"En la cultura del siglo XIX se dio demasiado valor a la imagen de Leonardo como un demiurgo que posee todos los secretos de la naturaleza, pero no era verdad, aunque seguramente le habría gustado", ironiza el escritor italiano durante la conversación.Carlo Vecce (Nápoles, 1959) sorprendió al mundo el año pasado al lanzar la hipótesis de que la madre de Leonardo fue una esclava caucásica de nombre Caterina y, con este último dato, ahora ha publicado "Leonardo, La Vita" (Giundi Editore), una extensa biografía que pronto será traducida al español.El libro busca subsanar la paradoja que ensombrece la vida de este artista polifacético: aunque archiconocido y -casi- manoseado por la cultura popular, su figura está marcada a fuego por el mito.Su autor no esconde su desagrado ante este fenómeno, alentado en parte por las innumerables obras que lo usaron como protagonista, empezando por el famoso "Código Da Vinci" (2003) de Dan Brown."Cada vez conocemos a Leonardo mejor porque hemos descubierto sus manuscritos, podemos leer sus Códigos y conocer su extraordinaria actividad científica y tecnológica (...) pero la cultura moderna lo ha visto como un mago, un genio sobrehumano y solitario, a veces oscuro, depositario de extraños enigmas de la humanidad", lamenta.Lo cierto es que no era así, por mucho que algunos supuestos expertos, de esos que abundan en el mercado artístico, se empeñen en buscar misterios en el difuminado fondo de "La Gioconda" (1503) o razones inverosímiles en su célebre sonrisa o en sus manos.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.En los escritos de Leonardo emerge, sostiene el profesor, "un hombre lleno de debilidades e inquietudes" porque en un cierto sentido "nunca superó en su interior la dificultad de sus orígenes" como hijo ilegítimo en la Toscana del 1452.Sin embargo, aunque en un principio su fama era básicamente de pintor, desde el siglo XIX, era del romanticismo, empezó a surgir su visión como inquietante arquetipo de pensador renacentista, por distintos motivos y no siempre positivamente.Por ejemplo, antes del estallido de la II Guerra Mundial en 1939, algunos regímenes como el fascista de Italia lo encumbraban por sus ideas en la construcción de máquinas de guerra."Por entonces fue convertido por el fascismo o el régimen de Japón en un referente, como constructor de máquinas de muerte. Sí, las diseñó, pero sabía que nunca llegaría a construirlas. Aquello fue una perversión contra la profunda humanidad de Leonardo, que definía la guerra como una 'locura bestial'", defiende Vecce.Para ello, para "humanizar" al personaje, el escritor lleva tres décadas husmeando en los archivos de las ciudades por las que pasó el genio en vida, en busca de su rastro.Así ha trazado la influencia del padre, 'ser Piero', un importante notario en aquella Florencia que, según defiende, al final abrió las puertas de las casas nobiliarias a aquel hijo suyo, incipiente artista."Todas sus obras importantes en Florencia están ligadas a la ayuda del padre, como 'La Anunciación', 'La adoración de los Magos', los retratos y probablemente también 'La batalla de Anghiari'", sostiene el historiador.Por otro lado, Vecce mantiene su tesis sobre la madre de Leonardo tras haber recibido "reacciones muy positivas" de otros estudiosos italianos y extranjeros como el experto en historia de la ciencia Paolo Galluzzi: "Naturalmente falta algún pequeño detalle, pero es la tesis con mayor alto de probabilidad, en torno al 90 %", presume.Entretanto, promete seguir buceando en el universo de Da Vinci, de cuya órbita quedó prendado en su niñez, pues, alega entusiasta, "todavía es posible encontrar en algún lado un Códice o cuaderno completamente desconocido".Basta pensar que los dos Códices de Madrid fueron encontrados en los archivos de la Biblioteca Nacional española solo en 1964.Vecce cree importante seguir agrandando el conocimiento sobre el genio -hombre, no divinidad- porque su curiosidad "de niño" hacia el milimétrico funcionamiento de la naturaleza y su libertad -era homosexual en el siglo XV- puede ser un ejemplo en el mundo actual."Significa retomar al pensamiento crítico, aprender a no aceptar las noticias que nos llegan como si fueran la verdad, a verificar y comprobar todo y a ser profundamente libres. La libertad y la posibilidad de pensar libremente es uno de los valores amenazados en el presente", advierte.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El museo, instalado en un antiguo gimnasio del barrio chino de Nueva York, expone algunas de las obras más famosas y controvertidas de Banksy, reproducidas por un grupo de diez artistas que, al igual que el británico, han preferido preservar su anonimato.Todas las obras se representan tal y como están o estuvieron dispuestas en las ubicaciones reales, con bloques de hormigón destruidos a sus pies o con agujeros y rasguños, e incluso la pared sobre la que se colocan es una reproducción exacta de los muros en los que se encuentran los grafitis originales. La intemporalidad de BanksyGran parte de la exposición está protagonizada por grafitis y pinturas que retratan la guerra en Ucrania y el conflicto entre Israel y Palestina, dos temas que actualmente están en el ojo del huracán y que muestran la atemporalidad del arte de Banksy, pues muchas de las piezas se hicieron hace años o incluso décadas."El arte es intemporal. No puedes ver el arte sin hacer una conexión con lo que está pasando hoy", aseguró a EFE el fundador del museo, Hazis Vardar.En la sección dedicada a Palestina e Israel destaca la reproducción de un cuarto del hotel Walled Off, en la ciudad de Belén, fundado por Banksy en 2017 y concebido también como una galería de arte que, hasta su reciente cierre, financiaba proyectos locales.Las