¿Qué significa el acto de arrancar los ojos? ¿Es posible restituir la mirada? ¿Es posible que los ojos vuelvan a ocupar su lugar? ¿Es posible recuperar con ellos toda la memoria arrasada? son algunas de las preguntas que evoca Arrancar los ojos, la nueva exposición que se instala en FRAGMENTOS, Espacio de Arte y Memoria, desde el próximo jueves 17 de agosto.“El proyecto nace de la conmoción por los sucesos trágicos que se vivieron fundamentalmente en Colombia y Chile en el marco de una crisis social y política que ha dejado a cientos de personas con traumas oculares, debido a los perdigones lanzados por la policía durante las manifestaciones. Algunas de las víctimas han perdido uno o los dos ojos. La policía apunta directamente a la cabeza, no sólo en Colombia y Chile, sino también en Palestina, Cataluña, Francia, Hong Kong, el Líbano, Brasil, Cachemira. ¿Dónde más? ¿Desde cuándo? Esta metodología represiva viene evolucionando desde el conflicto palestino-israelí: balas dirigidas a los ojos de los manifestantes para cegar, mutilar. Se trata de un cambio de paradigma en la violencia policial, un giro que va del “derecho a matar” al “derecho a discapacitar"", escribió Gabriela Golder en el texto de presentación de su obra.Arrancar los ojos es el proyecto ganador de la Convocatoria de Fragmentos 2021, propone un recorrido reflexivo y poético a través de cinco obras que estarán exhibidas en los distintos espacios del contramonumento: En la semioscuridad de la primera sala, la videoinstalación Un dolor que recuerda por qué duele presenta diez relatos de las víctimas de trauma ocular en Colombia durante las manifestaciones sociales ocurridas entre el 2016 y el 2021. Las entrevistas fueron realizadas en mayo de 2022 en Bogotá e incluyen la lectura de la carta que escribió Sandra Pérez, madre de Sara Cárdenas, también víctima de trauma ocular, a la Comisión Interamericana de Derechos Humanos.En las paredes de este mismo espacio se encuentra Formas de decir, una pieza conformada por 56 placas de aluminio que esculpen en braille las infinitas maneras de enunciar que hay cientos de rostros sin ojos, porque alguien los tomó y se los robó para siempre: Sacar los ojos, extirpar los ojos, exhumar los ojos, vaciar los ojos, remover los ojos, eliminar los ojos, hurtar los ojos, desechar los ojos, apresar los ojos, despojar los ojos, incendiar los ojos, exiliar los ojos… Un ejercicio de escritura, memoria, repetición y resistencia. Un llamado reiterativo a la conciencia social y humanitaria para que estos hechos no se repitan.El recorrido continúa en la sala de proyecciones con Desde el campo de batalla, una pieza audiovisual donde cuatro locutores narran incansablemente desde el campo de batalla, los hechos relacionados con la violencia policial y la represión a los manifestantes en Francia, Colombia, Chile y Hong Kong.En frente de esta sala, 20 esculturas integran la serie De los ojos que se mueven amparados por su furia. Una pieza insistente en escribir lo indecible, imaginando otras formas de nombrar la atrocidad, la barbarie. Decir hasta que el cuerpo se canse, hasta que duela; hasta que la palabra se vuelva insoportable. Dejar huella, excavar, resistir a pesar de la desaparición intencionada de las pruebas.Al final, en la sala principal de Fragmentos se impone la videoinstalación Arrancar los ojos, una puesta en escena de grandes pantallas con material audiovisual de archivo, cuerpos en tensión ensayando formas de resistencia, imágenes de cráteres en el sur de Argentina que se asemejan a los ojos de la Tierra, consignas cantadas en manifestaciones populares de distintas regiones del mundo, cronologías, textos científicos y periodísticos, fragmentos de textos míticos relacionados con la acción de quitar los ojos. La obra incluye una canción de La Mujer Cabra, compuesta para la exposición a partir de la investigación realizada por la artista.Represión en la mira: cifras y antecedentes en ColombiaEl informe “Represión en la mira. Lesiones oculares en el marco de las protestas en Colombia”, registra 169 casos de traumas oculares ejecutados por el ESMAD desde su creación en 1990 hasta junio de 2022. Según el MOCAO y la Campaña Defender la Vida Asunto de Todas –DLAT-, participantes del informe, 48 de estos casos ocurrieron hasta diciembre de 2020, incluyendo allí a las 25 víctimas oculares de las protestas del 21N de 2019, de las cuales 13 sufrieron la mutilación total de uno de sus órganos y los demás, pérdida de visión en alguno de sus ojos.Durante el estallido social de 2021 el aumento de este tipo de agresiones fue alarmante: 116 participantes de las protestas, en distintas ciudades del territorio nacional, resultaron gravemente lesionados en sus ojos. Según la ONG Temblores, entre el 28 de abril y el 20 de julio de ese año, en su plataforma Grito se registraron 103 víctimas de impactos en el rostro con granadas lacrimógenas o, en su mayoría, balas de goma, de las cuales 14 perdieron uno o dos de sus ojos y otras 14 quedaron con pérdida total de visión. Las secuelas físicas, sociales y sicológicas de estas graves lesiones son incalculables. Sin embargo, la mayoría de estas personas se construyen hoy desde la esperanza, la memoria y el activismo, como un ejemplo de resistencia y con un enérgico latido de vida. Como una necesidad de seguir vislumbrando un futuro aún cuando todo se ha apagado.¿Quién es Gabriela Golder?Artista visual, profesora en Argentina y en el exterior y directora de la Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM). También es curadora de El Cine es Otra Cosa, ciclo de cine y video experimental del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Realizó sus estudios de grado en la Universidad del Cine y un Master en Hypermedia en la Université Paris VIII, París, Francia. Es profesora titular en la Universidad Nacional de Tres de Febrero y en la Universidad del Cine. Trabaja en video, instalaciones e intervenciones site specific. Sus inquietudes creativas giran alrededor de la memoria, la identidad, la violencia institucional y el mundo del trabajo. Sus obras han merecido múltiples reconocimientos y se han exhibido en diversos espacios a nivel internacional desde 1995 a la fecha.