Mark Fisher (1968-2017) fue un destacado crítico cultural, teórico político y escritor británico, reconocido por sus influyentes contribuciones al campo de la teoría cultural contemporánea. Nacido en Welwyn Garden City, Inglaterra, Fisher se destacó por su aguda crítica de la cultura capitalista y su exploración de la relación entre la política, la economía y la cultura popular.Fisher obtuvo su doctorado en Filosofía por la Universidad de Warwick, donde también enseñó por un tiempo. Su obra más influyente, "Capitalist Realism: Is There No Alternative?" (2009), exploró la dominación del capitalismo en la imaginación política contemporánea y su impacto en la cultura, la educación y la salud mental. Este libro se convirtió en un texto fundamental para comprender la naturaleza del capitalismo tardío y sus efectos en la sociedad contemporánea.También puede leer: Hannah Arendt: filosofía y humanidad descubierta.Además de su labor académica, Fisher fue un prolífico bloguero y escritor de artículos para publicaciones como The Guardian y New Statesman. Sus escritos abordaron una amplia gama de temas, desde la música electrónica hasta el cine, pasando por la política y la cultura popular. Su estilo incisivo y su capacidad para conectar conceptos teóricos complejos con la vida cotidiana lo convirtieron en una figura influyente en los círculos intelectuales y políticos de su tiempo.Un dato curioso sobre Mark Fisher es su profundo interés en la música electrónica, especialmente en el género conocido como "hauntology". Este término, acuñado por Fisher, hace referencia a la sensación de un futuro perdido, una nostalgia por lo que nunca llegó a ser. Fisher exploró cómo esta idea se refleja en la música, la cultura y la política contemporáneas, y cómo puede revelar tensiones subyacentes en la sociedad.Mark Fisher falleció en enero de 2017 a la edad de 48 años. Su mujer confirmó que se había suicidado. Su lucha con la depresión fue narrada por el propio Fisher: "La depresión no es riqueza. La alienación no es progreso. La ansiedad no es libertad".No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Hannah Arendt (1906-1975) fue una destacada filósofa política de origen judío alemana, conocida por su profundo análisis sobre la naturaleza del poder, la política y la condición humana en el siglo XX. Nació el 14 de octubre de 1906 en Hannover, Alemania.Arendt estudió filosofía con grandes pensadores como Martin Heidegger y Karl Jaspers. Su temprano interés en la política y la filosofía la llevó a investigar temas como el totalitarismo, la violencia política y la naturaleza del mal.Uno de los hitos en su carrera fue su cobertura del juicio a Adolf Eichmann, un oficial nazi responsable de la organización logística del Holocausto. Arendt cubrió el juicio para The New Yorker y posteriormente publicó su análisis en "Eichmann en Jerusalén: Un estudio sobre la banalidad del mal" (1963), donde discutió la naturaleza del mal en el contexto de la burocracia y la obediencia ciega.Entre sus obras más influyentes se encuentra "Los orígenes del totalitarismo" (1951), donde examinó los regímenes totalitarios nazi y soviético, explorando cómo surgieron y cómo afectaron a la sociedad moderna.Arendt también contribuyó al pensamiento político con conceptos como la acción política, la pluralidad y la libertad. Su obra "La condición humana" (1958) profundiza en la idea de la acción como la actividad fundamental que constituye la esfera pública y define la identidad humana.A lo largo de su vida, Arendt enseñó en varias universidades y mantuvo amistad con destacados intelectuales de su tiempo, como Walter Benjamin y Jürgen Habermas.Un dato curioso sobre Arendt es que, además de su trabajo como filósofa, fue una ávida coleccionista de cartas y postales, manteniendo una extensa correspondencia con amigos y colegas a lo largo de su vida.Hannah Arendt falleció el 4 de diciembre de 1975 en Nueva York, dejando un legado duradero en la filosofía política y el pensamiento del siglo XX. Su obra continúa siendo objeto de estudio y debate en ámbitos académicos y políticos en todo el mundo.Libros recomendados de Hannah ArendtsNo olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Hay que repensar la idea de pérdida en el amor. Solo me genera dolor el desamor, suponer que el otro me pertenecía. Si uno desarma esa creencia, no pierde en el sentido de que perdí lo que tuve", explicó Sztajnszrajber (Buenos Aires, 1968) este sábado en una entrevista desde Ciudad de México.En estos días el también escritor y conductor de televisión presenta en México "El amor es imposible", un ensayo con ocho tesis que propone deconstruir conceptos acerca del amor, con propuestas filosóficas a partir de anécdotas humanas."A mí me gusta hacer filosofía poniendo el cuerpo. Es un libro que habla desde la filosofía, pero se mete con cuestiones biográficas porque para mí una filosofía que no parta del lugar más estremecedor se queda corta", expresó el autor.El libro, publicado por Paidós, debate sobre la imposibilidad del amor por varias razones, entre ellas que todos los amores son una copia del primero, el amor es inefable, siempre llega a destiempo, es incalculable y siempre es