Mayuko Kashiwazaki, vestida de quimono, pronuncia sus líneas en tono gutural y baila con gracia sobre un escenario en el papel principal de una obra de teatro japonés Noh, en el que, extrañamente, la mayoría de los artistas son mujeres.El Noh, con sus trajes elaborados y máscaras hechas a mano, es un estilo teatral que data del siglo VIII, uno de los más antiguos del mundo aún vigentes.A diferencia del kabuki, otro estilo de teatro clásico japonés, o la lucha sumo -ambos firmemente masculinos- el Noh ha estado abierto a artistas de ambos géneros por más de un siglo.Pero la presencia de mujeres sigue siendo raro en el mundo tradicional Noh, donde los padres a menudo pasan la vocación a sus hijos. Las mujeres representan solo 15 % de los 1.039 actores y músicos registrados con la Asociación de Artistas Nogaku. Y sus oportunidades de aparecer en el escenario son "relativamente limitadas", dijo Kashiwazaki, de 43 años, a AFP. "Una razón es que el público del Noh suele ser mayor, y suele verlo como una forma de arte masculino", comentó.Pero ahora es tiempo "de que las mujeres reflexionen sobre su futuro en el Noh y tengan un papel en la construcción de ese futuro".Kashiwazaki interpretó el personaje principal en Dojoji, un célebre drama sobre la venganza de una mujer traicionada, el fin de semana pasado en el Teatro Nacional Noh de Tokio.Con un quimono bordado con motivos de grullas, la artista enmascarada pronuncia sus líneas en un canturreo arcaico. Tras ocultarse detrás de una campana de templo budista de utilería, emerge transformada en un personaje demoníaco en forma de serpiente con mechones salvajes y ardientes de cabello rojo.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Dramas líricosKashiwazaki, impulsada por su mentor, intentó hallar tantas mujeres como fuera posible para la producción. "Dojoji es una pieza sumamente importante para los actores Noh", explicó Kashiwazaki, y "tienes que tener mucha suerte de poder interpretarlo aunque sea una vez en tu vida"."Como tuve la suerte de tener esta oportunidad, pensé que sería genial montarla con otras mujeres artistas", dijo. Yoko Oyama, quien tocó un tambor de mano en la pieza, dijo que era raro ver "tantas mujeres en el coro y entre los músicos en el escenario".Pero para algunos personajes, incluido el actor de apoyo o "waki" en el Noh -a menudo un personaje de monje o sacerdote- no había mujeres disponibles, así que lo interpretó un hombre."Las mujeres no interpretan el 'waki' (...) Siempre tiene que ser así", comentó a AFP el mentor de Kashiwazaki, Yasuaki Komparu de 72 años.Komparu, descendiente de una de las cinco familias de las que han salido generaciones de actores Noh, descubrió a Kashiwazaki cuando estudiaba Noh. A ella le encantaban los dramas líricos y la actuación estilizada en escenarios minimalistas."Me fascinaba lo genial que se veía esta forma artística japonesa, y pensé que solo lo podría entender si yo misma participaba", comentó.Círculo viciosoLa primera mentora de Kashiwazaki intentó disuadirla de hacer Noh, tras sufrir las dificultades que viven las mujeres en este arte antiguo.Reconocido por la Unesco como "patrimonio cultural inmaterial", el Noh desarrolló su forma actual en la era Muromachi, 1336-1573, un período en el que había mujeres entre sus artistas.En la era Edo, de 1603 a 1868, el apoyo de los shogun permitió aumentar la popularidad del Noh. Pero las mujeres tenían prohibido aparecer en el escenario por las reglas oficiales de moralidad que reprimían las libertades individuales.Solo al final del siglo XIX es que las mujeres volvieron a ser admitidas en el Noh, pero debieron esperar hasta 1948 para ser reconocidas como profesionales."Hay actores no extraordinarios, hombres y mujeres, pero el público tiende a buscar cierto tipo de Noh, con una idea fija de lo que debe ser", indicó Kashiwazaki.Esa falta de oportunidades crea un "círculo vicioso" porque no pueden acumular experiencia para avanzar sus carreras, explicó. Después de la presentación del sábado, el espectador Kazuaki Ieda, de 40 años, dijo estar "muy interesado y emocionado" con la presentación."Creo que este puede ser el futuro del Noh en Japón", opinó Ieda.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el marco de la conmemoración del Día Internacional de la Mujer, el Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella le apuesta a la resignificación de la “histeria”, terminó utilizado durante siglos como una manifestación de la fragilidad y la debilidad inherentemente femeninas, atribuyéndola a supuestas irregularidades en el útero o a la incapacidad de las mujeres para controlar sus emociones.“Se resignifica y reinterpreta la histeria como un síntoma de la represión contra las mujeres en sociedades patriarcales y como una forma de resistencia contra las normas hegemónicas del patriarcado”, explica el Delia. La Hysteria, que desde su etimología griega significa útero, es un acto de creación, placer y libertad en sí misma, por eso, presentan “Hysteria” un encuentro cultural que resignifica no solo la palabra sino que resalta el rol de las mujeres, su resistencia y sus luchas.Patricia Ariza, Juliana Reyes, Adriana Lizcano, LaTenaz, Vanessa Henríquez, Mariángela Urbina y Marcia Cabrera serán algunas de las artistas y representantes feministas que se reunirán en los escenarios del Delia para reivindicar y conmemorar, a través del arte, la lucha activa de las mujeres en torno al 8M.Por medio de la danza, la música, el teatro y el performance, serán las mujeres las encargadas de contar historias, cuestionar estereotipos y hablar de violencia de género en las artes. Entre el 7 y el 9 de marzo el cuerpo, la vida, la muerte, lo singular y el valor de lo colectivo serán algunos de los temas que se abordarán en esta nutrida agenda cultural que tendrá la mayoría de espacios abiertos al público sin costo. