La estrella de las series de televisión "That '70s Show" y "The Ranch" fue declarado culpable por dos cargos de violación entre 2001 y 2003, pero el jurado del tribunal de Los Ángeles no llegó a un acuerdo sobre un tercer cargo de violación.Este fue el segundo juicio por violación que enfrentó Masterson, después de que el proceso anterior fuese declarado nulo en noviembre debido a que otro jurado no consiguió llegar a una decisión unánime.Masterson, de 47 años, quedó bajo custodia luego de la lectura del veredicto. El actor espera ahora su sentencia, y podría enfrentar de 30 años a cadena perpetua. Masterson, afiliado a la Cienciología, alcanzó la fama con el estreno en 1998 de la serie "That '70s Show", en el cual interpretaba a Steven Hyde y compartía pantalla con Mila Kunis y Ashton Kutcher.Volvió a trabajar con Kutcher en "The Ranch", de Netflix, pero fue despedido en 2017 y su personaje fue eliminado de la trama, luego de que la policía de Los Ángeles confirmara que investigaban varias acusaciones de violación en su contra.En ese momento, los fiscales descartaron otros dos casos de agresión sexual contra Masterson por falta de evidencias. Durante los argumentos finales del juicio a comienzos de mayo, los fiscales dijeron que Masterson "drogó y violó a cada una de estas víctimas" y le pidieron al jurado que lo "responsabilizara por lo que ha hecho".Las tres denunciantes también formaban parte de la Iglesia de la Cienciología en la época, y fue a través de este grupo reservado que Masterson las conoció. Dos de ellas dijeron que autoridades de la iglesia las exhortaron a no contactar a la policía.Los abogados de Masterson cuestionaron en sus argumentos finales que se hablara "mucho sobre Cienciología", y sugirieron que la predisposición en contra de la iglesia podría haber motivado la decisión.En un comunicado, la Iglesia de la Cienciología dijo que "la introducción de la religión en este juicio por parte de la fiscalía fue una violación sin precedentes de la Primera Enmienda y afecta el derecho al debido proceso de todos los estadounidenses. La Iglesia no era parte en este caso y la religión no tenía cabida en este proceso".Además, negó haber acosado a las demandantes o tener una política de "prohibir o disuadir a los miembros de denunciar conductas delictivas".El jurado deliberó durante siete días. El tercer cargo por violación, sobre el cual no se alcanzó ningún veredicto, involucraba a una exnovia de Masterson.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Presentado en una sesión especial en el Festival de Cannes, este documental de cuatro episodios de una hora cada uno se estrenó en HBO Max en el marco del centenario de una compañía cuyos orígenes están entre Ohio y Pensilvania de la mano de cuatro hermanos: Henry, Albert, Sam y Jack Warner.En 1918 produjeron su primera película y en 1923 compraron un pequeño terreno en Hollywood y crearon Warner Bros. Su historia, asegura Iwerks, aúna tres de los elementos que más le interesan como cineasta: "innovación, negocio y arte"."Esa historia familiar se convirtió en un liderazgo fracturado y fue fuente de grandes conflictos que se han extendido durante cien años", resaltó Iwerks.Un año y medio de trabajo para bucear en los ingentes archivos de Warner y decidir cuáles eran las películas que debían estar en el documental y qué testimonios necesitaban."Esta es una compañía tan grande con tantas películas, tantos actores, tantas historias...", que el planteamiento fue elegir las que "tuvieron más impacto""¿Cuáles fueron las películas que marcaron la diferencia? No solo en la industria, sino en el mundo, ¿quiénes son los actores que surgieron de la nada y se volvieron enormes?". A partir de esas preguntas comenzó la selección.De entre las entrevistas que realizó para el filme, recuerda con cariño la de Clint Eastwood, un gran icono del cine que sin embargo fue muy criticado en su primera época, en los tiempos de Harry el sucio porque sus películas era demasiado violentas."No me importa lo que la gente piense". Esa fue la respuesta de Eastwood, que muestra lo que más le gusta a Iwerks, que "haya cineastas que simplemente hacen una película porque quieren hacerla y pase lo que pase van a hacer la mejor película que puedas", sin importarles la aceptación o no del público.O Warren Beatty, con el que tuvo un almuerzo que se prolongó durante seis horas. "Contó una historia detrás de otra", como el hecho de que "Bonnie and Clyde" (1967) "fuera enterrada por Jack Warner" porque no le convencía desde el punto de vista moral por el exceso de violencia.Pero se estrenó y fue un éxito. "Fue el comienzo de una nueva era del cine, la nueva era del joven Hollywood", a la que se unieron Disney y luego el resto de estudios. Uno de los muchos cambios que el sistema de estudios ha experimentado en estos cien años.Cambios que quedan reflejados en un documental dividido en cuatro partes: "El material del que están hechos los sueños", "Clint, Kubrick y la kriptonita", "Héroes, villanos y amigos" y "El mundo mágico y el big bang".Un trabajo que ha hecho que Iwerks respete aún más a los estudios Warner. "Aprendí mucho más sobre su herencia y sobre su legado, sobre lo que defendieron desde el principio y los tipos de películas que se propusieron hacer y que estaban destinadas a ser muy impactantes".Warner Bros encargó este trabajo a Iwerks, hija de una leyenda de Disney, Don Iwerks, y nieta de Ub Iwerks, cocreador de Mickey Mouse y con un exhaustivo conocimiento de la industria.Iwerks ha realizado documentales como "The Pixar Story" (2006), "Citizen Hearst (2012) "Industrial Light & Magic: Creating the Impossible" (2010) o "The Hand Behind the Mouse: The Ub Iwerks Story and League of Legends Origins" (1999).Y tras analizar tanto la historia del cine Iwerks está convencida de que las salas seguirán existiendo y las películas seguirán haciéndose aunque se vayan adaptando a los cambios tecnológicos, a las plataformas de streaming y a dificultades como la actual huelga de guionistas de Hollywood.Las plataformas obligan a generar mucho contenido y lo difícil es lograr productos como "Ted Lasso" o "The Marvelous Mrs Maisel" que duran varias temporadas. Por eso los estudios están dispuestos a correr más riesgos en las series que en el cine, asegura."Yo creo que Warner Bros quiere continuar haciendo películas que sean un poco más contundentes, que tengan un poco más de impacto y no solo todas las secuelas de sagas". Pone como ejemplo "Elvis", que demostró la importancia de la experiencia en salas. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Hasta en el lugar más recóndito del Himalaya, el actor español que interpretará a "Quique" en la nueva película de Salvador Calvo, "Valle de Sombras", despierta la mirada curiosa de quienes se acercan al set sin saber muy bien qué ocurre.Río, de La Casa de Papel (LCDP), al igual que sus coestrellas, es casi una leyenda en el país asiático, cuna de Bollywood, que vive con fascinación el cine y adora a las estrellas de la pantalla.Rodar en el Himalaya: una locura que merece la penaPese a los múltiples desafíos que plantea un rodaje en las montañas, trabajar en la India "es una locura" para Herrán, que ve esta experiencia como una oportunidad para conocer una nueva cultura y explorar los sitios más acogedores del Himalaya indio."Siempre que te vas a otro sitio es más complicado porque se te sale todo de tu control habitual: no estás en tu país, no estás en tu zona, no estás con tu gente... Pero a mí me gusta. A mí, personalmente me gusta. Creo que, aunque es más difícil y requiere de más esfuerzo, merece la pena", señaló Herrán.Transformarse en Quique, el protagonista de 'Valle de Sombras', le ha dado la oportunidad de conocer los espectaculares paisajes como el valle de Kullu o el monasterio budista de Kee Gompa, sitios a los que nunca imaginó viajar y que han enriquecido su experiencia en el país asiático.Pero también ha visto escenas duras de personas pidiendo dinero en las calles o la discriminación que sufren niños pertenecientes a comunidad dalit o "intocable", una realidad que "te pone un poco los pies en la tierra y te hace darte cuenta de lo que tenemos y de lo que es realmente importante, que para mí, en mi caso, yo creo que lo importante es la familia", admitió el actor de 27 años.La culpa de QuiqueLa culpa es el eje central de la última película de Herrán a las órdenes del director español de cine Salvador Calvo, un largometraje que se teje en base al duelo personal de su personaje, Quique, tras tomar una decisión que cambiará su vida para siempre."Aunque es una decisión que al principio empieza muy bien y que cree que es algo muy bonito, acaba sucediendo algo terrible que hace que Quique, en este caso, se quede aislado en un pueblo perdido y tenga un duelo consigo mismo", explicó Herrán en una entrevista en pleno rodaje.Además de cargar con un gran dilema, el personaje emprende un viaje que tiene como finalidad "aprender a perdonarse y a continuar con la vida, que al final, por mucho que te pase y por muy duro que sea, la vida continua. Y eso a veces nos cuesta entenderlo", sentenció Herrán.Una propuesta de matrimonioHerrán vivió uno de los momentos más surrealistas a su llegada al estado norteño de Ladakh cuando un hombre se presentó en el hotel donde se hospedaba con sus tres hijas para proponerle que se casase con una de ellas."Yo estoy sorprendido de lo conocido que es aquí. Ladakh está en un lugar recóndito" y aun así la gente sabía quién era, resaltó el productor de La Terraza Films, Javier Ugarte.El fenómeno "Una solo, por favor. Solo una foto", insiste un seguidor que se cuela entre una toma y otra mientras el equipo le pide que lo intente más tarde, cuando el actor haya terminado de filmar.El fenómeno de LCDP en la India "es mucho más bestia de lo que me esperaba. La gente ha visto LCDP y la gente es verdadera fanática de LCDP", reconoció Herrán."Siempre me ha sorprendido. Siempre es algo que digo, 'no, a ver, no será para tanto, seguro que allí no lo ven'", y salvo en Tailandia, donde aseguró que nadie reconocía al elenco que se trasladó a rodar parte de la tercera temporada, a cualquier país que viaja siempre hay alguien que distingue a Río entre la multitud.El público indio muestra mucho respeto por el reconocido actor, que se disculpa con el equipo si irrumpe en el rodaje sin mala intención para intentar hacerse una foto con él, admitió Herrán. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"En estos cinco, seis últimos años, la mayor parte de lo que han leído es un ficción horrorosamente escrita", dijo en rueda de prensa, en alusión a su sonada batalla judicial con su exmujer."Vivimos tiempos muy extraños, raros, en los que parece que todo el mundo debe entrar en vereda" añadió el actor de 59 años. "Los que quieran vivir así les deseo lo mejor. Conmigo no cuenten", zanjó.Depp mantuvo un enconado combate judicial con su esposa Amber Heard, con la que estuvo casado poco más de un año, entre 2015 y 2016. Heard interpuso una demanda por violencia conyugal y pidió el divorcio.Posteriormente el actor demandó a su ex esposa, que seguía acusándolo, por difamación, y ganó el juicio.Depp, un actor que ha reconocido problemas con el alcohol y drogas, se vio marginado por estudios de Hollywood.El año pasado, la directora y actriz francesa Maïwenn lo llamó para rodar "Jeanne du Barry", una película sobre la favorita del rey Luis XV, interpretado por el actor.La película abrió el festival de Cannes el martes por la noche. Ese mismo día, un grupo de profesionales del cine francés firmó un manifiesto protestando por la presencia en la alfombra roja de "hombres y mujeres que agreden"."Fue valiente de su parte elegir a un provinciano de Kentucky como Luis XV" comentó Depp en alusión a Maïwenn, que ha tenido sus propios problemas con la justicia, después de que un periodista la acusara de agresión.Preguntado sobre si se sentía boicoteado por Hollywood, Depp replicó: "no, porque no pienso en Hollywood, no necesito mucho a Hollywood".Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Este impulso de compañías como Disney, con la versión humana de "The Little Mermaid" ("La Sirenita"), o Warner Bros., con el superhéroe mexicoamericano "Blue Beetle", no ha sido casual, puesto que estudios como el Informe de Diversidad en Hollywood 2023 de la Universidad de California (UCLA) demuestran que las audiencias están más interesadas en contenidos plurales.Las películas estrenadas en 2022 que contaron con un elenco en el que, al menos, uno de cada tres actores procedía de alguna minoría tuvieron mayor éxito en taquilla, mientras que los filmes que solo tuvieron dicha representación en una décima parte fueron los que percibieron los peores ingresos, según la investigación de UCLA. Además, la comunidad negra, latina y asiática supusieron la mayoría de las ventas nacionales de las entradas de cine."Aunque hay progresos, hemos visto que Hollywood siempre hace el menor esfuerzo para alcanzar la diversidad", dijo Ana-Christina Ramón, directora de la iniciativa de Investigación sobre Entretenimiento y Medios de Comunicación de la UCLA y coautora del informe, en declaraciones a EFE.Desde su punto de vista, las normas de diversidad que han dictado reputadas organizaciones de cine, como la Academia de Hollywood, marcan estándares muy fáciles de alcanzar que no siempre satisfacen las verdaderas necesidades de un mundo globalizado. "Existe un mal entendimiento por parte de los ejecutivos en torno a sus audiencias, en especial la latina. También es importante que exista más diversidad en los puestos de poder, no solo frente a la pantalla", añadió.Pequeños triunfos y grandes rezagos Los avances en la inclusión han sido más tangibles para las personas de la comunidad negra, que supone el 12,4 % de la población estadounidense, que han ganado terreno en la gran pantalla al punto de haber sido sobrerrepresentados en 2022, apuntan datos de la UCLA.Para Claire Sisco King, profesora de estudios de Comunicación de la Universidad de Vanderbilt, esta disparidad con respecto a otras comunidades es resultado de la estrecha visión que se tiene de lo que es en realidad la diversidad en el país. "En Estados Unidos cuando se habla de problemas raciales se suele reducir a términos de blancos y negros y claro que es importante, pero no deberíamos solo centrarnos en esto, hay otros grupos que sufren discriminación (asiáticos, latinos, indígenas, comunidad LGBT+, personas con discapacidad, etc.)", planteó.Si bien Ramón aplaude los esfuerzos de dicha comunidad por generar sus propios proyectos, asegura que sus logros siguen estando en la superficie, al no haber alcanzado victorias relevantes en los puestos de liderazgo.Los latinos, infrarrepresentados Pese a ser la minoría más grande de Estados Unidos y conformar el 18 % de su población, las metas de representación para la comunidad latina siguen vislumbrándose lejanas: tan solo un 5,5 % de ellos estuvo al frente de las pantallas de cine y un 6,6 % en el "streaming", mientras que solo el 1,1 % dirigió un proyecto para cine y un 5 % para plataformas.La reticencia a la inclusión también se ha vivido por parte del público, quienes han criticado los cambios que historias clásicas han enfrentado en las nuevas versiones audiovisuales. El ejemplo más claro es la ola de comentarios racistas y crueles que se desataron tras el anuncio de que la sirenita Ariel sería interpretada por la actriz afroamericana Halle Bailey.Otro ejemplo similar es el de los actores Ismael Cruz Córdova (Puerto Rico) y Sophia Nomvete (Inglaterra) de la serie "The Lord of the Rings: The Rings of Power", quienes fueron señalados por su color de piel en redes sociales. "Las personas se quedan atadas a las representaciones de lo que han visto en el pasado y tienen una visión muy cerrada de lo que es la diversidad. Por eso son importantes los ejemplos de filmes que nos hacen repensar las narrativas que la cultura blanca ha perpetuado", comentó Cisco.Robert Thompson, profesor de la Universidad de Siracusa y fundador del Centro Bleier para la Televisión, cree que no solamente es válido el cambio físico o argumental en las historias clásicas, sino que incluso es "necesario". "Una de las formas de mantener vivos los relatos y a los personajes es volviéndolos a contar en diferentes contextos para que se mantengan relevantes en el tiempo que viven", mencionó, y explicó que cuando se trata de ficción no es necesaria la reproducción de productos pasados.Finalmente, Ramón expuso que la representación en la pantalla es "vital" para el desarrollo de las colectividades y la creación de identidad de quienes las conforman. "Los medios son un espejo del mundo para saber cómo es que te percibe la sociedad y si eres valorado. Si un grupo no es representado es una forma de decirles que no son importantes para la sociedad", apuntó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Modi", como se titula la cinta que supone el regreso de Depp como cineasta tras un impás de veinticinco años, también contará en su reparto con Riccardo Scamarcio ("Loro" o "John Wick: Chapter 2", entre otros títulos) y con Pierre Niney ("Yves Saint Laurent"), según adelantó este miércoles el medio digital Deadline.La trama se desarrollará a lo largo de 48 horas en la vida de Modigliani (interpretado por Riccardo Scamarcio) que retratarán momentos turbulentos en los que huye de la policía en las calles de un París devastado por la Primera Guerra Mundial e incluso desea poner fin a su carrera ante la falta de reconocimiento.La obra, que está basada en la pieza teatral "Modigliani" de Dennis McIntyre, mostrará a Niney como el artista francés Maurice Utrillo y al propio Al Pacino como el coleccionista de arte Gangnat.El pintor bielorruso Chaim Soutine, así como la escritora y musa de Modigliani, la británica Beatrice Hastings, serán otras de las figuras interpretadas en la cinta. El casting para la película aún no se ha completado.La compañía europea de Depp, IN.2 Films, y el productor Barry Navidi ("The Merchant of Venice") están detrás de este proyecto que supondrá el segundo trabajo juntos para Depp y Pacino, quienes protagonizaron el filme policíaco "Donnie Brasco" en 1997.Ese mismo año debutó la estrella de la saga "Pirates of the Caribbean" como director gracias a "The Brave", en la que también se prodigó delante de la cámara junto a la figura de Marlon Brando.Desde entonces, tan solo ha dirigido varios vídeos musicales para su ex mujer, la cantante francesa Vanessa Paradis."Modi" se presentará a potenciales compradores en el Festival de Cannes 2023, previsto que se inaugure el próximo 16 de mayo y finalice el 27 de ese mismo mes.Además, dicho certamen, uno de los más reputados del circuito cinematográfico europeo, abrirá con "Jeanne du Barry", la esperada película con la que Depp retorna a la interpretación tras