un desamor.La media naranja cortada en gajosA partir de años de lecturas, diálogos y vivencias, la obra de 376 páginas mira el amor desde distintos ángulos, también el de la carencia, representada por una teoría repetida en las tarjetas postales y las redes sociales: la de la media naranja."Si uno es media naranja y va en busca de otra mitad es porque antes era una naranja entera; entonces hubo un castigo previo, un corte. Por eso en mi libro planteo que el amor siempre viene después del desamor", expuso.A la manera de "Rayuela", la canónica novela de Julio Cortázar, "El amor es imposible" puede leerse del primer capítulo al último, o con saltos adelante y hacia atrás. Cada apartado pertenece a una tesis sobre el amor y puede asumirse por separado, como en los cuadernos de cuentos."Al que le interesa leer que el amor es imposible porque es incalculable, puede leer eso y dejar las otras siete tesis. Es claro el libro al demostrar que el amor es imposible, a partir de determinar disparadores, el desamor, el destiempo, la monogamia, el primer amor y se da al lector la libertad de elegir", contó.A mitad de la escritura de su libro, Sztajnszrajber sufrió la muerte de sus padres; fue un golpe que alteró el proceso de creación. El escritor quitó el polvo a las historias humanas guardadas en su recuerdo y a partir de ellas hizo filosofía.Darío defiende el concepto de "te amo, pero no te necesito" en una relación de pareja, aunque acepta que es difícil llevarla a la práctica en una sociedad que mercadea con los sentimientos. "Sería importante si se planearan estas cuestiones. Después, cómo sostenerlas en la vida cotidiana, es un proceso".Benditos los besos que no se dieronSztajnszrajber mira hacia atrás. Se ve a sus nueve años en una fiesta de cumpleaños frente a una niña llamada Silvia. Es el primer amor, inocente, sin besos, que terminó difuminado en la niebla del peor diluvio: el paso del tiempo."Si hoy la viera, tal vez podríamos tomarnos un café, no más porque las historias no se redimen en el futuro. Si las historias de amor de niños alcanzan su redención de grandes, eso nunca nos satisface porque lo que a uno lo motiva e inspira es lo pendiente, no lo consumado", relató.Lo dice con una idea recreada con frecuencia por los poetas, que consideran benditos son los besos que jamás se dieron porque quedaron protegidos por el misterio de lo que pudo ser."Es un poco la lógica del deseo. Cuando se alcanza lo que se desea, esa especie de ardor del deseo se pierde. (Lo que pudo ser) da un encanto porque lo propio del amor tal vez sea lo inconsumado. No olvidemos que amar es ir en busca de algo que no sabemos qué es", aceptó. Le invitamos a conectarse con nuestra señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Le Discours philosophique" ("El discurso filosófico", en traducción libre) era un manuscrito casi terminado, que el autor de "Las palabras y las cosas", "Historia de la sexualidad" y "Vigilar y castigar" había empezado en 1966, pero que por algún motivo desconocido nunca publicó.La actual edición, por Éditions du Seuil, estuvo a cargo de dos académicos, Orazio Irrera, de la universidad Paris 8 Vincennes-Saint-Denis, y Daniele Lorenzini, de la Universidad de Pensilvania (EEUU).El manuscrito fue hallado entre los archivos comprados en 2021 por la Biblioteca Nacional de Francia.Es un "libro brillante (...), perfectamente construido, elaborado de punta a punta", destacó en el diario Le Monde el crítico y filósofo Roger-Pol Droit.Otra filósofo, Christian Ruby, comentó en el portal nonfiction.fr que este escrito evidencia que, para Foucault, la filosofía ya no constituye "el fundamento último del saber", dado que "la verdad perdió su dimensión original".Esa ruptura remonta al pensamiento de Friedrich Nietzsche (1844-1900), que "quiebra, desarticula, deshace pieza por pieza la sólida armadura que aislaba el discurso filosófico de todos los demás".Foucault prohibió en su testamento la publicación póstuma de sus obras, pero su último compañero y legatario, Daniel Defert, fallecido en febrero, así como un antiguo asistente del filósofo, François Ewald, aceptaron que los textos que sirviesen para aclarar sus conceptos salieran a la luz.La primera transgresión de esa disposición fue la publicación de una miscelánea de textos ("Dichos y escritos"), seguida por la compilación de sus cursos en el College de France (de 1970 a 1983). El paso siguiente fue la identificación de ensayos desconocidos.Y "aún no ha terminado. Quedan por publicar tres volúmenes: un Nietzsche, el curso de Sao Paulo y el curso de Túnez", anuncia François Ewald.Foucault estuvo en varias ocasiones en Brasil y en la primera de ellas, en 1965, dictó cátedra en el Departamento de Filosofía de la Universidad de Sao Paulo. Le invitamos a conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Encore un moment... Textes politiques, sociologiques, philosophiques et littéraires" es el título de esta recopilación de ensayos que será publicada el 7 de junio, un mes antes del 102º cumpleaños del autor.Se trata de una serie de "glosas cortas, al estilo de un Alain o de Paul Valéry, sobre todo tipo de temas", detalló la editorial.Edgar Morin, que en español es conocido por obras como "Sociología" (1984), "Mis demonios" (1994) o "¿Qué es el totalitarismo? De la naturaleza de la URSS" (1983), publicó en enero en francés un ensayo polémico sobre la guerra en Ucrania.Haciendo un comparativo con la situación en 1940, Morin se posiciona con una actitud pacifista y pide negociar con el régimen de Vladimir Putin.El ensayista, de posiciones de izquierda, publicó sus memorias en 2021 ("Lecciones de un siglo de vida").Su primera obra se remonta a 1946, "L'An zéro de l'Allemagne", que inspiró el título de una película célebre, "Alemania año cero", de Roberto Rossellini (1948). Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
