Tras una gran exposición en la capital española bajo el título "Meninas Madrid Gallery", las Meninas llegaron a Venezuela en una renovada experiencia: "Meninas Caracas Gallery"."Yo diseño una escultura en blanco con la silueta de Las Meninas para llevarla a las calles con una narrativa diferente a la que está en el museo, para que la gente se conecte de una manera diferente al arte y generar interés en esa gente para que vaya a los museos y sepa de dónde viene esta obra", relata a la AFP Azzato.Son diecinueve Meninas inspiradas en la cultura venezolana: una muestra al Salto Ángel, la cascada más alta del mundo ubicada en el sur del país; otra está vestida con una torre petrolera para representar la riqueza de la nación; otra con un barril de ron... y todas están en las calles del municipio Chacao, un sector de clase media alta de la capital venezolana.Del total, cinco fueron diseñadas por celebridades venezolanas como el cantante de salsa Óscar de León, los beisbolistas Gleyber Torres y Ronald Acuña, la futbolista Deyna Castellanos y el diseñador de moda Ángel Sánchez.Azzato encontró inspiración tras visitar el Museo del Prado: “Yo estaba en el Museo del Prado viendo el cuadro y había una persona sentada llorando mientras estaba viéndolo al lado mío y dije: ‘aquí pasa algo y hay que investigarlo’”.“Y Velázquez fue un genio pintando sobre todo lo que no vemos el alma y el aire y entonces en el aire nos nuevas incógnitas por descifrar. Y es que pintaba el detrás de ese lienzo, por eso yo llegué a la conclusión de que Velázquez necesita seguir transmitiendo un mensaje”, continúa."Volver a los orígenes"Más conocido en España que en Venezuela, Azzato, "hijo de inmigrantes españoles e italianos", ve este viaje de las Meninas como un símbolo. "Es como volver a los orígenes, a casa", dice Azzato que piensa que la obra de Velázquez se hizo "gracias a las riquezas americanas" porque cuando fue pintada España vivía el final del siglo de oro español". "Es una manera de Velázquez agradecer el origen que hizo posible realizar su obra", añade.Las obras estarán exhibidas durante dos meses, y cinco de ellas serán vendidas en una subasta a beneficio de cinco oenegés de este país que atraviesa una dura crisis económica.La exhibición da una cara distinta a la ciudad. Los transeúntes de la estación de metro Chacaíto observan la escultura con curiosidad: la menina vestida con colores de la bandera venezolana parece estar haciendo fila para subirse a un autobús.La obra "trae acá a Caracas, a Venezuela, esta parte cultural que nos hacía mucha falta, muestra el colorido y nos enorgullece también", dice la gerente María Auxiliadora Valera, de 47 años. Es un "disfrute". La estudiante Mireya Rojas, de 20 años, en tanto, siente admiración. "Son bellísimas todas"."Debería darse más cultura, sobre todo este tipo de cosas que puedan ser gratis. Que la gente pueda admirar este tipo de cosas tan bellas", añade Rojas. "El arte es para todos", concluye Azzato.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El catálogo ha sido publicado por la editorial Phaidon, especializada en diseño, arquitectura y artes plásticas y visuales.Entre los 308 protagonistas que componen el volumen hay 'clásicos' como los mexicanos Diego Rivera o Frida Kahllo, pero también decimonónicos como el peruano José Gil de Castro y miembros de la generación Z (nacidos entre la última década del siglo XX y la primera de este XXI) como la brasileña Paula Siebra, de tan solo 25 años.La selección, dispuesta en orden alfabético para favorecer su accesibilidad y limitar posibles sesgos, busca dar cuenta de la "variedad y vitalidad" del arte de los veinte territorios americanos de habla española y portuguesa, afirma en una entrevista con EFE por videollamada el brasileño Raphael Fonseca, que formó parte del panel de 68 expertos a cargo de esta edición.Fonseca, crítico de arte y autor de la introducción a este trabajo, reivindica el valor de la producción artística latinoamericana, a veces ensombrecida por el arte estadounidense."A nivel artístico, Estados Unidos se considera el centro de América. Esto lleva a que el resto de países del continente, entre los que se da un diálogo muy intenso y fructífero, sean vistos muchas veces como algo ajeno, como 'el otro'", explica.La 'alteridad' de Latinoamérica, opina, ha llevado a la aparición de un "mercado artístico" propio y enfocado en las "narrativas" propias de la región; narrativas a menudo marcadas por la "experiencia colonial", pero que también recogen el "impulso experimental" de sus artistas."Nuestros artistas tratan cuestiones explícitamente latinoamericanas como las desigualdad, el intercambio cultural o el mestizaje. Pero también exploran el arte desde claves experimentales y universales como el placer, la violencia o el miedo", apunta.Estados Unidos y América, "conflicto nominal"Fonseca, que estudió en Brasil, vivió dos años en Portugal y desde 2021 trabaja como curador de arte latinoamericano en el Museo de Arte de Denver (Estados Unidos), considera que el uso que en Estados Unidos se hace del término "americano" ha provocado un "conflicto nominal"."Estados Unidos se constituyó como tal [Estados Unidos] en 1776, pero en 1901 pasó a autodenominarse América. A partir de ese momento, poco a poco fue surgiendo un conflicto entre América Latina y 'América' en torno al nombre", escribe en la introducción al catálogo.Preguntado por el futuro, Fonseca confía en que el arte latinoamericano se abra "de forma mayoritaria y generalizada" a los artistas de "clase trabajadora"."Las artes visuales aún son un contexto elitista y restringido. Tengo la esperanza de que en los próximos años, cuando miremos al arte latinoamericano, veamos una presencia mayoritaria de artistas de clase trabajadora", concluye.Junto con '‘Artistas africanos desde 1882' y 'Grandes mujeres artistas', 'Artistas latinoamericanos desde 1785 hasta hoy' compone la 'Colección Grandes Artistas', con la que Phaidon repasa las trayectorias de más de mil artistas de todo el mundo en los últimos quinientos años.