tres años de polémicas personales y en la que se pone en la piel del rey Luis XV. Le invitamos a conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Desde DGA y AMPTP acordaron mantener momentáneamente el devenir de sus reuniones fuera del conocimiento de la prensa, según confirmaron a EFE representantes del colectivo de cineastas, pero las demandas de estos fueron concretadas horas antes en un comunicado público.Los directores principalmente aspiran a aumentos en sus salarios acorde a la inflación; mejoras en planes de pensiones y seguros sanitarios; incrementos en las tasas de diversidad de las producciones; y, sobre todo, a una subida en los incentivos que las plataformas de "streaming" les pagan por volver a emitir sus series o películas en los mercados internacionales.Algunas de las solicitudes coinciden parcialmente con lo que piden desde el Sindicato de Guionistas de Hollywood (WGA) pero otras, como velar por una mayor seguridad en los platós para los directores, naturalmente no están en la agenda de los primeros.Es por eso que, aunque a lo largo de esta semana los escritores han apelado a la unión con los directores para presionar a los grandes estudios, los cineastas ven muy lejos un panorama en el que se vean abocados también a suspender su actividad laboral y organizar piquetes."Es difícil decir que quiero que los directores vayan a huelga porque espero que logren un contrato justo, pero tengo un presentimiento de que, si no lo logran, también van a salir a luchar con nosotros y esta ciudad se va a dar cuenta de lo poderoso que es nuestro trabajo", comentó esta semana a EFE la guionista Brittany Miller.A lo que la escritora Talia Rothenberg ("Rebelde") añadió que "si los miembros del Sindicato de Directores se unen a los paros, los estudios no van a tener otra opción que volver a negociar justamente".Los directores, claves en anteriores huelgas de guionistasEn anteriores huelgas de guionistas, la AMPTP recurrió a la cúpula de DGA para que intermediara y pusiera fin a los paros del otro gremio, pero aún resta por comprobar si, en el caso de que hubiera acuerdo entre ellos para firmar un nuevo convenio colectivo, esta vez también convencerían a los escritores.Las conversaciones entre DGA y AMPTP se prolongarán durante más de mes y medio. Antes de que estas lleguen a su fecha límite, el colectivo de actores de Hollywood (SAG-AFTRA) comenzará a tratar los términos de su nuevo contrato, pues el actual expira el 30 de junio.Los sindicatos de guionistas, directores y actores de Estados Unidos se sentarán en los próximos meses con la Alianza de Productores para remediar un colapso total de la industria del entretenimiento que tendría graves consecuencias para el sector.La última huelga de guionistas por la que atravesó Hollywood se produjo en 2007 y tuvo una duración de casi 100 días, lo que supuso una pérdida de 2.100 millones de dólares y el despido de 37.000 profesionales.Hasta el momento, programas de entrevista nocturnos como "The Late Show" o "Saturday Night Live" han dejado de emitir nuevos capítulos y series tan reconocidas como "Severance", "Stranger Things" o "Abbott Elementary" han puesto en pausa su desarrollo a causa de los paros. Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El día que HBO me llamó para suspender mi contrato después de 25 años escribiendo televisión para ellos, yo estaba haciendo lo correcto", tuiteó Simon, acompañado de un un video en el que se le ve participando en la huelga.Tanto Simon como los cientos de guionistas que han hecho escuchar sus reclamos contra las compañías de medios han estado utilizando la etiqueta #WGAStrong, que puede traducirse como "WGA se mantiene fuerte", en referencia a las siglas en inglés con las que se conoce al Sindicato de Escritores de EE.UU.Después de no llegar a un acuerdo para prorrogar el contrato que les vinculaba con la Alianza de Productores de Cine y Televisión (AMPTP), los miembros de WGA ya han empezado a recibir notificaciones por parte de los estudios acerca de cómo afectará esta interrupción de su actividad laboral.Compañías como Amazon, Disney, Netflix, Paramount, Sony, Warner Bros. Discovery, Apple y NBC Universal que les han hecho saber que sus "servicios" y "compromisos" están "suspendidos" hasta que se desconvoque la huelga y que esto podría afectar gravemente a sus relaciones contractuales.Uno de estos casos es el de David Simon que, además de en "The Wire", había trabajado en series y miniseries tan reconocidas como "Generation Kill", "Treme", "The Deuce", "The Plot Against America" o "Show me a Hero".La serie "The Wire", de la que Simon también fue productor ejecutivo, comenzó a emitirse en 2002 y su trama, basada en agentes de Policía de la ciudad de Baltimore que lidiaban contra el negocio del narcotráfico, se popularizó muy rápidamente.Considerada una de las producciones más icónicas de la televisión estadounidense en las últimas décadas, las cinco temporadas de "The Wire" han contado con estrellas como Idris Elba o Michael B. Jordan, entre otros, en su reparto.La semana pasada, WGA publicó en su página web las peticiones del gremio para la AMPTP, entre las que destacó la exigencia de un pago justo de los "residuals", las remuneraciones que recibe el equipo de trabajo por la retransmisión de sus proyectos.Para lograrlo, los guionistas exigieron más transparencia a las plataformas de "streaming" sobre las veces que su trabajo era reproducido por algún usuario.Otro de los puntos importantes que la AMPTP se negó a discutir es la regulación de la inteligencia artificial (IA) en la realización de guiones. Así, el carácter indefinido de la huelga deja una gran incógnita sobre cuánto podrían alargarse.El último paro de escritores se produjo en noviembre de 2007 y se prolongó durante casi cien días, lo que desembocó en aproximadamente 2.100 millones de dólares de pérdidas para el sector audiovisual de EE.UU. y en el despido de 37.000 profesionales.