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida por Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella (@eneldelia) Jueves 7 de marzoEl encuentro artístico inicia con la presentación de la obra Paz Haré La, dirigida por la artista activista y exministra de Cultura, Patricia Arizal. Este performance está protagonizado por mujeres de todas las edades, de todas las tallas, diversidades y procedencias. La puesta en escena mezcla las voces de artistas profesionales con las de mujeres que están viviendo en carne propia las dificultades de la migración, el trabajo sexual y las tareas domésticas.La obra tendrá dos funciones de entrada libre en la sala Delia Zapata, a las 3:00 p. m. y a las 7:30 p. m.Viernes 8 de marzoDe 10:00 a. m. a 12:00 p. m. Ángela Cristina Bello dirigirá un taller donde el objetivo principal es establecer conexiones entre mujeres de diversas edades, independientemente de su experiencia en danza, para explorar el poder de la 'escucha' como una herramienta dinámica en el trabajo corporal.Utilizarán estímulos físicos, conceptuales y sensoriales como punto de partida, valorando y respetando las particularidades y experiencias personales de cada participante. A partir de ahí, se embarcarán con los asistentes en la búsqueda coreográfica, fomentando la expresión individual y colectiva a través del movimientoA las 6:00 p.m., en la Plazoleta CNA, habrá un concierto expandido: música y performance, que busca resignificar las nociones de lo femenino y de la movilización con El grito de la Mujer Cabra, una obra que busca generar preguntas sobre cómo la construcción de un cuerpo colectivo puede partir de la enunciación de una singularidad. Reflexiona también sobre cómo en el encuentro con los demás se potencia la creación de un cuerpo más resistente y más alegre para la vida. Esta obra será con entrada libre.A su vez, a las 7:30 p.m. en la Sala Delia Zapata se presentará Estela, un homenaje, a través de la danza, a la vida y a la muerte como aquello que justifica la existencia. Vida y muerte dependen una de la otra y ocurren en un mismo lugar: el cuerpo. Estela, es un título que hace referencia no solo a un nombre femenino, sino a los múltiples significados que tiene esta palabra, como monumento conmemorativo o rastro y huella que deja algo al pasar. Estela tendrá dos funciones. La segunda será el viernes 9 de marzo a la misma hora. Entradas en TuBoleta.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Sábado 9 de marzoPatricia Ariza, directora de la obra, dramaturga y poeta, junto con Nohora González, artista y asistente de dirección de la Corporación Colombiana de Teatro dirigirán el el taller: “Proceso creativo de Paz Haré La”. El taller explorará los aspectos fundamentales de la obra teatral Paz Haré La. Durante la sesión, se examinarán los elementos clave del proceso creativo que dio origen a esta obra, así como su contexto de creación y los motivos que la impulsaron. Se explorará la diversa amalgama de voces y experiencias que conforman el elenco.De 2:00 p.m. a 4:30 p.m., se dictará la charla: Guía para ser mujer artista y sobrevivir en el intento moderada por Maríangela Urbina con las panelistas Adriana Lizcano, Ita María, Susana Palacios, Melissa Gonzales, Natalia Cortés y Lina Galindo, en la que se abordará el tema de las violencias de género en las artesA las 5:00 p.m. Latenaz dará un concierto con entrada libre en la Plazoleta CNA. Su voz poderosa llena de matices cantará historias dolorosas, amorosas, envolventes, muy reales y sinceras. Influenciada por el tango, vals, la ranchera, parranda montañera y en general de la música popular latinoamericana, Latenaz pone su esencia al servicio del rock y el blues, dando como resultado su propio género: Rockarrabal.Ese mismo día a las 6:00 p.m. se presentará en la Sala Delia Zapata la obra de danza Segundo grito, un grito compartido de Guaricha Proyecto. Será una puesta en escena de danza contemporánea, flamenco, música y teatro, que presenta la experiencia de dolor, fuerza y afirmación hacia la vida de ocho mujeres. Las bailarinas en escena reflexionarán sobre sus vivencias frente a los estereotipos de género: hilo conductor de la dramaturgia de la obra. Esta obra transporta a lo visceral como la rabia, al grito, a la voz y abre la pregunta “¿cómo se sienten las demandas que vivimos las mujeres por ser mujeres?”. Las entradas están disponibles en Tu Boleta.Para el cierre del evento, a las 7:30 p.m. se presentará la segunda función de Estela, dirigida por Juliana Reyes de la Compañía de danza L'explose. Esta función será con boletería.🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En el Teatro Libre hay espacio para todas las muestras artísticas que ofrece la ciudad, en esta ocasión, marzo llega con teatro y danza a la sede Centro del Teatro Libre del 14 al 24 de marzo.El 14, 15 y 16 de marzo a las 8:00 p.m. regresa “Pathelin”, una farsa francesa anónima del Siglo XV dirigida por Iván Carvajal de la compañía de teatro Quinta Picota.Maese Pierre Pathelin es una emblemática obra del género de la farsa que, desde el Siglo XV, evidencia esa conducta de la humanidad que busca engañar y sacar provecho de los otros y de cualquier situación, disponiéndose incluso a pasar por encima de los principios más puros. Se trata de la antigua historia del embaucador más hábil y corrupto que llega a ser embaucado por otro embaucador más sagaz. Una historia tan frecuente y vigente en nuestros tiempos que ha perpetuado expresiones como “el vivo vive del bobo”, “la oportunidad hace al ladrón”, y otras más agudas.Puede adquirir las entradas en este link y en la taquilla del teatro.Por otro lado, el 22, 23 y 24 de marzo “Ramona” de la compañía La Otra Danza. Funciones viernes y sábado 8:00 p.m. y domingo 4:00 p.m.💬 Lo invitamos a unirse a nuestro canal de Whatsapp.“Ramona” es una obra de danza teatro que surge del laboratorio de creación otorgado a la compañía La Otra Danza de los estímulos del fondo IBERESCENA 2019-2021 y busca hacer un homenaje a la tenacidad y ternura de las mujeres latinoamericanas que han luchado y resistido en la clandestinidad por tener una mejor sociedad. La propuesta de investigación inicial nace a partir de los diferentes cuestionamientos que surgen alrededor de la mujer en la guerra, la militancia y la clandestinidad. Parte fundamental del trabajo estuvo basado en el análisis contextual de los diferentes procesos políticos que hemos vivido como continente latinoamericano a lo largo del siglo XX y XIX, con especial énfasis en los países de Colombia, Argentina y Chile. Asimismo, como material para la creación, se abordaron diferentes historias de vida de mujeres militantes que han hecho eco y resonancia en cada uno de sus procesos de resistencia y lucha por la defensa de los derechos de la sociedad.Puede adquirir las boletas en este enlace o en las taquillas del teatro.