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El nombre completo de la muestra es "Wak’añ Waka. Fajas protectoras y formadoras de la vida", porque busca reflexionar sobre la conectividad entre estos textiles y la crianza dentro de las cosmovisiones indígenas, comentó a EFE la directora del Musef, Elvira Espejo.En aimara existe el término "wak'a" que quiere decir "un lugar sagrado, lleno de energías, que protege la vida", explicó Espejo, que es una destacada indígena tejedora, artista plástica, documentalista y gestora cultural.Pero "wak'a" también se emplea para referirse a la faja, es decir que "también es parte de esa dinámica de la crianza de la vida, como por ejemplo gestar en este caso el feto en el vientre (y) proteger con la faja", dijo.Así, las mujeres gestantes protegen sus vientres con fajas, como ocurre en las zonas cercanas al lago Titicaca, compartido entre Bolivia y Perú, donde usan los llamados "puyu wak’as" que llevan diseños similares a una especie de ojos, comentó. Cuando las "wawas" o bebés nacen, se les envuelve con fajas y cuando los niños ya pueden gatear, nuevamente se les coloca este textil alrededor de la cintura para protegerlos.Estas piezas textiles están presentes durante el crecimiento de la persona y en algunas circunstancias especiales, como cuando toca conformar una familia, y las hay "de muchos colores, en una gran variedad de tamaños y formatos", mencionó Espejo.El ciclo continúa durante la tercera edad, donde se usan otros tipos de fajas, y "finalmente en el fardo funerario" se emplea una de más de 10 metros de largo para envolver el cuerpo del difunto "para desearle la larga vida" en el más allá, agregó.La exposición refleja esto en unos paneles gigantes instalados en una parte de la sala con ilustraciones del cronista Felipe Guamán Poma de Ayala que muestran cinco etapas del ciclo de la vida: un niño gateando, otro un poco más grande en el campo, una joven, un padre y su hijo y finalmente un anciano, todos vistiendo fajas. A un costado se expone una momia envuelta en una colorida faja, con una explicación sobre el ritual funerario andino.La parte central muestra algunas simbologías relacionadas con el concepto de la crianza con la faja y el respeto por la Madre Tierra, los animales y las plantas, mientras que alrededor de la sala se muestran algunas otras piezas textiles y conocimientos sobre sus usos rituales según la edad de la persona.Las fajas no son exclusivas de los aimaras, pues son parte de la vestimenta de otros pueblos indígenas como los quechuas, que las llaman "chumpi" o "chumpikuna", los urus o los guaraníes, entre otros.Amplia investigaciónLa exposición es un resumen de una investigación previa realizada por Espejo junto a Edwin Uzquiano, el co-curador de la muestra, a partir de la colección de fajas que resguarda el museo, organizadas de acuerdo a su época, función y características individuales.Según Espejo, la investigación permitió reflejar por un lado la diversidad del territorio boliviano a partir del material que se emplea para tejerlas en las distintas zonas. Por ejemplo, se encontraron unas fajas de la región del Chaco hechas con fibra de algodón con tonos cafés rojizo, claro y medio.Hay otras hechas con hilo de garabatá, que es una fibra vegetal, y también están las del Altiplano, que se hacen con las fibras de animales como llamas, alpacas y vicuñas.Los abordajes fueron igualmente diversos, pues se vieron aspectos arqueológicos, históricos, etnográficos y lingüísticos, y todo eso está plasmado en un catálogo de 400 páginas que se publicará próximamente como complemento a la exposición.Además se podrá ver la fusión de formatos e iconografías desde las épocas prehispánicas a la colonia, o la reciente adquisición de materiales artificiales como el hilo acrílico, entre otros. La muestra estará abierta por un año en el Patio Siglo XX del Musef. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El arte es resiliencia. Por medio de esto, se pueden superar muchos obstáculos, estigmas, porque La 13 y acá somos lugares estigmatizados por su historia", asegura Daniela Velásquez, una grafitera de 34 años más conocida como La Crespa.La Comuna 13 es un ejemplo. Esta barriada en lo alto de Medellín, que a finales del siglo XX se disputaban guerrilleros y paramilitares, logró dejar atrás sus grises y estrechas escaleras con una explosión de color gracias al arte urbano.La "ciudad de la eterna primavera", cuna del narcotraficante Pablo Escobar, inició en los años 2000 su "metamorfosis" hacia un lugar pacificado y atractivo cuyo máxime exponente es el barrio de "La 13", que visitan ahora miles de turistas."Queremos transmitir que se puede salir adelante, dejar la violencia atrás y entender que sí se puede. Porque muchas veces está en el pensamiento: ¿Qué hacemos si no hacemos violencia?", abunda Cristian Álvarez, alias Bicho, de 32 años.Con el apoyo de la embajada de Colombia y la ciudad de Marsella, estos artistas de la Casa Kolacho comparten su experiencia con los habitantes del gran puerto francés del Mediterráneo, golpeado por la violencia vinculada al narcotráfico.Desde inicios de año, 23 personas murieron en ajustes de cuentas por tráfico de drogas, según un recuento.Aunque el tráfico esta focalizado especialmente en un sector, la mala reputación es lo que más pesa sobre el conjunto del barrio de Saint-Mauron, uno de los más pobres de Marsella y donde crean su mural. "En ningún momento me he sentido en peligro acá", explica La Crespa."Trópico y Mediterráneo"Armados con aerosoles, los grafiteros plasman su mensaje de "vida" y "libertad" en un mural de 70 m2 en la fachada de Méta 2, el centro de arte urbano que los acoge desde mayo, con la forma de un cotorra de Kramer y de una palenquera de "mirada pícara"."Esta es una fusión entre el Trópico y el Mediterráneo", asegura La Crespa, enfundada en su overol salpicado de colores. Los aguacates comparten cesta con mandarinas, manzanas o uvas en la cabeza de la mujer, sobre un fondo de tonos azules y anaranjados.Este mural, que se inaugurará el sábado, pasará a formar parte del circuito del Museo de Arte Urbano de Marsella (MauMA), un proyecto iniciado en 2021 e inspirado del "Graffitour" de La Comuna 13, del Paris 13 y del Wynwood de Miami.El objetivo es "vivir el espacio público de otra manera, de una forma libre, rebelde", explica Johanna Carvajal, investigadora y gestora cultural franco-colombiana de 39 años y una de las impulsoras de exportar la idea del "Graffitour" medellinense.El MauMA busca cubrir de obras y dinamizar los barrios de "mala reputación", en palabras de Carvajal, del centro y del norte de Marsella, especialmente del tercer distrito donde Méta 2 tiene su sede.El rostro de una mujer uigur del artista local Mahn Kloix, "La Gioconda de Marsella" o la cara de una mujer mestiza de la grafitera colombiana "Zurik" forman parte de este circuito, que la oficina de turismo propone. El nuevo mural será el número 13."Vamos a conseguir que la gente visite lugares donde antes tenía miedo ir", apunta Aurélie Masset, de 45 años y directora artística de Méta 2 y del MauMA, esperando que la transformación conocida en "La 13" opere también en Marsella en beneficio de sus habitantes.Talleres para niños como