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El presidente demócrata aseguró en Washington que "espera sinceramente" que la huelga de los miles trabajadores que forman parte del Sindicato de Guionistas de EE.UU. (WGA) "se resuelva".Biden pidió a su vez que se le ofrezca a los guionistas "el acuerdo justo que merecen lo más pronto posible", durante una intervención en un evento para celebrar el mes de la herencia asiática y de los nativos hawaianos y de las islas del Pacífico.Desde el pasado lunes, el WGA anunció el inicio de una huelga indefinida después de no llegar a un acuerdo con la Alianza de Productores de Cine y Televisión (AMPTP) para la realización de un nuevo contrato más justo.Desde entonces, decenas de miembros de la WGA ya han empezado a recibir notificaciones por parte de los estudios acerca de cómo afectará esta interrupción de su actividad laboral.Compañías como Amazon, Disney, Netflix, Paramount, Sony, Warner Bros. Discovery, Apple y NBC Universal que les han hecho saber que sus "servicios" y "compromisos" están "suspendidos" hasta que se desconvoque la huelga y que esto podría afectar gravemente a sus relaciones contractuales.La semana pasada, WGA publicó en su página web las peticiones del gremio para la AMPTP, entre las que destacó la exigencia de un pago justo de los "residuals", las remuneraciones que recibe el equipo de trabajo por la retransmisión de sus proyectos.Para lograrlo, los guionistas exigieron más transparencia a las plataformas de "streaming" sobre las veces que su trabajo era reproducido por algún usuario.Otro de los puntos importantes que la AMPTP se negó a discutir es la regulación de la inteligencia artificial (IA) en la realización de guiones.Así, el carácter indefinido de la huelga deja una gran incógnita sobre cuánto podrían alargarse.El último paro de escritores se produjo en noviembre de 2007 y se prolongó durante casi 100 días, lo que desembocó en aproximadamente 2.100 millones de dólares de pérdidas para el sector audiovisual de EE.UU. y en el despido de 37.000 profesionales.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
"Lo importante no es el capital y las ganancias, sino el aspecto humano", dice el intérprete, quien recientemente estrenó el filme "Air", la primera cinta de la compañía que lidera junto con su amigo, el también actor Matt Damon.Affleck confiesa sentir empatía por la lucha de los escritores de Hollywood, quienes el pasado 1 de mayo comenzaron una huelga indefinida para exigir mejores condiciones de trabajo ante los cambios que ha afrontado la industria del entretenimiento en los últimos años. "Para nadie es un secreto que el 'streaming' ha cambiado la economía de este negocio. Una de las razones por las que empecé esta empresa era para tratar de impulsar el talento de los artistas y darles la compensación adecuada por ello", explica.Aunque las producciones en las que está trabajando actualmente ya tienen los guiones escritos y están en una fase avanzada del proceso de realización, teme que el conflicto se agrave y cause los mismos daños que otras huelgas similares en el pasado. "Todo sería más dramático para nosotros si estuviéramos trabajando en series de televisión, pero sin guionistas no podemos desarrollar nuevos proyectos ni se pueden llevar a cabo reescrituras, lo que es peligroso para la industria", apunta.Trabajar entre familiaDamon y Affleck vivieron el primer éxito cinematográfico de sus carreras en 1997, cuando ambos aún estaban en sus veintes y escribieron y protagonizaron el filme "Good Will Hunting". La película consiguió nueve nominaciones a los premios de la Academia dándoles así su primer Óscar en la categoría de mejor guion y ese fue tan solo el inicio de una trayectoria llena de logros para ambos.Casi tres décadas más tarde, los actores volvieron a trabajar juntos en "Air", que llegará a Prime Video el 12 de mayo, una cinta basada en hechos reales sobre el origen de la línea de calzado Air Jordan. La película retrata el reto que encara Sonny Vaccaro (Damon), un empleado de la firma Nike, que busca cerrar un trato comercial con el entonces novato jugador de baloncesto Michael Jordan.Affleck dirigió la cinta y dio vida al fundador de la firma deportiva, Phil Knight, un hombre lleno de contrastes que le permitió mostrar la contradicción del mundo empresarial con humor. "Knight era un empresario apasionado al que le gustaba romper las reglas, pero a su vez tenía que dirigir todo un negocio. Yo pensaba que normalmente a la gente le gusta burlarse de los jefes, entonces me parecía fundamental darle un toque cómico", resalta."Air" fue bien recibida por el público y la crítica especializada, y el autor de "Argo" solo puede adjudicarle dicho éxito al talento del elenco también conformado por Viola Davis, Jason Bateman, Chris Tucker, entre otros. Pero no deja de reconocer el talento de su socio. "Matt es un actor y escritor brillante, él siempre hace que todo sea mejor, yo solo me cuelgo de su grandeza", afirma.Affleck también trabajará con su esposa, la actriz y cantante Jennifer Lopez, pero esta vez como productor de una cinta dedicada a Anthony Robles, el luchador estadounidense que nació con una sola pierna."Siempre es mejor trabajar con la gente que te hace sentir cómodo, ya sea tu mejor amigo o tu esposa, son personas en las que confías y que generan un ambiente de empatía en el trabajo que siempre es importante", considera.Finalmente, el actor confiesa que en la actualidad elige trabajar en proyectos que se enfocan en la complejidad de la humanidad, antes que pensar en el triunfo que puede o no tener un filme. "Tal vez no son los roles que te convertirán en una estrella de cine, pero son los que hacen que la vida sea más interesante", dice.