paredes de esta habitación están decoradas con imponentes piezas como el amplio grafiti 'Israeli & Palestinian Pillow Fight', que muestra una pelea de almohadas entre un soldado israelí y un hombre palestino, o 'Watchtower', un cuadro en el que niños originarios de ambos territorios se divierten en un tío vivo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Y es que en muchas ocasiones, el artista británico escoge como protagonistas de sus obras a los niños, retratando su inocencia y el desconocimiento con el que viven las guerras que acechan a sus lugares de origen.Precisamente, en la exposición, los niños son los que narran gran parte de la guerra en Ucrania a través de obras como un amplio mural donde un muchacho vence en una pelea de judo a un hombre adulto que, según algunos expertos, podría ser una representación del presidente ruso Vladimir Putin.Otra niña la relaciona con la crisis migratoria, en un grafiti en el que observa a través de un telescopio un barco que trata de cruzar la frontera y que aparece lleno de cadáveres y personas que parecen pedir ayuda."Banksy no toma partido (en los conflictos), sino que tiene un enfoque humano que llega al público", dijo a EFE el director ejecutivo del museo, William Meade. Un museo cargado de contradiccionesMás allá de su conocida crítica social, Banksy, originario de Bristol (Inglaterra), destaca por su feroz crítica a la comercialización del arte y por su rechazo general a los museos, unos valores que contrastan con la inauguración de esta galería, que vende sus entradas a 30 dólares cada una."(La contradicción) es la mejor parte de todo esto" -aseguró entre risas Meade. "Es una especie de ironía, pero al mismo tiempo, yo lo pienso como: 'Si no tuviéramos forma de grabar un concierto maravilloso, ¿Cómo lo escucharía la gente? Muchas de las obras de Banksy están destruidas, y nosotros hemos sido capaces de capturar su arte, honrando la forma en que lo hizo originalmente".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Ai (Pekín, 1957) es conocido por su arte contemporáneo altamente crítico con el régimen chino, dos facetas que para él son inseparables: "Son lo mismo. Artista y activista deberían ser lo mismo", razonó.Exiliado en 2015, pasó por varios países europeos hasta que hace cuatro años compró una casa en el campo en Montemor-o-Novo, en el Alentejo portugués, atraído por la población local y por el clima, parecido al de la región de China donde creció.Entre olivos y en compañía de varios rafeiros alentejanos, una raza de perro típica de la región, está terminando de construir un nuevo taller, un enorme edificio de madera y ladrillo con el que no tiene pensado hacer nada."El edificio que he construido en Montemor va a ser un edificio vacío, porque el vacío también es el significado. Y yo soy un hombre muy vacío, así que es un edificio perfecto para mí", explicó.Vacías están también algunas paredes de su casa en el Alentejo, donde no ha colocado ninguna de sus obras; en su habitación cuelgan todavía los cuadros que puso el anterior dueño, uno de ellos incluso tiene una imagen de Buda.¿Qué quiere hacer con su arte? "Mi arte no sirve para nada, de hecho. No tiene realmente un objetivo claro. Pero es una buena idea", reconoció el artista, que pasó 81 días en prisión en China hace más de una década y, cuando pudo recuperar su pasaporte, se mudó a Europa. Pero en Occidente, defendió, también existe una "fuerte censura".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El propio Ai Weiwei denunció hace meses que fue censurado en al menos cuatro galerías en París y Londres tras una publicación en la red social X en la que criticaba la alianza entre Estados Unidos e Israel.Para él, el ejemplo más claro de esa "censura" es el del fundador de Wikileaks, Julian Assange, que se encuentra en prisión en Londres desde 2019 y podría enfrentar una pena de 175 años de cárcel en Estados Unidos."¿Qué pasa con la libertad de expresión? ¿Qué pasa con la libertad de prensa? Creo que esto es un caso muy claro. Mientras no se libere a Julian Assange, hablar sobre libertad de expresión es un chiste", denunció. Y añadió que en Europa, aunque se vive en condiciones "mucho mejores", también hay "hipocresía"."Todavía se rechaza a los refugiados y a la gente que intenta llegar a Europa. Y todavía son abandonados. Siempre tenemos esta doble vara de medir, y eso normalmente se llama hipocresía", aseveró.Ai Weiwei nunca ha estado en un sitio que pueda llamar hogar, "ni siquiera China", pero en Portugal ha encontrado un sitio donde vivir, al menos de momento.Cuestionado sobre si en tierras lusas se siente "totalmente libre" para hacer su arte, su respuesta fue tajante: "Nadie puede ser totalmente libre para hacer arte en ningún sitio. Eso no existe"."El arte que puede ser totalmente libre no es arte. El arte tiene que encontrar sus propios obstáculos, y siempre que estés intentando descubrir algo nuevo, algo imposible, no puedes ser totalmente libre. En ningún sitio del mundo", dijo.Portugal también se ha convertido en la casa de muchas de sus exposiciones, la última "Paradigma", que abre sus puertas este miércoles en la Galería São Roque Too de Lisboa, donde permanecerá hasta el 31 de julio.La muestra consta de 17 obras de arte, entre las que se incluyen retratos hechos con piezas Lego y muchas esculturas en porcelana, que evocan también la tradición que este material tiene en Portugal.Ai no tiene "ni idea" de si su nueva casa tiene algún impacto en su arte, por eso está haciendo exposiciones e intentando "establecer algún tipo de comunicación con la gente local".Lo que sí ha aprendido en Portugal, especialmente con todo el proceso para construir su nuevo taller, es a ser paciente, confesó: "Tienes que tener mucha paciencia".