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Juan Carlos Botero Zea, uno de los hijos del artista, anunció el retorno del cuerpo del artista al país. Luego, como en una historia de William Shakespeare, el cuerpo se desplazará a Italia para ser enterrado en Pietrasanta junto a su esposa, Sophia Vari. El cuerpo del maestro Fernando Botero, fallecido el pasado viernes en Mónaco a los 91 años de edad, será trasladado a Colombia para recibir homenajes de despedida de sus compatriotas antes de su sepultura en Pietrasanta (Italia), informó este lunes su familia.Así lo anunciaron sus hijos Fernando, Lina y Juan Carlos Botero en un comunicado."Ante la conmovedora reacción del pueblo colombiano y la generosa invitación de parte de las autoridades del orden nacional, departamental y municipal, así como el Congreso Nacional de Colombia, por medio de la presente nos permitimos comunicar a la opinión pública que llevaremos el cuerpo de nuestro padre a su querida tierra natal para su despido final", señala el comunicado.Fernando Botero Angulo nació en Medellín el 19 de abril de 1932 y es reconocido como el artista colombiano más universal por su estilo figurativo, desarrollado a través de las suaves formas de sus figuras voluminosas que nunca le gustó que fueran llamadas "gordas".Los hijos del artista señalaron que el féretro de Botero será trasladado inicialmente a Bogotá el próximo jueves, después a Medellín "y por último trasladaremos su cuerpo a Italia, para que descanse por fin junto a su amada esposa Sophia Vari, en el cementerio de Pietrasanta".El deseo manifestado por el maestro de ser sepultado en Pietrasanta "obedece no tanto a un factor de estar en un país o en otro sino a estar al lado del amor de su vida", dijo a EFE el hijo mayor del artista, Fernando Botero Zea."A él lo afectó de manera muy profunda la muerte de su esposa y compañera de vida Sophia Vari, que estuvo con él casi 50 años" y su muerte "fue para él un golpe psicológico y emocional devastador que deterioró también su salud, pero a pesar de eso siguió trabajando hasta el final", explicó.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
Las ciudades de Bogotá, Cartagena y su natal Medellín, tiene la mayor cantidad de obras pictóricas y esculturales del maestro Botero. Presentamos dos museos de Bogotá y uno de Medellín que albergan donaciones y cuadros para hacer un viaje por el mundo de Fernando Botero.El artista falleció el 15 de septiembre de 2023 en Mónaco, por ello, se han realizado homenajes y algunos museos donde reposan sus obras realizarán visitas guiadas.Museo Nacional de Colombia, BogotáEl 15 de septiembre, el Museo Nacional de Bogotá anunció visitas guiadas de la obra de Fernando Botero desde el 16 de septiembre hasta la siguiente semana, anunció el Ministro de Cultura, Juan David Correa. El Museo Nacional de Colombia, fue uno de los primeros lugares en recibir donaciones de Fernando Botero, que incluyen obras de sus inicios "Lección de Guitarra" (1960) hasta pinturas de los inicios del siglo XXI. El maestro Botero en sus siete décadas de carrera artística, donó en tres momentos diferentes, 89 piezas. Ubicación y horariosCra. 7 #N. 28-66, BogotáMartes a domingo de 9:00 a.m a 5:00 p.m Museo Botero, BogotáEn el 2000 el maestro Botero donó su colección privada de arte al Museo del Banco de República un total de 208 piezas, que incluyen 85 obras de la historia del arte de finales del siglo XIX hasta finales del siglo XX, y, 123 obras de su autoría. En total, constituyen una sala de escultura, una salsa de pintura y una de dibujo y 23 esculturas de la Plaza Botero. "Con una gran tristeza y una profunda gratitud desde el Banco de la República despedimos al Maestro Fernando Botero, el artista colombiano más reconocido a nivel internacional y sin duda uno de los que más ha querido a este país, al que retrató en numerosas obras y a quien entregó uno de sus grandes tesoros: la colección de arte internacional y de su propia obra que hoy tenemos el privilegio de preservar y exhibir para todas y todos los colombianos en el Museo Botero, con ingreso gratuito como fue su deseo." Comunicado del Banco de la República en su sitio web. Ubicación y horariosLunes a sábado de 9:00 a. m. a 7:00 p. m. (con excepción de los martes, que está cerrado)Domingos de 10:00 a. m. a 5:00 p. m.Último ingreso una hora antes del cierre.Visita guiada en español: Lunes a sábado (excepto los martes) a las 12:00 m. y a las 5:00 p. m. y domingo a las 12:00 m. No requiere reserva previa.Visita guiada en inglés: Lunes a domingo (excepto los martes) a las 3:00 p. m. No requiere reserva previa.GratuitoMuseo de Antioquia, Medellín Está ubicado en el centro de la ciudad, y es un espacio artístico relevante en Medellín. Botero empezó a hacer donaciones en 1975 las cuales mantuvo a lo largo de su vida. La sala Botero contiene dibujos sobre tela, acuarelas, y pinturas en gran y pequeño formato. Adicionalmente, si está en otro lugar puede hacer la visita vía web Sala Botero, Museo de AntioquiaUbicación y horariosCra. 52 #52-43, La Candelaria, MedellínLunes a sábado: 10:00 am. a 5:30 p.m Tarifas: Museo de Antioquia ofrece ingreso gratuito para estratos, 1, 2 y 3 o Sisben A, B, C. (Hasta 5 personas presentando la cuenta de servicios públicos)Estudiantes de Medellín y el área metropolitana, presentando el carnet de lunes a sábado de 3:00 p.m a 6:00 p.mNiños menores de 7 añosNacionales COP 16.000Extranjeros COP 24.000Estudiantes y personas mayores de 60 años COP 16.800Grupos de visitantes (más de 8 personas) Nacionales COP 11.200EsculturasParque el Renacimiento de BogotáInstalada el 3 de noviembre 2000 bajo la alcaldía de Peñalosa en la inauguración del parque. La escultura pesa más de 700 kilos, es tallada en bronce macizo y con cuatro metros de altura y tres de largo. Se instaló cinco días después de su desembarque de la Alemania. Ubicación y horariosCalle 26 con Carrera 22Lunes a Viernes de 7:00 a.m. a 4:30 p.mPlaza de Botero, MedellínUn museo al aire libre. Es uno de los lugares más icónicos de la ciudad. Monumentales obras en bronce habitan la plaza. Ubicación y horariosLa Plaza Botero se encuentra en pleno centro sobre la Avenida Carabobo en la Plazuela Nutibara.Plaza de la Iglesia y Convento de Santo Domingo, Cartagena de Indias“La Gorda Gertrudis” sensual, posa recostada de medio lado en la Plaza de la Iglesia de Cartagena. Guarda un mito urbano, se dice que quien toque su pechos tendrá buena suerte en el amor. Sino está en Colombia, también puede sumergirse en el mundo de Botero gracias a Google Arts & Culture No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