De todas maneras tenéis uno (o varios), no tanto porque preexista o dado hecho — aunque en cierto sentido preexiste—, sino porque de todas maneras hacéis uno, no podéis desear sin hacer uno —os espera, es un ejercicio, una expe rimentación inevitable, ya hecha en el momento en que la emprendéis, no hecha en tanto que no la emprendáis. No es tranquilizador, puesto que podéis fallarlo o bien puede ser terrorífico, conduciros a la muerte. Es no-deseo lanío como deseo. De ningún modo es una noción, un concepto, más bien es una práctica, un conjunto de prácticas. El Cuerpo sin Órganos no hay quien lo consiga, no se puede conseguir, nunca se acaba de acceder a él, es un límite. Se dice: ¿qué es el CsO? —pero ya se está en él, arrastrándose como un gusano, tanteando como un ciego o corriendo como un loco, viajero del desierto y nómada de la estepa. En él dormimos, velamos, combatimos, vencemos y somos vencidos, buscamos nuestro sitio, conocemos nuestras dichas más inauditas y nuestras más fabulosas caídas, penetramos y somos penetrados, amamos. El 28 de Noviembre de 1.947, Artaud declara la guerra a los órganos: Para acabar con el juicio de Dios, “Pues atadme si queréis, pero yo os digo que no hay nada más inútil que un órgano”. Y es una experimentación no sólo radiofónica, sino biológica, política, que provoca la censura y la represión. Corpus y Socius, política y experimentación. Os impedirán experimentar en vuestro rincón.El CsO: ya está en marcha desde el momento en que el cuerpo está harto de los órganos y quiere deshacerse de ellos, o bien los pierde. Interminable procesión: —del cuerpo hipocondríaco, cuyos órganos están destruidos, la destrucción ya está consumada, ya nada pasa, “la Srta. X afirma que ya no tiene ni cerebro ni nervios ni pecho ni estómago ni tripas, ya no le queda más que la piel y los huesos del cuerpo desorganizado”, esas son sus propias expresiones; — del cuerpo paranoico, cuyos órganos no cesan de ser atacados por influjos, pero también reconstituidos por energías exteriores (”durante mucho tiempo ha vivido sin estómago, sin intestinos, casi sin pulmones, con el esófago desgarrado, sin vejiga, con las costillas hechas polvo, incluso a veces había llegado a comer parte de su propia laringe,... y así sucesivamente, pero los milagros divinos siempre habían regenerado lo que había sido destruido...”); — del cuerpo esquizofrénico, accediendo a una lucha interior activa que libra contra los órganos y cuyo precio es la catatonía, y luego del cuerpo drogado, esquizo-experimental: “el organismo humano es escandalosamente ineficaz; en lugar de una boca y de un ano, que corren el riesgo de estropearse, ¿por qué no podría haber un sólo orificio polivalente para la alimentación y la defecación? Se podría obturar la boca y la nariz, rellenar el estómago y abrir directamente en los pulmones un agujero de ventilación, así tenía que haber sido desde un principio “‘; —del cuerpo masoquista, que se comprende mal a partir del dolor, porque fundamentalmente es un asunto de CsO; el masoquista se hace coser por su sádico o su puta, coser los ojos, el ano, el uréter, los pechos, la nariz; se hace inmovilizar para detener el ejercicio de los órganos, despellejar como si los órganos dependieran de la piel, sodomizar, asfixiar para que todo quede herméticamente cerrado.¿Por qué esta cohorte lúgubre de cuerpos cosidos, vidriosos, catatonizados, aspirados, cuando el CsO también está lleno de alegría, de éxtasis, de danza? ¿Por qué todos estos ejemplos, por qué hay que pasar por ellos? Cuerpos vaciados en lugar de cuerpos llenos. ¿Qué ha pasado? ¿Habéis empleado la prudencia necesaria? No la sabiduría, sino la prudencia como dosis, como regla inmanente a la experimentación: inyecciones de prudencia. Muchos son vencidos en esta batalla. ¿Tan triste y peligroso es no soportar los ojos para ver, los pulmones para respirar, la boca para tragar, la lengua para hablar, el cerebro para pensar, el ano y la laringe, la cabeza y las piernas? Por qué no caminar con la cabeza, cantar con los senos nasales, ver con la piel, respirar con el vientre, Cosa simple, Entidad, Cuerpo lleno, Viaje inmóvil, Anorexia, Visión cutánea, Yoga, Krishna, Love, Experimentación. Donde el psicoanálisis dice: Deteneos, recobrad vuestro yo, habría que decir: Vayamos todavía más lejos, todavía no hemos encontrado nuestro CsO, deshecho suficientemente nuestro yo. Sustituid la anamnesis por el olvido, la interpretación por la experimentación. Encontrad vuestro cuerpo sin órganos, sed capaces