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el lienzo de la historia del arte, Salvador Dalí emerge como un titán del surrealismo, con pinceladas de genialidad que desafían las convenciones y cautivan la imaginación. Nacido en Figueres, España, en 1904, Dalí fue un maestro en la exploración de los límites de la realidad y la psique humana, dejando una marca indeleble en el paisaje cultural del siglo XX.💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Desde sus primeros trabajos, Dalí mostró un talento excepcional y una inclinación hacia lo surreal y lo onírico. Su técnica magistral se combinaba con una imaginación desbordante, creando mundos visualmente impactantes y emocionalmente resonantes. Una de sus obras más célebres, "La persistencia de la memoria", captura la esencia misma del surrealismo con sus relojes blandos y paisajes oníricos, desafiando la percepción del tiempo y la realidad.Dalí no se limitó al lienzo; su creatividad se extendió a través de una variedad de medios, incluyendo la escultura, la fotografía y el cine. Su colaboración con Luis Buñuel en la película "Un perro andaluz" es un ejemplo sobresaliente de su capacidad para desafiar las normas cinematográficas y explorar las profundidades del subconsciente humano.Pero la vida y obra de Dalí estuvieron marcadas por más que solo su arte. Su personalidad excéntrica y su extravagancia lo convirtieron en una figura legendaria en el mundo del arte. Con su característico bigote enroscado y sus excentricidades públicas, Dalí cautivaba y desconcertaba a la vez, manteniendo una fascinación constante sobre su persona.Detrás de la fachada pública, Dalí era un hombre complejo, obsesionado con la exploración de los rincones más oscuros de la mente humana. Sus escritos sobre el surrealismo y el psicoanálisis revelan una mente inquisitiva y profunda, siempre en busca de nuevas formas de expresión y comprensión.Su relación con Gala, su musa y compañera de toda la vida, agregó otro nivel de complejidad a su vida. Gala no solo fue una inspiración para Dalí, sino también una fuerza que moldeó su arte y su visión del mundo. Su matrimonio fue una fuente de inspiración y controversia, alimentando la narrativa romántica y tumultuosa que rodea a Dalí hasta el día de hoy.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La muestra estará a disposición del público hasta el próximo 12 de septiembre y la forman siete dibujos, una pintura de guache, un exlibris -etiqueta o sello-, la portada del semanario Empordà Federal y dos programas de las fiestas patronales de esta localidad con ilustraciones de Dalí.La mano del pintor español estaba detrás de todo ese material, del que la historiadora y concejal de Cultura de Figueres, Mariona Seguranyes, señaló durante la presentación de este viernes que demuestra el peso en el imaginario del artista de las iconografías de la comarca del Empordà y de la localidad de Figueres, en el noreste de España.Los programas de las fiestas de 1921 y 1922 con ilustraciones de Salvador Dalí, que por entonces tenía 17 y 18 años, respectivamente, dan fe también de este vínculo.En aquella época, el pintor residía en Madrid como estudiante de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, "pero su mente estaba en Figueres y en el Empordà", subrayó Seguranyes.La sala que reúne todas estas creaciones de Salvador Dalí (1904-1989) se ubica a la entrada de la casa natal del artista y está concebida para acoger originales bajo el nombre de 'Obras invitadas', ya que proceden de cesiones.Con motivo del 120 aniversario, el acceso a este espacio lo preside una placa que el ayuntamiento regaló a Dalí en 1961 para dar fe de que nació en este edificio y que se ha recuperado.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Fue un homenaje después de que el pintor expresase su deseo de construir un museo en Figueres y se instaló en la fachada de la casa natal, pero se había extraviado.De los dibujos, Seguranyes destacó un retrato de toda la familia de Salvador Dalí en que representa a su madre "con un tamaño muy superior al resto para demostrar que ella era el pedestal"."Hay muy pocos retratos donde aparece toda la familia íntegramente, porque la madre además murió a edad muy temprana", añadió.La coordinadora de la Casa Natal de Dalí, Roser Asparó, elogió el acierto de este espacio de 'Obras invitadas', que arranca con una muestra con diferentes piezas como retratos del padre y la madre del artista, que da paso ahora a esta segunda propuesta de esa época de juventud.Asparó precisó además que el material reunido se había expuesto en distintos años, pero siempre por separado, y que ahora coincide por primera vez.La Casa Natal de Dalí avanza así en su objetivo de hacerse un sitio dentro del relato de la vida del pintor, después de su inauguración en octubre pasado, y aprovecha este 120 aniversario para dar un nuevo empuje.Seguranyes manifestó al respecto que, en estos primeros meses, "el retorno ha sido muy bueno" y el público valora con nota la visita a un lugar "que sirve para darle contexto al personaje y entender sus pensamientos a través de lo que le interesa y de su entorno familiar".Dalí -uno de los referentes del surrealismo, con obras como 'La persistencia de la memoria', también conocida como 'Los relojes blandos'-, además de pintor fue escultor y destacó por sus colaboraciones en moda y cine, con directores como los estadounidenses Alfred Hitchcock y Walt Disney.Su obra está en gran parte en la casa museo de Figueres, aunque algunas de sus obras más destacadas se muestran en museos en Europa y Estados Unidos.