Así lo cuenta en una entrevista en Madrid, donde está con motivo de su gira por el lanzamiento internacional de esta novela (Alfaguara), su octava, que ha escrito sin un "plan" previo: "y no lo digo para que se piense que esto es extraordinario, sino porque el hecho de no tener un plan forma parte del placer de escribir".Una reflexión que concreta para hacer ver cuál es la base de esta historia, "el tempo, el ritmo", que hará al lector saltar de una página a otra sin tener en cuenta que tiene por delante 446: "el lector va a pensar que es rápido, que es eficaz".'Un animal salvaje' propone habitar las vidas de cinco personajes que giran en torno a un robo en una joyería en Ginebra, un acto que se va a realizar en 7 minutos y en el que entran en juego cinco personas a las que lleva al límite, tanto en la acción como en la gestión de sus sentimientos, con el objetivo de ponerlos a vivir en una suerte de tela de araña de la que intentarán salir de manera paralela al desarrollo y planificación del robo."La pareja se consolida en los momentos difíciles que es cuando es capaz de superar esas dificultades y ése es el secreto que está en el alma de la novela. Todos tenemos secretos, cualquier ser humano los tiene -dice- ¿La literatura, en cierta manera, no es desvelar un secreto o muchos secretos? Pues sí, la literatura es revelar secretos".Según confiesa, para la elaboración de la trama no ha ido a "hablar con policías" para saber cómo son las técnicas de investigación ya que eso no le "interesa": "la realidad puede emanar de la ficción, pero si algo tiene que quedar claro es que una novela es una ficción, una invención, y hacerla es un momento de libertad".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Y por eso también ha hecho uso de ese campo sin puertas que es la ficción para dejar claro su idea de que no se pueden dirigir "los sentimientos", otro de los puntos sobre los que pivota esta novela en la que critica cómo la "mirada del otro" paraliza o hace cambiar nuestra manera de amar."Podemos amar a varias personas (...). El problema de todos estos personajes es la mirada del otro, lo que van a pensar, porque no se atreven en el fondo a mostrarse tal como son. No se atreven a confesar lo que son. Realmente están un poco pillados en esa trampa de su identidad, pero la realidad es que no hay una uniformidad de amor, de ritmo, de vida", expresa.También apunta en estas páginas lo que considera que es la "gran cuestión", la línea fina que hay entre la pública y la privada, algo que sufren en su carne dos de los protagonistas, el matrimonio Braum, con quien construye una maquinaria precisa en la que entra el también matrimonio Liégean y un quinto personaje, "el fiera", quien prende la llama para que la historia explote.Catapultado a lo más alto de la literatura mundial con 'La verdad sobre el caso Harry Quebert' (Alfaguara, 2013), Dicker duda cuando se le pregunta sobre su futuro, porque "hay que pensarlo", aunque sale rápido de esta situación al concluir que es su familia."Creo que esta es nuestra herencia y no saber he ganado el Premio Nobel o vendí 1.200.000 libros", espeta este autor que niega contar con una "fórmula Dicker" para escribir y que prefiere no hacer balance de su última década de éxitos porque pensar en esto es "vertiginoso".No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
John Barth (Cambridge-EEUU, 1930- Florida, 2024) fue Premio Nacional del Libro de Estados Unidos en 1973, por su novela 'Chimera' y Premio Nacional de la Academia de Artes y Letras, además de Mención en Literatura por la Universidad de Brandeis.Estudió la carrera de Periodismo, en la que se graduó, en la Universidad de Johns Hopkins, en Baltimore, donde tuvo como profesor al poeta español Pedro Salinas.Heredero de grandes figuras como Thomas Pynchon o David Foster Wallace, publicó su primera novela 'The Floating Opera' ('Opera flotante') en 1956, una de las preferidas y la que enganchó a su prosa a uno de sus traductores, el poeta y escritor Mariano Peyrou."Para mi es su obra maestra total, va más al grano", aseguró este jueves a EFE, a pesar de que está considerada como su gran obra 'El plantador de tabaco', quizá -señala jocoso- porque es más larga."Siempre me ha llamado la atención su increíble sentido del humor, entendible", precisó."Es muy gracioso, el contra efecto de la idea de que las novelas buenas son aburridas", apunta Peyrou, que se sorprende de que su obra no haya tenido más repercusión en Europa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Peyrou advierte de que combina ese humor con una visión de la sociedad y de "todo lo humano que poca gente ve, muy crítica y muy interesante".Describe con ironía las cuestiones más sociales y cotidianas y "hace que la novela pueda ser otra cosa, ir más allá, que es lo que hacen los grandes artistas".Barth se enmarca dentro de la tradición de los postmodernos norteamericanos "aplica una manera de escribir que no existía", añade su traductor."Le admiro desde mi juventud y fue un regalo que me propusieran traducirlo", admite Peyrou, que recomienda los cuentos 'Perdido en la casa encantada', "superinteresantes, muy experimentales", y sus ensayos a partir de artículos y conferencias, en los que demuestra "una mirada original. Me parece un sabio".José Hamad, de la editorial Sexto Piso, asevera a EFE que es "uno de los grades escritores de la narrativa estadounidense del siglo XX", un autor clave para la "renovación literaria en Estados Unidos", que algunos denominan metaliteraria, ya que el mismo se introduce como personaje en sus libros.Sexto Piso ha publicado 'El plantador de tabaco' y 'Giles, el niño cabra', además de sus dos primeras novelas en un mismo libro 'La ópera flotante' y 'El final del camino', en las que priman un fatalismo existencialista y un nihilismo en parte deudores de Sartre, Camus y el Zeitgeist de posguerra, indica la editorial.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
A.J. Finn, seudónimo de Dan Mallory, se encuentra en Madrid para presentar su nueva novela 'El final de la historia' (Grijalbo), un 'thriller' psicológico con múltiples referencias a los autores clásicos del género y a sus obras más emblemáticas, como Raymond Chandler, G. K. Chesterton, Agatha Christie, Edmund Crispin, Arthur Conan Doyle, Alexandre Dumas o Dorothy L. Sayers.Con cinco millones de ejemplares vendidos de su primera novela, que escribió después de ser diagnosticado de un trastorno bipolar tras años tratado inadecuadamente de una depresión, J.A. Finn asegura en una entrevista con EFE que el éxito "fulgurante" de 'La mujer en la ventana', traducida a 40 idiomas, fue "más liberador que otra cosa"."Estaba convencido de que cualquier cosa que pudiera escribir después no podría eclipsar a 'La mujer en la ventana', aunque ahora espero que no, pero lo que pasó con esa novela fue un aventura extraordinaria que quizá no vuelva a vivir nunca", señala el autor, que recuerda que se sintió liberado para escribir lo que le apetecía.El resultado es 'El final de la historia', un libro "mejor" que su primera novela, "más intrincado y maduro", sostiene el autor, que recuerda una juventud en la que leyó mucho a los clásicos del género de misterio en un hogar en el que sus padres eran también muy lectores."Tuve el lujo de crecer en un mundo sin demasiadas distracciones electrónicas. No sé si habría sido tan lector si hubiese sido un chico hoy en día", considera J.A. Finn.