los importados por los artistas colombianos o formaciones de inserción para jóvenes en el sector de la construcción son otras de las iniciativas. "No vamos a cambiarlo todo (...), pero al menos aportamos nuestro grano de arena", concluye Masset. Le invitamos a conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Manzur, quien vive y tiene su estudio en Barichara, localidad ubicada en el departamento de Santander , explicó que siempre está "luchando contra David Manzur, mejorándolo, claro"."No he logrado ese cuadro soñado y por eso sigo pintando", dijo y añadió que "el cuadro soñado está en la mente, no está en la realidad, es decir, cuando me preguntan cuál es su mejor cuadro digo que es el que no he hecho".El pintor asistió el pasado jueves al Museo de Arte Moderno de Cartagena (MAMC) donde se inauguró la exposición "Espacio, Tiempo y Memoria", compuesta por 35 de sus pinturas, una síntesis de su obra realizada a través de 70 años de vida artística y que estará abierta hasta el 1 de agosto próximo.Con una notoria vitalidad física y anímica Manzur dijo durante la exposición en su honor: "soy un viejo de 93 años, pero me siento de 20 trabajando y me siento feliz acá".Rememoró que "el sentido escolástico de la austeridad" que tiene lo adquirió de su crianza en España donde vivió durante la segunda guerra mundial internado en colegios católicos en las Islas Canarias."Unos de mis pintores favoritos serían Velásquez y Picasso, y fíjate que Goya, Velásquez y Picasso son un trío que marca la historia del arte en el mundo", aseguró.El artista dijo que espera que "la exposición sea visitada por jóvenes interesados en el arte o que quieran empezar una carrera como artistas para que puedan ver de primera mano y aprender tanto de mis aciertos como de mis errores".Manzur nació en Neira, Caldas el 14 de diciembre de 1929 y es uno de los pocos artistas que están vivos de una generación de la que hicieron parte Alejandro Obregón, Enrique Grau, Edgar Negret y Eduardo Ramírez Villamizar.Es pintor, grabador y dibujante; a lo largo de su vida se ha interesado por el teatro, la música, la historia del arte y la civilización, la fotografía, la literatura, la religión y la astronomía.El arte útil del arte inútilLa diseñadora colombiana Lina Cantillo se sumó al homenaje con la colección "David Manzur", inspirada en la paleta de colores y las texturas que usa el pintor y que quedó plasmada en piezas únicas que se combinan entre sí y que muestran el ADN de esta diseñadora barranquillera.Los diseños de Cantillo se mostraron con una pasarela en el Museo de Arte Moderno de Cartagena que estuvo precedida por la de Manzur."Nunca antes había hecho una colección como esta, tan llena que me apasiona el alma, los pinceladas, su obra, su arte, su esencia, fue una musa inspiradora y me llegó al alma oírlo hablar de sus pinturas, la forma de ver el arte de distintas maneras, y esta colección en su honor se llama el arte útil del arte inútil", dijo Cantillo.En este sentido, Manzur afirmó que "la palabra inútil es por aquello de que el arte se diferencia de cualquier otra cosa, del diseño, el diseño es útil, es necesario para algo, y el arte tiene que ser absolutamente separado de cualquier utilidad que no sea la visual".El artista manifestó que "es un honor que una diseñadora de la talla y talento de Lina Cantillo haya querido basarse en mi trabajo para construir una colección completa"."Ella es una mujer muy valiosa para Colombia, tiene una creatividad y una visión que me hacen admirarla profundamente", concluyó. Recuerde conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
La segunda subasta del año de la Casa Lefebre, se destacará por su gran selección de obras de arte y decorativas que atraviesan distintas épocas, estilos y técnicas. Se llevará a cabo el próximo miércoles 31 de mayo de manera presencial o por la aplicación de Lefebre. Esta subasta cuenta con obras de arte que van desde el siglo XVII hasta la actualidad. En total son 203 lotes distribuidos en: pintura antigua, joyas, monedas y libros, artes decorativas y muebles y, por último, arte moderno y contemporáneo. Este último cuenta con obras muy variadas que van desde arte figurativo, hasta arte cinético, abstracto, urbano y medios variados como pintura al óleo, pastel, acuarela y una gran variedad de obras gráficas. Los artistas nacionales más destacados que harán parte del evento son: Ana Mercedes Hoyos, Fernando Botero, Alejandro Obregón, Jim y Olga de Amaral, Carlos Jacanamijoy, Nadin Ospina, Beatriz Gonzales, entre otros.Dentro de los lotes más destacados se encontrarán piezas como un relieve de Ramírez Villamizar, artista que se caracteriza por sus composiciones perfectamente construidas a partir de geometrías y colores planos. Sus relieves son una representación del estilo minimalista, abstracto y geométrico. También hay un interesante collage de Edgar Negret titulado “Aparato mágico” (1954), se trata de una pieza que consigue amalgamar operaciones y conceptos como lo maquinal y lo mágico, lo artesanal y lo industrial, lo colorido y lo incoloro, en una única propuesta artística de peso y seriedad que incluso hasta el día de hoy se mantiene como parte vital de la historia del arte latinoamericano.Otro artista que vale la pena nombrar es Carlos Jacanamijoy; su obra está llena de grafismos y gestos con el pincel, una forma de construcción donde la intuición y la sensibilidad ocupan un papel muy importante. Las obras de Jacanamijoy evidencian su legado como parte de la comunidad Inga, un pueblo con una comunicación y una forma de relacionarse con el entorno muy rica que gracias al arte hoy perdura, se nos comunica y se nos comparte.El miércoles 31 de mayo se realizará la subasta en la cual se podrá participar, además de manera presencial, por medio de la aplicación Lefebre Subastas, (disponible en la Apple store y Google play) y en la plataforma de subastas internacionales Invaluable. Puede revisar aquí el catalogo.