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Bogotá es la sede del Encuentro Internacional de Circo y sus saberes Achura Karpa, un diálogo cultural bajo el toldo, un espacio para sumergirse en la riqueza cultural y diversidad de este arte, y para promover e impulsar los Estudios de Circo en Colombia e Iberoamérica.El público colombiano podrá disfrutar de una programación variada de sala y calle, que combina las formas rituales de la acrobacia amerindia y el circo tradicional con la solidaridad del circo social, el encanto del carnaval y la experimentación del circo contemporáneo. Se trata de una plataforma para explorar y resaltar el valor cultural y social del circo en Latinoamérica, que ofrecerá espacios de formación, circulación y reflexión alrededor de la diversidad de las prácticas circenses.Los países invitados especiales de Achura Karpa son Brasil, Canadá y México y al evento asistirán más de 10 compañías y artistas internacionales y 50 nacionales, además de representantes de Argentina, Estados Unidos, Inglaterra, Italia, Francia, Suecia, Turquía y Zambia, conectados con la producción y creación de circo a nivel global.La presentación de "Transatlancirque"Desde México se presentará compañía francomexicana Transatlancirque fundada por la etnóloga y artista circense Charlotte Pescayre.“Transatlancirque nace de la necesidad de diálogo entre técnicas para danzar en un cable o cuerda a través de diferentes culturas, en una propuesta estética transcultural y transdisciplinaria” explica Charlotte Pescayre.Ndatuvi Inuu, obra de circo contemporáneo mexicano, en la cual se entreveran artes circenses clásicas, tradicionales y contemporáneas y música en vivo."Estamos orgullosos, emocionados y contentos de representar a México en este festival internacional y agradecidos con Artemotion por esta oportunidad de dar a conocer esta creación que reúne en un universo mágico y colorido a aerealistas, contorsionistas, músicos, y maromeros provenientes de diferentes regiones de nuestro país" agrega Charlotte Pescayre. Será la primera vez que se presenta la compañía en Colombia, para el gozo de todo público.¿Por qué Achura Karpa?El nombre del encuentro Achura Karpa explora las raíces latinoamericanas e indígenas del circo, a la vez que rinde homenaje a las poblaciones originarias que habitan el territorio andino, donde se realiza esta reunión. Achura Karpa fusiona las palabras quechuas ‘achuray’, cuyo significado es “forma de compartir; de encuentro”, y ‘karpa’, que significa el espacio donde se comparten la palabra y los juegos bajo un mismo toldo.Más que una versión pasajera de un festival, Achura Karpa busca atraer la atención de nuevas audiencias y los principales centros culturales de Colombia y Latinoamérica hacia el circo, fomentando la inclusión de este arte en su programación regular, que ayude a fortalecer la empleabilidad de artistas, la creación de mercados y la ampliación de la oferta de circo más allá de los espacios independientes autogestionados por la comunidad circense.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Del primero al tres de marzo, el país ofrece una amplia agenda de actividades culturales para todos los gustos y para toda la familia. Desde conciertos y charlas hasta actividades al aire y exposiciones de arte, estos son algunos de los eventos a los que puede asistir este fin de semana en Bogotá y Medellín.Planes en BogotáConcierto de la Orquesta Filarmónica de BogotáNo se pierda el concierto de la Filarmónica de Bogotá, bajo la dirección del director sueco Christian Lindberg. El repertorio contará con obras de Arild Plau y Anton Bruckner; además, estará acompañado del encanto de la tuba de Fredy Romero.📆 Viernes, 1° de marzo📍 Auditorio León de Greiff - Avenida Carrera 30 #45-3🕒 3:00 p. m.Entrada gratuita📆 Sábado, 2 de marzo📍 Auditorio León de Greiff - Avenida Carrera 30 #45-3🕒 4:00 p. m.Entrada gratuitaTeatro al parque presenta La piedra oscuraEl Instituto Distrital de las Artes, Idartes, presenta la obra La piedra oscura, una historia que narra el encuentro entre un reo y un guardián, quienes están obligados a compartir las horas terribles de una cuenta regresiva que termina con la muerte de uno de ellos. La función está dirigida a personas mayores de 14 años.📆 Viernes, 1° de marzo📍 Parque Nacional - Carrera 5 N° 36-05f🕒 6:00 p. m.Entrada gratuita con previa inscripción aquí.Encuentro Internacional de circo y sus saberes ‘Achura Karpa’Durante este fin de semana se celebrará la multiplicidad de formatos y estéticas de circo en “Achura Karpa”. Con talleres, competencias, actos, conferencias y proyecciones, el Centro Delia Zapata ofrece una amplia agenda de actividades para los ciudadanos. En los actos y paneles habrá invitados internacionales de Brasil, Argentina, Canadá, Estados Unidos, entre otros.📆 Marzo 1, 2 y 3📍 Centro Nacional de las Artes Delia Zapata Olivella - Cl. 11 #5 - 60🕒 10:00 a. m. - 8:00 p. m.Entrada gratuitaRecital de violín y guitarra en “Filarmónica al barrio”La mañana de música estará a cargo de de la Filarmónica de Bogotá con un recital de violín en manos de Rafael Hoyos, y de Orlando Cháves en la guitarra.📆 Sábado 2 de marzo📍 Jardín Botánico de Bogotá José Celestino Mutis - Av. Calle 63 # 68-95🕒 11:00 a. m.Entrada con el pago de acceso al Jardín BotánicoRecorrido del Museo Abierto de BogotáParticipe del recorrido gratuito por las intervenciones artísticas, que han realizado artistas urbanos en el marco de los festivales, maratones y becas del Museo Abierto de Bogotá (MAB). Durante la caminata conocerá detalles sobre el MAB, el trabajo artístico con comunidades y la construcción de memoria colectiva. Recuerde llevar ropa cómoda y bloqueador.📆 Domingo, 3 de marzo📍 Estación Concejo de Bogotá, salida sur. - Av. calle 26 con av. NQS.🕒 10:00 a. m.Entrada gratuita con previa inscripción aquí.Planes en MedellínMúsica en vivo con Carlos SantaDisfrute la música en vivo en una presentación cercana con una de las voces emergentes de Medellín, Carlos Santa.📆 Viernes 1° de marzo📍 Casa cultural La trilla - Calle 44A #73-60🕒 7:30 p. m.Entrada libre con aporte voluntarioPresentación del libro Cuentos guerrillerosEl escritor contemporáneo Esteban Roldán presenta su más reciente obra: Cuentos Guerrilleros, con historias creativas y sin censura.