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En la novela, Sebastian Trapp, reconocido novelista de misterio, invita a Nicky Hunter, la profesora y crítica experta en su obra con la que mantiene una relación epistolar, a que se instale en su casa, en San Francisco (EE.UU.), para "contar su historia".Un hombre que es un misterio en sí mismo y tal vez un asesino, ya que hace dos décadas su primera esposa y su hijo adolescente desaparecieron. El caso nunca se resolvió.Regreso a la infanciaEn su historia de misterio, el autor saca a la luz traumas de la infancia, carencias afectivas, obsesiones, soledad, miedo, odio o el peso de la culpa en sus personajes, todos ellos con sus luces y sus sombras.Porque los personajes de la novela negra o del 'thriller' ya no son buenos o malos sin matices, explica, como ocurría al principio de la ficción de detectives hasta 1930.El desarrollo del género hasta la Segunda Guerra Mundial trajo personajes más complejos, aunque luego, en los años ochenta, los asesinos en serie fueron los protagonistas. Pero los malos ya no son más que simples psicópatas, asegura.Su primera novela fue llevada al cine con el mismo título por el británico Joe Wright, protagonizada por Amy Adams, y estrenada en 2021 en la plataforma Netflix tras un complejo camino de cambios y retrasos.Respecto a la adaptación de esta segunda, J.A. Finn dice que todavía no está trabajando en ese aspecto, además de que cree que no es el momento económico adecuado porque las plataformas solo quieren series que tengan continuidad, temporada tras temporada.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Esta obra ejerció una "influencia expresa" en Mary Shelley, Walter Scott, Hawthorne, Poe, Keats, Lovecraft y Faulkner, entre otros grandes autores hoy considerados clásicos, coincididen en señalar el traductor de la obra, Miguel Cisneros, y el director de la editorial española, David González.González destaca la "extraña calidad" de esta novela que aún hoy proporciona "una excelente lectura, siendo de finales del siglo XVIII, y, sobre todo, explica por qué los anglosajones supieron explotar y sacarle gran partido al invento español de la novela".En esta obra, añade el editor, "del pícaro pasamos a la novela de formación o adaptación, porque el héroe a veces lo que hace, como el pícaro, es adaptarse al mundo urbano"."Pero este caso es muy especial, porque se trata de una vuelta de tuerca más, la de la novela que se adapta a la fundación de Estados Unidos, mediante su capitalismo colonial y salvaje, la fundación inestable de sus ciudades y poblaciones, y aborda asuntos como la esclavitud, silenciada en Europa, la corrupción mercantil o el papel de la mujer", agrega."Mientras vas leyendo la novela te das cuenta de cómo se forma el 'maremágnum' que es Estados Unidos", observa el editor, al exclamar: "No entiendo cómo esta novela no se había traducido nunca" al español."Se ve muy claramente cómo Brockden Brown, que parte de los modelos de las novelas góticas y sentimentales inglesas, los adapta a la realidad de un país en formación y crea o refunda una nueva sustancia novelesca y otro lenguaje adaptado a la movilidad y la relatividad de ese mundo inestable; esta novela se despoja de los ropajes de género de sus otras obras, muy góticas", concluye.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La primera novela estadounidensePor su parte, Cisneros resalta que "hay investigadores y escritores, como William Dunlap y Joyce Carol Oates, que la consideran la primera novela verdaderamente estadounidense, temporal y espiritualmente".Algo que atribuye "a la época en la que se publicó, en los últimos años del XVIII, a su calidad y, sobre todo, a los temas que trata y la perspectiva desde la que los aborda, una mirada eminentemente estadounidense"."El propio protagonista encarna los ideales americanos del hombre hecho a sí mismo; está muy presente el capitalismo, concretamente la idea de excepcionalismo estadounidense", apunta.Sobre su contenido, el traductor enumerara "las fortunas coloniales, en decadencia, se transmutan en nuevos ricos, que prosperan pescando en las aguas revueltas de las revoluciones; la prostitución, el mercado de esclavos y de seguros del comercio marítimo y los estragos de la fiebre amarilla que asola Filadelfia, capital de Estados Unidos por aquel entonces"."Los lectores, que acaban de sufrir una pandemia con confinamientos, miedo al contagio y miles de muertos, se sentirán especialmente reflejados", comenta.Para Cisneros, no se trata de una narración lineal, sino que hace "un uso magistral de la técnica del narrador no fiable; se compone de testimonios de los personajes, varios incluso contradictorios, que a su vez cuentan lo que les han dicho otros"."Es como un juego de muñecas rusas, con la diferencia de que el lector no puede saber si son reales; es decir, si lo que van narrando los distintos personajes es cierto o no", concluye.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Escritor checo de origen judío, Franz Kafka (Praga, 1883 - Kierling, Austria, 1924), desarrolló su carrera literaria en alemán y publicó solo algunos de sus textos. Antes de morir, a los 40 años, ordenó a su íntimo amigo y consejero literario Max Brod que quemara todos sus manuscritos, pero éste no lo hizo y viajó con ellos a Palestina en 1939, editó parte y contribuyó a la publicación de sus obras maestras.Con motivo del centenario de su muerte, Alianza Editorial reúne su obra en dos estuches: uno de ellos es Relatos y aforismos (con traducción al español de Carmen Gauger y Adan Kovacsics), que recoge los relatos que Franz Kafka publicó en vida (los comprendidos en Contemplación, Un médico rural, En la colonia penitenciaria y Un artista del hambre).También incluye los que aparecieron de manera independiente en distintas revistas y publicaciones y los que Max Brod decidió editar tras la muerte del autor (en los volúmenes Durante la construcción de la muralla china y Descripción de una lucha).En otro de los volúmenes se incluye, traducidas por Miguel Sáez, las tres aventuras novelísticas en las que se embarcó Kafka y que dejó inacabadas: El desaparecido o América (1912), El proceso (1914) y El castillo (1922).Alianza editorial también ha seleccionado relatos de Kafka en un libro que ilustró El Rubencio y ha reunido varias novelas, cartas y relatos en edición de bolsillo.La editorial Galaxia Gutenberg se embarcó en el proyecto de la publicación, por primera vez en castellano, de la totalidad de las cartas que se han conservado de Kafka, del que publicó el primer volumen en 2018. Ahora, con motivo del centenario, saca la segunda entrega de las tres que compondrán el proyecto.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Esta editorial también ha publicado la novela de Monika Zgustova Soy Milena de Praga, que reconstruye la historia de Milena Jesenská, a quien muchos conocen como la amiga de Kafka: periodista, traductora, escritora y miembro de la resistencia cuando las tropas nazis invadieron su país, Checoslovaquia; la relación amorosa e intelectual que mantuvo con Kafka marcó la vida de ambos.Y las ilustraciones que Tavo Montañez ha realizado para La metamorfosis han servido a la editorial Akal para sumergir al lector en la atmósfera atormentada que envuelve este texto de Kafka, considerada una de las obras maestras del siglo XX.La editorial Páginas de Espuma ha querido también ofrecer en un solo volumen toda la ficción breve de Kafka, tanto la publicada en vida como todos los relatos dispersos que fueron saliendo de forma póstuma. Traducidos al español por Alberto Gordo, los cuentos se presentan en orden cronológico según fueron escritos.Sobre esta edición de Kafka, el escritor Andrés Neuman (Buenos Aires, 1977) sostiene: "Hoy la vigencia de Kafka sigue propiciando fenómenos inversos. No es tanto que su obra explique el tiempo que nos ha tocado resistir, sino que la realidad misma insiste en volverse cada vez más kafkiana, en una mímesis oscura como una cucaracha. Plagiando sus lógicas, el mundo abusa de Kafka".🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Noche oscuraCanciones del alma que se goza de haber llegado al alto estado de la perfección, que es la unión con Dios, por el camino de la negación espiritual. En una noche oscura,con ansias, en amores inflamada¡oh dichosa ventura!,salí sin ser notadaestando ya mi casa sosegada.A oscuras y segura,por la secreta escala disfrazada,¡Oh dichosa ventura!,a oscuras y en celada,estando ya mi casa sosegada.En la noche dichosaen secreto, que nadie me veía,ni yo miraba cosa,sin otra luz y guíasino la que en el corazón ardíaAquésta me guiabamás cierto que la luz del mediodía,adonde me esperabaquien yo bien me sabía,en parte donde nadie parecía.¡Oh noche que guiaste!¡Oh noche amable más que la alborada!¡Oh noche que juntasteAmado con amada,amada en el Amado transformada!En mi pecho floridoque entero para él sólo se guardaba,allí quedó dormido,y yo le regalaba,y el ventalle de cedros aire daba. El aire de la almena,cuando yo sus cabellos esparcía,con su mano serenaen mi cuello heríay todos mis sentidos suspendía. Quedéme y olvidéme,el rostro recliné sobre el Amado,cesó todo y dejéme,dejando mi cuidadoentre las azucenas olvidado.¿Quién fue San Juan de la Cruz?San Juan de la Cruz, cuyo nombre secular era Juan de Yepes Álvarez, nació en Fontiveros, España, en 1542. Fue un destacado místico, poeta y sacerdote católico, conocido por su papel fundamental en el desarrollo de la literatura mística española del siglo XVI, así como por su asociación con Santa Teresa de Jesús en la reforma de la Orden de los Carmelitas. Sus obras, en particular sus poemas líricos y sus escritos teológicos, lo han consagrado como una de las figuras más importantes de la literatura española y de la espiritualidad cristiana.Juan de Yepes Álvarez se unió a la orden carmelita en 1563, adoptando el nombre de Juan de San Matías. Durante este tiempo, conoció a Santa Teresa de Jesús, con quien compartía una visión reformista de la orden. Juntos, establecieron los cimientos de lo que más tarde se conocería como los carmelitas descalzos, una rama reformada de la orden carmelita que enfatizaba la vida contemplativa y la austeridad.La obra literaria de San Juan de la Cruz es eminentemente espiritual y poética. Entre sus escritos más famosos se encuentran "La Noche Oscura del Alma", "Cántico Espiritual" y "Llama de Amor Viva", obras que exploran las profundidades de la experiencia mística y el camino hacia la unión con Dios. Sus poemas, caracterizados por su intensidad lírica y su riqueza simbólica, han sido objeto de estudio y admiración a lo largo de los siglos.San Juan de la Cruz fue también un ferviente defensor de la contemplación como camino hacia la unión con lo divino, y sus enseñanzas teológicas influyeron en la espiritualidad cristiana posterior. Fue canonizado como santo por el papa Benedicto XIII en 1726 y proclamado Doctor de la Iglesia por el papa Pío XI en 1926.💬Síganos en nuestro canal de WhatsApp aquí.Llama de amor vivaCanciones del alma en la íntima comunicación, de unión de amor de Dios. ¡Oh llama de amor viva,que tiernamente hieresde mi alma en el más profundo centro!Pues ya no eres esquiva,acaba ya, si quieres;¡rompe la tela de este dulce encuentro!¡Oh cauterio suave!¡Oh regalada llaga!¡Oh mano blanda! ¡Oh toque delicado,que a vida eterna sabe,y toda deuda paga!Matando. muerte en vida la has trocado. ¡Oh lámparas de fuego,en cuyos resplandoreslas profundas cavernas del sentido,que estaba oscuro y ciego,con extraños primorescalor y luz dan junto a su Querido!¡Cuán manso y amorosorecuerdas en mi seno,donde secretamente solo morasy en tu aspirar sabroso,de bien y gloria lleno,cuán delicadamente me enamoras!Entréme donde no supeEntréme donde no supey quedéme no sabiendo,toda ciencia tracendiendo.IYo no supe dónde entraba,pero cuando allí me visin saver dónde me estabagrandes cosas entendíno diré lo que sentíque me quedé no sabiendotoda sciencia trascendiendo.IIDe paz y de piedadera la sciencia perfecta,en profunda soledadentendida vía rectaera cosa tan secretaque me quedé balbuciendotoda sciencia trascendiendo.IIIEstava tan embebidotan absorto y ajenadoque se quedó mi sentidode todo sentir privadoy el espíritu dotadode un entender no entendiendotoda sciencia tracendiendo.IVEl que allí llega de verode sí mismo desfallescequanto sabía primeromucho baxo le parescey su sciencia tanto cresceque se queda no sabiendo,toda sciencia tracendiendo.VCuanto más alto se suvetanto menos se entendíaque es la tenebrosa nuveque a la noche esclarecíapor eso quien la sabíaqueda siempre no sabiendo,toda sciencia tracendiendo.VIEste saber no sabiendoes de tan alto poderque los sabios arguyendojamás le pueden vencerque no llega su sabera no entender entendiendotoda sciencia tracendiendo.VIIY es de tan alta excelenciaaqueste summo saber,que no ay facultad ni scienciaque la puedan emprenderquien se supiere vencercon un no saber sabiendo,yrá siempre tracendiendo.VIIIY si lo queréis oýrconsiste esta summa scienciaen un subido sentirde la dibinal esenciaes obra de su clemenciahazer quedar no entendiendotoda sciencia tracendiendo.Coplas del alma que pena por ver a DiosVivo sin vivir en míy de tal manera espero,que muero porque no muero.En mí yo no vivo ya,y sin Dios vivir no puedo;pues sin él y sin mí quedo,este vivir ¿qué será?Mil muertes se me hará,pues mi misma vida espero,muriendo porque no muero.Esta vida que yo vivoes privación de vivir;y así, es continuo morirhasta que viva contigo.Oye, mi Dios, lo que digo:que esta vida no la quiero,que muero porque no muero.Estando ausente de ti¿qué vida puedo tener,sino muerte padecerla mayor que nunca vi?Lástima tengo de mí,pues de suerte persevero,que muero, porque no muero.El pez que del agua saleaun de alivio no carece,que en la muerte que padeceal fin la muerte le vale.¿Qué muerte habrá que se igualea mi vivir lastimero,pues si más vivo más muero?Cuando me pienso aliviarde verte en el Sacramento,háceme más sentimientoel no te poder gozar;todo es para más penarpor no verte como quiero,y muero porque no muero. Y si me gozo, Señor,con esperanza de verte,en ver que puedo perdertese me dobla mi dolor;viviendo en tanto pavory esperando como espero,muérome porque no muero.¡Sácame de aquesta muertemi Dios, y dame la vida;no me tengas impedidaen este lazo tan fuerte;mira que peno por verte,y mi mal es tan entero,que muero porque no muero.Lloraré mi muerte yay lamentaré mi vida,en tanto que detenidapor mis pecados está.