Toral (1911-1994), distinguida grabadora, brillante científica y farmacéutica encarcelada en España. Tras exponer internacionalmente en la década de los 60 y 70, su obra pudo ser apreciada en su tierra natal hasta 1975.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíArte con un denominador común: el exilio de España"Exiliadas de España. Artistas en México” es el nombre de una colección de más de 200 piezas que dan cuenta de la figura y trabajos de estas y otras creadoras. La exposición puede admirarse en el Antiguo Colegio de San Ildefonso de la capital mexicana entre 11 de diciembre de 2024 y el 27 de abril de 2025.La exhibición gira en torno a "29 mujeres de diferentes edades con diferentes experiencias artísticas, hay muchísima variedad, pero con algo en común: un vínculo con España, con el exilio que marcó su trayectoria vital y profesional”, explica Yolanda Guasch Marí, co-curadora de la muestra.Pinturas, fotografías, bocetos, serigrafías, tapices, documentos e incluso poemas ofrecen una visión artística de la memoria, la resiliencia de aquellas que dejaron todo atrás, al igual que el significado de ser hijas, nietas o bisnietas del exilio, nacidas y criadas al otro lado del océano. "Regina Raull, Mary Martín, Lucinda Urrusti o Marta Palau vinieron de niñas, pero se formaron e integraron de otra manera”, agrega la especialista.Obras que ven la luzA menudo, el talento de Josep Renau, Vicente Rojo o Enrique Climent ha sido centro de homenajes, catálogos y muestras individuales o colectivas en ambos lados del Atlántico. Pocas mujeres han tenido este honor.El discurso museográfico busca sacar del anonimato nombres como Carmen Millá, Loty de la Granja, Alma Tapia Bolívar, Guadalupe y Nela Gaos, Paloma Altolaguirre, Montserrat Aleix, Elena Climent, Josefina Ballester, Puri Yáñez y Yani Pecanins, empezando por su país de acogida o nacimiento."Estas artistas que hoy valoramos son a la vez españolas y mexicanas, desgraciadamente mucho más mexicanas por el reconocimiento que han tenido aquí, pues en España son poco conocidas”, explica Rafael López Guzmán, co-comisario de la exposición.Algunas excepciones son la pintora y escritora geronesa Remedios Varo (1908-1963), perteneciente a la Generación del 27 e ícono del surrealismo. En México, a donde llegó en 1941, colaboró con Marc Chagall en el vestuario del ballet "Aleko” e hizo amistad con Frida Kahlo y un nexo entrañable con otra surrealista, la inglesa Leonora Carrington.Asimismo, Elvira Gascón (1911-2009), ilustradora ibérica, docente de dibujo y activa muralista ha sido ejemplo de "mujeres que quedaron en silencio, como tantas veces, en la historia del arte. De alguna manera oscurecidas, marginadas de la visión central o dominante del arte”, lamenta Eduardo Vázquez Martín, coordinador ejecutivo del Antiguo Colegio de San Ildefonso.En una pintura monumental en el templo de San Antonio de las Huertas, Elvira Gascón plasmó pasajes biográficos de San Antonio de Padua, obra borrada por mostrar más piel de lo debido, relatan los comisarios, catedráticos de la Universidad de Granada.Mary Martín asistió a Diego Rivera en su mural para el Teatro de los Insurgentes. Regina Raull retrató en gran formato "La educación del niño mexica”, en el Museo Nacional de Antropología, pero eso apenas sabe. Anécdotas como estas y otras detallan las vicisitudes enfrentadas por las artistas, a la par de la deuda pendiente del arte para con ellas.Pese a hallar "un espacio de libertad en México que les permite desarrollar toda su capacidad creativa, hay que tener en cuenta que sus principios no fueron fáciles: tuvieron que hacerse cargo de hijos, familia, de problemas de sanidad o educación”, plantea López Guzmán.Del hogar al caballeteJulia Giménez Cacho (1921-2000) era un ama de casa de 26 años cuando dejó España, rumbo a Estados Unidos. Mucho después volvió a su natal Madrid convertida en