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Son mujeres, artistas y comparten su origen latinoamericano. También, su forma de interactuar con el entorno: pintan murales y lo hacen en la ciudad que eligieron para vivir: en Berlín. "El arte urbano es una herramienta perfecta para llegar a un público amplio y diverso”, dice Rommygon (Rommy González). Además, "es un espacio abierto a todos y todas quienes quieran intervenir, fuera de las convenciones artísticas tradicionales, fuera de las galerías y los museos”, apunta la artista nacida en Santiago de Chile y residente en Berlín desde hace una década."Es un arte visceral, muchas veces con sentido político o social, y muchas veces, sin sentido. Es un lienzo abierto que proporciona un sentido de pertenencia a la comunidad, ya que pertenece a todos y a nadie al mismo tiempo. Es un regalo”, define poéticamente la muralista sudamericana."El arte que se hace en la calle tiene el potencial de generar un cambio de manera directa con el público. Es como entregarle a la arquitectura un alma encendida”, define, por su parte, la artista colombiana Carolina Amaya.Los desafíos de pintar muralesAsimismo, "los murales son como la vida: temporales. Ese mural al que le doy toda mi energía, algún día va a ser borrado”, sostiene, realista, en entrevista con este medio.Cada mural es un reto personal: el clima, la altura, todo es una aventura, y eso me encanta”, afirma, en tanto, Jumu (Jurena Muñoz), de madre peruana y padre chileno. "Además, pintar murales requiere mucho movimiento del cuerpo, y es casi como bailar en las alturas, bajo el sol”, grafica la muralista en diálogo con DW."Hay muchas razones por las cuales pintar murales es una de mis pasiones”, cuenta, en tanto, Caro Pepe. "Hay algo muy particular en el desprenderse de la obra inmediatamente después de terminarla, y que la obra sea tanto de todos, como de nadie”, explica. "Cada mural es un desafío personal, ninguno es igual al otro”, afirma.¿Qué la motiva? "El deseo de que el arte llegue a todas partes y de llenar de color las ciudades”, apunta la artista, nacida en la argentina provincia de Corrientes."Al aire, libres”Así, movidas por el impulso de querer compartir su arte y la certeza de saber por qué, no pierden oportunidad de dejar su impronta a la vista de quien quiera mirar.Es el caso del Festival "Al aire, libres” estrenado el año pasado en la capital alemana, creado por el arquitecto y curador chileno José Aguad, con el objetivo de "explorar nuevos formatos con los que poder llevar arte al espacio público, donde las personas puedan ver arte libremente y disfrutar del proceso de desarrollo de la obra”, según cuenta Caro Pepe, una de las cuatro artistas convocadas para el evento."En un espacio y estilo artístico esencialmente marcado por la presencia y los códigos territoriales de los hombres, las mujeres han inaugurado un espacio que habla no solo de su visión del mundo a través del arte, sino también de su lucha por acabar con el acoso y la violencia que son comunes en la ciudad”, destaca la muralista argentina sobre la iniciativa.Impronta latinoamericanaAsí, en la ciudad y en grandes dimensiones, las artistas acercan miradas, historias, y el acervo cultural del continente que las vio nacer. "Manejo colores que son elevados, vitales, llenos de pasión y emoción latina, colores que revelan toda una cultura que, simplemente, llevo en la sangre”, sostiene con orgullo la talentosa artista bogotana Carolina Amaya."Mis grandes influencias vienen en su mayoría de mis recuerdos, de las excursiones por el barrio, los paseos a la montaña y las largas vacaciones que tuve la suerte de tener con mi familia, recorriendo en carpa el norte de Chile”, cuenta, por su parte, Rommygon, con brillo en la mirada."Siento una conexión profunda con la cultura precolombina, especialmente con los mayas, aztecas e incas. Sus bailes tradicionales, festividades y máscaras me inspiran, y los interpreto en mi arte con un toque de libertad creativa”, concluye, por su parte, Jumu.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
El Retiro convirtió sus zonas comunes en galerías de arte, con obras de 90 artistas el centro comercial estrena su segunda edición de esta muestra trayendo el arte al público de una manera única y dando a conocer el trabajo de artistas inigualables como Omar Rayo o Marcelo Wong. Los asistentes se encontrarán con distintas técnicas que identifican a cada uno de los artistas, por ejemplo, las obras del maestro Edgar Negret con dobleces, tuercas y tornillos; Hugo Zapata, Pez Barcelona, Tot Cat, Chicadania; artistas que han llevado su arte a festivales internacionales de Barcelona, Moscú, Bahamas y otros lugares del mundo. Por su parte MAMBO, El Museo de Arte Moderno de Bogotá, cumplió 60 años y para celebrarlo eligió al Retiro para exponer la colección Voz a Voz, un proyecto que nació de la pandemia donde artistas colombianos de diferentes generaciones crearon esta obra inédita que tiene como objetivo difundir reflexiones sobre el aislamiento, la soledad, la crisis social, entre otras temáticas contemporáneas.Algo a resaltar es lo maravilloso que es tener el arte cerca y poder disfrutarlo en otro contexto distinto al que ya se conoce, esta también es una oportunidad para descubrire artistas que no hayamos conocido antes.Aparte de exposiciones de arte contemporáneo y emergente, estará expuesta también la fotografía de moda de Santiago Quiceno que con su cámara plasma lo mejor del estilo, el color, el brillo, y las texturas que se convierten en tendencia.Por otro lado esta muestra también tendrá presentaciones de música clásica para todos los gustos y edades y un taller de pintura con el Maestro German Tessarolo que con su técnica invita a los asistentes a olvidarse de los procedimientos y combinaciones para dejar volar la imaginación plasmando con un pincel en el papel sus sentimientos y sueños.El evento estará disponible en los pasillos del centro comercial El Retiro en Bogotá hasta el 12 de abril, nosotros asistimos y le dejamos aquí como fue nuestra experiencia visitando la exposición. Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
Debido a esa construcción, distintos activistas realizaron la monumental pintura que plasmaron en el muro fronterizo en la ciudad mexicana de Tijuana, que limita con San Diego, California.Se trata de una obra de los artistas mexicanos Chris Cuauhtli y Javier Salazar Rojas en la que se observa ese acercamiento entre Trump y Biden, imagen que va acompañada con una leyenda en inglés y español que dice: "Dios mío, ayúdame a sobrevivir este amor mortal".La activista Tania Mendoza declaró que es "una representación de la icónica imagen de los años 90, cuando ocurrió la caída del Muro de Berlín". "(Es) una manera de manifestarnos en contra de estas decisiones absurdas que se están tomando y están dañando a la comunidad migrante", indicó a medios.Un muro que divideLa organización Amigos del Parque Binacional de la Amistad lleva varios meses solicitando que se detengan estas obras y también se opone a esta reconstrucción del muro, que contempla renovarlo y levantar unos 10 metros de edificación. También han señalado los daños a este espacio, que ha sido representativo para la reunificación familiar.El muro también adquiere relevancia tras el incendio que dejó esta semana cerca de cuatro decenas de migrantes muertos en una estación del Instituto Nacional de Migración (INM) en Ciudad Juárez, en la frontera con la ciudad estadounidense