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Las primeras experiencias musicales de Carl Nielsen consistieron en escuchar cantar a su madre, a su padre interpretar el violín y la corneta de pistones; y estudiar tres grandes clásicos de la música europea: Bach Mozart y Beethoven.A pesar de su pobreza, los padres de Carl Nielsen le encaminaron y le inscribieron en el Conservatorio de Copenhague. Allí comenzó a componer con su innato sentido de la armonía.Su cultura general incluía las mitologías, escandinava y griega, Shakespeare y Goethe. A los cinco años de estar allí, en 1889 ya se ganaba la vida como violinista de la orquesta Real.Carl Nielsen compuso música de género diverso; el catálogo de sus obras incluye óperas, música incidental y seis sinfonías. Su estilo, aunque original, tiene mucho en común con el de los compositores románticos de la segunda mitad del siglo Diecinueve, pero el sabor de su música es marcadamente nacionalista. Lo mismo se puede decir de su música de cámara, reconocida en su poderosa originalidad.Carl Nielsen, nuestro invitado a esta audición del Músico de la Semana, escribió su primera sinfonía en 1892 y la segunda casi diez años después. Los Cuatro Temperamentos, como así título a su obra, muestra las razones por las cuales las seis sinfonías de Nielsen constituyen uno de los más grandes tesoros del desarrollo de la forma en el siglo XX.Esta sinfonía no se atiene a ninguna clase de programa, como fue usual entre los contemporáneos de Nielsen. El título no es más que una indicación general, y cada movimiento evoca un carácter de la personalidad humana.El primer movimiento, es Allegro colérico; el segundo, Allegro cómodo y flemático; el tercero, Andante melancólico y el cuarto Allegro sanguíneo.Fuera de su labor como compositor Carl Nielsen llevó una activa vida musical; hasta 1914 fue director de la Real Orquesta Danesa, y más tarde ocupó la misma posición en el Conservatorio. Entre los compositores daneses del siglo XX, Nielsen es quizás el único cuyo nombre tuvo una amplia divulgación fuera de su país natal.La primera obra de Carl Nielsen compuesta específicamente para orquesta fue la inmediatamente exitosa Suite para cuerdas (en 1888), que evocaba el romanticismo escandinavo expresado por Grieg y Svendsen. La obra marcó un hito importante en la carrera de Nielsen, ya que no solo fue su primer éxito real, sino que también fue la primera de sus piezas que él mismo dirigió cuando se representó en Odense un mes después.Podrá escuchar más acerca de la vida del compositor francés y apreciar algunas de sus obras en la nueva edición de El músico de la semana, el lunes 5 de junio a las 3:00 p.m. por nuestra señal en vivo.
Originalmente, estas palabras que están leyendo estaban pensadas para ser leídas hacia mediados de mayo, como pueden intuir, el retraso es evidente.Por favor, bajen las antorchas literarias y déjenme exponer mi caso. Podrán decidir a lo largo de este texto si soy digna de la hoguera o no. El libro llegó a mí como todas las cosas buenas que pasan en la vida, por azar y por amor. Un amigo muy cercano me preguntó si quería formar parte de reseñar este libro con una corta explicación de lo que se trataba, acordamos que así sería.En medio de ajetreos, me entregó el libro. Lo primero que me llamó la atención fue su portada, donde Carlo Airoldi luce pletórico, con una pinta de luchador bigotón que no se puede superar. El hombre parece listo para abatirse a puñetazos en la Londres de Jack London. Y su título, que se me quedó en la cabeza dando vueltas, El Truco es Resistir, me asaltaba en momentos diferentes del día, todos los días, como un taladro.El momento que elegí para leerlo sería un viaje de 15 horas en carretera hasta Arauca. En medio de la mañana, en alguna parte de la vía mientras a lado y lado solo hay llanura, me encontré cara a cara con el mito, Carlo Airoldi, y su sueño olímpico. Su alma inquieta por naturaleza y el amor a correr, a echar a andar los pies hasta que el cuerpo pida tregua. El libro comienza con un relato fantástico y una oda a la competencia y el honor, mientras Carlo corre 1.000 km entre Torino y Barcelona. “Estoy completamente exhausto, no tengo un ni un musculo que no me duela, no hay postura que alivie mis dolores. Y sonrió porque esto quiere decir que el dolor y el cansancio no son verdadero, y así engaño un poco. Louis me mira y su mirada es la misma que comenzó a dirigirme después de la primera semana de carrera. La misma mirada, cada vez más larga, que me mantuvo después de que dejamos atrás Italia, a nuestra llegada a Marsella. Los mismos ojos incrédulos cuando entendió que lo enfrentaría hasta Barcelona, hasta la meta.”Para dar un aproximado más cercano, esto sería la distancia desde Bogotá a Ibarra, la primera ciudad ubicada después de nuestra frontera con Ecuador, a unos 100 km de Ipiales, la última población de Colombia hacia la frontera. En esa barbaridad de distancia, Carlo Airoldi no solo probó su talento, fuerza y brío, sino también su corazón.En el último kilómetro solo eran Carlo y Louis Ortégue, el francés, que solo se ponía comunicar con Carlo por señas, “El solo hablaba su francés”. Justo antes de llegar a Barcelona, este último se desploma por el agotamiento y la dura prueba que supone recorrer esta distancia, como un ovillo en el piso, rendido. Carlo se devuelve justo cuando quería acelerar para tomar ventaja, una carrera no puede terminar casi para ningún atleta. Carlo lo toma en sus brazos y se lo cuelga a la espalda. Al llegar, aclara que él es el primero y el francés el segundo. Maravillados por su gesto, los organizadores deciden entregarle un premio metálico para que pueda volver a Milán, su hogar, en tren.Me conmovió tanto este gesto de Carlo que tuve que leerlo varias veces estas páginas, por si había perdido algún detalle, había leído alguna palabra que no era, pero en un gesto de honor, respeto y competencia, sucedió. Cerré el libro para tomar un poco de aire y visualizar a Carlo en ese momento. En mi mente, y a pesar de que la narración de Agostinelli no da estos detalles, me tomaré esta licencia que solo ser lector permite: lo imagino hinchado, bajo un sol sin tregua, lleno de polvo, mientras este se pega a él como lodo por el sudor, tratando de desviar su mente del dolor que supone seguir durante días una ruta y enfrentarse a sí mismo, para luego, en lo que en mi cabeza luce como agonía, tener este gesto de profunda humanidad y amor al deporte.Mi confesión es que este trocito de relato de Agostinelli me obsesionó durante días, en los que no podía pasar de estas páginas, releerlo y releerlo para añadir más datos a mi cabeza. Mientras estaba en una hamaca, en la calurosa Arauca, pasé de página como si nada, para encontrarme con algo todavía más alucinante, aún más mitológico, olímpico.Durante su viaje de vuelta a Milán desde Barcelona, Carlo se va a enterar de lo que se puede considerar los primeros Juegos Olímpicos modernos, en 1896 en Atenas, y de lo que será su obsesión durante un año y probablemente toda su vida: la carrera olímpica la Maratón - Atenas (40 km), que parte desde la ciudad de Maratón y terminaría en el Estadio Panathinaikó en Atenas