artista plástica, ocupación descubierta casi treinta años más tarde, durante su estadía mexicana.De encerrarse en el baño para que no la vieran pintando por la pena de la edad cuando empezó a hacerlo -contaba la pintora, madre de seis hijos-, pasó a ser considerada "una maga del color” por su mentor Gilberto Aceves Navarro, gran exponente del expresionismo abstracto mexicano.A decir de López Guzmán, Julia Giménez Cacho -de formación autodidacta- "es uno de los personajes más importantes rescatados en la muestra, aunque aún falta recuperar un alto número de sus obras. Una cantidad inmensa que, por la etapa en que comenzó a pintar, ha sido muy poco conocida”.Toda su producción gira en torno a la mujer, influenciada por Francisco Goya. A diferencia de varias de sus colegas, sus cuadros sí pudieron ser apreciados de manera individual, más de una ocasión, en suelo español.Su última exposición, "Siempre mujeres”, se programó para septiembre de 2000 en el Instituto de México en España. Ella ya no llega, sólo sus pinturas. Pereció en la ciudad de Cuernavaca dos meses antes de la apertura.La patria perdidaDurante la primera mitad del siglo XX, México tuvo una gran efervescencia cultural e intelectual. "Exiliadas de España. Artistas en México” detalla el panorama hallado por las artistas a su llegada, quienes pronto se empaparon de él e hicieron sus propias aportaciones a la creatividad de su nuevo hogar, donde moldearon su identidad.Lo hace mediante un recorrido temático de cinco núcleos: 'El final del comienzo', 'Nostalgias', '¿Cómo es posible que una mujer se trepe a los andamios?', 'Continuidades, rupturas y disidencias', y 'Memorias Colectivas'.Su montaje, fruto de una década de investigación de los comisarios, se debe a la colaboración entre la Universidad Nacional Autónoma de México, la Secretaría de Cultura de México y el Gobierno de la capital mexicana.Un tono nostálgico se percibe en algunas piezas, debido al deseo de volver a ver la patria. Los exiliados, relata López Guzmán, "tenían una maleta detrás de la puerta, por si acaso, pensando que Franco caería rápidamente”.El dictador, prosigue el curador, "murió tranquilamente en su cama, y México -esto hay que reconocerlo públicamente- fue el único país de este planeta que nunca reconoció la dictadura franquista".En otras obras se nota la impronta del color o la huella del arte mexicano. Muchas de ellas, asegura Yolanda Guasch, "jamás se han visto o fueron expuestas hace mucho tiempo, veinte, treinta o cuarenta años”.La muestra abre con una pequeña escultura contemporánea de Marta Palau (1934-2022), retratista de Gabriel García Márquez, Carlos Fuentes y Octavio Paz. Unos pies-manos, de arcilla, con una carga simbólica fuerte: la mayoría de los refugiados españoles escaparon a Francia por la frontera catalana. Andar, con todos los sentidos alerta, era el único camino a la libertad.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"La amplitud de la obra de Tilda Swinton es impresionante. Aporta al cine mucha humanidad, compasión, inteligencia, humor y estilo y, a través de su trabajo, amplía nuestras ideas del mundo. Tilda es uno de nuestros ídolos del cine moderno y forma parte de la familia de la Berlinale desde hace mucho tiempo. Nos complace especialmente poder entregar a Tilda Swinton el Oso de Oro honorífico", afirmó la directora del festival, Tricia Tuttle.La actriz, por su parte, recuerda que la Berlinale fue el primer festival de cine al que asistió, en 1886, con su primera película, "Caravaggio", de Derek Jarman."Fue mi puerta de entrada al mundo en el que he creado la obra de mi vida hasta la fecha -el mundo del cine internacional- y nunca he olvidado lo que le debo. Ser honrada de esta manera por este festival tan especial me emociona profundamente. Será un privilegio y un placer para mí celebrar, una vez más el próximo mes de febrero, este lugar tan inspirador, que siempre ofrece encuentros maravillosos e inspiradores", añadió.Swinton mantiene desde hace año un vínculo estrecho con la Berlinale, cuyo jurado presidió en 2009, además de haber aparecido en 26 películas del programa del festival, entre ellas "Caravaggio", Oso de Plata en 1986; "The beach" ("La playa", 2000), de Danny Boyle; "Derek", de Isaac Julien y Bernand Rose (2008); "Julia" ("Crimen repentino", 2008), de Eric Zonca; "The Garden" (1991), de Jarman; y Last and First Men", de Jóhann Jóhannsson (2020).💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíComenzó su carrera cinematográfica con Jarman en 1985 y participó en todas sus películas, entre ellas "The Last of England" (1987), "War Requiem" (1989), "Edward II" (1991), por la que ganó el premio a la mejor actriz en el Festival Internacional de Cine de Venecia, y "Wittgenstein" (1993).Alcanzó mayor fama internacional en 1992 con su interpretación de "Orlando", de Sally Potter, basada en la novela de Virginia Woolf.Swinton ha trabajado con numerosos directores de renombre, como Tony Gilroy en "Michael Clayton" (2007), que le valió el BAFTA y el Oscar a la mejor actriz de reparto, así como Béla Tarr en "A londoni férfi" ("L`homme de Londres", 2007).También trabajo en "Only Lovers Left Alive" ("Sólo los amantes sobreviven, 2013) y "The Dead Don't Die" ("Los muertos no mueren", 2019), de Jim Jarmusch; "I Am Love" ("Yo soy el amor", 2009), "A Bigger Splash" (2015) y "Suspiria" ("Suspiria. El maligno", 2018), de Luca Guadagnino; "The Souvenir", partes 1 y 2 (2019, 2021) y "The Eternal Daughter" (2022), de Joanna Hogg; y "Snowpiercer" ("El expreso del miedo", 2013) y "Okja" (2017), de Bong Joon Ho.Más recientemente protagonizó "Asteroid City" (2023), de Wes Anderson, con quien ha trabajado cinco veces, "Three Thousand Years of Longing" ("Érase una vez un genio", 2022), de George Miller; "The Killer" ("El asesino", 2023), de David Fincher; y "The End" (2024), de Joshua Oppenheimer."The Room Next Door" ("La habitación de al lado", 2024) supone la segunda colaboración Almodóvar tras "The Human Voice" ("La voz humana", 2020).Fue galardonada con el León de Oro del Festival Internacional de Cine de Venecia por su trayectoria profesional.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Alicia encarna todo lo que representa el premio Dr. Dre Global Impact: su arte no tiene límites, su apoyo inspira cambios significativos y su influencia ha moldeado profundamente la cultura", dijo en un comunicado el director ejecutivo de la Academia de la Grabación, Harvey Mason Jr.El galardón, que lleva el nombre del rapero, productor y empresario Dr. Dre y reconoce desde el año pasado a los artistas por su influencia más allá de la música, se le otorgará el próximo 30 de enero, en una ceremonia que tendrá lugar en Los Ángeles.Ganadora de 16 premios Grammy, Keys es fundadora de la marca de cosméticos Keys Soulcare, autora de libros, y productora de cine, televisión y producciones en Broadway, además de una fuerte voz en el mundo del activismo.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíKeys es una cantante, compositora, música, productora ganadora de 16 premios GRAMMY, fundadora de Keys Soulcare, autora de best-sellers del New York Times, productora de cine/televisión y Broadway, actriz consumada, empresaria y una poderosa fuerza en el mundo del activismo.El Grammy al Impacto Global del año pasado homenajeó la carrera del rapero Jay Z, quien aprovechó durante su recibimiento para criticar que la Academia de la Grabación no haya distinguido nunca a su esposa, Beyoncé, con el premio a mejor álbum del año.