Fernando Botero es reconocido a nivel mundial por su "boterismo" hace un retrato de cómo el pintor veía a Colombia. La religión, los militares, el Estado configuran el entramado nacional. La relación entre la pintura y Botero es indisoluble en el país, realizó dos donaciones a Colombia, una ubicada en el Museo Nacional de Bogotá, sobre la cual el crítico Italiano Vittorio Sgarvi escribió en 1991 "El mejor modo para entender a Botero es ver el Museo Nacional de Bogotá". Y, la segunda, al Museo del Banco de la República que incluye obras de la historia del arte universal con presencia de Pablo Picasso, Joan Miró, Salvador Dalí, Francis Bacon, entre otros. Los Obispos Muertos, de 1958Óleo sobre lienzoLa religión junto a los militares y el Estado son elementos que constituyen la vida nacional, tema esencial en las obras del pintor. Los obispos son presentados por Botero de múltiples maneras, elevados viajando por los aires y llevados por los demonios (1960); expulsando demonios (1960); caminando perdidos entre selvas y en las calles (1980) o formando pilares de muertos, como en “Los Obipos Muertos”. “Yo no tengo nada contra los obispos, como algunos creen [...] Lo que pasa es que es un tema fabuloso y uno de los que sigue intacto desde el Renacimiento”. Indicó Marta Traba que respondió Botero en una entrevista, a la pregunta sobre la presencia de los obispos en su obra.La Monalisa de 12 años, de 1958. Óleo sobre lienzo 183 por 166 centímetrosEsta pintura fue adquirida en 1961 por el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Actualmente está ubicada en el Museo de Botero, en Bogotá. Sin duda, aquí, se insinua el estilo del pintor. Su título, remite a la pintura de Da Vinci, en la Monalisa de 12 años, se encuentran convergencias con la obra de Da Vinci: la nariz estrecha, la expresión enigmática de la Gioconda, junto a la posición de las manos y el vestido. Las montañas y los volcanes situan a la Monalisa de 12 años en una geografía colombiana.Lección de Guitarra de Fernando Botero 1960Óleo sobre lienzo 92 x 248,7 centímetros.Esta pintura fue seleccionada como parte de la exposición virtual de Google Arts & Culture. En la actualidad, está alojada en el Museo Nacional de Colombia, Bogotá, fue una donación del propio pintor. Las pinturas de la primera parte de la decada de los 60 dan cuenta de la exploración, la búsqueda y la reflexión sobre la pintura, el color y el volumen, “… en Lección de guitarra el volumen de los objetos se expande en la superficie del lienzo como si estuviera pintado con pasteles o acuarelas.” Descripción de la pintura de Google Arts & Culture. Botero estaba influenciado por Paul Gauguin, sin embargo, veinte años más tarde, presentaría su estilo característico.La Mona Lisa Niña 1961Óleo sobre lienzo de 126 por 130 centímetros.Fue una de las primeras obras en llegar al Museo de Antioquia. El título hace referencia a la pintura más famosa de renacentista Leonardo Da Vinci. A diferencia de la pintura de Da Vinci, que el movimiento visual parte del primer plano del rostro hasta la profundidad de las montañas, en el caso de Botero, este crea una esfera gigantesca que parece salirse del recuadro hasta ocupar nuestro espacio.20 de Julio 1984Óleo sobre lienzo de 214,2 x 167,5 centímetros“En 20 de julio, cada objeto está definido de forma rotunda con su color propio” así abre Google, Arts & Culture, está pintura en su exposición virtual. Es una donación el artista y está alojada en el Museo Nacional de Colombia, Bogotá. Una escena colombiana en un paisaje colombiano, en un día colombiano, el 20 de julio, día de la Independencia.No olvide sintonizar la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar
En una de las conferencias que daba la crítica de arte argentina Marta Traba resaltó el trabajo de Fernando Botero, un pintor joven que estaba incursionando en diversas formas y tamaños de los cuerpos y los objetos. En este fragmento tomado de nuestro Archivo HJCK y grabado en una conferencia que dio Traba en 1961 acerca de la pintura colombiana, la crítica describe las características de la pintura de Botero, los volúmenes y la monstruosidad.
Hablamos con el director del Circuito de Arte de Cartagena, Jorge Mario Zumaqué de la segunda edición de este encuentro en torno a las artes plásticas y visuales del 13 de julio al 07 de septiembre de 2023 con una serie de exhibiciones de arte en donde participan artistas locales y nacionales que busca fortalecer a la ciudad como epicentro de estas disciplinas del arte en el norte del país y que es organizado por la galería Mercuria.El Circuito este año contará con la participación de grandes artistas colombianos como Álvaro Barrios, Ana Mercedes Hoyos, David Manzur, Carlos Rojas, entre otros. Asimismo, con artistas que marcan una tendencia en la escena nacional como Danny Esquenazi, Andrés Rojas, Montaño de la Pava, Daniela A. Parsons, Jahirton Betin, Jorge Ballestas, Hernán Piedra, entre otros.Los eventos y exhibiciones se llevarán a cabo en las instituciones de más alto perfil en la ciudad como el Museo de Arte Moderno de Cartagena, Banco de la República, Museo del Oro Zenú, Casa de Bolívar, Alianza Francesa, Galería NH, la Universidad de Bellas Artes, San Lázaro Distrito Artes, y que, transcurrida la programación del mes de septiembre los organizadores realizarán una actualización a través de sus redes sociales del cronograma de actividades lúdicas y culturales con Fortificaciones de Cartagena, la Cámara de Comercio de Cartagena, Universidad de Bellas Artes, Escuela Taller y Comfenalco para mediados de agosto y septiembre.Agenda académicaCámara de Comercio de Cartagena (Auditorio Daniel Lemaitre)Conversatorio: Desafíos de la gestión cultural independienteDirige: Catalina Vela – Imagina CartagenaFecha: 06 de septiembre de 2023.Dirección: Calle de Santa Teresa #32-41Horarios: de 04:00pm a 05:00pm.Costo: Entrada libre.Escuela Taller – Fortificaciones de CartagenaTaller de pintura con el artista Gabriel Ortega y exhibición de pintura de la Escuela de Artes Comfenalco.Fecha: 02 de septiembre de 2023.Dirección: Calle