📆 Viernes 1° de marzo📍 Librería Grámata, Sede Estadio - Calle 49B # 75-33🕒 6:30 p. m.Entrada libreVida íntima del arte: Colectivo Teatral InfusiónEl colectivo teatral Infusión presenta una obra fantástica que cuenta la historia de la Gran Diosa Yunque. A modo de cupido, Yunque tendrá en su poder flechas de oro para enamorar y flechas de plomo para olvidar.📆 Sábado 2 de marzo📍 Biblioteca Comfama Bello centro - Cra. 49 # 46 – 57🕒 11:00 a. m.Entrada librePlanetas enanos: ¡Helados por fuera, calientes por dentro!El sábado se llevará a cabo el Coloquio de Astronomía, un noticiero local del cosmos donde el Dr. Z, el Ph. D. en astrofísica, Jorge Zuluaga, contará las últimas noticias del universo. El evento también será transmitido en simultáneo por Youtube y Facebook.📆 Sábado 2 de marzo📍 Planetario de Medellín Jesús Emilio Ramírez - Cra. 52 #71-117🕒 6:00 p. m.Entrada libreVida íntima del arte: Apus TangoLa obra abordará escenas que hacen referencia al encuentro, la pasión, el amor, la sexualidad, la ruptura, el miedo, la soledad, la alegría y la libertad. La historia estará acompañada de la danza, del tango y de otros ritmos y estilos como la danza contemporánea, el vals y la milonga.📆 Sábado 2 de marzo📍 Planetario de Medellín Jesús Emilio Ramírez - Cra. 52 #71-117🕒 6:00 p. m.Entrada libreObra de teatro Emily DickinsonLa obra, dirigida por Rodrigo Saldarriaga, muestra a Emiliy Dickinson, una de las poetas más grandes de América, interpretada por Omaira Rodríguez. En un espacio íntimo, este montaje aborda la vida, los amores y la visión del mundo de la poeta, desde su adolescencia hasta su muerte, a los 56 años.📆 Sábado 2 de marzo📍 Pequeño Teatro de Medellín - Sala Tomás Carrasquilla - Cra. 42 #50A-12🕒 7:30 p. m.Entrada con aporte de $12.000 en adelante🔴 No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
En la más reciente obra del Teatro Libre, "Matar al destino", Marcelo nos comparte las vicisitudes de lo que implica ser gordo en esta sociedad. Esta obra pretende ser una comedia de peso… ¿O pesada?Su protagonista es probablemente el único caso en el que la ciencia descubrió a un cigoto gordo. ¡Siempre ha sido pesado!Él ha librado, desde siempre, intensas luchas por quitarse su peso de encima. Ha asistido a T.A. (Tragones Anónimos), ha ido donde el Indio Amazónico, a donde nutricionistas, endocrinos, brujas, curanderas, sobanderos, pero todo ha sido en vano.En medio de su angustia y profunda soledad, ha descubierto que alguien le habla y ese ser misterioso le ha hecho pensar que puede deshacerse del problema si mata a su destino. ¿Será capaz de hacerlo? ¿Logrará por fin Marcelo quitarse ese peso de encima?Esa respuesta la encontrará en la temporada de estreno de "Matar al destino". La obra tendrá funciones los viernes y sábados a las 8:00 p.m. y domingo a las 4:00 p. m. ¿Quién es el director Jorge Mario Escobar?El actor, director y productor teatral, Jorge Mario Escobar, es comunicador social y periodista de la Universidad Los Libertadores. Magíster Interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas de la Universidad Nacional de Colombia.Su pregunta artística gira en torno al lenguaje de lo cómico a través de la técnica del clown. Ha participado como actor en distintos montajes para compañías como: Teatro Petra, La Libélula Dorada, Casa del Silencio, El Vulgar, Teatro Nacional, Ku Klux Klown, LaClowmpañía, entre otras.Ha realizado giras nacionales e internacionales por Argentina, Brasil, Chile, Ecuador, México, Alemania, España, Francia, Bosnia y Herzegovina, entre otras.En el campo audiovisual, fue actor titiritero y libretista del programa infantil CLUB 10 de Caracol TV. Libretista de la comedia La Familia Cheveroni de Caracol TV. Libretista Asistente de la telenovelaNuevo Rico, Nuevo Pobre de Caracol TV. De 2010 a 2020 fue lector de proyectos para el Canal RCN y de 2020 a 2023, fue actor-locutor de RTVC, programa Territorio Mágico.Actualmente, es codirector artístico de la Compañía Rueda Roja y profesor de planta de la Pontificia Universidad Javeriana, Facultad de Artes, programa de Artes Escénicas, sede Bogotá.No olvide conectarse con la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
El Teatro Mator Julio Mario Santo Domingo abre de nuevo sus puertas para la temporada 2024 e iniciarán del 25 al 28 de enero con Anna Karenina del Balley Györ de Hungría, una compañía que lleva 45 años haciendo ballet contemporáneo. El director del Ballet Györ, Laszlo Veleker, le comentó a la HJCK que Anna Karenina es una de las obras fundamentales para la literatura europea y que fue todo un reto adaptarla al ballet: "la obra es emocional, dramática y muy conmovedora, esto fue un factor importante para poder adaptarla a la danza"."Estaba buscando personas y situaciones emblemáticas, pienso que Anna Karenina es una historia que todos deberían conocer más allá del libro clásico, es de interés general. También me interesaba el triángulo amoroso de la historia, la traición y todo lo que conlleva entender la obra", menciona el director acerca de cómo surgió la idea. El Ballet Györ lleva trabajando cinco años el montaje de la obra, decidieron enfocarse en los sentimientos que brotan de la obra de Tolstoi para poder adaptarla al escenario y convertirla en una pieza hermosa de ballet. ¿De qué trata Anna Karenina?La obra fue publicada por primera vez en forma de serie entre 1873 y 1877. La trama de "Anna Karenina" se desarrolla en la alta sociedad rusa del siglo XIX y explora temas como el amor, la infidelidad, la moralidad, la hipocresía y las consecuencias sociales.La historia sigue la vida de Anna Karenina, una mujer casada y respetable, pero que se enamora apasionadamente del oficial de caballería, el Conde Alexei Vronski. Anna toma la controvertida decisión de abandonar a su esposo y su hijo para seguir a Vronski, lo que desencadena una serie de eventos que tendrán profundas implicaciones para todos los personajes involucrados.A medida que la narrativa se desarrolla, Tolstói entrelaza la historia de Anna con otras tramas secundarias que exploran la vida de otros personajes, como Konstantín Dmitrievich Levin, un terrateniente y amigo de la familia de Anna, cuya búsqueda de la felicidad y el significado en la vida ofrece un contraste con la tragedia de Anna.