de hacerlo, es una cuestión de vida o de muerte, de juventud o de vejez, de tristeza o de alegría. Todo se juega a ese nivel.Maítresse, 1) puedes amarrarme fuertemente encima de la mesa, durante diez o quince minutos, mientras preparas los instrumentos; 2) me das cien latigazos por lo menos, luego haces una pausa de algunos minutos; 3) comienzas a coser, coses el agujero del glande, y éste a la piel que hay a su alrededor, impidiéndole así descapullar, coses la bolsa de los cojones a la piel de los muslos. Coses los pechos, coses sólidamente un botón de cuatro agujeros a cada pezón. Si quieres puedes unirlos con un elástico de ojal. Posos luego a la segunda fase: 4) puedes elegir entre ponerme boca abajo sobre la mesa, amarrado por la cintura, con las piernas juntas, o bien atarme únicamente al poste, con las muñecas y las piernas juntas, con todo el cuerpo fuertemente atado; 5) me das latigazos en la espalda las nalgas los muslos, cien latigazos por lo menos; 6) juntas las nalgas y las coses, coses toda la raja del culo. Todo bien cosido con hilo doble y puntada a puntada. Si estoy sobre la mesa, me atas entonces al poste; 7) me das cincuenta fustazos en las nalgas; 8) si quieres complicar la tortura y ejecutar tu amenaza de la última vez, me clavas profundamente los alfileres en las nalgas; 9) puedes entonces ponerme en la silla y atarme, me das cincuenta fustazos en los pechos y me clavas los alfileres más pequeños, si quieres puedes calentarlos y ponerlos al rojo, previamente, todos o algunos. La atadura en la silla debería ser sólida y con las muñecas en la espalda para hacer que salga el pecho. Si no he hablado de quemaduras es porque debo pasar muy pronto una revisión médica y tardan mucho en curar”. No es un fantasma, es un programa: diferencia esencial entre la interpretación psicoanalítica del fantasma y la experimentación antipsicoanalítica del programa. Entre el fantasma, interpretación que a su vez hay que interpretar, y el programa, motor de experimentación. El CsO es lo que queda cuando se ha suprimido todo. Y lo que se suprime es precisamente el fantasma, el conjunto de significancias y de subjetivaciones. El psicoanálisis hace justo lo contrario: lo traduce todo en fantasmas, lo convierte todo en fantasmas, conserva el fantasma, y se caracteriza por fallar lo real, puesto que falla el CsO.
Pegados sobre una cartulina roja, cubiertos por un cristal dentro de un marco se conservan en Palma retazos del inicio de "El debate entre un hombre y su ba", un diálogo entre un moribundo y su alma en el que se ponderan los beneficios de la vida y la muerte."Se ha considerado el primer texto filosófico de la historia", explica Escolano-Poveda desde Liverpool, en cuya universidad enseña griego antiguo y egipcio clásico, la lengua milenaria de "El debate entre un hombre y su ba", plasmado sobre el papiro en escritura hierática, forma sintética de la jeroglífica.El grueso de la única copia de este texto se guarda en el Museo Egipcio de Berlín y es parte del conocido como Papiro 3024, que contiene además el mayor fragmento de "El cuento del pastor", otra pieza esencial de la escritura narrativa del Reino Medio egipcio (2000-1650 a.C.), la primera literatura documentada junto con la que se originó en paralelo en Mesopotamia hace 40 siglos."Estos textos son muy raros. Las composiciones literarias de esa época no pasan de veinte y la mayoría son muy fragmentarias. Relatos narrativos relativamente completos hay en torno a diez. Descubrir nuevos fragmentos fue algo muy importante", apunta la especialista.El hombre enfermo, el pastor y la diosaEn el texto que se conocía hasta el hallazgo de los Papiros de Mallorca se recoge el diálogo entre el hombre, que no tiene nombre, y su ba, un concepto que se ha traducido como alma, pero "se había discutido durante un siglo" cuál era el detonante de ese debate, resalta.Los nuevos fragmentos aportan dos elementos esenciales: primero, se identifica al protagonista como "el hombre enfermo", lo que explica su diálogo con la muerte, y, en segundo lugar, sitúa el marco de la narración, que es el relato que ese hombre hace a terceras personas entre las que se encuentra una mujer, Ankhet.Escolano-Poveda, que publicó en medios académicos los primeros resultados de su investigación en 2017, avanzó entonces que en los fragmentos de Mallorca había también elementos relevantes de la otra pieza del papiro, "El cuento del pastor", y continuó ahondando en el trabajo con nuevos hallazgos que desarrolla en un artículo que saldrá en diciembre.En ese segundo relato del rollo conservado en la capital alemana, más antiguo y breve, el protagonista es un pastor atemorizado en las marismas por una deidad femenina que le hace una propuesta ante la que él protege al ganado y que en la siguiente jornada se ve tentado de nuevo por la diosa, con forma de mujer.En los fragmentos de Mallorca, la egiptóloga ha descubierto la transformación de la diosa en mujer, que inicialmente mostraba forma de animal, posiblemente con rasgos leoninos, y que pregunta al pastor por el número de sus reses con la intención de apropiarse de algunas. Recogen también una descripción poética de la belleza femenina de la diosa.En