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Pintora, escultora, escritora y poetisa, Tanning fue una figura central en los movimientos surrealista y modernista del siglo XX, una artista que no solo exploró los límites de la imaginación humana, sino que los amplió con valentía y perspicacia. Nacida en Galesburg, Illinois, en 1910, y fallecida en Nueva York en 2012 a la edad de 101 años, su longevidad fue paralela a la amplitud y diversidad de su obra, que abarcó casi todas las disciplinas creativas imaginables.La vida como preludio del arteLa infancia de Tanning estuvo marcada por una fascinación temprana por los libros y el arte. Creció en un hogar que valoraba la independencia intelectual y la autodeterminación, elementos que serían fundamentales para su trayectoria como creadora. Tras un breve paso por la Universidad de Illinois, se trasladó a Chicago, donde empezó a sumergirse en el mundo del arte, y finalmente se instaló en Nueva York en 1935. Fue allí donde, en 1942, Max Ernst, el pintor y escultor surrealista alemán, descubrió su trabajo. El encuentro no solo marcó el inicio de una intensa relación personal—se casaron en 1946—sino también de una colaboración artística que enriquecería a ambos.El lenguaje onírico de sus obrasLas pinturas de Tanning no son meras representaciones; son umbrales a reinos de ensueño. Una de sus obras más icónicas, Birthday (1942), la muestra en un autorretrato que captura su espíritu desafiante y su destreza técnica. En esta escena, Tanning se presenta con el torso desnudo, en una habitación laberíntica, acompañada por una criatura híbrida que desafía la explicación racional. La complejidad simbólica de la obra invita al espectador a descifrar capas de significado: la sexualidad, la libertad y la percepción del yo como un misterio inagotable.En la década de 1950, Tanning comenzó a alejarse de las representaciones figurativas precisas que caracterizaban su fase inicial para adentrarse en una abstracción más visceral. Obras como Insomnias (1957) muestran figuras que se desintegran en paisajes oníricos, donde el espacio y el tiempo parecen perder su coherencia. Este cambio en su estilo refleja una preocupación creciente por los estados psíquicos internos, más que por la narrativa.En los años 60 y 70, Tanning amplió su práctica artística hacia la escultura. Sus figuras blandas, hechas de tela y relleno, tienen una calidad perturbadora y humorística a la vez. Piezas como Fétiche (1965) y Cousins (1970) encarnan formas orgánicas que parecen al borde de cobrar vida. Estas esculturas desdibujan los límites entre lo humano y lo monstruoso, lo familiar y lo desconocido.💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíEscritora y poetaTanning también destacó en la literatura. Su autobiografía, Birthday (1986), ofrece un relato fascinante de su vida y sus reflexiones sobre el arte, mientras que su colección de poesía, Coming to That (2011), publicada cuando tenía 101 años, revela una mente siempre curiosa y vital. En sus escritos, al igual que en su pintura, se entremezclan lo cotidiano y lo maravilloso, mostrando una perspectiva única sobre la condición humana.Mujer saludando a los árboles, de Dorothea Tanning (Traducción de Yanina Audisio)Como si nadie pudieraAdvertirlo al principio.Me he entregado al prodigioAnte los árboles de nuestro parque.Sólo una cosa puedo decirte:Son grandiososY lo saben.También están exhaustos,Cientos de añosAtrapados en el mismo sitio—Grandiosos paralíticos.Cuando estoy debajo,Sienten mi mirada,Observan cómo agito mi locaMano, y envidian mi alegríaDe ser un blanco móvil.Los perezosos en los bancosComienzan a notarlo.Uno al otro se dicen:“Las cosas que hay que ver…”La mayoría de ellos miraAbajo hacia la nada como si no hubieraEn verdad nada más paraMirar hasta que apareceEsa mujer saludando a lo altoHacia las ramasDe los viejos árboles. Levanten susCabezas, amigos, miren arribaPueden ver másDe lo que creían posible,Arriba donde algo puedeDevolverle el saludo, para decirleQue ella ha visto lo magnífico.Dorothea Tanning desafío categorizaciones a lo largo de su vida. Aunque a menudo se la vincula con el surrealismo, su obra