¡Oh mi Dios!, ¿cuándo serácuando yo diga de vero:vivo ya porque no muero?No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el mundo antiguo y medieval, Constantinopla fue una ciudad histórica de gran importancia política, económica y cultural. Su ubicación estratégica en el estrecho de Bósforo separaba Europa de Asia y conectaba el mar de Mármara con el mar Negro, dándole a ese impero gran control y ventajas importantes de defensa militar, haciéndola una ciudad difícil de conquistar.Haciendo las veces de puente entre oriente y occidente, Constantinopla se convirtió en la capital del Imperio Bizantino, fundada en el año 330 d. C. por el emperador romano Constantino I, de quien recibió su nombre.Durante más de mil años, los emperadores bizantinos gobernaron desde esta capital y administraron un vasto territorio que se extendió por gran parte de Europa oriental, la península de Anatolia, el norte de África y partes de Oriente Medio.Como capital del Imperio Bizantino, Constantinopla fue una de las ciudades más importantes y prósperas del mundo antiguo y medieval. Fue un centro de comercio, cultura y poder político durante siglos. La ciudad estaba adornada con impresionantes obras de arquitectura, como la famosa Catedral de Santa Sofía, un claro ejemplo de la arquitectura bizantina.A la par que el Imperio bizantino aumentaba su poder político y económico, también crecía el legado histórico, artístico y principalmente arquitectónico que hoy en día sigue siendo materia de estudio.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El arte religioso de ConstantinoplaAntes de la conquista de los turcos otomanos de Constantinopla, en 1453, a manos del Mehmed II, el Imperio Bizantino estuvo adornado por importantes obras de arte, esculturas y textos, la mayoría con un enfoque religioso, que influyó en la estética del cristianismo y de la iglesia ortodoxa por siglos.La arquitectura bizantina se caracterizó por el uso de cúpulas, arcos de medio punto, mosaicos ornamentales y una abundancia de detalles decorativos. La Catedral de Santa Sofía, construida en el siglo VI, es el ejemplo cúspide del estilo de estas construcciones.Edificada en apenas seis años, la iglesia fue ideada por el matemático Antemio de Trales y el físico Isidoro de Mileto. Pese a que se encuentra en una zona de alta actividad sísmica, se ha conservado por más de 1.500 años. Su reestructuración más fuerte se dio en el año 557, cuando, afectada por terremotos, tuvo que ser reconstruida por Isidoro el joven, sobrino de MIleto. La Basílica de San Marcos en Florencia, Italia, construida en el siglo XI; la Catedral de San Pedro y San Pablo en San Petersburgo, Rusia, construida en el siglo XVIII; la Mezquita Azul, de Estambul construida en el siglo XVII, y la Iglesia de San Salvador en Chora también en Estambul son algunos de los ejemplos de grandes centros religiosos que están inspirados en el estilo bizantino.Al interior de las iglesias, castillos e importantes edificaciones se encontraban los mosaicos, imágenes construidas con piedra, vidrio y esmalte que retrataban historias y momentos históricos.Traídos desde la tradición romana, durante el Imperio Bizantino, estas piezas se enfocaron en mostrar imágenes y momentos importantes para la religión y, en algunos casos, retratos de los emperadores. Este estilo influenció el desarrollo del arte en mosaico en otras culturas, incluyendo la islámica y la europea.La producción artística de esa época tuvo como común denominador, la inspiración religiosa, de este período abundan las imágenes sagradas utilizadas en la adoración cristiana.La Catedral de Santa Sofía contiene algunos de los mosaicos más impresionantes del arte bizantino que datan del siglo IX al XII, donde se representan escenas religiosas, figuras sagradas y emperadores. Otro ejemplo de la influencia religiosa es Teófanes el griego. Nacido en 1340 fue uno de los más importantes pintores de iconos del siglo XIV, conocido por su estilo distintivo y su influencia en el arte religioso ortodoxo oriental.La literatura durante la época de ConstantinoplaConstantinopla fue el epicentro cultural durante el Imperio Bizantino y la cuna de numerosas obras literarias. Al igual que en la arquitectura y el arte, la religiosidad fue el tema principal de la literatura y de la poesía que se produjo durante estos siglos.Focio, conocido como Focio el Grande, fue un importante líder religioso y político en la historia del Imperio Bizantino. Se destacó por haber sido el patriarca de Constantinopla en dos ocasiones, pero también por su obra como escritor. Myriobiblon (Biblioteca) es su texto más emblemático, una colección de resúmenes y extractos de obras clásicas griegas y romanas.Otro nombre destacado es el de Juan Tzetzes, un poeta y erudito bizantino del siglo XII, conocido por su extenso trabajo en diversas áreas como la poesía, la filosofía y la gramática; reconocido por su comentario sobre la obra de Homero.Además de la religión, los relatos de momentos históricos y sobre las guerras fue otro de los temas relevantes de la literatura bizantina. En este campo, encontramos a una mujer como autora destacada.Ana Comnena, hija del emperador bizantino Alejo I Comneno, fue una escritora del siglo XII conocida por su obra La Alexiada. Este relato es una crónica épica en la que detalla la vida y el reinado de su padre.Otra obra relevante de ese periodo sobre la guerra es Las Guerras de Justiniano escrita por el historiador bizantino del siglo VI Procopio de Cesarea. Esta obra cuenta las batallas libradas por el emperador Justiniano I, además, ofrece un contexto histórico de la vida militar y política de Constantinopla.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La historia de Romeo y Julieta, escrita por William Shakespeare en 1597, es una de las más conocidas en el mundo. El mito del amor eterno ha llegado a cada rincón del mundo y también se ha convertido en una fuente de turismo, por ejemplo, en Verona se abrió un museo recreando la casa de los Capuleto y el emblemático balcón donde Julieta le confesó su amor al enemigo de su familia.Así como el balcón, también se hizo una estatua en honor a la romántica Julieta, obra que se volvió blanco del turismo en la ciudad de Verona. El mito popular dice que si se le toca el pecho derecho a Julieta vendrá buena fortuna.Julieta sostiene suavemente su vestido con su mano derecha, su izquierda reposa sobre su pecho, su cara parece tener una expresión de seriedad y un semblante sereno, sin embargo, su cuerpo está manchado con huellas viajeras de todo el mundo que buscan fortuna incierta.Los turistas llegan de todos los mundos buscando desesperadamente el pecho deslumbrante que les traerá riqueza, nadie se acerca con amabilidad o compasión, todos esperan su turno para tocar el bronce frío de color dorado que demuestra tanto tacto oscuro y sediento de poder.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Nereo Constantini creó la estatua de Julieta en 1969, desde ese momento se convirtió en atracción turística y por miedo al desgaste fue reemplazada por una réplica en 2014. El toqueteo y las ganas de suerte han llevado a que un agujero sobresalga del pecho derecho de la escultura, pareciendo el recuerdo de una flecha.A lo largo de los años el mito de la riqueza se fue desplazando por los visitantes de Verona, en Italia, convirtiéndose en una tradición obligatoria para todo el que visite la ciudad. La premisa es tocarle el pecho derecho a Julieta para tener buena suerte, tocarle el pecho derecho, tocarle el pecho, tocar…Por esto me pregunto, ¿el cuerpo femenino está destinado al tacto frío de quien busca fortuna o saciar el deseo? ¿por qué nadie le tiene compasión a la Julieta que lleva más de setenta años siendo tocada? Todo es deseo y ambición. ¿qué hubiera sentido la Julieta de carne y hueso? ¿qué sentimos nosotras ante el toque sin consentimiento? Rabia, solo rabia.El museo Casa de Julieta, donde se encuentra la estatua, también tiene un buzón donde los visitantes dejan sus cartas de amor confesando el sentimiento de algo maravilloso o algo que nunca