para cerrar las olimpiadas. Desde este momento, para Carlo, todo se traduce a ese momento en que entra triunfal a un estadio abarrotado que aclama a gritos a su nuevo héroe.Sin ánimo de arruinar para nadie esta obra, porque creo que no solo merece ser leída, sino masticada, página a página, esto llevará a nuestro héroe a asumir la tarea absolutamente delirante, por necesidad y hambre de gloria, de caminar desde Milán hasta Atenas, unos 2000 km y un tramo del Mar Adriático. En dimensión latinoamericana, esto sería como caminar desde Bogotá hasta Cajamarca, Perú, atravesando todo el sur del país por Pasto y de punta a punta a Ecuador. Aun hoy, con todas las vías y carreteras modernas, es una locura; imaginémoslo en el siglo pasado, por territorios escarpados y sorteando áreas incomunicadas por vía.Por páginas y páginas, vemos el camino de Carlo durante 28 días. Este relato, al estilo de los cuentos de vieja escuela, al estilo de las “Las Mil y noches” o “En busca del tiempo perdido” de Proust, esa forma clásica de narrar una proeza, que te mantiene en vilo; me devolvió una parte de asombro y fascinación, esa capacidad para sorprendernos que solo tienen los más jóvenes. En medio de estas páginas, encontré una prueba humana fascinante. Carlo y su relato, mejor dicho, su vida y obra, me dieron un poco de fuerza para sortear mi propia carrera. En estos días de turbulencias y desasosiego, estas páginas me recordaron que podía resistir un poco más y aprender a sufrir con gracia, como una prueba del carácter humano, no para no rendirse, sino para jugármela por lo que vale la pena. Eso debe ser personal para cada persona. El título que lleva este libro me ha acompañado como un mantra, recordándome que sufra con estilo, con pundonor, y lo deje ir cuando ya sea suficiente.El truco de resistir creo que no solo está en aguantar, sino en honrar los pasos que se dan en el camino, reconociendo el padecimiento de cada uno de ellos y acostumbrando al cuerpo al dolor que solo da el amar con ganas y con cada fibra del alma al juego, a la competencia y a la vida. El desenlace de este libro es tan doloroso como alentador. Agostinelli logra en estas páginas recuperar un poco de la esencia de los libros de mitología y mezclarlos con una excelente crónica que se puede devorar, masticar o, como lo hice yo, rumiarla.
De hecho, el filme, que se estrena este viernes, está basado en la obra homónima que el escritor estadounidense publicó en 1978 con gran acogida por parte de sus lectores."No es real. No es real. No es real", reza el inquietante eslogan de esta cinta dirigida por el británico Rob Savage ("Host" y "Dashcam") y que cuenta con las actrices Sophie Thatcher ("Yellowjackets") y la jovencísima Vivien Lyra Blair ("Obi-Wan Kenobi") como protagonistas."Recuerdo haber leído la historia cuando era pequeño, así que sabía que podía ser aterradora para el público y aún más para los fanáticos de Stephen King. (...) Quería que esta vez fuera una criatura sangrienta pero que también supusiera una amenaza física contra la que luchar", explicó Savage en entrevista con EFE.La trama relata la historia de la estudiante de secundaria Sadie Harper (interpretada por Thatcher) y su hermana menor Sawyer (Blair) cuando pierden a su madre y no reciben el apoyo necesario por parte de su padre (Chris Messina), un terapeuta que lidia con su propio dolor.Entonces, mientras el pequeño mundo familiar se derrumba, el progenitor ofrece ayuda psicológica a un paciente desesperado que se presenta en su casa acechado por una aterradora entidad sobrenatural que se alimenta del sufrimiento humano."Pregunté a psicólogos reales para que me explicaran mejor cómo interpretar este papel y qué tipo de terapia se supone que estaba aplicando. Además, se notó que el director conocía muy bien el género porque me guio a la perfección", comentó Messina, quien también apareció este año en "Air", en declaraciones a EFE.Una postura con la que coincidió Thatcher, también presente en la conversación con EFE, añadiendo que Savage le recomendó películas como "Don't Look Now" (1973) u "Ordinary People" (1980) para ayudarla a conocer mejor su personaje.Es entonces cuando aparece en escena el coco, hombre del saco o "boogeyman" (en inglés), una criatura que, dependiendo de la cultura, puede adoptar apariencia humana o configurarse como una especie de monstruo con cabeza y dedos alargados que molesta a niños y padres.Estaba previsto que la cinta se estrenara directamente en el servicio de "streaming" Hulu pero, tras una exitosa proyección de prueba a finales del año pasado, se anunció que pasaría primero por las salas de cine.Sus creadores quisieron consultar la visión de Stephen King acerca de esta obra en una maniobra inusitada que pasó por alquilar su cine favorito en Portland (Maine, EE.UU.), ciudad natal del autor, para que la viera como en casa."Él sabe lo que no le gusta y, si le hubiéramos fastidiado la historia, nos lo habría dicho. En cambio, nos envió un precioso ensayo sobre lo mucho que le había gustado la película", aseguró Savage, quien añadió que fue el mismo King el que sugirió que la película se estrenara en cines, públicamente semanas atrás.Scott Beck y Bryan Woods ("A Quiet Place"), así como Mark Heyman ("Black Swan") se encargaron del guion de esta cinta que ha contado con un presupuesto ligeramente superior a los 40 millones de dólares y que encontrará en la película "Spider-Man: Across the Spider-Verse" (Sony Pictures) su principal contendiente en la taquilla del fin de semana.El resto del reparto de "The Boogeyman" lo completan, entre otros, Marin Ireland ("The Umbrella Academy"), Madison Hu ("Bizaardvark"), LisaGay Hamilton ("Vice") y David Dastmalchian ("Boston Strangler").No será la primera vez que esta leyenda aterrice recientemente en el mundo del cine porque Universal Studios lanzó el año pasado la película "The Black Phone" cuyo personaje principal, encarnado por Ethan Hawke, también estaba inspirado en el coco u hombre del saco.