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La obra, que representa el sexo femenino, estaba "protegida por un cristal", precisó la dirección de comunicaciones del museo.La artista francoluxemburguesa Deborah de Robertis fue quien principalmente llevó a cabo esta "acción", llamada "No se separa a la mujer del artista".Esta tenía la voluntad de inscribirse en un "movimiento mundial" de "jóvenes mujeres artistas de todas las disciplinas", indicó una abogada de una de las partícipes en los hechos.Un total de cinco obras fueron marcadas con las palabras "MeToo", según el Centro Pompidou-Metz, que añadió que todas "están siendo examinadas"."Con el debido respeto a los movimientos feministas, estamos conmocionados al ver la vandalización de obras de artistas, en particular de artistas feministas, que están en el corazón de las luchas de la historia del arte", aseguró Chiara Parisi, directora del Pompidou-Metz, citada en el comunicado.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.De Robertis explicó que quería "desafiar la historia del arte", escribiendo MeToo sobre el famoso cuadro de Courbet, "porque las mujeres son el origen del mundo".Dos mujeres jóvenes, sin antecedentes judiciales, fueron detenidas por la tarde, informó el fiscal de Metz, Yves Badorc.Una tercera persona, que no fue detenida, podría estar detrás del robo de otra obra, según Badorc. Se trata de un bordado rojo sobre tela de Annette Messager, titulado "Je pense donc je suce" ("Pienso, por lo tanto chupo", 1991).Una obra de De Robertis, que lleva por título "Espejo del origen del mundo", se expone cerca de "El origen del mundo", en el marco de una exposición del Centro Pompidou-Metz dedicada al psicoanalista Jacques Lacan.En ella, se ve a la artista posar, con el sexo desnudo, bajo la obra de Courbet, una actuación realizada el 29 de mayo de 2014 en el Museo de Orsay.Deborah de Robertis fue condenada en agosto de 2020 por la justicia francesa a una multa de 2.000 euros (2.155 dólares) por haber aparecido desnuda en 2018 durante una de sus "performances" ante la gruta del Santuario de Lourdes, en el suroeste del país.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La muestra, que este lunes se presentó a la prensa y abrirá al público el 10 de mayo, se titula ‘Bellas durmientes’, en referencia a aquellos vestidos antiguos tan frágiles que no pueden ni colocarse en maniquíes, y que lucen en vitrinas desde las que hay que observarlos como si se tratara de un microscopio.Este es el tema de la gala benéfica que se celebra este lunes por la tarde (Met Gala) y que financia la colección del Instituto de Moda del Met, dirigido por Anna Wintour, la editora de Vogue, que convoca a cientos de celebridades en este evento exclusivo con entradas a 75.000 dólares, según Time.El comisario del Instituto de Moda, Andrew Bolton, explicó que cuando una prenda entra en la colección del museo su estado cambia "irrevocablemente", pasando de ser parte de la experiencia vital de una persona a "una obra de arte inmóvil que ya no se puede llevar, oír, tocar u oler".A través de tecnologías como la Inteligencia Artificial (IA), rayos X, animaciones visuales o paisajes olfativos, se da "acceso sensorial" a estas prendas y se facilita disfrutarlos "como se pretendía originalmente: con vivacidad, dinamismo y, en última instancia, con vida", dijo Bolton.Un ejemplo de 'bella durmiente' es el vestido 'Mariposa' con cascadas de seda de chifón de Charles James, de 1955, del que el Met dispone dos: uno en condición impecable y otro muy dañado, y poniéndolos uno junto al otro explica cómo su uso y su diseño contribuyen a su deterioro.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Las galerías se distribuyen, además, en tres secciones que exploran temas naturales partiendo de la tierra, el aire y el agua: en una de ellas, decorada como un jardín lleno de sombreros florales, se pueden disfrutar diseños de maestros de la costura como Cristóbal Balenciaga, Hubert de Givenchy o Elsa Schiaparelli.Como curiosidad, en esa sala hay un abrigo de Loewe plantado en la tierra que "gradualmente morirá durante la exposición", según el Met.Otro de los alicientes es un vestido de Jeanne Hallée de en torno a 1913 con 'falda trabada', que dificultaba el paso de la mujer, y que vuelve a la 'vida' con una técnica tecnológica en la que se ve a una mujer llevándola y convirtiéndose poco a poco en un insecto.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En los pasillos del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, MET, se encuentran numerosas historias, unas más conocidas que otras y algunas más curiosas; grandes pinturas y esculturas y otras del tamaño de la palma de nuestra mano, como es el caso del autorretrato Belleza revelada.A sus cuarenta años, la pintora estadounidense Sarah Goodridge pintó su retrato en miniatura más famoso, en este caso un autorretrato, de su pecho al descubierto rodeado por una tela blanca, ni su rostro ni su torso aparecen en la pieza de apenas 6.7 por 8 centímetros pintada con acuarelas sobre marfil.Además de ser una obra de arte, la pequeña pieza también representó una declaración de intenciones de la pintora de pretender al reconocido estadista, y para ese momento viudo, Daniel Webster, con quien los historiadores explican, quería contraer matrimonio.Aunque tal unión nunca se llevó a cabo, pues el estadista contrajo matrimonio con otra mujer, la descendencia de Webster conservó el autorretrato hasta 1980 cuando lo vendieron a Gloria Manney, quien años más tarde, en el 2006, lo donó al MET.Para la época en que Goodridge terminó está pintura se encontraba en la cúspide de su arte, con la que inició desde muy niña. Era reconocida por su habilidad para pintar con mucho detalle retratos en miniatura de personajes influyentes en Estados Unidos, un formato que generaba cierta conexión y cercanía con quienes los poseían pues se veían en la necesidad de acercarse a la pintura para apreciar tales detalles.