sucedió. Los turistas le escriben a Julieta esperando una señal, una respuesta del destino que ayude a solucionar el problema amoroso. Decidí escribirle una carta a la propia Julieta, para ella, para su espíritu que puede reposar en ese cuerpo sellado de bronce.Querida Julieta,Me enteré que el tacto amargo te abrió el pecho, las manos extrañas que se posaban sobre tu seno destaparon la llaga del dolor. El hueco minúsculo sangra oro invisible cada que te tocan, la risa y la cámara son protagonistas de tu dolor y tu semblante queda petrificado por la cárcel de bronce.Veo tus lágrimas, mi Julieta, las mismas que derramaste al no poder estar con tu amor verdadero. La compasión de la humanidad se ha opacado por la fuerza de la ambición, tú solo eres una de las maneras que la gente busca para imaginar una vida de riquezas. Siento profundamente el dolor de tu cuerpo inmovil, tan frágil por dentro y como roca por fuera, así como el de muchas de nosotras. Las huellas se han marcado sobre tu vestido dorado, así como las marcas indeseadas sobre nuestro pecho, se han vuelto imborrables a nuestra memoria, permanecen intactas desde el comienzo de los tiempos.Tantas manos extrañas que buscan los senos firmes de bronce (¿o de carne?), tantos que quieren probar la fortuna de tu pecho sin mirarte a los ojos con compasión. Tantos que buscan riqueza sin saber que se te puede salir el corazón, el órgano vital explotado de dolor, de rabia.Julieta, cuánto daría yo por no permitir que nadie te toque (que nadie nos toque), quiero pararme a tu lado y sentir el miedo de la mano extraña acercándose, quiero mirarte a la cara y pedirte perdón por difamar tu cuerpo sagrado, ver en ti a mi madre, a mi hermana, a mis amigas, vernos a todas como tú, expuestas a este mundo hostil y cruel que nos pone los ojos y las manos sobre los pechos.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Durante los últimos diez años hemos empezado a tener una buena conversación pública sobre el racismo estructural, pero no estamos hablando del clasismo. Durante generaciones, haber pertenecido a una familia de clase trabajadora ha significado tener limitaciones de oportunidades y de educación, pero en Estados Unidos no hablamos sobre clase porque se supone que somos la sociedad sin clases, lo que es una gran mentira", afirmó Kingsolver en una entrevista concedida a EFE con motivo de la edición en castellano de su último libro.'Demon Copperhead' (editado en castellano y catalán por Navona), pretende iniciar esta conversación a través de la historia de Demon, un chico de la región de los Apalaches, de donde Kingsolver también es originaria, a quien la crisis de los opiáceos deja huérfano y cuya vida está atravesada por la pobreza, la adicción y el fracaso institucional, pero que consigue sobrevivir y convertir este relato en lo que la autora define como "el viaje de un héroe"."Mi trabajo como apalache es hablar con una voz auténtica sobre mi región, de nuestros problemas y de cómo han sido creados a través de generaciones de explotación, pero también sobre lo que tenemos de bueno", explicó la escritora, que lamenta que sólo se les conozca como "un hazmerreír o a través de documentales sobre pobreza", pero que revindica su relación con la naturaleza y su "sentimiento de comunidad".Kingsolver también tenía el objetivo de mostrar el impacto de la epidemia de los opiáceos en los habitantes de estas zonas, donde asegura que cada comunidad que conoce "ha sido dañada de alguna manera", especialmente en el caso de los niños: "se conoce la historia de los grandes actores, pero me preocupaba que la gente pensase que se ha hecho justicia. Los huérfanos de esta crisis viven con un trauma que los afectará durante toda su vida".La América abandonadaEsta crisis le sirvió como "punto de partida" para hablar de la "pobreza institucional heredada" de las regiones rurales de Norteamérica, donde los servicios públicos y la infraestructura están muy "atrasados" en comparación con los de las zonas urbanas, algo que les hace sentir "abandonados por el gobierno".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En el caso de los Apalaches, la autora sitúa el origen de esta desigualdad en las compañías dedicadas al carbón, que, en sus palabras, "nos percibían como una colonia interna de Estados Unidos, organizando nuestras estructuras para mantenernos cautivos y pobres"."Somos una cultura de personas que se supone que debemos cuidar de nosotros mismos, ese es el sueño americano, y el mito es que todos podemos hacerlo si trabajamos lo suficiente, que todos partimos de un lugar de igualdad", explica Kingsolver, que opina que la solución "no es exigir que la gente vaya a vivir a otro lugar", sino "entender que la pobreza se hereda y que es necesaria la redistribución de oportunidades".Con las elecciones presidenciales en el horizonte, la autora reflexiona sobre las consecuencias políticas de este desencanto: "entiendo por qué mis vecinos van a votar a Trump y creo que es muy probable que gane, y es porque la mitad del país está tan cansada de que el gobierno les ignore que están dispuestos a que este tipo haga estallar el sistema".De 'David Copperfield' a 'Demon Copperhead'Para escribir esta novela, Kingsolver trabajó "codo con codo" con Charles Dickens y su novela 'David Copperfield' (1850), la obra que le "abrió la puerta" a poder contar esta historia, que inspiró su título y que tuvo siempre cerca durante los tres años que dedicó a la redacción del libro."Tuve un momento de inspiración y vi que podía usar 'David Copperfield' como modelo porque Dickens escribió sobre la misma pobreza estructural, los huérfanos y los niños despreciados por la sociedad", recuerda la autora.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Han pasado 71 años desde que el escritor y periodista británico Ian Fleming le dio vida al agente secreto 007 del MI6 en sus novelas. Carismático, elegante y sagaz, James Bond ha sido un personaje icónico que luego de la literatura se ha tomado las grandes pantallas por más de 60 años.Caracterizado por tener sofisticadas herramientas tecnológicas, autos deportivos, un sinfín de misiones que comprometen la seguridad de un país o del mundo, el universo de Jamen Bond ha dado lugar a una larga tradición de películas, 27, para ser exactos.Desde la primera aparición, en 1962, del actor británico Sean Connery como el agente 007 en la película Dr. No, el estilo de vestir, la forma de hablar y la actitud despreocupada frente al peligro se convirtieron en un sello del personaje, independientemente del actor que lo encarnara.La interpretación de Connery a lo largo de seis películas de Bond, entre 1962 y 1971, marcó el éxito de esta franquicia y dejó una marca indeleble en la cultura popular. Su papel, aún hoy en día, sigue siendo el estándar de comparación y de calidad con el que se referencian las actuaciones de los actores que posteriormente dieron vida al 007.Después de Dr. No, Connery protagonizó Desde Rusia con amor (1963), considerada como la mejor de la franquicia; 007 contra Goldfinger (1964), Operación Trueno (1965) y Sólo se vive dos veces (1967). Con esta última, y tras una serie de desencuentros con la producción, el actor empezó a tomar distancia del personaje.Sin embargo, protagonizó dos películas más: Los diamantes son eternos, en 1971. Connery, tratando de evitar que su carrera quedara encasillada al personaje del agente, dijo en ese entonces que “nunca” volvería a realizar películas de Bond. Contra todo pronóstico, en 