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Hablar de Henry Purcell (1659 - 1695) es remitirse a uno de los nombres más aclamados (si no el más) de la historia de la música barroca inglesa, gracias a su destacada obra que se expandió en diversos géneros en el corto tiempo de producción que tuvo, debido a su fallecimiento a los 35 años de edad. Dentro de su destacado repertorio, una de las composiciones más importantes es El rey Arturo, una semiópera en cinco actos con libreto del poeta John Dryden basada en el personaje de la literatura europea, especialmente inglesa y galesa que según los registros se representó por primera vez en el Queen's Theatre, Dorset Garden de Londres, a fines de mayo o principios de junio de 1691. Como era costumbre para la época, contrario al imaginario de la representación de una obra de estas características, los personajes no suelen tener espacios de canto (siempre y cuando no posean propiedades especiales para la trama, sobre todo, sobrenaturales), por lo que los personajes son en vez de interpretes, actores. La trama de la ópera esta basada en las batallas entre las tropas británicas del rey Arturo y el pueblo sajón, dejando de lado la tradicional historia basada en las leyendas del castillo de Camelot. En la trama sin embargo, sí aparecen los personajes tradicionales de estos cuentos, como Merlín, además de la aparición de personajes como Cupido y Thor. La historia por supuesto se valdrá de las temáticas del siglo XVII, en la que podremos ver al rey Arturo en una cruzada por recuperar a su prometida, la princesa Cornualles Emmeline, que ha sido secuestrada por el rey sajón Oswald de Kent. El primer acto de la ópera inicia justamente con el rey Arturo, después de diez años de batallas contra los sajones, manteniendo firmemente en su poder a todo el reino a excepción de Kent. Los sajones están dirigidos por Oswald, que se ha propuesto conquistar no sólo el reino de Arturo, sino también a su amada, la ciega Emmeline, hija de Conon (duque de Cornualles). Arturo se despide de ella antes de la decisiva batalla final contra el invasor pagano. La historia por supuesto derivará una vez más en el amor y el protagonista triunfando por encima de cualquier desgracia y tempestad. El rey Arturo fue representada al menos dos veces durante la vida de Purcell y continuó representándose a fines de la década de 1690, manteniéndose hasta nuestros días como una de las puestas en escenas más representadas y difundidas de la historia. Podrá escuchar el domingo a las 9:00 p.m. en Canto y música coral esta ópera interpretada por Nancy Argenta, Linda Perillo, Julia Gooding, Jamie MacDougall, Brian Bannatyne-Scott, Gerald Finley, el Coro y El Conjunto The English Concert bajo la dirección de Trevor Pinnock en nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Entre las obras expuestas del Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) destaca "Ulises", una enorme máscara de cuero negro, látex y acero inoxidable con la que el artista plástico David Lozano representa a un "cuerpo oscuro sometido a las pasiones y deseos, a veces reprochables para una sociedad mojigata". El "temor" que inspira esta máscara "dialéctica" se rompe cuando el público se acerca a la obra y desde su parte trasera se adentra en un interior cubierto de tela de peluche que recuerda que la realidad tiene "dos caras".Esta pieza suspendida del techo de la sala hace parte de la serie "Ulises, cuerpo gaseoso", una instalación que recrea el sauna masculino "Ulises" de Bogotá, espacio que Lozano define como un "lugar de la memoria" que estuvo en auge en la década de los 90 y que aún continúa activo."Algunos de mis amigos que iban a Ulises y a otros sitios murieron. Digamos que es un homenaje a todos esos amigos y no amigos que murieron y desaparecieron durante la pandemia (de VIH/Sida)", relata a EFE el artista.Esperma sobre tinta azúl Un centenar de abstractas eyaculaciones se superponen a la palabra "sementerio" con la que, en tinta azul, fueron marcadas las hojas de papel sobre las que reposan las muestras de esperma de quienes participaron en esta obra en la que Wilson Díaz reflexiona sobre la existencia sexuada, haciendo énfasis en la noción de muerte.Como pieza estrella que da nombre a la exposición destaca un revelado parcial de plata en gelatina de Miguel Ángel Rojas con la que se responde al "pánico vivido" en la década de los 80 por el "peligro y violencia asociados al contagio del vih", acrónimo que los artistas decidieron escribir en minúsculas para "transformar su peso simbólico". En ella se vislumbra una fusión de dibujo tras los cuales se distinguen algunas escenas de sexo, pequeñas figuras que irradian angustia y hasta la propia muerte.Los videos experimentales también tienen presencia en esta exposición con artistas como Camilo Acosta y Santiago Lemus, quienes en "Los Amarillos" reflexionan acerca de la ictericia que experimentan algunos pacientes de esa enfermedad, fruto de los efectos secundarios de los antirretrovirales que les amarillean la piel.Como extensión de esta pieza audiovisual, Acosta y Lemus protagonizaron este jueves en el Mambo "Manifiesto amarillo", una performance en la que ingirieron más de una decena de papeles amarillentos y mojados en los que se leían frases como "El vih no es una enfermedad, es un síntoma político".Más allá del VIHLa exposición se presenta junto a una línea de tiempo en la que se hace referencia a algunas obras creadas por artistas y colectivos colombianos, así como algunos testimonios y documentos que datan desde comienzos de los años 80 hasta la actualidad, a fin de examinar "la profunda historia cultural de la crisis del sida".Bautizada como "Hilos de sangre: Historias y memorias del vih/sida en Colombia", esta línea temporal se enmarca dentro de una investigación del artista colombiano radicado en Nueva York Carlos Motta y el investigador Pablo Bedoya."Nos dimos cuenta de que no había realmente una fuente visitable y accesible públicamente en Colombia a la cual uno se pudiera acercar, si quisiera conocer acerca del vih. Tanto Pablo como yo pensamos que eso era una gran falta en la memoria histórica del país", explicó a EFE Motta.Como parte de este ciclo expositivo disponible hasta el 11 de junio, Motta también inunda las paredes del MAMBO con "Stigmata", exposición antológica que, más allá de hablar del VIH en piezas como "La caída de los condenados" cubre otras aristas relacionadas con la experiencia de la democracia desde la perspectiva de los grupos minoritarios.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