del Guerrero #29-64 GetsemaníHorarios: de 10:00am a 12:00mCosto: Entrada libre.Exhibiciones de ArteMuseo de Arte Moderno de CartagenaArtista: Gabriel Ortega | Inauguración Jueves 31 de agosto.Curaduría: MAMCA.Dirección: Calle 30 #4-08 Plaza de San Pedro Claver.Horarios: de Martes a Viernes de 11:00am a 6:00pm sábados de 11:00am a 05:00pm Domingos 11:00am a 06:00pmCosto: Aplican tarifas del Museo.Museo del Oro ZenúExhibición: 6000 años entre la tierra y el agua.Curaduria: Banco de la República.Dirección: Cra 4#33-26, Parque Bolívar.Horarios: De Martes a Sábado de 09:00 a.m. a 05:00 p.m. y Domingos de 09:00 a.m. a 02:00 p.m.Visitas guiadas en Español: 10:00 a.m., 11:00 a.m., 3:00 y 4:00 p.m.Visitas Guiadas en inglés: 11:00 a.m. y 3:00 p.m.Costo: Entrada Gratuita.Galería NHExhibición: Solo Exhibit del maestro Álvaro Barrios y Salón de artistas colombianosArtistas: Álvaro Barrios, Ana Mercedes Hoyos, David Manzur, Carlos Rojas, Gabriel Ortega, Hugo Bastidas, Ruby Rumie.Dirección: Cra 2 #36-33Horarios: de Jueves a Martes de 10:00 a.m. a 08:00 p.m.Costo: Entrada Gratuita.Alianza Francesa de CartagenaExhibición: Segundo Observatorio de Arte Contemporáneo.Artistas: Brayhan de la Pava, Donny Pinedo, Daniela A. Parsons, Francisco Salamanca, Hugo Cardenas, Jahirton Betin, Jesús Diaz Corpas, Jorge Ballestas, Mario Alzate, Valentina Marín, Yuseph Zapata.Curaduria: Mercuria Gallery.Dirección: Parque Fernandez de Madrid #37-34.Horarios: de Lunes a Viernes de 10:00 a.m. a 12:30m y de 02:30 p.m.a 06:00 p.m. en la mediateca.Costo: Entrada gratuita.Casa de Bolivar (Ministerio de Cultura)Exhibición: Primer salón de escultura CAC.Artistas: Andrés Rojas, Danny Esquinazi, Daniel Criales, Felipe Rey, Gloria Cuartas, Hernán Piedra.Curaduria: Mercuria Gallery.Dirección: Calle de San Agustín #6-51.Horarios: de Lunes a Viernes de 10:00 a.m. a 05:00 p.m.y fines de semana de 02:00 p.m. a 06:00 p.m.Costo: Entrada gratuita.San Lázaro Distrito ArtesExhibición: Alborada CaribeArtista: Solo Exhibition de la artista Cartagenera Dora Moreno.Curaduría: Mercuria Gallery.Dirección: Cra 15 #31-110 frente al Castillo de San FelipeHorarios: de Lunes a Viernes de 10:00 a.m. a 06:00 p.m. y fines de semana de 11:00 a.m. a 05:00 p.m.Costo: Entrada gratuita.
“He anunciado la recuperación de más de 14 museos en el país para fortalecer el sistema de museos, que le permiten el acceso al conocimiento, a la cultura, a lo bueno, a lo afirmativo venezolano, a todo el pueblo de Venezuela”, dijo el jefe de Estado en declaraciones al canal estatal VTV.Maduro aseguró que en el país existe un “gran consenso” sobre “avanzar, en positivo, hacia adelante”, en materia cultural, educativa, comunicacional, económica y política.A través de la red social X (antes Twitter), el ministro de Cultura, Ernesto Villegas, aseguró que la “meta es la renovación de todas las instituciones del sistema nacional de museos”.Señaló que, en los próximos días, comenzarán los “trabajos de recuperación en ocho de estas instituciones”, entre ellas el Museo de Bellas Artes, que alberga 6.236 piezas provenientes de América, Europa, Asia y África.Villegas celebró la reinauguración del Museo de Ciencias, que fue “hermosamente recuperado por el Gobierno bolivariano para el disfrute y formación de niñas, niños y jóvenes”, aunque -aclaró- los adultos “también son bien recibidos”.Al menos 610.000 personas acudieron a los museos venezolanos el año pasado, lo que supuso “una recuperación plena” tras el “duro periodo de aislamiento, cuarentena y restricciones” por la pandemia de la covid-19, informó, el pasado enero, el Ministerio de Cultura, sin señalar el número de visitantes de 2021, cuando se reabrieron estos espacios.Puede conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Cruz-Diez protagonizó desde este país caribeño, junto con otros artistas como Jesús Soto o Juvenal Ravelo, una poderosa corriente en el cinetismo. Sus "fisicromías", mezclas de colores que danzan al ritmo del movimiento del observador, se convirtieron en símbolos del "op art" o arte óptico."Tiene una invención: la metamorfosis del color. Ocurre con el desplazamiento del espectador, con gamas de colores que no se perciben si estás estático frente a la obra. Una vez empieza el movimiento, ocurre la metamorfosis", comentó hace unos años a la AFP Ravelo, discípulo y amigo del maestro.Un bus que emula un tranvía inauguró el jueves, a manera de homenaje, un recorrido por las obras de Cruz-Diez en Valencia (estado Carabobo, centro-norte). Los colores se reflejan en los anteojos oscuros de los asistentes, que toman fotos con sus celulares."Qué mejor excusa que su centenario para acercar al ciudadano a estas obras, para conocerlas con un poquito más de profundidad, para relacionarnos con el espacio público y también como una forma de promover la conservación de todo ese patrimonio", dice a la AFP Eduardo Monzón, coordinador de la iniciativa Más Valencia, que organizó el tour. "El maestro Cruz-Diez es una referencia inequívoca", agrega."Continua mutación"Nacido el 17 de agosto de 1923 y criado en el barrio caraqueño de La Pastora, el color enamoró a Cruz-Diez desde que era un niño, cuando mutaba frente a sus ojos al rebotar la luz en el vidrio de las botellas de gaseosa de la fábrica artesanal que regía su padre. Siguió esa pasión hasta el final de sus días.Jamás dejó de trabajar desde que empezó a estudiar en la Escuela de Artes Plásticas de Caracas en 1940. Con cabellos y barba grises por el paso del tiempo, murió en París por causas naturales el 27 de julio de 2019.El color es "una situación efímera, una realidad autónoma en continua mutación" y, como los hechos, tiene lugar "en el espacio y en el tiempo real, sin pasado ni futuro, en un presente perpetuo", comentaba Cruz-Diez al analizar su propia obra. Ganador del Premio Nacional de Artes Plásticas en 1971, adquirió fama mundial con reconocimientos en Argentina, Brasil, Francia, España y Estados Unidos, entre otros países."Arte para todos"Aunque vivió en París desde la década de 1960, cuando la democracia nacía en Venezuela tras la dictadura de Marcos Pérez Jiménez (1952-1959), su obra está ligada a su país y muchas de sus creaciones son íconos de la venezolanidad.La gigantesca "Cromointerferencia de color aditivo" cubre, con coloridos azulejos, el piso y las paredes del aeropuerto internacional Simón Bolívar, que sirve a Caracas. Una foto en esta obra es el último recuerdo de millares de venezolanos que migraron huyendo de la crisis.Su arte se exhibe en museos como el MoMA de Nueva York, el Tate Modern de Londres o el Centre George Pompidou de París, pero también en la calle.Incluye penetrables, largos cables de colores que pueden atravesarse, haciendo que la experiencia del espectador sea no solo visual, sino también táctil. "Arte para todos (...). El arte no se quedó entre cuatro paredes en colecciones privadas y museos. El cinetismo se incorporó a la arquitectura y después a la calle", asegura Ravelo.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