de El Paso, Texas.Mendoza dijo a medios que con la reconstrucción del muro "se sigue poniendo en riesgo a los migrantes que buscan cruzar hacia Estados Unidos y, sobre todo, que se daña la flora y fauna que existe en esta región binacional".En tanto, Daniel Watman, coordinador de dicha organización, dijo a la prensa que "están aquí (los trabajadores contratados para dicha obra), destruyendo el parque". Pese a la insistencia de preservar un espacio que "ha significado esa relación cordial y bilateral que durante muchos años se ha mantenido entre ambos países", como lo hizo saber Watman, el Gobierno estadounidense no ha hecho caso a las protestas y desde hace varias semanas se ha visto a personal trabajando en las obras.Familias separadas y migrantes a la deriva Watman señaló que para él es importante documentar el proceso "porque de esta manera le puede llegar a mucha más gente lo que se está realizando y los efectos que esto puede provocar", principalmente el que las familias separadas ya no puedan reencontrarse. "Me hace sentir triste, pero documentando en general siento que es posible detener esto. Hay mucho apoyo para detenerlo y de esta manera quizás lo lograremos", recalcó.La Oficina de Aduana y Protección Fronteriza de Estados Unidos (CBP, por sus siglas en inglés), anunció en febrero el comienzo de estas obras, impulsadas en su momento por Trump y que ahora retomó el Gobierno de Biden, lo que activistas ven como una traición. "Es triste ver cómo Biden al final nos mintió, pues nos dijo que ya no se construiría ni un pie más del muro, pero Biden rompió sus promesas, y que triste que entre ello se pueda perder este espacio tan simbólico que permitía a las familias verse, aunque fuera a la distancia", sentenció Mendoza.México vive un flujo migratorio récord, con 2,76 millones de indocumentados detenidos en la frontera con Estados Unidos en el año fiscal 2022 y, de acuerdo con los datos facilitados por la Organización Internacional para las Migraciones (OIM) el pasado martes, el flujo migratorio aumentó un 8 % en territorio mexicano.Escuche lo mejor de la música clásica por la señal en vivo de la HJCK.
La IAG, que sin intervención humana crea contenido nuevo a partir de la recopilación de información existente, es capaz de dibujar un perro como lo haría la dibujante Sarah Andersen, o una ninfa como lo haría la ilustradora Karla Ortiz. Las nuevas obras se hacen sin el consentimiento, el crédito o la compensación de su autor: las tres "C" en el centro de la lucha contra esta apropación.En enero, artistas como Andersen y Ortiz presentaron ante una corte federal estadounidense una demanda colectiva contra las empresas detrás de DreamUp, Midjourney y Stable Diffusion, tres herramientas de IAG para crear arte a partir de miles de millones de imágenes tomadas de internet.Andersen dijo a la AFP que se sintió "íntimamente agraviada" la primera vez que vio un dibujo creado por IAG en el estilo de su cómic "Fangs". Su reacción de indignación en Twitter se viralizó y otros artistas se le acercaron con casos similares. Quienes apoyan la demanda esperan fijar un precedente contra los generadores de IA artísticos.Los artistas quieren poder aceptar o rechazar que sus obras sean utilizadas por una de estas herramientas. También quieren una compensación adecuada. Se podría idear un "sistema de licencias", señaló Ortiz, pero advirtió que debe ser justo. No se trata "de recibir centavos mientras la empresa se embolsa millones", insistió esta ilustradora que ha trabajado entre otros para Marvel Studios."Fácil y barato"En las redes sociales, los artistas comparten historias de cómo la IAG les ha hecho perder trabajos. La demanda señala que un diseñador de videojuegos llamado Jason Allen ganó el año pasado una competencia de la Feria Estatal de Colorado con arte creado con Midjourney. "El arte está muerto, amigo. Se acabó. La IA ganó. Los humanos perdieron", dijo Allen al New York Times.El Museo Mauritshuis de La Haya generó controversia al exhibir una imagen creada con IAG inspirada en "La joven de la perla" de Vermeer. Y el Ballet de San Francisco fue cuestionado por utilizar Midjourney para su campaña de promoción de "El cascanueces". "Es fácil y barato, por lo que incluso las instituciones no dudan (en usarlo), aunque no sea ético", dijo Andersen.Las empresas demandadas no respondieron a las solicitudes de comentarios de AFP. Pero Emad Mostaque, el jefe de Stability AI, desarrolladora de Stable Diffusion, ha descrito la AIG como una "herramienta" que puede proporcionar nuevas formas "de idear". Según él, permitirá que más personas se conviertan en artistas.Los críticos no están de acuerdo. Cuando una persona le pide a un programa informático que copie un estilo artístico, esto no convierte a esa persona en un artista. Mostaque ha dicho que si las personas eligen usar la IAG de manera poco ética o para violar la ley, "ese es su problema", no el de la tecnología en sí."El gato y el ratón"Es probable que las empresas que se defienden de las reclamaciones de derechos de autor de los artistas aleguen "fair use" (uso razonable), una especie de cláusula de excepción a los derechos de autor, explica el abogado y desarrollador Matthew Butterick."La palabra mágica utilizada en el sistema judicial de Estados Unidos es 'transformador'", dijo. "¿Es este un nuevo uso del trabajo protegido por derechos de autor o reemplaza al original en el mercado?" Los artistas han recurrido no solo a los tribunales, sino también a la tecnología para defenderse de la IAG.Un equipo de la Universidad de Chicago presentó la semana pasada el software "Glaze". El programa agrega una capa de datos sobre las imágenes que, si bien es invisible para el ojo humano, "actúa como un señuelo" para la IAG, dijo Shawn Shan, estudiante de doctorado a cargo del proyecto.La iniciativa es recibida con entusiasmo, pero también con escepticismo. "La responsabilidad de adoptar estas técnicas recaerá en los artistas", se lamentó Butterick. "Y va a ser un juego del gato y el ratón" entre empresas e investigadores.