¿Qué es el Ballet Györ?Fue un hito en el arte de la danza húngara, la historia de la danza húngara y la historia cultural de la ciudad de Győr cuando la clase que se graduó del Instituto de Ballet de la región decidió permanecer unido y fundar una compañía hace 44 años, en 1979. A la causa se unió Iván Markó, quien se despidió de la reconocida compañía de Maurice Béjart y se fue a Győr para convertirse en el líder de la compañía.Con más de cuatro décadas de historia, la Compañía de Ballet de Győr se convirtió en una creadora de tendencias en la escena de la danza húngara. La Compañía se ha presentado en varios de los escenarios más destacados del mundo: el Joyce Theatre (Nueva York), el Queen Elizabeth Hall (Londres) y el Teatro alla Scala (Milán), y en países como Austria, Grecia, Francia, Japón, China, India, Rusia, Dinamarca e Israel.Puede conseguir las entradas en la página oficial del Teatro Mayor o en las taquillas del teatro. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Frente a las noticias de una denuncia de extrema gravedad contra Jan Latham-Koenig en el Reino Unido, el Teatro Colón ha decidido desvincularlo de todas las actividades actuales y futuras que desempeñaba en el ámbito de la Institución", comunicó el prestigioso teatro de ópera a la prensa.La Policía de Londres detuvo el pasado miércoles al director de orquesta de 70 años, acusado de organizar y facilitar un delito sexual contra un menor y de comunicarse con intenciones sexuales con otro, según informó la agencia Reuters.Latham-Koenig era director musical del Teatro Colón de Buenos Aires desde el año pasado.El británico había dirigido hasta este viernes varios conciertos de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires y algunas óperas.El director fundó la Orquesta del Festival Britten-Shostakovich, una cita musical cooperativa entre el Reino Unido y Rusia.Anteriormente, había participado en las temporadas de música clásica del Valle d'Itria (Italia), Brno (República Checa), Dublín o Tokio, y colaborado en un proyecto de divulgación cultural con el arquitecto español, Santiago Calatrava.Está previsto que Latham-Koenig comparezca este viernes ante la Justicia británica.El Teatro Colón fue fundado en 1857 en la capital argentina, pero no fue hasta 1908 cuando se estableció en su histórica y colosal sede en la céntrica avenida 9 de julio de Buenos Aires, junto al famoso Obelisco.Por sus tablas han pasado algunos de los nombres más reconocidos de la música clásica y de la ópera en el siglo XX, como el compositor Igor Stravinsky; los directores de orquesta Herbert von Karajan y Leonard Bernstein; o los intérpretes Maria Callas y Luciano Pavarotti.Con un aforo para 2.478 personas, el Colón es considerado por varios expertos como uno de los mejores teatros líricos del mundo.Recientemente, el presidente de Argentina, Javier Milei, -un conocido aficionado a la ópera- inició su mandato con una recepción en forma de concierto en el teatro, al que acudió junto a varios líderes internacionales y sus colaboradores más estrechos.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Segundo grito, un grito compartido presenta una experiencia de dolor, fuerza y afirmación hacia la vida de ocho mujeres en escena. La exploración para la creación fue motivada por técnicas de la danza movimiento terapia, entre ellas el movimiento auténtico. La búsqueda fue presentar estas experiencias en su realidad encarnada, sin representar; pensar desde el movimiento ¿cómo se sienten estas demandas que vivimos las mujeres por ser mujeres? El resultado es una estética transgresora, que, entre otras cosas, abraza el sonido y el esfuerzo del movimiento. Durante el proceso creativo se construyó un espacio de confianza y cuidado para darle lugar a la reflexión de cada integrante sobre sus vivencias y encontrar su movimiento frente a los estereotipos de género, hilo conductor de la dramaturgia de la obra. Así, aparecen en escena la rabia, la contención, la sonrisa complaciente, la mujer perfecta, la voz y el grito.¿Qué es Guaricha?Es un grupo de artistas provenientes de varios países que por medio del sonido, el ritmo, la voz, el movimiento, las expresiones tradicionales latinoamericanas y el zapateo, busca rescatar, visibilizar y reflexionar acerca de los roles de género y el concepto de lo femenino en el contexto iberoamericano, cuya esencia se desdibuja y confunde tras el velo de un modelo tradicional de comportamiento GUARICHA, es un vocablo del grupo indígena Cumanagoto (antiguamente ubicado en territorio Venezolano), significa simplemente “Mujer” (ESGUERRA 1997). Sin embargo, en un proceso de desacreditación de la cultura indígena, el término inicia una distorsión que desemboca en un colombianismo de índole despectivo: en la jerga colombiana, es sinónimo de “vagabunda” o “prostituta” (Diccionario de Colombianismos 2012) Es por esto que el proyecto pretende rescatar el significado original del vocablo, al mismo tiempo que resalta el significado de lo femenino en la sociedad occidental.Las funciones en Bogotá se dividirán de la siguiente manera: 26 y 27 de enero 7:30 p.m. en Casa Arkham (Cra. 17 #48 – 28) Teusaquillo; 1y 2 de febrero 3:00 p.m. en el Centro Cultural El Barrio (Cra. 83 # 77 A 24) Engativá; el 9 y 10 de febrero 7:30 p.m. en La Tribu Art Club (Cra. 52 #106-25) Suba. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