¿Qué significa el acto de arrancar los ojos? ¿Es posible restituir la mirada? ¿Es posible que los ojos vuelvan a ocupar su lugar? ¿Es posible recuperar con ellos toda la memoria arrasada? son algunas de las preguntas que evoca Arrancar los ojos, la nueva exposición que se instala en FRAGMENTOS, Espacio de Arte y Memoria, desde el próximo jueves 17 de agosto.“El proyecto nace de la conmoción por los sucesos trágicos que se vivieron fundamentalmente en Colombia y Chile en el marco de una crisis social y política que ha dejado a cientos de personas con traumas oculares, debido a los perdigones lanzados por la policía durante las manifestaciones. Algunas de las víctimas han perdido uno o los dos ojos. La policía apunta directamente a la cabeza, no sólo en Colombia y Chile, sino también en Palestina, Cataluña, Francia, Hong Kong, el Líbano, Brasil, Cachemira. ¿Dónde más? ¿Desde cuándo? Esta metodología represiva viene evolucionando desde el conflicto palestino-israelí: balas dirigidas a los ojos de los manifestantes para cegar, mutilar. Se trata de un cambio de paradigma en la violencia policial, un giro que va del “derecho a matar” al “derecho a discapacitar"", escribió Gabriela Golder en el texto de presentación de su obra.Arrancar los ojos es el proyecto ganador de la Convocatoria de Fragmentos 2021, propone un recorrido reflexivo y poético a través de cinco obras que estarán exhibidas en los distintos espacios del contramonumento: En la semioscuridad de la primera sala, la videoinstalación Un dolor que recuerda por qué duele presenta diez relatos de las víctimas de trauma ocular en Colombia durante las manifestaciones sociales ocurridas entre el 2016 y el 2021. Las entrevistas fueron realizadas en mayo de 2022 en Bogotá e incluyen la lectura de la carta que escribió Sandra Pérez, madre de Sara Cárdenas, también víctima de trauma ocular, a la Comisión Interamericana de Derechos Humanos.En las paredes de este mismo espacio se encuentra Formas de decir, una pieza conformada por 56 placas de aluminio que esculpen en braille las infinitas maneras de enunciar que hay cientos de rostros sin ojos, porque alguien los tomó y se los robó para siempre: Sacar los ojos, extirpar los ojos, exhumar los ojos, vaciar los ojos, remover los ojos, eliminar los ojos, hurtar los ojos, desechar los ojos, apresar los ojos, despojar los ojos, incendiar los ojos, exiliar los ojos… Un ejercicio de escritura, memoria, repetición y resistencia. Un llamado reiterativo a la conciencia social y humanitaria para que estos hechos no se repitan.El recorrido continúa en la sala de proyecciones con Desde el campo de batalla, una pieza audiovisual donde cuatro locutores narran incansablemente desde el campo de batalla, los hechos relacionados con la violencia policial y la represión a los manifestantes en Francia, Colombia, Chile y Hong Kong.En frente de esta sala, 20 esculturas integran la serie De los ojos que se mueven amparados por su furia. Una pieza insistente en escribir lo indecible, imaginando otras formas de nombrar la atrocidad, la barbarie. Decir hasta que el cuerpo se canse, hasta que duela; hasta que la palabra se vuelva insoportable. Dejar huella, excavar, resistir a pesar de la desaparición intencionada de las pruebas.Al final, en la sala principal de Fragmentos se impone la videoinstalación Arrancar los ojos, una puesta en escena de grandes pantallas con material audiovisual de archivo, cuerpos en tensión ensayando formas de resistencia, imágenes de cráteres en el sur de Argentina que se asemejan a los ojos de la Tierra, consignas cantadas en manifestaciones populares de distintas regiones del mundo, cronologías, textos científicos y periodísticos, fragmentos de textos míticos relacionados con la acción de quitar los ojos. La obra incluye una canción de La Mujer Cabra, compuesta para la exposición a partir de la investigación realizada por la artista.Represión en la mira: cifras y antecedentes en ColombiaEl informe “Represión en la mira. Lesiones oculares en el marco de las protestas en Colombia”, registra 169 casos de traumas oculares ejecutados por el ESMAD desde su creación en 1990 hasta junio de 2022. Según el MOCAO y la Campaña Defender la Vida Asunto de Todas –DLAT-, participantes del informe, 48 de estos casos ocurrieron hasta diciembre de 2020, incluyendo allí a las 25 víctimas oculares de las protestas del 21N de 2019, de las cuales 13 sufrieron la mutilación total de uno de sus órganos y los demás, pérdida de visión en alguno de sus ojos.Durante el estallido social de 2021 el aumento de este tipo de agresiones fue alarmante: 116 participantes de las protestas, en distintas ciudades del territorio nacional, resultaron gravemente lesionados en sus ojos. Según la ONG Temblores, entre el 28 de abril y el 20 de julio de ese año, en su plataforma Grito se registraron 103 víctimas de impactos en el rostro con granadas lacrimógenas o, en su mayoría, balas de goma, de las cuales 14 perdieron uno o dos de sus ojos y otras 14 quedaron con pérdida total de visión. Las secuelas físicas, sociales y sicológicas de estas graves lesiones son incalculables. Sin embargo, la mayoría de estas personas se construyen hoy desde la esperanza, la memoria y el activismo, como un ejemplo de resistencia y con un enérgico latido de vida. Como una necesidad de seguir vislumbrando un futuro aún cuando todo se ha apagado.