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Se presume que Goodridge sostenía o sostuvo una relación con Webster al momento de enviarle Belleza revelada, pues años antes, en 1825, trabajó en un retrato del hombre y sostenían correspondencia. El retrato de Webster actualmente hace parte de la colección del Museo de Bellas Artes de Boston.Lo que hoy llamaríamos una ‘nude’ fue una expresión artística transgresora para mediados del siglo XIX, donde la pintora estadounidense, pionera en este tipo de arte en formato miniatura, cargó de detalles sutiles su propia imagen. Unos pezones pequeños y una piel tersa son el foco principal de la pieza rodeada por la imagen de una tela suave, blanca y en movimiento, además un pequeño lunar también resalta sobre la piel de aquel cuerpo.Lo sobresaliente en la técnica de Goodridge puede atribuirse a sus estudios en su vida adulta, cuando se mudó con su hermana Elizabeth, también pintora, a Boston donde aprendió del miniaturista Elkanah Tisdale; sin embargo, su talento tiene sus orígenes mucho antes.Nacida el 5 de febrero de 1788 en Templeton, Massachusetts, empezó a pintar desde niña y, con los años, a desarrollar una carrera autodidacta, pues en aquel entonces la pintura, la formación y la educación no era de acceso para las mujeres, lo que solo sigue agregando valor al desarrollo de su arte. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Lo que vamos a lograr hacer con este proyecto es mostrar 13 rostros y 13 historias de migrantes que han sufrido la deportación o han buscado asilo en Estados Unidos", explica Lizbeth de la Cruz, gestora del mural y profesora del Departamento de Estudios Negros y Latinos del Baruch College de la Universidad de Nueva York.Los rostros fueron pintados sobre lonas por alumnos de De la Cruz y colocados por activistas, familiares y hasta por los mismos retratados en la parte baja del puente fronterizo Paso del Norte-Santa Fe, que conecta a Ciudad Juárez y El Paso, en Texas.Antes de pegar las imágenes, los muros del puente fueron pintados con vivos colores y el dibujo de un sol para "iluminar" las caras, además de códigos QR que enlazan con un sitio web para conocer en detalle la historia de cada uno, detalló De la Cruz.Para la académica es necesario que el estado mexicano reconozca a estas personas, que muchas veces fueron llevadas desde su infancia a Estados Unidos, y que al ser forzadas a regresar deben adaptarse a un idioma que no dominan, sin contar con documentos o posibilidades de trabajar."Vemos la deportación continua de veteranos [de guerra], de madres con hijos ciudadanos y creo que es muy importante recordar en un año de elecciones en Estados Unidos", agregó De la Cruz.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Uno de los rostros plasmados en el puente sobre el río Bravo, que marca la frontera binacional, es el de Mizz Peaches, un "drag queen" nacido en Nayarit, pero que cruzó hacia Estados Unidos en brazos de su madre siendo bebé."Soy 100% mexicano. Desde una edad muy temprana mi familia migró a Estados Unidos en busca de un mejor estilo de vida", relata el joven de 29 años a la AFP.Aunque regresó a México a los 12 años, Mizz Peaches cree necesario seguir "alzando la voz" por aquellas familias separadas por las deportaciones.El montaje del mural ocurre la misma semana en que México y Estados Unidos acordaron medidas más estrictas contra la migración irregular, como restringir el uso de los medios de transporte y aumentar las expulsiones de migrantes.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Se trata de un cuadro con el que puede haber sorpresas, siempre que han aparecido cuadros de Klimt en subastas, se han conseguido muy buenas subidas. Lo que podemos decir es que el precio de estimación está fijado moderadamente", explica a Claudia Mörth-Gasser, de im Kinsky, la casa de subastas vienesa que organiza la venta.El retrato de la señorita Lieser es una de las piezas en las que Klimt estaba trabajando cuando murió, en febrero de 1918, a los 55 años.Se sabe que el pintor recibió 10.000 coronas como adelanto y se estima que habría recibido otras tantas al entregar la pieza terminada. Hoy día, esas cantidades equivalen a unos 120.000 euros.Perseguidos por los nazisEl cuadro fue encargado por los Lieser, una familia de empresarios judíos que sufrieron el expolio y la persecución de los nazis cuando Austria se unió al Reich alemán en 1938.A la obra se le pierde la pista en 1925, año del que es una foto en blanco y negro tomada para los preparativos de una retrospectiva de Klimt celebrada al año siguiente, y en la que ni se sabe si llegó a exponerse.Ahora se sabe que en un momento indeterminado fue vendido y que desde la década de 1960 estuvo en una mansión a las afueras de Viena.Varios miembros de la familia tuvieron que huir de Austria durante el nazismo y Lilly Lieser, una conocida mecenas, fue asesinada en el campo de exterminio de Auschwitz.Tras la II Guerra Mundial, sus hijas volvieron a Austria y reclamaron los bienes confiscados por los nazis, pero el cuadro no se menciona en esa petición.Hace 18 meses, Ernst Ploil, uno de los gerentes de im Kinsky y perito experto en arte, recibió la llamada de alguien que contó haber heredado el cuadro y pidió ayuda para subastarlo.La casa de subastas inició una profunda investigación que ha concluido que no hay pruebas de si la obra fue expoliada o no entre 1938 y 1945, durante la dictadura nazi en Austria.Por eso, cuenta Ploil, la casa planteó al actual propietario la condición de llegar a un acuerdo con los herederos de los Lieser.