"Es un gran honor ser nombrada directora del National Theatre", reaccionó Rubasingham en un comunicado publicado el miércoles en el sitio web del teatro."Para mí es el mejor trabajo del mundo", añadió.Rubasingham es también la primera persona de una minoría que se hace cargo de este teatro, situado a orillas del Támesis, en el centro de la capital británica.Nacida en Sheffield, en el norte de Inglaterra, en una familia originaria de Sri Lanka, estudió teatro en la Universidad de Hull, en el noreste del país.Rubasingham era desde 2012 directora artística del Kiln Theatre, ubicado en un barrio multicultural del noroeste de Londres, convirtiéndolo en uno de los centros culturales más prestigiosos de la capital.La nueva responsable del National Theatre trabajará junto a Kate Varah, directora ejecutiva, en el marco de una codirección.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Era ingenua, pero había imaginado que yo sería la persona que anunciaría la muerte de mi marido, Paul Auster. Murió en casa, en una habitación que le encantaba, la biblioteca, una habitación con libros en todas las paredes desde el suelo hasta el techo, pero también con altas ventanas que dejaban entrar la luz. Murió con nosotros, su familia, a su alrededor el 30 de abril de 2024 a las 18:58. Algún tiempo después, descubrí que incluso antes de que se llevaran su cuerpo de nuestra casa, la noticia de su muerte circulaba por los medios de comunicación y se habían publicado obituarios. Ni yo, ni nuestra hija Sophie, ni nuestro yerno Spencer, ni mis hermanas, a las que Paul quería como a sus propias hermanas y que fueron testigos de su muerte, tuvimos tiempo de asimilar nuestra dolorosa pérdida. Ninguno de nosotros pudo llamar o enviar un correo electrónico a sus seres queridos antes de que empezaran los gritos en línea. Nos robaron esa dignidad. No conozco la historia completa de lo sucedido, pero sé una cosa: Está mal.Paul nunca abandonó Cancerlandia. Resultó ser, en palabras de Kierkegaard, la enfermedad de la muerte. Tras el fracaso de los tratamientos, su oncólogo le ofreció quimioterapia paliativa, pero él dijo que no y pidió un hospicio en casa. Muchos pacientes sufren los estragos del tratamiento contra el cáncer, y algunos se curan, pero lo que el mundo de la medicina llama educadamente "efectos adversos" se convierte fácilmente en una realidad en cascada de una crisis tras otra, causada, no por el cáncer, sino por el tratamiento. Las inmunoterapias, que actúan a nivel molecular, pueden ser especialmente peligrosas. Un "efecto" puede poner en peligro la vida y exigir una intervención drástica, que a su vez provoca otro efecto potencialmente mortal, que exige una nueva intervención, y el cuerpo agredido se debilita cada vez más.Paul ya estaba harto. Pero nunca, ni con palabras ni con gestos, dio muestras de autocompasión. Su valor estoico y su humor hasta el final de su vida me sirven de ejemplo. Dijo varias veces que le gustaría morir contando un chiste. Le dije que era poco probable, y sonrió.Paul era, sobre todo, un contador de historias. Escribía muchas historias, tanto ficticias como reales, pero también le encantaba contarlas, y a veces me divertía ver cómo, cuando nos sentábamos juntos en la consulta de un médico tras otro en estos dos últimos años, se ponía en modo narrador, volvía atrás para preparar el escenario y luego avanzaba con la fascinante historia de su propia enfermedad. Yo, en cambio, soltaba preguntas concisas sobre procesos biológicos que necesitaban aclaración. Muchas veces, como esperaba, los médicos no tenían respuestas.Los dejo con la última frase de la última novela de Paul, Baumgartner. No fingiré que cuando me la leyó no sentí la gravedad de su significado. Entonces estaba enfermo, sufría fiebres todas las tardes y, aunque aún no le habían diagnosticado cáncer, yo tenía la potente sensación de que a él y a mí no nos quedaba mucho tiempo juntos, pero observen la ambigüedad, la suave ironía, el rechazo de lo definitivo, lo absoluto, lo rígido o categórico. El querido anciano de Paul ha tenido un accidente de coche: "Y así, con el viento en la cara y la sangre aún goteando de la herida de su frente, nuestro héroe sale en busca de ayuda, y cuando llega a la primera casa y llama a la puerta, comienza el capítulo final de la saga de S.T. Baumgartner".💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.No olvidemos que detrás de nuestros inventos técnicos y de las redes sociales hay seres humanos, que los fallos nos pertenecen, no a las máquinas, por mucho que la tecnología ayude a la simplificación. Una máquina no gritó la noticia de la muerte de Paul antes de que yo o nuestra hija hubiéramos dicho una sola palabra al respecto. Lo hizo una persona. También puede ser ingenuo por mi parte pedir amabilidad, respeto y amor en un mundo de beligerantes categorías sin aire, a las que tantos de nosotros hemos sido asignados, Paul incluido. La brutalidad de esas categorías encogen la realidad dinámica en cosas estáticas. Sustituyen la humildad del no saber por una fea certeza. Es desconcertante mirar a mi alrededor y descubrir que innumerables personas que conocieron a Paul, más y menos, a menudo menos, pontifican ahora sobre el hombre que yo amé. Bueno, que así sea. No tengo control sobre eso.Me he reído a carcajadas del estereotipo perpetrado en los medios de comunicación de este país, y a veces también en los del Reino Unido, de Paul Auster, el escritor frío, inteligente, "posmoderno" e "intelectual". Esta caricatura fabricada es tan ajena tanto a la persona como a los escritos que he conocido íntimamente durante cuarenta y tres años, y era, francamente, tan confusa para él, que simplemente no podía entender de qué se trataba. Como su testigo, amiga, amante, colega escritora y primera lectora (como él lo fue mío), sólo puedo decir que escribía desde las profundidades del sentimiento, desde los espacios de ensueño donde nacen, se desarrollan y terminan los grandes libros. No son los espacios de las convenciones prescritas, de las novelas y memorias que salen de los departamentos de escritura creativa de las universidades de Estados Unidos, resbaladizas obras de prosa bruñida que se han convertido en los equivalentes literarios de los algoritmos que "normalizan" los datos deshaciéndose de los "valores atípicos", absurdas mercancías de mercado de "relacionabilidad". ¿Qué significa esa palabra? ¿"Relacionable" con quién? Una relación requiere al menos dos personas concretas. ¿Se ha reducido la cultura de los medios de comunicación a considerar la enorme diversidad de personalidades humanas y sus historias como una sola masa? ¿No es un acto de terrible arrogancia declarar que una obra de arte es o no relacionable?Mi marido no tenía ordenador. Escribía a mano y mecanografiaba sus manuscritos en una máquina de escribir Olympia. En los últimos días de su vida, escribía cartas a nuestro nieto Miles. Su diminuta caligrafía se tambaleaba como consecuencia de un temblor causado por el tratamiento, pero tachó esas cartas hasta que perdió toda fuerza. Nuestra ayudante y querida amiga, Jen Dougherty, descifró los textos