una estela conservada en el museo del Louvre y datada un milenio después del papiro, se reproduce con palabras idénticas y en la lengua del Reino Medio la descripción de la diosa, lo que sugiere una continuidad en la tradición literaria que podría estar relacionada con la conservación del papiro.En cuanto a la peripecia del pastor, ha encontrado un relato medieval con una historia similar referida a Alejandro Magno, por lo que sugiere que el cuento del papiro de Berlín y Mallorca puede formar parte de la literatura propagandística del faraón Senusret I, identificado en tradiciones posteriores con el rey macedonio.El origen ocultoEscolano-Poveda tiene ahora como prioridad llevar los papiros de Mallorca al Museo Egipcio de Berlín con dos objetivos: garantizar su correcta conservación antes de devolverlos a la isla y completar el estudio de la ubicación de estos fragmentos en el conjunto.Además, sacarlos del marco y estudiar el papel de periódico sobre el que está montado el soporte de los papiros arrojaría información sobre uno de los misterios que aún guardan estas piezas: cómo llegaron a Mallorca.Se sabe que los rollos de los que se desgajaron, hallados en Egipto en la década de 1830, fueron subastados en Londres en 1837 e incorporados a la colección de Berlín en 1843, pero nada de cómo las piezas perdidas del rompecabezas acabaron en el Museo Bíblico de Mallorca, una entidad del Obispado que reúne desde 1913 elementos del entorno histórico en que se compusieron las Escrituras.El gerente de la comisión responsable del museo mallorquín, Gerardo Jofre, amante de la egiptología, fue quien puso a la entonces estudiante Marina Escolano-Poveda frente a aquellos pedazos de papiro, años antes de que un día le llamara para anunciarle: "Creo que hemos descubierto algo importante". "Es como encontrar una aguja en un pajar", subraya hoy él orgulloso. No olvide que puede conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El ciclo de filosofía que inició el pasado dos de noviembre y que se extenderá a lo largo de varias sesiones hasta el seis de diciembre bajo el nombre de 'Mundos en común: mundos en conflicto' abordará temas como la producción de diferentes visiones del mundo, prácticas de cuidado, comprensiones y vivencias del territorio, el tiempo, el espacio y lo común, entre otros asuntos. Según expresa la entidad en un comunicado, "Los diálogos propuestos están dedicados a pensar la pluralidad ontológica y la necesidad de reconocer y acoger la variedad de saberes y visiones del mundo. Estas diferentes ontologías están articuladas con diversas prácticas de cuidado y reproducción de la vida, comprensiones y vivencias del territorio, del tiempo, del espacio, de lo común, del buen vivir, e incluyen postulados y experiencias en torno a la relación entre humanos y no-humanos, en pro de un diálogo entre múltiples agentes y vivientes en relaciones de parentesco".Además agregan que, "esa postura, que puede denominarse diálogo inter-científico o inter-epistémico, es una apuesta política para promover la existencia de espacios de reconocimiento y escucha que permitan equilibrar las desigualdades y proviene del llamado giro ontológico y los enfoques feministas decoloniales, y otras formas de crítica, que han señalado la necesidad de cuestionar la división entre aquellos grupos humanos que tienen ciencia y aquellos que tienen sólo cultura". Las próximas sesiones se realizarán el 9, 22 y 30 de noviembre, y el 6 de diciembre, a las 5 p.m. en el Auditorio Aurelio Arturo de la Biblioteca Nacional de Colombia, bajo las temáticas de "Sembrar y vivir mundos plurales", "Cósmico-políticas y comunidades híbridas", "Habitar la tierra, los paradigmas del Buen Vivir" y "Territorios, ciencias y artes" que contarán con la participación de distintos invitados formados en filosofía. Los eventos son de acceso gratuito hasta completar el aforo. Para saber más sobre la programación puede consultar la página web de la Biblioteca Nacional. Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Las obras de este intelectual, leído y alabado en el extranjero, fueron traducidas al español.Los homenajes se sucedieron tras el anuncio de la muerte del que fue descrito por el diario New York Times en 2018 como el "más famoso y el más incomprendido de los filósofos franceses".El presidente francés, Emmanuel Macron, elogió en un tuit "un espíritu humanista y plural, reconocido en el mundo entero antes de serlo en Francia".Latour nació el 22 de junio de 1947 en una familia de negociantes de vino en Beaune, en el centro-este de Francia. Se formó en filosofía y en antropología.Fue uno de los primeros intelectuales en darse cuenta de la importancia del pensamiento ecológico. Sin embargo, fue reconocido sobre todo en el mundo anglosajón y varias de sus obras fueron publicadas primero en inglés.El conjunto de sus trabajos fue galardonado con el premio Holberg en 2013 y el premio de Kioto en 2021.El intelectual se interesó entre otros por las cuestiones de gestión y organización de la investigación y, en general, por el modo en que la sociedad produce valores y verdades.Entre sus obras traducidas al español están: "Nunca fuimos modernos", "La vida en el