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Repartir lo recaudado"El acuerdo es que subastan juntos y distribuyen lo recaudado", resume Ploil, quien afirma que de esa forma se supera cualquier posible injusticia y da seguridad jurídica.Este abogado describe este trato como un ejemplo de buenas prácticas, en un país que hasta hace relativamente poco tiempo puso muy difícil a los descendientes de víctimas del nazismo recuperar lo robado.Mörth-Gasser adelanta que la subasta ha despertado interés internacional y que es difícil saber cómo será la dinámica mañana, pero confía en el que el hecho de que el valor estimado sea tan "moderado" puede contribuir a que suban las pujas.Algo que añade interés al retrato es que no se sabe quién es la modelo, pero se cree que puede ser la sobrina de Lilly Lieser o, más probablemente, una de sus hijas.Sea quien sea, dice Mörth-Gasser, "tiene una presencia increíblemente cautivadora, un atractivo y una belleza juvenil sencillamente encantadores".Mörth-Gasser destaca cómo Klimt captura en los ojos, en el brillo de las pupilas, la esencia de la modelo, y cómo es capaz de transmitir que es alguien que "tiene aún el mundo por delante" y una mirada abierta sobre la vida. Además, el valor artístico de la obra es enorme.Un salto estilísticoSe considera que es un cuadro inconcluso, aún sin firmar y con un fondo en rojo sobre el que se estima que el pintor iba aún a trabajar.Pero es justo eso lo que, según esta experta, eleva la modernidad y la expresividad de la pieza, y adelanta una nueva etapa creativa."Me da la sensación de que si hubiera vivido otros cinco años se habría convertido en pintor abstracto y se habría orientado hacia Picasso", coincide Ploil.Klimt sigue siendo uno de los artistas más cotizados. En junio de 2023 su Dama con Abanico se subastó por 99,2 millones de euros (107,5 millones de dólares), y se convirtió en la obra de arte más cara vendida nunca en Europa.Serpientes de agua II llegó a los 187 millones de dólares en una venta privada en 2013, y sigue estando entre los diez cuadros más caros de la historia.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El realizador argentino Hernán Rosselli, que estrenó este jueves su película Algo viejo, algo nuevo, algo prestado en la Quincena de Cineastas de Cannes, asegura que el sector está "en estado de completa alarma" por los recortes del Gobierno de Javier Milei, que "ataca" al cine todo el tiempo."Estamos todos en estado de completa alarma. En principio porque el INCAA (el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina) está paralizado desde diciembre y desde el Gobierno de Javier Milei se ataca todo el tiempo al sector de la cultura y del cine", lamentó Rosselli."Da la sensación -prosiguió- de que entendieron que ahí había una batalla, una batalla cultural por dar, como que sintieron que había mucha gente de izquierda de repente en el cine. Y la verdad que es bastante desalentador el panorama".Con el INCAA ya paralizado en la primera mitad del año, "la industria "ya cree que este es un año perdido", advierte Rosselli, dado que "ya no va a haber más rodajes" al margen de algunas películas de grandes plataformas este año."Los técnicos se van a disputar por trabajar y es la pérdida de miles y miles de puestos de trabajo", denuncia más allá del aspecto puramente artístico este cineasta, que acude por primera vez a Cannes gracias al tercer largometraje de su carrera.Pese a todo, la ofensiva contra la industria cinematográfica lo que ha logrado es "unir al sector", considera el Rosseli, algo que no es fácil normalmente.Y es que el cine argentino es "único en la región", sostiene Rosselli, y "probablemente el más diverso de Latinoamérica", con grandes películas industriales, mucho cine independiente, revistas y cineclubes, que demuestran que es "un pueblo muy cinéfilo".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Una matriarca del juego clandestinoAlgo viejo, algo nuevo, algo prestado cuenta la historia de los Felpeto, una familia que regenta un negocio clandestino de lotería y apuestas en los suburbios de Buenos Aires.Tras la muerte del padre, es la matriarca la que debe hacerse cargo de las quinielas ilegales, las cuentas y las relaciones con otros corredores.Pero la película, que utiliza metraje antiguo de los verdaderos Felpeto que participan en la película y que usa un estilo muy documental, se asemeja más a una inmersión en la vida real -con tintes de cine de mafia- de una familia verdadera."Evidentemente es una ficción, porque yo estoy accediendo a momentos de intimidad muy grandes que en un documental no sería posible", matiza.Lo que busca Rosselli es que la audiencia "se esté un poco preguntando todo el tiempo por la naturaleza del material", y sobre si las personas que está viendo en la pantalla son actores interpretándose a sí mismos o si por el contrario son personas reales."Eso me parece interesante", detalla el cineasta, que ve en esa propuesta diferente una de las claves por las que su obra fue seleccionada para la Quincena de Cineastas (antes Quincena de Realizadores)."La gente que está acostumbrada y trabaja de ver películas se vuelven como una especie de taxistas audiovisuales, donde están acostumbrados a ver lo mismo, incluso los tópicos del cine de autor, que a veces es más pesado. Es preferible ver una buena película industrial que una mala película de autor", opina."Y creo que cuando aparece algo que un poco se desvía en la lógica de dar la información de siempre y te logra cautivar a pesar de que trabajas bien 200 películas, como que ahí, según me dijeron, eso les atrapó", concluye.