1983, retomó por una última vez el personaje en la película, paradójicamente llamada Nunca digas nunca jamás.Durante los años de ausencia de Connery, dos actores encarnaron al agente británico. En una única película, el australiano George Robert Lazenby lo personificó en Al servicio secreto de su majestad de 1969.Luego, entre 1973 y 1985, el británico Roger George Moore realizó siete películas como James Bond, convirtiéndose en el actor que más veces ha personificado al 007. La primera película con este actor fue Vive y deja morir en 1973, un año más tarde protagonizó El hombre del revólver de oro y en 1977 llegó La espía que me amó, la que es considerada la mejor película del agente en la era de Moore.En un esfuerzo por mantener vigente al personaje y que no pierda popularidad, de acuerdo con la época, en 1979 se estrenó Moonraker: 007 misión espacial, una historia en la que James Bond tuvo que viajar al espacio.Aunque parezca extraño, esta aventura intergaláctica surgió en un contexto en el que la tendencia en el cine era la ciencia ficción y las historias espaciales, como Star wars: episodio IV (1977), Encuentros cercanos del tercer tipo (1977), Capricornio uno (1978), o Alien: el octavo pasajero que se estrenó el mismo año que Moonraker.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.De regreso en la Tierra, el también británico Timothy Dalton continuó con las aventuras de Bond a finales de la década de los ochenta. En 1987 le devolvió al personaje un tono más serio y humano, evitando el tono más descomplicado e incluso humorístico que le llegó a dar Moore, en 007: su nombre es peligro. Con un tono todavía más oscuro, en 1989, se estrenó Licencia para matar, en la que el personaje busca venganza por la muerte de un compañero.Con el avance de la tecnología, entre 1995 y 2002 el irlándes Pierce Brosnan protagonizó cuatro películas de la franquicia Bond que se destacaron por el uso de efectos especiales y el aumento de las escenas de acción.GoldenEye, marcó el regreso del mítico personaje después de una pausa de seis años sin películas de James Bond, hasta ahora el mayor lapso sin nuevas entregas. A Brosnan se le atribuye darle al personaje el equilibrio entre la acción intensa y el humor ligero. Las películas El mañana nunca muere (1997), 007: el mundo no basta (1999) y Otro día para morir (2002) completaron la franquicia.El sexto y más reciente actor en protagonizar a Bond fue Daniel Craig, que marcó un nuevo inicio para la franquicia. Hasta 2002, la historia de Bond estuvo enmarcada en aventuras aisladas, y sólo en las primera películas se contó el origen del agente. Es decir, todas las películas mencionadas hasta ahora puede verlas en cualquier orden, cada una es una aventura particular del 007 que no repercute o trae consecuencias para las entregas posteriores.Con la saga de Craig, se reinicia la historia. Además, para darle sentido a la historia, conectar referencias y entender las consecuencias de misiones pasadas es necesario verlas en orden. La interpretación de Craig, que inició con Casino Royale, en 2006, muestra un enfoque más humano y sensible del personaje, incluso más vulnerable, que continuó en Quantum of Solace (2008).Skyfall, estrenada en 2012 es la película más famosa de este ciclo, pues marcó la celebración del aniversario número 50 de la franquicia. Desde ese año se conmemora el Día Internacional de James Bond cada 5 de octubre, misma fecha en que se estrenó la primera película en 1962.La cuarta entrega, Spectre (2015) recibe su nombre por la organización secreta que el espía debe combatir. Finalmente llegamos a No Time to Die, con la que Craig, de forma emotiva, se despidió del personaje.Con la participación siempre de talentosas actrices que interpretaron a la “chica Bond”, como Diana Rigg, Halle Berry, Eva Green o Ana de Armas, la franquicia de James Bond ha hecho parte de la cultura popular por lo mencionado anteriormente y también por la banda sonora que la acompaña.La música de las películas, especialmente el tema principal compuesto por Monty Norman y luego interpretado por artistas como Shirley Bassey, Paul McCartney y Adele, ha sido icónica.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El ejército ruso ha aniquilado las ciudades ucranianas. Ha exterminado sobre todo la cultura", denunció Loznitsa anoche al presentar el filme, fuera de competición, en las sesiones especiales de certamen de la Costa Azul gala, acompañado por parte de su equipo y por el delegado general del festival, Thierry Frémaux.La guerra lleva presente en Europa "desde hace diez años", recordó el también realizador del exitoso documental 'Maidan' sobre los disturbios civiles de 2013 y 2014 en la plaza central de Kiev, en referencia a que las agresiones rusas comenzaron hace mucho más de dos años, con la anexión unilateral de la península de Crimea en 2014.Pero a comienzos de 2022, enfatizó el director, el conflicto adoptó un "carácter extremadamente salvaje" con la invasión del país a gran escala por parte del régimen de Vladímir Putin.Fue ese mismo año cuando Loznitsa se embarcó en el rodaje de The Invasion, un camino que en cierta medida concluyó anoche, en la tercera jornada de la 77 edición del Festival de Cannes, mostrando al público el "dolor inconmensurable" de todos los ucranianos. "Contamos hoy con compartir ese dolor con vosotros", dijo Loznitsa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La vida interrumpida por las alarmas antiaéreasYa desde su introducción, con imágenes de funerales de soldados caídos en la defensa de Ucrania, The Invasion obliga a recordar que la guerra continúa, a pesar de que su peso en titulares haya decaído, y el impacto que eso tiene en millones de personas todos los días.Loznitsa, fiel a su estilo de planos generales estáticos y pacientes en los que la acción se va revelando por sí misma, bucea en todo tipo de escenas de lo cotidiano de su país.Es un día a día que a veces queda completamente transformado por la presencia permanente del conflicto, pero que en otras ocasiones, a fuerza de costumbre, prosigue solo sutilmente trastocado por la guerra.En las bodas, los novios van vestidos con su uniforme militar. En las calles se reparten víveres indispensables. En las escuelas, los niños dibujan tanques y las profesoras intentan continuar con su lección con normalidad, aunque tengan que dar la clase en refugios antiaéreos por la amenaza de las bombas rusas.Hasta en las librerías, los dependientes invitan tranquilamente a los clientes a salir del local porque han sonado las alarmas y hay que ponerse a cubierto.El realizador ucraniano muestra también que los libros han sido, de hecho, una parte significativa de la guerra al nivel cultural, a través de imágenes de la destrucción de cientos de ejemplares firmados por autores rusos o relativos esa cultura -ni Dostoyevski se salva-, en un intento de reafirmar la identidad ucraniana frente al invasor.De vuelta al nivel más humano de las consecuencias de la guerra, Loznitsa también visita un centro de rehabilitación en el que hombres y mujeres con miembros amputados aprenden a vivir con sus nuevas extremidades ortopédicas y muestra cómo sus compatriotas de fe cristiana ortodoxa continúan con los tradicionales baños helados triples para conmemorar el bautismo de Cristo.Las imágenes de los bombardeos están presentes, pero son siempre de los momentos posteriores. Es decir, no están las explosiones, pero sí sus consecuencias.Y es que a Loznitsa no le ha interesado hacer un documental sobre el frente de batalla -al estilo, por ejemplo, de la oscarizada este año 20 Days in Mariupol ('20 días en Mariúpol')-, sino sobre todo el dolor del pueblo que se encuentra detrás.