¿Quién es Gabriela Golder?Artista visual, profesora en Argentina y en el exterior y directora de la Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM). También es curadora de El Cine es Otra Cosa, ciclo de cine y video experimental del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Realizó sus estudios de grado en la Universidad del Cine y un Master en Hypermedia en la Université Paris VIII, París, Francia. Es profesora titular en la Universidad Nacional de Tres de Febrero y en la Universidad del Cine. Trabaja en video, instalaciones e intervenciones site specific. Sus inquietudes creativas giran alrededor de la memoria, la identidad, la violencia institucional y el mundo del trabajo. Sus obras han merecido múltiples reconocimientos y se han exhibido en diversos espacios a nivel internacional desde 1995 a la fecha.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En 1900, cuando Matilda Burgos llegó a la capital del país, el casco de la ciudad terminaba, hacia el norte, en el río del Consulado, y frente a la Beneficencia Española hacia el sur. Los límites por el oriente estaban demarcados por Jamaica, mientras que por el occidente se prolongaban hasta el Bosque de Chapultepec. Las líneas de los tranvías eléctricos unían ya a las amenas villas de Tacubaya, Mixcoac y San Ángel con el ritmo acelerado de la ciudad.Desde las primeras horas de la mañana, la prisa de la gente cambiaba la dirección del aire en las calles, y de noche las luces incandescentes del alumbrado público protegían a los vecinos de colonias acomodadas y las correrías de los transeúntes en perpetuo desvelo. Al empezar el siglo habitaban la ciudad, de acuerdo con el censo general de población, 368,898 capitalinos. Matilda Burgos, a los quince años, se convirtió en la número 368,899.Con la frente apoyada en el cristal de la ventanilla del tren, Matilda observó la lenta aproximación del animal urbano con una mezcla de terror, asombro y desesperación. Era la primera vez que veía edificios. El pulso aumentó de ritmo en sus muñecas y una súbita marea de sangre en la parte posterior del cerebro le ocasionó un efímero dolor de cabeza. Sus manos quietas sobre el regazo y su rostro impávido frente al espectáculo de la ciudad, sin embargo, no la traicionaron. Decidió esconder su miedo. Nadie la vería llorar. Se mordió los labios. Mientras el tren reducía la velocidad y el sobresalto cundía entre los pasajeros antes adormilados, su nueva soledad brilló con color púrpura en sus ojos. El recuerdo del aroma de la vainilla llegó de improviso y, de igual manera, la venció. Una lágrima, antes de que se diera cuenta, rodó por su mejilla hasta alcanzar la comisura de la boca.—Todo va a salir bien, no te preocupes —una voz en tono bajo, mesurado, la sacó abruptamente del ensueño. Con ademanes discretos, intentando evitar que ella sintiera vergüenza, el hombre de tez blanca y nariz aguileña le estaba ofreciendo su pañuelo blanco. Matilda lo aceptó. En una de las esquinas pudo ver las iniciales J.B. bordadas con hilo color café. Le sonrió.—Gracias, señor —el acento pueblerino que salió de sus palabras venía de lejos. De la infancia. Entonces, entre sus brazos, sobre el marchito pecho masculino, Matilda lloró en la ciudad por primera vez.El interior de la Biblioteca Nacional está lleno de murmullos apagados, ecos monótonos que chocan y luego desaparecen en la porosidad de las muros. Joaquín, cuya figura se desliza en las calles, en los bancos y en los comercios con los movimientos de alguien que no acaba de ajustar en la maquinaria de la ciudad, camina por los pasillos del recinto con soltura, serenidad, algo inusitado. En el salón de lectura sólo se escucha el lento paso de las hojas y, a veces, el compás de un par de tacones alejándose sin prisa. Antes de abrir uno de los siete libros que ha acomodado en pila sobre la mesa, Joaquín advierte que la luz del sol matutino forma caprichosas figuras geométricas en el piso. Papantla. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El fotógrafo desea que esa luz ilumine la historia de la mujer, cada ángulo de su rostro, cada marca que el tiempo haya dejado en las rodillas, en los ojos. Más que tenerla dentro de sí y a oscuras, Joaquín necesita tenerla alrededor, luminosa. Como siempre, Joaquín necesita un contexto para aproximarse a una mujer. A los cuarenta y nueve años, todavía es un hombre que se enamora como si tuviera todo el tiempo por delante, y nada más que hacer. Totonacapan. Tajín. Tecolutla. Después de repasar los nombres en silencio, el fotógrafo los escribe sobre los renglones azules de su libreta. Detrás de cada uno, espiándolo sobre el lomo de las letras, los ojos juguetones de Matilda lo miran asombrarse y, luego, contener el sobresalto. Cada información lo aproxima un poco más a ella. Los totonacas arribaron a la zona del Tajín alrededor del año 800 de nuestra era, tiempo después y por razones que permanecen en el misterio, el área fue abandonada hacia el siglo XII. El territorio del Totonacapan iba desde las riberas del río Cazones hasta las del río La Antigua e incluía, sobre un costado de la sierra Madre, a Huauchinango, Zacatlán, Tetela, Zacapoaxtla, Tlatanquitepec, Teziutlán, Papantla y Misantla. Los nombres le sugieren ciénagas remotas, lodazales, paludismo, encarnizadas epidemias pero, poco a poco, a medida que las descripciones de los libros aumentan y la inmensa vegetación llena el espacio con variados tonos de verde, el olor de la miel, la zarzaparrilla, la pimienta, el copal y la vainilla lo transportan a lo que quisiera imaginarse como una parte de paraíso terrenal. En los dibujos de Tierra Caliente, la gente de razón aparece montada a caballo y las mulatas a pie, cubiertas con sencillos vestidos blancos, llevan tinajas de barro sobre la cabeza.La guerra de Independencia estalló pronto en el norte del antiguo Totonacapan y se extendió hasta bien entrada la década de los veintes. Mientras que el dominio militar de la zona no fue estable, se produjeron tomas y retomas de los principales puertos y plazas. En 1812 hubo un asalto insurgente frustrado contra Tuxpan. Al año siguiente los realistas tomaron Tihuatlán, Tepetzintla y Papantla. En 1816 se apoderaron de la importante base de aprovisionamiento insurgente que se encontraba en Boquilla de Piedras. Papantla es atacada de nuevo en 1819. Pedro Vega, Simón de la Cruz y Joaquín Aguilar fueron líderes destacados, aunque el caudillo que sobresalió fue Serafín Olarte, quien cohesionó a numerosos contingentes indígenas y mantuvo una denodada defensa, en su bastión de Coyuxquihui, contra las tropas coloniales. Los nombres se amontonan, los nombres no dicen nada. Las fechas son columpios donde Joaquín mece un aburrimiento largo, una expectación llena de urgencia. «¿Cuando, a qué hora apareces, Matilda?» En las ilustraciones que acompañan a las crónicas y los recuentos históricos, Papantla parece ser un poblado apacible aunque desordenado. Los blancos caseríos, techados con tejamanil o teja, se erigen entre zanjas y elevaciones sin organización aparente.