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Este sábado, 18 de mayo, la música y el talento afro será el tema de encuentro durante la cuarta edición del festival Top Show Colombo, un espacio artístico que le apuesta a resaltar la riqueza de la cultura musical de Colombia y Estados Unidos.El concierto de este sábado será la segunda entrega de este festival, que como primer gran evento tuvo un concierto en el teatro El Ensueño, al sur de Bogotá el pasado 4 de mayo. Yoky Barrios, Alexis Play, Los Dioses del Ritmo y la banda de jazz estadounidense Moods of her fueron los artistas invitados.El segundo escenario en el que el Centro Colombo Americano de Bogotá, en alianza con la Embajada de Estados Unidos en Colombia e IDARTES, traerán a reconocidos artistas afrocolombianos será el teatro al aire libre, la Media Torta, en el centro de la ciudad.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“Este año vamos a gozar de nuestro poder afro en dos escenarios muy especiales de la ciudad de Bogotá”, anunciaron los organizadores del festival. En el concierto podrán ver a artistas como la cantante y compositora Mabiland, Tostao ft. exótico pal mundo, al salsero Mauro Castillo, y a Herencia de Timbiquí.La entrada al concierto, que inicia a las 2:00 de la tarde, estará habilitada desde la 1:00 p.m., procure llegar con tiempo pues el ingreso será en orden de llegada. Además, les recordamos que es un evento gratuito y un espacio amigable con las mascotas.Para entrar en ambiente, compartimos la playlist del evento:🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El próximo sábado tendrá lugar en el auditorio León de Greiff, la casa habitual de la Filarmónica de Bogotá, un homenaje a las y los docentes de la Universidad Nacional de Colombia. En total, esta institución educativa tiene en sus sedes de todo el país cerca de 3.000 educadores que se encargan de formar alrededor de 60 mil estudiantes, de los cuales el 87% son de pregrado. “Para la Filarmónica es un orgullo hacer parte de este merecido homenaje a los educadores de la Universidad Nacional a través de la música que, como la educación, es un importante vehículo de transformación social”, asegura David García Rodríguez, director general de la Filarmónica de Bogotá. Con esta presentación musical, que hemos llamado “Tejiendo futuro”, la Filarmónica de Bogotá se une a la tradicional celebración preparada junto a Bienestar y Patrimonio Cultural de la institución educativa. En homenaje a las y los docentes, la Orquesta interpretará una obra memorable del colombiano Jesús Pinzón Urrea, un concierto para violonchelo de Antonín Dvořák, y una impactante sinfonía de Leoš Janáček. El 29 de octubre de 1974, la Filarmónica de Bogotá estrenó la obra “Gráfico I”, de Jesús Pinzón Urrea (1928-2016), una propuesta musical en la que el compositor reemplazó los signos tradicionales del pentagrama por líneas, puntos, jeroglíficos y figuras geométricas que debían ser descifrados por el director y los intérpretes. Cinco décadas más tarde, la Orquesta se reencuentra con esta pieza y lo hace en una versión especial dirigida por Rubián Zuluaga.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí. José David Márquez, músico de nuestra agrupación principal, será el solista en la ejecución del “Concierto para chelo”, de Antonín Dvořák (1841-1904). El compositor checo creó esta obra durante el tiempo comprendido entre 1894 y 1895, cuando aún se encontraba en Estados Unidos, país al que llegó en 1892 para desempeñarse por tres años como director de una escuela de música en Nueva York. Muchos expertos consideran a Leoš Janáček (1854-1928) como uno de los compositores nacidos a mediados del siglo XIX que asumieron el reto del cambio y la actualización del lenguaje musical. Una muestra de ello es su obra “Taras Bulba”, creada en 1918, con la que la Filarmónica de Bogotá finalizará el homenaje a los educadores de la Universidad Nacional de Colombia este sábado 18 de mayo (4:00 p.m.) en el León de Greiff, con entrada libre hasta completar aforo.El repertorio de este concierto se interpretará también el viernes 17 de mayo (7:00 p.m.) en el Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Ellas empezaron a hacer preguntas difíciles y me di cuenta de que esa era la definición de crecer: ese momento en el que sientes que tienes que dejar de ser un niño para entrar al mundo real y por eso quise escribir esta película, para decirles que no tienen que hacer esa elección, que siempre pueden tener un poco de ambos", explica en una entrevista con EFE.Durante la pandemia de covid-19, el también actor, más conocido por su papel de Jim Halpert en la serie 'The Office', comenzó a darse cuenta de hecho de que "el mundo real" estaba "entrando demasiado" en los juegos imaginarios de sus hijas.El filme de Paramount escrito, producido y dirigido por él, que se estrena este viernes, sigue la historia de Bea, una niña de 12 años que perdió a su madre cuando era más pequeña y que ahora teme por la salud de su padre, quien pasa los días en el hospital a la espera de una complicada cirugía.Mientras la operación llega, Bea (Cailey Fleming) se da cuenta de que tiene el superpoder de ver a los amigos imaginarios que han sido olvidados por las personas y junto a Cal, un hombre misterioso encarnado por Ryan Reynolds, luchará para que estos sean recordados.A lo largo de la película la pequeña se debate entre rechazar la infancia por la que aún atraviesa o aceptar lo dura que es la vida, pero su padre, interpretado por Krasinski, no deja de impulsarla a seguir soñando."Cuando llegué a la sala de edición me di cuenta de lo que se parecía la situación a mi vida. Esta niña está a punto de dejar de serlo y vi que ese día le llegará muy pronto a mis hijas", comenta el actor de 44 años, quien junto a la también actriz Emily Blunt es padre de dos niñas llamadas Hazel y Violet.