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Nacida en Puerto Rico y radicada en California, Ortiz es una diseñadora, ilustradora y pintora que ha trabajado para Ubisoft (videojuegos), Marvel Studios (Dr Strange) y editoriales (como Wizards of the Coast, la editora del juego de cartas Magic), y expuesto en diferentes galerías.Pero ahora su profesión podría verse completamente interrumpida por IAG, la tecnología detrás de aplicaciones como ChatGPT, que puede generar contenido nuevo, desde ilustraciones y poemas hasta códigos de computadora, recopilando información en internet.En abril de 2022, Ortiz descubrió Disco Diffusion, una de esas herramientas de IAG que produce imágenes en segundos a partir de una simple solicitud descriptiva. "Al principio pensé que era una experiencia interesante", recuerda, antes de darse cuenta de que esta herramienta de IAG estaba usando el trabajo de muchos de sus amigos, sin que ellos lo supieran. Pidieron que sus obras no alimentaran el modelo. En vano. "Hay tantos robos en nuestra industria... Lo dejamos pasar", admite.Pero a fines de 2022, la explosión de programas de IAG como Midjourney y Stable Diffusion, que pueden generar imágenes "al estilo" de tal o cual persona, le mostró realmente la magnitud del fenómeno. "Todas las obras que me pertenecen fueron usadas para alimentar esos programas. Quedé impactada. Esta es mi obra personal, no imágenes comerciales que pertenecen a las editoriales", dice."El canario de la mina de carbón"En su estudio, de pie entre su caballete y su computadora, Ortiz le da los últimos toques de pintura al óleo a su última obra, "Musa Victoriosa", una mujer rodeada de águilas, blandiendo una corona de laurel. Esta musa, que se utilizará para ilustrar una aplicación de protección de derechos de autor, encarna a los artistas que desafían la tecnología.Pero, ¿acaso los humanos, como las máquinas, no se inspiran también en el trabajo de otros? "Es un malentendido clásico", responde Ortiz. "El solo hecho de mirar una pintura que me gusta mucho, no significa que archive esa influencia y que automáticamente se convierta en parte de cómo pinto"."Hay influencias en el arte, pero también tu formación, tu vida, tus vivencias, tus emociones, esa humanidad que filtra la inspiración y que al final crea tu propia voz", afirma. Le preocupan los jóvenes que necesitan tiempo al inicio de su carrera para "encontrar su identidad visual".Junto con otros artistas, Ortiz presentó una demanda en un tribunal federal en California contra tres empresas de IAG, con la esperanza de que algún día se regule la industria. Esta lucha ha fortalecido los lazos entre todos los creadores, asegura. "Veo que más escritores y también actores de doblaje están muy preocupados por la tecnología que puede tomar tu voz e imitarla perfectamente", señala Ortiz.Los inversionistas de Silicon Valley "quieren expandirse a casi todos los esfuerzos creativos", advierte. "Nuestra profesión se automatizó primero, así que nos convertimos en el canario de la mina de carbón".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Conversamos sobre el recetario "Saboreando la vida", producido en alianza por la Universidad ECCI y el Instituto Nacional de Cancerología. ¿Cómo se gestó este proyecto y en qué consiste?Es un producto elaborado a dos manos dentro del marco de una de las tareas que tienen las universidades y es la del desarrollo de investigaciones. Como universidad tenemos un convenio con el Instituto Nacional de Cancerología en el que nos pidieron desarrollar un producto, un recetario, con recetas agradables, hablando sensorialmente. También debían ser asequibles y que contaran con las caractarísticas nutricionales adecuadas para contribuir en la calidad de vida de niños y niñas que están padeciendo algún tipo de cáncer.El recetario parte del trabajo con grupos focales en dos horages de paso de Bogotá, ¿cómo fue el proceso de investigación e interacción con estos grupos?En esta investigación necesitábamos capturar información de primera mano, de fuentes primarias, para diseñar las recetas y qué mejor fuente que los albergues infantiles de pacientes con estas características que además están asociados al Instituto Nacional de Cancerología.Utilizamos grupos de enfoque para permitir que los participantes dieran sus opiniones, lo hicimos motivando a los padres de familia, a los pacientes y a las personas que trabajan en los albergues a través de escuelitas de gastronomía. En estas actividades se preparaban cosas fundamentales, básicas, orientados por chefs de la Universidad ECCI y paralelamente capturábamos información.El enfoque de este recetario son los pacientes pediátricos oncológicos, ¿cuáles son los retos de aportar a la dieta de este grupo tan específico?El próposito es suministrar el diseño de alimentos para que sean preparados en las casas de los pacientes, que tengan características nutricionales, que no les vayan a causar perjuicios en razón a su enfermedad o tratamiento; el recetario no busca solucionar o curar la enfermedad, es una aclaración necesaria.Ahora, se eligen pacientes oncológicos pediátricos porque la alimentación de los niños y niñas es muy especial, debe ser placentera; en el caso de los pacientes adultos hay más probabilidad de que accedan a ciertos alimentos.Es un libro diseñado como un genérico para la enfermedad y para los síntomas de tratamiento; por ahora, no está enfocado en un cáncer en especial.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Hay unas dificultades que surgen en razón a la enfermedad misma, pero también hay otros síntomas que son propios del tratamiento, por eso la estructura del recetario está ligada a esa tipología de sintómas, como vómito, diarrea, disfagia, estreñimiento, falta de apetito. Si la niña o el niño están pasando por síntomas de disfagia o estreñimiento, por ejemplo, van a encontrar ideas de lo que pueden hacer, recetas ricas en fibra.En relación con los alimentos y productos que componen esta herramienta, cómo pueden variar dependiendo la región del país en la que están los pacientes. Estas recetas no se salen de un presupuesto común y corriente, son recetas económicas. Infortunadamente, existe la idea de que para alimentarse bien durante el tránsito de estas enfermedades se debe recurrir a recetas muy costosas, pero este no es el caso. Uno de los principios de esta investigación es que los alimentos sean de fácil acceso, pero también que fueran regionales.En cuanto a la diferenciación de recetas normales u ortodoxas, tienen un componente hacia la parte de nutrición y un componente muy específico en cuanto a la tipología del síntoma.¿Cuál fue la participación de los estudiantes de Gastronomía o de otros programas de la Universidad ECCI en esta investigación?Este tipo de proyectos no tiene razón si no hay participación activa de los estudiantes. En esta investigación participaron estudiantes de Gastronomía, en la captura de información, en el trabajo con los grupos de enfoque. También participaron estudiantes de Enfermería, porque también hicimos diálogos grupales con personal médico del Instituto Nacional de Cancerología, en los que participaron médicos, enfermeros, fonoaudiólogos, personal de pediatría.En el diseño del libro mismo también tuvieron parte estudiantes de Publicidad y mercadeo, en el registro visual, en la fotografías. Se anima a los estudiantes a que participen en este tipo de proyectos.