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Cristina Rivera Garza, la escritora mexicana, fue galardonada con el Premio Pulitzer de Biografía 2024 por su libro "El invencible verano de Liliana", publicado en 2021. El premio fue anunciado en las redes sociales de Pulitzer quienes también felicitan a Penguin Libros y a Hogarth Books quienes publicaron la novela en inglés. "El invencible verano de Liliana" cuenta la historia de la hermana de Rivera Garza quien fue asesinada por su ex novio mientras ella cursaba su pregrado en Arquitectura, tenía 20 años. 💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.“El libro es una excavación en la vida de una mujer brillante y audaz que careció, como nosotros mismos, como todos los demás, del lenguaje necesario para identificar, denunciar y luchar contra la violencia sexista y el terrorismo de pareja que caracteriza a tantas relaciones patriarcales”, dijo Rivera al diario Milenio en el 2021, año en que se publicó la obra. ¿Quién es Cristina Rivera Garza?Cristina Rivera Garza es una escritora, poeta y académica mexicana reconocida internacionalmente. Nació en Matamoros, Tamaulipas, México, en 1964. Ha escrito numerosas obras literarias que abarcan diversos géneros, incluyendo novelas, ensayos, cuentos y poesía. Su trabajo a menudo explora temas como la identidad, el género, la violencia y la historia, y se distingue por su estilo innovador y su compromiso con la experimentación lingüística. Ha recibido varios premios y reconocimientos por su obra, incluyendo el Premio Nacional de Novela José Rubén Romero y el Premio Internacional de Novela Rómulo Gallegos, entre otros. Además de su carrera como escritora, Rivera Garza también es profesora de literatura en la Universidad de California, en San Diego.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Empezamos solamente como para ver qué pasaba, qué sucedía; y hoy en día esto nos ha enamorado. Ha estimulado este corazón y el corazón de mis compañeros", cuenta Orlando Velasco, uno de los presos que forma parte de este peculiar grupo de teatro antes de presentarse frente a sus propios compañeros del establecimiento penitenciario y de los familiares de los que actuaron.El grupo de teatro de internos de Tuluá, en el departamento de Valle del Cauca (suroeste), lleva año y medio trabajando en esta obra, haciendo trabajos de voz, de improvisación, "juegos de contarnos las vidas, de ser amigos, sobre todo de ser amigos, de romper las barreras que hay (...) lo que inicialmente sostuvo este grupo de principio a fin", rememora Valeria Giraldo, la persona que estuvo acompañándolos en todo este proceso."Las personas que se inscribieron eran nuevas, nunca habían hecho teatro y simplemente venían porque era más fácil estar en clase de teatro y no en un patio donde cualquier cosa puede pasar a cualquier hora", agrega Giraldo sobre el contexto de los presos que se sumaron a esta iniciativa.Un estímulo al corazónY armar una obra en la cárcel no es fácil, siempre hay cambios de centros penitenciarios o personas en permiso que no pueden asistir a los ensayos.Pero la obra conquistó a estos presos, que siempre estuvieron dispuestos a trabajar sus personajes para salvar la obra y acabaron enamorándose.En una realidad compleja como la que viven los presos en su día a día, algunos se encontraron con el teatro, que se convirtió en una puerta a la liberación y reconciliación que les ayudó a evadirse y a tener un propósito.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."El mejor punto para resocializar a una persona, el corazón", explica Velasco, que tiene 45 años y ha vivido 16 de esos en prisión.El recluso añade: "El teatro estimula el corazón, la sensación es de poder crear un personaje que no eres tú, vivir el personaje de otra persona".Festival Nacional de Teatro CarcelarioEntre el 26 de abril y el 6 de mayo, los internos de las cárceles de las localidades de Anserma, Vélez, Acacías, Puerto Triunfo, Tuluá y Las Heliconias (Florencia), presentan sus obras en cada prisión frente a un jurado de expertos como los actores Mariana Gómez, Santiago Alarcón y Emmanuel Restrepo.La obra ganadora será presentada en un teatro fuera de la cárcel, con acceso a toda la comunidad, "como un esfuerzo por fomentar nuestro objetivo de diálogo y reconciliación", asegura la directora del Festival y de la Fundación Acción Interna, la actriz y activista colombiana Johanna Bahamón. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Fundación Acción Interna (@fundacionaccioninterna) La Fundación Acción Interna es una organización sin ánimo de lucro creada en 2012 por Bahamón con el objetivo de dignificar y mejorar la calidad de vida de la población carcelaria y que ha pagado penas, ayudándolos a transformar su vida, a reivindicarla y a reconciliarse con el resto de la sociedad.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Según informo este lunes el Museo, el lienzo se expondrá en una instalación individual especial, desde el 28 de mayo hasta octubre de 2024.La obra, cuyo propietario se desconoce, fue cedida a la pinacoteca española través de la galería de arte Colnaghi, quien la custodia desde que en abril de 2021 el Prado alertara al Ministerio de Cultura español de que iba a ser subastado un cuadro de relevancia que, en aquel momento, se atribuyó a un alumno de José de Ribera.El cuadro es lo que se conoce como 'un durmiente' ('sleeper'), un término con el que los expertos definen a aquellas obras no identificadas.La obra de Caravaggio podría superar los 100 millones de euros en una subasta, pero al estar protegido y no poder salir de España su cifra será mucho menor.Desde su aparición, el 'Ecce Homo' se convirtió en "uno de los mayores descubrimientos de la historia del arte", informó el Prado, "logrando un consenso sin precedentes en lo que a su autentificación se refiere".