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Aunque la cinta está enfocada a un público jóven, Krasinski espera que los espectadores puedan mirar hacia atrás y recordar los momentos felices de la infancia en la que los problemas carecían del peso y no existían las apariencias impuestas de la adultez."Parece sencillo, pero como adulto es muy difícil recordar que hubo un tiempo en el que no te importaba que la gente te viera disfrazado de pirata o con alas de mariposa", comenta.El filme cuenta con un gran número de personajes inspirados en los propios amigos imaginarios de sus hijas, como Marshmallow, a quien Krasinski prestó su voz. Otros fueron inspirados en la personalidad de sus amigos.Por ejemplo Bleu, a quien escribió pensando en su coestrella de 'The Office' Steve Carrell; Blossom, creado para Phoebe Waller-Bridge, o el oso Lewis, para Louis Gossett Jr.."Lo más conmovedor para mí con este reparto fue que todos firmaron por la misma razón: dijeron que les encantaba el mensaje de conectar con tu niño interior", relata.Krasinski debutó como escritor y director en 2009 con 'Brief Interviews with Hideous Man' y repitió sus habilidades multitarea en la saga de ciencia ficción 'A Quiet Place', protagonizada por él mismo y Blunt y que tuvo gran aceptación por la crítica especializada.Según el actor, llevar las riendas de todo un proyecto "es más fácil de lo que parece", y asegura que después de haber hecho un proyecto tan "oscuro" como 'A Quiet Place', 'IF' fue como estar sumergido "en una burbuja de felicidad"."La clave para mí es intentar no pensar demasiado en lo que voy a hacer a continuación ni analizarlo en exceso. Sólo tienes que esperar a que se te ocurra una idea que te guste tanto que tengas que hacerla", expone.Actualmente Krasinski se encuentra rodando como actor 'Fountain of Youth', película del británico Guy Ritchie que también tendrá en su elenco a la mexicana Eiza González y a la estadounidense Natalie Portman.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Principalmente porque para contar la historia de 'Fury Road' (2015), teníamos que conocer la historia detrás de Furiosa", explicó en una rueda de prensa sobre cómo decidieron poner en marcha 'Furiosa', precuela de la película de hace nueve años que protagonizó Charlize Theron.Cada película abre las puertas de otra historia de la saga, pero el realizador australiano afirmó que esperara a ver cómo funciona 'Furiosa', presentada fuera de competición en el festival, "antes de pensar" en nuevas entregas.En 'Furiosa', más allá de las brutales escenas de acción, que funcionan casi como una coreografía, el mayor acierto está en la elección de sus protagonistas, con un Hemsworth tan divertido como cruel como el villano Dementus, y Taylor-Joy con la expresividad necesaria tan solo con sus ojos para interpretar a una Furiosa con muy poco diálogo en la cinta.Hemsworth, al que gustó una descripción de su personaje hecha por un periodista que dijo que es una mezcla de Darth Vader y Looney Tunes, resaltó que trabajó mucho con Miller para encontrar la humanidad en Dementus."Para George y para mí era importante encontrar la humanidad en el personaje y agregarle momentos de vulnerabilidad" para comprender que había sufrido mucho.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El actor no quiso justificar las acciones de su personaje, que simplemente responden a la lucha "por sobrevivir en un espacio brutal" y destacó la inclusión de algunos toques de humor, algo ausente en las películas anteriores de Mad Max. "He disfrutado cada segundo de esta experiencia", agregó.Mientras que para Taylor-Joy lo más complicado de su experiencia fue la parte física. La actriz de origen español y argentino se preparó mucho físicamente par encarnar a la guerrera Furiosa, tanto que desarrolló una gran amistad con la especialista que la ayudó, Hayley Wright."Ella es ahora una de mis mejores amigas en todo el mundo. En lugar de ser un ambiente de agresión, me decía: 'Te quiero, creo en ti, vas a poder hacerlo'". Y eso le dio la fuerza necesaria para realizar las complicadas escenas de acción. "Fue maravilloso", aseguró.'Furiosa' llega 45 años después del original protagonizado por Mel Gibson, una primera entrega que fracasó en Estados Unidos y que contaba con una mezcla de acentos en inglés que no gustó nada al director.Ahora está satisfecho de que 'Furiosa' sea finalmente "un 'Mad Max' con todos los acentos australianos". Y recordó divertido que cuando llegó a Estados Unidos a presentar aquel primer filme les preguntaban si eran austríacos porque no entendían su inglés.Una saga que ha ido evolucionando con el tiempo y que en cada película ha cambiado en el estilo y en los personajes, algo necesario para Miller. "Si te dedicas a repetir lo que ya has hecho, no hay ganas para hacer nada más (...) siempre me he dejado llevar por mi curiosidad".Esas ganas de aprender le llevan a estar más interesado en la forma de contar una historia que en la historia en sí misma, algo que queda claro en 'Furiosa', con una atención a cada detalle formal, lo que da como resultado una película que visualmente está muy por encima de un guion flojo.Miller reconoció esa obsesión por el más mínimo detalle para que todo lo que aparezca en cada imagen de la película ayude a contar la historia. "Hay una fuerte conexión entre la estética de los vehículos y de los personajes", apuntó el realizador como ejemplo.A lo que Taylor-Joy añadió que en cada personaje tenían que saber "exacta y detalladamente cada cosa que lleva" porque "no hay nada que esté ahí por accidente".Un equipo satisfecho con una película que para algunos ha sido más que un simple trabajo, como Hemsworth. "La saga de 'Mad Max' tiene un lugar en mi corazón", dijo el actor, que agradeció a Miller el haberle llevado a este proyecto y a los espectadores su pasión por la historia.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.