¿Cómo incentivar todavía más la participación de estudiantes en proyectos sociales?El mismo objetivo y el próposito cuando es social es suficiente motivador para los estudiantes, es muy interesante para ellos ver que están contribuyendo en algo tangible, algo real, que es útil directamente para la sociedad; que no queda difuso entre el hacer, la apropiación y la utilización en la sociedad.La generación actual es bastante inquieta frente a los problemas sociales. Yo estoy convencido de que cuando ellas y ellos ven estos propósitos sociales se motivan bastante.¿Cómo puede acceder la gente a este recetario?Al ser un producto de investigación, pero con una perspectiva de proyección social, este recetario es completamente gratuito. Se encuentra en la página web del Instituto Nacional de Cancerología y también de la Universidad ECCI. En ambos accesos hay un repositorio donde se puede descargar en PDF gratuitamente.El libro es muy ameno, las recetas están organizadas por sintómas, que a su vez se especifícan por comidas princiaples como lo son el desayuno, almuerzo y cena. También hay otro tipo de recetas para ocasiones especiales.Acceda a este libro haciendo clic aquí. 🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"El ejército ruso ha aniquilado las ciudades ucranianas. Ha exterminado sobre todo la cultura", denunció Loznitsa anoche al presentar el filme, fuera de competición, en las sesiones especiales de certamen de la Costa Azul gala, acompañado por parte de su equipo y por el delegado general del festival, Thierry Frémaux.La guerra lleva presente en Europa "desde hace diez años", recordó el también realizador del exitoso documental 'Maidan' sobre los disturbios civiles de 2013 y 2014 en la plaza central de Kiev, en referencia a que las agresiones rusas comenzaron hace mucho más de dos años, con la anexión unilateral de la península de Crimea en 2014.Pero a comienzos de 2022, enfatizó el director, el conflicto adoptó un "carácter extremadamente salvaje" con la invasión del país a gran escala por parte del régimen de Vladímir Putin.Fue ese mismo año cuando Loznitsa se embarcó en el rodaje de The Invasion, un camino que en cierta medida concluyó anoche, en la tercera jornada de la 77 edición del Festival de Cannes, mostrando al público el "dolor inconmensurable" de todos los ucranianos. "Contamos hoy con compartir ese dolor con vosotros", dijo Loznitsa.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La vida interrumpida por las alarmas antiaéreasYa desde su introducción, con imágenes de funerales de soldados caídos en la defensa de Ucrania, The Invasion obliga a recordar que la guerra continúa, a pesar de que su peso en titulares haya decaído, y el impacto que eso tiene en millones de personas todos los días.Loznitsa, fiel a su estilo de planos generales estáticos y pacientes en los que la acción se va revelando por sí misma, bucea en todo tipo de escenas de lo cotidiano de su país.Es un día a día que a veces queda completamente transformado por la presencia permanente del conflicto, pero que en otras ocasiones, a fuerza de costumbre, prosigue solo sutilmente trastocado por la guerra.En las bodas, los novios van vestidos con su uniforme militar. En las calles se reparten víveres indispensables. En las escuelas, los niños dibujan tanques y las profesoras intentan continuar con su lección con normalidad, aunque tengan que dar la clase en refugios antiaéreos por la amenaza de las bombas rusas.Hasta en las librerías, los dependientes invitan tranquilamente a los clientes a salir del local porque han sonado las alarmas y hay que ponerse a cubierto.El realizador ucraniano muestra también que los libros han sido, de hecho, una parte significativa de la guerra al nivel cultural, a través de imágenes de la destrucción de cientos de ejemplares firmados por autores rusos o relativos esa cultura -ni Dostoyevski se salva-, en un intento de reafirmar la identidad ucraniana frente al invasor.De vuelta al nivel más humano de las consecuencias de la guerra, Loznitsa también visita un centro de rehabilitación en el que hombres y mujeres con miembros amputados aprenden a vivir con sus nuevas extremidades ortopédicas y muestra cómo sus compatriotas de fe cristiana ortodoxa continúan con los tradicionales baños helados triples para conmemorar el bautismo de Cristo.Las imágenes de los bombardeos están presentes, pero son siempre de los momentos posteriores. Es decir, no están las explosiones, pero sí sus consecuencias.Y es que a Loznitsa no le ha interesado hacer un documental sobre el frente de batalla -al estilo, por ejemplo, de la oscarizada este año 20 Days in Mariupol ('20 días en Mariúpol')-, sino sobre todo el dolor del pueblo que se encuentra detrás.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El filme, que lleva más de un mes en las carteleras, muestra no solo la distancia cultural, sino también la falta de acceso para entender cómo se percibe la realidad en las comunidades más alejadas del territorio andino peruano."En este país llamado Perú existen varias naciones y, por ende, somos culturas diferentes, me parece que todavía eso no se entiende", declaró Tito Catacora.El codirector, quien quedó a cargo del proyecto tras la muerte repentina de su sobrino Oscar durante el rodaje de la película, señaló que la obra busca mostrar "que el ser humano es cada vez más egocéntrico y piensa que la naturaleza está para dominarla y explotarla"."Nuestra cultura originaria considera que en este mundo nada es inerte, una piedra no es un objeto, sino que tiene vida", aseguró antes de añadir que, desde esa lógica, "el trato es distinto" en la relación con el mundo.El nuevo cine peruano'Yana Wara', que va por su quinta semana en cines a nivel nacional, se describe como una película de arte. "Hacemos este tipo de obras con la finalidad de que el espectador pueda reflexionar y proponer soluciones a los problemas que abordamos", sostuvo Catacora.La elección de lugares, el extenso territorio altiplánico, la lengua aimara como idioma principal en la película y la propuesta visual en blanco y negro, fueron hechas en conjunto por sus directores; sin embargo, el corte final fue liderado por Tito.La etapa de rodaje y edición llevó a que Tito pueda darle un toque más "racionalista y atrevido", lo que hizo que 'Yana Wara' tomara otro rumbo al que Oscar hubiera elegido."Obviamente yo soy más racionalista, a diferencia de Oscar, que era más emotivo. Si él hubiera culminado la película sería distinta. Pero creo que no se ha perdido el espíritu, eso se conserva" añadió.