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Tras una "profunda investigación diagnóstica", la restauración se llevó a cabo de "manera rigurosa y rigurosa", y cada decisión se apoyó en una evaluación exhaustiva de los materiales de la obra y el historial de conservación del cuadro, "reafirmando la atribución inicial al maestro italiano".En concreto, la obra, propiedad de la familia Pérez de Castro, fue vendida a un comprador que se mantiene en el anonimato, según contaron a EFE fuentes del Prado, en una subasta o compra particular.Y éste nuevo propietario contrató los servicios de Colnhagi, una de las firmas de anticuarios más antiguas del mundo y que ya fue responsable de vender -por más de cien millones de euros- otro Caravaggio encontrado en 2016 en un ático de Toulouse.Cuando el cuadro apareció por primera vez al público en 2021 en la casa de Subastas Ansorena, fue presentado como 'La coronación de espinas' y estaba atribuido al Círculo de José de Ribera (S.XVIII). Su precio de salida eran 1.500 euros, muy por debajo incluso para esa calificación, según todos los expertos.Hasta entonces había estado en el piso de la familia Pérez de Castro, en el barrio de Salamanca (Madrid), quienes, según se supo poco después, eran descendientes de Evaristo Pérez de Castro, político, académico, redactor de la Constitución de 1812 y gran coleccionista de arte.El óleo representa el motivo histórico del gobernador romano Poncio Pilato presentando a Cristo al pueblo con las palabras 'Ecce homo' ('He aquí el hombre'), uno de los momentos más dramáticos de la Pasión, recogido en el Evangelio de Juan."La obra es un poderoso ejemplo de la maestría de Caravaggio en cuanto al proceso de concepción: una hábil composición que presenta una escena tridimensional y dinámica totalmente innovadora dentro de los límites de una tradición iconográfica arraigada", matizaron desde la pinacoteca española.La presentación del 'Ecce Homo' y el anuncio de su préstamo -"en un acto de generosidad de su nuevo propietario", según el Prado- llevan también aparejada la edición de una publicación que reúne a expertos en la materia.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"No me gusta celebrar tal cosa, pero tengo que aceptarlo. Nunca he sido amante de mucha fiesta, pero estaré tranquilo en mi casa con mis hijas y mis nietos", adelantó el percusionista y director de orquesta, que tiene cuatro hijos -tres féminas y un varón-, seis nietos y un bisnieto.Nacido en Coamo, en el sur de Puerto Rico, el 6 de mayo de 1924, Rosario dio sus primeros pasos en la música como miembro del Conjunto Coamex y luego se definió por el timbal, inspirado por el estilo de Tito Puente, tras verlo tocar en el famoso salón de baile neoyorquino El Palladium.Posiblemente el artista en activo más longevo del mundo"Nunca pensé que llegaría a los 100 años. Yo estaba lo más bien hasta que cumplí 96. Yo nací en una familia bien pobre, nunca supe de cumpleaños, bizcochos ni nada de eso. A los 90 estaba trabajando bien, pero cuando me trajeron una parranda para celebrar los 96 años, ahí que dije, caramba, la cosa va pa' largo", relató.Pese a su longevidad, la única limitación física que se le refleja a 'Míster Afinque', uno de varios motes de Rosario, es su caminar, lo que en ocasiones tiene que hacer asistido de una o dos personas, y el uso de unos aparatos pequeños en sus oídos para mejorar su audición.Aun con el problema de movilidad, Rosario continúa tocando su inseparable timbal y dirigiendo su orquesta, cuya gesta debe ser considerada para ingresar al Libro de Récords Guinness como el artista activo más longevo del mundo."Yo siempre he sido una persona sana, pero no es cuestión de si soy sano y llegar a esta edad por ser sano, pero soy sano porque es la voluntad de Dios", indicó el fiel creyente.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sigue complaciendo a su públicoComo preámbulo a su centenario, Fernando Luis Rosario Marín, nombre de pila del artista, celebró su cumpleaños con un concierto el pasado 27 de abril en un atestado Coliseo de Puerto Rico, en San Juan, en el que participaron los veteranos cantantes Gilberto Santa Rosa, Tony Vega y Chamaco Rivera."Hacer música me hace feliz, porque cuando subo a la tarima, pues trato de complacer al público. No estoy pensando en que me voy a tanto dinero, nunca he pensado en esa forma; voy a la tarima a tocar", sostuvo el legendario timbalero.Fue en Nueva York donde decidió formarse como músico de la mano de su compadre Willie Rodríguez, para luego integrarse en la orquesta de Johnny Seguí.A su regreso a Puerto Rico, Rosario se quedó con la orquesta, que en 1987 se convirtió en la primera agrupación de salsa en ser nominada a un Grammy anglosajón al Mejor Álbum Tropical por su disco Nueva Cosecha.La incorporación del saxofón barítono a su propuesta fue lo que llevó a Rosario a triunfar con éxitos como De Barrio Obrero a la 15, La cuesta de la fama, Lluvia y El callejero.Su biógrafo resalta su "energía y precisión"Para su biógrafo Robert Téllez, la oportunidad que tuvo Rosario de liderar su orquesta "con energía y precisión, demuestra la importancia y el impacto duradero que su obra ha tenido en Puerto Rico y Latinoamérica"."Musicalmente, este logro desafía las expectativas y rompe con cualquier límite, desatando más que admiración por la habilidad y la dedicación de Rosario a su arte a lo largo de los años", explicó."También es un testimonio del poder transformador de la música y de la capacidad del ser humano para trascender las barreras del tiempo a través de la expresión artística", añadió Téllez, quien recientemente lanzó la segunda edición de la biografía autorizada de El Rey del Ritmo.El biógrafo reconoció, además, el valor y visión musical de Rosario de integrar un saxo barítono con cuatro trompetas en una agrupación de salsa, lo que resultó ser un concepto sonoro único y distintivo que ha perdurado durante 65 años.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.