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El filme, que lleva más de un mes en las carteleras, muestra no solo la distancia cultural, sino también la falta de acceso para entender cómo se percibe la realidad en las comunidades más alejadas del territorio andino peruano."En este país llamado Perú existen varias naciones y, por ende, somos culturas diferentes, me parece que todavía eso no se entiende", declaró Tito Catacora.El codirector, quien quedó a cargo del proyecto tras la muerte repentina de su sobrino Oscar durante el rodaje de la película, señaló que la obra busca mostrar "que el ser humano es cada vez más egocéntrico y piensa que la naturaleza está para dominarla y explotarla"."Nuestra cultura originaria considera que en este mundo nada es inerte, una piedra no es un objeto, sino que tiene vida", aseguró antes de añadir que, desde esa lógica, "el trato es distinto" en la relación con el mundo.El nuevo cine peruano'Yana Wara', que va por su quinta semana en cines a nivel nacional, se describe como una película de arte. "Hacemos este tipo de obras con la finalidad de que el espectador pueda reflexionar y proponer soluciones a los problemas que abordamos", sostuvo Catacora.La elección de lugares, el extenso territorio altiplánico, la lengua aimara como idioma principal en la película y la propuesta visual en blanco y negro, fueron hechas en conjunto por sus directores; sin embargo, el corte final fue liderado por Tito.La etapa de rodaje y edición llevó a que Tito pueda darle un toque más "racionalista y atrevido", lo que hizo que 'Yana Wara' tomara otro rumbo al que Oscar hubiera elegido."Obviamente yo soy más racionalista, a diferencia de Oscar, que era más emotivo. Si él hubiera culminado la película sería distinta. Pero creo que no se ha perdido el espíritu, eso se conserva" añadió.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Perú distanteAunque la ausencia de Oscar fue determinante en la elaboración final de 'Yana Wara', la propuesta de hacer un cine 'diferente', que revele la esencia y reivindique a la cosmovisión andina, es algo que perdura tras su muerte."Nosotros, los pueblos originarios, al estar aislados adolecemos de muchos servicios, educación, salud o incluso orden interno, pero no podemos hacer nada" comentó Tito.Aludió de esa manera a las circunstancias de la muerte de Oscar, quien sufrió una apendicitis en un lugar remoto de los Andes sin servicios de salud, una circunstancia que al igual que sus personajes de ficción lo condujo a la muerte."Un día antes estábamos grabando y es algo raro, pero es lo que ha ocurrido", comentó Tito, quien junto a su familia y el equipo técnico de la película trabajaba con Oscar."He evitado comentar lo que pasó exactamente, porque no soy médico, nosotros somos más pragmáticos, por más que se hable de mi sobrino y se realicen homenajes, mi sobrino no va volver", remarcó.Tito agregó que "solo sus familiares" lo llevan "en el corazón" y para ellos "él ya es como un dios menor". Reconoció, además, que "hacer cine es difícil" en Perú, aunque el legado que construyeron con Oscar es algo que desea continuar. "Seguiremos hasta donde tengamos las posibilidades", prometió. Añadió que, en 'Yana Wara', se puede ver el contraste entre lo místico y lo humano, la visión andina y la de ciudades como Lima Metropolitana.Se menciona, por ejemplo, a personajes fantásticos como el 'Anchanchu', un espíritu maligno que es considerado dueño de la riqueza, y al que muchos mineros se encomiendan por oro y plata. "Nosotros pensamos que, para dar a conocer nuestra visión, era necesario tratar sobre los espíritus malignos", dijo Catacora.A partir de eso, sus directores incorporaron otros temas, como la violencia de género, la medicina andina y la justicia comunal."Para nosotros hablar del 'Anchanchu' no es ningún mito ni algo fantasioso, sino es algo real y tangible, yo mismo los he escuchado y sé cómo se expresan, alguien me dirá que estoy delirando, pero no es así", concluyó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cantautor cubano Silvio Rodríguez lanzará en junio Quería Saber, su primera producción discográfica en tres años y en la que incluye temas compuestos durante este "maltrecho" siglo, informaron este jueves sus estudios Ojalá."El próximo viernes, 7 de junio, se presentará en las principales plataformas digitales de música el álbum Quería saber, de Silvio Rodríguez", señaló Ojalá en un comunicado publicado en el blog Zurrón del Aprendiz, del famoso artista.Según Ojalá, antes del lanzamiento, los seguidores de Rodríguez, de 77 años y fundador de la Nueva Trova Cubana, podrán disponer de dos sencillos: Quería saber, el 24 de mayo, y América, siete días después.Es el 22º disco de la extensa carrera de Rodríguez, autor de temas antológicos como La era está pariendo un corazón y Ojalá.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La única canción del disco "que no es de este siglo" es "Tonada para dos poemas de Rubén Martínez Villena", un destacado escritor y revolucionario cubano que vivió entre 1899 y 1934, cuya música compuso a principios de la década de 1970."Las demás canciones, las actuales, las canté en muchos conciertos de barrio, y creo que son como este joven y maltrecho siglo, al que espero que un buen día le crezcan alas", afirma Rodríguez en el comunicado, refiriéndose a los más de 100 recitales que realizó entre 2010 y 2020 para llevar su música a los barrios más humildes del país.El artista también reflexiona sobre el título del álbum: "Es difícil ponerle nombre a un disco"."Primero iba a ser Canciones del siglo XXI (menos una). Después pensé en Después. Por último, me he decidido por Quería saber. Aunque quizá debería llamarse Quiero saber, porque eso es lo que me mueve", apuntó.Su última producción discográfica data de 2021 cuando presentó Silvio Rodríguez con Diákara, según Zurrón del Aprendiz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Chabuco (Valledupar, Colombia, 1975), que este sábado actúa en Sevilla (sur de España) acompañado de Rocío Soto y otros artistas invitados, dijo en una entrevista con EFE que para él "todas las colaboraciones con mis amigos músicos son importantísimas. He tenido muchas que me han llenado de sueños y se me han cumplido, pero todavía me faltan muchas por cumplir porque considero que en la música y en el arte en general se trata de compartir, no de dividir".El colombiano señala que la música vallenata, que él fusiona con otros géneros como el jazz, el bolero o el rock, tiene una "gran aceptación" y "a pesar de la discriminación que sufrió durante muchos años, se mantiene vigente"Sobre si un artista debe tener su sello personal o adaptarse a los cambios de gustos musicales, Chabuco responde que los músicos "debemos tener nuestro propio camino. Yo por mi trabajo y experiencia creo en lo que hago, en la música de mis raíces, y creo que si hay que recibir algún reconocimiento es haciendo la música bajo tu convicción".Para Chabuco, "la mezcla entre el folclore campesino, que es de donde yo vengo allí en Guajira, con la música que más me ha gustado, desde que he crecido escuchando a muchos artistas diferentes, hace que mi música tenga una particularidad: el encuentro entre el campo con la música moderna".Chabuco comenzó su recorrido musical a final de la década de 1990 y a mediados de los 2000 publicó su primer álbum como solista, titulado "Morirme de amor".