laboratorio" y "Guerra y paz de los microbios" (sobre el químico francés Louis Pasteur). Para leer: "La agonía del Eros": el amor según Byung-Chul HanEn 2021, dijo a AFP que las crisis del cambio climático y de la pandemia revelaron una lucha entre "clases geo-sociales"."El capitalismo ha cavado su propia tumba. Ahora se trata de repararlo", manifestó. Recuerde conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Gucci Cosmogonie fue presentada en el Castel del Monte, lugar sacado de un cuento de hadas al sur de Italia; Alessandro Michele decidió lanzar su nieva colección allí por la forma particular del castillo y la iluminación estratégica que tiene por la posición en la que está sobre una colina. Hannah Arendt y Walter Benjamin fueron judíos exiliados, se conocieron en París en los años 30 y entablaron una amistad que llegaría hasta la memoria del diseñador italiano quien se basó en esta relación para su nueva colección. Mientras Arendt escribía Benjamin organizaba cátedras para los migrantes y se convertía en el genio de las citas, habilidad que la filósofa alemana rescataría años después en sus textos. Benjamin se suicidó antes de poder escapar de Europa mientras que Arendt logró llegar a Estados Unidos. Alessandro Michele mostró su admiración por el filósofo: "Benjamin es la figura paradigmática de todos aquellos que piensan en constelaciones. Un término que él mismo transforma en un concepto filosófico. Aquello que a primera vista podría parecer atomizado y disperso, como las estrellas en el firmamento, visto a través del prisma de Benjamin se convierte en un engranaje de complicidad".El diseñador se inspiró en el ensayo que escribió Hannah Arendt acerca de Walter Benjamin, también usó de manera estratégica el palacio y realizó el desfile justo el día en que la luna se eclipsó dejando ver la luna de sangre y la lluvia de estrellas en la colina. Las constelaciones no se limitan a astros sino que también a conceptos que se unen, así como las estrellas, para crear un pensamiento y en este caso, la colección Resort 2023. El terciopelo y las botas más arriba de la rodilla predominan en la nueva colección de Michele, algunos estampados llevan brillos y estrellas bordadas reflejan en los flashes de las cámaras, los colores de las prendas parecen festivos y los sombreros de verano alertan la llegada del sol. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK.
Spencer Throckmorton, dueño de esta galería del este de Manhattan, cuenta que en 1977 compró una foto de Frida a su sobrina-nieta Cristina sin apenas conocerla y desde entonces ha recorrido el mundo sumando más y convirtiéndose en un experto sobre su vida y obra, incluso descubriendo títulos perdidos.Con su perro descansando a los pies, abre un grueso monográfico de Taschen en el que ha colaborado y muestra las imágenes de dos cuadros que halló: Congreso de los pueblos por la paz (1952) y otro sin firmar: "el ultimísimo" de su vida y "premonitorio", dice, pues el cabello de la pintora, que fue cremada, luce en llamas."Simplemente me enamoré de Frida", resume el galerista, especializado en fotografía latinoamericana y que buscaba fotos tomadas por el padre de la fotografía mexicana Manuel Álvarez Bravo cuando se topó con su retrato de Frida posando con una esfera, que despertó su interés en la exponente del surrealismo.Throckmorton, que pronto aparecerá en un documental sobre Frida al que ha cedido fotos, asegura que la fotografía fue muy importante para esta, pues empezó a pintar retocando las fotos de su padre, el fotógrafo Guillermo Kahlo, a los 8 años, y gracias a él aprendió a posar como lo hizo para numerosos fotógrafos.Nombres como Fritz Henle, Lucienne Bloch, Bernard Silberstein, Leo Matiz o Nickolas Murray, este último su amante, retratan a Frida seria, sonriente, desinhibida, fumando, mostrando sus cuadros y posesiones, y feliz junto al muralista Diego Rivera, probablemente el hombre de su vida, con el que se casó dos veces.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Entre las rarezas a la vista en la sala, hay tres pequeñas fotos de Frida tomadas por Edward Weston que esconden secretos: la artista dibujó en su reverso pies, manos, ojos y lágrimas; también hay una foto sin firmar en la que Frida, Diego y sus amigos observan un eclipse solar en 1932.Throckmorton va divulgando precios a un marchante interesado -50.000 dólares esta foto, 60.000 aquella- pero asegura que le cuesta despedirse de las obras, por lo que mantiene una selección personal "única" en la que cuenta con fotos tempranas de Frida, con dos y tres años, y tardías, en su lecho de muerte.Y vaticina que seguirá coleccionando fotografías de Frida, de quien le fascina, sobre todo, su "intelecto", revela.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Todo el disco está recorrido por la idea de la madurez de la cantante en el ámbito de los vínculos sentimentales, en un momento en el que sabe lo que quiere, como muestra, por ejemplo, en Training season, donde enumera una serie de sus requisitos para establecer una relación."