trasciende este movimiento, creando un lenguaje visual y literario que es completamente suyo. Su exploración de los límites entre lo consciente y lo inconsciente, entre lo real y lo fantástico, ha influido profundamente en generaciones posteriores de artistas.Entender a Tanning requiere abandonar los marcos interpretativos convencionales. Su obra no busca respuestas, sino plantear preguntas: ¿qué ocurre cuando los sueños invaden la realidad? ¿Qué nos dice el cuerpo sobre nuestras ansiedades y deseos más profundos? En su universo, cada detalle es una puerta que se abre hacia lo desconocido.Al reflexionar sobre su contribución, es imposible no recordar sus propias palabras: “Pienso en mi vida como un tapiz que estoy constantemente tejiendo. Cada día añade un hilo, cada experiencia un color.” Así, Dorothea Tanning no solo nos dejó un legado artístico, sino también un mapa para navegar las profundidades de nuestra propia psique. Su trabajo sigue siendo una invitación, abierta e irresistible, a explorar el misterio de ser humanos.
Más de setenta películas, ochenta ficciones televisivas y quince obras de teatro dan idea de la trayectoria de esta 'chica Almodóvar' que pronunció frases que han pasado a la historia del cine español: "¿Existe alguna posibilidad, por pequeña que sea...de salvar lo nuestro?" ('La flor de mi secreto', 1995).El director español le dio también papeles míticos en 'Tacones Lejanos' (1991), y apareció en 'La piel que habito' (2011), mientras que le puso el hábito de 'Sor Estiércol' en 'Entre tinieblas' (1983).Las primeras actuaciones de Paredes se produjeron en los años sesenta, en películas como 'Canción de cuna' (1961), de José María Elorrieta, en la que actuó también siendo adolescente, o la muy notable 'El mundo sigue' (1965), de Fernando Fernán Gómez. A finales de esa década, en 1967, apareció en un episodio de los cuentos de terror de 'Historias para no dormir' de Narciso Ibáñez Serrador en la televisión pública española.Ya en los setenta se prodigó mucho por la pequeña pantalla en las series teatrales que tanto se popularizaron en blanco y negro en España.En los años ochenta siguió compaginando la televisión (como en el programa teatral 'Estudio 1') y el cine ('Ópera prima', 1980, Fernando Trueba; 'Las bicicletas son para el verano', 1984, de Jaime Chávarri, o la ya citada 'Entre tinieblas').💬 Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquíA partir de los noventa compaginó sus colaboraciones con Almodóvar con la televisión y otros directores que ya conocía como Chávarri, del que protagonizó 'Tierno verano de lujurias y azoteas' en 1993 junto a Gabino Diego e Imanol Arias.Además, en esa década rodó las cintas extranjeras como 'Tombés du ciel' (1993, Philippe Loiret), 'La nave de los locos' (1995, Ricardo Wulicher) o 'Trois vies et une seule mort' (1996, Raoul Ruiz), con Marcello Mastroiani.Es de esa década su participación en la italiana 'La vita è bella' (1997, Roberto Benigni), en la que interpreta a la madre de Dora, la mujer protagonista de esta película ganadora de tres Óscar.Posteriormente participó en títulos como 'El espinazo del diablo' (2001, del mexicano Guillermo del Toro), 'Crepúsculo rojo' (2003, del argentino Edgardo Cozarinsky), la ópera prima del español Pablo Malo, 'Frío sol de invierno' (2004), o 'Espelho mágico' (2005, del portugués Manoel de Oliveira.Durante la segunda década de los años 2000 trabajó en 'El dios de madera' (2010, Vicente Molina Foix), por la que se llevó el premio a mejor actriz del Festival de Málaga; 'Gigolá' (2010), una arriesgada película de toque lésbico que dirigió la francesa Laure Charpentier a partir de su propia novela; 'La piel que habito' (2011, de nuevo con Pedro Almodóvar), 'Traumland' (2013, Petra Biondina Volpe) y 'Petra' (2018, Jaime Rosales).Aquí el tráiler de 'La flor de mi secreto':🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