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.El Perú distanteAunque la ausencia de Oscar fue determinante en la elaboración final de 'Yana Wara', la propuesta de hacer un cine 'diferente', que revele la esencia y reivindique a la cosmovisión andina, es algo que perdura tras su muerte."Nosotros, los pueblos originarios, al estar aislados adolecemos de muchos servicios, educación, salud o incluso orden interno, pero no podemos hacer nada" comentó Tito.Aludió de esa manera a las circunstancias de la muerte de Oscar, quien sufrió una apendicitis en un lugar remoto de los Andes sin servicios de salud, una circunstancia que al igual que sus personajes de ficción lo condujo a la muerte."Un día antes estábamos grabando y es algo raro, pero es lo que ha ocurrido", comentó Tito, quien junto a su familia y el equipo técnico de la película trabajaba con Oscar."He evitado comentar lo que pasó exactamente, porque no soy médico, nosotros somos más pragmáticos, por más que se hable de mi sobrino y se realicen homenajes, mi sobrino no va volver", remarcó.Tito agregó que "solo sus familiares" lo llevan "en el corazón" y para ellos "él ya es como un dios menor". Reconoció, además, que "hacer cine es difícil" en Perú, aunque el legado que construyeron con Oscar es algo que desea continuar. "Seguiremos hasta donde tengamos las posibilidades", prometió. Añadió que, en 'Yana Wara', se puede ver el contraste entre lo místico y lo humano, la visión andina y la de ciudades como Lima Metropolitana.Se menciona, por ejemplo, a personajes fantásticos como el 'Anchanchu', un espíritu maligno que es considerado dueño de la riqueza, y al que muchos mineros se encomiendan por oro y plata. "Nosotros pensamos que, para dar a conocer nuestra visión, era necesario tratar sobre los espíritus malignos", dijo Catacora.A partir de eso, sus directores incorporaron otros temas, como la violencia de género, la medicina andina y la justicia comunal."Para nosotros hablar del 'Anchanchu' no es ningún mito ni algo fantasioso, sino es algo real y tangible, yo mismo los he escuchado y sé cómo se expresan, alguien me dirá que estoy delirando, pero no es así", concluyó.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El cantautor cubano Silvio Rodríguez lanzará en junio Quería Saber, su primera producción discográfica en tres años y en la que incluye temas compuestos durante este "maltrecho" siglo, informaron este jueves sus estudios Ojalá."El próximo viernes, 7 de junio, se presentará en las principales plataformas digitales de música el álbum Quería saber, de Silvio Rodríguez", señaló Ojalá en un comunicado publicado en el blog Zurrón del Aprendiz, del famoso artista.Según Ojalá, antes del lanzamiento, los seguidores de Rodríguez, de 77 años y fundador de la Nueva Trova Cubana, podrán disponer de dos sencillos: Quería saber, el 24 de mayo, y América, siete días después.Es el 22º disco de la extensa carrera de Rodríguez, autor de temas antológicos como La era está pariendo un corazón y Ojalá.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.La única canción del disco "que no es de este siglo" es "Tonada para dos poemas de Rubén Martínez Villena", un destacado escritor y revolucionario cubano que vivió entre 1899 y 1934, cuya música compuso a principios de la década de 1970."Las demás canciones, las actuales, las canté en muchos conciertos de barrio, y creo que son como este joven y maltrecho siglo, al que espero que un buen día le crezcan alas", afirma Rodríguez en el comunicado, refiriéndose a los más de 100 recitales que realizó entre 2010 y 2020 para llevar su música a los barrios más humildes del país.El artista también reflexiona sobre el título del álbum: "Es difícil ponerle nombre a un disco"."Primero iba a ser Canciones del siglo XXI (menos una). Después pensé en Después. Por último, me he decidido por Quería saber. Aunque quizá debería llamarse Quiero saber, porque eso es lo que me mueve", apuntó.Su última producción discográfica data de 2021 cuando presentó Silvio Rodríguez con Diákara, según Zurrón del Aprendiz.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Chabuco (Valledupar, Colombia, 1975), que este sábado actúa en Sevilla (sur de España) acompañado de Rocío Soto y otros artistas invitados, dijo en una entrevista con EFE que para él "todas las colaboraciones con mis amigos músicos son importantísimas. He tenido muchas que me han llenado de sueños y se me han cumplido, pero todavía me faltan muchas por cumplir porque considero que en la música y en el arte en general se trata de compartir, no de dividir".El colombiano señala que la música vallenata, que él fusiona con otros géneros como el jazz, el bolero o el rock, tiene una "gran aceptación" y "a pesar de la discriminación que sufrió durante muchos años, se mantiene vigente"Sobre si un artista debe tener su sello personal o adaptarse a los cambios de gustos musicales, Chabuco responde que los músicos "debemos tener nuestro propio camino. Yo por mi trabajo y experiencia creo en lo que hago, en la música de mis raíces, y creo que si hay que recibir algún reconocimiento es haciendo la música bajo tu convicción".Para Chabuco, "la mezcla entre el folclore campesino, que es de donde yo vengo allí en Guajira, con la música que más me ha gustado, desde que he crecido escuchando a muchos artistas diferentes, hace que mi música tenga una particularidad: el encuentro entre el campo con la música moderna".Chabuco comenzó su recorrido musical a final de la década de 1990 y a mediados de los 2000 publicó su primer álbum como solista, titulado "Morirme de amor".💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí."Antes había menos oportunidades para los artistas que querían mostrar su música, pero ahora, con todas estas cosas de las plataformas digitales, creo que todos tenemos una cabida para mostrar nuestros discos y que no solamente por medio de negocios entre disqueras puedas sacar tu música".Con la discográfica Sony publicó el álbum "Encuentro", en el que colaboró con Alejandro Sanz. Chabuco aconseja a los jóvenes artistas que, al margen de compañías discográficas, "crean en su música y en lo que hacen para que así la música pueda coger su cauce sincero hacia lo que ellos quieren, porque lo demás se va juntando en el camino".Su actual gira, que comenzó en febrero, tiene un formato acústico y, aunque en Colombia tiene su banda, Chabuco dice que "hay momentos en los que tengo que hacer giras acústicas. Me gusta de las dos formas. El piano es un poco más desnudo, más puntual con la gente, pero siempre me gusta tocar con mi banda, que es un cuarteto de músicos maravillosos".El colombiano se siente muy satisfecho de la acogida que está teniendo en España: "Está siendo una gira maravillosa por todo este país que amo, donde la gente me recibe con mucho cariño".No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.