¿Eres alguien que puede darme eso? No quiero tener que enseñarte; si no eres tú, házmelo saber porque la temporada de entrenamiento ya acabó", canta la artista en este sencillo, que sirvió de anticipo del álbum junto a Houdini e Illusion."Escribir estas canciones es una forma de terapia para mí; escribir tus pensamientos y convertirlos en melodía para que otra gente los consuma me hace sentir vulnerable", dijo en una entrevista publicada dos días antes del estreno por Apple Music.Acorde al títuloDua Lipa cumple lo que promete con el título del disco, y lo hace desde la carátula del álbum —en la que aparece relajada en una piscina observando cómo un tiburón nada a su lado— hasta en su propia página web, donde llama a "registrarse para el optimismo".El concepto que da nombre al álbum le llegó a través de un amigo, quien, durante una entrevista, le dijo que lo que el mundo necesitaba era optimismo radical."Es la idea de seguir pese a los golpes y no dejar que nada te desanime por mucho tiempo", expresó la artista en la conversación con el DJ Zane Lowe, algo que califica como una "parte fundamental del proceso de crecer y madurar".Este optimismo radical que la artista defiende va más allá de las relaciones amorosas y pasa por amistades y otros tipos de vínculos, a los que Dua Lipa mira "en perspectiva", un término que para ella equivale a la madurez emocional.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Pienso mucho sobre emociones, sentimientos, pensamientos… sobre cómo me hace sentir a mí y a otras personas cuando escuchan una canción", razonó.Evolución y crecimientoEn los aproximadamente cuarenta minutos de Radical Optimism de Dua Lipa, la artista se abre más que nunca, en un momento en el que considera que ha encontrado su voz y ese sentido de la felicidad en el que "lo que te corresponde, será para ti".Esta evolución se puede percibir en especial en las dos canciones que cierran el disco.En Maria, la cantante de origen albanokosovar agradece a quienes forman parte del pasado y de los que se aprende —"Te lo debo, el mayor cariño siempre tiene una razón, yo también soy mejor por las personas a las que perdí"—, mientras que en 'Happy for you' también se alegra de cómo alguien que estuvo en su vida está feliz junto a otra persona."No habría sido capaz de escribir esa canción en mis primeros discos porque creo que no había crecido suficiente como persona o como artista para ver cómo alguien a quien quería pasaba página", dijo sobre esta última.Destino, GlastonburyEste verano, Dua Lipa actuará en el Mad Cool en Madrid el 10 de julio y en el NOS Alive de Lisboa el 12 de julio.Días antes, el 28 de junio, encabezará el cartel del festival de Glastonbury, en la localidad británica del mismo nombre y al que dedica la mitad de sus pensamientos diarios, como reconoció en una entrevista para la BBC.De hecho, lo califica como su barómetro, con el que mide si una canción merece estar en el álbum al compararla con cómo sonaría en el festival.En Radical Optimism, la artista deja de lado algunos ritmos electrónicos por ordenador para sustituirlos por instrumentos en directo, logrando lo que ella definió como "pop alternativo, pero con un toque psicodélico"."Por fin estoy en un momento de mi carrera donde me siento muy segura de mí misma; me ha costado mucho llegar hasta aquí", aseguró en la BBC la artista.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La vorágine, la obra de José Eustacio Rivera que cumple 100 años. Un libro vivo es el nombre de este especial en el que participarán nuestros oyentes y lectores de todo el país y donde buscamos que la selva, la belleza y el amor, sean jugados al azar. En el especial que realizaremos en la HJCK tendrá nuevo contenido editorial, realizaremos una nueva temporada de nuestro podcast Fragmentos en la que leeremos la novela, con diferentes voces de nuestros oyentes. También tendremos un video que realizamos junto a la Biblioteca Nacional hablando con un experto en la novela con quien hicimos una exploración al manuscrito y a la historia de Rivera.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Lo que escucharán a continuación es la voz de la docente Ana Isabel Juagiboy, perteneciente a la población kamsá de El Valle del Sibundoy, en Putumayo. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En los pasillos del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, MET, se encuentran numerosas historias, unas más conocidas que otras y algunas más curiosas; grandes pinturas y esculturas y otras del tamaño de la palma de nuestra mano, como es el caso del autorretrato Belleza revelada.A sus cuarenta años, la pintora estadounidense Sarah Goodridge pintó su retrato en miniatura más famoso, en este caso un autorretrato, de su pecho al descubierto rodeado por una tela blanca, ni su rostro ni su torso aparecen en la pieza de apenas 6.7 por 8 centímetros pintada con acuarelas sobre marfil.Además de ser una obra de arte, la pequeña pieza también representó una declaración de intenciones de la pintora de pretender al reconocido estadista, y para ese momento viudo, Daniel Webster, con quien los historiadores explican, quería contraer matrimonio.Aunque tal unión nunca se llevó a cabo, pues el estadista contrajo matrimonio con otra mujer, la descendencia de Webster conservó el autorretrato hasta 1980 cuando lo vendieron a Gloria Manney, quien años más tarde, en el 2006, lo donó al MET.Para la época en que Goodridge terminó está pintura se encontraba en la cúspide de su arte, con la que inició desde muy niña. Era reconocida por su habilidad para pintar con mucho detalle retratos en miniatura de personajes influyentes en Estados Unidos, un formato que generaba cierta conexión y cercanía con quienes los poseían pues se veían en la necesidad de acercarse a la pintura para apreciar tales detalles.