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Antes había menos oportunidades para los artistas que querían mostrar su música, pero ahora, con todas estas cosas de las plataformas digitales, creo que todos tenemos una cabida para mostrar nuestros discos y que no solamente por medio de negocios entre disqueras puedas sacar tu música".Con la discográfica Sony publicó el álbum "Encuentro", en el que colaboró con Alejandro Sanz. Chabuco aconseja a los jóvenes artistas que, al margen de compañías discográficas, "crean en su música y en lo que hacen para que así la música pueda coger su cauce sincero hacia lo que ellos quieren, porque lo demás se va juntando en el camino".Su actual gira, que comenzó en febrero, tiene un formato acústico y, aunque en Colombia tiene su banda, Chabuco dice que "hay momentos en los que tengo que hacer giras acústicas. Me gusta de las dos formas. El piano es un poco más desnudo, más puntual con la gente, pero siempre me gusta tocar con mi banda, que es un cuarteto de músicos maravillosos".El colombiano se siente muy satisfecho de la acogida que está teniendo en España: "Está siendo una gira maravillosa por todo este país que amo, donde la gente me recibe con mucho cariño".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este 18 de mayo es el Día Internacional de los Museos y en Bogotá se celebrará con entrada gratuita al Museo Nacional de Colombia y a todos los museos regionales del Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes.Tras la declaratoria del Consejo Internacional de Museos (ICOM) en 1977, esta fecha une cada año, a través de una variada agenda cultural y educativa, a la comunidad museística de más de 150 países y territorios. El año pasado participaron más de 37.000 museos alrededor del mundo.En el 2024, el tema central de este encuentro será “Museos por la educación y la investigación”, con el cual se reconoce a estos espacios como centros educativos dinámicos que fomentan la curiosidad, la creatividad y el pensamiento crítico.Es por eso que este 18 de mayo, en el Museo Nacional de Colombia, celebraremos también el trabajo de años del equipo de Acción Educativa y Cultural, encargado de los programas que, más allá de fortalecer y desarrollar conocimientos, generan experiencias y reflexiones sobre las colecciones, el Museo y el patrimonio. Cada una de sus estrategias son didácticas y accesibles para todo público, incluida la población en condición de discapacidad.Desde hace más de 20 años, el Museo Nacional de Colombia cuenta con el Curso de Formación y Voluntariado, un espacio de encuentro ciudadano que promueve la apropiación y reconstrucción de saberes. Este año, este curso contará con una nueva generación.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En Bogotá, la Casa Museo Quinta de Bolívar, el Museo de la Independencia Casa del Florero, el Museo Santa Clara y el Museo Colonial se unen a la celebración mundial con una programación cultural y educativa que incluye talleres y recorridos.Conozca la programaciónMuseo Nacional de Colombia📍Carrera 7 n.° 28-66Jornada de estampación serigrafía: Conéctate con los museos como lugares donde podemos compartir, aprender, cuestionar y crear. Trae tu prenda o papel para estampar. 2:00 p. m. a 4:00 p. m.Crea tu museo: ¿Alguna vez has pensado cómo sería el museo de tus sueños? ¿Cuáles objetos tendría? ¿Qué historias contaría? Reflexionemos sobre nuestro pasado, presente y futuro. Crea tu propio museo a través de nuestro material didáctico. 11:00 a. m. a 12:30 m.Fragmentos: Espacio de Arte y Memoria📍Carrera 7 n.º 6b-30Exposición Desminar: Una instalación de la artista mexicana Tania Candiani, con curaduría de Gabriela Rangel. Desminar fue creada para este lugar específico y propone un análisis topográfico del contra monumento Fragmentos a partir de un detector de minas con el que se busca traducir, en imagen y sonido, la memoria de violencia que subsiste en cada una de las placas de metal que integran el suelo de este espacio. Martes a domingo / 9:00 a. m. a 5:00 p. m. Entrada libre y gratuita.Casa Museo Quinta de Bolívar📍Calle 21 n.° 4A-30 EsteRecorrido:Un viaje por las historias y anécdotas no sólo de su huésped más memorable, sino de otros personajes y acontecimientos que hacen que la Casa Museo Quinta de Bolívar sea uno de los espacios más destacados para visitar en el centro de Bogotá. 11:00 a. m. y 3:00 p. m.Taller memes, stickers e iconografía: ¿Qué tienen que ver los memes que usamos en redes sociales con las pinturas del siglo XIX? En esta nueva propuesta pedagógica se analizará uno de los fenómenos culturales más interesantes de la era digital: los memes y cómo representan nuestras formas de consumo cultural actual, así como en el siglo XIX las imágenes de los próceres, las batallas y las costumbres cumplieron su función y se consumieron y dieron lugar a una nación. 2:00 p. m. (inscripción aquí).Museo de la Independencia Casa del Florero📍Carrera. 7 #11-28Recorridos: Conoce la historia y la colección de este Museo. ¿Cuándo se dejó de llamar Museo del 20 de Julio? ¿Cuántas piezas y cuáles hacen parte de los procesos de independencia? ¿Qué pasó en Bogotá y en el país en 1810? Preguntas, reflexiones y anécdotas que hacen parte tanto del lugar como de la misma historia reciente del país. 11:00 a. m. y 3:00 p. m.Costurero de independencias- Taller de foto bordado: En este taller se analizarán intervenciones en fotografías históricas del centro de Bogotá y del Museo de la Independencia Casa del Florero. Se compartirán historias sobre el museo, los cambios que ha experimentado Bogotá y el patrimonio cultural que la rodea. 10:00 a. m. (inscripción aquí).¡Imprime tu postal!: Visita nuestra estación de sellos e imprime manualmente tu postal, con distintos motivos de las láminas de la Comisión Corográfica. 9:00 a. m. a 5:00 p. m.Recorrido por el centro histórico de Bogotá: ciencia, educación y revoluciónAlgunos lugares del centro histórico de Bogotá estuvieron ligados al pensamiento revolucionario del proceso de independencia de la Nueva Granada. A propósito del Día Internacional de los Museos, se realizará un recorrido por algunos espacios e instituciones científicas y educativas, como la Casa de la Expedición Botánica, el Colegio Mayor de San Bartolomé y la Universidad del Rosario.Punto de encuentro: iglesia de San Agustín, carrera 7 n.° 6C-25 Bogotá10:00 a. m. ( inscripción aquí: htps://forms.office.com/r/VucmLwfajU)Recorrido por La Candelaria y sus museosSe explorarán lugares tal vez desconocidos para quienes recorren las calles de La Candelaria. Se descubrirán los patios interiores de lugares icónicos de la zona, con los museos de la calle sexta. Áreas educativas del Museo del Oro, Museo de Trajes, Museo Arqueológico Musa y Museo Colonial. 11:00 a. m. (inscripción aquí). Punto de encuentro: Museo del Oro (carrera 6 n.° 15-88).Museo Colonial📍Carrera 6 #9-77Visita-taller: La imagen en la Colonia y el tarot: Este espacio fusiona la historia, el arte y la interpretación. Primero se realizará un recorrido donde se explorarán piezas seleccionadas y se abordará la imagen colonial con algunas claves iconográficas inspiradas en el tarot. En la segunda parte, las talleristas proponen una actividad manual, en la que cada participante creará su propia carta o arcano aplicando la técnica del collage. Materiales incluidos. 2:00 p. m. (inscripciones aquí).No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.