después de que yo los hubiera fotografiado, y los mecanografió para él. Quería que fuera su último libro. En un arrebato de determinación, consiguió terminar una carta y redondear su texto, pero el manuscrito no es largo. Con esa carta terminó su vida de escritor.Las historias de Paul viajan. A diferencia de gran parte de la literatura publicada en Estados Unidos, su obra no es parroquial. Aunque creció y floreció sobre todo en su propio terreno -una infancia en Nueva Jersey, una pasión constante por el béisbol, un amor por la tradición y la historia de Estados Unidos-, su obra se ha traducido a más de cuarenta idiomas. Hace años perdimos la cuenta exacta. Es muy querido en América, Europa, Oriente Medio, Japón, Corea y recuerdo haber visto su cara en la portada de lo que creo que era el Esquire chino. Su escritura traspasa fronteras porque, aunque sus novelas y memorias se visten con los ropajes de sus épocas y lugares particulares y la mayoría de las veces se desarrollan íntegramente en Estados Unidos, los huesos de sus historias abordan cuestiones que van mucho más allá de cualquier aquí y ahora. ¿Qué significa estar vivo? ¿Cómo podemos los seres humanos cegados encontrar un camino a seguir cuando estamos atrapados por nuestras propias limitaciones perceptivas? ¿Qué es un acto moral? Y una y otra vez, ¿cómo sigue adelante la gente tras la terrible pérdida de un ser querido? Es una pregunta excelente. ¿Cómo lo hacemos?No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
'El proceso' es una de las novelas más aclamadas del siglo XX que, nada más aparecer en 1925, tras la muerte de Kafka, fue admirada por escritores como Thomas Mann y elogiada por grandes pensadores como Walter Benjamin, Adorno o Hannah Arendt.El epílogo que completa esta nueva edición explica el origen biográfico de la obra y proporciona una visión panorámica de sus múltiples interpretaciones y resonancias, explicó este jueves Arpa.Esta novedosa traducción es obra del filósofo y germanista Luis Fernando Moreno Claros, que sigue fielmente los manuscritos originales de Kafka y recrea su estilo tan característico.Josef K., un ciudadano corriente, se despierta una mañana en presencia de unos misteriosos funcionarios que han ido a detenerlo a la pensión en la que reside.Le interrogan y le comunican que se le permite seguir con su vida diaria a pesar de estar detenido y, a partir de ahí, se ve envuelto en un proceso judicial laberíntico cuyo inexplicable entramado intentará desentrañar.💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Para ello tendrá que adentrarse en el enigmático mundo del 'tribunal', una instancia omnisciente que todo lo domina desde las sombras.Con este argumento, 'El proceso' se ha interpretado como la novela que mejor simboliza la alienación y el desamparo del hombre moderno: un ser perdido en una maraña de burocracia absurda, anonadado ante la fuerza de un poder abstracto que lo somete, y que se ve abandonado a su desesperación en medio de un mundo falto de cordura, o simplemente condenado a existir y morir sin haber dado un sentido a su vida.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
“Al final los festivales lo que consiguen es crear una especie de pequeña ciudad, una ciudad efímera durante unos días en los que tiene que poner a disposición de miles de personas todas las necesidades básicas para favorecer un desarrollo sostenible”, destacó en una entrevista Paula Ráez, consultora de cultura y sostenibilidad de la Asociación Española de Festivales de Música y Gabeiras & Asociados.En 2023 se celebraron en España cerca de mil festivales en un negocio que generó casi 580 millones de euros, según los datos del Anuario de la Música en Vivo. Un sector en el que uno de los principales objetivos es reducir su impacto y cumplir, entre otros, con los compromisos adquiridos en la Agenda 2030 de desarrollo sostenible de la ONU.Un desafío que ya se traduce en mejoras significativas como el descenso del 75% con respecto a 2022 en el uso de plásticos o una reducción de las emisiones medias por persona y día, según el estudio de la británica Greener Future, una de las principales certificadoras y asesoras de sostenibilidad en festivales.“Se ha avanzado bastante. Cada vez son más los festivales que se suben a este carro. Creemos que el carácter transformador de la cultura puede contribuir directamente a favorecer un desarrollo más sostenible de los territorios, más responsables”, añadió Ráez.Pero también se unen los propios músicos, con bandas como Radiohead o Coldplay que ya exigen conciertos de “carbono neutro” y en los que haya una gestión responsable de los residuos.En este sentido, Coldplay logró emitir con su última gira mundial “Music Of the Spheres” hasta un 47% menos de CO2 en comparación con la de 2016-2017 gracias al uso de baterías y vehículos eléctricos, reducción de plásticos o el uso en sus escenario de materiales sostenibles como el bambú, según el informe publicado por el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT).💬 Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí. Empresas y promotores, unidos“Los festivales son pequeñas ciudades donde se pueden llevar a cabo pruebas movilidad, de suministro o de alimentación”, destacó a EFE Ignacio Asensi, responsable de patrocinio de Endesa, empresa que entró en 2023 en el mundo de la música para aportar soluciones en emisiones, transporte eléctrico, concienciación ambiental o uso de materiales sostenibles.De este modo, el pasado verano lograron que el festival Cruïlla de Barcelona fuera el primero en España con un suministro energético cien por cien renovable.“La sostenibilidad es algo que está absolutamente integrado en nuestro negocio. Sumarte al entorno local y ver las problemáticas o las necesidades que tienen. Por ejemplo, ahora en Cataluña sería muy interesante poder hacer algo en torno al agua, la utilización correcta del agua”, asegura.Otro de los sectores clave para minimizar la huella de los festivales es el de las bebidas, que suponen el 60% del patrocinio total, con marcas obligadas a ofrecer materiales reutilizables y una gestión de residuos sostenible.“Todo lo que se hace tiene un filtro de sostenibilidad. Tenemos que ser muy estrictos con este tipo de problemas. En general hay una buena cultura de los asistentes o en la convivencia de los propios festivales con la ciudad. Es un impacto muy positivo”, añade el Content Manager de Vibra Mahou, David Pejenaute.