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Se presume que Goodridge sostenía o sostuvo una relación con Webster al momento de enviarle Belleza revelada, pues años antes, en 1825, trabajó en un retrato del hombre y sostenían correspondencia. El retrato de Webster actualmente hace parte de la colección del Museo de Bellas Artes de Boston.Lo que hoy llamaríamos una ‘nude’ fue una expresión artística transgresora para mediados del siglo XIX, donde la pintora estadounidense, pionera en este tipo de arte en formato miniatura, cargó de detalles sutiles su propia imagen. Unos pezones pequeños y una piel tersa son el foco principal de la pieza rodeada por la imagen de una tela suave, blanca y en movimiento, además un pequeño lunar también resalta sobre la piel de aquel cuerpo.Lo sobresaliente en la técnica de Goodridge puede atribuirse a sus estudios en su vida adulta, cuando se mudó con su hermana Elizabeth, también pintora, a Boston donde aprendió del miniaturista Elkanah Tisdale; sin embargo, su talento tiene sus orígenes mucho antes.Nacida el 5 de febrero de 1788 en Templeton, Massachusetts, empezó a pintar desde niña y, con los años, a desarrollar una carrera autodidacta, pues en aquel entonces la pintura, la formación y la educación no era de acceso para las mujeres, lo que solo sigue agregando valor al desarrollo de su arte. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En 1910, Wilhelm Stenhammar (1871-1927) compuso sus “Dos romances sentimentales para violín y orquesta” con dos intenciones bien marcadas. Por un lado, quería que siempre se interpretaran juntos y que el uno no pudiera existir sin el otro, pero por infortunio para el compositor no ha sido así. Por otro lado, al emplear la palabra “sentimentales” no deseaba proporcionarles a sus obras un tinte sensible o romántico, más bien intentaba reflejar lo que para él y su tiempo significaba la palabra “sentimental”: idealismo emocional.Estas piezas serán ejecutadas por el sueco Christian Svarfvar, en compañía de la Filarmónica de Bogotá, dirigida por Joachim Gustafsson, en lo que se ha denominado como “Postales musicales para Suecia y Colombia”, celebrando los 150 años de prósperas relaciones binacionales. De ahí que en esta serie de conciertos se interpreten obras emblemáticas de compositores de los dos países. Hugo Alfvén (1872-1960), Blas Emilio Atehortúa (1943-2020), Wilhelm Stenhammar (1871-1927), Victoriano Valencia (1970-), Milciades Garavito (1901 – 1953) y la dupla Andersson - Ulvaeus (integrantes del grupo ABBA) hacen parte de esta fiesta musical.Además, en este marco especial se realizará el estreno mundial de la obra “Ensueño de una orquídea”, de la compositora Danna Lorena Botero. Las citas con esta unión entre Suecia y Colombia serán el viernes 3 de mayo (7:00 p.m.) en el Auditorio Fabio Lozano –con boletería– y el sábado 4 (4:00 p.m.) en el León de Greiff, con entrada libre.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El violinista sueco Christian Svarfvar, quien acompañará a la Filarmónica, es un célebre músico reconocido por ser uno de los violinistas más consumados y versátiles de Escandinavia, con un historial de interpretar los principales conciertos para violín junto a prestigiosas orquestas. Ha grabado varios álbumes, incluidos tres en colaboración con la Orquesta Filarmónica de Londres.Con una pasión profundamente arraigada por la música y una trayectoria profesional notable, se erige como uno de los talentos musicales más apreciados del país nórdico. Su arte resuena en todas partes, al actuar en lugares prestigiosos de todo el mundo, incluidas actuaciones como solista en escenarios como Carnegie Hall, Musikverein, Concertgebouw, Cité de la Musique, Kölner Philharmonie, Birmingham Symphony Hall, Bozar, Seoul Art Center, Tchaikovsky. Sala de Conciertos, Filarmónica de Luxemburgo y Megaron, Atenas.Criado en una familia de músicos, el viaje de Svarfvar comenzó bajo la dirección de su padre, Sven-Ole Svarfvar, exprimer concertino de la Ópera Noruega y la Orquesta de Cámara Sueca. Con apenas doce años, hizo su debut solista con el concierto para violín de Mendelssohn junto a la Orquesta de Cámara Sueca. Este momento crucial marcó el inicio de un gran viaje en el que Svarfvar continuaría su educación musical.Su reciente e innovador lanzamiento, los “Conciertos para violín” de Bach en versión de Johan Ullén, fueron grabados con la Filarmónica de Londres en los estudios Abbey Road, y atrajeron la atención internacional con más de un millón de reproducciones un mes después de su lanzamiento. Christian Svarfvar toca un violín Sanctus Seraphin 1736 que le ha cedido la Fundación Järnäker.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.