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Yo tenía ocho años. En aquel momento de mi vida, nada me importaba más que el béisbol. Mi equipo era el New York Giants, y seguía las actividades de aquellos hombres de gorra naranja y negra con la devoción de un verdadero creyente. Incluso ahora, al recordar ese equipo que ya no existe, que jugaba en un estadio que ya no existe, soy capaz de recitar los nombres de casi todos los jugadores. Alvin Dark, Whitey Lockman, Don Mueller, Johnny Antonelli, Monte Irvin, Hoyt Wilhelm. Pero ninguno era tan grande, tan perfecto ni tan digno de veneración como Willie Mays, el incandescente Say-Hey Kid.Aquella primavera me llevaron a mi primer partido de liga. Unos amigos de mi padre tenían asientos de tribuna en el Polo Grounds, y una noche de abril fui con mis padres y sus amigos a ver a los Giants contra los Milwaukee Braves. No sé quién ganó, no recuerdo un solo detalle del partido, pero sí recuerdo que, cuando acabó, mis padres y sus amigos se quedaron charlando en sus asientos hasta que todos los espectadores se hubieron marchado. Se nos hizo tan tarde que tuvimos que cruzar el campo y salir por una de las puertas centrales, que era la única que estaba abierta. Y dio la casualidad de que esa salida estaba justo debajo de los vestuarios de los jugadores.En el momento en que nos acercamos a la puerta, atisbé a Willie Mays. No había duda alguna de que era él. Se trataba de Willie Mays en persona, ya sin el uniforme del equipo, vestido con ropa de calle a menos de tres metros de mí. Conseguí que mis piernas me llevaran hacia él, y a continuación, haciendo acopio de todo mi valor, hice que las palabras me salieran de la boca:—Señor Mays —le dije—, ¿podría firmarme un autógrafo?Mays debía de tener unos veinticuatro años, pero fui incapaz de llamarle por su nombre de pila.Su respuesta a mi pregunta fue brusca pero amigable.—Claro, chaval —dijo—. ¿Tienes un lápiz?Recuerdo que estaba tan lleno de vida, hasta tal punto rebosaba juventud y energía, que no dejaba de dar saltitos mientras hablaba.💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Pero yo no llevaba lápiz, de modo que le pedí a mi padre si podía prestarme el suyo. El tampoco llevaba. Ni mi madre. Y resultó que los demás adultos tampoco.El gran Willie Mays seguía allí, mirándome en silencio. Cuando quedó claro que no había nadie en el grupo que llevara nada con lo que escribir, se volvió hacia mí y se encogió de hombros.—Lo siento, chaval —dijo—. Si no tienes lápiz, no puedo firmarte un autógrafo.Y salió del estadio perdiéndose en la noche.No quería llorar, pero las lágrimas empezaron a caerme por las mejillas, y no pude hacer nada para impedirlo. Y lo peor fue que seguí llorando en el coche hasta que llegamos a casa. Sí, estaba abatido, decepcionado, pero también irritado conmigo mismo por no ser capaz de controlar las lágrimas. No era ningún crío. Tenía ocho años, y se suponía que un muchacho de esa edad no debía llorar por algo así. No sólo no tenia el autógrafo de Willie Mays, sino que tampoco tenía nada más. La vida me había puesto a prueba, y yo no había sabido dar la talla.Después de aquella noche, comencé a llevar un lápiz conmigo allí donde iba. Adquirí la costumbre de no salir de casa sin antes asegurarme de que llevaba un lápiz en el bolsillo. No es que planeara hacer nada con él, pero no quería que me cogieran otra vez desprevenido. En una ocasión ya me habían pillado con las manos vacías, y no iba a permitir que eso volviera a pasarme.Cuando menos, los años me han enseñado esto: si llevas un lápiz en el bolsillo, hay bastantes posibilidades de que algún día te sientas tentado a utilizarlo.Como me gusta decirles a mis hijos, así es como me hice escritor.No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.
Paul Auster, nacido el 3 de febrero de 1947 en Newark, Nueva Jersey, fue un autor estadounidense cuyo trabajo significó uno de los paradigmas de la literatura norteamericana contemporánea. A lo largo de su carrera, Auster fue aclamado por su habilidad para explorar temas complejos como la identidad, el azar y la soledad a través de una prosa distintiva y evocadora.💬Síganos en nuestro canal de Whatsapp aquí.Uno de los aspectos más destacados de la obra de Paul Auster fue su famosa "Trilogía de Nueva York", compuesta por las novelas "Ciudad de cristal" (1985), "Fantasmas" (1986) y "La habitación cerrada" (1986). Esta trilogía, considerada una obra maestra del género posmodernista, fusionó elementos del thriller, la metaficción y la filosofía existencialista para crear una narrativa absorbente que desafió las convenciones literarias tradicionales.Auster fue conocido por su estilo de escritura conciso y reflexivo, así como por su uso magistral de la estructura narrativa fragmentada y la voz narrativa ambigua. Sus personajes a menudo se encontraban en mundos enigmáticos y laberínticos donde la realidad se entrelazaba con la fantasía, lo que invitaba al lector a reflexionar sobre cuestiones fundamentales de la vida y la experiencia humana.Además de su trilogía más famosa, Auster produjo una amplia gama de obras que abarcaban novelas, ensayos, poesía y memorias. Entre sus obras más destacadas se encontraban "El libro de las ilusiones" (2002), "Brooklyn Follies" (2005), "4 3 2 1" (2017) y "Diario de invierno" (2012). En cada una de estas obras, Auster demostró su maestría para tejer historias complejas y profundamente humanas que resonaban con los lectores a nivel emocional e intelectual.El trabajo de Auster fue destacable por su capacidad para capturar la esencia de la condición humana en todas sus complejidades y contradicciones. Su enfoque introspectivo y su exploración de temas universales como el destino, el azar y la búsqueda de significado consolidaron su lugar como uno de los escritores más influyentes de su generación.Auster falleció el martes 30 de abril a los 77 años después de padecer cáncer de pulmón. A lo largo de su carrera, fue galardonado con numerosos premios y reconocimientos, incluyendo el Premio Príncipe de Asturias de las Letras en 2006. No olvide conectarse a la señal en vivo de la HJCK, el arte de escuchar.